Miércoles 14 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 15 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Lars Bjarnø · Código PULEP: JLC408 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Paul Hillier, director Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que dependiendo del programa se permitirá o no el ingreso a la sala una vez iniciado el concierto. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. 1 BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO – 60 AÑOS En 2018, la Biblioteca Luis Ángel Arango está de aniversario. Nuestra biblioteca cumple sesenta años de servicio y de ser uno de los ejes fundamentales del desarrollo de la labor cultural del Banco de la República. Bajo su dirección se desarrolló no solo una labor enfocada en el fortalecimiento de una colección bibliográfica dispuesta para consulta y préstamo sino labores tan apreciadas y fuertes hoy día como son los proyectos de los museos de la Manzana Cultural y la labor musical que se desarrolla desde la Sala de Conciertos. Toda la labor cultural del Banco de la República se irradia a nivel nacional hacia 28 ciudades que reciben el préstamo de libros, conciertos y exposiciones de diferentes índoles. Asimismo, desde las diferentes ciudades, se propende por la recuperación de la memoria local y por gestionar proyectos que después impactan al resto del país. La Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, que desde un principio se propuso presentar a artistas representativos de la música de cámara nacional e internacional, ha evolucionado, junto con la biblioteca, en la manera de entender sus servicios, sus usuarios y su papel en la vida cultural del país. Es así como, con el paso del tiempo, sus criterios de programación han tenido ajustes y su orientación ha dado giros para fortalecer al sector musical nacional, procurando siempre mantener el propósito de celebrar la creatividad y musicalidad local, regional y universal, y servir como punto de encuentro entre diferentes generaciones de músicos y públicos. La Temporada Nacional de Conciertos 2018 continúa una labor iniciada durante la primera expansión de la biblioteca en 1966. Inicia la temporada con Stimmung, una obra escrita por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen en 1968, en la que se reúnen varias de las inquietudes estéticas y, por qué no, espirituales y políticas de la época. De esta forma la sala y la biblioteca continúan con su labor de conectar a Colombia con el mundo y al mundo con nuestro país. En esta sala ha sido interpretada música del siglo XII pasando por los grandes nombres de la música occidental como son Bach, Mozart o Beethoven, pero también artistas colombianos –compositores e intérpretes- que han sido protagonistas estelares del desarrollo de la música en el país como creadores y educadores. La temporada 2018 presenta a artistas muy variados que presentarán música antigua, clásica, moderna y contemporánea, así como jazz y música de diferentes lugares del mundo. Esperamos que nos acompañen en esta celebración que, a lo largo del año, contará con artistas de España, Sur África, Francia, Suiza, Israel, Suecia, Reino Unido, Alemania, Portugal, México, Nueva Zelanda y, desde luego, Colombia. Entre toda esta oferta vale resaltar tres cosas: primero, el énfasis que habrá en el primer semestre en la música vocal con la presentación de los ensambles Theatre of Voices, La main harmonique, Vocalconsort Berlin, Ensamble Villancico y Stile Antico; segundo, el estreno de una obra comisionada por el Banco de la República al compositor nariñense Gustavo Parra –el estreno lo realizará el ensamble mexicano CEPROMUSIC- y; tercero, el homenaje que se le rendirá en octubre al compositor vallecaucano Luis Carlos Figueroa. En 2018 estamos de aniversario y nuestra programación musical es solo una parte de las actividades. Esperamos que puedan aprovechar toda la oferta cultural recogida en esta celebración. ¡Bienvenidos! 2 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Else Torp, soprano Signe Asmussen y Randi Pontoppidan, mezzosopranos Wolodymyr Smiskewych y Jakob Skjoldborg, tenores Jakob Bloch Jespersen, bajo barítono Ian Dearden, diseño sonoro Theatre of Voices fue fundado en California por Paul Hillier, pero su sede principal se encuentra actualmente en Dinamarca. Sus interpretaciones abarcan música de Perotin, Dowland, Carissimi, Buxtehude y Bach, y ha participado en proyectos con varios compositores contemporáneos de Foto: Klaus Holsting 3 renombre como Berio, Pärt, Reich, Cage, Pelle Gudmundsen-Holmgreen y Stockhausen. Theatre of Voices trabaja y graba con la London Sinfonietta y el Cuarteto Kronos. Además, se presenta frecuentemente en el Festival de Edimburgo, el Centro Barbican y el Carnegie Hall, en conciertos con boletería totalmente agotada. En el 2008 abrieron el Festspiele de Berlín con la obra Stimmung, de Stockhausen, a petición del compositor mismo, y participaron en los Proms de la BBC. En los últimos años han hecho giras por Hong Kong, Australia, Suecia, Reino Unido, México, Estados Unidos, Italia, Francia, Polonia, Bélgica, Alemania, Portugal, Luxemburgo y Holanda. Entre sus últimos lanzamientos se cuentan Stimmung, de Stockhausen, The Little Match Girl Passion, de David Lang —por el que el grupo recibió un Premio Grammy en el 2010, el mismo año de su vigésimo aniversario de fundación—, Stories (Berio, Cage, Berberian), The Christmas Story y Creator Spiritus, de Arvo Pärt, todos bajo el sello Harmonia Mundi. También, con el sello Dacapo Records, Theatre of Voices lanzó las Cantatas escandinavas de Buxtehude, el primero de una serie de cinco álbumes. En el 2013 Theatre of Voices fue nominado al Premio de Música del Consejo Nórdico, y en el 2014 la pieza titulada My Heart’s in the Highlands, del álbum Pärt: Creator Spiritus, interpretada por el grupo, fue utilizada en La Grande Bellezza, película de Paolo Sorrentino, que ganó un Óscar. Esta misma pieza apareció en Mojo Magazine como una de las favoritas de la banda Nick Cave and the Bad Seeds. El ensamble también ofrece talleres y trabaja en proyectos cinematográficos. Actualmente trabaja con el documentalista danés Phie Ambo y el compositor islandés nominado al Óscar, Jóhann Jóhannsson (The Farmer and the Universe, Arrival, Mary Magdalene). Theatre of Voices cuenta con el patrocinio del Consejo Danés para las Artes. 4 Paul Hillier, director Hillier ha sido el director artístico de Theatre of Voices desde 1990. Director y fundador del Ensamble Hilliard y actual director de la orquesta Ars Nova Copenhagen, su carrera abarca el canto, la dirección y la publicación de múltiples escritos sobre música. Sus libros acerca de Arvo Pärt y Steve Reich, así como varias antologías de música coral, han sido publicados por Oxford University Press. Ha trabajado como profesor en la Universidad de California en Santa Cruz y Davis, y entre 1996 y 2003 fue el director del Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana. En el 2006 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico (OBE) por su contribución a la música coral, y en el 2007 lo fue con la Orden de la Estrella Blanca de Estonia. Ese mismo año recibió el Grammy otorgado a la mejor grabación coral (con el Coro de Cámara de la Filarmónica de Estonia). En el 2008 fue nombrado director artístico y director de orquesta principal del Coro Nacional de Cámara de Irlanda, y en el 2009 fue invitado a formar parte del nuevo coro Casa da Musica, en Oporto, Portugal. Ganó un segundo Grammy en el 2010 con Theatre of Voices y Ars Nova Copenhagen, y en el 2013 recibió la distinción Ridder af Dannebrog (Caballero de la Orden de Dannebrog), otorgado por Su Majestad La Reina de Dinamarca. Foto: Ditte Capion 5 PROGRAMA Stimmung (1968) KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007) CONCIERTOS Nos. 1 y 2 Este concierto no tiene intermedio. Una vez haya iniciado el concierto no se permitirá el ingreso a la sala. 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Karlheinz Stockhausen (1928-2007) es uno de los compositores alemanes de mayor reconocimiento en nuestros días. Su legado artístico fue determinante para el desarrollo de las nuevas corrientes estéticas de la vanguardia europea y, junto a Pierre Boulez, se le considera una de las más importantes influencias pedagógicas para las nacientes generaciones de músicos. Gracias especialmente a su relación con la escuela de Darmstadt y las diferentes escuelas de investigación de París, logró crear nichos artísticos en los que innumerables compositores e intérpretes desarrollarían proyectos de creación y exploración estética fundamentales para el desarrollo intelectual europeo en los años de postguerra y cuyas innovaciones siguen alimentando nuevas tendencias hasta nuestros días. Stockhausen nació en 1928 en Burg Mödrath, cerca de Colonia, y tuvo una formación musical tardía y congestionada por problemas familiares alimentados por los estragos de la guerra. Su madre, recluida desde 1933 en un sanatorio por diversos problemas psiquiátricos, fue asesinada por el régimen nazi cuando Karlheinz tenía catorce años; el padre, un granjero que posteriormente se dedicó a la educación, también murió durante la guerra en 1945. El joven Stockhausen fue llevado a una institución de formación pedagógica en Xanten, en la región de Düsseldorf, donde estuvo trabajando en un hospital militar. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial regresó a Colonia, ingresó a la Rheinische Musikschule en 1947 y obtuvo su título en Educación Musical en 1951, a la edad de veintitrés años. En 1951, Stockhausen asistió por primera vez al Ferienkurse für Neue Musik, en Darmstadt, donde estableció una fuerte amistad con el compositor Karel Goeyvaerts, un antiguo alumno de Messiaen, y en donde adquirió un renovado interés por la composición. En 1952, en su viaje a París para estudiar con Messiaen, conoció a Pierre Boulez, Pierre Schaeffer y otros artistas que progresivamente fueron determinantes en la vanguardia sonora parisina. Desde entonces, la actividad compositiva de Stockhausen creció a tal punto que para 1953 ya era reconocido como uno de los más importantes compositores en las áreas del serialismo y la música electrónica. Stockhausen regresó a la escuela de Darmstadt, donde enseñó con regularidad desde 1956; a partir de entonces, el reconocimiento de la escuela de Darmstadt como foco 7 de creación artística fue en aumento y Stockhausen se estableció como uno de los compositores más visibles en ese medio. Allí fortaleció su actividad como compositor y alimentó su reflexión en la docencia a través de una intensa labor con un colectivo de intérpretes que diseminaron con bastante éxito las nuevas tendencias con las que se identificaría la vanguardia musical europea. Para la década de los sesenta, el reconocimiento internacional de Stockhausen trascendía los círculos de la élite musical europea y era considerado uno de los artistas más influyentes del momento; para entonces los índices de ventas de sus grabaciones para el sello Deutsche Grammophon solo eran superados por las grabaciones de Stravinsky. La aceptación de Stockhausen en la cultura popular se irradió hacia las nuevas generaciones, al punto de que incluso su imagen aparece incluida en la portada del disco de los Beatles Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). El reconocimiento del músico alemán ha estado alimentado asimismo por una reflexión estética y pedagógica determinante para las nuevas tendencias artísticas en los más diversos campos. Si bien en los últimos años de su vida el nombre de Stockhausen estuvo más bien encasillado en los excesos logísticos de su ciclo de óperas Licht y curiosidades de su vida familiar y espiritual, es innegable que su legado estético e intelectual es punto de referencia para definir los avances artísticos de nuestra época. Composición digital por Jacobo Ramírez Vizcaya1. 1 Composición digital a partir de imágenes de dominio público (imagen del LP de los Beatles) y de página del web de la fundación de Stockhausen para la nueva música (firma y símbolo del compositor). 8 Stimmung: una realización estética de la modulación del carácter a través de la transformación tímbrica «Cuando escuchamos sonidos somos transformados; dejamos de ser lo mismo después de escuchar ciertos sonidos. Esto se maximiza cuando escuchamos sonidos organizados, sonidos organizados por otro ser humano: música.» Karlheinz Stockhausen2 Si bien la reflexión anterior puede ser una afirmación bastante abierta y corre el riesgo de tomarse con ligereza, plantea al mismo tiempo una idea germinal sobre nuestra capacidad para resonar con el poder transformador de la música en sus más extensas y variadas manifestaciones. Asimismo, se relaciona directamente con la concepción de Stimmung y la manera en que la obra se desenvuelve en el tiempo. El término stimmung tiene un significado abierto a reconsideraciones que expanden su traducción literal. En el ámbito musical se traduce como ‘afinación’ o ‘entonación’. Corresponde al verbo stimmen, que también significa ‘armonizar’ o ‘concordar’, y se relaciona directamente con la palabra stimme, que se traduce como ‘voz’. En un contexto más amplio, la expresión stimmung se puede emplear para indicar que dos personas están de acuerdo respecto a algo o incluso que se encuentran de buen humor y ‘resuenan’ emocionalmente. Si bien es evidente que stimmung es un título apropiado para una obra escrita para un sexteto vocal cuyos integrantes afinan armónicamente, la ambivalencia de la expresión es fundamental para entender cómo la obra evoluciona a medida que cada miembro del ensamble transforma su respuesta musical para acomodarse al estado emocional característico de cada módulo de la forma musical. Es así como Stimmung se constituye en una exploración de transformación sonora (y emocional) constante. La obra crece progresivamente a través de la pronunciación de diversos fonemas, sílabas, palabras desarticuladas e incluso nombres con implicaciones místicas. Stimmung está organizada en cincuenta y un módulos o secciones, cada una de las cuales está dirigida por 2 Tomado de un fragmento de las conferencias ofrecidas por el compositor en Inglaterra entre 1972 y 1973 y grabadas por Allied Artists. Los fragmentos de las conferencias están disponibles en el sitio web de la Fundación Stockhausen para la Música (http:// www.karlheinzstockhausen.org). Stimmung fue compuesta en 1968; de alguna manera representa parte de las propuestas estéticas cuyos conceptos se cristalizaron teóricamente a través de las conferencias presentadas por el compositor a inicios de la década de los setenta. 9 un cantante ‘líder’ que abre su módulo y que determina qué cantantes deben entrar en estas secciones particulares, así como su manera de interactuar con él. Cada voz femenina lidera un módulo ocho veces y cada voz masculina lidera un módulo nueve veces. Estas secciones crecen acústicamente a través de repeticiones a medida que sus textos generan pulsaciones que reverberan orgánicamente, acomodándose a las transformaciones tímbricas que se desenvuelven en el tiempo. Una vez que el líder de cada módulo determina que el carácter emocional de su sección ha sido alcanzado o transformado suficientemente, define la salida hacia el siguiente módulo y asimismo hacia una nueva transformación, es decir, hacia un nuevo stimmung. El orden de estos módulos queda a discreción de los intérpretes, así como la organización de los textos junto con algunos modelos de variación. Por esta razón, el desarrollo formal de la obra se convierte en una transformación única que crece orgánica e irrepetiblemente para cada interpretación. Mediante este método de composición, Stockhausen mantiene su inclinación hacia el indeterminismo asociado a las ‘composiciones procesuales’, en las que los intérpretes participan activamente tomando decisiones compositivas que afectan el resultado final de cada interpretación. La manera en que los timbres se desenvuelven atmosféricamente en el tiempo constituyó una influencia determinante en su época, por lo cual Stimmung se considera un punto de referencia e inspiración para el estilo de ‘composición espectral’ que se desarrolló principalmente en París durante los años setenta. La manipulación de los timbres y su ámbito armónico son también elementos determinantes para Stimmung. Toda la obra deriva inicialmente sus alturas a partir de los primeros ocho parciales la serie armónica3 de la nota si bemol. A lo largo de la obra, los intérpretes manipulan 3 La serie armónica es un fenómeno acústico por el cual cada sonido (o altura) es acompañado por frecuencias adicionales que reverberan con mayor o menor intensidad. El sonido inicial para cada serie es llamado ‘fundamental’ y las frecuencias acompañantes son llamadas ‘armónicos’ o ‘parciales’; el tipo y cantidad de armónicos que acompañan cada sonido son elementos determinantes para el timbre de cada instrumento o incluso para cada cuerpo emisor de sonido. En la gráfica se presenta la serie armónica de la nota si bemol, cuyos primeros armónicos, junto con su fundamental, son empleados en Stimmung. 10 una atmósfera acústica a través de la exploración de diferentes segmentos de la serie armónica, generando armónicos con la voz que, al entrar en reverberación con otras sílabas, se transforman en diversas pulsaciones sonoras que invaden el escenario expansivamente al amplificarse por medios electrónicos. En julio de 1982, Stockhausen explicaba en su correspondencia al director Gregory Rose las circunstancias que lo condujeron a componer empleando exclusivamente armónicos generados por la voz; esta determinación técnica, revolucionaria para la música occidental de la época (Stimmung fue compuesta en 1968), fue concebida como método de composición por razones puramente pragmáticas: Regresaba de un tour por México (muy caliente) a una pequeña casa sobre la bahía en Madison (Connecticut) que mi esposa Mary había arrendado. Ella vivía allí con nuestros dos pequeños niños. Yo empecé a componer esta obra con muchas melodías, cantando en voz alta todo el tiempo. Pero después de pocos días, mi trabajo solo era posible durante la noche (la bahía estaba congelada, todo era hielo y nieve y terriblemente frío). Los niños necesitaban silencio también durante el día (Simón acababa de nacer). Así que empecé a murmurar, no canté en voz alta de nuevo, empecé a escuchar cómo mi cráneo vibraba, dejé de escribir melodías con fundamentales, me centré en el si bemol bajo, empecé nuevamente y escribí Stimmung probando todo personalmente, murmurando las melodías con armónicos. No hay nada oriental, nada filosófico: solo dos bebés, una casa pequeña, silencio, soledad, noche, nieve, hielo (también la naturaleza dormía): ¡un milagro!4. Como Stockhausen indica en el fragmento anterior, la composición de la obra inició después de una prolongada temporada de viajes, en los que pasó por California, Hawái y varias ciudades mexicanas. De manera especial su estadía en México se caracterizó por la visita a diversas ruinas de templos y culturas precolombinas; allí el compositor se sentaba por horas en constante contemplación, reviviendo en su imaginación los rituales que habrían tenido lugar en los antiguos templos, hasta el punto de resonar emocionalmente con cada cultura. Las impresiones generadas en Stockhausen durante el viaje fueron decisivas, no solo por el acercamiento a los rituales y legados de culturas ancestrales, sino también por la capacidad de empatía emocional generada a partir de las transformaciones y los contrastes tanto de las estructuras con el paisaje como de las personas con su entorno. 4 Fragmento de una carta de Stockhausen al director Gregory Rose, escrita el 24 de julio de 1982. Citado por Gregory Rose y Helen Ireland en las notas a la grabación de Stimmung, a cargo de Singcircle, bajo la dirección de Gregory Rose, para el sello Hyperion (CDA66115, 1986). Traducción del texto: Jaime Ramírez Castilla. 11 De esta manera, y casi paradójicamente, la obra no está concebida exclusivamente como una obra meditativa, sino también como una exploración de transformación acústica. Los textos incorporan diversos nombres de entidades místicas de diferentes culturas, pero también palabras de uso común, como los nombres de los días de la semana en varios idiomas y diferentes efectos vocales; asimismo, el texto incorpora tres breves poemas escritos por Stockhausen en 1967, que se caracterizan por sus juegos de palabras y sus implicaciones eróticas. A medida que avanza la obra, las palabras se desprenden de sus significados. Así como los intérpretes determinan en gran parte el orden de las secciones, son también los intérpretes quienes deciden qué nombres místicos incorporan. Stockhausen indica cuándo incorporar los nombres místicos y algunas variaciones tímbricas; en veintinueve de las cincuenta y un secciones, los intérpretes deben incorporar estos nombres, pero cada cantante tiene once nombres de dónde escoger. Por esto, no todos los nombres se emplean en una misma interpretación y no siempre se emplean los mismos nombres; de acuerdo con las indicaciones del compositor, cada integrante presenta las palabras hasta que, mediante repeticiones, se integran a la sección asimilando el carácter que prevalece por la atmósfera sonora de ese momento. Nombres mágicos presentes en Stimmung5 Abassi-Abumo: Creador del cielo (Nigeria, África) Aeolus: Dios del viento (Grecia) Ahura mazda: Dios de la sabiduría, dios supremo (Persia) Allah: Creador todopoderoso (Islam) Atum-Ra: Dios sol (Egipto) Chalchihuitlicue: Dios del mar y el agua salada (cultura azteca) Chang ti (también llamado Shangdi): Gobernante del cosmos (budismo chino) Chronos: Dios del tiempo (Grecia) Diana: Diosa de la luna, la cacería y la natividad (Grecia) Dionysos: Dios de la fertilidad y del vino (Grecia) Elohim: Deidad (cultura hebrea) Elyon: Dios celestial (cultura hebrea) Gaia: Diosa de la tierra (Grecia) Geb: Dios de la tierra (Egipto) Grogoragally: Dios sol (Australia) 5 Parte considerable de este listado fue generosamente proporcionada por Paul Hillier para la elaboración de estas notas. Otra parte proviene de la versión de Gregory Rose, citada en la nota anterior. 12 Halakwulup: Ancestro de la tierra y también nombre de la población y su lenguaje (Tierra del Fuego) Hera: Protectora de las mujeres y del matrimonio (Grecia) Hina-a-tuatua-a-kakai: Dios del brillo de la luna (Hawái, Polinesia) Indra: Dios de la sabiduría, lucha, dios de la creación (India) Isis: Diosa maternal (Egipto) Kala: Madre tierra (India) Luminut: Dios terrenal (Sulawesi, Indonesia) Mulugu: Creador celestial (etnia kikuyu, África) Munganagana: Dios del viento (Australia) Nazami: Creador celestial (África) Nut: Diosa del cielo (Egipto) Osiris: Dios de la fertilidad y la muerte (Egipto) Poseidón: Dios de los mares (Grecia) Quetzalcoatl: Dios de los dioses, dios de los sacerdotes (culturas tolteca y azteca) Rhea: Diosa de la fertilidad y madre de Zeus (Grecia) Rangi: Dios del cielo (etnia maorí, Polinesia) Shiva: Dios de la destrucción (India) Sedna: Diosa del mar y los animales marinos (cultura inuit, Alaska y Canadá) Singbonga: Dios sol bengalí Sussistinako: Dios del cielo (cultura amerindia sia) Tamoi: Dios celestial guaraní (Paraguay) Tangaroa: Dios sol, creador (etnia maorí, Polinesia) Teteoinnan: Madre de los dioses (cultura azteca) Tlaloc: Dios de la lluvia (cultura azteca) Tochi: Abuela de los dioses (cultura azteca) Ueueteotl: Dios del fuego (cultura azteca) Uitzilopochtili: Dios de la guerra, el sol y los sacrificios humanos, regente de Tenochtitlan (México) Uranos: Dios de los cielos (Grecia) Usi Afu: Dios de la tierra (Timor, Indonesia) Usi Neno: Dios del sol (Timor, Indonesia) Uwoluwu: Creador celestial (etnia akposo, Ghana, África) Varuna: Diosa de la ley y sabiduría (India) Venus: Diosa del amor (Roma) Viracocha: Dios de la civilización quechua (Perú) Vishnu: Dios superior y dios de protección (hinduismo) Wakantanka: Dios del trueno (tribu amerindia sioux) 13 Xochipili: Dios de las flores, las artes y la comodidad: (cultura azteca) Yah-Weh: Dios de Israel (cultura hebrea) Yadilqil: Hombre celestial (pueblo amerindio navajo) Yoni: La mujer eterna (India) Zeus: Dios celestial y rey del Olimpo (Grecia) Primeras versiones de Stimmung y su conexión con la versión actual Stimmung fue comisionada a Stockhausen por la agrupación Collegium Vocale de Colonia, ensamble que estaba conformado por jóvenes recientemente graduados de la Rheinische Musikschule, donde el mismo Stockhausen había sido estudiante. Para marzo de 1968, el compositor se encontraba de regreso en Alemania y se reunió con el Collegium Vocale para poner en marcha el estreno de Stimmung después de varios meses de ensayos. La obra se estrenó en París en diciembre de ese año y el ensamble continuó interpretándola en más de un centenar de presentaciones. Para la década de los setenta, la versión del Collegium Vocale se estableció tan sólidamente que pronto se consideró la ‘versión oficial’ y fue grabada bajo la cercana supervisión del mismo compositor; se le conoce actualmente como la ‘versión París’, sobre la cual Stockhausen posteriormente publicó las ‘partituras’ con todas las indicaciones técnicas implementadas para esta versión en particular. A mediados de la década de los setenta, el director británico Gregory Rose se embarcó en la nueva producción de Stimmung junto a su ensamble Singcircle. Esta nueva versión tuvo gran acogida en todo el Reino Unido y fue posteriormente grabada para el sello Hyperion en 1983. En esta ocasión, Stockhausen también participó directamente: interactuó con el ensamble, mantuvo correspondencia directa con Rose e incluso fungió como ingeniero de sonido en una de las presentaciones de la obra en el Barbican Center de Londres. En esta nueva producción de Stimmung, Paul Hillier fue uno de los integrantes del ensamble Singcircle y trabajó bajo la dirección de Gregory Rose y la supervisión de Stockhausen. Hasta el momento, las grabaciones de Stimmung por Collegium Vocale en la década de los setenta y por Singcircle en la década de los 80 han sido consideradas las mejores de la época al atestiguar una relación directa con el compositor. Años después, Paul Hillier asumió la dirección del ensamble Theatre of Voices que nos acompaña en esta oportunidad. Con ánimos renovados, Hillier se dio a la empresa de crear una nueva producción de la obra; habiendo 14 trabajado anteriormente con Stockhausen y bajo la dirección de Gregory Rose, Hillier conocía de cerca la obra y las minucias interpretativas requeridas por el compositor. Para la versión de Theatre of Voices, Hillier reanudó la colaboración directa de Stockhausen, quien aconsejaba tanto elementos musicales como logísticos (atuendos, iluminación, mobiliario, etc.), pero se aseguró de que no se perdieran las libertades interpretativas que la obra brindaba al ensamble. La versión que hoy nos convoca atestigua el desarrollo de un legado artístico que desde sus primeras interpretaciones cuenta con el aval oficial del compositor, en una sinergia creativa que responde a la renovación estética que ha vivido a través de los años. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 15 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 ROY ASSAF TRÍO, jazz (Estados Unidos) Domingo 18 de febrero · 11:00 a.m. BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRÍO jazz (Estados Unidos) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene una corrección realizada en el primer párrafo del texto introductorio incluido en la primera página. Asimismo, contiene un retoque en la diagramación del contenido en la página dos y una corrección ortográfica en la última página de divulgación de próximos conciertos.

