Por medio del programa de comisión de obras a compositores colombianos, el Banco de la República busca dinamizar la creación de nueva música, estimular el intercambio de Colombia con el mundo y generar el encuentro del público con el ingenio e inspiración de compositores e intérpretes. En 2018, el ensamble Cepromusic, dirigido por José Luis Castillo, estrenó Aspic, obra comisionada al compositor nariñense Gustavo Parra (n. 1963) que quedará plasmada en un volumen de la serie Compositores de nuestro tiempo. Con Aspic, el Banco de la República completa un total de dieciséis comisiones que engrosan el patrimonio inmaterial colombiano.

Foto: Kaupo Kikkas Martes 21 de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Quibdó, Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: YYX525 Jueves 23 de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Montería, Auditorio San Jerónimo de la Universidad Pontificia Bolivariana Cód. PULEP: WWQ735 Viernes 24 de agosto de 2018 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí Cód. PULEP: KEZ828 Domingo 26 de agosto de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: VJN178 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Quibdó, el ingreso al Auditorio para personas con movilidad reducida es por el ascensor ubicado en la entrada principal del Área Cultural, en la Calle 25 # 1-16. En Montería, el ingreso al Auditorio San Jerónimo de la Universidad Pontificia Bolivariana (Bloque 1) para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del campus en la Carrera 6 # 97a-99 y luego por el ascensor que se encuentra habilitado para el público asistente. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Universidad y de logística del concierto para que se habilite el ingreso. En Sincelejo, el Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí ubicado en Boston (Zona Rosa) cuenta con accesos para personas con movilidad reducida tanto por las entradas principal y del primer nivel como por el sótano (parqueaderos). En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CUARTETO CASTALIAN Sini Simonen y Daniel Roberts, violines Charlotte Bonneton, viola Christopher Graves, violonchelo Foto: Kaupo Kikkas El Cuarteto Castalian se dio a conocer rápidamente en la escena internacional de música de cámara como una nueva y fascinante voz. Ganó el primer puesto en el Kammermusik Hannover Next Generation Competition en 2013 y en el Lyon International Chamber Music Competition en 2015. En el 2016 fue el único cuarteto europeo en lograr llegar a las rondas en vivo del Banff International String Quartet Competition, en el que ganó el tercer puesto. En el mismo año, el cuarteto fue seleccionado por el Fondo para Jóvenes Artistas Clásicos (YCAT por sus siglas en inglés). Sus compromisos en el 2018 incluyen presentaciones de la serie completa de los cuartetos Op. 76 de Haydn en el Wigmore Hall y conciertos en el Museo de Arte 2 de Tel Aviv, en el festival Primavera de Heidelberg y en el festival Zwischentöne en Engelberg. El cuarteto ha presentado numerosos conciertos por toda Europa, de los que se destacan recitales en los Festivales de East Neuk y Aldeburgh, Sommerliche Musiktage Hitzacker, Quartet affairs en Fráncfort (transmitido por NDR) y la Serie de Música de Cámara de Turín. Los integrantes del Cuarteto Castalian, formado en 2011, estudiaron con Oliver Wille (Cuarteto Kuss) en la Escuela Superior de Música, Teatro y Medios de Hannover, en donde recibieron el título de Maestría. El concierto en Montería cuenta con el apoyo de El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Cuarteto de cuerdas en do mayor Op. 76, No. 3, Hob.III:77 ‘Emperador’ (1796-1797) Allegro Poco adagio, cantabile Minuet-Trio Finale. Presto FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto de cuerdas en mi menor, Op. 121 (1923-1924) Allegro moderato Andante Allegro GABRIEL FAURÉ (1845-1924) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas en fa mayor (1902-1903) Allegro moderato, très doux Assez vif, très rythmé Très lent Vif et agité MAURICE RAVEL (1875-1937) CONCIERTO No. 35 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Franz Joseph Haydn (1732-1809) Haydn, un trabajador incansable, no era consciente de los cambios que sus composiciones estaban causando en el gusto de la época. En su momento, no se usó el término ‘clásico’ para denotar los giros estilísticos de su lenguaje musical y más bien, era celebrado por sus contemporáneos como romántico, debido a la fuerza descriptiva de su obra. El término ‘clásico’, para caracterizar la obra de Haydn y Mozart, no se empleó sino hasta la segunda parte del siglo XIX, cuando la distancia de los años permitió ver claramente las diferencias entre el estilo barroco y el estilo musical elaborado por los dos compositores. Durante la mayor parte de su vida, Haydn trabajó de manera discreta e intensa; sólo en los últimos años se convirtió en una figura pública. Vivió una carrera de oficio durante treinta años al servicio de tres generaciones de príncipes Esterházy (Paul Anton, Nikolaus y Anton), una familia de mecenas del arte, más recordados hoy en día por su ilustre empleado que por sus logros individuales. En sus primeros contratos, las obligaciones de Haydn iban mucho más allá de las de componer música: se detallaba el comportamiento esperado en su posición inicial de vice maestro de capilla, se especificaba su uniforme (lino blanco, medias blancas, cola de caballo o peluca, polvos faciales…) y se señalaba los deseos musicales del príncipe que él debía atender; también se encargaba de organizar las audiciones musicales día a día, dirigir a los instrumentistas, cuidar de las partituras y los instrumentos, y dar clases a los cantantes. A partir de 1790, Haydn se estableció de manera definitiva en Viena, con una pensión de los Esterházy y algunas comisiones de la misma familia. Entre 1790 y 1795, pasó el tiempo preparando obras para dar a conocer ante el público londinense y residiendo en la capital británica, en donde fue plenamente acogido. Entre sus obras de envergadura se cuentan 108 sinfonías, 20 conciertos para instrumentos solistas con orquesta, 83 cuartetos de cuerdas, 29 tríos con piano, 126 tríos con baryton, 47 sonatas para el teclado, 15 óperas, 12 misas, los oratorios La Creación y Las Estaciones e innumerables canciones y piezas para los más diversos conjuntos. Haydn experimentó tanto con la composición de sinfonías y cuartetos que prácticamente consolidó la forma y los procedimientos de estos géneros; de hecho, los nuevos compositores que querían dominar el arte de la sinfonía buscaban los ejemplos a seguir en sus obras. La nutrida obra de Haydn fue catalogada de manera definitiva entre 1957 y 1978 por el estudioso Anthony van Hoboken, de allí la sigla Hob que se emplea en la clasificación de sus piezas. Los seis cuartetos del Opus 76 fueron dedicados al Conde Erdödy y datan de los años 1796 a 1797, época de La creación y la Misa Lord Nelson. El primer movimiento 5 del Op. 76, No. 3 es un elocuente ejemplo del estilo de Haydn: temas concisos, flexibles, de gran claridad rítmica y melódica. En esta ocasión, el tema predominante tiene giros populares y en la sección de desarrollo del movimiento, es sometido a un tratamiento cariado y polifónico en el que participan de manera igualitaria los cuatro instrumentos. El tema de las variaciones del segundo movimiento le da a este cuarteto el nombre de Emperador, pues se trata del himno imperial austríaco compuesto por el mismo Haydn, Gott erhalte Franz den Kaiser (Dios salve al Rey Francisco), inspirado en el himno británico God Save the King (Dios salve al rey). Después de la primera presentación, con una armonía impecable, Haydn varía el tema presentándolo en cada uno de los instrumentos con diversos contrastes en los acompañamientos. El Minuet en realidad es un pasaje vigoroso característico de sus Scherzi, con ritmos pesados y rústicos contrastados con la calma del trío. El Finale posee tanto peso formal como el primer movimiento. Se inicia en do menor de manera enfática y enérgica. Las tensiones se disipan en la transición hacia do mayor si bien se mantiene una textura polifónica compleja que nos recuerda la seriedad de los compases iniciales. Gabriel Fauré (1845-1924) El único cuarteto para cuerdas escrito por Fauré fue su última obra, compuesta a instancias de su editor Jacques Durand. Pese a su mal estado de salud, Fauré trabajó intensamente en la composición de la obra desde julio de 1923 hasta septiembre del siguiente año. Murió sin