Miércoles 21 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Cód. PULEP: WDP937 Jueves 22 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: KOA985 Jueves 1° de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: BPU955 Foto: Diana Mejía Malagón MARÍA ELVIRA HOYOS violonchelo (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Florencia, el ingreso al auditorio Ángel Cuniberti para personas con movilidad reducida es por la entrada principal, frente al parqueadero. Es necesario dar aviso al personal de la agencia cultural para su ubicación en las primeras filas de la parte superior. En Neiva, el ingreso al auditorio para personas con movilidad reducida es por la carrera 5 con calle 6. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Diana Mejía Malagón MARÍA ELVIRA HOYOS violonchelo María Elvira actualmente realiza sus estudios de pregrado en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudia bajo la dirección del maestro Diego García desde el año 2013. Ha actuado en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en los años 2007 y 2011. En mayo del 2016, fue ganadora del tercer premio del concurso internacional Jóvenes solistas FIME y, en mayo del 2017, fue ganadora del segundo premio del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali. María Elvira ha recibido clases magistrales con Natalie Clein, Andrés Díaz, Peter Schmidt, Horacio Contreras, Francisco Vila, Brinton Smith, Johannes Moser y Jakob Koranyi. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, el Acordanza Ensamble, la Filarmónica Juvenil de Cámara, orquesta que dirige su hermano, el violinista Leonardo Federico Hoyos, y la Filarmónica Joven de Colombia. Ha realizado conciertos como solista en el Auditorio Fabio Lozano, el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional de Colombia, la Sala Otto de Greiff, y la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República de Bogotá. María Elvira nació en 1997 y a la edad de siete años inició sus estudios de violonchelo con su padre, el maestro Luis Rafael Hoyos, ex miembro de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y de la Orquesta Sinfónica de Colombia. Posteriormente, continuó sus estudios de violonchelo con el maestro polaco Henryk Zarzycki. 2 Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel trompeta Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel, trompetista de veinticuatro años, nació en 1993 en la ciudad de Tuluá (Valle del Cauca, Colombia). Inició su vida artística a los cinco años de la mano de su padre, el maestro Gustavo Adolfo Jaramillo. Hizo parte de la Banda Luis Mario Lopeda de la Unidad Central del Valle del Cauca, en la que se desempeñaba como percusionista. Posteriormente, a los diez años de edad, se unió como trompetista a la Banda Juvenil Santa Cecilia de San Pedro Valle fundada por el maestro Luis Mario Lopeda. Es egresado de la Escuela de Artes Talento Humano con el título de Técnico en Música. Actualmente cursa décimo semestre de música con énfasis en interpretación (trompeta) en la Universidad del Valle. Ha recibido clases magistrales con los maestros Francisco ‘Pacho’ Flores de Venezuela, Luis González Martí de España, Eric Aubier y Sylvain Maillard de Francia, Florian Kirner de Alemania y Mark Hughes de Estados Unidos. Fue representante de Colombia en el Festival Internacional de Folclore dos Açores, Portugal. Se ha desempeñado como solista de la Banda Departamental del Valle del Cauca, también como solista, primera trompeta y jefe de grupo en la Orquesta y Banda Sinfónica de la Universidad del Valle. Fue seleccionado como trompetista titular de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia para las temporadas 2016 y 2017. El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de Foto: Daniel Jaramillo Pimentel 3 PROGRAMA Pieza para violonchelo solo (2009) DANIEL LEGUIZAMÓN (n. 1979) Ricercar No. 4 (c. 1689) Ricercar No. 5 (c. 1689) DOMENICO GABRIELLI (1659-1690) Sonata para violonchelo solo, Op. 25 No. 3 (1922) Lebhaft, sehr markiert Mäßig schnell, Gemächlich Langsam-Ruhig Lebhafte Viertel Mäßig schnell PAUL HINDEMITH (1895-1963) INTERMEDIO Suite para violonchelo solo (1920) Preludio-fantasía Sardana (danza) Intermezzo e danza finale GASPAR CASSADÓ (1897-1966) Lejano (2017) GUSTAVO JARAMILLO (n. 1993) Para violonchelo y trompeta CONCIERTO No. 6 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta Instrumento bajo de la familia del violín, el violonchelo comenzó su vida a partir del siglo XVI relegado a un rol de acompañamiento; y solo desde el último cuarto del siglo XVII (particularmente en Bolonia) comenzó a desarrollar una voz propia. Allí, unas mejorías en sus cuerdas permitieron generar cambios en el diseño del cuerpo del instrumento, redefiniendo así su potencial técnico y expresivo. A partir del ejemplo boloñés, compositores de toda la península itálica (como Vivalidi, Bononcini, Geminiani o A. Scarlatti, entre otros) comenzaron a explorar el chelo, llegando incluso a escribir para él sin acompañamiento alguno. Este último formato conllevó un gran desarrollo técnico, llegando a una de sus cúspides en las seis suites que Johann Sebastian Bach compuso entre finales de la década de 1720 y principios de aquella de 1730. Después de esto, la noción de ‘violonchelo no acompañado’ desapareció durante dos siglos, apenas con alguna excepción como en los caprichos de Carlo Alfredo Piatti (1822-1901). No sería sino hasta el siglo XX que los cambios en el lenguaje musical estimularon la reaparición de este formato y desde la segunda mitad del siglo, el número de piezas para violonchelo creció hasta hacerse prácticamente incontable. El recital de hoy plantea un interesante vistazo a esta rica tradición, no limitándose a lo ocurrido hace siglos al otro lado del mundo, sino planteándonos la pregunta de qué puede significar para nosotros aquí y ahora. El bogotano Daniel Leguizamón (n. 1979) es uno de los compositores más sobresalientes de su generación, con una creciente obra caracterizada por el reto que implica a intérpretes, público y, claro, al creador mismo. Su Pieza para violonchelo solo fue terminada en 2009, poco después de haber culminado sus estudios posgraduales en Montevideo, con los icónicos Coriún Aharonián y Graciela Paraskevaídis. La pieza cierra una primera década creativa de Leguizamón y ejemplifica refinadamente varios elementos fundamentales de su técnica y estilo compositivos. Lo primero que nos podría impactar de su Pieza para violonchelo solo −en la medida en la cual conozcamos el instrumento− es la scordatura1 que utiliza: 1 Utilizamos el término italiano scordatura para subrayar que un compositor ha cambiado la afinación tradicional de un instrumento dado. 5 Las dos cuerdas centrales del instrumento están reafinadas para facilitar relaciones interválicas complejas que luego serán explotadas por Leguizamón en la creación de la particular sintaxis de la pieza. El segundo impacto es la extrema austeridad del lenguaje musical. Nada hay aquí de melodías bucólicas o ritmos que pretenden ‘ser colombianos’; lo que hay en primer plano es el verdadero sonido del violonchelo y su dramática contraparte dialéctica, el silencio. Estos dos elementos elaboran un discurso que nos invita a abrir los oídos y ser escuchas activos, no solo de lo que hace el intérprete, sino de lo que ocurre a raíz de los sonidos y silencios producidos. En este sentido, la resonancia se torna en un elemento clave para la escucha, bien sea por su rol de puente en la relación poética entre silencio y sonido, o bien por lo que permite en cuanto a la generación de batimientos2. A partir de los intervalos generados por la scordatura e intensificados por el uso de cuartos y octavos de tono, Leguizamón utiliza estos batimientos como uno de los elementos fundamentales de su sintaxis. Así, mientras el intérprete toca dos alturas largas y aparentemente estáticas, el aire mismo a nuestro alrededor se acelera y desacelera a la manera de un teatro de sombras hecho solo con sonido. Estos elementos tan sutiles se ven retados cada tanto por rugidos de arco presionado y por un pizzicato que, cual lentísimo reloj, parece llamarnos a contemplar el paso de un tiempo sicológico inusitado. Domenico Gabrielli (1659-1690) fue un compositor y violonchelista boloñés reconocido por su música vocal −tanto litúrgica como secular− y por su revolucionario trabajo en torno al violonchelo. Fue ampliamente admirado como primer gran virtuoso del instrumento y hoy lo recordamos como el primer compositor, junto con Giovanni Battista Degli Antoni (c. 1636-1698), en desarrollar un repertorio del cual el violonchelo fuese el protagonista. Gabrielli dejó obras vocales e instrumentales con tramos en los cuales el chelo aparece como instrumento obbligato3, así como las primeras sonatas acompañadas donde es el solista, e incluso un canon para dos violonchelos. 2 Dos alturas generan otros sonidos, ‘frecuencias de combinación’, por la suma y resta de sus frecuencias; cuando una frecuencia ‘diferencial’ es muy grave, ya no la percibimos como una altura sino como un batimiento. 3 Dado que antiguamente era común que, por ejemplo, una melodía fuese ejecutada por cualquier instrumento que pudiese producir las notas necesarias, el vocablo italiano obbligato se usó en el barroco para aclarar cuando debía ser tocada por un instrumento específico. 6 Lo más significativo de esta producción, sin embargo, son sus siete ricercari4 para violonchelo solo, serie que apareció publicada hacia 1689 y de la cual escucharemos los números 4 y 5. Cada uno de los ricercari de Gabrielli está en una tonalidad diferente, lo cual permitió al compositor explorar el comportamiento del chelo en diferentes campos tonales. En todos los ricercari encontramos una escritura idiomática y de una dificultad técnica importante. Además, escuchamos elementos tonales tempranos que fueron estableciendo los paradigmas que dominarían las estructuras del siglo XVIII, como planteamientos y desarrollos motívicos que llevan a modulaciones prototípicas, aunque con algunas sorpresas armónicas. El Ricercar No. 4 está en mi bemol mayor y en la inusual métrica de 6/4, mientras que el No. 5 está en do mayor y en un muy común 4/4. En ambas piezas nos encontramos con un tratamiento armónico que explota secuencias modulantes y una exploración de los diferentes registros del violonchelo. De esta manera, Gabrielli lo plantea en un momento como el ágil instrumento melódico que estaba inventando y en otro, como el discreto bajo que sostenía el acompañamiento de antaño. En largos tramos, sin embargo, los roles se superponen en un contrapunto virtual que anuncia mucho de lo que haría Bach cuatro décadas después. El 1° de agosto de 1921 se realizó el tercer y último concierto de la primera edición del Festival de Donaueschingen, encuentro anual que se convertiría en uno de los eventos más importantes del mundo en la difusión de lo que ha sido considerada ‘música contemporánea’ en estas diez décadas. La última pieza de aquel programa fue el Cuarteto de cuerdas No. 3 de un alemán desconocido de veintiséis años llamado Paul Hindemith (1895-1963). Como el grupo designado por el festival para hacer este estreno rehusó hacerlo, el compositor se vio obligado a resolver el problema por su cuenta. Aprovechando que él mismo era violista y su hermano Rudolf, violonchelista, improvisaron un cuarteto, completándolo con los violinistas Walter Caspar y Licco Amar. El apellido de este último fue el que le dio nombre al legendario Cuarteto Amar que, desde ese día y a lo largo de la década de 1920, desarrollaría una brillante carrera, justamente fundamentada en las nuevas creaciones para 4 Las palabras, también italianas, ricercar, ricerare o ricercari son utilizadas para describir dos tipos de composición instrumental que comenzaron a aparecer desde finales del siglo XV. Una es casi una improvisación homofónica transcrita a partitura (usualmente en tablatura); la otra, una composición contrapuntística imitativa de mayor complejidad. En repertorios hispánicos, con frecuencia aparecen los términos ‘recercada’ o ‘tiento’ para significar lo mismo. 7 cuarteto de aquella época. Para 1922, ya Hindemith se había establecido como el compositor dominante de Donaueschingen y en los siguientes años, el Amar se convertiría en la agrupación más programada del Festival. En aquella segunda edición, cuenta la leyenda, Hindemith asumió el reto −por un concurso o por una apuesta perdida, según la narración− de componer una obra para violonchelo en una noche. Así nacieron cuatro de los cinco movimientos de su Sonata para violonchelo solo, Op. 25 No. 3, la cual dedicaría al nuevo violonchelista del cuarteto, Maurits Frank. Siendo joven, ya Hindemith había abandonado ciertas reminiscencias posrománticas que aún aparecían en sus primerísimas obras y las habría reemplazado por un estilo más austero y moderno. Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad) fue el nombre dado a esta tendencia, estructurada sobre una tonalidad ampliada y disonante, guiada por el ímpetu rítmico de una métrica frecuentemente cambiante y caracterizada por un discurso ágil y a veces agresivo. En general, la antigua pretensión de una música supuestamente refinada, elegante y ‘bonita’ fue reemplazada por una propuesta desnuda y esencial, de alguna manera más acorde con el ambiente que se vivía en la República de Weimar. El primer movimiento −Lebhaft, sehr markiert (Animado, muy marcado)− comienza con densos acordes que luego son elaborados melódicamente. La intensidad de los golpes de arco da un carácter áspero y casi violento, intensificado por el amplio registro que se cubre y por ciertos ritmos de intención primitivista. Los movimientos segundo y tercero −Mäßig schnell, Gemächlich (Moderadamente rápido, sin afán) y Langsam (Lento), respectivamente− se enfocan más en un desarrollo melódico comparablemente delicado, aunque igualmente cromáticos y complejos. El velocísimo cuarto movimiento pide ser tocado ‘sin expresión alguna y siempre pianissimo’, ejemplificando ese neobarroquismo de ritmos obsesivos que caracterizó la música de Hindemith por aquella época. Finalmente, el quinto movimiento vuelve a un tempo más visceral y a una mayor brusquedad de expresión que, sin embargo, se extingue en un gesto excepcional que parece casi una broma de cierre. El catalán Gaspar Cassadó (1897-1966) fue uno de los más aclamados violonchelistas de su generación, gracias, en parte, a haber sido el más longevo e importante discípulo del legendario Pau Casals, quien fue su profesor en París. Allí, el joven virtuoso tuvo también la oportunidad de estudiar composición con Maurice Ravel y tener contacto con Manuel de Falla. De ambos compositores heredó un leguaje armónico posimpresionista, la fe en 8 la importancia de la melodía y cierto interés por la caracterización étnica en la composición. Este último aspecto se vería acentuado por las complejidades políticas que debió vivir Cassadó como europeo, pero más aún, como catalán, en los turbulentos dos primeros tercios del siglo XX. Para 1926 la carrera interpretativa de Cassadó ya estaba establecida, pero la compositiva apenas comenzaba. Como es de suponer, aprovechó su profundo dominio del chelo para construir sobre él un corpus creativo y, en efecto, la mayoría de sus composiciones (y de la cantidad enorme de transcripciones que hizo) lo involucran. Cassadó conoció bien las Suites de Bach (fue su maestro Casals quien las ‘redescubrió’) y resulta evidente que estas lo estimularon al componer su propia Suite para violonchelo solo, obra en la cual logró, no un trabajo de principiante, sino una obra que demuestra ya una madurez técnica y estética. El Preludio fantasía parte de una abstracción de sarabanda, la cual moldea a través de una ornamentación supremamente refinada hasta hacerla casi irreconocible. Por momentos, posibles referencias a otras músicas tradicionales de la península ibérica parecen asomarse: tal vez un breve giro melódico canario o una sugerencia de un ritmo de acompañamiento andaluz. Nunca, sin embargo, se llega a la obviedad y cada cambio métrico o cada floritura nos distraen de lo que casi reconocemos. El segundo movimiento es más explícito, incluso desde su título: Sardana (Danza). Este gesto nacionalista catalán es perfectamente comprensible, teniendo en cuenta que la dictadura militar de Miguel Primo de Rivera había disuelto la Mancomunidad de Cataluña apenas un año antes de la composición de la Suite. La sonoridad creada por el uso de dobles cuerdas recuerda aquella instrumentación de vientos que tipifica la sardana; no obstante, ni siquiera en este contexto Cassadó acepta la cita ni la paráfrasis directa. Este mismo pudor define el Intermezzo e danza finale, aunque una jota aragonesa podría asomarse, haciendo referencia no solo a giros melódicos sino a la cuerda pulsada, recordándonos así las guitarras y bandurrias de aquel repertorio. Nacido en Tuluá, el trompetista Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel (n. 1993) tuvo una formación y un desempeño inicialmente enmarcados en la tradición de banda. Posteriormente se graduó de la Escuela de Artes Talento Humano y en la actualidad estudia su instrumento principal en la Universidad del Valle, en Cali. Se ha desempeñado como solista de la Banda Departamental del Valle del Cauca y como solista, primera trompeta y jefe de grupo en la Orquesta y Banda Sinfónica de la Universidad del Valle. Fue seleccionado como trompetista titular de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia. En una nota de su propia autoría, el mismo Jaramillo describe Lejano, para violonchelo y trompeta, como una obra tripartita en la cual varios aspectos generan una fusión entre elementos propios de lo que él describe como ‘lo sinfónico’ y, por otra parte, el jazz. En particular, este último referente parece hacerse presente a raíz de melodías que elaboran progresiones armónicas características de aquella familia de músicas, de la forma de la presente pieza, de la preocupación por dar un espacio a la improvisación y, seguramente, de ritmos que de alguna manera parafraseen aquellas prácticas musicales. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Próximos conciertos en FLORENCIA STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Miércoles 11 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia AMARETTO ENSAMBLE música tradicional (Colombia) Miércoles 6 de junio de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Próximos conciertos en NEIVA AMARETTO ENSAMBLE música tradicional (Colombia) Miércoles 23 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: MOJ954 SON DE MADERA son xarocho (México) Martes 23 de octubre de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: CRO132 Temporada Nacional de Conciertos 2018 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Interpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Diego Salamanca Bustamante Cód. PULEP: BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ, cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene la inclusión de los movimientos en las obras de Paul Hindemith y Gaspar Cassadó —páginas 3—.

