Foto: Miguel Ángel Beltrán Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 MANUELA TAMAYO (Colombia) soprano VADIM PARRA TROUCHINA (Colombia) piano Miércoles 18 de mayo de 2022 · 7:30 p.m. Bucaramanga, Teatro Santander PULEP: JZG135 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Manuela Tamayo, soprano Inició sus estudios musicales formales en el Programa infantil y juvenil de formación musical de la Universidad de los Andes, en donde cursó cinco semestres de guitarra clásica y tres semestres de canto lírico. En 2015 comenzó sus estudios universitarios con énfasis en canto lírico en la Pontificia Universidad Javeriana, bajo la dirección de Carolina Plata y María Olga Piñeros. En 2017 participó como solista junto al coro de la carrera de Estudios Musicales de dicha universidad, en el montaje de La creación, de Joseph Haydn; y, en 2018, junto con la orquesta y el coro de cámara, participó como solista en el montaje del Oratorio de Navidad, de J. S. Bach. Asimismo, hizo parte del elenco del Ensamble de Ópera Javeriano, en donde desempeñó el rol de Serpetta en el montaje de la ópera La finta giardiniera, de W. A. Mozart. En 2019 participó, con este ensamble, en el montaje de La voz sublime, interpretando obras de Ernest Chausson, Gabriel Fauré, Johannes Brahms y Robert Schumann. Ese mismo año fue finalista del Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de excelencia y en la reapertura del mismo premio en la categoría de formación, unos meses más tarde, ganando el premio ‘Victoria de Los Ángeles’ al mejor intérprete de canción. Manuela Tamayo fue una de las ganadoras de la beca que ofreció el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo para participar en un taller de dos semanas dedicado a óperas de W. A. Mozart, bajo la dirección del cantante y director escénico argentino Marcelo Lombardero. Posteriormente, participó en la muestra pública de dicho taller en el Teatro Estudio del Teatro Mayor, en 2019. En 2020, tras obtener la mención de honor al quedar en segundo lugar en el Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de formación, se graduó como Maestra en Música con énfasis en canto lírico de la Pontificia Universidad Javeriana. Conozca más acerca de Manuela Tamayo manuelatamayo.com/ youtube.com/channel/UClah6MRk6KVe8bjxNcOuVpQ soundcloud.com/user-701564795 2 Vadim Parra Trouchina, piano De nacionalidad colombiana y rusa, Vadim Parra inició sus estudios de piano con Irina Viritch en el Programa infantil y juvenil de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, y después con Sergei Sichkov. Ha participado en clases magistrales con pianistas de renombre internacional, como Blanca Uribe, David Kuyken, Larissa Mögel, Valentina Lisitsa, Frank van de Laar, Brian Ganz, Anne-Marie McDermott, Tatiana Tessmann, Richard Egarr y Ralph van Raat. En 2012 obtuvo el título de Maestro en Música y recibió mención honorífica en la Pontificia Universidad Javeriana. En 2014 se especializó en Metodología de la enseñanza del piano en el Conservatorio de Ámsterdam, y complementó su experiencia en proyectos sociales y culturales en Holanda, Portugal y Colombia. Adelantó estudios de maestría en Educación Musical en la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) y en la Fundación Barenboim-Said, en Sevilla, España. Asimismo, obtuvo el título de acompañante correspondiente de cantantes (Liedklass) con los profesores Frans van Ruth, Pierre Mak y Jeff Cohen en el Conservatorio Nacional de Música de París. En 2016 completó sus estudios de piano en el Conservatorio de Ámsterdam, en la clase de Naum Grubert (piano), Richard Egarr (fortepiano y clavicémbalo) y Ralph van Raat (piano contemporáneo). Parra recibió el VI Premio Jóvenes Solistas en 2009, cuando actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de Colombia. En 2009 y 2010 representó a Colombia en el ciclo internacional de grandes pianistas organizado por Colsubsidio; y fue seleccionado para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Fue invitado a participar en el VI Festival Internacional de Música de Cartagena en 2012. En 2014 participó en el Festival Suonarte, en Lovere, Italia. En 2013 y 2014 realizó una gira de conciertos en Portugal, y en 2014 obtuvo el primer premio de música de cámara en el Festival de Verano de Música Clásica de Lisboa, bajo la dirección del pianista Felipe Pinto Ribeiro y el violista Gerard Caussé. Forma parte del Trío Raíces, agrupación creada en Ámsterdam en 2015 y que trabaja sobre el repertorio histórico de piano, clarinete y violonchelo. Ha sido músico invitado en las orquestas Filarmónica y Sinfónica de Colombia y en la orquesta CvA de Ámsterdam, en Holanda. Ha participado en varios programas orquestales bajo la batuta de los directores Andrés Orozco-Estrada, Ed Spanjaard, Rossen Milanov y Rodolfo Saglimbeni. Actualmente es miembro de la Fundación JVF. La realización de este concierto cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Selección de Seis lieder, Op. 13 (1844) Ich stand in dunklen Träumen Sie liebten sich beide Der Mond kommt still gegangen Die stille Lotosblume CLARA SCHUMANN (1819-1896) Siete melodías, Op. 2 (1879-1880) Nanny Le charme Les papillons La dernière feuille Sérénade italienne Hébé Le colibri ERNEST CHAUSSON (1855-1899) INTERMEDIO Oh! quand je dors, S. 282 (1842-rev. 1849) Pace non trovo de Tres sonetos de Petrarca, S. 270/1 (1842-1846) FRANZ LISZT (1811-1886) Ojuelos de miel (1992) JAIME LEÓN FERRO (1921-2015) Cancioncilla (1976) Algún día (1982) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein Cuando se piensa en los orígenes de la música es común encontrar debates que buscan resolver el misterio de cuál fue el primer instrumento musical de la historia. Hay quienes piensan que los primeros instrumentos fueron de percusión, mientras que otros se inclinan por los instrumentos de viento. Ante tales hipótesis, suele pasarse por alto un hecho incontrovertible, y ese hecho es que el primer instrumento musical de nuestra especie –un instrumento con el cual todos nacemos– es la voz humana. Esa misma voz con la que un bebé recién nacido acompaña su llanto, y esa misma voz que despide a los muertos en una misa de réquiem o en un simple y sincero lamento. Más allá, sin embargo, de su antigüedad, la voz humana es el instrumento más versátil del mundo, capaz de reproducir un sinnúmero de palabras y de sonidos que incluso pueden imitar a otros instrumentos musicales. A esta cualidad, desde luego, se suma el dato siempre sorprendente de que ninguna voz suena igual a otra en un planeta que hoy cuenta 7,9 billones de personas. Es por este motivo que todo concierto vocal es un acontecimiento único, una oportunidad de escuchar un instrumento cuya caja de resonancia es el cuerpo y cuya vida útil es la propia vida del cantante. No en vano la voz humana dominó la música europea por miles de años (hasta bien entrado el Barroco), y hoy ha vuelto a hacerlo a través de múltiples formas y géneros. En el concierto de hoy, ese género es el Romanticismo, corriente ideológica que tuvo su apogeo en el siglo xix y derivó en varias manifestaciones culturales todavía vivas. Descrito en términos simples, el Romanticismo puede resumirse en el enaltecimiento de las emociones, en la lucha por un mundo igualitario y en la liberación del ser humano de las ataduras de la monarquía y la teocracia, instituciones políticas que sufrieron su mayor cuestionamiento y derrumbe con la Revolución Francesa (1789) y con las revoluciones independentistas de América (1810-1840). En este sentido, al Romanticismo hay que considerarlo un precursor de todas las luchas sociales que siguen vigentes hoy en día, entre las cuales sobresale el feminismo. Resulta apropiado, entonces, que las primeras obras del programa de hoy sean no de un compositor, sino de una compositora, Clara Schumann (1819- 1896), cuyo nombre de soltera era Clara Wieck. Nacida en Leipzig, Wieck desafió todos los códigos sociales de su época, hazaña que logró por medio de 5 una extraordinaria carrera como pianista y una obra musical que ha empezado a reevaluarse después de más de un siglo de olvido. Educada desde temprana edad por su padre, el pianista y pedagogo Friedrich Wieck, Clara hizo su debut como concertista cuando apenas contaba nueve años, tras lo cual siguió una gira por Europa a los doce. En un hecho normal para la época, pero muy controversial hoy, Clara conoció a su futuro esposo, el compositor Robert Schumann (1810-1856), cuando ella tenía nueve años y él dieciocho. Un día antes de cumplirse su mayoría de edad (que en Austria era a los veintiún años), Clara contrajo matrimonio con Robert, no sin antes acudir a un juez, puesto que el padre de la compositora se oponía a la unión. De este modo se selló uno de los matrimonios más famosos de la historia de la música europea. Iniciada su vida matrimonial, Clara se constituyó en la principal proveedora económica de su hogar, hazaña que logró gracias a su carrera como pianista –una de las únicas oportunidades laborales disponibles en la época para una mujer–. Este privilegio, sin embargo, se convirtió en una necesidad para Clara en 1854, año en que Robert fue internado en una clínica de reposo luego de acusar síntomas de esquizofrenia. Dos años después, Robert moriría en la clínica, dejando a Clara a cargo de siete hijos. Y aunque existen pruebas contundentes de que Clara tuvo acercamientos emocionales fuertes con Johannes Brahms, la pianista y compositora nunca se casó de nuevo y optó más bien por sostenerse sola, acto que podríamos considerar heroico, dado el contexto de la época. Llegado el año de 1896, Clara murió a los setenta y seis años, no sin antes dejar un nutrido recorrido internacional como pianista y editora musical. Ante tal trayectoria, las composiciones de Clara Wieck parecen solo un apéndice de su carrera, pero un apéndice valioso dada la rareza que era encontrar una mujer compositora en el siglo xix. Aunque la propia Clara alguna vez declaró que ‘nada’ le producía mayor alegría que ‘crear’ música, dejó de componer a sus veintinueve años, acto triste que fue acompañado con esta famosa y muy diciente declaración: Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero ya renuncié a esa idea. Una mujer no debe desear componer –hasta el día de hoy no ha habido una que pueda hacerlo–. ¿Cómo podría pretender lograrlo yo?1. 1 Traducción al español de Alexander Klein. 