perfeccionar la partitura, sobre todo en lo referente a las marcas de interpretación y expresividad que fueron aportadas por su alumno Roger Ducasse. El cuarteto se estrenó el 12 de junio de 1925 en un concierto en la Sociedad Nacional de Música. En parte, la reticencia de Fauré por escribir un cuarteto se debía a la gran admiración que sentía por las obras de este mismo género de Beethoven. Pero, en sus últimos meses de vida, decidió consignar sus pensamientos musicales sobre este importante género. Si bien el diseño en tres movimientos se aleja considerablemente de los parámetros clásicos, el Allegro polifónico del primer movimiento nos hace pensar en las densas e inteligentes imitaciones planteadas por Beethoven. El primer movimiento es el más breve y es seguido por un Andante etéreo y sobrecogedor, de melodías flotantes que se presentan, desarrollan y contrastan de manera lenta como nubes pasajeras transformadas por la brisa del ritmo. El Allegro final tiene una personalidad rítmica marcada por el acompañamiento inicial en pizzicato y el uso de ostinati más adelante. Hay cambios expresivos en pasajes de crecimiento y resolución que hacen que este movimiento sea un buen gesto conclusivo para un cuarteto sumergido en un ambiente profundamente meditativo. A comienzos del siglo XX, Gabriel Fauré gozaba de una sólida reputación como uno de los exponentes más ilustres de la música francesa, reputación ganada a través de sus obras de estética más romántica: el Requiem de 1888, el ciclo de canciones sobre textos de Verlaine, La Bonne Chanson de 1892 y la música incidental para la obra de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, de 1898. En los años siguientes a estas 6 creaciones, Fauré usó en sus obras gestos de gran formalismo clásico mientras emprendía la búsqueda de nuevas sonoridades y coloridos armónicos. Hasta el advenimiento de Debussy, Gabriel Fauré fue considerado el ‘decano’ de la música francesa de finales del siglo XIX. En sus canciones había establecido, sin duda, un estilo auténticamente francés, tanto en las inflexiones rítmicas como en el espíritu elegante y lírico de sus líneas, muy admirado por sus colegas y compatriotas. Fauré ejerció una variedad de cargos acordes con su prestigio. Sus labores de pedagogo se vieron premiadas a partir de 1905, año en que fue nombrado director del Conservatorio de París. Conoció muchos cambios musicales a lo largo de su vida, pues creció al lado de la obra de Liszt y Wagner y llegó a conocer las innovaciones de Debussy, Stravinsky y Bartók, aunque se mantuvo fiel a un estilo tradicionalista y conservador. Cultivó preferentemente las formas pequeñas: la pieza para piano, la canción y la música de cámara. Sus críticos coinciden en señalar su obra como elegante e íntima, concentrada sobre el mensaje melódico lírico y conmovedor. En la música de cámara, Fauré se apegó de manera singular a las formas clásicas y demostró gran dominio sobre las mismas. Compuso dos cuartetos con piano y dos quintetos, también con piano, en los que logró una gran sonoridad que reconcilia lo clásico con lo romántico y lo francés en su obra. También compuso un trío, un cuarteto de cuerdas y varias sonatas a dúo. Entre las características más sobresalientes de su estilo, podemos mencionar el ritmo sutil y grácil que oscila entre la serenidad permanente de un moderato y el rebote ligero y fluido del aire de danza antigua; la armonía rica y colorida que hace uso de disonancias discretas, de manera causal y evasiva; y el empleo de una melodía sugestiva y evocadora. Maurice Ravel (1875-1937) Oriundo del pueblo de Ciboure, Basses-Pyrénées (Bajos Pirineos), ubicado en la región vasca en la frontera entre Francia y España, Ravel siempre se sintió cercano a su herencia cultural vasca y a las tradiciones españolas. Si bien la familia salió de Ciboure cuando Ravel tenía apenas tres meses, su madre mantuvo vivo en su entorno el gusto por la cultura hispánica. Ravel encontró inspiración tanto en la literatura de España como en sus aires musicales, no sólo por inclinación afectiva, sino por encontrar diversas alternativas sonoras que alimentaran sus tendencias modernistas en la composición. Ravel buscó nuevas escalas y ritmos en la música española así como en aires orientales (Shérézade, Canciones de Madagascar, Dos melodías hebreas, Canción hebrea son ejemplos de ello) y en otras tradiciones europeas (Cinco melodías populares griegas, Tzigane). También buscó alternativas en piezas antiguas como pavanas, pasacalles, minués y tombeaux, y se remontó a teorías modales provenientes del Medioevo para renovar sonoridades. Todo lo anterior lo llevó a trabajar dentro de formas clásicas tradicionales, a veces con evidentes bases sobre procesos teóricos conocidos, razón por la cual muchas de sus obras se clasifican dentro de las tendencias neoclásicas. 7 Según el pianista Paul Crossley, la obra de Ravel tipifica las dos tendencias del pensamiento poético simbolista, resumidas en los términos ‘decadente’ y ‘estético’. El primero de ellos esconde tras los símbolos el mundo de ideas y emociones internas del artista; el segundo sugiere, mediante la perfección de las formas y procesos, un mundo ideal al cual se aspira. Miroirs, Gaspard de la Nuit y el Concierto para la mano izquierda pertenecen al primer grupo y sus obras restantes para piano, al segundo. El Menuet Antique y Le Tombeau de Couperin ofrecen rasgos característicos de la música francesa –de Chabrier, el primero y de François Couperin, el segundo–, pero procesados por la mente perfeccionista de Ravel. El trabajo minucioso, primero al teclado y luego en el contexto sinfónico, caracterizó gran parte de la obra de Ravel, un consumado pianista y trabajador incansable con una gran imaginación sonora. Ravel se guio estéticamente por las enseñanzas del poeta Mallarmé, quien definió el simbolismo como «el arte de evocar un objeto lentamente, para develar su estado de ánimo, o al contrario, el arte de escoger un objeto y extraer de él, un estado de ánimo». La amalgama entre forma y contenido anímico en la obra de Ravel es evidente. De allí que su trabajo acuse rasgos neoclásicos, por la perfección y claridad formal, y los rasgos impresionistas dados por la sutileza de la expresión. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más destacadas: el Cuarteto de cuerdas en fa mayor, las dos sonatas para violín y piano, la Sonata para violín y violonchelo y el Trío en la menor. La composición del Cuarteto de Ravel está enmarcada dentro de los años frustrantes en los que, por cinco veces, le fue negado el primer puesto en la prestigiosa competencia del Premio de Roma. El Cuarteto de cuerdas en fa mayor fue una de las piezas que el jurado estudió durante el proceso de evaluación del premio y si bien es una joya del neoclasicismo raveliano, fue mal calificada debido a sus rasgos exóticos. El Allegro inicial está concebido en la tradicional forma sonata bitemática, y su carácter etéreo está dado por el uso de modos eclesiásticos para suavizar las polaridades armónicas y minimizar los contrastes extremos. El segundo movimiento hace las veces de un Scherzo, con su tradicional diseño ternario. Una primera parte expone una temática viva en pizzicato, que guarda cierta relación con el primer movimiento, mientras que la sección media ofrece un contraste musical y anímico evidente que desemboca en la recapitulación del inicio. El movimiento lento progresa en un ambiente meditativo y pausado, en donde el discurso melódico se alterna con la creación de sonoridades amables y fluidas. En sus primeros temas, se escucha la relación con el inicio del cuarteto, sus motivos ahora expandidos en el tiempo. El chelo inicia un pasaje un tanto más activo y enfático con nuevas ideas e intercambios entre los cuatro instrumentos que se intensifican y diluyen a medida que transcurre el movimiento. La indicación de tiempo para el último movimiento es Vivo y agitado y, efectivamente, este cierre de ritmos asimétricos de cinco pulsos es un convincente acto final para todo el cuarteto, que termina sobre estas anotaciones plenas de energía y vida. 8 Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y de la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos organizaciones. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: Rodrigo Velásquez CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Boletas: $6.000* Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Boletas: $10.000 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos.