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA clarinete (Colombia) JESÚS DAVID PRIETO piano (Colombia) Jueves 24 de mayo de 2018 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón - ICBA Cód. PULEP: EAF370 Jueves 31 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: NYE709 TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Tunja, el acceso al Auditorio Eduardo Caballero Calderón para personas con movilidad reducida es por la entrada principal ubicada en la Carrera 10 # 19-17. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA, clarinete Inició sus estudios de clarinete en la escuela de música de Moniquirá bajo la tutoría del maestro Hernando Pinzón. Posteriormente, pasó a formar parte de la escuela superior de música de Tunja bajo la tutoría del maestro Fredy Pinzón, para luego ser admitido en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra del maestro Héctor Pinzón; actualmente cursa octavo semestre en esta institución. En el 2011 fue ganador del primer premio de la Primera Semana del Clarinete realizada en Tunja y semifinalista del concurso de clarinete Claribogotá en el año 2012. Ha tenido participación activa en festivales de clarinete como Segunda Semana del Clarinete de Tunja, realizado en el marco del Festival Internacional de la Cultura. Ha recibido clases magistrales con Guillermo Marín, Christopher Jepperson, Hernán Darío Gutiérrez, Luis Carlos Erazo, Edwin Rodríguez, Ricardo Dourado Freire, Benito Meza, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, José Franch-Ballester, Ana Catalina Ramírez, Marco Antonio Mazzini, Lenin Izaguirre, entre otros. JESÚS DAVID PRIETO, piano Comenzó sus estudios de piano a los siete años de edad. Luego de varios años de formación en clases particulares, ingresó al programa básico del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, en donde cursó con un nivel destacado las cátedras de Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional en la misma universidad con Piedad Pérez, obteniendo la máxima calificación posible en su trabajo de grado. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov junto a la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012. Fue pianista repetidor en las fundaciones Arte Lírico y Azury Marmolejo en el año 2013 y pianista en el montaje, conciertos y grabación del reestreno de la zarzuela El castillo misterioso realizado por la Universidad de los Andes. En el 2014 fue seleccionado por concurso para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, Jiaqi Li, Miguel Ángel Scebba, Bernhard Parz, Roman Zaslavsky, Juan Carlos Gutiérrez, el dúo alemán Grau-Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. En el desarrollo de la maestría continuó su formación pianística con el maestro Mac McClure. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Sonata para clarinete y piano (1934) Molto moderato Vivace ARNOLD BAX (1883-1953) ‘Time Pieces’ para clarinete y piano, Op. 43 (1982-1983) Allegro risoluto Andante espressivo Allegro moderato Andante molto - Allegro energico ROBERT MUCZYNSKI (1929-2010) INTERMEDIO Sonata para clarinete y piano, Op. 214 (2005) Diálogos - Cadenza Scherzo Andantino Finale presto BLAS EMILIO ATEHORTÚA (n. 1943) Bucolique (1957) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Tema y variaciones (1974) Tema Variación 1 - Larghetto misterioso Variación 2 - Presto Variación 3 - Moderato Variación 4 - Adagio Variación 5 - Tempo di valza Variación 6 - Prestissimo JEAN FRANÇAIX (1912-1997) CONCIERTO No. 26 3 NOTAS AL PROGRAMA Guillermo Gaviria El clarinete actual es resultado de siglos de evolución en su construcción. Aunque es difícil rastrear los orígenes específicos del instrumento, los que se pueden considerar como sus antecesores se encuentran en diversos lugares del mundo, entre estos el antiguo Egipto, Grecia y el Imperio Romano. Uno de los instrumentos que se relaciona directamente con el clarinete es el llamado chalumeau, también considerado como predecesor del oboe. El clarinete, como tal, apareció alrededor del siglo XVIII, como lo menciona Eric Hoeprich en The Clarinet […] hacia 1700 la confluencia de las actividades de fabricación de instrumentos en Europa condujo a la creación de los primeros clarinetes, que eventualmente obtuvieron su lugar entre los que se encontraban ya establecidos como el oboe, la flauta y el fagot (2008:11). Johann Christoph Denner (1655-1707), constructor de instrumentos y reconocido como el inventor, en su idea de mejorar el chalumeau, construyó un nuevo instrumento que era más que una evolución. Entre sus principales cambios se mencionan la adición de dos llaves que permitieron ampliar su rango a más de dos octavas y mejorar la boquilla y la forma de la campana. El nombre del nuevo instrumento se asignó poco después y, sobre las razones para esto, hay varias teorías. Una de ellas, de acuerdo con Johann Gotfried Walther, en 1732, es que «de lejos sonaba no muy distinto a una trompeta» (Rendall, 1971:1). Clarinette (en italiano) es un diminutivo de clarine, que viene a su vez Chalumeau Clarinete de Denner Clarinete actual 4 de clarion, una especie de trompeta básica. El clarinete rápidamente reemplazó al chalumeau y para las primeras décadas del siglo XIX ya era un instrumento estándar en las orquestas. Desde entonces, el instrumento de Denner ha sido modificado y mejorado por numerosos constructores, ampliando su rango y convirtiéndolo en un instrumento muy versátil. El programa de hoy presenta dos compositores de habla inglesa en la primera parte y dos de habla francesa en la segunda, con un colombiano en medio de ellos. Se inicia con la Sonata para clarinete y piano de Arnold Edward Trevor Bax (1883-1953), quien nació en Streatham, en el sur de Londres (Inglaterra). Sus padres tenían medios económicos que le permitieron vivir y desarrollar sus intereses sin preocupaciones financieras. A los diecisiete años ingresó a la Royal Academy of Music en donde permaneció durante cinco años, recibiendo la influencia de dos reconocidos pedagogos de música: Frederick Corder (1852-1932) en la composición y Tobias Matthay (1858-1945) en el piano. Igualmente, recibió clases de clarinete de Julian Egerton (1848-1945). En sus clases de composición, Corder enfocaba sus ejemplos en las obras de Franz Liszt y Richard Wagner, quienes se convirtieron en las primeras influencias de Bax. En 1902, siendo estudiante de la Royal Academy, Bax, quien era un lector voraz, «en cada hora no dedicada a la música, leí febrilmente toda la literatura que puede encontrar, poesía y prosa, británica y continental (Hannam, 2008:11)», descubrió la poesía del irlandés William Butler Yeats (1865-1939). The Wanderings of Oisin and Other Poems, su primera lectura, es un poema épico que toma la forma de un diálogo entre Oisin, un guerrero y poeta celta, y San Patricio, patrono de Irlanda, responsable de convertirla al cristianismo. El primer libro se inicia con estos versos en donde habla San Patricio: Ustedes que están encorvados, calvos y ciegos, / Con un corazón pesado y una mente errante, / Han conocido tres siglos, los poetas cantan, / De coqueteo con una cosa demoníaca1 (Yeats, 2010. Trad. G. Gaviria). El poema de Yeats impactó de manera transcendental a Bax, quien diría, citado por William Hannam, «el celta dentro de mí se reveló». Y agregó: «En un pasaje famoso de Renan, el bretón, declaró que, “el celta se ha agotado alguna vez al confundir los sueños con la realidad”, pero yo creo, por el contrario, que el celta sabe con más claridad que los hombres de la mayoría de las razas, cuál es la diferencia entre los dos, y elige deliberadamente seguir el sueño. Sin duda hay un cazador incansable de sueños en mi propio maquillaje. Me encanta la vida. Soy un habitante que valora este mundo... sin embargo, una parte de mí no hace parte de eso»2 (Hannam, 2008:12, Trad. de G. Gaviria). 1 You who are bent, and bald, and blind, / With a heavy heart and a wandering mind, / Have known three centuries, poets sing, / Of dalliance with a demon thing. 2 “In a famous passage the Breton, Renan, declared that, ‘The Celt has ever worn himself out in mistaking dreams for reality,’ but I believe that, on the contrary, the Celt knows more clearly than the men of most races the difference between the two, and deliberately chooses to follow 5 La Sonata para clarinete y piano, está dedicada a su amigo Hugh Prew, clarinetista aficionado, quien fue compañero de cricket en el equipo Old Broughtonians en la década de 1920. El estreno ocurrió en junio de 1935, en el London Contemporary Music Centre, y estuvo a cargo del célebre clarinetista Frederick Thurston, acompañado al piano por Harriet Cohen (segunda esposa de Bax). La sonata es una muestra de sus mejores talentos: el empleo idiomático de los instrumentos y su precisión para caracterizar estados de ánimo y del alma (Payne, 1980:310). La segunda obra es ‘Time Pieces’, para clarinete y piano, Op. 43 del polaco-estadounidense Robert Muczynski (1929-2010), quien nació en Chicago (Estados Unidos). Muczynski estudió composición con Alexander Tcherepnin en la DePaul University a finales de la década de 1940, y más tarde se convirtió en profesor de composición y compositor en residencia en la Universidad de Arizona (Estados Unidos). Es principalmente conocido por sus composiciones para piano, pero tiene una amplia variedad de composiciones para clarinete, flauta, saxofón y otros instrumentos de viento. Time Pieces fue termindada en septiembre de 1983 y está dedicada al clarinetista Mitchell Lurie, a quien acompañó Muczynski en agosto de 1984 en el estreno de la pieza en el Clarinet Congress de la International Clarinet Society en Londres. De acuerdo con Muczynski […] esta composición es un conjunto de cuatro piezas contrastantes, cada una resaltando alguna característica específica del clarinete en términos de alcance, destreza técnica, color y expresividad... El título de la obra, Time Pieces, no tiene nada que ver con relojes mecánicos o relojes de pulso. No es un juego de palabras sino la conciencia de que todo existe en el tiempo: historia, nuestras vidas y... de una manera especial... música3 (Rice, 2016:138, Trad. de G. Gaviria). Albert Rice menciona que la obra interesa a intérpretes de nivel avanzado, dado que Muczynski desarrolla sus ideas con un alto grado de capacidad técnica y musical. Señala que la escritura para el clarinete es idiomática, a pesar de algunos pasajes que requieren bastante práctica. Es una prueba de resistencia que exige una muy buena coordinación entre los dos intérpretes, por su variedad amplia de contrastes dinámicos y desafíos rítmicos. La segunda parte del programa abre con la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, del compositor colombiano Blas Emilio Atehortúa (n. 1943), nacido en Santa Helena, Antioquia. Atehortúa estudió en el Conservatorio de la Universidad the dream. There is certainly a tireless hunter of dreams in my own make-up. I love life. I am an appreciative inhabitant of this world […] yet a part of me is not of it.” 3 This composition is a suite of four contrasting pieces, each highlighting some specific characteristic of the clarinet in terms of range, technical prowess, color, and expressiveness…. The title of the work, Time Pieces, has nothing to do with mechanical clocks or watches. It is not a play on words but rather an awareness that everything exists in time: history, our lives and…in a special way…music. 6 Nacional de Colombia, en donde sus maestros más importantes fueron José Rozo Contreras, profesor de instrumentación y orquestación para banda, y Olav Roots, profesor de composición, dirección de orquesta y orquestación sinfónica, con quien entabló una muy productiva amistad. Posteriormente, en 1963, a los veinte años, viajó a Buenos Aires con una beca a estudiar al Instituto Torcuato Di Tella dirigido por el compositor Alberto Ginastera. Allí tuvo la oportunidad de contar con la guía de los compositores más destacados de Europa y los Estados Unidos. Recibió su diploma en 1964 firmado por Alberto Ginastera, Olivier Messiaen, Aaron Copland, Riccardo Malipiero, Bruno Maderna, Gilbert Chase, Pola Suárez Urtubey, José Vicente Asuar y Luigi Dallapiccola, figuras indudables de la composición de la posguerra (Friedman, 2011). La musicóloga colombiana Ellie Anne Duque, quien le ha dedicado varios de sus escritos, subraya la participación activa del compositor «en el desarrollo consciente de una identidad cultural nacional y latinoamericana con referencias internacionales» (Duque, 1999). En cuanto a la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, Duque menciona que, en esta, el compositor «reafirma la claridad de sus procedimientos», a través de técnicas que le son familiares: El empleo de cadenzas le permite abordar las necesidades del diálogo expresivo; el scherzo es el mejor vehículo para trabajar la lúdica de su estilo, mientras el empleo de ostinati le permite armonizar aspectos muy clásicos de sus pensamiento con los paisajes sonoros más estáticos, de la música contemporánea (Duque, 2008:7). Eugène Bozza (1905-1991), nacido en Niza, Francia, fue un estudiante destacado en el Conservatorio de París, ganando primeros premios en violín en 1924, dirección en 1930 y composición en 1934. Igualmente, obtuvo el Gran Premio de Roma. Dirigió la orquesta de la Opéra Comique, en París, hasta 1948 y luego fue director del Conservatorio Valenciennes. Sus obras incluyen varias óperas, ballets y obras sinfónicas y corales. Sin embargo, su reconocimiento internacional se relaciona con sus trabajos de cámara, particularmente los compuestos para ensambles de instrumentos de viento. Paul Griffiths, en su artículo en el New Grove, afirma que las obras de Bozza muestran «en un alto nivel las cualidades características de la música de cámara francesa de mediados del siglo XX: fluidez melódica, elegancia de la estructura y una preocupación constante por las posibilidades instrumentales»4 (1980:148. Trad. G. Gaviria). Los intérpretes valoran sus obras, precisamente por las cualidades que menciona Griffiths, como se puede apreciar en el siguiente texto acerca de Bucolique: Eugène Bozza le permite al ejecutante de Bucolique mostrar la habilidad técnica y expresividad de sus habilidades como clarinetista. Esta pieza fue dedicada a Ulysse Delécluse, el décimo profesor de clarinete del Conservatorio de París. Bucolique 4 Displays at a high level the qualities characteristic of mid-20th-century French chamber music: melodic fluency, elegance of structure and a consistently sensitive concern for instrumental capabilities. 