Foto: Sonia Hernández Muñoz Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN FELIPE SALAZAR órgano (Colombia) Jueves 17 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WSD890 TOME NOTA El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. El servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. Transcurridas las 4 horas se cobra tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. P 1 JUAN FELIPE SALAZAR órgano Pianista egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Cursó la carrera de Música instrumental en la cátedra de la maestra Ángela Rodríguez Piñeros. Comenzó sus estudios de piano con la maestra Blanca Bernal en la escuela de música La Clave. Posteriormente, en el 2011, se graduó como bachiller técnico en la especialidad de música en el Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco. Ese mismo año ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad Nacional, donde dos años más tarde fue admitido al programa de pregrado. A lo largo de su carrera y como parte del currículo, su formación pianística se vio complementada con los componentes de libre elección dedicados al órgano. Dentro de estas asignaturas estudió bajo la guía del maestro Mauricio Nasi, con quien emprendió una perpetua adquisición de conocimientos para dominar el aerófono con teclados. Paralelamente ha participado activamente en talleres y cursos de órgano en la Biblioteca Luis Ángel Arango con Esteban Elizondo y Pascal Marsault; de piano con Ludmila Weber, de improvisación con Rudolf Lutz, de clavecín con Carole Cesari y de acompañamiento con Philippe Raskin. También, en el marco del ciclo de conciertos Bach en Bogotá de la Catedral Primada, ha tomado parte en las clases impartidas por Pavel Svoboda, Cristina García y Matthias Havinga. Con la puesta en práctica de todos estos saberes, ha realizado numerosas presentaciones que incluyen conciertos con orquesta y recitales como solista, acompañante y en grupos de cámara, en emblemáticos templos de Bogotá y Cundinamarca, como la Iglesia de Nuestra Señora de la Candelaria, la capilla de los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, la Iglesia evangélica luterana San Mateo, la Capilla del Seminario Mayor de Bogotá, el Monasterio San Benito en El Rosal y la Iglesia de los Santos Ángeles Custodios. Durante su paso por la Universidad Nacional fue solista en el ensamble barroco de música antigua, con el que se presentó en el Auditorio Olav Roots en el 2015. Al año siguiente actuó bajo la dirección del maestro Fernando Parra con el órgano de la capilla Cristo Maestro de la misma universidad, en la interpretación del Gloria de John Rutter, junto con el conjunto de cobres del conservatorio de música y los coros de las maestras Beatriz de Calle y Sandra Patricia Rodríguez. Actualmente adelanta estudios de filología en alemán en el Departamento de Lenguas Extranjeras de la Universidad Nacional de Colombia. 2 PROGRAMA Corrente italiana (s. f.) JUAN BAUTISTA JOSÉ CABANILLES (1644-1712) Aria Sebaldina en fa menor, P.198 (1699) JOHANN PACHELBEL (1653-1706) Fantasía y fuga en la menor, BWV 904 (c. 1725) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) INTERMEDIO Lied en la bemol mayor Coral en sol menor LOUIS VIERNE (1870-1937) Dos obras del segundo libro de 24 piezas en estilo libre, Op. 31 (1914) Concierto para órgano solo, Op.153a (adap. 2017) Andante maestoso Quasi adagio Allegro - Toccata MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949) JUAN FELIPE SALAZAR (n. 1995) Adaptación del Concierto para órgano y orquesta, Op.153 (2016) de MAURICIO NASI LIGNAROLO CONCIERTO No. 24 3 LA INMENSIDAD DEL SONIDO Por Angélica Daza «El órgano es, todavía, a mis ojos y a mis oídos, el rey de todos los instrumentos.»1 W. A. Mozart Así respondió el famoso músico austriaco cuando uno de sus contemporáneos se sorprendió al enterarse de su interés por interpretar el instrumento: «¡Cómo! ¿Un hombre como usted, tan buen pianista, quiere tocar un instrumento en el que no hay suavidad ni expresión, ni piano, ni forte, sino que es siempre el mismo?»2 (Curzon, 1888, 105). Esta frase resume la opinión que en muchos medios se tuvo del órgano durante el clasicismo, época en la que, en comparación con el Barroco, el instrumento entró en decadencia. El abandono del bajo continuo en la música clásica y la invención del piano, instrumento más sencillo de manejar y que podía producir nuevos matices, contribuyeron a este olvido progresivo. El órgano tendría que esperar al post-romanticismo y al siglo xx para renacer de las cenizas. El ‘rey de los instrumentos’ es muy antiguo: su origen se remonta al siglo III a. C., y desde entonces ha sufrido adaptaciones y evolucionado en distintos contextos y lugares, para mejorar y ampliar sus capacidades sonoras. Más que un instrumento, es una increíble obra de ingeniería, compleja y sofisticada, que puede alcanzar proporciones gigantes. Los órganos de iglesia más grandes forman parte estructural y estética de los edificios a los que pertenecen. Los órganos de la Edad Media y el Renacimiento eran mucho más pequeños y algunos estaban dotados de mecanismos hidráulicos variados y complejos. Se dividían básicamente en positivos (los que se emplazaban en un lugar) y portativos (los que se podían transportar). Los positivos, aunque más grandes que los portativos, podían desplazarse y no estaban fijos en algún lugar de la iglesia ni integrados a su arquitectura. Williams (1984, 854), en The Grove Dictionary of Musical Instruments, menciona que el órgano fue un instrumento exclusivamente 1 «L’orgue est pourtant à mes yeux et pour mes oreilles le roi des instruments». Extraído de la carta escrita por Mozart a su padre el 17 de octubre de 1777 desde Augsburgo. Traducción por A. Daza. 2 «Comment! Un homme comme vous, un si grand pianiste veut jouer d’un instrument où il n’y a ni douceur, ni expression, ni piano ni forte, mais qui est toujours le même». Mozart, en la carta a su padre del 17 de octubre de 1777, transcribió este comentario hecho por M. Stein. Traducción por A. Daza. 4 eclesiástico entre los años 900 y 1200 d. C.. El nacimiento de la polifonía y de las catedrales góticas produjo importantes avances estructurales en su mecanismo, tamaño y técnica. En rasgos generales, un órgano está conformado por: • Una fuente de alimentación de aire o fuelles: Anteriormente, estos eran activados por personas, y más recientemente, por un motor. El aire es llevado por conductos de alimentación hasta los fuelles de compresión y los secretos. • Mecanismo de compresión de aire: La presión del aire en un órgano es tan importante como en cualquier otro aerófono, pues es lo que asegura la afinación. En los instrumentos modernos este mecanismo es eléctrico. • Secreto: Es la estructura en donde se organizan los tubos y se ubican las válvulas que permiten o no el paso del aire. • Tubos: Organizados en juegos, como una familia de instrumentos, van de los más graves a los más agudos y pueden medir desde algunos milímetros hasta varios metros. Tienen distintas formas (cilíndricos, cónicos, tapados, destapados, etc.) y son fabricados en diversos materiales. • Mueble externo o consola: Es el lugar donde se encuentran los teclados manuales y el pedalero, donde se activan los sonidos. Allí también se encuentran la caja de expresión y las palancas que accionan los registros. • Teclados: Los que se tocan con las manos (manuales), están superpuestos unos a otros y pueden ser entre 2 y 5, según el tamaño del instrumento, pudiendo llegar a cubrir un máximo de 10 octavas. El pedalero es un teclado más grande, de madera, que se toca con los pies, y es el que activa los sonidos más graves. • Registros: Accionados desde la consola por palancas o botones, permiten que se activen ciertos tubos o familias de tubos a voluntad del intérprete. La complejidad y belleza del instrumento radica, entre otros aspectos, en la diversidad de timbres que produce. Algunos tubos tienen biseles o lengüetas, detalles que influyen en el sonido tanto como el material o el tamaño de los tubos. La caja de expresión es un juego de tubos ubicados en el interior de una caja que se abre o se cierra para modular la intensidad del sonido; al igual que la técnica de acoplar los teclados, que permite duplicar los sonidos, la caja de expresión fue ideada en un intento por dotar al órgano de mayor expresividad. La belleza arquitectónica de estos instrumentos salta a la vista, y tal es el caso del órgano que escucharemos en el concierto de hoy. Fue construido para la inauguración de la sala de conciertos —que se llevó a cabo el 25 de febrero 5 de 1966— por el alemán Oskar Binder3 (1911-1990), representante de la casa Walcker. Consta de tres teclados manuales (concertino, positivo y gran órgano), un pedalero y 2436 flautas que miden desde 7 milímetros hasta 5,5 metros4. Según Juliana Pérez, «este nuevo recinto nació con un órgano tubular, fue el primero en Colombia y sigue siendo el único en su clase que cuenta con un órgano» (Pérez, 2009, 34). Dotar a la sala de conciertos con un órgano tubular contribuyó de forma importante a promover el repertorio del instrumento más allá del recinto eclesiástico. El recital de esta noche está compuesto por obras de comienzos de los siglos xx y xxi y por algunas obras del periodo barroco, uno de los más ricos en la historia del órgano. En los siglos xvi y xvii, la técnica de construcción de los órganos se perfeccionó independientemente en cada país de Europa. Por ejemplo, el órgano español en el que compuso Juan Bautista José Cabanilles (1644- 1712) se distinguía de los demás por la disposición horizontal de algunos tubos (trompeterías o lengüeterías) que producían un sonido más brillante y majestuoso. Los órganos españoles no tenían pedaleros o estos eran pequeños. Cabanilles representó la cúspide de la escuela organística española iniciada por Antonio de Cabezón (1510-1566) en el Renacimiento. Su especialidad eran los tientos, forma instrumental hispano-portuguesa, de la que fue prolífico compositor. Según Climent (1999, 828), «hay que pensar, sobre todo, que la música de Cabanilles es típicamente española», pues parece no haber estado en contacto con otros estilos de escritura, o por lo menos, asegura él, no existen pruebas de ello. Bernal (2015) considera que existen varias razones para dudar sobre la autoría de Corrente italiana, obra que escucharemos hoy y que recuerda el estilo italiano de la época (melodía con acompañamiento), ya que no hay una mención explícita a Cabanilles. Dicha consideración abre un debate que debe ser explorado o resuelto antes de retirarle la atribución al compositor español. Por su parte, el órgano barroco alemán, sobre todo el del norte, fue notablemente más perfeccionado: varios teclados superpuestos, pedalero y juegos de tubos independientes separados por los secretos fueron avances que contribuyeron a la creación de una escuela nacional alemana. 3 A Binder también se debe la construcción de otros órganos en Colombia, como el de la iglesia de Nuestra Señora de Lourdes, el de la catedral metropolitana de Medellín, el del conservatorio de la Universidad Nacional y el del Gimnasio Moderno, entre otros. 4 Según palabras del mismo Oskar Binder, quien describió las características de este órgano (ver artículo sobre los instrumentos musicales de la Sala de Conciertos en el portal cultural del Banco de la República). 6 Uno de los más importantes representantes de la escuela del sur de Alemania fue Johann Pachelbel (1653-1706), notable organista, famoso por la composición de fugas, chaconas, tocatas, preludios corales y música litúrgica. Después de trabajar en distintas ciudades, llegó a Núremberg, donde publicó en 1699 una de sus obras más célebres, el Hexachordum Apollinis (Las seis cuerdas de Apolo) para órgano o clavecín5. Está compuesta por seis arias, cada una con cinco o seis variaciones. De esta colección escucharemos la sexta y última, el Aria Sebaldina. Se diferencia de las demás en que es la única que está escrita en ritmo ternario y tiene el mayor número de variaciones, ocho en este caso. Lleva el nombre del patrono de la iglesia en la que trabajaba Pachelbel en Núremberg, San Sebaldo. Es posible que hoy escuchemos, además, una novena variación preparada por el intérprete, en la que expondrá otras diferencias melódicas y armónicas del tema principal. El mayor representante de la escuela del norte de Alemania fue también uno de los organistas más importantes de la época: Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nació en una familia de músicos en la que el órgano jugó un papel fundamental. Siendo joven aún, comenzó a estudiarlo bajo la tutela de su hermano mayor, Johann Christoph, reconocido organista. Johann Sebastian fue un prolífico compositor de cantatas, oratorios, conciertos y música de cámara, y sus composiciones para órgano, de las que se cuentan cerca de 227, no son menos importantes. Bach fue una autoridad en la técnica de interpretación y composición para el instrumento. La obra que escucharemos hoy, Fantasía y fuga en la menor, BWV 904, fue escrita originalmente para clavecín (está indexada en las obras escritas para este instrumento), pero, como muchas de las obras para teclado de Bach, es frecuentemente interpretada en el órgano. Compuesta entre 1723 y 1725, al comienzo de su época en Leipzig, donde Bach trabajaría los últimos años de su vida, la fantasía contiene varios pasajes en contrapunto libre que dan material a la posterior doble fuga; en esta, dos temas disímiles se entretejen gracias al ingenio del músico, a quien se atribuye el perfeccionamiento de esta técnica compositiva. El órgano francés que conoció Louis Vierne (1870-1937) gozaba ya de numerosas ventajas tecnológicas y mejoras técnicas en comparación con aquellos que pudieron conocer Cabanille, Pachelbel o Bach. Vierne fue discípulo de César Frank y Charles-Marie Widor, y continuó después de ellos la tradición del órgano francés. Mucho se ha dicho de la vida de este músico que parece no haber nacido con buena estrella: casi completamente ciego de nacimiento, estudió en el Instituto de Jóvenes Ciegos, en donde conoció a César Frank; estudió y trabajó en el conservatorio sin lograr jamás el título de profesor. 5 En la época no era común atribuir una composición a un solo instrumento. 7 Divorciado, perdió a sus dos hijos en la Primera Guerra Mundial y, finalmente, una fractura en la pierna izquierda lo obligó, a mitad de su carrera, a reestudiar su técnica en el pedal. A pesar de ello, en 1900 ganó el concurso que lo convertiría en el organista oficial de la catedral de Notre Dame de París, en donde trabajó hasta su muerte, acaecida el 2 de junio de 1937 mientras tocaba su concierto de despedida, el número 1750 de su carrera, en medio del cual sufrió un ataque fulminante al corazón. Reconocido improvisador, desarrolló un lenguaje único y libre. Entre sus obras más importantes están las 24 piezas en estilo libre, Op. 31 para órgano, divididas en dos libros (1913-1914), que recuerdan El clave bien temperado de Bach por la disposición de tonalidades mayores con sus paralelas menores, aunque, contrariamente a este, las diferentes ‘piezas’ son mucho más sencillas. En palabras del compositor, «Las obras del presente libro son calculadas de manera que puedan ser interpretadas a lo largo de la duración normal de un ofertorio»6 (Vierne, s. f., 4). Del segundo libro escucharemos Coral en sol menor y Lied en la bemol mayor, de naturaleza íntima y fantasiosa. El compositor colombiano Mauricio Nasi Lignarolo (n. 1949) tiene un estilo que, según su propio alumno, Juan Felipe Salazar, puede calificarse de neoclásico con una fuerte tendencia modal. Estudió piano, arpa y biología, y se ha desempeñado por muchos años como organista y profesor. Nos refiere el intérprete que, con frecuencia, Nasi retoma obras suyas y las adapta a otro formato. Este es el caso de la obra que escucharemos hoy, el Concierto para órgano solo, Op. 153a (2017). La original, el Concierto para órgano y orquesta, Op. 153 (obra inédita escrita en el 2016), fue transcrita por profesor y alumno con el fin de que pudiera ser interpretada únicamente en el órgano. Está articulada en torno a otra obra del autor, la Toccata No. 23, Op. 117 (2009), para órgano solista, que constituye el tercer movimiento del Op. 153a. El primer movimiento, Andante maestoso, contiene una fuga cuyo tema viene también de la Toccata. La cadencia de ese movimiento está inspirada en otra obra del autor, el Fandango virtuoso para pedalero de órgano, Op. 147 (2015). El segundo movimiento, Quasi adagio, es más íntimo y es una transcripción de la obra original. «La parte de la orquesta en esta obra fue reducida para ser interpretada por el órgano, con algunos retoques estilísticos para crear una textura idiomática más apropiada al instrumento», explica el intérprete. 6 «Les pièces du présent recueil sont calculées de façon à pouvoir être exécutées pendant la durée normale d’un offertoire». Traducción por A. Daza (Véanse las referencias). 8 Referencias Bernal, M. (2009). La Batalla Imperial y la Corrente Italiana. Razones para dudar de la atribución a Cabanilles. Recuperado de https://miguelbernalripoll. files.wordpress.com/2015/09/sobre-la-autoria-de-la-batalla-imperial-y-la-corrente- italiana1.pdf Binder, O. El órgano tubular: Historia y aspectos técnicos. Recuperado de http:// www.banrepcultural.org/actividad-musical/la-sala/los-instrumentos Climent, J. (1999). Juan Cabanilles. En Casares Rodicio, E. (Dir.). Diccionario de la música española e hispanoamericana. España: Sociedad General de autores y editores. Curzon, H. (1888). Lettres de W.A. Mozart, traduction complète. Paris: Librairie Hachette & compagnie. Recuperado de http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k96320q/f10.image.r=lettres%20de%20Mozart%201777 Pérez, J. (2009). Cita con el órgano, una mirada a la historia del órgano. Bogotá: Banco de la República. Williams, P., & Owen, B. (1984). Organ. En Sadie, S. (Dir.) The New Grove Dictionary of Musical Instruments, (vol. 2). London: Macmillian Press Limited. Vierne, L. (s. f.). 24 pièces en style libre pour orgue ou harmonium. Paris: A. Durand et fils, éditeurs. Recuperado de file:///C:/Users/ANGELICA/ Downloads/39087012036754pieces.pdf Bibliografía Houlihan, Ch. (2012). Famous Last Notes: The Epic Death of Louis Vierne. Recuperado de https://www.huffingtonpost.com/christopher-houlihan/ louis-vierne-concert-organist-tribute_b_1559222.html Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)