El Cuarteto Castalian se dio a conocer rápidamente en la escena internacional de música de cámara como una nueva y fascinante voz. Ganó el primer puesto en el Kammermusik Hannover Next Generation Competition en 2013 y en el Lyon International Chamber Music Competition en 2015. En el 2016 fue el único cuarteto europeo en lograr llegar a las rondas en vivo del Banff International String Quartet Competition, en el que ganó el tercer puesto. En el mismo año, el cuarteto fue seleccionado por el Fondo para Jóvenes Artistas Clásicos (YCAT por sus siglas en inglés). Sus compromisos en el 2018 incluyen presentaciones de la serie completa de los cuartetos Op. 76 de Haydn en el Wigmore Hall y conciertos en el Museo de Arte de Tel Aviv, en el festival Primavera de Heidelberg y en el festival Zwischentöne en Engelberg. El cuarteto ha presentado numerosos conciertos por toda Europa, de los que se destacan recitales en los Festivales de East Neuk y Aldeburgh, Sommerliche Musiktage Hitzacker, Quartet affairs en Fráncfort (transmitido por NDR) y la Serie de Música de Cámara de Turín. Los integrantes del Cuarteto Castalian, formado en 2011, estudiaron con Oliver Wille (Cuarteto Kuss) en la Escuela Superior de Música, Teatro y Medios de Hannover, en donde recibieron el título de Maestría.

Creado en 2011, y conformado por Sini Simonen y Daniel Roberts (violines), Charlotte Bonneton (viola) y Christopher Graves (cello), el Cuarteto Castalian ha reunido galardones que incluyen el primer puesto en el Concurso Internacional de Lyon (2015) y el tercer puesto en el Concurso Internacional de Cuartetos de Banff (2016). Su maestría en el repertorio clásico y contemporáneo los ha llevado a ofrecer conciertos en el Heidelberger Frühling Quartet Festival y en el Hamburg Chamber Music Series, entre muchos otros escenarios y festivales. Este concierto también se presenta en: - Quibdó el martes 21 de agosto de 2018 en el Auditorio del Banco de la República - Montería el jueves 23 de agosto de 2018 en el Auditorio San Jerónimo de la Universidad Pontificia Bolivariana - Sicelejo el viernes 24 de agosto de 2018 en el Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí

Nacida en una familia de músicos, Biliana Voutchkova comenzó a interpretar el violín a los cuatro años, a los nueve hizo su debut orquestal y a los dieciséis lanzó su primer álbum bajo el sello japonés Crown Record Ltd. Estudió violín clásico y, al entrar a la universidad, comenzó a interesarse por la escena musical contemporánea y de improvisación en Nueva York. Entre sus profesores figuran reconocidos nombres como Peter Arnaoudov, Abram Stern y Felix Galimir. Biliana tiene un título de la Universidad del Sur de California y uno de la Escuela de Música de Mannes (MM) de la New School for Social Research de Nueva York. Ha recibido los más altos reconocimientos en el Concurso Internacional de Música Kozian, el Concurso Nacional CRS para las Artes Escénicas y el Concurso Internacional de Música Contemporánea La Música y la Tierra. A los diecinueve años fue invitada a los Estados Unidos, donde recibió la Beca Jascha Heifetz para violín, para estudiar en la Universidad del Sur de California. En 1995 se trasladó a Nueva York, donde continuó su exploración musical, que hoy en día se ha convertido en el norte de su trabajo. Dedicada artista, violinista, compositora, intérprete e improvisadora, su trabajo se enfoca en presentar obras para violín solo, ensamble y obras nuevas escritas para ella por compositores contemporáneos. También presenta improvisaciones y performances que sumergen al público en el ámbito del movimiento y la danza. Como artista creativa, su constante trabajo investigativo abarca una amplísima gama de sonido y movimiento y extiende sus aptitudes sonoras, físicas y técnicas hacia la consecución de un lenguaje artístico-musical altamente personalizado. Biliana no teme arriesgarse con un repertorio clásico-contemporáneo que aborda con inspiración y libertad, características que definen sus poderosas improvisaciones. Ha colaborado con gran número de reconocidos artistas, entre quienes se cuentan Mazen Kerbaj, Audrey Chen, Ute Wassermann, Iva Bittová, Robin Hayward, Jacques Demierre, Matthias Bauer, Frances-Marie Uitti, Séverine Ballon, Helmut Lachenmann, Michael Thieke, Hans Peter Kuhn, George Lewis, Georg Nussbaumer, Clayton Thomas, Axel Dörner y Peter Ablinger. Biliana se ha presentado en festivales y series de conciertos en diversos escenarios del mundo, en reconocidas salas de conciertos, como el Carnegie Hall en Nueva York, la Filarmónica y Radialsystem V en Berlín y la Sala Suntory en Tokio. También ha hecho performances en galerías, escenarios experimentales, espacios al aire libre y otras instalaciones poco convencionales, como el MAXXI de Roma, el Cafe Oto de Londres y, en Berlín, la galería Sammlung Hoffmann, el Neues Museum, KuLe/Labor Sonor y Ausland. Tras una residencia de catorce años en los Estados Unidos, Biliana vive actualmente en Berlín, donde colabora con la orquesta Splitter, el ensamble de solistas Kaleidoskop, el Ensamble Modern, Zeitkratzer, Work in Progress, Ensambles Unidos de Berlín, Mosaik y LUX:NM, entre otros. Sus más recientes proyectos incluyen conciertos como solista en Transmediale/Vorspiel, el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield y los Festivales GAS, Mózg, Moving Music y Radar y presentaciones colaborativas con Olaf Nicolai, She She Pop/Zeitkratzer y el Berliner Ensemble. Asimismo, tiene previsto el lanzamiento de su álbum como solista, titulado Modus of Raw, una gira de conciertos en los Estados Unidos como parte del dúo Voutchkova/Thieke, patrocinado por el Goethe Institut, y presentaciones en los festivales de Klangwerkstatt, Documenta 14, Wien Modern, Experimental Intermedia y las Ferias de Gante. En el 2016, Biliana recibió subsidios de la Iniciativa para la Nueva Música (INM) de Berlín y del Fondo para el Entendimiento Mutuo (TMU) en Nueva York, y en el 2017 el Senado de Berlín le otorgó una beca en composición.