6 No obstante, este derrotismo, la obra de Clara sobrevive hoy como un valioso testimonio del Romanticismo germano visto desde la perspectiva femenina, siempre condicionada por la dominación del hombre, pero lo suficientemente libre para darnos una idea de sus motivaciones estéticas, a lo cual se agrega una técnica impecable. Es así como aparecen sus Seis lieder, Op. 13, todas musicalizaciones de textos escritos por poetas románticos. Escritas en 1844, las dos primeras canciones tienen un tema en común: la pérdida de un ser querido o de un amor. La primera de ellas, que carga el título Ich stand in dunkeln Träumen (En oscuros sueños me detuve), describe el momento en que un hombre contempla con nostalgia un retrato de su amada; este cobra vida momentáneamente, tras lo cual el hombre rompe en llanto porque ella ya no está con él. La compositora utiliza acordes mayores para describir la alegría mientras el retrato cobra vida, y acordes menores para describir la pérdida del ser querido. Es de notar que el acompañamiento en el piano trae a la mente la obra de Franz Schubert: los acordes se presentan en bloques sencillos, para resaltar la voz de la cantante. La segunda canción, Sie liebten sich beide (Se amaban uno al otro), es mucho más oscura en su tono emocional, a lo cual se suma que el texto no presenta un contraste de emociones. En este contexto, la compositora enfatiza las sonoridades menores para describir la tragedia del texto: dos personas que se miran mal pero que en realidad están enamoradas mutuamente, y aun así renuncian a la idea de estar juntas, posiblemente porque su amor es prohibido. Es de notar que la propia Clara Wieck había vivido un amor prohibido con su esposo, aunque ella, a diferencia de los personajes del texto, decidió luchar contra las convenciones sociales de su época para casarse con él. La canción, por su parte, nos deja una lección desgarradora: los personajes están muertos en vida, puesto que renunciaron a entregarse al amor. Como contraste, la siguiente canción en el programa, Der Mond kommt still gegangen (En silencio se va la luna), mezcla la temática del amor con otra que fascinaba a los románticos: la glorificación de la naturaleza. Acorde con este concepto, Clara escribe una melodía optimista cuando el texto describe el momento en que la luna asciende e ilumina el mundo con su ‘brillo de oro’. Aun así, la belleza toma un aire levemente melancólico cuando nos enteramos de que el personaje del texto está solitario, pensando en su amada, cuyo amor parece no ser recíproco. De este modo, la canción nos revela otra de las temáticas preferidas del Romanticismo: el amor no correspondido, que causa un dolor como ningún otro, pero al que hay que resignarse. No en vano 7 la compositora termina la canción con un acorde mayor, que nos aleja de la oscuridad de los tonos menores para recordarnos que la vida debe seguir. Por último, Clara Wieck termina su ciclo de canciones con una obra que hace un juego de contrastes similar al anterior. Titulada Die stille Lotosblume (La callada flor de loto), la canción inicia con otra oda a la naturaleza, esta vez a la flor de loto, de nuevo a la luna y también al cisne. Aun así, la imagen del ave es trágica: en medio de su belleza, quiere morir. En este sentido, es de notar que el cisne podría referirse alegóricamente a muchas mujeres en el siglo xix, en quienes ni la belleza ni la adulación masculina podían esconder el hecho de que vivían reprimidas –como la propia Clara Wieck, quien consideró que su sexo no era el correcto para poder ser compositora–. Como reflejo apropiado de esta afirmación, las tres siguientes obras del programa pertenecen al mismo siglo en que vivió Clara, pero todas son de autoría de hombres. Hébé forma parte de un ciclo de siete canciones que lleva el título de Siete melodías, Op. 2. Escrita por el compositor francés Ernest Chausson (1855- 1899), la canción musicaliza un texto perteneciente al parnasianismo, género literario surgido a mediados del siglo xix, cuyo objetivo era alejarse del personalismo romántico y limitarse a la descripción, usualmente de imágenes reminiscentes de la antigüedad clásica. Aun así, dentro de esta descripción también cabían las emociones, y Chausson elige para Hébé la obsesión humana con el envejecimiento. De esta manera, el tema central de la canción es la búsqueda del elíxir de la juventud, que se hace esquivo, a la manera de una diosa –‘la copera divina’– que alguna vez vimos pasar, como la juventud misma. Por esta razón, Chausson recurre al uso de escalas de la Grecia antigua, las cuales crean un aire incierto y exótico, entre melancólico y alegre, que nos recuerda el destino que todos los seres humanos compartimos: la mortalidad, que no obstante está acompañada de breves pero alegres destellos de juventud. Fiel a esta realidad, las siguientes dos obras del programa pueden describirse como odas a ese contraste perpetuo de emociones que conforman la existencia. Escritas por el compositor austrohúngaro Franz Liszt (1811- 1886), ambas son un reflejo muy apropiado de su vida, la cual tuvo de todo: amoríos con estudiantes y condesas, muertes prematuras de varios de sus hijos, pobreza y riqueza material, y una fama desbordada que, aun así, estuvo acompañada de un confinamiento voluntario en un convento. En este orden de sucesos, ambas canciones parecieran describir la propia vida del compositor: la primera, titulada Oh! quand je dors (¡Oh! Mientras duerma), habla del éxtasis que siente un hombre cuando una mujer 8 lo besa, acto que es percibido como una fuerza divina. La segunda, Pace non trovo (No encuentro paz), es todo lo contrario: un grito desesperado que describe el martirio de quien no se halla y no sabe qué hacer consigo mismo. Musicalmente, Liszt no ahorra medios para describir este mundo de emociones: las palabras más apasionadas son acentuadas con notas agudas en la voz de la cantante, pero estas, a la vez, son complementadas con varios contrastes de volumen. Más que canciones, ambas parecieran fragmentos de obras de teatro –tal como el propio Liszt vivía su vida y tocaba su piano–. No en vano el compositor percibió su propia música como un