Foto: Laura María Gómez Alzate CHRISTIAN CORREA tenor (Colombia) ALEJANDRO ROCA piano (Colombia) Jueves 8 de marzo de 2018 · 6:00 p.m. Medellín, Paraninfo de la Universidad de Antioquia Cód. PULEP: YGG901 Jueves 15 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: YKE410 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 CHRISTIAN CORREA tenor Nació en Bogotá, ciudad donde también inició su formación vocal con la soprano Beatriz Mora y, posteriormente, culminó sus estudios de pregrado en la Universidad Central, bajo la dirección de Alejandro Roca, Sarah Cullins y Marco Gualdrón. Ha participado en talleres de canto con Javier Camarena, Jaume Aragall, Charles Castronovo, Fernando de la Mora, Louise Toppin, Cynthia Sanner, Enric Martínez-Castignani, entre otros. Entre los años 2008 y 2013 formó parte del taller de ópera de la Universidad Central, en el que interpretó los papeles de Aeneas en Dido y Aeneas, Bill en A Hand of Bridge, Alfred en Die Fledermaus, Ruggero en La Rondine y Rinuccio en la ópera Gianni Schicchi junto a Valeriano Lanchas y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Ha participado como solista en algunas producciones del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y del Teatro Colón de Bogotá, específicamente en las óperas Salomé de Richard Strauss, Macbeth de Giuseppe Verdi y en la ópera Sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, donde interpretó el rol de Lisander, en el marco del evento Ópera al Parque. Fue integrante del Coro de la Ópera y participó en montajes como Carmina Burana, Porgy and Bess, Oedipus Rex, King Arthur, Orfeo y Euridice; y en las óperas Cavalleria rusticana, La Bohème, Madame Butterfly, Romeo y Julieta, Las bodas de Fígaro, La Traviata, Don Carlo, Carmen, entre otras. En el 2012 ganó el segundo puesto de la categoría juvenil en el Concurso Nacional de Canto. Participó en la gala lírica de Los Nuevos Talentos con la Orquesta Sinfónica de Colombia en Ópera al Parque. En el 2013 fue ganador del programa Becarios del VII Festival Internacional de Música de Cartagena. En el 2015 ganó la Beca de la Fundación Carolina para continuar sus estudios de posgrado en el Conservatori del Liceu de Barcelona, bajo la dirección de Eduard Giménez. Foto: César Bedoya O. 2 Alejandro Roca piano Alejandro Roca nació en Cali, Colombia. Actualmente se destaca como uno de los pianistas y directores de orquesta más especializados en el repertorio vocal en Suramérica. Después de graduarse del Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, bajo la tutoría de Lucía Mora, se trasladó a Barcelona, donde estudió en el Conservatori del Liceu de Barcelona con Stanislav Potchekin y donde se especializó en repertorio vocal con maestros de la talla de Manuel Cabero, Dalton Baldwin y Ángel Soler. Luego cursó la maestría en dirección de orquesta en la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutoría de Guerassim Voronkov. Ha ofrecido recitales en España, Italia, Alemania, Polonia, Estados Unidos, Venezuela, Ecuador, Uruguay y Colombia, y ha sido pianista de diversos concursos y clases magistrales en compañía de intérpretes como Dawn Upshaw, Dmitri Hvorostosvky y William Matteuzzi. En el ámbito de la música de cámara, ha sido colaborador de Michael Collins, Francesco Manara y Carlos Villa, entre otros y de los mejores cantantes colombianos, entre ellos, Juanita Lascarro, Juan José Lopera, Martha Senn, César Gutiérrez y Valeriano Lanchas, destacándose su continuo trabajo con éste último desde 2005. Fue invitado a dictar un taller sobre zarzuela en la Universidad de Indiana (Estados Unidos) y a inaugurar la serie Las Américas en concierto en Mannes School of Music en Nueva York. Los últimos años se ha desempeñado como director musical y coach en el Corso Estivo per Giovani Cantanti Lirici Scuola Italia en Sant´Angelo in Vado, Italia (Curso de verano para jóvenes cantantes líricos). Ha sido director académico del Festival Internacional de Música de Cartagena, festival en el que también ha colaborado en las producciones de ópera como director asistente. Recientemente, estrenó y grabó, por encargo del Banco de la República de Colombia, el ciclo Oración del compositor colombiano Andrés Posada; este trabajo lo realizó junto a Juanita Lascarro. El concierto en Medellín cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Rückert Lieder (1901-1902) Ich atmet’ einen linden Duft! Liebst du um Schönheit Blicke mir nicht in die Lieder! Ich bin der Welt abhanden gekommen Um Mitternacht GUSTAV MAHLER (1860-1911) Vago soneto (s. f) Gotas de ajenjo (s. f) Canción de cuna (s. f) Más que nunca (s. f) JAIME LEÓN FERRO (1921-2015) INTERMEDIO Tres sonetos de Petrarca, S. 270a (1842-1846) Bendetto sia il giorno Pace non trovo I’ vidi in terra angelici costumi FRANZ LISZT (1811-1886) Sole e amore (1888) Terra e Mare (1902) E l’uccellino (1899) Morire?(1917) GIACOMO PUCCINI (1858-1924) CONCIERTO No. 10 4 NOTAS AL PROGRAMA Jaime Ramírez A partir de la segunda mitad del siglo XVIII, el lied −como género musical− evidenció un cambio tanto en su connotación social como en el tipo de retos musicales que presentó para los compositores. Si bien desde sus inicios el lied mantuvo una fuerte preferencia como uno de los principales géneros de música de consumo doméstico, los compositores que escribían para voz y piano eran en su mayoría considerados compositores aficionados o ‘especializados’ en este formato; los compositores más reconocidos en otros géneros, como la música sinfónica o la ópera, solamente participaban en la composición de lieder (lied en plural) para entretener a los aficionados. Es por esto que muchos de los lieder escritos por los más estimados compositores del siglo XVIII no representan retos técnicos tan altos desde el aspecto interpretativo y su discurso musical es mucho menos ‘aventurado’ en comparación con las obras de otros géneros. Aunque es bien reconocido que la transformación estética desde el Clasicismo hasta el Romanticismo fue un proceso gradual caracterizado por contrastes superpuestos, hay ciertos hechos que dieron paso a una nueva mentalidad, una mentalidad romántica que redefinió la función estética y social del lied. Algunos de estos eventos determinantes fueron: el surgimiento de una clase social media, una burguesía que podía ‘comprar’ su derecho a una educación superior; el desarrollo de las artes liberales a nivel universitario en Europa; el auge renovado por la literatura de escritores como Goethe, Heine y Schiller, quienes desarrollaron una nueva identidad cultural alejada de la anquilosada aristocracia; la producción en serie tanto de instrumentos como de música impresa que permitió llevar todo tipo de ‘escenas musicales’ a las salas de la clase media. Esta renovación de la Hausmusik (música de consumo doméstico) preparó el terreno que el lied reclamó con propiedad por parte de compositores y escritores, intérpretes y audiencias; es a partir de este renovado concepto del lied que el repertorio de este recital cobra vida emancipando la relación entre el texto y la música a través de la visión de cuatro grandes compositores: Mahler, León, Liszt y Puccini. Gustav Mahler (1860-1911) es indudablemente una de las figuras determinantes en la continuación de la tradición musical austrogermánica en el ocaso del siglo XIX y los turbulentos inicios del siglo XX. Hoy en día 5 se asume que junto con Anton Bruckner, y obviamente con Richard Strauss, dicha tradición encuentra en el legado sinfónico de Mahler un paradigma estético, en el que su interminable paleta de emociones se plasmaba mediante una orquestación exuberante alcanzando un poder expresivo abrumador y lleno de contrastes. En las composiciones de Mahler se sintetizan los dos géneros musicales más destacados de la tradición austrogermánica: la música sinfónica y la música vocal representada por el lied. En muchas de sus sinfonías, siguiendo de alguna manera el legado de la Novena sinfonía de Beethoven, hay un componente vocal bastante protagónico; asimismo muchas de sus obras vocales fueron concebidas, y estrenadas, como lieder con acompañamiento sinfónico continuando con la sinergia de ambos géneros que había sido perpetuada por muchos compositores de finales del siglo XIX. Algunas de las obras vocales más reconocidas de Mahler son sus adaptaciones a los textos del poeta alemán de inicios del siglo XIX, Friedrich Rückert (1788-1866). De estas obras, Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos) es probablemente la más reconocida por las audiencias, dado su carácter sombrío y desgarrador, en el que resuenan impresiones muy personales del poeta. Kindertotenlieder fue estrenada en Viena en 1905 bajo la batuta del mismo Mahler; en esta ocasión, también se realizó la premier de Sieben Lieder aus letzter Zeit (Siete canciones para los últimos días). Este último título contenía una selección de cinco poemas −también de Rückert− más dos selecciones de la colección de canciones tradicionales alemanas Des Knaben Wunderhorn1 (El corno mágico del niño). Con el tiempo, se empezó a publicar la selección de los cinco poemas de Rückert bajo el título Rückert Lieder, separándola de los otros dos títulos tomados del Wunderhorn. El Rückert Lieder quedó entonces conformado por los cinco poemas de Rückert que pertenecían a la publicación inicial mencionada arriba, funcionando sencillamente como una formalidad en el título, aunque sin desconocer la recurrencia de la obra de Rückert en las composiciones de Mahler. Estas cinco obras no conforman necesariamente un ciclo de canciones en la medida en que no están ligadas a través de un hilo conductor 1 Des Knaben Wunderhorn fue considerada una de las antologías más importantes de poemas y canciones tradicionales, de las cuales se idealizó el folklore característico del Romanticismo alemán de siglo XIX. Muchos escritores, pintores y compositores han encontrado en Des Knaben Wunderhorn una fuente de inspiración que los conecta a una larga tradición. En el caso de Mahler, diversas selecciones fueron presentadas en otros lieder y también, dichas obras reaparecieron en varias de sus sinfonías. 6 dramático; de esta manera, el orden en que se presentan estas obras puede reacomodarse de acuerdo a las intenciones particulares de cada intérprete o a diversas consideraciones técnicas. Blicke mir nicht in die Lieder! (¡No mires mis canciones!) es un lied organizado en dos estrofas muy similares, en las cuales el poeta pide a su audiencia no divagar en los procesos creativos de las obras en lugar de contemplar el producto final. El texto hace alusión a la continua labor de las abejas, que es dibujada musicalmente por Mahler. Ich atmet’ einen linden Duft (Percibía un suave aroma) también está organizado en dos estrofas y hace una analogía entre la manera en que se esparce el aroma de las ramas de tilo con la manera en que se percibe la presencia del amado; en esta obra, el suave movimiento del acompañamiento parece imitar el correr del viento que lleva la fragancia de las hojas a todos los rincones del auditorio. Ich bin der Welt abhanden gekommen (Estoy perdido en el mundo) hace alusión al sentimiento de paz del poeta en el momento de alejarse de todos los conflictos mundanos para dedicarse a sus intereses más profundos: su descanso, su cielo y su canción. Liebst du um Schönheit (Si amas por la belleza) es un lied organizado en cuatro estrofas, de las cuales las tres primeras son variaciones del mismo material musical y la última cierra acentuando las palabras ‘amor’ y ‘siempre’; en este lied el poeta señala la importancia del amor como fin en sí mismo en lugar del amor a la belleza, la juventud o la riqueza. Um Mitternacht (A medianoche) es el lied más largo de toda la colección y el que mayor nivel de contraste proporciona; en esta obra, el poeta recorre las angustias del hombre que solo puede quedar rendido a un poder supremo que lo guarde y proteja durante la noche. La formación musical del polifacético director, pianista y compositor cartagenero Jaime León Ferro (1921-2015) se caracterizó por un eclecticismo que buscó los más altos referentes estéticos del momento. Sus itinerantes años de formación lo llevaron a desarrollar su talento de la mano de grandes maestros de la música; en Colombia, León estudió con Guillermo Uribe Holguín, Lucía Pérez y, brevemente, trabajó con Claudio Arrau. La relación con Arrau fue uno de los dinamizadores que llevó a León a Estados Unidos para ingresar a The Juilliard School y estudiar con Carl Friedberg, uno de los últimos discípulos de Clara Schumann y Johannes Brahms. Luego de su graduación como pianista, León mantuvo una intensa relación con el medio artístico colombiano, la cual se vio interrumpida por diversas razones que lo llevaron a retornar, después del 9 de abril de 1948, a 7 Nueva York para continuar sus estudios en dirección. Habiendo desarrollado una exitosa carrera como director y pianista a nivel internacional, León regresó a Colombia en 1977 como asesor musical de Colcultura, cargo que luego cambió para ocupar el podio como director de diferentes y destacadas instituciones colombianas tales como la Orquesta Sinfónica de Colombia, la Ópera de Colombia y el Teatro Colón. Si bien León compuso su primera obra para voz y piano en 1951 −Aves y Ensueños−, solamente hasta 1977 grabó su primera producción en este género gracias al auspicio de la Organización de los Estados Americanos en colaboración con la soprano colombiana Carmiña Gallo; progresivamente el compositor encontró un ímpetu renovado hacia los géneros vocales2. León escribió alrededor de diez canciones tomando de base los textos del poeta colombiano Eduardo Carranza (1913-1985); dos de las obras incluidas en el repertorio de hoy, Vago soneto y Canción de cuna, pertenecen a esta selección. Las otras dos obras del maestro presentadas en el programa corresponden, asimismo, a obras de poetas colombianos: Gotas de ajenjo, poema de Julio Flórez (1867-1923) y Más que nunca, poema de Maruja Vieira (n. 1922). En Vago soneto, el texto está lleno de alusiones a etéreas figuras que al atardecer parecen cobrar vida; la ambigüedad inherente del texto se enmarca en líneas flexibles y cromáticas que se ascienden ‘humantemente’ entre el piano y la voz. En contraste, en Canción de cuna, León proyecta una atmósfera inocente; sobre un suave vaivén del piano se dibuja musicalmente el arrullo de un niño por parte de diferentes elementos de la naturaleza. Estas dos canciones sobre los textos de Carranza se caracterizan por su brevedad; el texto en ellas se desenvuelve tranquilamente sobre un acompañamiento del piano bastante cercano. Por otro lado, en Gotas de ajenjo, la relación entre el piano y la voz es más aventurada: aquí el piano presenta una textura ondulante simulando el fluir de las olas (a manera de una barcarola), sobre las cuales la voz se levanta apasionadamente en líneas mucho más largas e insistentes. El título Gotas de ajenjo correspondía a la colección de poemas de Julio Flórez, como ya se mencionó, publicadas bajo el mismo título en 1909; sin embargo, Jaime León 2 Victoria Sofía Botero ha desarrollado una de las más completas investigaciones sobre la obra vocal de Jaime León a través de su tesis para la Universidad de Missouri. Este texto es una fuente inagotable de información sobre la vida y obra del maestro. Ver: Botero, V. The Art Songs of Jaime Leon: A Textual and Musical Analysis. (Missouri: Universidad de Missouri, 2011). 