Foto: Harald Hoffmann Miércoles 25 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Cali, Auditorio Nelson Garcés Vernaza del Centro Cultural Comfandi Cód. PULEP: HKR711 Viernes 27 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: SSQ195 Domingo 29 de julio de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: NCV733 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ clavecín (Alemania) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cali, la entrada al Centro Cultural Comfandi para todos los usuarios que se desplazan caminando es por la calle 8 donde se encuentran gradas y rampa de acceso. El personal de seguridad y logística están atentos a prestar la ayuda a las personas con movilidad reducida o con discapacidad. En Buenaventura, las personas con movilidad reducida podrán ingresar al Centro Cultural haciendo uso de las rampas ubicadas en la entrada principal. El acceso al auditorio será a través de sus puertas principales, usando el ascensor hasta el segundo piso. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 STEFAN TEMMINGH flauta dulce Stefan Temmingh nació en Ciudad del Cabo y proviene de una familia holandesa-sudafricana de músicos. Hoy vive en Múnich, ciudad donde tuvo la oportunidad de estudiar con Markus Zahnhausen y con el profesor Michael Schneider en Fráncfort. En el 2008 recibió una beca de música contemporánea otorgada por la Ciudad de Múnich. Desde el 2010 trabaja como profesor en la Escuela Superior de Música y Teatro de Múnich. Temmingh fue ganador del premio alemán ECHO Klassik. Su segundo álbum The Gentleman’s Flute (La flauta del caballero) fue nominado a los Premios Internacionales de Música Clásica 2011 (Conocidos anteriormente como los Premios MIDEM). En el 2014, bajo el sello SONY/dhm, lanzó el álbum Inspired by Song (Inspirado en la canción), en el que lo acompañó la soprano Dorothee Mields y su ensamble The Gentleman’s Band. Esta grabación se posicionó entre los diez mejores álbumes del 2014 según un sondeo de la crítica en FONO FORUM, revista alemana de música. Gracias a su segundo proyecto discográfico con Dorothee Mields, titulado Birds (Aves), —también bajo el sello SONY/dhm—, Temmingh recibió el Premio ECHO Klassik 2016 como Instrumentalista del Año (Flauta). En el 2017, Stefan Temmingh grabó los conciertos para flauta completos de Antonio Vivaldi. Dada su especialización en música antigua, el repertorio de Stefan Temmingh incluye la literatura original completa para flauta. Se ha presentado en escenarios internacionales con diferentes ensambles de música de cámara y con su propio ensamble barroco en eventos como el Festival de Bach de Leipzig, el Festival de Música de Mosel, las Semanas de Bach de Turingia, el Festival de Händel de Halle, el Festival Oude Muziek de Utrecht, y en varios festivales de música antigua y series de conciertos clásicos en toda Europa, Asia y África. Como solista, ha actuado con orquestas barrocas, de cámara y sinfónicas como la Deutsche Radiophilharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia, la Orquesta Sinfónica de Bochum, la Orquesta de Cámara de Stuttgart, la Orquesta de Cámara de Heilbronn (Wurttemberg), la Sinfonietta de Hong Kong, la Orquesta Filarmónica de Ciudad del Cabo en Sudáfrica y en el Festival de Ludwigsburg. Foto: Harald Hoffmann 2 WIEBKE WEIDANZ clavecín Weidanz fue ganadora del reconocido concurso Johann Sebastian Bach (Leipzig, 2002). Ha actuado en conciertos alrededor de Europa, en los Estados Unidos, en Japón y China, y ha participado en varios álbumes y producciones transmitidas por televisión. Como solista y como intérprete de continuo, a menudo es invitada a tocar con las principales orquestas barrocas y sinfónicas como la Orquesta Barroca de Friburgo, la Academia de Música Antigua de Berlín –AKAMUS– y Concerto Köln. Durante muchos años, ha trabajado en el cargo de asistente de música de René Jacobs en producciones operáticas internacionales, incluyendo presentaciones en Berlín, Viena, Ámsterdam, Bruselas y Aix-en-Provence. Hasta 2003, Wiebke Weidanz trabajó como profesora en la Escuela Superior de Música y Teatro de Leipzig; y hasta 2009, en la Escuela Superior de Música y Teatro de Fráncfort. Desde el 2014 trabaja como profesora de clavecín en la Escuela Superior de Música y Teatro de Núremberg. El concierto en Cali se realiza en el marco de y cuenta con el apoyo de Foto: Harald Hoffmann 3 PROGRAMA Sonata en la mayor, Op. 5 No. 9 (1700) Preludio Giga Adagio Tempo di Gavotta ARCANGELO CORELLI (1653-1713) Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh (n. 1978) Fantasía No. 10 en fa sostenido menor, TWV 40:11 (c. 1733) A tempo giusto Presto Moderato GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1756) Para flauta solista Sonata en mi mayor, RV 806 (c. 1716-1717) Andante Allegro Largo Allegro ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Para flauta y bajo continuo Sonata en fa mayor, Op. 5 No. 10, (1700) Preludio Allemanda Sarabanda Giga Gavotta ARCANGELO CORELLI Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh INTERMEDIO 4 Fantasía No. 1 en la mayor, TWV 40:2 (c. 1733) Vivace Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN Para flauta solista Sonata en do mayor, Op. 1 No. 7 HWV 365 (s. f.) Larghetto Allegro Larghetto A tempo di Gavotti Allegro GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759) Sonata en mi bemol mayor, K. 474 (s. f.) DOMENICO SCARLATTI (1685-1757) Para clavecín solo Sonata en mi bemol mayor, K. 475 (s. f.) Sonata ‘Folía’, Op. 5 No. 12 (1700) ARCANGELO CORELLI Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh basada en la versión de Francesco Veracini (1690-1768) CONCIERTO No. 31 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza El origen del instrumento que hoy conocemos como ‘flauta dulce’ se remonta a la Edad Media, pero su auge comenzó en el Renacimiento. Durante este periodo se escribieron importantes tratados para el instrumento como Musica Getutscht de Sebastian Virdung (1511), La Fontegara de Sylvestro Ganassi (1535) o el Epitome musical de Philibert Jambe de Fer (1556). Gracias a estos disponemos de importante información acerca del instrumento como descripciones acerca de su interpretación, técnica y escritura. Ya desde entonces la flauta dulce recibía varios nombres como flûte à neufs trous, flûte d’Angleterre, flauto dolce, blockflöten, recorder, flûte à bec o flauta de pico, para diferenciarla de la flauta traversa con la que compartía la escena musical. Al igual que las violas de gamba, adoptó varios tamaños, según lo descrito en los tratados de Ganassi y Virdung. Durante el siglo XVI solo cuatro tamaños están documentados: discanto (o petite flûte), alto (o cantus), tenor y bajo (clasificación inspirada en el cuarteto de voces). Ya en el siglo XVII, en su tratado Syntagma musicum, Michael Praetorius (1618-1619) propone dividir el cuerpo del instrumento para mejorar su afinación, adelantándose a los cambios efectuados unos años más tarde1. Estos cambios quedaron registrados en las palabras de Joachim Quantz en su tratado Versuch einer Anweisung die flöte traversiere zu spielen (Ensayo de un método para aprender a tocar la flauta traversa) de 1752. No puedo decidir en qué momento se realizó esta mejora, y quién es su autor, aunque me he dado todas las dificultades posibles para instruirme en ello. A todas luces, aún no ha pasado un siglo desde que emprendimos esta mejora2 (Quantz, 1752, p. 24). Como resultado, la flauta dulce barroca es distinta de la renacentista: además de tener un cuerpo separable en partes (dos o tres), tiene una extensión de dos octavas (a veces un poco más para obras más virtuosas), y sus nueve huecos le permiten alcanzar notas cromáticas. Todas las flautas de esa familia tienen una afinación fija, en do o fa generalmente3, de la más aguda a la más grave4 y la dulzura de su sonido se adaptaba perfectamente a un repertorio solista. Ya en el siglo XVI Ganazzi, autor del primer 1 Según L. Pottier en su conferencia Evolution de la flûte à bec à travers les traités (Evolución de la flauta de pico a través de los tratados). 2 “Je ne saurois decider, dans quel tems on y a fait cette amelioration et qui en est l’auteur, quoique je me sois donné toutes les peines possibles pour m’en instruire. Selon toute apparence, il n’y a pas encore un siècle, qu’on a entrepris cette amélioration” (Traducción por Angélica Daza desde la version francesa). 