reflejo directo de su existencia, cuyo caudal de emociones buscó traducir, según él, ‘en sonido’. Cien años después, esta relación íntima entre la emoción y el sonido fue la que el compositor colombiano Jaime León Ferro (1921-2015) siempre buscó explorar en sus canciones. Según él, la voz humana era el instrumento ‘más perfecto’ y ‘más expresivo’, por lo cual la canción fue el género predilecto del compositor en una carrera que produjo una muy variada y voluminosa obra. El programa de hoy ofrece dos musicalizaciones de poemas de Eduardo Carranza (1913-1985) y una musicalización de un poema de Dora Castellanos (n. 1924). Fiel al espíritu romántico, en todas las canciones se advierte un hilo conductor que puede describirse como una celebración de la vida y del sentimiento primario que la guía: el amor. El amor que un hombre siente por una mujer (Ojuelos de miel), el amor que un padre o una madre sienten por su hija (Cancioncilla), y el amor que una mujer siente por su pareja (Algún día). Dada la amplia influencia que el musical norteamericano y el género popular ejercieron en la carrera de Jaime León –quien vivió y trabajó en Estados Unidos por muchos años–, todas estas canciones nos traen a la mente el género teatral, como si cada una no fuera más que un fragmento de un drama o de un musical. Bien podría decirse, entonces, que ese drama no es más que la vida misma, cuyo goce máximo fue descrito por Lord Byron –otro romántico– como un acto de entregarnos a todas sus sensaciones, incluso las dolorosas. Solo así, decía el poeta, podemos sentir realmente que estamos vivos. 9 Referencias Davies, J., (ed.). (2022). Clara Schumann studies. Cambridge: Cambridge University Press. Duque, E. (1998). Notas al programa. Música y músicos de Colombia. Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango. Walker, A. (1996). Franz Liszt: The Final Years, 1861-1886. New York: Cornell University Press. Alexander Klein es profesor de cátedra de la Universidad de los Andes, instituto donde obtuvo pregrados en Composición y Teoría de la Música (2013). Sus obras musicales han sido estrenadas y ejecutadas en diversos escenarios nacionales e internacionales, entre los cuales figuran la Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima, en Ibagué, y la Royal Academy of Music, de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Ediciones Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Ediciones Uniandes, 2022), una obra de cuatro tomos que representa la primera historia comparativa de la ópera en América. En el campo de la crítica, sus artículos sobre música, cultura y política han sido publicados en periódicos y revistas colombianas, como el diario El Espectador y la revista Arcadia, a las cuales se suman las publicaciones estadounidenses Film Score Monthly y The People’s World. 10 Selección de Seis lieder, Op. 13 (1844) Clara Schumann (1819-1896) Ich stand in dunklen Träumen En oscuros sueños me detuve Texto de Heinrich Heine (1797-1856) Ich stand in dunklen Träumen Und starrte ihr Bildnis an, Und das geliebte Antlitz Heimlich zu leben begann. Um ihre Lippen zog sich Ein Lächeln wunderbar, Und wie von Wehmutstränen Erglänzte ihr Augenpaar. Auch meine Tränen flossen Mir von den Wangen herab – Und ach, ich kann’s nicht glauben, Dass ich dich verloren hab! En oscuros sueños me detuve y miré su retrato, y el amado rostro en secreto comenzó a vivir. En sus labios se extendió una sonrisa maravillosa, y con tristes lágrimas brillaron sus ojos. Mis lágrimas también fluyeron, rodaron por mis mejillas, ¡ay, no puedo creer que te perdí! Sie liebten sich beide Se amaban uno al otro Texto de Heinrich Heine (1797-1856) Sie liebten sich beide, doch keiner Wollt’ es dem andern gestehn; Sie sahen sich an so feindlich, Und wollten vor Liebe vergehn. Sie trennten sich endlich und sah’n sich Nur noch zuweilen im Traum; Sie waren längst gestorben Und wussten es selber kaum. Se amaban uno al otro, más ninguno al otro lo quiso confesar; se miraban como adversarios, y querían expirar por amor. Al fin se separaron, para verse en sueños unas pocas veces; muertos estaban hacía mucho, pero ellos apenas se enteraron. 11 Der Mond kommt still gegangen En silencio se va la luna Texto de Emanuel Geibel (1815-1884) Der Mond kommt still gegangen Mit seinem gold’nen Schein. Da schläft in holdem Prangen Die müde Erde ein. Und auf den Lüften schwanken Aus manchem treuen Sinn Viel tausend Liebesgedanken Über die Schläfer hin. Und drunten im Tale, da funkeln Die Fenster von Liebchens Haus; Ich aber blicke im Dunklen Still in die Welt hinaus. En silencio se va la luna con su brillo dorado. Duerme entre encantadoras galas la fatigada tierra. Se mecen en el aire con una suerte de fidelidad, miles de pensamientos amorosos sobre los durmientes. Abajo, en el valle, relucen las ventanas de la casa de la amada; pero yo miro desde la oscuridad, en silencio, fuera del mundo. Die stille Lotosblume La callada flor de loto Texto de Emanuel Geibel (1815-1884) Die stille Lotosblume Steigt aus dem blauen See, Die Blätter flimmern und blitzen, Der Kelch ist weiß wie Schnee. Da gießt der Mond vom Himmel All seinen gold’nen Schein, Gießt alle seine Strahlen In ihren Schoß hinein. Im Wasser um die Blume Kreiset ein weißer Schwan, Er singt so süß, so leise Und schaut die Blume an. Er singt so süß, so leise Und will im Singen vergehn. O Blume, weiße Blume, Kannst du das Lied verstehn? La callada flor de loto se yergue en el lago azul, las brillantes hojas parpadean, el cáliz es blanco como la nieve. La luna entonces vierte desde el cielo todo su brillo dorado, derrama sus rayos en su regazo. En el agua que rodea la flor gira un blanco cisne que canta dulcemente, suavemente, y mira la flor. Canta tan dulcemente, tan suavemente, y quiere morir cantando. Oh flor, oh blanca flor, ¿comprendes esa canción? Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 12 Siete melodías, Op. 2 (1879-1880) Ernest Chausson (1855-1899) Nanny Texto de Charles Marie Leconte de Lisle (1818-1894) Bois chers aux ramiers, pleurez, doux feuillages, Et toi, source vive, et vous, frais sentiers, Pleurez, ô bruyères sauvages, Buissons de houx et d’églantiers. Printemps, Roi fleuri de la verte année, Ô jeune Dieu, pleure! Été mùrissant, Coupe ta tresse couronnée, Et pleure, Automne rougissant. L’angoisse d’aimer brise un coeur fidèle. Terre et ciel, pleurez! Oh! Que je l’aimais! Cher pays, ne parle plus d’elle; Nanny ne reviendra jamais! Bosque querido por las palomas, llora, dulce enramada, y tú, manantial vivo, y vosotros, senderos frescos, llorad, oh brezos salvajes, acebos y rosales silvestres. Primavera, reina florida del verde año, ¡oh joven diosa, llora! Maduro verano, corta tu trenza coronada, y llora, otoño sonrojado. La angustia de amar rompe un corazón fiel. ¡Tierra y cielo, llorad! ¡Oh! ¡Cómo la amaba! Querida tierra, no hables más de ella; ¡Nanny nunca volverá! Le charme El hechizo Texto de Paul Armand Silvestre (1837-1901) Quand ton sourire me surprit Je sentis frémir tout mon être, Mais ce qui domptait nous esprit Je ne pus d’abord le connaître. Quand ton regard tomba sur moi Je sentis mon âme se fondre, Mais ce que serait cet émoi, Je ne pus d’abord en répondre. Ce qui me vainquit à jamais Ce fut un plus douloureux charme; Et je n’ai su que je t’aimais, Qu’en voyant ta première larme. Cuando tu sonrisa me sorprendió sentí vibrar todo mi ser, mas eso que dominó nuestro espíritu al principio no lo reconocí. Cuando tu mirada se posó en mí sentí fundirse mi alma, mas ¿cuál era esa emoción? Al principio no pude responder. Lo que me conquistó para siempre fue un hechizo más doloroso; yo no sabía que te amaba hasta ver tu primera lágrima. 13 Les papillons Las mariposas Texto de Théophile Gautier (1811-1838) Les papillons couleur de neige Volent par essaims sur la mer; Beaux papillons blancs, quand pourrai-je Prendre le bleu chemin de l’air? Savez-vous, ô belle des belles, Ma bayadère aux yeux de jais, S’ils me pouvaient prêter leurs ailes, Dites, savez-vous où j’irais? Sans prendre un seul baiser aux roses À travers vallons et forêts, J’irais à vos lèvres mi-closes, Fleur de mon âme, et j’y mourrais. Mariposas de color nieve que vuelan en enjambres sobre el mar; bellas mariposas blancas, ¿cuándo podré el camino del aire azul tomar? Sabes, oh bella entre las bellas, mi bayadera de ojos de azabache, si ellas pudieran prestarme sus alas, dime, ¿sabes a dónde iría? Sin tomar un solo beso de las rosas a través de valles y bosques, iría hasta tus labios entreabiertos, flor de mi alma, para morir allí. La dernière feuille La última hoja Texto de Théophile Gautier (1811-1838) Dans la forêt chauve et rouillée II ne reste plus au rameau, Qu’une pauvre feuille oubliée, Rien qu’une feuille et qu’un oiseau. Il ne reste plus en mon âme Qu’un seul amour pour y chanter, Mais le vent d’automne, qui brame, Ne permet pas de l’écouter. L’oiseau s’en va, la feuille tombe, L’amour s’éteint, car c’est l’hiver. Petit oiseau, viens sur ma tombe, Chanter quand l’arbre sera vert. En el bosque pelado y marchito apenas queda en una rama, una hoja pobre y olvidada, solo una hoja y un pajarito. En mi alma apenas queda un solo amor que cante allí, pero el viento otoñal, que aturde, no permite que se pueda escuchar. El pájaro se va, cae la hoja, el amor se apaga, es el invierno. Pajarito, ven a mi tumba, canta cuando el árbol reverdezca. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 14 Sérénade italienne Serenata italiana Texto de Paul Bourget (1852-1935) Partons en barque sur la mer Pour passer la nuit aux étoiles. Vois, il souffle juste assez d’air Pour enfler la toile des voiles. Le vieux pêcheur italien Et ses deux fils qui nous conduisent, Écoutent, mais n›entendent rien Aux mots que nos bouches se disent. Sur la mer calme et sombre, vois: Nous pouvons échanger nos âmes, Et nul ne comprendra nos voix Que la nuit, le ciel et les lames. Vayamos en bote por el mar a pasar la noche en las estrellas. Mira, apenas sopla el aire que hincha el lienzo de las velas. El viejo pescador italiano y sus dos hijos, nuestros guías, oyen, pero no escuchan bien las palabras que nuestras bocas dicen. En el tranquilo mar oscuro, mira: podemos intercambiar nuestras almas, y nadie comprenderá nuestras voces, salvo la noche, el cielo y las olas. Hébé Hebe Texto de Louise-Victorine Ackermann (1813-1890) Les yeux baissés, rougissante et candide, Vers leur banquet quand Hébé s’avançait, Les dieux charmés tendaient leur coupe vide, Et de nectar I’enfant la remplissait. Nous tous aussi, quand passe la jeunesse, Nous lui tendons notre coupe à l’envi. Quel est le vin qu’y verse la déesse? Nous l’ignorons, il enivre et ravit. Ayant souri dans sa grâce immortelle, Hébé s’éloigne; on la rappelle en vain. Longtemps encor sur la route éternelle, Notre oeil en pleurs suit l’échanson divin. Con ojos bajos, blanca y sonrosada, cuando Hebe se aproximaba al banquete, encantados dioses extendían sus copas, y de néctar las llenaba la muchacha. Nosotros también, cuando pasa la juventud, le tendemos nuestra copa al deseo. ¿Qué vino vierte allí la diosa? Lo ignoramos, embriaga y deleita. Habiendo sonreído en su gracia inmortal, Hebe se aleja; uno recuerda en vano. Por largo tiempo en el camino eterno va llorando nuestro ojo tras la divina escanciadora. 