8 decidió publicar posteriormente la canción bajo el título Cuando lejos, muy lejos, correspondiente a las primeras líneas del texto; en la actualidad, ambos títulos se emplean indistintamente. La selección de obras de Jaime León cierra con Más que nunca, obra basada en uno de los poemas más populares de Maruja Vieira publicado por primera vez en su antología Campanario de lluvia en 1947. Pese a que esta selección de obras de León no fue concebida como un ciclo, el poema de Maruja Viera proporciona una perfecta atmósfera para un apacible cierre donde el tema recurrente del agua reaparece desde el texto con el fin de inspirar texturas ondulantes en el acompañamiento del piano para que el cantante presente una amorosa y tranquila despedida. La segunda parte del programa se caracteriza por la selección de obras de Liszt y Puccini, dos grandes compositores del siglo XIX que si bien fueron ampliamente reconocidos en diversos géneros, tienen una producción de lieder prácticamente desconocida por muchos; no obstante, en estas obras se esconden conexiones con aquellos repertorios que les dieron marcado reconocimiento. Franz Liszt (1811-1886), cuyo legado en la composición fue determinante para la consolidación de importantes géneros del Romanticismo como el poema sinfónico, es considerado uno de los más destacados exponentes del repertorio virtuoso para piano de su época. De manera análoga a Paganini en el violín, la obra pianística de Liszt expandió las posibilidades técnicas del instrumento al tiempo que le permitió consolidar la imagen paradigmática de un virtuoso itinerante con amplio y frenético reconocimiento de las audiencias. Los talentos excepcionales de Liszt fueron cultivados a temprana edad bajo la guía de Czerny y Salieri en Viena, y posteriormente, con Cherubini en París; su formación musical contó con reconocidos maestros de las dos capitales musicales europeas del momento. El éxito y reconocimiento no se hicieron esperar para el joven Liszt y en París se rodeó por una élite musical y literaria. Por medio de la novelista y amante de Chopin, George Sand, Liszt conoció a la Condesa Marie d’Agoult. Así como George Sand, la Condesa d’Agoult también era una escritora con sofisticados refinamientos artísticos; era una hábil pianista. Chopin le dedicó a la Condesa sus Estudios Op. 25. Por su parte, la Condesa, usando el seudónimo de Daniel Stern, escribió en 1846 la novela Nélida, basada en una historia de amor y despecho por los cuales 9 una mujer abandonó su posición social para convertirse en una amante que vivía en el exilio3. Claramente, Nélida tiene un fuerte contenido autobiográfico, pues refleja el romance entre Liszt y la Condesa Marie d’Agoult, quienes se conocieron en 1834 e iniciaron la relación amorosa que tuvo lugar por más de diez años y cuyos frutos fueron tres hijos: Blandine, Cósima y Daniel; su relación se desarrolló en un ‘peregrinaje’ amoroso por Suiza e Italia. En 1838, Liszt y la Condesa d’Agoult vivieron en Italia, donde compartieron su pasión por la lectura de Dante y Petrarca. En este año, Liszt compuso sus primeras obras para voz y piano sobre tres de los sonetos de Petrarca; cada soneto trata sobre diversos estados emocionales de un amado abatido y extasiado por su amada. Años más tarde, Liszt insertaría estos tres sonetos en su versión para piano dentro de la colección Años de peregrinaje, la cual está conformada a su vez por tres colecciones. Tal colección reúne, a manera de suite, más de veinte pequeñas piezas para piano y es considerada una de las obras maestras de la literatura pianística; su carácter cosmopolita y exótico es producto de los Sonetos de Petrarca, cuya inserción delatan la fuerte influencia del bel canto con el cual Liszt tuvo un contacto directo durante su estadía en Italia. El recital de hoy finaliza con una selección de cuatro lieder de Giacomo Puccini (1858-1924), quien, sin duda alguna, es considerado junto con Rossini, Donizetti, Bellini y Verdi uno de los más grandes y exitosos compositores de la ópera italiana; su legado en obras maestras como Tosca, La Bohème y Madama Butterfly representa la más exuberante expresión artística que definió a la ópera italiana de inicios del siglo XX como uno de los géneros artísticos más importantes de la cultura occidental. Las obras incluidas en el cierre de este programa fueron compuestas durante los años de mayor reconocimiento de Puccini y destinadas a eventos sociales específicos o presentaciones privadas, alejadas de la pirotecnia logística asociada a sus grandes óperas, pero manteniendo un intenso lirismo melódico y su tradicional apasionamiento expresivo. Sole e amore fue compuesta en 1888 sobre un texto del propio Puccini, en esta se compara el florecer del amor en el corazón del poeta con la salida 3 Si el lector desea profundizar sobre la vida y obra de la Condesa Marie d’Agoult (Daniel Stern), puede encontrar en el archivo de la Biblioteca Luis Ángel Arango algunas de sus obras, las cuales incluyen sus Memorias (Número topográfico: 928.4 S73m2) y Las Cartas de Liszt a la Condesa d’Agoult (Número topográfico: 836.8 F71c) entre otros títulos relacionados. 10 del sol al amanecer; su melodía anticipa una de las líneas que años más tarde Mimi emplearía al final del cuarteto del Acto 3 de La Bohème. Terra e mare fue compuesta en 1902 sobre los textos de Enrico Panzacchi, escrita para el Boletín Anual de Artes y Letras, y publicada el mismo año bajo la dirección de Edoardo de Fonseca en Milán. Puccini genera un paralelo entre los torrenciales cambios de la naturaleza y el drama interno del protagonista, sin caer en la trivialidad de alusiones programáticas. E l’uccellino es una canción de cuna compuesta para conmemorar la muerte del hijo de un amigo de la familia de Puccini. Escrita en 1899 sobre el texto de Renato Fucini, la obra compara el canto de un pájaro con el alma humana que asciende al cielo para llegar a su descanso eterno. Morire? fue compuesta en 1917 sobre un poema de Giuseppe Adami para ser empleada en una obra de caridad para la Cruz Roja Italiana durante la Primera Guerra Mundial. En su texto, Giuseppe Adami, quien fue amigo cercano y colaborador de Puccini, se cuestiona sobre la incertidumbre que a todos nos da ‘el después’ de la muerte. Puccini, por su parte, proporciona una trágica intensidad que posteriormente reutilizaría, con la misma melodía, en la primera aria de Ruggero de la ópera La Rondine, compuesta ese mismo año4. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 4 Robert Ignatious Leteliier proporciona una completa contextualización de todas las canciones compuestas por Puccini en la información que acompaña la grabación de Krassimira Stoyanova (soprano) y Maria Prinz (piano) para el sello Naxos. CD 8.573501 (2017). 11 Rückert Lieder (1901-1902) Gustav Mahler (1860-1911) Textos: Friedrich Rückert (1788-1866) Ich atmet’ einen linden Duft! Ich atmet’ einen linden Duft! Im Zimmer stand Ein Zweig der Linde, Ein Angebinde Von lieber Hand. Wie lieblich war der Lindenduft! Wie lieblich ist der Lindenduft! Das Lindenreis Brachst du gelinde! Ich atme leis Im Duft der Linde Der Liebe linden Duft. Liebst du um Schönheit Liebst du um Schönheit, O nicht mich liebe! Liebe die Sonne, Sie trägt ein gold’nes Haar! Liebst du um Jugend, O nicht mich liebe! Liebe der Frühling, Der jung ist jedes Jahr! Liebst du um Schätze, O nicht mich liebe. Liebe die Meerfrau, Sie hat viel Perlen klar. Liebst du um Liebe, O ja, mich liebe! Liebe mich immer, Dich lieb’ ich immerdar. Blicke mir nicht in die Lieder! Blicke mir nicht in die Lieder! Meine Augen schlag’ ich nieder, Wie ertappt auf böser That; Selber darf ich nicht getrauen, Ihrem Wachsen zuzuschauen: Deine Neugier ist Verrath. ¡Olía un suave aroma! ¡Olía un suave aroma! En la habitación había un ramito de tilo, un regalo de alguien amado. ¡Qué delicioso era el aroma del tilo! ¡Qué delicioso es el aroma del tilo! ¡Ese ramito de tilo que suavemente cortaste! Suavemente aspiro el aroma del tilo, el aroma del amor. Si amas la belleza Si amas la belleza, ¡Oh, no me ames a mí! ¡Ama al sol, que tiene cabellera rubia! Si amas la juventud, ¡Oh, no me ames a mí! ¡Ama a la primavera, que rejuvenece cada año! Si amas los tesoros, oh, no me ames a mí. Ama a la ondina, que tiene muchas perlas. Si amas el amor, ¡Oh sí, ámame a mí! !Ámame siempre, yo te amaré por siempre! ¡No miréis mis canciones! ¡No mires mis canciones! Agacho mis ojos, como sorprendido en un acto malo. No creo poder siquiera verlas crecer: tu curiosidad es traición. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 12 Bienen, wenn sie Zellen bauen, Lassen auch nicht zu sich schauen, Schauen selber auch nicht zu. Wenn die reichen Honigwaben Sie zu Tag gefördert haben, Dann vor allen nasche du! Ich bin der Welt abhanden gekommen Ich bin der Welt abhanden gekommen, Mit der ich sonst viele Zeit verdorben, Sie hat so lange nichts von mir vernommen, Sie mag wohl glauben, ich sei gestorben. Es ist mir auch gar nichts daran gelegen, Ob sie mich für gestorben hält, Ich kann auch gar nichts sagen dagegen, Denn wirklich bin ich gestorben der Welt. Ich bin gestorben dem Weltgetümmel, Und ruh’ in einem stillen Gebiet. Ich leb’ allein In meinem Himmel, In meinem Lieben, in meinem Lied. Um Mitternacht Um Mitternacht Hab’ ich gewacht Und aufgeblickt zum Himmel; Kein Stern vom Sterngewimmel Hat mir gelacht Um Mitternacht. Um Mitternacht Hab’ ich gedacht Hinaus in dunkle Schranken. Es hat kein Lichtgedanken Mir Trost gebracht Um Mitternacht. Um Mitternacht Nahm ich in Acht Die Schläge meines Herzens; Ein einz’ger Puls des Schmerzens War angefacht Um Mitternacht. Las abejas, al construir sus celdas, tampoco se dejan ver, ni siquiera de ellas mismas. Cuando los ricos panales muestren a pleno día, ¡Serás la primera en probarlos! He desaparecido del mundo Me he ocultado del mundo donde antes perdía tanto tiempo; hace ya tanto que no sabe de mí, que bien podría creer que estoy muerto. Para mí no hace diferencia que piense que he muerto, no puedo decir lo contrario, pues en verdad he muerto para el mundo. Muerto estoy para el bullicio mundano, y descanso en un entorno sereno. Vivo a solas en mi propio cielo, en mi amor, en mi canción. A medianoche A medianoche me desperté y observé el cielo; ninguna estrella del firmamento me sonrió a medianoche. A medianoche llevé el pensamiento más allá de las oscuras barreras. Ningún pensamiento luminoso me trajo consuelo a medianoche. A medianoche presté atención a los latidos de mi corazón; un pálpito de agonía estalló a medianoche. 13 Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra Um Mitternacht Kämpft’ ich die Schlacht, O Menschheit, deiner Leiden; Nicht konnt’ ich sie entscheiden Mit meiner Macht Um Mitternacht. Um Mitternacht Hab’ ich die Macht In deine Hand gegeben! Herr über Tod und Leben Du hältst die Wacht Um Mitternacht! A medianoche luché la batalla, ¡Oh humanidad! de vuestras penas; no hubiera podido decidirla con mi fuerza a medianoche. A medianoche puse esa fuerza en tus manos. ¡Señor, sobre la vida y la muerte vos veláis a medianoche! Jaime León Ferro (1921-2015) Vago soneto Texto: Eduardo Carranza (1913-1985) Es la mano del humo la que escribe el epitafio de esta bella tarde y es el rostro del humo el que sonríe como si fuera un hermoso viaje. La luna se anticipa a los jazmines como un aroma se evapora el valle. y entre los dedos de la lejanía es la rosa del humo la que se abre. Es la boca del humo la que calla y es la frente del humo la que sueña para mis ojos este vago mundo. En su rama el primer lucero canta solo se oye fluir sobre la tierra mi corazón que sube como el humo. Gotas de ajenjo Texto: Julio Flórez (1867-1923) Cuando lejos, muy lejos en hondos mares en lo mucho que sufro pienses a solas. Si exhalas un suspiro por mis pesares mándame ese suspiro sobre las olas, cuando el sol en sus rayos desde el oriente rasga las blancas gasas de las neblinas. Si una oración murmuras por el ausente deja que me la traigan las golondrinas. Cuando pierda la tarde sus tristes galas y en cenizas se truequen las nubes rosas, mándame un beso ardiente sobre las brisas que juegan entre las hojas. Que yo cuando la noche extienda su manto, yo que llevo en el alma sus mudas huellas te enviaré con mis quejas un dulce canto en la luz temblorosa de las estrellas. 14 Canción de cuna Texto: Eduardo Carranza (1913-1985) Eres del viento y de la tarde ese te mece, esa te arrulla y la mirada te la perfuma, la rosa que en tu pecho arde y de la lluvia mi hijo eres. En la ventana liquida infanta, tu vago reino te narra a veces esa te canta. Eres del aire y de la tierra como los ángeles como tu padre y de las nubes y de la luna como tu madre. Más que nunca Texto: Maruja Vieira (n. 1922) Porque amarte es así de dulce y hondo como esta fiel serenidad del agua que corre por la sequía derramando su amorosa ternura sobre el campo. Te amo en este sitio de campanas y árboles en esta brisa, en estos jazmines y estas dalias. La vida y su belleza me llegan claramente cuando pienso en tus ojos bajo este cielo pálido. Sobre la hierba limpia y húmeda mis pisadas no se oyen no interrumpen el canto de los pájaros. Y la neblina desciende con la luz de la tarde y en tu ausencia y mi angustia más que nunca te amo. Tres sonetos de Petrarca 270a (1846) Franz Liszt (1811-1886) Texto: Francesco Petrarca (1304-1374) Benedetto sia ‘l giorno Benedetto sia ‘l giorno, e ‘l mese, e l’anno, E la stagione, e ‘l tempo, e l’ora, e ‘l punto E ‘l bel paese e ‘l loco, ov’io fui giunto Da’duo begli occhi che legato m’ànno. E benedetto il primo dolce affanno Ch’i’ ebbi ad esser con Amor congiunto, E l’arco e la saette ond’ i’ fui punto, E le piaghe, ch’infino al cor mi vanno. Benedette le voci tante, ch’io Chiamando il nome di Laura ho sparte, E i sospiri e le lagrime e ‘l desio. E benedette sian tutte le carte Ov’io fama le acquisto, e il pensier mio, Ch’è sol di lei, si ch’altra non v’ha parte. Bendito sea el día Benditos sean el día, el mes y el año, y la estación, el tiempo, la hora, el sitio, y la bella comarca y el paraje donde dos bellos ojos me atraparon. Y bendito el primer dulce afán que me llevó a unirme al Amor, y el arco y las saetas que apuntaron y alcanzaron a herirme el corazón. Benditos sean los muchos gritos que di llamando a Laura por su nombre, y los suspiros, el deseo y las lágrimas. Y benditos sean todos los versos que dediqué a su fama, y mi pensamiento, que es solo de ella, que ninguna otra comparte. 15 Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra Pace non trovo Pace non trovo, e non ho da far guerra; e temo, e spero; e ardo, e son un ghiaccio; e volo sopra il cielo, e giaccio in terra; e nulla stringo, e tutto il mondo abbraccio. Tal m’ha in pregion, che non m’apre né serra, né per suo mi riten né scioglie il laccio; e non m’ancide Amor, e non mi sferra, né mi vuol vivo, né mi trahe d’impaccio. Veggio senz’ occhi, e non ho lingua e grido; e bramo di perir, e cheggio aita; e ho in odio me stesso, e amo altrui. Pascomi di dolor, piangendo rido; egualmente mi spiace morte e vita, in questo stato son, o Laura, per voi I’ vidi in terra angelici costumi I’ vidi in terra angelici costumi, E celesti bellezze al mondo sole; Tal che di rimembrar mi giova, e dole: Che quant’io miro, par sogni, ombre, e fumi. E vidi lagrimar que’ duo bei lumi, Ch’han fatto mille volte invidia al sole; Ed udì’ sospirando dir parole Che farian gir i monti, e stare i fiumi. Amor! senno! valor, pietate, e doglia Facean piangendo un più dolce concento D’ogni altro, che nel mondo udir si soglia. Ed era ‘l cielo all’armonia s’intento Che non si vedea in ramo mover foglia. Tanta dolcezza avea pien l’aer e ‘l vento. No encuentro paz No encuentro paz, y no quiero la guerra; temo y espero; ardo y soy de hielo; vuelo alto por el cielo y yazgo en tierra; nada sujeto y abrazo todo el mundo. Amor me ha encarcelado, ni me encierra ni abre, no me tiene cautivo ni me afloja el lazo y ni me mata ni quita mis cadenas; no quiere que yo viva, ni acaba mi tormento. Miro sin ojos; no tengo lengua, y grito; deseo morir, y pido ayuda; me odio a mí mismo, y amo a otra persona. Me alimenta el dolor; llorando, rio; me desagradan tanto muerte como vida, en tal estado estoy, Laura, por vos. En tierra vi conductas de ángel En tierra vi conductas de ángel bellezas celestiales en el mundo; tales que su recuerdo me regocija y duele, pues miro apenas sueños, sombras y humo. Y vi llorar las dos hermosas luces que mil veces dieran al sol envidia; y entre suspiros escuché palabras que moverían montañas y detendrían los ríos. Amor, sentido, valor, piedad y duelo hacían con ese llanto música más dulce que cualquier otra escuchada en el mundo. Y estaba el cielo tan atento a la armonía, que en las ramas no se veía mover ninguna hoja, tanta dulzura saturaba el aire, el viento. 16 Giacomo Puccini (1858-1924) Sole e amore (1888) (Sol y amor) Texto: Giacomo Puccini (1858-1924) Il sole allegramente Batte ai tuoi vetri. Amor Pian pian batte al tuo cuore, E l’uno e l’altro chiama. Il sole dice: O dormente, Mostrati che sei bella. Dice l’amor: Sorella, Col tuo primo pensier pensa a chi t’ama! El sol alegremente toca tu vientre. Amor con suavidad toca tu corazón, y uno y otro te llaman. y dice el sol: durmiente, muestra que bella eres. Y dice amor: ¡Hermana, tu primer pensamiento sea para quien te ama! Terra e Mare (1902) (Tierra y mar) Texto: Enrico Panzacchi (1840-1904) I pioppi, curvati dal vento rimugghiano in lungo filare. Dal buio, tra il sonno, li sento e sogno la voce del mare. E sogno la voce profonda dai placidi ritmi possenti; mi guardan, specchiate dall’onda, le stelle del cielo fulgenti. Ma il vento piu’ forte tempesta de’ pioppi nel lungo filare. Dal sonno giocondo mi desta... Lontana è la voce del mare! Los álamos, doblados por el viento, reflexionan en largas filas. Desde la oscuridad, entre el sueño, los escucho y sueño con la voz del mar. Y sueño con la voz profunda de plácidos ritmos poderosos; me miran, reflejadas por las olas, las estrellas del cielo brillante. Pero el viento, más fuerte, atormenta de los álamos la larga hilera. De mi sueño gozoso me despierta... ¡Lejana está la voz del mar! E l’uccellino (1899) (Y el pajarillo) Texto: Renato Fucini (1843-1921) E l’uccellino canta sulla fronda: Dormi tranquillo, boccuccia d’amore: Piegala giù quella testina bionda, Della tua mamma posala sul cuore. E l’uccellino canta su quel ramo: Tante cosine belle imparerai, Ma se vorrai conoscer quant’io t’amo, Nessuno al mondo potrà dirlo mai! E l’uccellino canta al ciel sereno: Dormi, tesoro mio, qui sul mio seno. Y el pajarillo canta entre la fronda: duerme tranquila, amorosa boquita: reclina esa cabecita rubia, y ponla en el seno de tu madre. Y el pajarillo canta en esa rama: muchas cositas bellas que aprenderás pero si quieres saber cuánto te amo, ¡Nadie en el mundo te lo podrá decir! Y el pajarillo canta en el sereno cielo: duerme, tesoro mío, aquí en mi pecho. 17 Morire? (1917) (¿Morir?) Texto: Giuseppe Adami (1878-1946) Morire? E chi la sa qual è la vita? Questa che s’apre luminosa e schietta, ai fascini, agli amori, alle speranze, o quella che in rinunce s’è assopita? È la semplicità timida e queta che si tramanda come ammonimento, come un segreto di virtù segreta perché ognuno raggiunga la sua meta, o non piuttosto il vivo balenare di sogni nuovi sovra sogni stanchi, e la pace travolta e l’inesausta fede d’avere per desiderare? Ecco io non lo so. Ma voi che siete all’altra sponda sulla riva immensa ove fiorisce il fiore della vita, son certo lo saprete. ¿Morir? ¿Y quién sabe qué es la vida? ¿Esta que se abre luminosa y franca a los encantos, los amores y esperanzas, o esa que en la renuncia se adormece? ¿Es la simplicidad tímida y muda que se entrega como advertencia, como un secreto de virtud ignota por la que todos alcancen su objetivo, o más bien el relámpago vivaz de nuevos sueños sobre sueños caducos, y la paz derribada y la inagotable fe que requieren los deseos? Aquí yo no lo sé. Pero tú que estás del otro lado, en la orilla inmensa donde florece la flor de la vida, seguro estoy de que lo sabes. Textos traducidos por Alberto de Brigard. Próximos conciertos en MEDELLÍN PALO CRUZAO, música llanera (Colombia) Miércoles 23 de mayo de 2018 · 6:30 p.m. Comfama, Plazuela de San Ignacio Cód. PULEP: NJT243 CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Sábado 23 de junio de 2018 · 5:00 p.m. Comfama, Plazuela de San Ignacio Cód. PULEP: RGJ978 Temporada Nacional de Conciertos 2018 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Thomas Millet Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo

Fecha de publicación del número aproximada.