3 Ocasionalmente se encuentran ejemplares en re. 4 Esta es la razón por la que en un concierto un intérprete puede cambiar varias veces de instrumento porque además de las diferencias de afinación, están las de fabricación que influyen en el sonido deseado para cada obra. 6 método para este instrumento decía que « (…) el objetivo del flautista es el de imitar lo más fielmente posible todas las capacidades de la voz humana»5 resumiendo su capacidad de expresión (Ganazzi, 1535, pág. 9). Fueron estas características las que inspiraron a autores como Bach, Händel, Telemann y Vivaldi a escribir para la flauta dulce en el siglo XVIII. Los avances en la construcción de los instrumentos de la época llevaron al subsecuente perfeccionamiento de la técnica de ejecución. La aparición del bajo continuo dio libertad interpretativa y creativa al intérprete, propició el desarrollo del repertorio solista y creó un nuevo modo de expresión, lejano al ambiente vocal del Renacimiento y con una retórica musical propia. Las diversas posibilidades de ornamentación rara vez escritas pero confiadas al buen juicio de los intérpretes familiarizados con esta práctica, caracterizaban el estilo de interpretación del Barroco. Nuevas formas instrumentales florecieron en Europa sentando las bases del Clasicismo y Romanticismo posteriores, entre ellas el concerto, la suite, la obertura y la sinfonía se cuentan entre las más importantes. Y en la música solista se destacaron la invención, la fantasía y sobretodo la sonata. La sonata a solo del Barroco en oposición a la toccata (para un instrumento solista de tecla) y la cantata (para conjunto de voces y acompañamiento) era una forma instrumental con dos o más movimientos escrita para un instrumento solista (flauta o violín principalmente6) con acompañamiento de bajo continuo. Dos formas de sonata fueron populares en la época la Sonata da chiesa (para acompañar los servicios litúrgicos)7 y la Sonata da camera (música secular)8. Aun así, cabe anotar que la forma fue adoptada con mucha libertad por los compositores. Corelli y compañía En el concierto de hoy escucharemos obras escritas o adaptadas para flauta dulce y clavecín de cinco autores de finales del siglo XVII y comienzos del XVIII. El primero de ellos Arcangelo Corelli (1653-1713) fue un virtuoso violinista Italiano que perfeccionó el estilo de composición del concerto grosso. Sus avances en la ejecución del violín fueron difundidos por sus alumnos, entre ellos Geminiani, el más famoso, sentando las bases de la escuela violinística de hoy. Su obra fue exclusivamente instrumental –-una rareza para la época– y está recopilada en seis opus. Trabajó como intérprete, compuso y enseñó en Roma por más de treinta años y, a su muerte, gozaba ya del gran renombre con que se le conoce actualmente. 5 “(…) the aim of the recorder player is to imitate as closely as possible all the capabilities of the human voice» (Traducción al inglés de Dorothy Swaison, y al español por Angélica Daza). 6 También fue frecuente la adaptación entre ambos instrumentos, a pesar de las diferencias idiomáticas entre ellos. 7 Compuesta por una introducción lenta, un allegro (posiblemente una fuga), un andante y un final enérgico y acompañada en el continuo por un órgano o laúd. 8 Compuesta por distintos movimientos de danzas (similar a la suite) y acompañada principalmente por el clavecín. 7 De las doce sonatas que componen el Opus 5 ‘Sonate a violino e violone o cembalo (…)’, escucharemos tres en estilo da camera. La primera, No. 9 en la mayor, está compuesta por cuatro movimientos contrastantes: Preludio (largo), Giga (allegro), Adagio y tempo di Gavota (allegro)9. La segunda, No. 10 en fa mayor, está compuesta por cinco movimientos igualmente contrastantes: Preludio (adagio), Allemanda (allegro), Sarabanda (largo), Gavotta (allegro) y Giga (allegro). En ambas se reconoce la estructura clásica de la sonata da camera. La obra que cierra el concierto es una de las más conocidas y virtuosas de Corelli, la No. 12 en sol menor, también del Op. 5 que, aunque clasificada como sonata, está compuesta por veintitrés variaciones sobre el tema de la folía10, muy popular durante el Barroco11. Uno de los más importantes sucesores de Corelli fue Antonio Vivaldi (1678- 1741), el ‘prete rosso’ (cura rojo) como se le llamaba por el color de su cabello. Fue sacerdote y violinista. Compuso cerca de 800 obras, entre las cuales más de la mitad fueron conciertos, género del que fue uno de los mayores exponentes. Trabajó la mayor parte de su vida en el orfelinato Ospedale della Pietà donde conoció a numerosos intérpretes de flauta y oboe, para los cuales compuso buena parte de su música para solista. Este parece ser el caso de la obra que escucharemos en esta ocasión, la Sonata en mi mayor, RV 806 que, según el musicólogo Federico Sardelli, fue descubierta recientemente (año 2000) en los archivos de la academia de canto de Berlín y puesta a disposición del público en 2007. Esta obra pudo ser escrita entre 1716 y 1717. El descubrimiento de esta sonata permitió identificar que la Sonata para violín, RV810 —hasta ese momento desconocida y atribuida erróneamente a otro autor— pertenecía a Vivaldi, pues es claro que la RV 806 es una adaptación para flauta dulce de la RV 810 para violín (la música es idéntica solo está transpuesta una cuarta sobre la original). Se adapta bien a la flauta a pesar de su origen violinístico pues en la original (en re mayor) el violín nunca toca la cuarta cuerda, por lo tanto es posible interpretarla en la flauta12. La sonata barroca en manos de Domenico Scarlatti (1685-1757) estilís-ticamente dio un paso hacia el clasicismo. Este compositor italiano, radicado en España, compuso cerca de 500 sonatas para clavecín, con una forma bipartita13 nada 9 Es importante saber que las indicaciones de estos movimientos no son indicaciones de tempo (allegro, andante, adagio) como las conocemos hoy (el metrónomo aún no se había inventado) sino más bien indicaciones de carácter que buscan mover los afectos del alma (teoría de los afectos). 10 Que significa ‘locura’, quizá por el carácter rápido de esta danza probablemente de origen portugués. 11 Buen nombre de compositores la emplearon, entre ellos Vivaldi, Bach, Scarlatti y Marais. 12 Según las notas del musicólogo Federico María Sardelli miembro del instituto Vivaldi y responsable del catálogo Vivaldi (RV) en las notas del disco Sonate à flauto solo de Lorenzo Cavasanti (2013). 13 La estructura básica de todas las sonatas de Scarlatti consiste en un solo movimiento que se divide en dos partes que se repiten. 8 similares a las de sus contemporáneos. De Scarlatti se dice que cimentó las bases de la escuela pianística del siglo XIX. En sus composiciones se conjugan la influencia de la música folclórica española con la exploración de recursos técnicos (saltos de octavas, escalas, arpegios e intercambio de manos) que convierten estas obras en un ejemplo de virtuosismo e innovación estilística. La única obra que publicó en vida fueron los Essercizi per gravicembalo (1739). Aunque sus obras llevan el nombre de sonatas, el autor las considera ejercicios, evidenciando una intención lúdica. En este concierto escucharemos dos sonatas para clavecín solista: la Sonata en mi bemol mayor, K. 474 de carácter libre e improvisado y la Sonata en mi bemol mayor, K. 475 contrastantemente alegre y virtuosa. Hoy se las interpreta mayoritariamente en piano y en guitarra. Otro compositor cuya obra tuvo características del comienzo del Clasicismo fue Georg Philipp Telemann (1681-1756) aunque también recibió la influencia de Corelli y de sus contemporáneos barrocos. Fue un prolífico compositor de música instrumental y un ejemplo de ello son las fantasías para instrumento solista (violín, flauta, clavecín y viola da gamba), verdaderas joyas de su repertorio. Hoy escucharemos dos fantasías del catálogo TWV 40 que lleva el título Doce fantasías para flauta solista sin bajo. Cada una está compuesta en una tonalidad diferente, desde la mayor a sol menor, evitando las tonalidades difíciles para la flauta14. José Rico, en la introducción del artículo de la flautista Rachel Brown, opina que: «En estas fantasías se contemplan en miniatura casi la totalidad de las formas instrumentales de la época» (Rico, 2015, p.14)15. Por esta razón, en la Fantasía No. 1 en la mayor, TWV 40:2 y en la Fantasía No. 10 en fa sostenido menor, TWV 40:11 que escucharemos hoy, pueden identificarse formas como toccata, fuga, minueto y corrente16. La voz de la flauta asume varios roles, dando la ilusión de un auténtico contrapunto por medio de saltos melódicos y efectos rítmicos. El músico alemán Georg Friedrich Händel (1685-1759) fue un auténtico cosmopolita y en su obra supo sintetizar diversos estilos. Autor de numerosas óperas y oratorios, pero también de música instrumental, escribió obras da camera para los músicos profesionales de su compañía de ópera. El Op. 1 publicado en 1727 bajo el título Sonates pour un traversière un violon ou hautbois con basso continuo es una recopilación de sonatas para violin, oboe y flauta (dulce de acuerdo con los manuscritos aunque en la edición de 1727 se le mencione como traversa) con acompañamiento de bajo continuo. Entre las sonatas escritas para flauta escucharemos la Sonata en do mayor, Op. 1 No. 7 HWV 365 en la que se puede reconocer la estructura básica de una sonata da Chiesa (alternancia de cuatro movimientos contrastantes) 14 Telemann, avezado flautista, conocía bien el instrumento. 