7 significa “pastoral”, y se inicia con arpegios rapsódicos de forma libre que muestran la amplia gama del clarinete. Después una breve cadencia, la sección lírica recuerda la Première Rhapsodie de Debussy. Finalmente, empujando los límites de la velocidad y la agilidad de la digitación, Bozza presenta un Scherzo a una rapidez vertiginosa, creando fuegos artificiales musicales que hacen este un final deslumbrante5 (Case-Ruchala, 2014. Trad. G. Gaviria). Jean René Désiré Françaix (1912-1997) nació en Le Mans y murió en París, Francia. Sus talentos musicales excepcionales se desarrollaron libremente, propiciados por un entorno familiar favorable: su padre era director del Conservatorio de Le Mans y su madre profesora de canto. Sus condiciones musicales eran tales, que su ilustre maestra Nadia Boulanger, a quien se confió su formación musical cuando tenía diez años, en 1922, escribió a su madre: «Señora, no sé por qué estamos perdiendo el tiempo enseñándole armonía, él conoce la armonía. No sé cómo, pero él la sabe, nació sabiéndola. Hagamos contrapunto»6 (Françaix, n.d. Trad. G. Gaviria). En la misma línea de reconocimiento de su talento, el 10 de enero de 1923, Maurice Ravel, en respuesta al padre de Jean, Alfred Françaix, reflexiona sobre lo que debe ser la educación musical de un niño (Ravel, 1990:232): Entre los dones de este niño, he observado sobre todo el más fructífero que un artista puede poseer, el de la curiosidad. De ahora en adelante, esos preciosos dones no deben ser sofocados, pues se corre el riesgo de dejar que esta sensibilidad juvenil se marchite. La técnica es esencial; pero armonía, contrapunto, fuga, los principios de la composición y el análisis de las partituras en detalle solamente pueden ser estudiados de manera útil cuando su musicalidad se haya desarrollado. En primer lugar, se debe permitir que asimile los materiales de la música instintivamente. Tema y variaciones, para clarinete y piano, fue compuesta en 1974 como respuesta a la tradicional comisión de la ‘Pièce de Concours’ del Conservatorio Superior de París, por solicitud de Ulysse Delécluse, el mismo a quien Bozza dedicó su Bucolique. El tema de las variaciones está basado en un llamado de tres notas como homenaje a O-li-vier, nieto de Françaix, a quien está dedicada la pieza. Las variaciones son de gran exigencia técnica y virtuosismo, con melodías memorables y ritmos jazzísticos. 5 Eugène Bozza allows the performer of Bucolique to show off the technical skill and expressiveness of their clarinet abilities. This piece was dedicated to Ulysse Delécluse, the 10th professor of clarinet at the Paris Conservatory. Bucolique means “pastoral”, and opens with free-form rhapsodic arpeggios that display the extensive range of the clarinet. After a short cadenza, the lyrical section is reminiscent of Debussy’s Première Rhapsodie. Finally, pushing the limits of tempi and fingers, Bozza displays a Scherzo at breakneck speed, creating musical fireworks that make this ending dazzling. 6 Madame, je ne sais pas pourquoi nous perdons du temps à lui apprendre l’harmonie, il sait l’harmonie. Je ne sais pas comment, mais il la sait, il est né la sachant. Faisons du contrepoint. 8 Bibliografía Griffiths, P. (1980). “Bozza, Èugene”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Case-Ruchala, C. (2014). Treading uncharted waters. Doctoral Recital Series 2014. Arizona State University, USA. https://repository.asu.edu Duque, E. A. (1999). “Blas Emilio Atehortúa. Una obra sólida y oficio de compositor”, Revista Credencial Historia, No. 120, Bogotá. http://www.banrepcultural.org/ biblioteca-virtual/credencial-historia Duque, E. A. (2008). “Notas al programa”, El compositor y su obra, Concierto dedicado al maestro Blas Emilio Atehortúa. Sala de Conciertos, Banco de la República, Bogotá. http://quimbaya.banrep.gov.co/conciertos/documentos Françaix, J. (n. d.). Jean Françaix (1912-1997). Biographie succincte. http://www. jeanfrancaix.com Friedmann, S. (2011). “Blas Emilio Atehortúa: Tallando una vida de timbres, acentos y resonancias”. Premio de Vida y Obra, Ministerio de Cultura, Colombia. Hannam, W. B. (2008). Arnold Bax and the poetry of Tintagel (Doctoral dissertation, Kent State University). Payne, A. (1980). “Bax, Arnold”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Ravel, M., & Orenstein, A. (1990). A Ravel Reader: Correspondence, Articles, Interviews. Courier Corporation. Rendall, F. G., & Bate, P. (1971). The clarinet: some notes upon its history and construction. E. Benn. Rice, A. R. (2016). Notes for Clarinetists: A Guide to the Repertoire. Oxford University Press. Yeats, W. B. (2010). The Collected Works of W. B. Yeats Vol. I: The Poems. Simon and Schuster. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Boletas: $6.000 Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAUREANO QUANT, bajo barítono Jesús David Prieto, piano Jueves 12 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla XIMENA PÉREZ MEJÍA , saxofón Diego Claros, piano Cristian Guataquira, cuatro llanero Jueves 26 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 16 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ZVL341. TBA776. FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: María Camila Ramírez Spitia LAUREANO QUANT bajo barítono Jesús David Prieto, piano Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania)

Foto: Ackermann Foto SANTIAGO TORRES CARVAJAL guitarra (Colombia) Jueves 12 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Cali, Auditorio Nelson Garcés Vernaza del Centro Cultural Comfandi Cód. PULEP: SPW534 Jueves 19 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: EOB549 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cali, la entrada al Centro Cultural Comfandi para todos los usuarios que se desplazan caminando es por la calle 8 donde se encuentran gradas y rampa de acceso. El personal de seguridad y logística están atentos a prestar la ayuda a las personas con movilidad reducida o con discapacidad (ciegos y sordos). Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 SANTIAGO TORRES CARVAJAL, guitarra Nació el tres de agosto de 1993 en Santiago de Cali. Se interesó por la música a temprana edad e ingresó al Conservatorio Antonio María Valencia al programa de Formación Básica Musical. Inició sus estudios en guitarra clásica con los maestros Martha Lucía Vargas y Javier Mauricio Cruz. Recientemente finalizó el programa de música de la Universidad del Valle bajo la dirección del maestro Héctor González. Durante su carrera fue acreedor por nueve semestres consecutivos del Estímulo académico, beca otorgada por tener un alto promedio en la carrera. Ha participado como alumno activo en el II Seminario Internacional de Guitarra de Cali, en calidad de artista invitado en el VIII Seminario Iberoamericano de Guitarra de Ibagué en el 2013; y como estudiante becario en el X Cartagena Festival Internacional de Música en enero de 2016, donde recibió clases magistrales con el maestro Jason Vieaux (Estados Unidos). En 2016 participó en el Taller de música de cámara, dirigido por los maestros Olena Sokolovska (Ucrania/Portugal) y Pedro Ospina (Colombia/Portugal), en el cual actuó como solista junto a la orquesta de cámara. En el 2017 presentó su recital de grado universitario, al que se le otorgó mención meritoria por demostrar cabal comprensión de todos los aspectos relacionados con el lenguaje musical, sumado a una depurada técnica y solvencia instrumental. Actualmente conforma, junto con su hermano David Torres Carvajal (violinista), el Aquarela Dúo, un ensamble de cámara que abarca repertorios de la música clásica occidental y latinoamericana para el formato de violín y guitarra. Su formación ha sido complementada por clases magistrales con los maestros Ricardo Cobo (Colombia/Estados Unidos), Judicaël Perroy (Francia), José Antonio Escobar (Chile), Petr Vit (República Checa), Wladimir Carrasco (Chile), Stephen Marchionda (Estados Unidos), Marc Jean-Bernard (Francia) y por los integrantes de The Dublin Guitar Quartet (Irlanda), entre otros. También ha participado como observador en conferencias con Joaquín Clerk (Cuba) y en clases con Carlos Eugenio Santi (Argentina). El concierto en Cali se realiza en el marco de y cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Suite en mi mayor para laúd, BWV 1006a (1736-1737) Prélude Loure Gavotte en Rondeau Menuett I Menuett II Bourrée Gigue JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Transcripción para laúd de la Partita en mi mayor para violín, BWV 1006 por J. S. Bach Versión para guitarra de Tilman Hoppstock (n. 1961) Rossiniana No. 1, Op. 119 (1828) MAURO GIULIANI (1781-1829) INTERMEDIO Sonata para guitarra (1990) Fandangos y boleros La sarabanda de Scriabin La toccata de Pasquini LEO BROUWER (n. 1939) Suite colombiana No. 2 (2002) El margariteño Guabina viajera Bambuco Porro GENTIL MONTAÑA (1942-2011) CONCIERTO No. 18 3 NOTAS AL PROGRAMA Daniela Peña El guitarrista Santiago Torres nos presenta hoy un programa con una estructura palindrómica, iniciando y finalizando con música para danza, e interpretando en el medio dos piezas en las que el discurso se erige a partir del contraste y la variación de un elemento generador. Análoga a los procesos poéticos de la mayoría de los períodos de la historia de la música, dicha estructura nos ofrece ejemplares de algunos compositores que, en la actualidad, son indispensables para el conocimiento del lenguaje de los siglos XVIII, XIX y XX en Europa y América: Johann Sebastian Bach (1685-1750), Mauro Giuliani (1781-1829), Leo Brouwer (n. 1939) y Gentil Montaña (1942-2011). La Suite en mi mayor para laúd, BWV 1006a (1736-1737) de Johann Sebastian Bach consiste en una transcripción, realizada por el mismo compositor, de su Partita en mi mayor, BWV 1006 (1720). Cronológicamente hablando, la primera hace parte de una serie de partitas y sonatas para violín solo (BWV 1001-1006), finalizadas hacia 1720 cuando el compositor estaba empleado como maestro de capilla en Köthen. De la segunda, realizada entre 1736 y 1737, existe la versión autógrafa y se inserta en el periodo de tiempo en el que Bach dirigió el collegium musicum, fundado por Georg Philipp Telleman en 1720. Se sabe que en dicho establecimiento se realizaban conciertos, entre cuyos asiduos participantes se encontraban Johann Adolf Hasse, Carl Heinrich Graun y Sylvius Leopold Weiss; el último laudista de la corte de Sajonia en Dresde, para quien, probablemente, escribió sus últimas obras para laúd. La relación de J. S. Bach con el laúd es efímera, pero no por eso desdeñable, y se reduce a conexiones profesionales con laudistas como S. L. Weiss, Johann Kropffgangs o Christian Weyrauch, también abogado y responsable de las tablaturas que contienen la Fuga BWV 1000 y la muy reconocida Suite BWV 997. Se conoce también el contacto que tuvo el compositor con un instrumento llamado lautenwerck, o clave-laúd, ya que en el inventario realizado en Leipzig tras su muerte, se identificaron dos ejemplares, descritos por Johann Friedrich Agricola en sus comentarios sobre el tratado Musica mechanica organoedi (1768) de Jakob Adlung. Su descripción nos permite entender que se trataba de un instrumento de teclado con cuerdas de tripa, que emulaba el sonido del laúd, o de la tiorba, y cuyo sonido podía incluso despistar a los laudistas profesionales (Agricola, citado por Ripin & Wraight) 1. 1 Ripin, Wraight. 4 De todos modos, solo hay una de las siete composiciones para laúd de J.S. Bach que tiene indicaciones para ser tocada con este instrumento; se trata de la Suite BWV 996, cuyo autógrafo no se conserva, pero sí un manuscrito contemporáneo realizado por J. L. Krebs, cuyo título indica: Preludio con la Svite / da / Gio: Bast. Bach / aufs Lauten Werck (Preludio con la suite de J. S. Bach [para ser tocado] en el lautenwerk). No se puede saber si otras de las piezas para laúd, originales o transcritas, se ejecutaron en dicho instrumento, pero queda claro que era una búsqueda por la delicadeza del timbre de los instrumentos de cuerda pulsada, con las posibilidades polifónicas de los instrumentos de teclado. Algunos fantasean también con la posibilidad de añadir el laúd, o un instrumento similar, a la lista de instrumentos que Bach interpretaba magistralmente. El guitarrista Eduardo Fernández lo cuenta de esta manera: Claro que hay quien sostiene que Bach tocaba el laúd como un virtuoso, y que las obras en realidad fueron compuestas para un supuesto instrumento llamado ‘la Luth’, el cual además de estar afinado de un modo diferente al laúd barroco, utilizaría un capotasto móvil y palancas especiales movibles por medio de la mano izquierda. Y en realidad, si tal instrumento hubiera existido, sería perfectamente capaz de presentar todas estas obras. El problema es que no hay por ningún lugar pruebas documentales de que existió y mucho menos del supuesto virtuosismo de Bach en el laúd (Fernández, s.f, p. 14). Como lo indica Fernández, no existe la posibilidad de saber si esto es verdad, pero los historiadores de los siglos XIX y XX siempre prefirieron presentar una gran historia a dañarla con los hechos. Lo que sí se sabe es que toda la obra para laúd de J. S. Bach supone un inmenso reto para los guitarristas actuales que quieren revivir su obra, ya que el instrumento para el que esta fue compuesta o bien era un instrumento de teclado o uno de cuerda pulsada, como el ahora llamado laúd barroco, utilizado en el siglo XVIII con una afinación ´en re menor` bastante alejada de aquella de la guitarra moderna, la cual se asimila mucho más, en términos de afinación, al laúd utilizado en el siglo XVI y principios del XVII. Por lo demás, cabe agregar que dicha pieza no se rige por la estructura convencional de la partita o suite ‘clásica’ del siglo XVIII, cuyas danzas básicas son la allemande, la sarabande, la courante y la gigue. Por el contrario, los movimientos lentos, i.e. alemanda y sarabanda, son reemplazados por un movimiento ternario lento como el loure, y se incluyen danzas como la gavotte y la bourée que, si bien no son extrañas a este tipo de composición, no aparecen de manera tan recurrente como el primer grupo de danzas mencionadas en las piezas para instrumento solo del compositor. El cierre de la primera parte del concierto se hará con una de las obras más tardías del compositor Mauro Giuliani, la Rossiniana No. 1, Op. 119, que se 5 puede entender como uno de los frutos de su estrecha relación con otros dos virtuosos contemporáneos: Niccolò Paganini y Gioachino Rossini. Como indica Giancarlo Conestabile en su biografía acerca de la vida del violinista: «Giuliani y Paganini; uno en la guitarra; el otro en el violín, dos de los más grandes músicos de Italia, mantuvieron contacto frecuente y cercano con el genio de Pésaro, Rossini.»2. Esta pieza, según lo expuesto por Giuliani en una carta al impresor Giovanni Ricordi, está escrita en un ‘estilo desconocido’ (1821). En ella, el compositor no se limita a transcribir un fragmento de una ópera, como era común en la literatura contemporánea para la guitarra, sino que logra un diálogo activo entre su propio ingenio y el material prestado por su colega Rossini, que funciona como elemento generador del discurso musical. De ahí que la pieza no tenga un título de Fantasía sobre el aria [nombre de un aria existente] de G. Rossini sino Le Rossiniane, un homenaje a uno de los genios del bel canto en el lenguaje guitarrístico. Para cuando esta pieza fue escrita, Mauro Giuliani ya había sido en buena medida responsable de expandir el espectro social dentro del cual tenía parte la guitarra, pasando de ser un instrumento meramente doméstico a competir con el piano en la escena del virtuosismo musical en el siglo XIX. Los tres conciertos para guitarra sola y orquesta del compositor ya habían sido publicados y solamente un año después de la publicación de la Rossiniana No. 1, Op. 119, Charles Marescot publicó La guitaromanie (1829) que, además de incluir algunas piezas para el instrumento, contiene unas ilustraciones que dan cuenta de la vida social de la guitarra, particularmente en Francia. La siguiente ilustración, llamada La guitaromanie: Discussion entre les Carulistes et les Moulinistes, muestra que la técnica guitarrística era ya un elemento de disputa entre intérpretes, lo que corrobora el hecho de que ya no se tratara de un instrumento puramente doméstico y de reputación ligera. Así, en la pieza que interpretará Santiago Torres, el compositor da cuenta de un lenguaje muy elaborado 2 Giuliani and Paganini, the one on the guitar; the other on the violin, two of Italy’s greatest musicians, they maintained frequent and close contact with the genius from Pesaro, Rossini. (Conestabile, 1851, traducción de Daniela Peña Jaramillo sobre la traducción al inglés de Zigante). Figura 1. La guitaromanie: Discussion entre les Carulistes et les Moulinistes Charles Marescot –, 1829. 