15 Le colibri El colibrí Texto de Charles Marie Leconte de Lisle (1818-1894) Le vert colibri, le roi des collines, Voyant la rosée et le soleil clair, Luire dans son nid tissé d’herbes fines, Comme un frais rayon s’échappe dans l’air. II se hâte et vole aux sources voisines, Ou les bambous font le bruit de la mer, Ou I’ aoka rouge aux odeurs divines S’ouvre et porte au coeur un humide éclair. Vers la fleur dorée il descend, se pose, Et boit tant d’amour dans la coupe rose Qu’il meurt, ne sachant s’il l’a pu tarir. Sur ta lèvre pure, o ma bien-aimée, Telle aussi mon âme eut voulu mourir, Du premier baiser qui l’a parfumée. El verde colibrí, de las colinas rey, mirando el rocío y el brillante sol, reluce en su nido tejido con finas hierbas, como un rayo frío que escapa por el aire. Se apresura y vuela a las fuentes cercanas, donde los bambúes suenan como el mar, donde la roja cayena con aromas divinos se abre y lleva al corazón un relámpago húmedo. Hacia la flor dorada desciende, se posa, y bebe tanto amor de la copa rosa que muere, sin saber que la puede agotar. En tu labio puro, oh amada mía, así también mi alma ha querido morir, desde el primer beso que la perfumó. Oh! quand je dors, S. 282 [¡Oh! Mientras duerma] (1842-rev. 1849) Franz Liszt (1811-1886) Texto de Victor Hugo (1802-1885) Oh! quand je dors, viens auprès de ma couche, Comme à Pétrarque apparaissait Laura, Et qu’en passant ton haleine me touche … Soudain ma bouche S’entr’ouvrira! Sur mon front morne où peut-être s’achève Un songe noir qui trop longtemps dura, Que ton regard comme un astre se lève … Et soudain mon rêve Rayonnera! Puis sur ma lèvre où voltige une flamme, Éclair d’amour que Dieu même épura, Pose un baiser, et d’ange deviens femme … Soudain mon âme S’éveillera! ¡Oh! Mientras duerma, acércate a mi lecho, tal como Laura se apareció a Petrarca, y que me toque al pasar tu aliento... De repente mi boca ¡se abrirá! En mi frente triste donde quizás termina un sueño oscuro que duró demasiado, que tu mirada como un astro se eleve... Y de repente mi sueño ¡irradiará! Luego en mi labio donde revolotea una llama, destello de amor que Dios mismo purificó, pon un beso, y de ángel pasa a ser mujer... De repente mi alma ¡se despertará! Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 16 Pace non trovo [No encuentro paz], de Tres sonetos de Petrarca, S. 270/1 (1842-1846) Franz Liszt (1811-1886) Texto de Francesco Petrarca (1304-1374) Pace non trovo, et non ò da far guerra; e temo, et spero; et ardo, et son un ghiaccio; et volo sopra ‘l cielo, et giaccio in terra; et nulla stringo, et tutto ‘l mondo abbraccio. Tal m’à in pregion, che non m’apre né serra, né per suo mi riten né scioglie il laccio; et non m’ancide Amore, et non mi sferra, né mi vuol vivo, né mi trae d’impaccio. Veggio senza occhi, et non ò lingua et grido; et bramo di perir, et cheggio aita; et ò in odio me stesso, et amo altrui. Pascomi di dolor, piangendo rido; egualmente mi spiace morte et vita: in questo stato son, donna, per voi. No encuentro paz y no sé hacer la guerra; temo y espero, me quemo y me congelo; vuelo sobre los cielos, caigo a tierra; nada sujeto y al mundo entero abrazo. Prisionero me tiene, ni me abre ni me encierra, ni me sujeta ni me afloja el lazo; y, Amor, ni me asesina ni me arroja, no quiere que yo viva, más me ignora. Sin ojos veo, sin lengua lanzo gritos; y deseando la muerte pido ayuda; me odio a mí mismo y amo a otra. Me nutro de dolor, llorando río; tanto me desagradan muerte como vida: en tal estado, señora, estoy por vos. Ojuelos de miel (1992) Jaime León Ferro (1921-2015) Texto de Eduardo Carranza (1913-1985) Ojuelos de miel, cantaba la madre. Frente de rocío, duérmete mi bien. Tú, capitán de submarino, tráele un ramo de coral atado con la nueva luna. Azul y verde, bajo el mar. La rosa rosada, bajo del rosal, y con pies de aroma hacia el niño va. 17 Aventurero de las nubes, tú de los mares capitán, tráele un ramo transparente como la luna matinal, con alas de aroma vuela por la luz. La dulce violeta de mirada azul. Tú, marinero desvelado, tráele de tu soledad. La orquídea nácar de la espuma en una armada de cristal. Ojuelos de miel, cantaba la madre. Por el mar y el aire ya llegan los tres. Cancioncilla (1976) Jaime León Ferro (1921-2015) Texto de Eduardo Carranza (1913-1985) Duérmete mi niña, mi niña no llores, irás a la luna en tren de flores. Niña que no duerme, sueños no tendrá. Si no tiene sueños. Nadie la querrá. La luna se duerme del cielo en la cuna. En avión de nácar irás a la luna. Jugar con mi niña un ángel quisiera, en la plazoleta del sueño la espera. En un tres de flores llegas a la luna. Mi niña dormida, el cielo es tu cuna. Duérmete mi niña. Mi niña no llores. Algún día (1982) Jaime León Ferro (1921-2015) Texto de Eduardo Carranza (1913-1985) Un día llegarás. El amor nos espera y me dirás, y me dirás: Amada, ya llegó la primavera. Un día me amarás. Estarás de mi pecho tan cercano que no sabré si el fuego que me abraza es de tu corazón o del verano. Un día me tendrás. Escucharemos muchos latir nuestras arterias y sollozar los árboles desnudos. Un día, cualquier día, breve y eterno, el amor es el mismo en verano, en otoño y en invierno. Textos traducidos al español por Alberto de Brigard. Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Foto del concierto de Rubén Darío López, guitarra (Colombia), realizado el domingo 24 de abril de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Foto del concierto de Rubén Darío López, guitarra (Colombia), realizado el domingo 24 de abril de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Foto del concierto de Rubén Darío López, guitarra (Colombia), realizado el domingo 24 de abril de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Reseña acerca del concierto que ofreció Rubén Darío López (Colombia) el domingo 24 de abril en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