15 Introducción del artículo Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración por Rachel Brown, traducidas por José Ramón Rico en www.afeflauta.org. 16 Según la Tabla de resumen de las formas musicales empleadas en cada fantasía. Rico José, op. cit. 9 con la adición de un quinto movimiento tempo di Gavotti clara alusión a la danza, que le agrega un elemento de ligereza frecuentemente repetido en otros movimientos de la obra. Referencias Brown, R. (2008, abril). Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración. Revista de flauta Pan, Vol.27 No. 3 (septiembre 2008) pp. 24-36. Recuperado de http://www.rachelbrownflute.com/assets/fantasias-de-telemann. tf-12-espa%C3%B1ol.pdf Ganassi, S. (1956) Fontegara. Traducción de Dorothy Swaison. Ed. Robert Lieunau musikverlag. (1959) Recuperado de http://ks.petruccimusiclibrary.org/ files/imglnks/usimg/8/81/IMSLP365568-PMLP46423-ganassi_fontegara_ ingles2.pdf Pottier, L. (2010) Evolution de la flûte à bec à travers les traités. Conferencia en Recife, Brasil. Recuperado de https://www.flutes-a-bec.com/evolution-de-la-flute-a-bec- a-travers-les-traites/ Quantz, J.J, (1752). Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière. Berlin: Chrétien Frédéric Voss. Recuperado de http://imslp.org/wiki/Versuch_ einer_Anweisung_die_Fl%C3%B6te_traversiere_zu_spielen_(Quantz%2C_ Johann_Joachim) Sardelli, F. M. (2013) Sonate à flauto solo. Notas del disco de Lorenzo Cavasanti. Recuperado de https://issuu.com/elvanden/docs/a_366_booklet Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Tunja CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Sincelejo y Quibdó CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto, Medellin, Cúcuta, Leticia y Manizales LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: BDT871, VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Boriana Pandora BILIANA VOUTCHKOVA violín (Bulgaria/Alemania) Boletas: $10.000

Stefan Temmingh nació en Ciudad del Cabo y proviene de una familia holandesa-sudafricana de músicos. Hoy vive en Múnich, ciudad donde tuvo la oportunidad de estudiar con Markus Zahnhausen y con el profesor Michael Schneider en Fráncfort. En el 2008 recibió una beca de música contemporánea otorgada por la Ciudad de Múnich. Desde el 2010 trabaja como profesor en la Escuela Superior de Música y Teatro de Múnich. Temmingh fue ganador del premio alemán ECHO Klassik. Su segundo álbum The Gentleman’s Flute (La flauta del caballero) fue nominado a los Premios Internacionales de Música Clásica 2011 (Conocidos anteriormente como los Premios MIDEM). En el 2014, bajo el sello SONY/dhm, lanzó el álbum Inspired by Song (Inspirado en la canción), en el que lo acompañó la soprano Dorothee Mields y su ensamble The Gentleman’s Band. Esta grabación se posicionó entre los diez mejores álbumes del 2014 según un sondeo de la crítica en FONO FORUM, revista alemana de música. Gracias a su segundo proyecto discográfico con Dorothee Mields, titulado Birds (Aves), —también bajo el sello SONY/dhm—, Temmingh recibió el Premio ECHO Klassik 2016 como Instrumentalista del Año (Flauta). En el 2017, Stefan Temmingh grabó los conciertos para flauta completos de Antonio Vivaldi. Dada su especialización en música antigua, el repertorio de Stefan Temmingh incluye la literatura original completa para flauta. Se ha presentado en escenarios internacionales con diferentes ensambles de música de cámara y con su propio ensamble barroco en eventos como el Festival de Bach de Leipzig, el Festival de Música de Mosel, las Semanas de Bach de Turingia, el Festival de Händel de Halle, el Festival Oude Muziek de Utrecht, y en varios festivales de música antigua y seriesde conciertos clásicos en toda Europa, Asia y África. Como solista, ha actuado con orquestas barrocas, de cámara y sinfónicas como la Deutsche Radiophilharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia, la Orquesta Sinfónica de Bochum, la Orquesta de Cámara de Stuttgart, la Orquesta de Cámara de Heilbronn (Wurttemberg), la Sinfonietta de Hong Kong, la Orquesta Filarmónica de Ciudad del Cabo en Sudáfrica y en el Festival de Ludwigsburg.

Foto: Boriana Pandora Miércoles 8 de agosto de 2018 · 7:00 p.m. Armenia, Centro Cultural Metropolitano de Convenciones de Armenia Cód. PULEP: CH0779 Viernes 10 de agosto de 2018 · 6:00 p.m. Tunja, Paraninfo de la Universidad de Boyacá Cód. PULEP: DRT463 Domingo 12 de agosto de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: BDT871 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA BILIANA VOUTCHKOVA violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL electrónica (Irlanda/Alemania) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso para personas con movilidad reducida a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango es por la Calle 11 # 4-84 (entrada Ramírez Villamizar). Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Armenia, el ingreso para personas con movilidad reducida al Centro Cultural Metropolitano de Convenciones es por la entrada principal ubicada en la Calle 26 norte # 11-21. Ante cualquier eventualidad, se dispondrá de personal que estará al tanto de cualquier novedad para el ingreso y para la salida del recinto. En Tunja, el ingreso para personas con movilidad reducida al Paraninfo de la Universidad de Boyacá ubicado en la carrera 2a este # 64-169 es por la portería principal –primer piso y ascensor al tercer piso–. Es necesario informar al personal de la portería para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 BILIANA VOUTCHKOVA violín Nacida en una familia de músicos, Biliana Voutchkova comenzó a interpretar el violín a los cuatro años, a los nueve hizo su debut orquestal y a los dieciséis lanzó su primer álbum bajo el sello japonés Crown Record Ltd. Estudió violín clásico y, al entrar a la universidad, comenzó a interesarse por la escena musical contemporánea y de improvisación en Nueva York. Entre sus profesores figuran reconocidos nombres como Peter Arnaoudov, Abram Stern y Felix Galimir. Biliana tiene un título de la Universidad del Sur de California y uno de la Escuela de Música de Mannes (MM) de la New School for Social Research de Nueva York. Ha recibido los más altos reconocimientos en el Concurso Internacional de Música Kozian, el Concurso Nacional CRS para las Artes Escénicas y el Concurso Internacional de Música Contemporánea La Música y la Tierra. A los diecinueve años fue invitada a los Estados Unidos, donde recibió la Beca Jascha Heifetz para violín, para estudiar en la Universidad del Sur de California. En 1995 se trasladó a Nueva York, donde continuó su exploración musical, que hoy en día se ha convertido en el norte de su trabajo. Dedicada artista, violinista, compositora, intérprete e improvisadora, su trabajo se enfoca en presentar obras para violín solo, ensamble y obras nuevas escritas para ella por compositores contemporáneos. También presenta improvisaciones y performances que sumergen al público en el ámbito del movimiento y la danza. Como artista creativa, su constante trabajo investigativo abarca una amplísima gama de sonido y movimiento y extiende sus aptitudes sonoras, físicas y técnicas hacia la consecución de un lenguaje artístico-musical altamente personalizado. Biliana no teme arriesgarse con un repertorio clásico-contemporáneo que aborda con inspiración y libertad, características que definen sus poderosas improvisaciones. Ha colaborado con gran número de reconocidos artistas, entre quienes se cuentan Mazen Kerbaj, Audrey Chen, Ute Wassermann, Iva Bittová, Robin Hayward, Jacques Demierre, Matthias Bauer, Frances-Marie Uitti, Séverine Ballon, Helmut Lachenmann, Michael Thieke, Hans Peter Kuhn, George Lewis, Georg Nussbaumer, Clayton Thomas, Axel Dörner y Peter Ablinger. Biliana se ha presentado en festivales y series de conciertos en diversos escenarios del mundo, en reconocidas salas de conciertos, como el Carnegie Hall en Nueva York, la Filarmónica y Radialsystem V en Berlín y la Sala Suntory en Tokio. También ha hecho performances en galerías, escenarios experimentales, espacios al aire libre y otras instalaciones poco convencionales, como el MAXXI de Roma, el Cafe Oto de Londres y, en Berlín, la galería Sammlung Hoffmann, el Neues Museum, KuLe/ Labor Sonor y Ausland. 