6 y técnicamente complejo pero, como era característico del lenguaje guitarrístico decimonónico, agradecidamente idiomático; es decir, que la altísima dificultad técnica nunca logra desdibujar el discurso musical, adaptado de manera concienzuda y sensible a todas las posibilidades que el instrumento proporciona. Además, logra incorporar la sutilidad del bel canto en un lenguaje simplemente instrumental, exigiendo del guitarrista la misma versatilidad que se exige de un cantante rossiniano; arias como Languir per una bella y Assisa a piè d’un salice, de las óperas Otello (1816) y L’italiana in Alegeri (1813) respectivamente, son citadas por Giuliani e intercaladas con secciones construidas a partir de escalas y arpegios en valores muy cortos, pequeños trémolos y también melodías originales inspiradas en el lenguaje belcantista, pero que exploran las posibilidades físicas y tímbricas del instrumento. La segunda parte del concierto iniciará con la Sonata para guitarra del compositor cubano Leo Brouwer, compuesta para el guitarrista Julian Bream en 1990, quien la estrenó en enero de 1991 en el Wigmore Hall de Londres. En esta se distingue la intención de homenajear a diferentes compositores de estilos tan variopintos como Alexander Scriabin (1782-1815), Bernardo Pasquini (1637- 1710), Ludwig van Beethoven (1770-1827) y el Padre Soler (1729-1783). La obra está construida a partir de la variación; transformación; y expansión rítmica, melódica, de carácter y tímbrica de pequeños motivos, cuyo germen se puede identificar desde las cinco notas del ´preámbulo`: si-do-fa-sib-sol. El autor refleja la clara tendencia que tuvieron los compositores del siglo XX de recuperar el pasado musical, ya fuera a partir de citas directas o de alusión a diferentes estilos3, insertando, en el caso de Brouwer, elementos propios del folclore cubano como se ve en la “Danza” (Allegretto) del primer movimiento. Por otro lado, en la coda, el compositor toma un fragmento de la Sinfonía No. 6 ‘Pastorale’ de Beethoven, luego de una inscripción en la que indica: “Beethoven visita al Padre Soler”. Brouwer describe este primer movimiento como una especie de rompecabezas en el que los colores son recompuestos y redistribuidos como en la serie de Cuadrados Mágicos del artista Paul Klee (Devine, 2003). En el segundo movimiento, La sarabanda de Scriabin, a pesar de evocar el ambiente místico y romántico de la obra del compositor ruso, también se hace referencia clara a la danza de la sarabanda y a su característico énfasis en el segundo tiempo de un compás de ¾. En el tercer movimiento se realiza también una cita del compositor Bernardo Pasquini que lleva el título de la sección, la Toccata con lo scherzo del cucco. 3 Para mayor información acerca del tema, revisar el artículo de Alfred Schnitke de 1971, Polystilistic tendencies in modern music, en el cual se menciona concretamente el principio de alusión y el principio de cita o citación. 7 La suite en el siglo XVI se refería a una agrupación de branles; un tipo de danza que hacía parte de la cultura cortesana en Francia, para cuya ejecución hay bastantes aportes de compositores como Claude Gervaise (1525-1583), e impresores como Tielman Susato y Pierre Attaignant. Ya en el siglo XVII el término suite se va perfilando hacia su significado actual y en 1676, Thomas Mace en su Music’s Monument describe una suite como un preludio, seguido de una alemanda un ayre, una courante y una sarabanda, unidas por una misma tónica y con una especie de similitud en sus naturalezas y humores (Mace, citado por Fuller, 1676). No obstante, se sabe también que la sucesión de alemandas, sarabandas y courantes era utilizada ya por los laudistas franceses (los mismos que realizaron experimentos con la afinación de laúd renacentista, cuyo resultado fue la afinación en re menor para la cual probablemente compuso Bach algunas de sus piezas para el instrumento). Durante los siglos XVI, XVII y XVIII, compositores de diversas nacionalidades escribían danzas sin importar su proveniencia geográfica y, específicamente, para el siglo XVIII, el objetivo de la suite no era ya ser bailada, sino mostrar las posibilidades técnicas de los instrumentos solistas, a partir de la abstracción de los patrones rítmicos propios de las danzas mencionadas. Al llegar el siglo XX, y dentro del ánimo neo-nacionalista, algunos compositores quisieron incorporar el folclore y las danzas de carácter popular en este tipo de composición, que pertenecía a la tradición de la formación clásica de los músicos de dicho siglo. Heitor Villa-Lobos con su Suite popular brasilera, Astor Piazzolla con la Tango suite, Isaac Albéniz con la Suite Iberia y Mario Gangi con la Suite italiana son algunos de los compositores que conforman la lista a la que se une el maestro Gentil Montaña con sus Suites colombianas. La Suite colombiana No. 2 (2002) es uno de los eslabones que crea el tolimense para unir la música de concierto con la música popular colombiana4 de la zona andina con el pasillo (I), el bambuco (II) y la guabina (III); y la costa del Pacífico, con el porro (IV). Habiendo tenido la oportunidad de estudiar tanto en Colombia como en Europa, Gentil Montaña logra el sincretismo entre el lenguaje de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso, en el caso de esta suite, del jazz. En palabras del compositor: «A pesar de que me formé oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo XX, las influencias externas me han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular ‘fusión’» (Montaña, 2011). Además, la Suite colombiana No. 2 es muestra de la nostalgia que le produjeron sus viajes al antiguo continente, por ejemplo, en la Guabina viajera, compuesta 4 https://www.youtube.com/watch?v=Yl8ilf19oBQ 8 entre Colombia, España, París y Grecia, se unen los diferentes mundos musicales a los que el compositor se vio expuesto5. La ligereza y sencillez del carácter cantabile del pasillo, el bambuco y la guabina, junto con la claridad de los patrones rítmicos propios de cada una de las danzas que conforman la suite, contrastan de alguna manera con la complejidad técnica y la meticulosidad que se hace patente en indicaciones como: metálico, cerca de puente, con las uñas; contraste, sobre la boca, con la yema del pulgar; metálico; etc. En palabras de Montaña: La riqueza musical de nuestro país es enorme. En cuanto a mi especialidad, la andina, se caracteriza por su sencillez, naturalidad y porque es un llamado a querer nuestra tierra. Hay que viajar lejos y por un buen tiempo para que un bambuco le conmueva a uno hasta la médula (2011). Bibliografía Fuller, David. (s. f.). Suite. Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Recuperado de http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/ grove/music/27091. Devine, G.A. 2003. Leo Brouwer, guitar music, Vol. 3. Ontario: HNH International Ltd. Marescot, C. 1829. La guitaromanie. Recuperado de: http://guitarromania.blogspot. com.co/2011/01/la-guitaromanie.html Ripin, E. & Wraight, D. (2017). Lute-harpsichord. Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Recuperado de http://www.oxfordmusiconline. com/subscriber/article/grove/music/17215 Redacción, El Tiempo. Gentil Montaña: “la música andina colombiana es de uno” (29 de septiembre 2011) Periódico El Tiempo. Recuperado de: http://www. eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665 Segre, E. 1993. Giuliani, Rossini, Paganini [CD]. Thun: Claves Records. Tampalini, G. 2007. Mauro Giuliani: Rossiniane. pp. 119-124, Variazioni op. 45e107, Grand Ouverture op. 61. Vicenza: Musicmedia Edizioni. Zigante, F. 1996. Mauro Giuliani: Le Rossiniane, No. 1 Op. 119, No. 2 Op. 120, No. 3 Op. 121, No. 4 Op. 122. Ivrea: Arts Music GMBH. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 5 https://www.youtube.com/watch?v=Yl8ilf19oBQ RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Catalina Villamizar Cód. PULEP: VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

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La revista Diapason eligió a Alexis Descharmes representante insigne del arte del violonchelo francés, junto con unos pocos colegas más de su generación. Este intérprete, que se reconoce como un activo embajador de numerosos repertorios para su instrumento, nació en 1977 y se formó en el Conservatorio de París como discípulo de Michel Strauss y Philippe Muller. En 1998 se vinculó al conjunto Court- circuit, en el que participa activamente junto a su director artístico, Philippe Hurel, mientras desarrolla actividades con el IRCAM y con el Ensemble Intercontemporain. En 2006 ingresó a la Orquesta de la Ópera Nacional de París sin dejar de lado el trabajo con su repertorio actual, y desde enero de 2016 forma parte de la Orquesta Nacional de Burdeos Aquitania, en calidad de solista. A Descharmes se le han dedicado más de cincuenta obras contemporáneas, tanto concertistas como solistas. Tiene en su haber más de medio centenar de producciones discográficas en las que interpreta solo o con las agrupaciones ya mencionadas, con quienes, además, se ha presentado en más de treinta países. Entre sus grabaciones se destacan sus discos para el sello Ӕon, con la obra para violonchelo de Kaija Saariaho; la obra para violonchelo de Franz Liszt, que obtuvo el Diapason d’Or de 2007; una selección de Lieder de Schubert, junto a su fiel compañero musical Sébastien Vichard, con el Ensemble Intercontemporain; la obra para violonchelo de Klaus Huber, que obtuvo el premio Grand Prix de l’Académie Charles Cros, y más recientemente, álbumes monográficos dedicados a obras para violonchelo de Reger Reynolds (Mode Records), Philippe Hurel (Motus) y Ricardo Nillni (L’empreinte Digitale). Actualmente, Alexis Descharmes está patrocinado por D’Addario, prestigiosa casa estadounidense fabricante de cuerdas para instrumentos. Alex Greffin Klein, violín Nacida en Francia en una familia cuyo linaje musical se remonta a varias generaciones, Alex Greffin Klein cursó el programa de posgrado del Royal College of Music de Londres, donde fue discípula del reputado profesor Felix Andrievsky. Allí completó sus especializaciones en interpretación solista y de cámara. Su pasión por la música de cámara la llevó a cursar una especialización más en la materia, en la clase de Walter Levin en la Hochschule de Basilea, Suiza. También recibió educación musical complementaria con Günter Pichler, integrante del Cuarteto Alban Berg, y con György Kurtag, quien al respecto de su discípula se expresó diciendo: «Alexandra dispone de un gran nivel, tanto individual como en el marco de la música de cámara. A esto se agrega la profundidad que ha adquirido su voz artística personal. Es una excelente violinista y una profesional íntegra de la música». Los primeros dos años de su carrera los pasó como intérprete de cuarteto de cámara. Ocupó el tercer lugar en el ARD Wettbewerb en 2004, fue galardonada en el Concurso Internacional de Burdeos en 2007 y recibió un premio especial en el Mozarteum de Salzburgo. Ha actuado en numerosos festivales y series de eventos en Europa, Estados Unidos y Japón. Desde 2009 toca frecuentemente junto con el Cuarteto Phidias (espectáculo con bailarines de hip-hop dirigidos por el coreógrafo Mourad Merzouki y con presentaciones en Francia, Marruecos, Finlandia, Hong-Kong e Indonesia), el Cuarteto Diotima (serie DeSingel en Amberes y en la Konzerthaus de Berlín), y más recientemente, el Cuarteto Parisii. Durante sus años como intérprete de cuarteto, la clase magistral con el Cuarteto Arditti en 2006 en el Hindemith Center en Suiza constituyó su primer encuentro significativo con la música contemporánea. Luego compartió con este grupo en torno a un concierto en el Klangspuren Festival de Austria. Desde 2009 dedica una parte importante de su carrera a la promoción de la música contemporánea, trabajando como solista y también junto con compositores alrededor del mundo en calidad de miembro de varias agrupaciones de música de cámara: Cairn, Alternance, Multilatérale, Itinéraire, Sillage y, desde 2012, como miembro permanente de Court-circuit. Se presentó en el Festival Darmstadt en 2010 y dos años después recibió el reconocimiento 5 Diapasons por su grabación del cuarteto de cuerdas de Raphaël Cendo. Philippe Hurel dedicó a Greffin Klein su nueva pieza para violín solo titulada Trait, que estrenó en París en septiembre de 2014 y grabó luego en 2016. Esta producción discográfica ganó el prestigioso Grand Prix de la Academia Charles Cros, recibió cinco estrellas en la revista Diapason y figuró entre los cinco mejores CD del año 2016, según France Musique (Radio Nacional Francesa). Ese mismo año ofreció su primera gira como solista en los Estados Unidos e interpretó el concierto de Jonathan Harvey junto con la Slee Sinfonietta, bajo la batuta de Julien Leroy. En el MUSICA Festival tocó un recital al lado de su compañero musical preferido, el violonchelista Alexis Descharmes, y estrenó el Concierto para violín de Antonio Tules, bajo la dirección de Jean Deroyer. Motivada a compartir con jóvenes músicos su pasión por el violín y el repertorio contemporáneo, Greffin Klein ofrece regularmente conferencias y clases magistrales en la École Normale de París, la New York University, la Universidad de Boston, el New England Conservatory, la Eastman School of Music de Rochester, el Conservatorio Central de Beijing y el Conservatorio Real de Birmingham. Greffin interpreta un violín fabricado por Sebastian Klotz, que data de 1756, usando el arco Ouchard de Charles Tate, que generosamente su familia le ha cedido en préstamo.