Foto: Laura Arévalo Jueves 3 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Cartagena, Centro de Formación para la Cooperación Española Cód. PULEP: TAG442 Jueves 10 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: JZG980 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES AGUILAR Y MARÍN dúo de guitarras eléctricas (Colombia) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cartagena, el ingreso al concierto para personas con movilidad reducida es por la puerta principal del Centro de Formación para la Cooperación Española en la Plaza Santo Domingo # 2-74, el cual cuenta con rampas de acceso y ascensor, que permiten su desplazamiento hasta el lugar donde se llevará a cabo el concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 AGUILAR & MARÍN Juan Sebastián Aguilar, guitarra eléctrica Juan Sebastián Aguilar comenzó su formación musical a los cuatro años tocando el violín y a los once años siguió su actividad musical con la guitarra eléctrica, principalmente en los géneros rock y metal. Aguilar es egresado de la carrera de música con énfasis en jazz y músicas populares de la Pontificia Universidad Javeriana. En esta universidad estudió guitarra eléctrica con Richard Narváez y Enrique Javier Mendoza y composición con Julián Valdivieso, Juan Carlos Britto y Juan Gabriel Osuna. Sumado a lo anterior, Juan Sebastián estudió en Nueva Orleans en la Universidad Loyola con Don Vappie, Gordon Towell, Ed Wise, Jason Mingledorff y tomó clases magistrales con Wycliffe Gordon y Robert Trujillo (Metallica) y además tocó con músicos de la escena de jazz local como Cyrus Nabipoor (Sexual Thunder) y Leo Skov (Cakewalk). Movido por el interés y el gusto por la composición y el desarrollo de un sonido personal desde lo colectivo, donde la improvisación desempeña un papel fundamental, Juan Sebastián fundó Arrabalero junto con Juan Ignacio Arbaiza, Daniel de Mendoza y Sebastián Portilla. Igualmente, Juan Sebastián ha compuesto obras interdisciplinarias como A ti no te importa con el performer Rafael Duarte-Uriza y el poeta Julián González. Con Arrabalero, Juan Sebastián ha participado en los principales festivales de Colombia, como el Festival de Jazz Universitario de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Festival de Jazz y Blues de la Libélula Dorada 2017, Jazz al Parque 2017, Tropical Garden 2017, No Me Cortes el Bonsái (2017), y Los 10 años de *matik-matik* (2018). Aguilar es el compositor de Gris · Blanco · Negro, el primer disco de Arrabalero, lanzado en noviembre de 2016, y conformado por ocho composiciones originales. Foto: Laura Arévalo 2 Mateo Marín, guitarra eléctrica Nacido en Manizales en 1994, Mateo Marín inició su formación musical a través del violín. Más tarde incursionaría en la guitarra acústica y la guitarra eléctrica de la mano de los profesores Christian Prado, Andrés Benavidez, Matt Butterman, Richard Narváez y Enrique Mendoza. Durante una breve estadía en Nueva York Mateo se desempeñó como miembro del conjunto Parlor Jazz, liderado por Marjorie Eliot. Después de su regreso a Colombia, Mateo ha colaborado en proyectos de diferente índole que van desde el jazz y la improvisación hasta la canción y el ensamble interdisciplinario, entre los cuales se destacan la Nashville Big Band, Balandra, Las Cigarras, Musgo, el colectivo Dodecaeto, el dúo Aguilar & Marín, el noneto Páramo, el trío Nobucadonosor y Las Tres Efes. Con estas agrupaciones ha participado en el festival de jazz de La Libélula Dorada (2015, 2016 y 2017), el festival de jazz Los colores de la música (2014 y 2016) y el Festival de música sin fronteras (2015). Los dos integrantes de Aguilar & Marín se reúnen en el año 2016 para compartir sus inquietudes y visiones sobre la composición y la composición aplicada a la guitarra. Tras sucesivas incursiones en el ámbito del jazz y de la improvisación, el dúo encuentra cause fructífero en la escritura contemporánea y la interdisciplinariedad. De esta manera, desarrollaron en colaboración con la artista visual Laura Arévalo varias propuestas originales que involucraron la música con otras disciplinas artísticas, trabajos que fueron presentados en el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional (2016 y 2017) y en el concierto Outside In (2017). La característica distintiva en el repertorio de Aguilar & Marín es el humor en sentido abstracto, es decir, la yuxtaposición y coalición de texturas y lenguajes estilísticos aparentemente inconexos, a menudo grotescos o demasiado tiernos. A esta noción también contribuye un uso novedoso, aunque poco sofisticado, de ciertas técnicas tan sólo posibles en la guitarra eléctrica. El concierto en Cartagena cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Nube de papel (2016) JUAN SEBASTIÁN AGUILAR (n. 1993) El monstruo bicéfalo (2016) Estudio con crayolas (2017) Tierra (2017) INTERMEDIO Seis piezas para dúo de guitarras y elogio del tomacorriente (2017) I II III IV V VI Elogio del tomacorriente MATEO MARÍN (n. 1994) Retrato de Isabela (2015) CONCIERTO No. 23 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta R. Cuando pensamos en qué significa la música es probable que lo primero que llegue a la mente esté relacionado con nuestra manera de experimentarla cotidianamente, como escucharla, bailarla, cantarla, tocarla o en casos como el mío componerla o investigarla. Para miles de personas en este momento, e incontables otras a lo largo de la historia, el componer es la relación más cotidiana que tenemos con la música, lo cual nada resta a la sensación de trascendencia que podemos vivir al explorar esta relación con nuestro arte. Para otros miles (o incontables) la cotidianidad musical está definida por el fenómeno de la interpretación, tan profundo y transformador como el anterior. Por supuesto, para innumerables otros es el rol de público el que define su sitio principal en el complejo y maravilloso proceso social que es la música, sostenido cual mesa por tres patas cruciales: los actores culturales que encarnan las funciones de compositor, el intérprete y el público. Es frecuentemente comentado que la construcción de nuestra tradición de música académica occidental1 se ha dado, ante todo, a partir de la fijación de intuiciones musicales a través de la práctica compositiva. En este campo, así nadie toque o cante, la música ya existe en alguna dimensión2; la música -o algo esencial de ella- ha sido ‘fijada’ en un medio escrito o sonoro ya sea como partitura tradicional, cifrado, gráfico, instrucciones textuales, grabación, filmación, etc. Al hacerse esto se definen los roles sociales antes listados con ‘la obra’, funcionando como puente conector entre los actores culturales. Es la obra la que hace que el compositor sea compositor, que el intérprete sea intérprete y que estos se encuentren con el público en un ritual de comunión muy específico: ese ritual es el concierto. Sin embargo, hay que señalar que la obra existe antes del concierto, ya que es creada por el compositor en otro tiempo y en otro espacio, lo cual se da normalmente en un proceso de contemplación solitaria. Además de esto, la construcción de la interpretación de la obra, tarea desarrollada por el intérprete3, 1 Es ‘nuestra’ ya que por lo menos se viene produciendo en las tierras que habitamos desde el siglo xvi. 2 El que la música suene o no es otro problema y esa es una de las inquietudes fundamentales para la ontología musical. 3 Diferencio aquí intérprete de ejecutante, ya que el segundo simplemente hace sonar lo que está escrito en la partitura, mientras que el primero crea a partir de la partitura una lectura propia de la misma para llegar a una versión propia de la obra. 5 también se lleva a cabo en otros tiempos y espacios. Así, un concierto resulta ser la hermosa comunión del resultado de dos procesos llevados a cabo previamente en los laboratorios alquímicos del compositor y del intérprete. Sumado a lo anterior, el aspecto que ahora llamamos ‘performático’ es el que reinserta una dramaturgia al tiempo y el espacio compartido por los tres actores culturales (compositor, intérprete y público). De esta manera, un concierto permite recrear aspectos fundamentales de lo que somos o queremos ser como sociedades, lo cual hace que la música en vivo sea, potencialmente, una especie de pulmón que mantiene viva y transforma activamente nuestras culturas. Por otra parte, a través de la partitura, fruto de una composición, el intérprete convierte un símbolo visual codificado en un sonido, hace público algo que era privado, podríamos decir, que democratiza lo que hasta hace un instante era iniciático. Sin embargo, como la partitura plantea una existencia musical independiente de una interpretación dada, el goce de la música interpretada, a diferencia del goce por la música compuesta, se trata de la relación dramática entre lo conocido y lo desconocido. Lo primero es la obra preexistente y lo segundo es la interpretación particular que estamos escuchando. Podríamos entenderlo como una situación en la cual el intérprete plantea la ‘suprasintaxis’ de su interpretación a la sintaxis básica de la pieza previamente compuesta. El concierto de hoy ciertamente está basado en la relación dialéctica entre la composición y la interpretación; sin embargo, a diferencia de lo que podría pasar con una pieza de repertorio ‘normal’ de música contemporánea para guitarras eléctricas4, en este caso los dos roles son cumplidos por las mismas personas. Esto significa que probablemente gran parte del público no conozca las piezas que escucharemos y si acaso las conocemos, seguramente estas no serán en versiones de otros intérpretes, descolocando así aquella idea de sintaxis/suprasintaxis antes presentada. Sin embargo, hay aquí algo que actúa en otra dirección: la indeterminación. Durante dos milenios y medio, los desarrollos de diferentes tipos de notación en occidente estuvieron enfocados en lograr un mayor control sobre el sonido al cual se llegaba a partir de una intuición musical. Esto significó una determinación siempre creciente de quien fungía como compositor sobre aquello que un 4 En su trabajo de grado desarrollado en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, el guitarrista Johan León, reaccionando a la insistencia de sus profesores en que supuestamente no hay repertorio de música académica contemporánea para/con guitarra eléctrica, recopiló información de unas 4500 obras que usan este instrumento. A pesar del amplio repertorio con la guitarra eléctrica este sigue brillando por su ausencia en los programas académicos de formación, así como en los espacios de conciertos, de publicación fonográfica, etc. 6 eventual público, llámese como se llame en sus diferentes contextos y épocas, escucharía. Este control se expresó a través del desarrollo de una notación cada vez más rica y sutil, que fue permitiendo definir a qué altura cantar (desde el siglo xi), con qué duración hacerlo (desde el siglo xiii), cuándo usar un instrumento y no la voz (desde el siglo xv) o a qué intensidad sonar (desde el siglo xvii). Ya con algún control sobre los cuatro parámetros básicos del sonido (altura, duración, timbre e intensidad), en los siglos xviii y xix los compositores se concentraron en incrementar la gradación y la fineza del control sobre estos parámetros. Arnold Schoenberg (Austria, 1874-1951), un heredero directo de esta tradición, representó en la primera mitad del siglo pasado un punto de llegada del poder determinístico. Sin duda, muchos han continuado la sofisticación de aquellas herramientas notacionales, como lo podemos escuchar o ver en obras de compositores vivos, por ejemplo, Brian Ferneyhough (Inglaterra, n. 1943). No obstante, John Cage (EUA, 1912-1992), un alumno de Schoenberg, se encargó de encender la duda ante la tradición determinística, convirtiéndose en uno de los más influyentes músicos en la historia de occidente. Así, las últimas siete décadas han encontrado en el indeterminismo un fructífero camino de exploración tanto para la música como para otros campos de la experiencia y el conocimiento humano. Vale la pena comentar que en tradiciones diferentes a la académica occidental, es decir, aquellas en las cuales la sofisticación de las herramientas notacionales no ha sido tan importante, el menor control ejercido por la notación significa otras cosas. La ausencia del uso de la notación no es vanguardia ni experimentación, como tampoco es cuestionamiento ni replanteamiento. En tradiciones orales, por ejemplo, no existe una notación desde su misma definición, como contrapeso, frecuentemente encontramos un control comparativamente férreo en el proceso de enseñanza. Esto se entiende porque la oralidad corre los riesgos de vaguedad o inconsistencia, lo cual podría llevar a la eventual disipación de la tradición misma. En prácticas basadas en un soporte sonoro, músicas populares urbanas, por ejemplo, las relaciones con una eventual notación y con su propia oralidad suelen ser de entrada más laxas, ya que el ‘texto’ que da cohesión a la tradición es, justamente, una grabación. Antes de llegar a ella, sin embargo, la relación entre composición e interpretación se halla frecuentemente matizada por conceptos como arreglo, cover, versión, remix y un largo etcétera de situaciones transformativas que se hacen necesarias, ya que la composición inicial está, en efecto, menos determinada. De esta manera, el repertorio que nos ofrece el dúo de guitarras eléctricas Aguilar & Marín combina aspectos de músicas académica y popular en diferentes sentidos. Hay una evidente intención camerística, pero esta es expresada a través 7 de instrumentos que muchos insisten en relacionar solo con prácticas populares. En algunas piezas, el tratamiento de lo que antiguamente se rotulaba como ‘ruido’ -el hum de la señal eléctrica o la retroalimentación del sonido- nos recuerda la música académica contemporánea; mientras que las texturas y melodías en otras piezas nos conectan con la balada pop. En alguna pieza surge lo que parecerían ser fragmentos de una canción de thrash metal y en otra lo que podrían ser rezagos de una tarea de contrapunto. Según el dúo, habría una intención humorística detrás de todo esto, explicada como «[…] la yuxtaposición y coalición de texturas y lenguajes estilísticos aparentemente inconexos, a menudo grotescos o demasiado tiernos». Aunque en el enunciado de este programa aparecen claramente asignadas las composiciones a uno y otro miembro del dúo, lo que nos cuenta Mateo Marín sugiere procesos muy cercanos a los de una banda de rock: a pesar de que el impulso creativo puede comenzar desde uno de los músicos, con frecuencia, el proceso mismo de tocar y discutir lleva a cambios importantes en la música. De igual manera, se presenta o no escritura de ideas musicales y si la hay, esta puede ser con mayor o menor grado de determinación y presentarse a manera de partituras, de instrucciones, etc. El rol y tipo de improvisación que aprendieron los guitarristas en sus estudios de jazz se ven transformados hacia nociones provenientes de la experimentación en tradición académica de las últimas décadas. Ideas que en un momento definían distintas piezas o canciones pueden converger en una de estas, o bien elementos de una sola composición pueden divergir después en dos obras nuevas. Los títulos van y vienen con la mutación misma de la música y con el cambio de significado que esta tiene para el dúo. La primera mitad del programa se enfoca en composiciones de Juan Sebastián Aguilar y estas son descritas por Marín de la siguiente manera: […] giran alrededor de la homofonía, la repetición exhaustiva y la improvisación no estilística con breves limitaciones para algunas secciones al interior de las piezas. El uso de la guitarra en esta sección es relativamente convencional, excepto por el uso de pedales que alteran las señales. […] Un buen ejemplo de la primera parte del repertorio es el Estudio con crayolas: una textura enteramente homofónica, con pequeños grupos de notas agrupados simétricamente en el tiempo. Esta simpleza está tildada por una ambigüedad: el timbre de cada grupo es de libre escogencia, de manera que el color y la curva dramática de la pieza puede mudar entre interpretaciones. A su vez, la segunda mitad el concierto se concentra en las composiciones de Mateo Marín y según sus propias palabras estas piezas: […] giran alrededor de la polifonía, de la yuxtaposición de texturas disímiles y a menudo absurdas, la improvisación alrededor de instrucciones muy específicas y, en algunas partes, la escritura totalmente determinista. El uso de la guitarra en esta sección está principalmente enfocado en las técnicas extendidas. […] Un buen ejemplo de la segunda parte es la quinta pieza de las Seis piezas para dúo..., donde se explora material construido con técnicas extendidas (ruido de los selectores de micrófono de las guitarras, intervención del humbucker con audífonos y pistas de audio, intervención de las cuerdas con clips, ataque directo sobre el diapasón con el plectro, entre otros) desde una escritura determinista. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Compositores de nuestro tiempo 2 Obras comisionadas por el Banco de la República El disco se constituye en un testimonio sonoro del éxito e impacto que el programa de comisión de obras del Banco de la República ha tenido en algunos de los más destacados creadores colombianos. En esta grabación se presentan tres obras: el Trío Op. 32 de la compositora payanesa Amparo Ángel, interpretado por el Trío Suizo (violín, violonchelo y piano), Oración del compositor antioqueño Andrés Posada, una obra escrita a partir de textos de la escritora Piedad Bonnett e interpretada por la soprano Juanita Lascarro y el pianista Alejandro Roca; y ADAS del compositor barranquillero Guillermo Carbó. ¿EN DÓNDE ADQUIRIRLOS? Valor venta $ 40.000 Valor venta $ 20.000 Si las paredes hablaran: 50 años de música en la Biblioteca Luis Ángel Arango Los textos contenidos en el libro dan cuenta del trabajo musical que adelanta el Banco de la República a través de su Subgerencia Cultural desde hace 50 años, una labor desarrollada de manera sosegada, cuidadosa y con entusiasmo, que ha mantenido en funcionamiento una sala con excelentes especificaciones acústicas y arquitectónicas, una dotación de instrumentos apreciada por los artistas que la visitan, y programas orientados a promover la práctica y la apreciación musical con criterios de excelencia artística. ART BOOKS Librería Biblioteca Luis Ángel Arango Bogotá, Calle 11 No. 4-14 Teléfono: 286 95 41 www.artbookslibreria.com Tango Discos En cualquiera de los puntos de venta en Bogotá www.tangodiscos.com.co Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)