"Fundado en 2003 por estudiantes de guitarra de la ASAB, el cuarteto de guitarras Atemporánea tiene más de una década de trabajo dedicado a la difusión de la música para este formato, con estrenos a nivel nacional e internacional, y tiene como premisa continuar con esta labor consciente y comprometida para compartirla con su público. Cuenta con una nómina completamente renovada y está dirigido por uno de sus miembros fundadores. Sus integrantes divergen individualmente en sus trayectorias como solistas, músicos de cámara y compositores, para converger en el cuarteto con su sonido característico, involucrando sonoridades tan diversas como el rock, el jazz, la música clásica, la música experimental, las músicas populares latinoamericanas y el folclore colombiano. Su trabajo se enfoca en interpretar obras del repertorio contemporáneo latinoamericano escritas originalmente para cuarteto de guitarras e incentivar a compositores a que escriban para este formato. Es así como Atemporánea ha logrado hacer difusión de la música de compositores actuales, interpretando y estrenando obras que exploran las posibilidades tímbricas, sonoras y conceptuales que permite un cuarteto de guitarras. Hacen parte de su repertorio obras de compositoras y compositores colombianos como Diana Margarita Ortiz, Andrea Rincón, Guillermo Rendón, Rodolfo Acosta, Éblis Álvarez, Fabián Quiroga, Juan Diego Gómez, Damián Ponce de Léon, Luis Fernando Sánchez Gooding, Rubén Gómez, Gustavo Niño, Juan Calderón y Álvaro Herrán; así como de latinoamericanos como Clarice Assad (Brasil/ Estados Unidos), Canela Palacios y Carla Calderón (Bolivia), Liliana Z. del Río y Raúl Corral (México), Leo Brouwer y Eduardo Martín (Cuba), Flores Chaviano (Cuba/España), Orlando Jacinto García (Cuba/Estados Unidos), Celso Garrido Lecca (Perú), Eduardo Fernández (Uruguay), Elvis Suárez (Venezuela) y Emiliano Seminara (Argentina). Atemporánea participó en el Festival de Arte Contemporáneo ‘Rarísimo’, en Mar del Plata (Argentina) en 2012. Fue invitado al IV Festival Internacional de Música Clásica Contemporánea en Lima (Perú) en 2006. Asimismo, fue convocado a presentar las obras finalistas del Concurso Internacional de Composición 4 x Guitarras para cuarteto de guitarras, organizado por la Fundación Centro de Estudios Avanzados de Música Contemporánea (CEAMC), en Buenos Aires (Argentina) en 2008, realizando paralelamente conciertos, programas de radio y clases magistrales en la Universidad Nacional de La Plata y en la ciudad de Mar del Plata. En Mar del Plata, abrió la temporada de conciertos 2008 en el Auditorium del Centro Provincial de las Artes. Fue invitado, como representación colombiana, en el IX Encuentro Internacional de Guitarra Compensar 2014, dirigido por el guitarrista uruguayo Eduardo Fernández, donde ofreció un recital completo, una conferencia sobre la composición para cuarteto de guitarras en Latinoamérica y un recital de cierre. En este evento compartió escenario con guitarristas de renombre como Joaquín Clerch, Eduardo Fernández, Jürgen Ruck y Yasuji Ohagi, haciendo un programa de homenaje al compositor Leo Brouwer. En 2013 Atemporánea fue la agrupación residente de las Jornadas de Música Contemporánea CCMC, estrenando ocho piezas originales para guitarra en formatos solista, dueto, trío y cuarteto, realizando igualmente un recital y una conferencia. Fue invitado al Primer Encuentro de Jóvenes Compositores de América Latina y España, allí participó en el concierto homenaje al compositor colombiano Guillermo Rendón, realizado en el Teatro Colón de Bogotá en 2005. Ha sido ganador de varias convocatorias en Colombia, entre las que se destacan el premio ‘Reconocimientos para producciones musicales discográficas’ del Ministerio de Cultura de Colombia, programa Estímulos 2018; el premio con el que prensa su tercer disco; la serie Lunes de los Jóvenes intérpretes (2004) del Banco de la República y el primer Ciclo de Jóvenes Talentos de la Música (2004) de la Alianza Colombo Francesa. En 2006 participó en la Primera Jornada Colombiana de Guitarra SUR, presentando un concierto y varias clases magistrales. Hizo parte del Ciclo de Eventos Sonoros y Visuales Contemporáneos Colón Electrónico, como grupo invitado entre 2004 y 2006. Atemporánea lanzó su primer disco compacto Atemporánea en 2008 con obras del repertorio latinoamericano, entre las que se incluyen obras escritas para el cuarteto o estrenadas por él mismo. Su segunda producción discográfica, Los árboles filtran un ruido de ciudad, fue lanzada en 2017. En 2018 lanzó su tercer disco, Entre la huella y el grito, un disco doble dedicado a la composición colombiana para cuarteto de guitarras, disco premiado por el Ministerio de Cultura de Colombia. Actualmente, el cuarteto prepara su cuarta grabación dedicada a las obras escritas por compositoras latinoamericanas para cuarteto de guitarras, disco premiado