Foto. Balazs Borocz CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) Viernes 9 de marzo de 2018 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: XSH311 Sábado 10 de marzo de 2018 · 6:00 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: CXV576 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Girardot, el ingreso al Auditorio del Banco de la República para personas con movilidad reducida es por la carrera 12, calle 17, esquina. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso por las plataformas mecánicas sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Emra_Islek CAROLINA CALVACHE CUARTETO Carolina Calvache, piano John Ellis, saxofón Ricardo Rodríguez, contrabajo Ronen Itzik, batería El cuarteto de Carolina Calvache ha llevado su música a importantes escenarios de Nueva York, Texas y Washington D.C. (Estados Unidos), tales como Jazz at Lincoln Center, el Jazz Gallery y el Vermont Jazz Center, con presentaciones que dan cuenta de la excelente formación académica y habilidad interpretativa de sus integrantes. Carolina Calvache piano Carolina inició sus estudios de piano y música clásica a los seis años en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali. Terminó su pregrado en la Universidad del Valle y posteriormente viajó a Estados Unidos gracias a una beca que le otorgó la Universidad de North Texas, para hacer su maestría en jazz y composición. En el 2011 se estableció en la ciudad de Nueva York y desde entonces ha llevado una activa carrera como compositora, produciendo música para big band, para piano solo y para su grupo de cámara, Poems & Strings, con el que ha experimentado la fusión de sonidos de música clásica con jazz. Ha hecho colaboraciones con cantantes de la escena de Nueva York, como Henry Cole, Jorge Roeder, David Binney, Samuel Torres, Tivon Pennicott, Uri Gurvich, E.J. Strickland, Ricky Rodríguez, Jaleel Shaw, Ronen Itzik, Rodney Green y John Ellis. En el 2013, Carolina hizo parte de la banda del músico y actor norteamericano Hal Linden, con quien tuvo la oportunidad viajar por 2 todo Estados Unidos. Al año siguiente reafirmó su carrera como pianista y compositora de jazz en ese país con el estreno de su álbum Sotareño, lanzado bajo el prestigioso sello discográfico Sunnyside Records. El álbum contiene una colección de piezas en las que mezcla sus raíces colombianas con elementos de la tradición del jazz. Sotareño fue grabado en Nueva York por el saxofonista Jaleel Shaw, el trompetista Michael Rodríguez, el bajista Hans Glawischnig, el baterista Ludwig Afonso y el ganador del Grammy Antonio Sánchez, baterista de la banda de Pat Metheny. El blog del sitio Latin Jazz Network describe Sotareño como uno de los mejores diez álbumes del 2014 en los Estados Unidos. En el 2014, Carolina debutó en Colombia con su cuarteto de jazz y participó en los festivales nacionales Jazz al Parque y Pasto Jazz, en los que tuvo la oportunidad de tocar y de dirigir talleres en la Universidad El Bosque (Bogotá) y en el Banco de la República (Pasto). En el 2015 viajó a la India como invitada para tocar en varios festivales —entre ellos el Bangalore Jazz Festival— y tuvo la oportunidad de grabar para un programa de televisión en el canal Kappatv, y de ser parte de la facultad de músicos internacionales de la Swarnabhoomi Academy of Music, en Tamil. Calvache ha participado en diferentes festivales de jazz, como el Denton Arts Festival, el Crested Butte Music Festival, el Mary Lou Williams Jazz Festival, el Encuentro de músicos colombianos en Nueva York, el Women in Jazz Festival, el Madison Music Festival y el Thelonious Monk Festival at Jazz at Lincoln Center y Vermont Jazz Center, al que fue invitada como artista emergente. Como compositora, Carolina Calvache ha sido parte del BMI Jazz Workshop (Taller de jazz BMI), en el que ha presentado sus composiciones para big band y colaborado con otros compositores. También tuvo la oportunidad de publicar su pieza Te agradezco en el libro Antología de compositores vallecaucanos, obras para piano, publicado por la Universidad del Valle en el 2013. En el 2017 trabajó en colaboración con el trombonista del legendario quinteto Canadian Brass, Achilles Liarmakopoulos, con dos obras de su autoría: Trombonsillo y Ethereal, esta última convertida en el título de su último álbum. Para el 2018, Calvache tiene múltiples comisiones, entre ellas una pieza a dúo que será estrenada en el International Trombone Festival de Estados Unidos. 3 John Ellis saxofón Este talentoso y versátil saxofonista, clarinetista y compositor ocupa un espacio imaginario justo entre el espíritu festivo y acogedor de Nueva Orleans y las calles inquietas y frenéticas de Nueva York. Como líder de sus propios proyectos eclécticos y como acompañante en demanda de una cantidad alucinante y variada de artistas, Ellis expresa intelecto agudo y virtuosismo fácil. En 1993, Ellis se mudó a Nueva Orleans para estudiar con el famoso patriarca de la familia del jazz, Ellis Marsalis. Lanzó su álbum The Language of Love en 1996, y un año después se trasladó a Nueva York. En el 2005 lanzó One Foot in the Swamp, en el que captura sus lazos con el bayou y donde brilla a través del estilo funk con acento sureño y teñido de góspel. Ellis ha lanzado nueve álbumes como líder, tres de ellos con su banda Double-Wide, agrupación que ha realizado giras extensas y se presentó en el escenario principal del 2012 Newport Jazz Festival. Su discografía incluye más de cien álbumes como acompañante, con más de una docena lanzados solo en el 2014, incluidos los aclamados álbumes de Miguel Zenón, el baterista Otis Brown III, los pianistas Helen Sung y Edward Simon, y el trío de blues/gospel/soul The Holmes Brothers. Ricardo Rodríguez contrabajo Ricardo Rodríguez nació en Ponce, Puerto Rico, en 1978. A la edad de diez años comenzó a estudiar bajo eléctrico y bajo acústico con el profesor Irving Cancel en la Escuela de Música Juan Morell Campos, en su ciudad natal. Durante sus estudios recibió el Premio Fernando Méndez Molina; el premio al Músico destacado en Berklee, en Puerto Rico; el Premio a la Excelencia de la Música Ernesto Ramos Antonini; y el Premio al talento The New Jazz, en Puerto Rico. En su país tuvo la oportunidad de tocar con algunos de los gigantes en la escena latina de hoy en presentaciones con Ray Barreto, Endel Dueno, Giovanni Hidalgo y Jerry González. En el invierno del 2004 Ricardo se mudó a Nueva York e inició una carrera de alto nivel, tocando con diferentes agrupaciones, como la Ninety 4 Miles Band, conformada por Stefon Harris, Nicholas Payton y David Sánchez; Joe Locke Group; Miguel Zenón Quartet; David Sánchez Quartet; Wayne Escoffery Quintet, y Henry Cole & The Afrobeat Collective. Ricardo ha tocado también con Branford Marsalis, Danilo Pérez, Ignacio Berro, el trío Donny McCaslin, el quinteto Michele Rosewoman, Carolina Calvache, Lionel Loueke, el trío Aaron Goldberg, Billy Drummond, Dave Binney, Dave Schnitter, Janis Siegel, Pedrito Martínez, The Rodriguez Brothers, el trío Osmany Paredes Trio, Papo Vázquez, y recientemente el trío del pianista Michel Camilo. Ronen Itzik batería Nacido en Jerusalén, Israel, en 1976, Ronen Itzik tuvo la suerte de crecer en un ambiente que fomentó sus sueños de convertirse en músico, y su creciente interés en la música lo hizo decidirse a seguir su carrera profesional. En 1999 se unió a la Escuela de Música Rimon, en Ramat Hasharon, donde comenzó su camino en la educación superior. Dos años después decidió mudarse a los Estados Unidos para continuar su formación y se licenció en la prestigiosa Berklee College of Music en Boston, a la que asistió gracias a una beca. En el 2003 se graduó summa cum laude y recibió su licenciatura en música con énfasis en interpretación. Después de la graduación pasó a la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Florida y obtuvo su maestría en música. Ronen ha tocado y grabado con grandes del jazz, como Lee Konitz, Gary Burton, Kenny Werner, Roy Hargrove, Joe Lovano, Marcus Roberts, Anat Cohen, Ben Monder, Hiromi Uehara, Arnie Lawrence, Alon Yavnai, Frank London, Wayne Escofferey, Billy Drewes, Johannes Weindermuller, Matt Penman, Francois Moutin, Tim Miller, Jon Cowherd, Marcus Printup, Vincent Gardner, Rich Perry, Harry Whitaker, Vardan Ovsepian, Longineu Parsons y el Vadim Neselovskyi’s Agricultural Dreams Trio. 5 PROGRAMA Dream Maker (s. f.) CAROLINA CALVACHE (n. 1985) Hay amores (s. f.) SHAKIRA Río Cali (s. f.) SEBASTIÁN SOLARI (s. f) Stella (s. f.) Hope (s. f.) Too Soon (s. f.) CAROLINA CALVACHE (n. 1985) Sotareño (1928) FRANCISCO DIAGO (1867-1945) Melodía triste (1990) ‘LEÓN’ CARDONA (n. 1927) Swarnabhoomi (s. f.) CAROLINA CALVACHE (n. 1985) CONCIERTO No. 9 Este concierto no tiene intermedio. 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Junto a Tatiana Castro, Francy Montalvo, Lina Lomanto, Melissa Pinto y Andrea Hoyos, entre otras pocas, Carolina Calvache es una caleña que engrosa las filas de la incipiente lista de pianistas colombianas que en la actualidad dedican su oficio musical al jazz. A pesar de ser una intérprete que goza de buena reputación en la escena del jazz de Nueva York —y de haber brillado hace un par de años por su participación en los festivales de Pasto, Cali y Bogotá—, infortunadamente, por lo menos en Colombia, su nombre suele pasar desapercibido. Formada en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, Calvache vive actualmente en Nueva York, donde se ha involucrado de lleno en los terrenos del jazz latino, al lado de músicos como Michael Rodríguez, Jaleel Shaw y Ludwig Alfonso, quienes, a propósito, la acompañaron en Sotareño (2014), su poderoso debut para el flamante sello Sunnyside. Entre el recuerdo vivo de tonadas tradicionales caucanas —una de ellas le da título a su grabación—, los pasillos y los entuertos del jazz latino moderno, la pianista se aleja de la experimentación y se alinea con tendencias más cercanas al trabajo de Samuel Torres, Luis Perdomo y Antonio Sánchez. Parte del repertorio incluido originalmente en el mencionado disco —Dream Maker, Stella, Too Soon, Sotareño y Melodía triste— será interpretado por Calvache esta noche. El resto del repertorio escogido para el disco permanece inédito y será publicado solo hasta principios del 2019 en Vida profunda, un proyecto vinculado a la poesía y las canciones. Basada en reflexiones más líricas que musicales, la nueva propuesta de Carolina Calvache musicaliza piezas narrativas de Pablo Neruda, Gabriel García Márquez y Porfirio Barba Jacob. Contará con la presencia de cantantes como Sofía Ribeiro, Sara Serpa, Lara Bello, Luba Mason, Marta Gómez y Claudia Acuña. Dream Maker - Carolina Calvache Del disco Sotareño (2014) Dream Maker es una pieza breve que Carolina Calvache le dedicó a su padre. Aunque aparenta cierta complejidad natural del jazz contemporáneo, tras ella hay una fórmula armónica llena de simpleza. Su esquema permite el lucimiento conciso del piano y la batería. 7 Stella - Carolina Calvache Del disco Sotareño (2014) Mientras se encontraba vacacionando en New Jersey, Carolina quiso darle un regalo de cumpleaños a su madre. La lejanía determinó el obsequio, que terminó siendo una canción titulada escuetamente Stella. Hay cierta nostalgia en esta composición que transmite sensaciones ligadas a la ausencia; sin embargo, hay alborozo, juego y plenitud. Too Soon - Carolina Calvache Del disco Sotareño (2014) Una de las principales fuentes de inspiración de Carolina Calvache ha sido el trombonista, pianista y compositor estadounidense Bob Brookmayer. En el 2011, cuando la pianista se mudó definitivamente a Nueva York, uno de sus deseos fue conocerlo. Justo ese mismo año Brookmeyer murió, el 16 de diciembre. El desengaño por la mala jugada del destino es el motivo de esta delicada balada. Río Cali - Sebastián Solari Sin publicar En los años cincuenta, la orquesta del arreglista y director francés Sebastián Solari era una de las más reconocidas en el ambiente musical caleño. Entre los apadrinados que se formaron en ella podemos nombrar a dos leyendas de la música en Colombia: el cantante Mario Gareña y el saxofonista Antonio ‘El pollo’ Burbano. Como era habitual, estas grandes orquestas dividían su repertorio en sonidos antillanos, otros del Caribe colombiano y algunos entronizados con los aires andinos. De esa cosecha es Río Cali, una popular composición de Solari. Allí, por muy extraño que parezca, se engranan elementos del jazz moderno y el pasillo. Es una suerte de estándar interpretado indistintamente por tríos andinos de cuerda y pianistas. Sotareño - Francisco Diago Del disco Sotareño (2014) Compuesto en 1928 por el abogado payanés Francisco Eduardo Diago, El sotareño es el bambuco más tocado por las bandas de chirimías caucanas. El título hace referencia a los habitantes de Sotará, un pequeño municipio enclavado en las montañas que coronan la cuenca del río Patía. De esa región proviene parte de la familia de Calvache, quien arregla la popular cantinela respetando en todo momento el elemento rítmico esencial del bambuco. 8 Melodía triste - ‘León’ Cardona Del disco Sotareño (2014) Leonel Cardona García, mejor conocido como ‘León’, es una leyenda viva de la música en Colombia. Nacido en Yolombó, Antioquia, el 10 de agosto de 1927, Cardona es uno de los cantautores más prolíficos en el ámbito de la música andina colombiana. Melodía triste es un pasillo instrumental compuesto en 1990. La versión de Carolina Calvache se aleja sutilmente del pasillo y nos conecta con el vals. Discografía recomendada Calvache, Carolina (2014) Sotareño. Sunnyside Records 9 Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Temporada Nacional de Conciertos 2018 Próximos conciertos en GIRARDOT SCHOLA GREGORIANA DE BOGOTÁ, música antigua (Colombia) Jueves 12 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: SEN833 GEOMETRÍA ARDIENTE, jazz (Colombia) Miércoles 25 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: ZOV326 JUAN MENDOZA DÍAZ, viola (Colombia) Daniel Muñoz, piano (Colombia Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: AGD183 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Thomas Millet Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene actualización del listado de obras que fueron interpretadas —página 5—, y corrección de la información sobre éstas a lo largo de las notas al programa. Asimismo, contiene retoque en la diagramación del contenido a lo largo del documento.