Foto: María Paula Suescún SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal (Colombia) Barbara de Martiis, directora (Colombia) Jueves 22 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: CIL415 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá es una manifestación cultural del humanismo cristiano gracias a su formación en el ámbito de la Música Sacra. Fundada por el cardenal Rubén Salazar Gómez, arzobispo de Bogotá, en el año 2011, esta experiencia pedagógica acoge a niños y adolescentes en un proceso orientado a su madurez social desde la perspectiva de las artes relacionadas con la liturgia de la Iglesia. Los pueri cantores (niños que cantan), seleccionados por audición, reciben una educación musical con énfasis en técnica vocal, y práctica coral gregoriana y polifónica. También se les ofrece instrucción suficiente sobre la lengua latina y la disciplina litúrgica, pues su campo fundamental de acción son las conmemoraciones de la Catedral en los ciclos de Adviento, Navidad, Cuaresma y Pascua. La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá ha hecho parte de la dinámica artística de la ciudad durante seis años de actividad ininterrumpida, distinguiéndose por la transparencia de sonido, la expresividad y la versatilidad para abordar repertorios de diversas épocas y estilos. En el año 2013, realizó un programa dedicado a la música francesa del siglo XIX, en compañía del organista Pascal Marsault y del Coro Juvenil Javeriano, dirigido por Alejandro Zuleta. Entre 2015 y 2016, estrenó Ceremony of Carols de Benjamin Britten y del mismo autor, presentó Réquiem de Foto: María Paulina Suescún 2 guerra con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Olivier Grangean. Con Gorka Sierra y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara, presentó Stabat Mater, de Pergolesi, en el contexto del V Festival de Música Sacra de Bogotá. Durante tres años consecutivos, ha sido elegida para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, y ha ofrecido varios conciertos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En el 2017, participó en el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri cantores en Río de Janeiro, en donde tuvo la oportunidad de ser uno de los coros elegidos para participar en el concierto de gala que tuvo lugar en el Auditorio Cecília Meireles, y tuvo la oportunidad de cantar en la misa que el Santo Padre Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. El 20 de septiembre del 2017, con un concierto en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, presentó su primer disco compacto, Canticum Novum, que reúne algunas de las más representativas obras sacras para voces blancas y órgano. Integrantes Valentina Ávila Juan David Calceto Juanita Calceto Juliana Calceto Lorena Carrillo Chiara Castaño Catalina Díaz Juan José González María Alejandra Hidalgo Mariana Hidalgo Isabel López-Torrijos Laura Malpica María Paula Mas Juan David Pedraza Brayan Sánchez Sara Tolosa Eliana Vanegas Isabel Zuleta Manuela Zuleta Aprendices María Angélica Álvarez María Juanita Álvarez Ángela Sofía Betancourt Ángela María Chuquín Gabriel León Alejandra Mendoza Sara Valentina Peñuela 3 Barbara de Martiis, directora Inició su formación musical a muy temprana edad en la Escuela de Expresión Musical, bajo la dirección de la maestra Gloria Valencia Mendoza, y más adelante recibió sus primeras clases de técnica vocal con la soprano Marina Tafur. En 1995 recibió el título de maestra en Música con énfasis en Dirección Coral, convirtiéndose así en la primera mujer graduada del entonces Programa de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana. En 1992 fundó, en compañía del maestro Alejandro Zuleta, la Sociedad Coral Santa Cecilia, coro semiprofesional ganador del premio Excelencia Coral 2001, otorgado por el Ministerio de Cultura. Como directora asistente de la Sociedad Coral Santa Cecilia, participó en montajes de grandes obras del repertorio coral sinfónico: El Mesías, de G. F. Händel; Oratorio de Navidad; Misa en si menor; Magnificat; Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan, de J. S. Bach; Misa de Coronación y Misa en do menor, de W. A. Mozart, y Carmina Burana, de Carl Orff. Así mismo, dirigió el Ave Maria de Josquin des Prés y el Ave Verum Corpus de William Byrd en el Festival de Música de Cartagena 2010. Desde el 2010 hasta el 2015 fue docente en la Especialización en Dirección de Coros Infantiles y Juveniles de la Pontificia Universidad Javeriana, y desde el 2016 trabaja como docente en la Facultad de Artes de esta misma institución. Desde la conformación de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá en octubre del 2011, Barbara es su directora artística, y con ella ha ofrecido numerosos conciertos en diferentes escenarios, en los cuales difunde la música sacra de los grandes compositores. En el 2016, y luego del fallecimiento del maestro Alejandro Zuleta, su esposo y colega, Barbara asumió la dirección musical de la Sociedad Coral Santa Cecilia. Desde ese momento ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Bogotá el Réquiem de Mozart, el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, Carmina Burana de Carl Orff y la música del ballet Zorba, el griego, de Mikis Theodorakis, que se presentó en el Teatro Mayor con el Ballet de Santiago de Chile. Foto: María Paulina Suescún 4 Keyner Ramírez, piano y clavecín Nació en Tunja en 1986. Inició sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja, donde se graduó como bachiller musical a través del Convenio ICBA-COLBOY. Allí, desde 1997 y hasta 2002 adelantó estudios de flauta traversa con el maestro Jorge Zabala. En el año 2004 inició sus estudios de piano con la maestra Pilar Leyva Durán en la Facultad de Música de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, donde obtuvo el título de Maestro de Música con área mayor en piano. Ha recibido clases magistrales de piano con Eugene Alcalay, Bruno Robillard y Franck Pantin, entre otros. Fue flautista integrante de la Sinfónica de Boyacá entre 2002 y 2003. En 2010, realizó estudios especializados de órgano, análisis musical e improvisación bajo la cátedra de los organistas Pascal Marsault, Nicolas Loth y Michel Bouvard en el Conservatorio Nacional de la región de Toulon, Francia. Ha ofrecido conciertos en diversas salas de Alemania y Francia, y en Colombia se ha presentado en la iglesia de San Ignacio, el auditorio José Mosser, la sala Otto de Greiff, el auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional, el Teatro de Cristóbal Colón y la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, entre otras. Ha participado como pianista en montajes musicales con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como pianista acompañante y organista de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá, y participa también como solista en diversos festivales y conciertos de música sacra. Laura Nieto, violín Nació en Bogotá. Inició sus estudios de violín con la profesora Amparo Botero. Es egresada con Grado de Honor del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde recibió su formación básica y universitaria con los maestros Fabio Santana y Liz Ángela García. Participó en el programa de becarios del X Festival Internacional de Música de Cartagena , en el Festival de Música de Santa Catarina −FEMUSC− (Brasil), en el Festival Internacional Alfredo de Saint Malo (Panamá), en el JOA-Jeune Orchestre de l’Abbaye aux Dames, Festival de Saintes (Francia), y en el I y II Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda organizado por la Universidad Nacional de Colombia, sede Bogotá. También participó en el IV Taller de Práctica Orquestal de la Orquesta Filarmónica de Medellín, y en el I y II Taller de técnica e interpretación del violín organizado por la Universidad Antonio Nariño en Bogotá. Se presentó como solista con la Orquesta Juvenil Collegium Musicum del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado activamente en clases magistrales ofrecidas por Benny Kim, Ala Voronkova, Francesco D’Orazzio, Lin He, Mary Ann Mumm, Birgit Kolar, Dimitri Petoukhov, Rubén Darío Reina, Krzysztof Wisniewski y Adrián Chamorro, entre otros. Es integrante de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá desde sus inicios, en febrero de 2014, orquesta en la que fue jefe de segundos violines y hoy en día es integrante de los primeros violines. 5 PROGRAMA Poesia in musica Arrullos, plegarias y poemas sacros The Call de Five Mystical Songs (1911) RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) Narození Páně, Op. 339 No. 1 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Ninna Nanna al Bambino Gesù (1630) ORAZIO MICHI (1594-1641) En prière (1890) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Na nebe vstoupení Páně, Op. 339 No. 2 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ Bate, bate las alas (s. f.)* JOSÉ DE CASCANTE (1646-1702) Abends, will ich schlafen gehn de la ópera Hänsel und Gretel (1893) ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921) INTERMEDIO 6 The Birds (1929) BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Esti Dal (1938) ZOLTAN KODÁLY (1882-1967) Cantique de Jean Racine, Op. 11 (1865) GABRIEL FAURÉ Mariä Wiegenlied, Op. 76 No. 52 de Schlichte Weisen (1903-1912) MAX REGER (1873-1916) Cesta k ráji, Op. 339 No. 3 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ Nada te turbe (2013) CLAIRE SOKOL, OCD (n. 1954) * Solistas: Juanita Calceto, Juliana Calceto, Isabel Zuleta, y Manuela Zuleta. CONCIERTO No. 11 7 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña … la Música más alegre, y deliciosa de todas, es aquella que induce una tranquilidad dulce en la alma, recogiéndola en sí misma, y elevándola, digámoslo así, con un género de rapto extático sobre su propio cuerpo, para que pueda tomar vuelo el pensamiento hacia las cosas divinas. Esta es la Música alegre que aprobaba S. Agustín (…) porque su propio efecto es levantar los corazones abatidos de las inclinaciones terrenas a los afectos nobles (Feijoo, tomo I, discurso XIV, 1726)1. Con estas palabras se refería a la música sacra el benedictino Benito Jerónimo Feijoo y Montenegro, y aunque en este capítulo, que hace parte del Theatro crítico universal (1726), el autor se expresa con relación a ‘la música de los templos’, su discurso puede imbuirse dentro del espíritu del programa de hoy, cuyo principal objetivo es explorar la creación devocional alitúrgica. A pesar de que la declaración de Feijoo puede apreciarse como anacrónica y en algunos casos contradictoria, frente a las obras que conforman el programa, no es descabellado pensar que detrás de la poética de los compositores escogidos por la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá y por su directora Barbara de Martiis pudieron estar presentes, de alguna manera, las últimas líneas del discurso del religioso español. Escucharemos, entonces, obras de carácter devocional pero que no forman parte de la liturgia; en palabras de la directora: «En esta ocasión hemos escogido un repertorio compuesto exclusivamente por obras cuyos textos no son litúrgicos. En las obras elegidas los autores utilizan para su composición poemas, arrullos, plegarias y rimas populares dedicados al Señor y a sus Misterios» (De Martiis, 2017). De esta manera, las fuentes de los textos utilizados son diversas. Provienen de la cultura popular, como en los casos del checo Bohuslav Martinů (1890-1959) y del popular compositor húngaro Zoltán Kodály (1882-1967); de la mente de místicos religiosos, como en el caso de las obras de Ralph Vaughan Williams (1872-1958) y Claire Sokol, OCD (n. 1954); o de intelectuales devotos como Jean Racine e Hilaire Belloc, quienes sirvieron de inspiración a las composiciones de Gabriel Fauré (1845-1924) y Benjamin Britten (1913-1976), respectivamente; incluso se escuchará la plegaria que los pequeños Hansel y Gretel hacen, antes de irse a dormir en una de sus noches en el bosque, en la ópera homónima del compositor Engelbert Humperdinck (1854-1921). 1 Tomado de: http://www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm 8 Otra particularidad que se puede apreciar en la construcción del programa es que da cuenta de la vida de Jesús: tanto de su figura adulta como de su papel de niño redentor; niño en cuyos hombros está el destino de la humanidad cristiana, tal como lo plasmó José de Cascante (1646-1702) en su villancico, o niño inocente que se resguarda en los brazos de su madre para encontrar la placidez que más tarde le será arrebatada, como fue representado en la Ninna nanna, o canción de cuna, y en la Mariä Wiegenlied de Max Reger (1873-1916). En fin, un universo variopinto de imágenes sacras −no litúrgicas− que nos insertan en una poética devocional privilegiada, si se quiere, pues, según De Martiis: La expresión personal de lo sacro a través de la poesía es sin duda el mayor atractivo del programa. Estas obras, que no toman como base los textos de la liturgia, ni tampoco textos bíblicos, les permiten a los compositores ciertas libertades expresivas, cierto, ‘desbordamiento’ que no tendría cabida dentro de la liturgia (De Martiis, 2017)2. En lo que se refiere a las obras de Martinů y Kodály, podemos apreciar un grupo de piezas de carácter muy diferente, pero con varios encuentros; en el caso de las tres piezas del compositor checo se evidencia un lenguaje bastante coloquial que, tratándose de rimas populares checas, no es una sorpresa. En las tres canciones, nos cuentan tres de los momentos cumbres en la vida de Jesús: el nacimiento, la entrada al cielo y el camino al paraíso. Sin embargo, se evidencia que si bien el personaje de Jesús es el eje, la figura de María es la que lleva la voz: en el nacimiento, anticipando su dolor; en la entrada al cielo, manifestándolo; y en el camino del paraíso, intercediendo por el dolor de un alma ajena. En el caso de Esti Dal (Canción nocturna) aunque se trata de un texto popular, este carácter es resaltado de una manera menos evidente pues si bien el espíritu de las palabras no es tan coloquial, se trata de una plegaria que habla de un individuo que pide la bendición del Señor para pasar una buena noche; no obstante, puede tratarse también de una colectividad que, en tiempos de guerra, pide la salvación por medio de una oración. Esto se dio aprovechando, por un lado, el interés y el apoyo institucional que tenían los compositores húngaros para escribir en formatos corales, en contextos religiosos antes de la década de los cuarenta; y por otro, el interés de varios compositores nacionales, empezando por Kodály, por proteger el folclor, y utilizar el canto colectivo y popular como germen para la poética académica. Las piezas que nos muestran la ‘incipiente’ vida de Jesús expresan dos polos: el de un niño ordinario, que juega y que busca el arrullo de su madre; y el de un niño con un destino extraordinario. 2 Entrevista realizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango a Barbara de Martiis en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes (2017). 9 En el caso de la pieza de Max Reger, la simplicidad y la ternura del texto nos hacen pensar en una madre cuidando de su hijo. En The Birds, canción dedicada a la difunta madre de Britten, se plasma la imagen del niño Jesús, quien ante los imponentes regalos presentados por los ángeles, se decanta por no jugar y por dar vida: «And yet with these/Hi would not play/He made Him small fowl out of clay/ And bless’d them till they flew away» (Y sin embargo con estos él no jugó/se hizo pequeños pájaros de arcilla/y los bendijo hasta que volaron). A pesar de las vívidas imágenes anteriores, la complejidad de la infancia de Jesús se ve mayormente reflejada en la Ninna nanna al Bambino Gesù, atribuida al compositor Orazio Michi (1594-1641), pero entendida en muchos casos como una Napolitana, es decir, una especie de ostinato o tema de carácter popular con un patrón melódico o armónico repetitivo, una obra que no necesariamente tiene un autor definido. Esta se encuentra en un manuscrito publicado en Roma entre los años 1641 y 1660, bajo el título de Ninna nanna, dormi figlio y sin indicaciones de autor. El tema del arrullo al Niño Jesús es recurrente en las publicaciones italianas del siglo XVII; compositores como Tarquino Merula, Paolo Sabbatini y Constantino Baselli incluyen en sus publicaciones algunas canzonnetas espirituales a modo de canción de cuna para El Niño Jesús. Más aún, es recurrente la concepción de su llanto como anticipación al sufrimiento que le espera; en otras palabras, las canciones de arrullo de María al Niño sugieren una correspondencia en clave literaria de la Navidad y la Pasión. En el texto, María, quien está arrullando a su hijo, pretende brindarle la tranquilidad del sueño por medio del canto, advirtiendo al mismo tiempo que ésta le será arrebatada en razón del sacrificio que el niño realizará por aquellos que pecan: «Altri pecca e tu ne piangi/e la vita in morte cangi,/e ne godi del dolore/per dar vita al peccatore» (Otros pecan y eres tú quien llora/y cambias la vida con la muerte/y te gozas del dolor/para dar vida al pecador). Bate, bate las alas, es un villancico de Navidad del maestro de capilla de la Catedral de Bogotá, trata también del nacimiento de Jesús, equiparando su figura con la de un pájaro que baja del cielo y, nuevamente, adelantando el final de su historia al relacionarlo con el Fénix: «Pájaro hermoso del cielo/que para Fénix naciste». Además de consistir en una obra de especial importancia para la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá, ya que se encuentra en el archivo musical de dicha institución, dicha pieza nos remite nuevamente a las declaraciones de Benito Jerónimo Feijoo, claro está que, lejos de elogiar, su discurso se basa en expresar su inconformidad frente a la permeabilidad que ha sufrido la música sacra, respecto a los géneros populares: Las cantadas que ahora se oyen en las Iglesias, son, no cuanto a la forma, las mismas que resuenan en las tablas. Todas se componen de Menuetes, Recitados, Arietas, Alegros, y a lo último se pone aquello que llaman Grave; pero de eso es 10 muy poco, porque no fastidie. ¿Qué es esto? ¿En el Templo no debiera ser toda la Música grave? ¿No debiera ser toda la composición apropiada para infundir gravedad, devoción y modestia? Lo mismo sucede en los instrumentos. Ese aire de canarios, tan dominante en el gusto de los modernos, y extendido en tantas Gigas, que apenas hay sonata que no tenga alguna, ¿qué hará en los ánimos, sino excitar en la imaginación pastoriles tripudios? El que oye en el órgano el mismo menuet que oyó en el sarao, ¿qué ha de hacer, sino acordarse de la dama con quién danzó la noche antecedente? De esta suerte, la Música, que había de arrebatar el espíritu del asistente desde el Templo terreno al Celestial, le traslada de la Iglesia al festín. Y si el que oye, o por temperamento, o por hábito, está mal dispuesto, no parará ahí la imaginación (Feijoo, 1726)3. Con este escarnio, el autor se está refiriendo a que ya desde el siglo anterior se venía manifestando la secularización de la música sacra, en otras palabras, el lenguaje de la música secular empezaba a permear los contextos litúrgicos y devocionales y la música que se escuchaba en los templos ya no evidenciaba el carácter grave que tenía la capacidad de «levantar los corazones abatidos de las inclinaciones terrenas a los afectos nobles». El villancico, que en sus inicios trataba temas populares y religiosos indistintamente, se fue convirtiendo poco a poco en un género religioso, dedicado en su gran mayoría al tema del nacimiento de Jesús. Su relación con los tonos del teatro español («las mismas [melodías] que resuenan en las tablas») lo hicieron a su vez preso de las críticas y aliciente para la devoción, especialmente en el Nuevo Mundo, en donde las publicaciones abundan y explotan su carácter vernáculo, incluyendo obras en lenguas como el náhuatl. Santa Teresa de Ávila y su texto Nada te turbe, musicalizado por la carmelita Claire Sokol, nos presenta una visión mucho menos descriptiva y terrenal de la figura de Jesús; junto a Cantique de Jean Racine, de Gabriel Fauré, figuran como las obras preferidas por los integrantes del coro, según su directora Barbara de Martiis, en una entrevista realizada por el Banco de la República: −¿Cuál es su obra favorita? ¿Por qué? −La respuesta a esta pregunta siempre la dan los niños de la Schola. En esta ocasión hubo un empate entre la Cantique de Jean Racine del compositor francés Gabriel Fauré, una de las más hermosas páginas de la música coral, presentada en esta ocasión en una adaptación para voces blancas de Alejandro Zuleta, y Nada te turbe, una expresiva y apasionada musicalización del poema de Santa Teresa compuesta por la monja carmelita, Claire Sokol, con motivo del quinto centenario del nacimiento de la santa (De Martiis, 2017)4. 3 Tomado de: http://www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm 4 Entrevista realizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango a Barbara de Martiis en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes (2017). 11 De la mano de En prière del mismo Fauré y The Call, de Ralph Vaugham Williams, las dos obras citadas nos brindan el elemento místico del programa, alejándose de las descripciones biográficas de la vida de Jesús, germinando a partir de un llamado al redentor, haciendo eco a la cultura decimonónica y erigiendo la figura del redentor como un compañero en la construcción moral del individuo a partir de manifestaciones estéticas. Bibliografía Feijoo, Benito Jerónimo. 1726. Teatro crítico universal. Madrid. Tomado de www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 12 Poesia in musica Arrullos, plegarias y poemas sacros The Call de Five Mystical Songs (1911) Ralph Vaughan Williams (1872-1958) Texto: George Herbert (1593-1633) The Call Come, my Way, my Truth, my Life: such a way as gives us breath, such a truth as ends all strife, such a life as killed death. Come, my Light, my Feast, my Strength: such a light as shows a feast, such a feast as mends in length, such a strength as makes his guest. Come, my Joy, my Love, my Heart: such a joy as none can move, such a love as none can part, such a heart as joys in love. La llamada Ven, mi Camino, mi Verdad, mi Vida: un camino tal que nos da el aliento, una verdad tal que termina toda lucha, una vida tal, que mata la muerte. Ven, mi Luz, mi Banquete, mi Fuerza: una luz tal que muestra un banquete, un banquete tal que aumenta en duración, una fuerza tal que lo hace su invitado. Ven, mi Gozo, mi Amor, mi Corazón: un gozo tal que nadie puede mover, un amor tal que a nadie separa, un corazón tal que se goza en el amor. Narození Páně, Op. 339 No. 1 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Narození Páně Prýščí se studená vodička z kamena A v ní se umývá panenka Maria. A jak se umyla, na břeh vystoupila, Na břeh vystoupila, syna porodila. Synáčku, můj milý, já bych už snídala, rybičky z Dunaja. Poshov, má matičko, Až ti jich nalovím, Z ledu oheň složím, Tobě jich přistrojím. Synáčku, můj milý, Jak bys jich nalovil, Když ses dnes narodil. Ty tomu, matičko, Ty tomu nevěříš, A já sem syn Boží, Já sem všechno stvořil. Nacimiento del Señor Brota agua fría de la piedra, y en ella se lava la Virgen María. Y apenas se lavó, se subió en la ribera y dio a luz a su hijo. Mi hijo querido, me comería para desayuno pescados del Danubio. Espera, mamita mía, cuando los pesque, haré fuego del hielo, y te los prepararé. Querido hijito mío, ¿cómo los pescarás, si apenas naciste hoy? Tú no lo crees Madre, no puedes creerlo, yo soy el hijo de Dios, y todo lo que hay yo mismo lo creé. 13 Strčil ručku do moře A ulovil úhoře, Strčil ručku do říčky A ulovil rybičky. Znal oheň na ledě, Smažil rybky v medě, Toť matičko snídaní za tvoje kolébání. Metió la manita en el mar y pescó anguilas, metió la manita en el río y capturó los peces. Hizo el fuego del hielo, fritó los pescados en miel, he aquí el desayuno, madrecita, por mecerme en la cuna. Ninna Nanna al Bambino Gesù (1630) Orazio Michi (1594-1641) Texto: anónimo Ninna Nanna al Bambino Gesù Ninna Nanna, Ninna Nanna Dormi figlio, dormi amore. Figlio dormi, dormi amore. Con quel pianto e quella voce, brami ohimé, brami la croce. Or ch’é tempo di dormire, dormi figlio e non vagire. Verrá il tempo del dolore. Dormi amore. Ninna Nanna. . . Quella bocca pien di miele Brama latte, aceto e fiele. Or ch’é tempo di dormire, verrá il tempo del patire. Verrá il tempo del dolore. Dormi amore. Ninna Nanna. . . Altri pecca e tu ne piangi e la vita in morte cangi, e ne godi del dolore per dar vita al peccatore complirai questo desio. Dormi, Oh Dio. Arrurú al niño Jesús Arrurrú, Arrurrú duerme hijo, duerme amor. Hijo duerme, duerme amor. Con aquel llanto y aquella voz, deseas, Ay, deseas la cruz. Ahora que es tiempo de dormir, duerme hijo y no gimas. Llegará el tiempo del dolor. Duerme amor. Arrurrú, Arrurrú... Aquella boca llena de miel desea leche, vinagre y hiel. Ahora que es tiempo de dormir, vendrá el tiempo del sufrir. Llegará el tiempo del dolor. Duerme amor. Arrurrú, Arrurrú... Otros pecan y eres tú quien llora y cambias la vida con la muerte, y te gozas del dolor para dar vida al pecador cumplirás este deseo. Duerme, Oh Dios. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 14 En prière (1890) Gabriel Fauré (1845-1924) Texto: Stephán Bordèse (1847-1919) En Prière Si la voix d’un enfant peut monter jusqu’à vous. O mon Père, Ecoutez de Jésus devant vous a genoux, Lla prière! Si vous m’avez choisi pour enseigner vos lois sur la terre, Je saurai vous servir, auguste Roi des rois, O Lumière. Sur mes lèvres Seigneur, mettez la vérité salutaire, Pour que celui qi doute, avec humilité Vous révère! Ne m’abandonnez pas, donner moi la douceur nécessaire, Pour apaiser les maux, soulager la douleur, la misère. Révélez-vous à moi, Seigneur en qui je crois, et j’espère ; Pour vous je veux souffrir et mourir sur la croix, au Calvaire! En oración Si la voz de un hijo puede llegar hasta ti, ¡Oh, mi Padre, escucha de Jesús, de rodillas, delante de ti, la oración! Si me has escogido para enseñar tu ley en la tierra, yo sabré servirte, augusto Rey de reyes, Oh Luz. ¡Sobre mis labios, Señor, pon la verdad salvadora, para que aquel que dude, con humildad te venere! No me abandones, dame la dulzura necesaria para aplacar las heridas, calmar el dolor, la miseria. ¡Revélate a mí, Señor en quien creo y espero, por ti deseo sufrir y morir sobre la cruz, en el Calvario! 15 Na nebe vstoupení Páně, Op. 339 No. 2 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Na nebe vstoupení Páně Když milý pan Ježíš do nebe vstupoval, Matičku svou milou na zemi zanechal. Synáčku, můj milý, a já prosím Tebe, Rač mě sebou vzíti do věčného nebe, Do nebe. Nemůže, matičko, nemůže to býti, Ty musíš, matičko, na zemi umříti. Až budu, synáčku, na zemi umírat, Nedej mi, synáčku, ďáblu přistupovat. Nebuj se matičko, ďábla šeredného, Já pro tebe pošlu, anděla krásného, Neboj se. Anděla krásného, dvanáct apoštolu A já sám třináctý půjdu pro tě dolu. Půjdeš matičko, půjdeš mezi námi Jak jasný měsíček mezi hvězdičkami. Za koho, matičko, ty budeš prositi, Toho já, matičko, nebudu souditi. Rozmilé dušičky nermuťte se nyní, Máte pomocnici, panenku Marii. Entrada en el cielo del Señor Cuando el Señor Jesús se fue al cielo, dejó a su madre amada en la tierra. Querido hijito, te ruego, llévame al cielo eterno contigo, al cielo. No puede ser, madrecita, no puede ser, tú debes, madrecita, en la tierra morir. Cuando esté muriendo en la tierra, hijito mío, no permitas al diablo acercarse. No temas madrecita al demonio horrible, yo te enviaré a un ángel hermoso, no temas. Un ángel hermoso, doce apóstoles y yo mismo, decimotercero, iré por ti abajo. Tu vendrás madrecita, vendrás entre nosotros, como una luna brillante entre las estrellas. Por quién tú, madrecita, vayas a pedir a ese, madrecita, no lo juzgaré. Queridas almas, no se lamenten ahora, tienen a una intercesora, la Virgen María. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 16 Bate, bate las alas (s. f.) José de Cascante (1646-1702) Villancico de Navidad Bate, bate las alas pájaro hermoso que si de tu cielo bajas, al polvo llamáronte las fuentes y los arroyos gloria de nuestro valle. Llega mis ojos gloria de nuestro valle porque anegues en ello tus plumas de ojo tocarán luego a fuego. Toquen, toquen a fuego din, din, din dan, dan, dan tocarán luego a fuego y a nieve y todo. Coplas Pájaro hermoso del cielo que para Fénix naciste de una paloma sin mancha madre una vez, siempre Virgen. Si desnudo estás, sin alas de pluma el aire te viste con penachos de lucero y garzotas de jazmines. El alma y el corazón me has llevado por lo humilde entre rigores de nieve y tormentos de rubíes. 17 Abends, will ich schlafen gehn de la ópera Hänsel und Gretel (1893) Engelbert Humperdinck (1854-1921) Texto: Adelheid Wette (1858-1916) Abends, will ich schlafen gehn Abends, will ich schlafen gehn, Vierzehn Engel um mich stehn: Zwei zu meinen Häupten, Zwei zu meinen Füßen, Zwei zu meiner Rechten, Zwei zu meiner Linken, Zweie, die mich decken, Zweie, die mich wecken, Zweie, die mich weisen, Zu Himmels-Paradeisen. Cuando en la noche voy a dormir Cuando en la noche voy a dormir, catorce ángeles velan mi sueño: dos en mi cabecera, dos a mis pies, dos a mi derecha, dos a mi izquierda, dos me arropan, dos me despiertan, dos me indican el camino al Paraíso. The Birds (1929) Benjamin Britten (1913-1976) Texto: Hilaire Belloc (1870-1953) The Birds When Jesus Christ was four years old The angels brought Him toys of gold which no man ever had bought or sold. And yet with these Hi would not play. He made Him small fowl out of clay, and bless’d them till they flew away: Tu creasti Domine. Jesus Christ, Thou child so wise. Bless mine hands and fill mine eyes, and bring my soul to Paradise. Los pájaros Cuando Jesucristo tenía cuatro años los ángeles le llevaron juguetes de oro que ningún hombre jamás había comprado o vendido. Y sin embargo con estos Él no jugó. Se hizo pequeños pájaros de arcilla, y los bendijo hasta que volaron: Tú lo has creado, Señor. Jesucristo, Tú, niño tan sabio. Bendice mis manos y llena mis ojos, y lleva mi alma al Paraíso. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 18 Esti Dal (1938) Zoltan Kodály (1882-1967) Texto de origen popular Esti Dal Erdő mellett est vélëdtem, Subám fejem alá tëttem, Öszszetëttem két kezemet, Úgy kértem jó Istenëmet: Én Istenëm, adjál szállást, Már mëguntam a járkálást, A járkálást, a bujdosást, Az idëgen földön lakást. Adjon Isten jó éjszakát Küld je hozzám szent angyalá Bátorítsa szívünk álmát, Adjon Isten jó éjszakát. Canción nocturna Mientras me acostaba por la noche, en el borde del bosque, tiré la frazada hasta mi mentón, uní mis manos implorándote, mi buen Señor: Señor, concédeme un lugar para quedarme, porque ya me he cansado de vagabundear, de esconderme, de vivir en una tierra extranjera. Mi Señor, concédeme una buena noche, envíame tu ángel bendito Para darle coraje a los sueños de nuestros corazones, mi Señor, concédeme una buena noche. Cantique de Jean Racine, Op. 11 (1865) Gabriel Fauré (1845-1924) Texto: Jean Racine (1639-1699) Cantique de Jean Racine Verbe égal au Très-Haut, notre unique espérance, Jour éternel de la terre et des cieux, De la paisible nuit nous rompons le silence, Divin sauveur, jette sur nous les yeux! Répands sur nous le feu de ta grâce puissante, Que tout l’enfer fuie au son de ta voix. Dissipe le sommeil d’une âme languissante, Qui la conduit à l’oubli de tes lois! O Christ, sois favorable à ce peuple fidèle Pour te bénir maintenant rassemblé, Reçois les chants qu’il offre à ta gloire immortelle, Et de tes dons qu’il retourne comblé. Himno de Jean Racine Palabra igual al Todopoderoso, nuestra única esperanza, luz eterna de la tierra y los cielos; rompemos el silencio de la noche tranquila, ¡Divino Salvador, pon tus ojos sobre nosotros! Extiende el fuego de tu gracia poderosa sobre nosotros, que el infierno entero huya al sonido de su voz. ¡Disipa el sueño de un alma que languidece, que la conduce al olvido de tus leyes! Oh, Cristo, mira con favor a este pueblo fiel, qué se ha reunido para bendecirte, recibe su canto ofrecido para tu gloria inmortal, y que permanezca con los dones que le has concedido. 19 Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. Mariä Wiegenlied, Op. 76 No. 52 de Schlichte Weisen (1903-1912) Max Reger (1873-1916) Texto: Martin Boelitz (1874-1918) Mariä Wiegenlied Maria sitzt im Rosenhag Und wiegt ihr Jesuskind, Durch die Blätter leise Weht der warme Sommerwind. Zu ihren Füßen singt Ein buntes Vögelein: Schlaf, Kindlein, süße, Schlaf nun ein! Hold ist dein Lächeln, Holder deines Schlummers Lust, Leg dein müdes Köpfchen Fest an deiner Mutter Brust! Schlaf, Kindlein, süße, Schlaf nun ein! El arrullo de María María se sienta entre los rosales y mece a su Niño Jesús, entre tanto, en la copa de los árboles susurra la brisa cálida de verano. A sus pies canta un pájaro multicolor: ¡Duerme, dulce niño! ¡Duérmete ya! ¡Encantadora es tu sonrisa, y más encantador el placer de tu sueño, apoya tu fatigada cabecita firme contra el pecho de tu madre! ¡Duerme, dulce niño! ¡Duérmete ya! Cesta k ráji, Op. 339 No. 3 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Cesta k ráji Byla cesta u šlapaná, Od samého Krista Pána. Kráčely po ní dvě duše, Za nima velká hříšnice. Když k nebeským dveřim prišly, Hned na dveře udeřily. Svatý Petře, vemte klíče, Podivte se kdo to tluče? Tlučou to, Pane devě duše, Za něma velká hříšnice. Ty dvě duše mně sem pusťte, Hříšnou duši odtaď kažte. Camino al paraíso En un camino transitado por el mismo Señor Cristo, caminaban dos almas, y detrás de ellas una gran pecadora. Cuando a la puerta del cielo llegaron, de una vez a la puerta golpearon. San Pedro, coge las llaves, mira quién golpea. Señor, golpean dos almas, y detrás de ellas una gran pecadora. A las dos almas las dejas entrar, a la pecadora la sacas. 20 Ukažte jí cestu dolu, Kady hříšní do pekla jdou. Šla od nebe plakající, A svých hříchů litující. Potkala ji matka Boží, Odkad kráčíš, hříšná duše? Vrat se se mnou, hříšná duše, Poprosím za tě Ježíše. Když k nebeským dveřim prišly, Zas na dveře udeřily. Svatý Petře, vemte klíče, Podivte se kdo to tluče? Tluče tam, Pane matka tvá a za ní zas hříšnice ta. Mou matičku mně sem pusťte, Hříšnou duši odtaď kažte. Ne tak, ne tak synu milý, Odpusť hříšné duši viny. Optej se ji matko milá, Kolik svátků osvětila? Já sem svátku nesvětila, Almužny jen troník dala, Ten troníček malý peníz, Ten ti do nebe spomůž Muéstrale el camino hacia abajo, por donde los pecadores van al infierno. Se fue ella llorando del cielo, arrepentida por sus pecados. Se encontró con la madre de Dios ¿De dónde vienes alma pecadora? vuelve conmigo, alma pecadora, le pediré por ti a Jesús. Cuando a la puerta del cielo llegaron, una vez más la golpearon. San Pedro, coge las llaves, mira quién golpea. Señor, golpea tu madre y detrás de ella de nuevo la pecadora. Mi madrecita que entre, y a la pecadora la sacas. No es así, mi hijo querido, perdona al alma pecadora. Por favor, madrecita, pregúntale, ¿Cuantas fiestas guardó? No he guardado fiestas di muy pocas limosnas, el centavo que diste, aunque sea muy pequeño, te ayudará a llegar al cielo. Nada te turbe (2013) Claire Sokol, OCD (n. 1954) Texto: Santa Teresa de Ávila (1515-1582) Nada te turbe, nada te espante; todo se pasa, Dios no se muda; la paciencia todo lo alcanza. Quien a Dios tiene, nada le falta. Solo Dios basta. Traducción: Barbara de Martiis Edición: Banco de la República LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Thomas Millet Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

Viernes 16 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Pasto, Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: VYA410 Domingo 18 de febrero de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: BXV343 Foto. Chris Sorensen ROY ASSAF TRIO jazz (Estados Unidos) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Pasto, el ingreso para personas con movilidad reducida es por la entrada principal Calle 19 No. 21-27. Serán guiadas por el personal del Banco, quienes las conducirán hasta el ascensor. Para agilizar su ingreso sugerimos informar con anticipación sobre su visita al teléfono 7213001. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRIO Para Roy Assaf Trio, el repertorio a interpretar en cada concierto es solo una guía, un bosquejo sobre el que empiezan a crear improvisaciones libres, que evolucionan en canciones en el momento en el que se enfrentan a su audiencia. Nunca planean completamente sus presentaciones; éstas siempre son diferentes y novedosas. Tampoco se imponen limitaciones, pueden navegar cerca o lejos de la forma y en ocasiones utilizar solo parte de una composición, lo que posibilita la transformación de cada pieza en un estilo diferente. Los tres músicos presentan su nuevo ‘estilo’ colectivamente. A pesar de llamarse ‘Roy Assaf Trio’, Roy, Raviv y Ronen lideran el grupo conjuntamente e introducen una perspectiva que nunca antes se había visto en un trío de piano. Todo esto y más se crea de manera orgánica en cada concierto en vivo. Mediante una muestra de su proceso, le explican su concepto al público e invitan a los oyentes a hacer un viaje que nunca olvidarán. Roy Assaf, piano Raviv Markovitz, contrabajo Ronen Itzik, batería Roy Assaf Piano A los veintitrés años, después de graduarse del Berklee College of Music, el pianista de jazz israelí, Roy Assaf, se trasladó a la ciudad de Nueva York para perseguir sus sueños. Al cabo de unos meses, conoció al legendario bajista y productor John Lee. Al poco tiempo, Roy ya estaba de gira por el mundo tocando en los festivales, clubes y salas de concierto más prestigiosos con The Dizzy Gillespie All Stars, una agrupación integrada por James Moody, Jimmy Heath, Paquito D’Rivera, Roy Hargrove, Lewis Nash, Randy Brecker, Antonio Hart y otros maestros del jazz. Rápidamente comenzó 2 a recibir llamadas de algunas de las agrupaciones contemporáneas de jazz más influyentes: Slide Hampton Sextet, The Mingus Big Band, las bandas de Steve Turre, Roberta Gambarini Quartet, David Sanborn Group, Claudio Roditi Quartet y muchas otras. Mientras terminaba su maestría en la Escuela de Música de Manhattan, Roy se logró posicionar como uno de los pianistas jóvenes más cotizados en la escena del jazz de Nueva York. En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Respect bajo el sello Jazz Legacy Productions, acompañado por Reuben Rogers en el bajo y Greg Hutchinson en la batería. Roy ya se sentía listo para formar su propia agrupación. «Mi sueño siempre ha sido formar parte de una agrupación que trabaje junta todo el tiempo» –explica– «una agrupación con una conexión musical especial donde se compartan un mismo sonido, tiempo y sensibilidad. Quiero tocar con músicos que me causen admiración y compartir mi propia voz, como músico y como ser humano». La particularidad que hace destacar al trío es su manera de combinar interludios improvisados con el repertorio, el cual, como ya se mencionó, se modifica en cada presentación. Esto genera experiencias frescas y emocionantes tanto para ellos como para el público. Se han presentado en todos los Estados Unidos, en Europa, Japón, Sudamérica y Canadá. «Me encanta tocar en agrupaciones de otras personas, pintando sus composiciones con los colores que oigo en mi cabeza», dice Roy. «Sin embargo, por el momento me emociona poder entregarme a mi propia personalidad como pianista, compositor y líder de la agrupación. Quiero llevar mis historias personales a mi música y descubrir lo que los músicos pueden aportar al trío desde sus propias experiencias. Es una expedición hacia fronteras desconocidas. Llevamos al público en un viaje de exploración con nosotros cada vez que subimos al escenario». 3 PROGRAMA El trío presentará una selección de las siguientes obras que anunciará al público durante el concierto. El orden no está definido. Second Row Behind the Painter (2014) ROY ASSAF (n. 1982) Babel (2014) Never Will I Marry (1960) FRANK LOESSER (1910-1969) It’s a Dance (1988) MICHEL PETRUCCIANI (1962-1999) I Got it Bad (And That Ain’t Good) (1941) DUKE ELLINGTON (1899-1974) Kvar Acharei Chatzot (s. f.) NAOMI SHEMER (1930-2004) The Cove (s. f.) ROY ASSAF Zemer Leammon (s. f.) FLOKLORE ISRAELÍ Budva (2014) ROY ASSAF CONCIERTO No. 3 Este concierto no tiene intermedio. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Dos de las piezas que escucharemos en esta presentación no han sido incluidas en alguno de los cuatro discos que Roy Assaf ha grabado hasta la fecha. Se trata de Zemmer leammon y The Cove, la primera es una versión en clave jazz de una popular canción israelí y la segunda, un ejercicio rítmico del pianista que toma elementos del funk. El resto del repertorio que hoy disfrutaremos aparece en Second Row Behind the Painter, registro en el que Assaf decidió imaginar el estudio como si se tratara de un club de jazz. Dicha espontaneidad premeditada le permitió hacer varias tomas de cada corte que, al final, sumaron más de cinco horas de sesión. Al final, el pianista pudo escoger cuál toma era la apropiada. El experimento tuvo tan buenos resultados que el disco fue calificado con cuatro estrellas sobre cinco en el prestigioso portal All About Jazz (www.allaboutjazz.com). Second Row Behind the Painter - Roy Assaf (n. 1982) ‘Sinagoga’ es un término de origen griego −usado probablemente por los judíos helenísticos− que hace referencia al lugar de la asamblea o la congregación. Como institución central del judaísmo, ‘la casa de la asamblea’ es un lugar de culto y, al mismo tiempo, es un espacio reservado para la enseñanza de la tradición y la lengua hebraica. El recuerdo de esta sagrada arquitectura, que invita a la meditación y al silencio, no solo reafirma las tradiciones religiosas de Assaf sino que lo remite a un ciego prodigioso y extraño que solía sentarse frente a él durante los servicios del Yom Kipur. La composición, luminosa y absorta, da título a un disco con el que Assaf presentó al público su nuevo trío en el año 2014. Babel - Roy Assaf (n. 1982) Dirigida por el cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu, Babel (2006) es una película que, a través de tres historias en apariencia disímiles, reflexiona acerca de la soledad y la paradoja de la comunicación en el mundo globalizado. Este filme dramático inspira a Roy Assaf, quien conjura el escenario calamitoso con una pieza galopante que permite el lucimiento de la base rítmica del trío integrado por Raviv Markovitz en el contrabajo y Ronen Itzik en la batería. 5 Never Will I Marry - Frank Loesser (1910-1969) Luego de una fulgurante carrera que inició en Broadway en 1948, el compositor y letrista Frank Loesser presentó en 1960 uno de sus musicales más controvertidos. Se trató de Greenwillow, drama fantasioso que sucede en el imaginario pueblo del mismo nombre. Estrenado el 8 de marzo en el Alvin Theatre de Nueva York, dirigido por el legendario George Roy Hill, el musical contó con la presencia de Anthony Perkins, quien se encontraba grabando ese mismo año la clásica película Psicosis de Alfred Hitchcock. El imberbe Perkins cantó uno de los momentos inmortales de Broadway: la desesperada Never Will I Marry, en la que Gideon –el protagonista de la historia– lamenta su triste destino. It´s a Dance - Michel Petrucciani (1962-1999) Junto a Brad Mehldau, Kenny Barron, Uri Caine y Keith Jarrett, el francés Michel Petrucciani tuvo un lugar en el Olimpo de los pianistas de jazz más sobresalientes de la década de los noventa. Su prematura muerte a los treinta y seis años de edad –víctima de una infección pulmonar, derivada de una grave enfermedad ósea- privó al mundo de un virtuoso que, a la manera de su admirado Bill Evans, se dejaba escuchar entre atmósferas nocturnas y envolventes. It´s a Dance es una pieza que perfectamente da cuenta del alto vuelo de Petrucciani, quien acá desnuda sus rasgos más líricos e intimistas. Fue incluida originalmente en Michel plays Petrucciani (1988), segunda grabación del pianista para el emblemático sello Blue Note, en la que lo acompañaron Eddie Gómez en el contrabajo, Al Foster en la batería y la actuación especial del guitarrista recientemente desaparecido John Abercrombie. I Got it Bad (And That Ain’t Good) - Duke Ellington (1899-1974) Con música de Duke Ellington y letras de Paul Francis Webster, I Got it Bad (And That Ain’t Good) fue una de las once canciones escritas por Ellington para la revista musical Jump for Joy, que se estrenó el 10 de julio de 1941 en el Mayan Theatre de Los Ángeles. El interés y la participación de Ellington en el Movimiento por los Derechos Civiles fue uno de los principales motores del musical que, a propósito, se empeñó en desmentir los estereotipos discriminatorios dentro de la industria cinematográfica y teatral de la época. La puesta en escena fue tan polémica e incómoda que Duke Ellington fue espiado por el FBI hasta bien entrada la década de los sesenta. I Got it Bad (And That Ain’t Good) –cantada por Ivie Anderson– fue lanzada por el sello Victor en octubre de 1941 como cara A de un sencillo en cuyo reverso aparece la célebre Chocolate Shake. 6 Kvar Acharei Chatzot - Naomi Shemer (1930-2004) Naomi Shemer nació el 13 de julio de 1930 en el Kibutz Kvutzat Kinneret. Esta cantante y poeta fue llamada ‘la primera dama israelí de la canción y la poesía’. Su tendencia nacionalista, enraizada con la exaltación de las tradiciones y con temáticas particulares como el amor y la austeridad de la vida rural, recorre el centenar de composiciones que escribió hasta su muerte en el 2004. Si bien será eternamente recordada por la exaltada Jerusalén de oro –canción que es considerada un segundo himno nacional en su patria natal– Shemer dejó piezas magistrales como Kvar Acharei Chatzot (en hebreo, Ha pasado la noche) que ya hacen parte del folclor musical judío. Budva - Roy Assaf (n. 1982) Muy joven, luego de una intensa actividad académica en Tel Aviv, Roy Assaf emigró a Estados Unidos donde se enlistó en el Berklee College of Music. Allí tuvo clases personalizadas con Danilo Pérez, Kenny Werner, Sonny Bravo y Michel Camilo, entre otras luminarias del mundo del jazz. Finalmente, ya instalado en Nueva York, debutó con Andarta (2008), un disco junto al contrabajista Eddy Khaimovich. Cuatro años más tarde –con un ensamble en el que reunió ‘pesos pesados’ de la talla de Reuben Rogers, Greg Hutchinson y Roy Hargrove– el pianista israelí presentó en público Respect Vol. 1 (2012), una grabación en la que le rinde tributo a Count Basie, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Chick Corea y Keith Jarrett, entre otros pianistas que a lo largo de su vida han influenciado notablemente su estilo. Un año antes de este tributo que fue muy bien recibido por la crítica local, Assaf desplegó Augmented Reality (2011), disco híbrido que resume tradiciones folclóricas judías, sonoridades populares latinas y coqueteos con cierta sensibilidad balcánica, esta última presente en Budva, una carta de amor a la costera ciudad de Montenegro. Otra versión de la composición se encuentra en el disco Second Row Behind the Painter (2014). Discografía recomendada Assaf, Roy & Eddy Khaimovich Quartet. (2008). Andarta. Origin Records. Assaf, Roy. (2012). Respect Vol. 1. Jazz Legacy Productions. Assaf, R.; Itzik, R.; Roeder, J. (2011). Augmented reality. Daywood Drive Records. Roy Assaf Trío. (2014). Second Row behind the Painter. One trick Dog Records. 7 Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Martes 22 de mayo · 7:00 p.m. Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Temporada Nacional de Conciertos 2018 CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana (Colombia) Martes 21 de agosto · 7:00 p.m. Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: ZYJ636 Próximos conciertos en PASTO Foto: Francisco Carranza Foto: Rodrigo Velásquez 8 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN, ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ, cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Diego Salamanca Bustamante Cód. PULEP: BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Interpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo

JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: IUP477 Foto: Grzegorz Ryński Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo P El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. Para acceder a esta tarifa debe presentar la boleta del concierto al momento de realizar el pago por el servicio de parqueadero. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected]. co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 JOSEPH-MAURICE WEDER piano Joseph-Maurice Weder ingresó al Musikhochschule en Basel a los doce años, bajo la guía del profesor Adrian Oetiker. Entre 2011 y 2015 estudió con Filippo Gamba y asistió a clases magistrales con Piotr Anderszewski, Dmitri Alexeev, Homero Francesch y Louis Lortie. Desde que inició su carrera internacional, al ganar el premio Swiss Ambassador y debutar en el Wigmore Hall de Londres en el 2013, rápidamente cautivó las audiencias de los públicos más exigentes en Europa. Weder se ha presentado en numerosas salas de concierto como la Berliner Phillharmonie, el Miskverein y la Wiener Konzerthaus en Vienna y el Wigmore Hall de Londres. Como solista se ha presentado con la Südwestdeutsche Philharmonie, la orquesta de cámara de la Filarmónica de Kazajistan, la Sinfonieorchester Basel, la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de Brasília, la Orquesta de Cámara de Bratislava y la orquesta de cámara de la Filarmónica de Bavaria. Adicionalmente, Weder ha realizado giras por Sur América, actuando en Brasil, Argentina, Colombia, Perú, Ecuador y Uruguay; y por Europa, presentándose en Alemania, Italia, España, Noruega y Suiza. En música de cámara, Joseph-Maurice Weder ha actuado junto a artistas como Gautier Capuçon, Nelson Goerner, Kian Soltani, Marc Bouchkov y Pedro Franco-López. En el 2016, acompañó en el piano a Raquele Magalhães y a la soprano Petra Froese. Su variada discografía incluye discos de los conciertos de Chopin en versión para ensamble de cámara para el sello alemán Oehmsclassic; el Concierto para piano No. 3 de Beethoven con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava en Eslovaquia en el 2007; y el álbum The London Recital, grabado en vivo en el Wigmore Hall, que incluye sonatas de Schubert y Barhms. Su grabación más reciente, dedicada a obras de Liszt y Schumman, fue producida para el sello alemán MDG. Este concierto cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Seis bagatelas, Op. 126 (1824) Andante con moto, cantabile e con piacevole Allegro Andante, cantabile ed espressivo Presto Quasi allegretto Presto - Andante amabile e con moto LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Tres piezas de Im Labyrinth (2002) Wolken vor dem Mondlicht Zwiespalt Kathedrale BALZ TRÜMPY (n. 1946) INTERMEDIO Sonata para piano 1.X.1905 (1905) Predtucha Smrt LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Sonata No. 3 en fa menor, Op. 5 (1853) Allegro maestoso Andante espressivo Scherzo. Allegro energico - Trio Intermezzo. Andante molto Finale. Allegro moderato ma rubato JOHANNES BRAHMS (1833-1897) CONCIERTO No. 20 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Los orígenes del piano como instrumento se pierden en el pasado lejano, cuando los humanos descubrieron que tensar una cuerda atada a la rama de un árbol no solo servía como arco para lanzar flechas y mejorar sus posibilidades como cazadores sino que, además, la cuerda de su arco producía un sonido. Más tarde también descubrieron que la longitud y espesor de la cuerda afectaba la altura del sonido producido. Con los elementos anteriores, los fundamentos del arpa, el primer instrumento de cuerdas tensadas, ya estaban dispuestos. La existencia del arpa permitió la construcción del clavecín, cuyas cuerdas tienen un mecanismo análogo para tañer, como también la invención del piano, en el cual se produce el sonido por el golpe de martillos contra las cuerdas. El piano moderno tiene su antecedente inmediato en el trabajo de Bartolomeo Cristofori (1655-1731), constructor de instrumentos, quien trabajó para la corte de los Medici en Florencia. El piano evolucionó a partir de los modelos de Cristofori y rápidamente desplazó al clavecín gracias, principalmente, a que podía producir una gama más amplia de dinámicas, desde muy suave a muy fuerte, por lo que podía ser utilizado tanto en los espacios amplios de las salas de concierto como en los espacios pequeños del hogar. Para inicios del siglo xix el piano había sido acogido con gran entusiasmo por los compositores. Una muestra de esa valoración es la siguiente carta de Beethoven, del 3 de febrero de 1818, al constructor de pianos Broadwood, agradeciéndole el regalo de un piano de cola que le había sido enviado a Viena en diciembre de 1817. Jamás sentí un placer mayor que el que me causa el anuncio de la llegada de este piano, con el que me honra como regalo. Lo consideraré como un altar sobre el cual depositaré las más bellas ofrendas de mi espíritu al divino Apolo. Tan pronto como reciba su excelente instrumento, le enviaré inmediatamente los frutos de los primeros momentos de mi inspiración para que sirvan como un recuerdo de parte mía para mi querido B. Espero que sean dignos de su instrumento. Mi querido señor y amigo, acepte mi más cálida consideración, de parte de su amigo y muy humilde servidor, Louis Van Beethoven1. (Beethoven, Kalischer, Shedlock, & Hull, 1926, p. 249. Trad. G. Gaviria). 1 J’amais je n’eprouvais pas un plus grand Plaisir de ce que me causa votre Annonce de I’arrivée de Cette Piano, avec qui vous m’honorèe de m’en faire présent, je regarderai Comme un Autel, ou je deposerai les plus belles offrandes de mon Esprit an divine Apollon. Aussitôt Comme, je recevrai votre Excellent instrument, je vous enverrai d’en abord les Fruits de I’inspiration des premiers moments, que j’y passerai, pour vous servir d’un Souvenir de moi à vous mon très cher B., et je ne souhaits ce que, qu’ils soient dignes de votre instrument. Mon cher Monsieur et ami recevés ma plus grande Consideration de votre ami et très humble serviteur. Louis van Beethoven. 4 Las obras incluidas en el recital presentan en su primera parte dos series de piezas cortas y en la segunda dos obras de gran formato, sonatas. Precisamente, el recital se inicia con las Seis bagatelas, Op. 126 de Ludwig van Beethoven (1770-1827), probablemente compuestas en el piano Broadwood, seguidas por una selección de Im Labyrinth (El laberinto) de Balz Trümpy, una colección de veintiún piezas, un poco a la manera del Álbum de la juventud de Robert Schumann, de acuerdo con el compositor. Ludwig van Beethoven compuso en total veintiséis Bagatelles, veinticuatro como parte de los Op. 33, 119 y 126, y dos publicadas separadamente, entre ellas la muy conocida Für Elise (Para Elisa), que fue escrita alrededor de 1810. El Op. 33, publicado en 1803, comprende siete Bagatelles, algunas de ellas compuestas varias décadas atrás. El Op.119 presenta once piezas, de las cuales los números siete al once fueron compuestas en 1820 para la academia de piano Wiener Pianoforte-Schule de Friedrich Starke. Las restantes seis son piezas escritas en años anteriores, recolectadas para incluirlas en este opus. El término bagatelle, bagatela en castellano, genéricamente hace alusión a una «cosa de poca importancia o valor». Según el Diccionario Grove es «una breve pieza de música en una vena ligera. El título no implica una forma específica» (Brown, 2001). El término apareció por primera vez como el nombre de una de las piezas de una suite de Marin Marais (1656-1728), publicada en París en 1692. «Desde Beethoven la bagatela usualmente ha recibido título descriptivo, y la mayoría de las veces los compositores las han publicado en grupos o series» (Brown, 2001). En cuanto a las del Op. 126 de Beethoven, Otto von Irmer, en los comentarios de la edición Henle de 1975, señala que: Hay tres bocetos que datan de diferentes tiempos y una copia fiel, que muestra cuánto ocuparon estos trabajos la atención de Beethoven. Las concibió como un ciclo (es decir, para ser interpretadas consecutivamente), como puede verse en la siguiente anotación marginal del boceto de la primera Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Ciclo de pequeñas piezas). Beethoven escribió a Schott que estas Bagatelas “son probablemente las mejores que he escrito”2 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). 2 Of these Bagatelles we have three sketches dating from different times and a fair copy, which shows how very much these works occupied Beethoven’s attention. He intended them as a cycle (i. e. to be played consecutively), as can be seen by the following marginal annotation on the sketch of the first Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Cycle of little Pieces). Beethoven wrote Schott that these Bagatelles “are probably the best I’ve written”. 5 Este comentario probablemente está relacionado con las palabras que el editor Peters Verlag había dicho de las piezas del Op. 119 «Sus piezas no valen nada y debe considerar que no es digno que pierda el tiempo con tales trivialidades que cualquiera puede escribir»3 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). Balz Trümpy (n. 1946) estudió en la Academia de Música de Basilea con especialización en piano, teoría musical y composición. Fue asistente de Luciano Berio entre 1975 y 1978, y durante el mismo período recibió varias comisiones de investigación del IRCAM en París. Desde 1979 hasta su jubilación en 2011, fue profesor de teoría musical y composición en la Hochschule für Musik de Basilea. Sus composiciones se han presentado en festivales en Donaueschingen, las Jornadas Mundiales de la Música ISCM, el Festival de Davos y en el Festival de Lucerna, entre otros. En mensaje al autor de estas notas, Trümpy comenta acerca de su obra: La colección contiene 21 piezas de piano de diversos grados de dificultad en el estilo del Álbum para la juventud de Schumann. Los títulos se pueden entender en el sentido de piezas de personajes románticos, a pesar de que están compuestos en un lenguaje musical contemporáneo. Labyrinth fue escrita y dedicada a la clase de piano de Yvonne Troxler4 (B. Trümpy. 2018. Trad. G. Gaviria). La pianista Yvonne Troxler, a quien está dedicado el ciclo, nació en Suiza, pero vive en Nueva York. Como maestra, a Troxler le gusta trabajar con una variedad de estudiantes de todos los niveles y edades. «Siempre estoy muy entusiasmada con las diferentes personalidades que veo cuando enseño. Y me gusta descubrir dónde está la pasión de cada estudiante. Allí es donde creo que realmente comienza el aprendizaje, cuando sucede con pasión» (Bloomingdale School of Music, 2018). Las piezas en el programa de autoría de Trümpy son: Kathedrale (Catedral), que tiene la indicación lento y pesado, se inicia con una alusión lejana a La catedral sumergida de Debussy; Wolken vor dem Mondlicht (Nubes frente a la luz de la luna), que oscila entre el tempo lento y aceleraciones con rubato y alterna pasajes armónicos con otros en contrapunto a dos voces; y Zwiespalt (Desacuerdo), que emplea una textura en dos líneas. Para Trümpy, la composición representa 3 “Your pieces are not worth the money and you should consider it beneath your dignity to waste time with such trivia that anyone can write.” 4 Die Sammlung enthält 21 Klavierstücke von verschiedenen Schwierigkeitsgraden in der Art von Schumanns Album für die Jugend. Die Titel können durchaus im Sinne von romantischen Charakterstücken verstanden werden obwohl sie in einer zeitgenössischen Musiksprache komponiert sind. Im Labyrint wurde geschrieben für die Klavierklasse von Yvonne Troxler und ist ihr gewidmet. 6 la «posibilidad de transportar algo de otras dimensiones a nuestra realidad de tiempo y espacio»5 (Trümpy, 2016. Trad. G. Gaviria). La segunda parte del recital se inicia con una sonata de Leoš Janáček (1854-1928), cuya motivación se originó el 1° de octubre de 1905, cuando los residentes de habla checa de Brno, entonces parte del imperio austro-húngaro, se tomaron las calles exigiendo la creación de una universidad checa en la ciudad. Los residentes de habla alemana de Brno, recelosos del poder checo, organizaron una contra-protesta. El gobierno envió tropas y František Pavlík, un trabajador de veinte años, murió como resultado de una herida con bayoneta. Leoš Janáček, quien estuvo presente en la protesta, compuso poco tiempo después, como tributo a la revuelta y a Pavlík, la Sonata para piano 1.X.1905. Ludmila Tučková estrenó la sonata en Brno el 27 de enero de 1906. La obra tenía tres movimientos, pero durante los ensayos Janáček quemó el último diciendo que era una «marcha fúnebre pesimista». Luego, tampoco se sintió cómodo con los otros dos movimientos y los lanzó al río Vltava. Sin embargo, Tučková había copiado secretamente los primeros dos movimientos y en 1924, el año de las celebraciones del cumpleaños número setenta de Janáček, los tocó en homenaje al compositor. Janáček, permitió la publicación de la pieza y escribió una nota corta como programa: La escalera de mármol blanco del Besední dum en Brno. Un simple trabajador František Pavlík cayó allí, manchado de sangre. Solo vino a demostrar su entusiasmo por la educación superior y fue asesinado por crueles homicidas. Leos Janáček 6 (Tyrrell, 2011. Trad. G. Gaviria). En su estreno la pieza se anunció como From the Street 1 October 1905, que luego se acortó en la publicación como 1.X.1905. Brno finalmente tuvo su universidad en 1919, la Universidad Masaryk, que otorgó su primer doctorado honorario a Janáček. La ceremonia se realizó el 28 de enero de 1925 y en el diploma se enuncian las razones para el doctorado honoris causa en filosofía: teniendo en cuenta que Tan brillante creador de música ha obtenido grandes logros para la cultura de su nación, inventado un nuevo tipo de ópera, revivido el canto coral, creado numerosas obras sinfónicas, incorporado elementos nuevos y originales al arte contemporáneo de la música y siguiendo los pasos de sus predecesores se ha dedicado incansablemente a estudiar, explorar y coleccionar las canciones 5 Possibility to transport something from other dimensions into our reality of time and space. 6 The white marble staircase of the Besední dum in Brno. A simple worker Frantisek Pavlik fell there, stained with blood. He only came to demostrate his enthusiasm for higher education and was kulled by cruel murderers. Leos Janacek. 7 populares de Moravia7 (Diario de Capital Municipal Provincial de Brno No. 2, 1925, p. 29. Trad. G. Gaviria). En The Sonata Since Beethoven, William S. Newman afirma que «cuatro maestros sirven como el punto focal de esta época [Romanticismo]: Schubert, Chopin, Schumann y Brahms» (1969, 109), subrayando que: Si algún compositor se puede ubicar como el primero después de Beethoven ciertamente debe ser Johannes Brahms (1833-1897) […]. Ningún otro compositor prestó tanta atención a los problemas de la idea de sonata, encontró esos problemas tan compatibles con su propia naturaleza musical y métodos, y ha recibido tanta aceptación universal y aprecio por sus soluciones a esos problemas8 (Newman, 1969, 321. Trad. G. Gaviria). Con relación a la Sonata en fa menor, Op. 5 No. 3, Newman recuerda que Fue la única obra grande compuesta durante ese mes de octubre de 1853, cuando Brahms estuvo con los Schumann [Robert y Clara] (y antes del problema de Robert con la locura), aunque el propio Brahms mismo comentó que los dos movimientos andante interrelacionados se originaron antes9 (Newman, 1969, 334. Trad. G. Gaviria). El mes siguiente, el 16 de noviembre de 1853, Brahms escribió a Robert Schumann que había «copiado la Sonata y sustancialmente alterado el final»10 (Eich, 2017). Finalmente, el compositor envió desde Hamburgo el manuscrito al editor Senff, el 26 de diciembre, indicándole: «lo he limpiado con mucho cuidado de manera que ahora probablemente se deje tocar en público. Por favor, excúseme por la demora»11 (Eich, 2017. Trad. G. Gaviria). El Andante del segundo movimiento tiene un epígrafe incluido por el compositor en la partitura que quizás señala el carácter general de la sonata. Es el inicio del poema Junge 7 protože jako geniální hudební tvůrce získal si skvělé zásluhy o kulturu svého národa tím, že vynašel nový typ operní, že obrodil sborový zpěv, že vytvořil četná díla symfonická, vnesl nové a originální prvky do soudobého umění hudebníhoa že ve stopách svých předchůdců věnoval se neúnavnému studiu, poznávání a sbírání lidové písně moravské. 8 If any one composer is to be placed first in the century and a half since Beethoven it certainly must be Johannes Brahms […] what other front-rank composer in this century and a half has given so much of his attention to problems bearing on the sonata idea, has found those problems so compatible with his own musical nature and methods, and has met with such universal acceptance and appreciation in his solutions to those problems. 9 It was the only major work written largely during that one month of October, 1853, when Brahms was with the Schumanns (and before Robert´s commitment for insanity), although Brahms himself said the two interrelated andante movements originated earlier. 10 Written down the f minor Sonata and substantially altered the finale. 11 I have cleaned it very carefully so that it can now probably let itself be seen in front of people. Please forgive me that it took so long. 8 Liebe de Otto Julius Inkermann (1823-1862), cuyo seudónimo era C. O. Sternau, publicado en 1851 (Macdonald, 2012, p.75. Trad. G. Gaviria). Cae la tarde, brilla la luz de la luna Dos corazones se unen en el amor y se mantienen felizmente abrazados12 Bibliografía Beethoven, L., Kalischer, A. C., Shedlock, J. S., & Hull, A. E. (1926). Beethoven’s letters. London & Toronto: J.M. Dent & Sons Ltd. Bloomingdale School of Music. Yvonne Troxler piano, chamber music, and way out. Recuperado de http://www.bsmny.org/faculty/Yvonne-Troxler Brown, M. (2001). Bagatelle. Grove Music Online. Recuperado de http://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Eich, K. (2017). Piano Sonata f minor op. 5. Kiel: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Encyklopedie dějin města Brna - Profil události. (2018). Encyklopedie.brna.cz. Consultado: 20 de marzo de 2018. Recuperado de http://encyklopedie. brna.cz/home-mmb/?acc=profil_udalosti&load=78 Irmer, O. von. (1975). “Comments”. Complete Bagatelles, Ludwig van Beethoven. Cologne: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Newman, W. S. (1969). The sonata since Beethoven: the third and final volume of a history of the sonata idea (Vol. 3). Chapel Hill, NC, USA: University of North Carolina Press. Macdonald, H. (2012). Music in 1853: the biography of a year. Suffolk, United Kingdom: Boydell Press. Ripin, E., Pollens, S., Belt, P., Meisel, M., Huber, A., Cole, M., Hecher, G., Pascual, B., Hoover, C., Tyrrell, J. (2011). Janacek: Years of a Life Volume 2 (1914-1928): Tsar of the Forests. London, England: Faber & Faber. Trümpy, B. (2016). Oracula Sybillae. WER73352. SCHOTT MUSIC & MEDIA GmbH, Mainz, Germany. https://en.schott-music.com/shop/oracula-sibyllae- no344538.html 12 Der Abend dämmert, das Mondlicht scheint / Da sind zwei Herzen in Liebe vereint / Und halten sich selig umfangen Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Gabo&Mafe Fotografía Cód. PULEP: QMS654. INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia)

Fecha de publicación del número aproximada.

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