2 Tras una residencia de catorce años en los Estados Unidos, Biliana vive actualmente en Berlín, donde colabora con la orquesta Splitter, el ensamble de solistas Kaleidoskop, el Ensamble Modern, Zeitkratzer, Work in Progress, Ensambles Unidos de Berlín, Mosaik y LUX:NM, entre otros. Sus más recientes proyectos incluyen conciertos como solista en Transmediale/Vorspiel, el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield y los Festivales GAS, Mózg, Moving Music y Radar y presentaciones colaborativas con Olaf Nicolai, She She Pop/Zeitkratzer y el Berliner Ensemble. Asimismo, tiene previsto el lanzamiento de su álbum como solista, titulado Modus of Raw, una gira de conciertos en los Estados Unidos como parte del dúo Voutchkova/Thieke, patrocinado por el Goethe Institut, y presentaciones en los festivales de Klangwerkstatt, Documenta 14, Wien Modern, Experimental Intermedia y las Ferias de Gante. En el 2016, Biliana recibió subsidios de la Iniciativa para la Nueva Música (INM) de Berlín y del Fondo para el Entendimiento Mutuo (TMU) en Nueva York, y en el 2017 el Senado de Berlín le otorgó una beca en composición. Roy Carroll, electrónica Roy Carroll es un músico y compositor irlandés residente en Berlín. Trabaja principalmente con medios electroacústicos: transductores, sintetizadores, retroalimentación, grabaciones de audio, amplificación y software, con lo que, se podría decir, logra un fenómeno auditivo y psicoacústico: sus creaciones presentan varias capas, en las cuales las señales eléctricas auditivas se transforman en un ambiente turbulento. Carroll conforma, junto a la coreógrafa Maya M. Carroll, el ensamble The Instrument, con el que ha realizado más de treinta puestas en escena. Roy ha recibido comisiones de grupos como Icebreaker, Dublin Guitar Quartet, Vox21 y The Whispering Gallery. Ha realizado giras y presentado sus obras en toda Europa, Canadá, Estados Unidos, México, Brasil, Rusia y Nueva Zelanda. Además de sus actividades musicales, también trabaja como ingeniero de sonido. El concierto en Armenia cuenta con el apoyo de El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Augmented Studies (2012) PETER ABLINGER (n. 1959) Instalación para siete violines INTERMEDIO Del cuarto elemento (1988) JAMES DILLON (n. 1950) Para violín solo Inmediatez BILIANA VOUTCHKOVA (n. 1972) ROY CARROLL (n. 1974) Composición en tiempo real CONCIERTO No. 32 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta R. Introducción El concierto que estamos por escuchar resulta particularmente interesante ya que ejemplifica tres tendencias que han sido parte del movimiento musical colombiano desde finales de la década de 1960: músicas experimentales, músicas de vanguardia e improvisación cuasilibre1. Claro, en esta ocasión el ejemplo es dado a través de compositores e intérpretes/improvisadores extranjeros, ya que generalmente las expresiones locales de estas tendencias han sido mantenidas al margen de los espacios de concierto y los medios de comunicación más ‘oficiales’. En estas salas y teatros más grandes (o en nuestras orquestas y coros), la idea de ‘música colombiana’ que se difunde —y así, naturaliza— suele ser más tradicionalista, bien sea que se trate de músicas populares, bien sea de académicas. No obstante, en algunos espacios más pequeños y arriesgados, más independientes de ciertos tipos de control, estas búsquedas han surgido y se han desarrollado de las más diversas maneras. Esperemos que el emocionante programa que estamos por disfrutar nos sirva como trampolín para lanzarnos a explorar la enorme riqueza de nuestras otras músicas colombianas, ‘nuevas’ y no tan nuevas, pero siempre novedosas. Peter Ablinger nació en Schwanenstadt, Austria, en 1959. Inicialmente se formó en artes gráficas en Linz, pero entre 1977 y 1979 estudió piano en la Escuela Superior de Música de Graz y tomó clases particulares de composición con Gösta Neuwirth. Entre 1979 y 1982 estudió composición con Roman Haubenstock-Ramati en la Academia de Música de Viena, y desde 1982 vive en Berlín, donde hasta 1990 enseñó en la Escuela de Música de Kreuzberg. En 1988 fundó la agrupación Zwischentöne, pero igualmente ha sido director invitado de otros ensambles en Viena y Berlín. Ha sido director artístico de varios festivales, particularmente en Berlín, y profesor invitado en diversas escuelas en Graz, Darmstadt, Hamburgo y Praga. Desde el 2012 es miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín y recientemente ha estado vinculado como investigador a la Universidad de Huddersfield. Ablinger ha sido reconocido como figura fundacional del llamado ‘Nuevo conceptualismo’, movimiento —o moda— crecientemente notable en lo que va del siglo xxi, particularmente en la esfera germánica de la música contemporánea. El extensísimo catálogo de Ablinger muestra que ha cultivado música instrumental, vocal y electroacústica en numerosas combinaciones y dimensiones, como también 1 Entre los textos pertinentes que he escrito al respecto, recomiendo los siguientes dos al lector: Recordar, pensar, imaginar... Inicios de la improvisación libre en Colombia y Experimentation and Improvisation in Bogotá at the End of the Twentieth Century. Véase la Bibliografía. 5 instalaciones sonoras, piezas combinadas (aquellas en las que coexisten diferentes géneros artísticos), piezas para no músicos (o aquello que el compositor colombiano Jesús Pinzón llamaba ‘música endógena’ hace cinco décadas), piezas sin sonido (es decir, imágenes, textos u objetos) y piezas de referencia (partituras propiamente conceptuales, las cuales se consideran como ejecutadas al ser pensadas). Los cuestionamientos que Ablinger ha hecho acerca del sonido, del tiempo y del espacio han sido significativos a la hora de involucrar en sus experimentos conceptos como «repetición y monotonía, reducción y redundancia, densidad y entropía»2. Estas ideas encuentran varios niveles de expresión en su música; por una parte, pueden percibirse con claridad en la superficie sonora y la experiencia de percepción implícitas en obras como Augmented Studies (Estudios aumentados), pero también a un nivel estructural en su interés por la composición en ciclos de obras con elementos recurrentes. Como ejemplo de ello, Augmented Studies no es solo el nombre de la pieza que escucharemos, sino también el de un ciclo que reúne por lo menos dieciocho piezas compuestas entre 1983 y 2017. En todas estas, los conceptos de repetición y redundancia antes listados —como también un interés marcado por la simplicidad del material musical y el rigor procesual en su tratamiento— resultan fundamentales. Debemos tener en cuenta, sin embargo, que este punto de partida de Ablinger se ubica como antípoda de la meta buscada: una gran densidad sonora que lleve a una notable complejidad de la experiencia perceptiva. En cuanto a la pieza individual, Augmented Studies es una composición del 2012 para siete violines, que en esta ocasión se hará en una versión para seis violines pregrabados y uno en vivo. En términos técnicos, se trata de un canon mensural (o de prolación) en el cual los siete instrumentos hacen lo mismo, pero a diferentes velocidades. Aquello que todos hacen es extremadamente simple: una escala ascendente en octavos de tono que cubre el registro de do5 a do6. Cada vez que un instrumento llega a la altura superior, repite el proceso; lo importante es que, como cada uno va a una velocidad propia, el proceso grupal está en un desfase permanente pero calculado… como un mecanismo de reloj. El violín 1 es el que hace el proceso más lentamente, en una marcación metronómica de 56, y completa un ciclo en 1 minuto y 42,857 segundos3. El violín 7 es el que lo hace más velozmente, en una marcación metronómica de 100, y completa un ciclo en tan solo 56,6 segundos. Así, cada violín hace el proceso un número diferente de veces a lo largo de los 24 minutos que dura la obra: 2 Véase en http://ablinger.mur.at/bio_engl.html 3 Así como un cronómetro mide el tiempo en horas, minutos y segundos, el metrónomo es una herramienta musical que lo mide en pulsos por minuto. Por ello, una marcación metronómica de 60 equivale a un pulso de un segundo; una de 56 es un poco más lenta, y una de 100, bastante más rápida. 