Foto: Carlos Romero MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/jazz (Portugal) Viernes 18 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Cód. PULEP: RCV264 Domingo 20 de mayo de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: INW719 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Ibagué, el ingreso al salón Alberto Castilla para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Conservatorio del Tolima en la Calle 9 # 1-18. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la institución. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango P Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER Unidos por una formación musical clásica, Mário Laginha y Pedro Burmester se embarcaron en diferentes carreras: Laginha, más cercano del jazz, partidario de la fusión y de la recreación de las varias músicas del mundo; Burmester, más orientado a la interpretación del repertorio clásico en sus diferentes formatos, desde el concierto solo hasta las actuaciones con grandes orquestas. Desde hace poco más de veinte años, los dos pianistas unieron sus inclinaciones musicales, experiencia y gusto por el riesgo e iniciaron una colaboración cimentada en la amistad y en la complicidad, que se ha traducido en un disco (Duets, 1994), muchos conciertos y, unos años más tarde, su participación en el proyecto 3 pianos, con Bernardo Sassetti. Mário Laginha, piano Con una carrera que inició hace más de dos décadas, Mário Laginha es habitualmente relacionado con el jazz. El universo musical que ha construido con Maria João es un tributo a las músicas que siempre lo han tocado, desde el jazz hasta la música clásica, pasando por los sonidos brasileños, indianos y africanos, el pop y el rock. A finales de la década de 1980 inició su colaboración con Pedro Burmester, dupla que sería complementada con Bernardo Sassetti en el 2007, en el proyecto 3 Pianos. Sassetti fue, hasta su inesperada desaparición, compañero de Mário Laginha en decenas de conciertos y en la grabación de dos discos. Laginha escribe para big band y orquesta y compone también para cine y teatro. Sus obras más recientes son Iridescente, con Maria João, y Mongrel, un trabajo en trío que parte de temas originales de Chopin. Pedro Burmester, piano Pedro Burmester nació en Oporto. Fue alumno de Helena Costa y terminó el Curso Superior de Piano en el Conservatorio de Oporto, con altas calificaciones. Viajó a los Estados Unidos, donde ha trabajado y recibido clases magistrales de grandes pianistas. Galardonado en varios concursos, entre los premios que ha recibido se destacan el Moreira de Sá, el segundo premio Vianna da Motta y el premio especial del jurado en el Concurso Van Cliburn, en los Estados Unidos. Foto: Carlos Romero 2 Comenzó su actividad como concertista a los diez años y ya ha realizado más de mil conciertos como solista, con orquesta y en diversas formaciones de música de cámara, en Portugal y otros países. Ha participado en grandes festivales de música y ha tocado en las más importantes salas de concierto del mundo. Se destacan sus colaboraciones con los maestros Gabriel Chmura, Muhai Tang, Lothar Zagrosek, Frans Brüggen y Georg Solti, entre otros. Mantiene, desde hace muchos años, un dúo con el pianista Mário Laginha y ha actuado con los violinistas Gerardo Ribeiro y Thomas Zehetmair, con los violonchelistas Anner Bylsma y Paulo Gaio Lima y con el clarinetista António Saiote. Su discografía incluye tres discos como solista con obras de Bach, Schumann y Schubert, un disco en dúo con Mário Laginha y tres grabaciones con la Orquesta Metropolitana de Lisboa. En 1998 editó un disco como solista con obras de Chopin. En 1999 grabó las diez sonatas para violín y piano de Beethoven con el violinista Gerardo Ribeiro. En el 2007, con Bernardo Sassetti y Mário Laginha, editó el CD y DVD 3 Pianos, grabado en vivo en el Centro Cultural de Belém. En el 2010 grabó y editó la Sonata en la mayor, D959 de Franz Schubert y los Estudios sinfónicos, Op. 13 de Robert Schumann. Actualmente, además de su actividad artística, es profesor en la Escuela Superior de Música y Artes del Espectáculo (ESMAE) en Oporto. Los concierto en Ibagué y Bogotá cuentan con el apoyo de El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA El gran tango (1982) ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para violonchelo y piano Arreglo para dos pianos por Mário Laginha (n. 1960) y Pedro Burmester (n. 1963) Concierto para dos pianos (2016) MÁRIO LAGINHA (n. 1960) INTERMEDIO Balada No. 1, Op. 23 (1831-1835) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Interpretación de Pedro Burmester solo Interpretación de Mário Laginha solo Arreglo por Mário Laginha Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86 (1891-1894) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Original para orquesta sinfónica Arreglo para dos pianos por Mário Laginha y Pedro Burmester Boléro (1928) MAURICE RAVEL (1875-1937) Original para orquesta sinfónica Arreglo para dos pianos por Mário Laginha y Pedro Burmester CONCIERTO No. 25 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Los duetos para instrumentos de teclado iniciaron como una de las prácticas más comunes de música doméstica en el siglo xviii. Bien se podría considerar una diferenciación entre el repertorio para teclado a cuatro manos (i. e. dueto para dos intérpretes en el mismo instrumento) y el repertorio para duetos de teclados en instrumentos separados. Aunque la primera variación (dos intérpretes en el mismo instrumento) tiene un repertorio más amplio, al mismo tiempo se caracteriza por una mayor simplicidad en comparación con el despliegue virtuosístico y flexibilidad interpretativa que, por lo general, permite el tener a cada intérprete en instrumentos separados. En la pintura de Della Croce (1780) se puede ver a la itinerante familia Mozart en una pose común para la época: los hermanos al teclado con los brazos entrecruzados. El repertorio para dueto de teclados surgió de manera paralela en diferentes lugares. A mediados del siglo xvi, en Inglaterra, Farnaby compuso un dueto para dos teclados, y Couperin y Pasquini escribieron colecciones de obras para dos teclados. En Alemania, los varios hijos de Johann Sebastian Bach (Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel y Johann Christian) también escribieron para este formato, tradición que fue continuada de manera esporádica por Clementi, Mozart, Dussek, Schubert, Beethoven y Liszt. En el siglo xx, varios compositores han explorado y expandido los requerimientos técnicos y expresivos tanto de los intérpretes como de los instrumentos mismos. El programa que hoy nos convoca ofrece una propuesta renovadora en este género: a partir de obras inicialmente concebidas para otros ensambles instrumentales o para el piano como instrumento solista, los dos pianistas se complementan en sus estilos y crean una sinergia tal que la delgada línea que separa al compositor del intérprete se diluye en un proceso de creación en torno a referentes predeterminados que son, en muchos casos, cercanos y familiares para la audiencia. Familia Mozart (c. 1780) Pintura de Johann Nepomuk della Croce 5 Astor Piazzola (1921-1992), El gran tango Indudablemente, el nombre de Astor Piazzolla permanece asociado a la renovación de la tradición musical argentina a través de un lenguaje moderno y cosmopolita. La obra de Piazzolla se puede interpretar como un punto de encuentro de diversas estéticas, donde se mezclan el dinamismo cultural de su estadía en Nueva York, los años de estudio en París con Nadia Boulanger, su relación con Alberto Ginastera en Buenos Aires y la apasionada búsqueda de vigencia y desarrollo del legado musical argentino. El lenguaje musical de Piazzolla se convirtió en una influencia moderna para un vasto espectro de tendencias artísticas, influencia que permitió la absorción de elementos tradicionales aun manteniendo su lirismo característico. La concepción estilística del ‘nuevo tango’ desarrollado por Piazzolla le ayudó a expandir sus horizontes artísticos y a alcanzar el reconocimiento internacional que muy pocos compositores argentinos habían logrado antes. En la década de los ochenta, su prestigio le permitió mantener una intensa actividad musical tanto en los estudios de grabación como en diversos escenarios alrededor del mundo. En 1982 compuso El gran tango (Le Grand Tango, en francés) en París, para violonchelo y piano, dedicado al famoso chelista ruso Mstislav Rostropovich, quien lo estrenó hasta 1990 en Nueva Orleans. Escrito en un solo movimiento, pero estructurado en tres grandes secciones que aluden a los tres movimientos de un concierto o sonata de gran envergadura, en la primera sección se presenta de manera imponente el ritmo tradicional del tango, que, con sonoridades de brillo exuberante, se mezcla con fragmentos de profunda melancolía. En la sección central, aludiendo a un movimiento lento, el compositor plantea un diálogo apesadumbrado pero vibrantemente expresivo que progresivamente se oscurece para dar paso a la sección final. La obra cierra retomando una dinámica exploración de timbres y sonoridades diversos que generan una atmósfera ‘orquestal’ revitalizada por células rítmicas que, de principio a fin, mantienen viva la atención tanto de los intérpretes como de la audiencia. Mário Laginha (n. 1960), Concierto para dos pianos La primera parte del programa cierra con el Concierto para dos pianos, de Mário Laginha, compuesto a partir de su Concierto para piano y orquesta, que fue estrenado a inicios del 2009 con la Orquesta Sinfónica de Oporto. Si bien escribir un concierto para piano y orquesta parecía una tarea titánica que llevaría el lastre de una tradición congestionada con obras maestras de los más grandes músicos, para Laginha se convirtió en la oportunidad de adoptar una postura más relajada y emular los procesos creativos propios del jazz y de otros géneros populares en los que el piano mantiene un diálogo constante con ensambles más reducidos, y al mismo tiempo de proyectar una imagen personal y renovada. El Concierto para piano y orquesta se convirtió, pues, en una experimentación en la cual diversas influencias de la música clásica, el jazz y otras músicas tradicionales interactúan de manera orgánica. 6 Por su parte, la idea central del Concierto para dos pianos debía alejarse del simple hacer una reducción de la orquesta para el segundo piano; por el contrario, la adaptación requería asignar la función de solistas a los dos instrumentos, de manera compartida. Así, más que una transcripción de la obra original, se concibió como una obra de cámara con carácter concertante a través de un diálogo tejido por dos solistas. Esta nueva versión para dos pianos fue compuesta en diciembre del 2016 y estrenada en enero del 2018 en la Fundación Calouste Gulbenkian, y desde su concepción Laginha pensó en escribirla para interpretarla junto a Pedro Burmester. En armonía con todo el programa del concierto, las fortalezas idiomáticas de cada solista enriquecen y renuevan su interpretación de la obra. Frédéric Chopin (1810-1849), Balada No. 1, Op. 23 Desde muchos puntos de vista, la percepción característica del Romanticismo musical se decanta a partir de la influencia de la vida y obra de Frédéric Chopin en su entorno, así como de las transformaciones provocadas por ese mismo entorno en las generaciones posteriores. Esta confluencia de tradiciones no solo se evidenció por la influencia de diferentes estilos en la música para piano del momento, sino que —de manera particular para cada compositor— diversas artes se integraron en intensos procesos creativos y generaron formas de expresión muy personales. La relación entre la literatura y la música se cristalizó en la abundante producción de lieder por parte de Schumann, Schubert y Wolf. En el caso de Chopin también se dieron interesantes relaciones entre la literatura y la música que, si bien no desembocaron en la producción de música vocal, sí se consolidaron como parte fundamental de su repertorio pianístico. Las baladas, como género literario, se asociaron con narraciones de eventos históricos o ficticios impregnadas por lo sobrenatural y eventualmente lo violento o lo fatal. Las cuatro baladas para piano de Chopin se adaptan a este carácter narrativo: un personaje central parece transformarse a medida que la forma musical se desarrolla, siguiendo estróficamente un drama lleno de contrastes. En el concierto de hoy se realiza de forma aún más interesante esta adaptación narrativa: de la misma manera que dos artistas gráficos pueden proyectar interpretaciones contrastantes de un mismo modelo, los maestros Laginha y Burmester presentan sus propias rendiciones a partir de la misma obra propuesta por Chopin. La misma narración será representada desde dos perspectivas diferentes que permitirán a la audiencia tener una noción integral de un drama que se transformará de manera orgánica y muy personal en manos de cada artista – Burmester seguramente fiel a la partitura y al estilo romántico de la pieza y Laginha seguramente en una reinterpretación de la obra usando elementos armónicos, estructurales y rítmicos del jazz. Claude Debussy (1862-1918), Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86 Parece que a Claude Debussy le asaltaban sentimientos encontrados cuando veía su música calificada de ‘impresionista’. Este hecho se evidencia en una carta de 1906 7 en la que admite que el término se aplica mejor a la música que a la pintura, pero que se opone a otra, de 1908, en la cual señala a sus editores que ‘impresionista’ es una expresión pobre y que solamente personas de poco criterio la emplearían para referirse a la música. Sin embargo, y a pesar del eventual repudio del término expresado por el compositor, la palabra “impresionismo” todavía parece rescatar —de manera muy positiva— la innegable conexión entre la propuesta estética de los pintores ‘impresionistas’ y las sonoridades empleadas por Debussy, donde la funcionalidad armónica tiende a subordinarse a diferentes cambios de ‘color’. Asimismo, la ausencia de trazos claros de las obras impresionistas parece estar correspondida por una marcada libertad en la aproximación al manejo de la forma musical, la cual parece generar el mismo efecto de los escritos simbolistas de Baudelaire o Mallarmé. El término ‘impresionismo’ fue empleado por primera vez por el crítico de arte Louis Leroy en un artículo para Le Charivari, publicado el 25 de abril de 1874, con el que hacía referencia a las obras de Claude Monet que fueron presentadas en una exposición en París. Posteriormente, el término fue conscientemente adoptado Monet y otros artistas, entre ellos Degas, Pissarro y Renoir. Luego, en 1887, el secretario de la Academia de Bellas Artes en París lo empleó para criticar la adjudicación del Prix de Rome a Debussy por su obra Printemps. Fue precisamente el poema La siesta de un fauno, de Stéphane Mallarmé (1842-1898), publicado en 1876, el que inspiró a Debussy. En este se presenta a un fauno (criatura mítica con torso, cabeza y miembros superiores humanos, pero con patas, cuernos y orejas de cabra) que, al despertar de su siesta, se encuentra con dos ninfas a las cuales trata de seducir con el sonido de su flauta. Este poema fue considerado por muchos una de las obras más representativas de la literatura simbolista y uno de los más populares escritos de Mallarmé. Sobre su propia obra, Debussy señaló que no pretendía hacer una lectura programática del poema de Mallarmé: Portada de Le Charivari, publicación seriada que, entre 1832 y 1937, fue un espacio de opinión y humor gráfico sobre la realidad parisina. 8 La música de este preludio es una ilustración libre del bello poema de Mallarmé. No tiene ninguna pretensión de ser una síntesis del poema. Más bien proyecta los escenarios variables para los sueños y deseos del fauno en el calor de una tarde veraniega, quien, cansado de perseguir a las ninfas y náyades, cae en un sueño embriagante, en el cual disfruta libremente de los antojos de la naturaleza. El preludio de Debussy se desenvuelve con una mágica flexibilidad que, conducida por la sensual línea de la flauta, deja a la audiencia inmersa en sonoridades abrazadoras y sorpresivas. Con esta obra, Debussy desafió todos los preceptos formales del momento al abrir diferentes posibilidades de expresión que influenciaron fuertemente a todos los compositores de su época. Inmediatamente después de su estreno, Prélude à l’après-midi d’un faune (Preludio para la siesta de un fauno) tuvo gran aceptación por parte tanto del público como del medio artístico, y desde entonces se ha considerado una de las piedras angulares que definieron la renovación de la estética musical del siglo xx. Maurice Ravel (1875-1937), Boléro La flexibilidad estilística de Maurice Ravel podría catalogarse como un ‘nacionalismo itinerante’, en el cual el material musical logra acoplarse a diversas tradiciones sin que se pierda la perspectiva renovadora o vanguardista. A diferencia de un mal entendido nacionalismo en el que cada compositor explota o reutiliza los gestos musicales de su región cercana, Ravel se embarcó en un viaje a través del tiempo y las fronteras que le permitió llevar a sus audiencias a escenarios y culturas que antes habrían sido conocidas solo por referencias extramusicales. Algunos ejemplos de este ‘nacionalismo itinerante’ son Tzigane, en la tradición gitana; Deux mélodies hébraïques, en la tradición judía; La valse y Valses nobles et sentimentales, en la tradición austrogermánica; Chants populaires, basados en el folclor de Francia, Italia, España y Rusia, entre otras regiones; Shéhérazade, en la que explora algunas de las sonoridades y ritmos asociados al exotismo de Oriente, y también, en la tradición ibérica, su Boléro y la Rapsodie espagnole. Poco tiempo después de una exitosa temporada de conciertos como pianista y director de orquesta en Norteamérica, Ravel regresó a París para orquestar un ballet sobre temas de la obra para piano Iberia de Isaac Albéniz, el cual había prometido a la famosa bailarina Ida Rubinstein; por problemas de derechos autor, Ravel no pudo trabajar sobre la obra de Albéniz y se dio a la tarea de desarrollar un ejercicio de orquestación a partir de la repetición constante de tres breves ideas musicales muy concretas. Fue así como Boléro surgió inicialmente como este ballet prometido; el ballet fue estrenado en París en noviembre de 1928 con la coreografía de Bronislava Nijinska y el protagonismo de Rubinstein. Si bien el ballet fue bien recibido por las audiencias, la obra como pieza de concierto (bajo el mismo nombre pero sin la coreografía) ha cautivado a todo tipo de público asegurando una recurrencia constante en los diversos programas de repertorios sinfónicos alrededor del mundo. 9 Posiblemente por la sencillez de los elementos musicales que construyen la obra, Boléro desarrolla un hilo dramático fácil de seguir por el público a través de un tejido hipnótico sobre el ostinato rítmico que acompaña los dos únicos temas, que se alternan en diversos timbres y registros. Presa de una extraña fascinación melódica, Ravel entrelaza las diversas sonoridades de la orquesta para producir masas sonoras que abrazan a la audiencia de manera orgánica y permanentemente cambiante. En la interpretación que hoy cierra nuestro programa se exploran de manera novedosa las alquimias acústicas que desde los dos pianos desbordan el escenario para recrear contrastantes imágenes al incesante ritmo que parece no haber dejado de sonar en casi un siglo de programación constante. Referencias Johann Nepomuk della Croce. (1780). Familia Mozart. Recuperado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Croce_MozartFamilyPortrait.jpg Wikipedia. (Últ. ed. 25 mayo 2017). Masthead of Le Charivari in 1833, during its second year of publication. Recuperado de https://en.wikipedia.org/wiki/Le_ Charivari#/media/File:Le_Charivari.jpg Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Mat Hennek Cód. PULEP: VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania)

CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Miércoles 6 de junio de 2018 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo de la Biblioteca Piloto del Caribe, Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta – CLENA Cód. PULPEP: ZE527 Jueves 7 de junio de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULPEP: VVS988 Viernes 8 de junio de 2018 · 6:30 p.m. Cúcuta, Sala múltiple del Área Cultural del Banco de la República Cód. PULPEP: ZXG797 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Mat Hennek TOME NOTA SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango P En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Barranquilla, el ingreso al Auditorio Mario Santo Domingo para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Auditorio de la Biblioteca Piloto del Caribe, ubicada en Vía 40 No. 36- 135 Antigua Aduana, espacio que se encuentra habilitado permanentemente. En Cúcuta, el ingreso a la Sala múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal al Área Cultural ubicada en la Diagonal Santander No. 3E-38. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https:// atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico atencionalciudadano@ banrep.gov.co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. 1 CUARTETO FAURÉ Dirk Mommertz, piano; Erika Geldsetzer, violín; Sascha Frömbling, viola; y Konstantin Heidrich, violonchelo. Las reglas han cambiado. Cualquier músico que quiera dedicarse a la música de cámara hoy en día no puede limitarse a seguir las normas de hace décadas. Las expectativas con respecto a la diversidad de repertorio ya no son las mismas y esto les abre el camino a ensambles como el Cuarteto Fauré, que se ha posicionado como uno de los principales cuartetos con piano en tan solo unos pocos años. Sus integrantes han sabido aprovechar las oportunidades que se generan gracias a esta evolución; han descubierto nuevos campos de sonido en la música de cámara y han interpretado composiciones que se alejan de un repertorio más tradicional. El ensamble ha seguido una trayectoria visionaria y se ha destacado por sus experimentos y descubrimientos. Estos incluyen presentaciones con la NDR Big-band, colaboraciones con artistas como Rufus Wainwright o Sven Helbig, presentaciones en clubes como el Berghain, el Cocoon Club o Le Poisson Rouge en Nueva York o en programas de televisión como KIKA o Rhapsody in School, en los que despiertan el interés de niños y niñas por la música de cámara. Cuando lanzaron el álbum Popsongs en 2009, se generó un gran entusiasmo en los medios y el público. Más adelante, el ensamble fue galardonado con el premio ECHO Klassik por su álbum Klassik ohne Grenzen (Clásico sin límites), su segundo Foto: Mat Hennek 2 premio después del que recibieron por la grabación de los cuartetos para piano de Brahms (Grabación de música de cámara del año, 2008). También fueron ganadores del Concurso de Música Alemana, del premio por mejor ensamble del Festival de Mecklenburg-Vorpommern, del Premio Duisburg de Música y del Premio Brahms de Schleswig Holstein, entre otros. Los músicos del Cuarteto Fauré se pueden considerar pioneros en muchos frentes. En 1995, cuando aún eran estudiantes de música, se conocieron en Karlsruhe con ocasión del centésimo quincuagésimo aniversario de Gabriel Fauré. En ese momento se dieron cuenta rápidamente de que si se unían, encontrarían nuevos caminos para explorar un repertorio prometedor. En el 2006, firmaron un contrato con Deutsche Grammophon, que los lanzó a las grandes ligas en el negocio de la música clásica. Lograron publicar grabaciones muy valoradas de Mozart, Brahms y Mendelssohn, y de música pop de Peter Gabriel y Steely Dan, quienes se convirtieron en puntos de referencia. Las giras que han realizado por varios países del mundo les han permitido tener una gran acogida en el exterior; en estas giras también ofrecen clases magistrales como parte de su trabajo con estudiantes de música. Los integrantes de la agrupación también son profesores en las universidades de Berlín y Essen. Adicionalmente, son los directores artísticos del Festival de Primavera de Rügen, así como el cuarteto residente de la Escuela Superior de Música de Karlsruhe. Durante sus giras, los músicos se presentan en las salas de música de cámara más importantes del mundo, entre ellas, la Concertgebouw (Ámsterdam), la Alte Oper (Frankfurt), la Berliner Philharmonie (Berlín), el Teatro Colón (Buenos Aires) y el Wigmore Hall (Londres). Todo este mosaico completa el perfil excepcional de este determinante ensamble de música de cámara. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Movimiento para cuarteto con piano en la menor (1876) GUSTAV MAHLER (1860-1911) Cuarteto con piano No. 1, Op. 15 (1876-1879, rev. 1883) Allegro molto moderato Scherzo: allegro vivo Adagio Allegro molto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) INTERMEDIO Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 (1861) Allegro Intermezzo. Allegro ma non troppo -Trio. Animato Andante con moto Rondo all Zingarese. Presto JOHANNES BRAHMS (1833-1897) CONCIERTO No. 27 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Gustav Mahler (1860-1911) Mahler nació en la región Bohemia (hoy República Checa) del Imperio Austrohúngaro y fue el mayor de seis hijos de una familia judía radicada en el pueblo de Iglau. Allí, el padre de Mahler se dedicó a la administración de su propia taberna y si bien ninguno de sus progenitores era músico profesional, el joven Gustav manifestó tempranamente su interés por el arte y fue alentado por su familia en sus primeros estudios musicales. En 1875 fue enviado al Conservatorio de Viena, en donde estudió piano y composición, esta última materia con Joseph Fuchs, un prominente tratadista de la teoría musical. Mahler vivió la Viena de Brahms, Wolf y Bruckner, en medio de agitadas discusiones intelectuales en torno a la filosofía de Nietzsche, el socialismo y el pangermanismo antisemita. Entre sus obras de juventud se destaca la cantata Das klagende Lied (La canción del lamento). A los veinte años inició su carrera profesional en el campo de la dirección orquestal y sus primeros empleos fueron en la dirección de operetas con algunas incursiones en el mundo de la ópera. Luego de tres años, logró un nombramiento en el teatro de la ópera en Kassel que duró entre 1883 y 1885, año en que partió hacia Praga. En 1887 se trasladó a Leipzig, en donde finalmente su carrera despuntó. Su nombre comenzó a ser conocido a partir del trabajo que hiciera en la finalización de una partitura operática de Carl Maria von Weber, Die drei Pintos (Los tres Pintos), pieza que fue elogiosamente comentada por Richard Strauss y Tchaikovsky. De su época en Leipzig datan las canciones de Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico del mancebo) sobre una colección de antiguos poemas compilados en una antología de Armin von Brentanno. Los esbozos para su primera sinfonía también surgieron en estos años. Para 1898 las obras sinfónicas de Mahler y algunas de sus canciones habían sido ejecutadas y publicadas, y su nombre comenzó a asociarse con el desarrollo orquestal de las postrimerías del siglo. A la edad de 42 años contrajo nupcias con Alma Schindler, una joven estudiante de composición que abandonó sus aspiraciones artísticas a instancias de Mahler. Conocedora del círculo modernista de Viena ejerció una gran influencia sobre la vida del compositor. Al igual que Natalie Bauer-Lechner, con quien Mahler sostuvo una larga relación, Alma escribió un diario de su vida conjunta con detalles de las actividades cotidianas y apuntes sobre las composiciones. Los testimonios y recuerdos de Alma Mahler 5 y Natalie Bauer son fuente importante sobre la biografía de Mahler y el proceso creativo de sus primeras obras. En las composiciones más tempranas de Mahler, en especial el Movimiento para cuarteto con piano en la menor escrito a los dieciséis años de edad, no se vislumbra el futuro sinfonista magistral ni asoma el creador atormentado, pero sí es posible apreciar el potencial del joven músico, capaz de manejar las formas tradicionales, presentar ideas musicales novedosas y desarrollarlas a través de un estilo denso, armónicamente rico y contrapuntístico. Richard Taruskin en su nota sobre este temprano cuarteto de Mahler anota: […] la obra más temprana de Mahler de la cual tenemos noticia es un movimiento suelto para un cuarteto con piano en la menor (aparentemente el primer movimiento de un Opus proyectado en cuatro movimientos), que escribió siendo aún estudiante en el Conservatorio en Viena, probablemente a fines de 1876 cuando contaba con 16 años. De otras obras tempranas de este periodo, o anteriores, sólo hay noticias de un cuarteto para dos violines, viola y piano, un movimiento premiado para un quinteto con piano, las legendarias cuatro sinfonías de juventud, todas estas, obras extraviadas. La obra que sí conocemos fue descrita por Mahler (en conversación con Nathalie Bauer- Lechber en 1893) como la mejor. Fue recibida con entusiasmo y fue ejecutada en las tardes de música de cámara en el hogar de Theodor Billroth, un eminente cirujano vienés y violinista aficionado, amigo cercano de Brahms y Hanslick. El manuscrito ostenta el sello del editor musical Theodor Rattig, quien dio a conocer los arreglos a dúo realizados por Mahler de la Tercera sinfonía de Bruckner entre 1878 y 1886 (la primera obra publicada de Mahler). Sin embargo, Rattig no publicó el cuarteto y según el mismo Mahler, “lo mandó a un concurso en Moscú y se perdió”. Pero, el movimiento fue encontrado entre los bienes de Alma Mahler luego de su muerte en 1964 en un folder marcado Composiciones tempranas. En ese mismo año, el trozo se escuchó en Nueva York, pero no fue publicado sino hasta 1973, cuando el sello Sikorski de Hamburgo lo dio a luz en una edición preparada por Peter Ruzicka. Pese a la atención brindada a este movimiento, todo indica que del cuarteto completo, solo sobrevive el primer movimiento y 24 compases de un Scherzo (CD Naxos 8.571278). Este período temprano de la vida de Mahler fue estudiado en detalle por Donald Mitchell en su libro Gustav Mahler: los años tempranos (Londres, 1958). Para algunos críticos, el cuarteto recuerda la escritura compleja y cromática de Wagner. Pero también es un gesto premonitorio del sexteto Verklärte Nacht (Noche transfigurada) de Arnold Schoenberg, en el que un tema predominante es trabajado, variado y comentado en múltiples variaciones de profunda expresividad. 6 Gabriel Fauré (1845-1924) A comienzos del siglo XX, Gabriel Fauré gozaba de una sólida reputación como uno de los exponentes más ilustres de la música francesa, reputación ganada gracias a sus obras de estética más romántica: el Réquiem de 1888, el ciclo de canciones sobre textos de Verlaine, La Bonne Chanson de 1892 y la música incidental para la obra de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, de 1898. En los años siguientes a estas creaciones, Fauré usó en sus obras gestos de un formalismo clásico mientras emprendía la búsqueda de nuevas sonoridades y coloridos armónicos. Hasta el advenimiento de Debussy, Gabriel Fauré fue considerado el ‘decano’ de la música francesa de finales del siglo XIX. En sus canciones, había establecido sin duda un estilo auténticamente francés, tanto en las inflexiones rítmicas, como en el espíritu elegante y lírico de sus líneas, tan admirado por sus colegas y compatriotas. Fauré ejerció una variedad de cargos muy acordes con su prestigio. Sus labores de pedagogo se vieron premiadas a partir de 1905, año en que fue nombrado director del Conservatorio de París. Conoció muchos cambios musicales a lo largo de su vida, pues creció al lado de la obra de Liszt y Wagner, y llegó a conocer las innovaciones de Debussy, Stravinsky y Bartók, aunque se mantuvo fiel a un estilo tradicionalista y conservador. Cultivó preferentemente las formas pequeñas: la pieza para piano, la canción y la música de cámara. Sus críticos coinciden en señalar su obra como elegante e íntima, concentrada sobre el mensaje melódico lírico y conmovedor. En la música de cámara, Fauré se apegó de manera singular a las formas clásicas y demostró un gran dominio sobre las mismas. Compuso dos cuartetos con piano y dos quintetos, también con piano, en los cuales logró una gran sonoridad que reconcilia lo clásico con lo romántico y lo francés en su obra. También compuso un trío, un cuarteto de cuerdas y varias sonatas a dúo. El primer cuarteto con piano es una obra temprana, un ejercicio formal puntilloso con gran vida propia. Fauré se inició en la escritura de obras para conjuntos de cámara luego de la Guerra Francoprusiana. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 15 fue estrenado ante la Sociedad Nacional de Música Francesa en 1879, pero el movimiento final fue revisado por el compositor tres años más tarde. La nueva versión no se estrenó sino hasta 1884. Los primeros esbozos para la obra fueron realizados en Normandía en 1876 (al tiempo que el joven Mahler laboraba en su propio cuarteto). El primer movimiento se inicia con un gesto dramático en las cuerdas enfatizado con acordes en el piano, sin embargo, cuando reaparecen los temas de este primer gesto, ya están imbuidos del lirismo tradicional de su autor. Los temas y motivos centrales se desarrollan y combinan de maneras variadas y continuas. El Allegro molto moderato tiene momentos un tanto turbulentos que se entremezclan con las intenciones cantadas de un tema permanentemente interrumpido. Pasados los primeros compases, el discurso se apacigua y las 7 tendencias líricas se hacen más explícitas. El aporte del piano en este movimiento es muy significativo no sólo como solista, sino como elemento que brinda gran densidad y cohesión. En el segundo movimiento, Fauré plantea un scherzo, visto desde el punto de vista francés: elegante y gracioso. El piano domina mientras las cuerdas ejecutan sus partes en pizzicato con sordina. El movimiento, muy animado y en tres secciones muy claras, da paso a un Adagio sombrío que contrasta con los movimientos antes escuchados, sobretodo, por el paso rítmico pausado, el empleo de cuerda al unísono, los solos efusivos y los acordes armónicos modales. En general, es un momento de reflexión y evocación. El final, un movimiento sólido en forma de sonata, confirma la vocación meramente musical de la obra, desprovista de intenciones literarias o descriptivas. Los compases agitados equilibran los movimientos anteriores y resuelven las tensiones construidas de manera enfática, con pasajes brillantes y grandes logros sonoros que desembocan en la tonalidad mayor. Johannes Brahms (1833-1897) Le correspondió a Brahms vivir una época de grandes controversias musicales en Alemania, protagonizadas primordialmente por dos bandos: el de aquellos que consideraban que la música debía entenderse en términos descriptivos literarios y el de quienes creían que la música podía darse en términos absolutos y auto referenciados. Los músicos que se apegaron a uno u otro bando terminaron por producir, cada uno por su lado, obras maravillosas que, en su conjunto, ofrecen una excelente visión panorámica de la música en la segunda mitad del siglo XIX. Los compositores interesados en escribir obras musicales descriptivas compusieron óperas, poemas sinfónicos y toda suerte de piezas sueltas con títulos descriptivos. Los compositores interesados en trabajar la música desde su lenguaje abstracto continuaron con la composición de sinfonías, sonatas, conciertos con solista y música de cámara, de acuerdo con la tradición clásica y la beethoveniana. Sobra decir que ninguno se inhibió de componer música descriptiva o música absoluta, pero se mantuvieron la mayor parte del tiempo en una tendencia u otra. Brahms, por ejemplo, no incursionó en el mundo de la ópera o el poema sinfónico, pero escribió innumerables canciones, obras corales y oberturas. Tal vez, la razón por la cual compuso sus cuatro sinfonías, relativamente tarde en su vida, fue el deseo de evadir la controversia sobre la sinfonía programática (aquella basada en un texto literario). Los valores estéticos de Brahms quedaron plasmados de manera contundente en su música de cámara con cuerda. De su imaginación surgieron sonatas para violín y piano, chelo y piano, tríos, cuartetos, quintetos y sextetos en los que el piano tiene un papel tan protagónico como los demás instrumentos participantes. En el campo de los quintetos, escribió dos para cuerdas, uno para 8 cuerdas y piano, y uno para clarinete y cuerdas. La presencia del piano en sus quintetos aportó una sonoridad mayor al cuarteto de cuerdas tradicional (dos violines, viola y chelo), lo cual permitió que la música de cámara saliera del salón íntimo y se escuchara en el teatro. El primer cuarteto escrito por Brahms, al igual que su primera sinfonía, fue el producto de una larga ponderación sobre el estilo clásico consolidado por Haydn, Mozart y Beethoven, y la herencia romántica temprana representada en la obra instrumental de Schubert y Schumann. Escribió tres cuartetos con piano. El primero en do sostenido menor apareció en 1855 y fue revisado en 1875, cuando se escuchó como el Opus 60 en do menor. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 fue terminado en 1861 y dado a conocer a los Schumann (Robert y Clara) y al célebre violinista Joachim. Es una obra de discurso clásico y colorido romántico. Inicia de manera pausada con una introducción integrada al movimiento mismo, el cual toma su tiempo en develar la estructura compleja y la riqueza de los eventos que la componen. Los temas melódicos son extensos y construyen lentamente discursos animados y contrastados. El segundo movimiento tiene el doble papel de ser un Scherzo en lo formal y un Intermezzo en lo anímico. Se conserva la forma tripartita del Scherzo pero se agrandan sus intenciones y dimensiones. No es un entretenimiento entre movimientos serios, sino una pieza importante en el discurso lírico del compositor. La primera sección con su ritmo insistente da paso una sección media, menos marcada aunque ligera y sutil, en la que el piano tiene una actividad permanente de arpegios. El retorno de las ideas iniciales del movimiento marca su final y el paso al tiempo lento, un Andante con moto que se desarrolla en torno a melodías sentidas, presentadas de manera pausada y tranquila. Para el final, Brahms retoma sus intereses en la música gitana contagiada de gestos húngaros que tan exitosamente empleara en sus obras para piano y en obras para violín inspiradas por el violinista húngaro Remenyi. La forma del rondó, con el tema principal recurrente, permite una construcción ligera y entretenida para finalizar la obra, como también permite hacer algunos aportes de virtuosismo conclusivos. Los toques ligeros del final hacen que el cuarteto termine con gestos animados plenos de élan y colorido. Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos organizaciones. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) Del 22 de febrero al 20 de septiembre de 2018 Quibdó, Bogotá, Santa Marta, Ipiales, Cúcuta, San Andrés, Leticia, Riohacha, Manizales y Honda. Cód. PULEP: WUZ555. BQS454. NOM479. GRF414. HUB374. AFC587. NWV773. IBH281. PQI323. Foto: Diego Salamanca Bustamante Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 JOSÉ LUIS GALLO guitarra Estudió música en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá con los profesores Sonia Díaz y Carlos Posada, y en el 2004 recibió el título de Maestro en Música con énfasis en guitarra clásica. Posteriormente viajó a Lyon (Francia) donde estudió en el Conservatorio Nacional de la Región de Lyon con el maestro Jesús Castro Balbi y, en el 2007, recibió el certificado de perfeccionamiento en guitarra de este conservatorio. En el mismo año comenzó sus estudios en el Conservatorio Regional Departamental de l’Haÿ les Roses al sur de París con la maestra Tania Chagnot y recibió en el 2009 el Diplôme d’Etudes Musicales en guitarra clásica por unanimidad y con felicitaciones del jurado. En el 2010 recibió el certificado de perfeccionamiento del mismo conservatorio. Foto: Diego Salamanca Bustamante 2 En el 2014 obtuvo el grado de máster en la Universidad Federal de Río Grande del Sur en Porto Alegre (Brasil), bajo la tutoría del profesor doctor Daniel Wolff. En paralelo a su actividad como solista y músico de cámara, Gallo es profesor en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá de las asignaturas de guitarra, ensamble de música latinoamericana, apreciación de la música, y dirige el programa ‘Recital en el hospital’. El concierto en Santa Marta cuenta con el apoyo de El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de El concierto en Honda cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Baião cansado (1980) MARCO PEREIRA (n. 1950) Flor das aguas (1989) Quarive (2017) Macumdé Cimarrona’o CARLOS LORA FALQUEZ (n. 1979) Estreno mundial Tres movimientos de Imaginario popular argentino (1999-2000) Pachamama Salamanca Velando al angelito MARCELO CORONEL (n. 1962) El jardín de las delicias (2017) Preludio Como un paseo en el aire El coro del lago Festejo CAMILO GIRALDO ÁNGEL (n. 1978) Estreno mundial Cantiga do sertão de la Suite brasileira No. 3 (2014) SÉRGIO ASSAD (n. 1952) Canción de cuna para Nito (2018) JOSÉ LUIS GALLO (n. 1980) Estreno mundial Zamba de la viuda GUSTAVO ‘EL CUCHI’ LEGUIZAMÓN (1917-2000) Arreglo por José Luis Gallo Amor proibido ANGENOR DE OLIVEIRA ‘CARTOLA’ (1908-1980) Arreglo por José Luis Gallo CONCIERTO No. 7 Este concierto no tiene intermedio. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña En la actualidad, en donde las relaciones con lo ajeno se reducen a una búsqueda incansable de todas posibles diferencias, ora ideológicas ora físicas, en el programa de hoy se plantea la convivencia estética de elementos que por desgracia son entendidos, en algunos contextos, como conceptos aislados e incluso chocantes; la querella entre folclor y academia no cesa aún y parece que, en un esfuerzo por ignorar el bagaje histórico, cada vez son mayores las discrepancias irreconciliables entre vecinos geográficos. El guitarrista José Luis Gallo busca, por un lado, evidenciar los lugares de convergencia entre expresiones folclóricas de distintos lugares de Brasil, Argentina y Colombia y, por otro, dar voz a compositores nuevos. De esta manera, encontramos compositores con trabajos inmensamente concienzudos que a la fecha han sido mejor difundidos en ámbitos ajenos al de la guitarra clásica. Y es esta la intención de Gallo, insertar a estos compositores dentro del imaginario habitual del guitarrista, además de conciliar los mundos de lo popular y lo académico, ya sea con obras compuestas originalmente para el instrumento o con arreglos realizados, en este caso, por el mismo intérprete. Las obras que abren este programa pertenecen al brasilero Marco Pereira (n. 1950), profesor, musicólogo, guitarrista y compositor de formación clásica, pero permeado íntegramente por la música de su país, de otros ritmos latinoamericanos y del jazz. En sus años como estudiante realizó un trabajo académico acerca de la obra de Heitor Villa-Lobos y a la par participó en festivales de guitarra clásica y de jazz en varios países de Europa y América. Es reconocido, además, por haber participado en grabaciones con íconos de la música popular brasilera como Tom Jobim, Edu Lobo, Milton Nascimento, Gal Costa, Zélia Duncan y Paulinho da Viola, entre muchos otros. Las obras que escucharemos, Baião cansado y Flor das aguas, nos muestran dos caras del folclore brasilero: la rural y la urbana, respectivamente. De un lado, el ritmo y las armonías típicas del estilo del nordeste, el baião, son presentadas de manera muy clara y, aunque hay algunas partes que remiten directamente a un lenguaje académico del siglo xx, es difícil no imaginar el trío de zambumba, triángulo y acordeón; o al rey del baião, como es conocido Luiz Gonzaga o Gonzagão, responsable de popularizar y urbanizar este género con influencias indígenas, africanas y europeas. 5 Por otro lado, Flor das aguas remite inmediatamente al mundo de los valses o valsas compuestos e interpretados por los chorões o músicos dedicados a lo que es considerado como la primera música urbana brasilera: el choro. Este género fue muchas veces utilizado por Villa-Lobos, pero en términos más populares no se pueden escapar músicos como Jacob do Bandolim, Ernesto Nazareth, João Pernambuco y, por supuesto, Pixinguinha quienes, entre otros, llevaron este género popular a un nivel de virtuosismo instrumental que terminaría rompiendo la brecha entre dos categorías que parecen nunca reconciliarse: lo popular y lo erudito. La obra que releva la música de Marco Pereira fue escrita para José Luis Gallo por Carlos Lora Falquez (n. 1979). Se trata de la segunda colaboración entre ambos músicos, quienes ya habían coincidido en Sincretismo1. Además de tratarse de un estreno, la obra Quarive es doblemente especial pues se trata de la primera inmersión que hace el compositor en el folclore del Caribe colombiano. El título Quarive, cuenta el compositor, se refiere a la denominación que hizo Colón alguna vez de los habitantes de las islas antillanas, los quarives, a quienes también denominaba como caníbales en una carta enviada a los reyes católicos en 1493 ( Jursich, 2017). Por su parte, el primer movimiento, Macumdé, que es una cumbia, sugiere un juego de palabras entre macondo y cumbia (Falquez, 2018)2, y Cimarrona’o hace referencia a los negros cimarrones escapistas de la esclavitud, quienes cultivaron el género del bullerengue en la región caribeña en Bolívar (Falquez, 2018)3. Imaginario popular argentino de Marcelo Coronel (n. 1962) nace, en palabras del compositor, a partir de su participación en un programa radial dedicado al folclore latinoamericano (Coronel, 2000). Cuenta, en el prólogo de Imaginario popular argentino, centro y noroeste: Cinco piezas para guitarra, que para su escritura dedicó parte de su tiempo a buscar material que se refiriera a este tema y que, además de encontrar una inmensa diversidad, su asombro se debió a que la mayoría de este bagaje cultural era desconocido, sobretodo en ámbitos urbanos. En consecuencia, decidió continuar el proyecto de difusión de esta música a través de su trabajo como compositor: (…) compuse esta serie de cinco piezas para guitarra asociadas a ciertos temas del folklore no musical del centro y noroeste argentinos; las partituras 1 Ver www.youtube.com/watch?v=sBz3C2a9zBU 2 Entrevista de Daniela Peña Jaramillo al compositor (febrero de 2018). 3 Entrevista de Daniela Peña Jaramillo al compositor (febrero de 2018). 6 irían acompañadas de breves textos explicativos. Seleccioné dos deidades: La Pachamama y Coquena; una creencia supersticiosa: La Salamanca; un ser fantasmagórico: La Umita y una costumbre muy curiosa: el velorio del angelito. Cada pieza toma su título de uno de estos temas, y su forma se basa en la estructura de una danza o especie lírica vigente en la región de arraigo de la correspondiente creencia. No obstante, la serie no pretende ser una ‘descripción sonora’ de las cuestiones no musicales a las cuales está asociada (Coronel, 2000). En esta ocasión, el intérprete escogió tres movimientos: Pachamama, descrita en la partitura como Zamba sin segunda, a modo de preludio; Salamanca, que es una chacarera y Velando al angelito que es un gato. Contrario a lo esperado de un velorio, este último movimiento es de un carácter alegre y bailable, pues hace referencia a la conmovedora tradición que hay en el norte y noroeste de Argentina, en regiones rurales, de velar a los niños menores de siete años no desde la tristeza, sino a partir de festejos que incluyen bailes, cantos y bebida, con la condición de que no se derramen lágrimas pues, como lo describe el compositor, «estas mojarían las alas del angelito, entorpeciendo su subida al cielo» (Coronel, 2000,). El compositor Camilo Giraldo Ángel (n. 1978) pertenece a múltiples proyectos artísticos en donde la búsqueda por las temáticas provenientes del folclor colombiano es inminente. Sea con el trío de guitarras Trip trip trip, con su colectivo audiovisual retrovisor, con La quinta del lobo, proyecto interdisciplinario que amalgama las artes electrónicas, la danza y la música, o en su faceta como solista, el compositor indaga en ritmos, instrumentos y relatos pertenecientes a culturas indígenas, africanas y urbanas de Colombia. Títulos como Chucuchucu, Aire de cumbia y Manguaré, entre otros, dan cuenta de la poética del compositor. No obstante, la pieza que se ha incluido en el programa, El jardín de las delicias, se aleja de alguna manera de esta poética y se preocupa más por la exploración de un lenguaje idiomático de la guitarra no por medio de pasajes exageradamente virtuosos, sino a través de sonoridades propias del instrumento que dan cuenta del título de cada movimiento: Como un paseo en el aire, El coro del lago y Festejo que, sin tener un discurso narrativo, sí nos remiten de alguna manera al tríptico de El Bosco. También disfrutaremos de las obras de Sérgio Assad (n. 1952), cuyas obras son tan frecuentemente interpretadas como aquellas de compositores como Baden Powell e incluso Heitor Villa-Lobos, proviene de una familia musical; además de conformar un dúo de guitarras con su hermano Odair, realizaron un proyecto junto a sus padres, su hermana Badi, y los hijos de ambos, conformando así el quinteto Assad, que se presentó en Nueva York y 7 en Bruselas. La Suite brasileira No. 3 fue comisionada por y dedicada al joven guitarrista francés Thomas Viloteau y José Luis Gallo ha decidido interpretar el tercer movimiento, Cantiga do sertão, que es probablemente el movimiento más lírico de toda la suite y remite nuevamente a la región del nordeste de Brasil, que ya nos había presentado Marco Pereira con su Bãiao cansado. Acerca de la Canción de cuna para Nito, obra del mismo Gallo, solo puede decirse que se trata de un doble estreno; el de la obra, compuesta para la llegada del hijo del intérprete, y el del mismo José Luis Gallo bajo la figura de compositor. Un personaje que supo, tal vez más que cualquiera, angostar el abismo entre tradición y vanguardia fue Gustavo ‘El cuchi’ Leguizamón (1917- 2000), abogado penalista, diputado provincial, profesor de historia y filosofía, poeta, pianista y compositor. Llegó tarde a la vida musical profesional, pues luego de ejercer como abogado durante mucho tiempo se cansó de «vivir de la discordia humana»4 y volvió a la que había sido su compañera en su infancia y juventud: la música tradicional, clásica y de vanguardia. De él son composiciones como La Pomeña, Tristeza, Zamba de Lozano, Zamba del laurel, Lloraré, y las que se escucharán hoy: Zamba de la viuda y Corazonando, una zamba y una chacarera. Todas sus creaciones funcionan como espejos de la cultura de la provincia de Salta, al norte de Argentina, e igualmente de su interés por la música de vanguardia. Basta con atender las armonías utilizadas para saber que al mismo tiempo que la samba, la chacarera y el carnavalito, la poética del compositor se erigía, además, a partir de la admiración de artistas como Chico Buarque, Vinícius de Moraes y Duke Ellington. Gustavo Leguizamón, a pesar de dejar solamente alrededor de una veintena de composiciones y una sola grabación, fue un arduo difusor de la cultura y su pensamiento hace eco a la intención de Gallo con la construcción del programa, pues aseguraba que «los poetas, músicos y artistas, afianzan la cultura» (Giger producciones, 2001) y que, por tanto, «la única manera de luchar en contra de la crisis, es luchar en contra de la cultura» (Giger producciones, 2001). Por último, otro gran abanderado de la cultura popular, Angenor de Oliveira (1908-1980), conocido como ‘Cartola’. Habitó desde muy pequeño 4 Tomado de www.elintra.com.ar/salta/cultura/2015/9/29/gustavo-cuchi-leguizamon-genialidad- esta-cumpleanos-90372.html 8 en una de las incipientes favelas de Mangueira, en donde junto a otros sambistas fundó y se desempeñó como profesor de la Grêmio Recreativo Escola de Samba (G.R.E.S.) Estação Primeira de Mangueira, una de las más reconocidas escuelas de samba en Río de Janeiro hasta la actualidad. La samba titulada Chega de demanda fue la primera composición de Cartola para la escuela, pero no sería sino hasta el año 1974 cuando, a sus 64 años, el compositor grabó su primer álbum en donde estaría incluido el tema Amor proibido, arreglado para guitarra por José Luis Gallo e insertado en un programa que propende por la conciliación posible y necesaria, según los compositores citados, de opuestos no tan opuestos. Bibliografía Coronel, M. (2003). Imaginario popular argentino, centro y noroeste: Cinco piezas para guitarra. Rosario, Argentina: Kran7 AL09. Giger producciones. (2001). El silbador. https://www.youtube.com/ watch?v=ChX6ZZ7p3Uo Jursich, M. (27 de enero de 2017). Territorio de utopías, revoluciones e inventos: el Caribe más allá de los estereotipos. BBC MUNDO. Recuperado de http://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina- 38735007 Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Balazs Borocz Cód. PULEP: CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) Sábado 10 de marzo · 6:00 p.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene la actualización del listado de obras que fueron interpretadas en el concierto —páginas 3—.

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