6 violín 1 – 14 veces violín 1 – 16 veces violín 1 – 18 veces violín 1 – 19 veces violín 1 – 21 veces violín 1 – 23 veces violín 1 – 25 veces A pesar de la apariencia —y posible realidad— de racionalismo matemático, lo importante no es ello sino el resultado perceptivo. El mismo Ablinger ha subrayado una diferencia entre pensar y escuchar, observando que pasamos la mayoría de nuestras vidas pensando (en una especie de ausencia) y no percibiendo el mundo a nuestro alrededor, mientras que a través de la escucha (una forma de estar presente) podemos descubrir nuestro lugar dentro del mundo y, de hecho, redescubrirnos a nosotros mismos4. Si escuchamos con entrega la espiral concéntrica ascendente que es esta pieza, lo que percibiremos será un permanente juego de incontables frecuencias de combinación5. Un símil visual podría ser la relación entre un cuerpo y una vela, en cuya interacción se produce una sombra. Una segunda vela en otro sitio creará otra sombra en un ángulo y/o tamaño diferente a la primera, y el movimiento del cuerpo y las llamas producirá una compleja coreografía. En nuestro caso, cada sonido es a la vez cuerpo y vela y produce el doble de sombras sonoras (las frecuencias de combinación); además, cada par de sombras sonoras produce a su vez otras sombras secundarias. Es este proceso el que nos puede llevar de la simplicidad absoluta de la idea germinal a la complejidad enorme del resultado perceptible, siempre y cuando cada uno de nosotros escuche activamente, explorando con nuestros oídos y nuestra consciencia la riqueza acústica de nuestra hermosa Sala de Conciertos. James Dillon nació en Glasgow, Escocia, en 1950 y, aunque estudió brevemente en la Universidad de Keele, es considerado autodidacta, por lo menos como compositor. Sus estudios se enfocaron más bien en temas tan diversos como artes plásticas, diseño, acústica, lingüística y esoterismo occidental, por lo que ha nutrido su creatividad con los más variados referentes. La muy particular formación musical de Dillon resulta no menos diversa, sorprendente e influyente, al basarse en estudios de música clásica indostaní con la citarista Punita Gupta, a lo cual se sumó su experiencia práctica como intérprete en pipe bands y grupos de rock6. Como docente, ha trabajado en la Universidad Estatal de Nueva York, en el Goldsmiths – University of London y 4 Véase en http://ablinger.mur.at/txt_augst_quartz_moen.html 5 Dos alturas que suenan simultáneamente generan frecuencias de combinación por la suma y resta de sus frecuencias. Cuando una frecuencia diferencial es muy grave, ya no la percibimos como una altura, sino como zumbido o batimiento. 6 Una pipe band es una agrupación tradicional escocesa compuesta por numerosos intérpretes de gaita y tambores de diferentes tipos. 7 en la Universidad de Minnesota en Minneapolis, como también en diversos cursos breves en varias ciudades. A Dillon se le ha destacado como uno de los compositores emblemáticos de la llamada ‘Nueva complejidad’, movimiento que tomó fuerza a lo largo de la década de 1980 y dentro del cual se incluye a otros británicos, como Brian Ferneyhough (n. 1943) y Michael Finnissy (n. 1946). Típicas de esta tendencia, las partituras de Dillon presentan una alta densidad textural, una inusual precisión en su notación temporal y un cuidado extremo en cada aspecto del sonido. Ciertamente su música resulta exigente para intérpretes y público —al igual que lo ha sido para el compositor mismo—, pero no es la complicación lo que seduce a estos compositores, sino la riqueza de la estructuración simultánea y sofisticada de diferentes parámetros. Como mucha de la música de Dillon, Del cuarto elemento encuentra sus detonantes iniciales en la literatura y la naturaleza. En este caso se trata de una pieza para violín solo de 1988, cuyo título se basa en el Poema del cuarto elemento del argentino Jorge Luis Borges (1899-1986), publicado por primera vez en 1944, pero finalmente incluido en la colección El otro, el mismo, de 1964. El propio Dillon cita como referencia —en una traducción cuestionable— la primera mitad del último cuarteto del poema: Agua, te lo suplico. Por este soñoliento nudo de numerosas palabras que te digo, Más significativa me parece, en cambio, la segunda mitad del cuarto cuarteto, que dice: y el tiempo irreversible que nos hiere y que huye, agua, no eres otra cosa que una de tus metáforas. Esta relación agua-tiempo resulta sumamente sugestiva, en particular para una música efectivamente dúctil e inasible. A partir de ello, el compositor establece una relación polar entre sus materiales, otro recurso dramático común a mucha música suya. Para hacer explícita esta relación, Dillon trae a colación a Gaston Bachelard discutiendo al franco-uruguayo Isidore Ducasse, quien supuestamente diferenciaba […] la existencia animal sobre la tierra —como el sueño de la realidad— y la existencia en el agua —como la realidad de los sueños— explicando la diferencia esencial como aquella de ‘morar’ sobre superficies, opuesto a ser ‘envuelto’ por un volumen7. A partir de estas imágenes, Dillon distribuye sus materiales musicales entre aquellos que relaciona con superficies (arpegios y líneas melódicas discontinuas) y aquellos que relaciona con volúmenes (glissandi o cambios graduales de intensidad). Así, Del cuarto elemento nos presenta todas las características que esperaríamos de una situación solista en el marco de la ‘Nueva complejidad’: comenzando por un paisaje 7 Véase en http://www.editionpeters.com/resources/0001/stock/pdf/del_cuarto.pdf 8 destellante de armónicos, cada una de las 21 microsecciones va agregando elementos nuevos en cuanto a riqueza rítmica y tímbrica, logrando que, de manera orgánica, la música se haga cada vez más elaborada. Este proceso revela un movimiento general que lleva de la predominancia de los elementos de ‘superficie’ a aquellos de ‘volumen’ que dominan el final de la obra. El programa termina con algo descrito como una ‘composición en tiempo real’, lo cual hace referencia a lo que en Berlín han llamado echtzeitmusik (música en tiempo real) y que a su vez en Bogotá hemos descrito como composición para improvisadores (o improvisación contextualizada o enmarcada). En otras palabras, alguien establece de antemano diferentes estructuras o reglas que enmarquen, que establezcan limitaciones temporales, etc., y el contenido o discurso musical es generado por una improvisación, usualmente de tendencia experimental. Voutchkova nos ofrece el siguiente texto para contextualizar la experiencia indeterminada que nos ofrecerán: Inmediatez, composición en tiempo real por Biliana Voutchkova y Roy Carroll: Un desorden de sonidos e imágenes ocurriendo en el ambiente de un dúo que combina el sonido de violín/voz y electrónica. Creando profundidades y abstracciones, resonancia y eco, expandiendo los límites de lo conocido. Bibliografía Acosta, R. (2014). Recordar, pensar, imaginar... Inicios de la improvisación libre en Colombia. En Creación-Improvisación. Bogotá: Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Acosta, R. (2017). Experimentation and Improvisation in Bogotá at the End of the Twentieth Century. En A. Alonso-Minutti, E. Herrera, and A. Madrid (Eds.), Experimentalisms in Practice: Musical Perspectives from Latin America. New York: Oxford University Press. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: Juan Pablo Rozo SEBASTIÁN AVENDAÑO Boletas: $6.000* piano Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Montería, Sincelejo y Quibdó CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Kaupo Kikkas CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Boletas: $10.000

El joven flautista Stefan Temmingh se ha presentado como solista junto a la Orquesta de Cámara de Stuttgart, la Orquesta Sinfónica de Brandenburgo y la Sinfonietta de Hong Kong, entre muchas más. Como especialista en la interpretación de música antigua, su repertorio comprende la totalidad de la literatura barroca para flauta dulce, lo cual lo ha llevado a participar en diversas producciones discográficas con sellos como Sony y Access, y en diversos programas de radio y televisión. Sus conciertos en Colombia presentan la dimensión de la influencia de Arcangello Corelli sobre otros compositores de su época como Handel y Vivaldi. Este concierto también se presenta en: - Cali el miércoles 25 de julio de 2018 en el Auditorio Nelson Garcés Vernaza del Centro Cultural Comfandi en el marco de la Temporada de Conciertos 2018 con el apoyo de Comfandi, Fundación Hispanoamericana y la Alianza Francesa - Buenaventura el viernes 27 de julio de 2018 en el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República

Intérprete y compositora, Biliana Voutchkova se ha descrito como una artista arriesgada que incursiona en los géneros clásicos y contemporáneos sin perder la libertad propia de la improvisación. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas como Mazen Kerbaj y Audrey Chen, al igual que presentaciones en auditorios como el Carnegie Hall y conciertos junto a orquestas como la Berliner Philharmonie. Sus más recientes proyectos incluyen una producción discográfica titulada The Afterlife of Trees (2017), conformada por obras de corte contemporáneo. Este concierto también se presenta en: - Armenia el miércoles 8 de agosto de 2018 en el Centro Cultural Metropolitano de Convenciones de Armenia con el apoyo de la Gobernación del Quindío y la Secretaría de Cultura. - Tunja el viernes 10 de agosto de 2018 en el Paraninfo de la Universidad de Boyacá