con la Beca de producción musical Estímulos OFB 2021. Atemporánea está integrada por Daniel Forero, M. M. de Manhattan School of Music, docente de tiempo completo en la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y de cátedra en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas; León Salcedo, M. M. de Carnegie Mellon University, estudiante de doctorado en música en la Universidad de Aveiro, Profesor Asistente de la Universidad de Cundinamarca y Profesor Titular de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas; Carolina Ruiz, Maestra en Artes Musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y profesora de la Academia de Artes Guerrero; y Ramón Ayala, Maestro en Artes Musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y profesor de la esta institución y de la Universidad Nacional de Colombia."

"Manuela Tamayo inició sus estudios musicales formales en el Programa infantil y juvenil de formación musical de la Universidad de los Andes, en donde cursó cinco semestres de guitarra clásica y tres semestres de canto lírico. En 2015 comenzó sus estudios universitarios con énfasis en canto lírico en la Pontificia Universidad Javeriana, bajo la dirección de Carolina Plata y María Olga Piñeros. En 2017 participó como solista junto al coro de la carrera de Estudios Musicales de dicha universidad, en el montaje de ‘La creación’, de Joseph Haydn; y, en 2018, junto con la orquesta y el coro de cámara, participó como solista en el montaje del ‘Oratorio’ de Navidad, de J. S. Bach. Asimismo, hizo parte del elenco del Ensamble de Ópera Javeriano, en donde desempeñó el rol de Serpetta en el montaje de la ópera ‘La finta giardiniera’, de W. A. Mozart. En 2019 participó, con este ensamble, en el montaje de ‘La voz sublime’, interpretando obras de Ernest Chausson, Gabriel Fauré, Johannes Brahms y Robert Schumann. Ese mismo año fue finalista del Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de excelencia y en la reapertura del mismo premio en la categoría de formación, unos meses más tarde, ganando el premio ‘Victoria de Los Ángeles’ al mejor intérprete de canción. Manuela Tamayo fue una de las ganadoras de la beca que ofreció el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo para participar en un taller de dos semanas dedicado a óperas de W. A. Mozart, bajo la dirección del cantante y director escénico argentino Marcelo Lombardero. Posteriormente, participó en la muestra pública de dicho taller en el Teatro Estudio del Teatro Mayor, en 2019. En 2020, tras obtener la mención de honor al quedar en segundo lugar en el Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de formación, se graduó como Maestra en Música con énfasis en canto lírico de la Pontificia Universidad Javeriana. "

"Manuela Tamayo, soprano Inició sus estudios musicales formales en el Programa infantil y juvenil de formación musical de la Universidad de los Andes, en donde cursó cinco semestres de guitarra clásica y tres semestres de canto lírico. En 2015 comenzó sus estudios universitarios con énfasis en canto lírico en la Pontificia Universidad Javeriana, bajo la dirección de Carolina Plata y María Olga Piñeros. En 2017 participó como solista junto al coro de la carrera de Estudios Musicales de dicha universidad, en el montaje de La creación, de Joseph Haydn; y, en 2018, junto con la orquesta y el coro de cámara, participó como solista en el montaje del 'Oratorio de Navidad', de J. S. Bach. Asimismo, hizo parte del elenco del Ensamble de Ópera Javeriano, en donde desempeñó el rol de Serpetta en el montaje de la ópera 'La finta giardiniera', de W. A. Mozart. En 2019 participó, con este ensamble, en el montaje de 'La voz sublime', interpretando obras de Ernest Chausson, Gabriel Fauré, Johannes Brahms y Robert Schumann. Ese mismo año fue finalista del Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de excelencia y en la reapertura del mismo premio en la categoría de formación, unos meses más tarde, ganando el premio ‘Victoria de Los Ángeles’ al mejor intérprete de canción. Manuela Tamayo fue una de las ganadoras de la beca que ofreció el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo para participar en un taller de dos semanas dedicado a óperas de W. A. Mozart, bajo la dirección del cantante y director escénico argentino Marcelo Lombardero. Posteriormente, participó en la muestra pública de dicho taller en el Teatro Estudio del Teatro Mayor, en 2019. En 2020, tras obtener la mención de honor al quedar en segundo lugar en el Premio de Canto Ciudad de Bogotá en la categoría de formación, se graduó como Maestra en Música con énfasis en canto lírico de la Pontificia Universidad Javeriana. Vadim Parra Trouchina, piano De nacionalidad colombiana y rusa, Vadim Parra inició sus estudios de piano con Irina Viritch en el Programa infantil y juvenil de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, y después con Sergei Sichkov. Ha participado en clases magistrales con pianistas de renombre internacional, como Blanca Uribe, David Kuyken, Larissa Mögel, Valentina Lisitsa, Frank van de Laar, Brian Ganz, Anne-Marie McDermott, Tatiana Tessmann, Richard Egarr y Ralph van Raat. En 2012 obtuvo el título de Maestro en Música y recibió mención honorífica en la Pontificia Universidad Javeriana. En 2014 se especializó en Metodología de la enseñanza del piano en el Conservatorio de Ámsterdam, y complementó su experiencia en proyectos sociales y culturales en Holanda, Portugal y Colombia. Adelantó estudios de maestría en Educación Musical en la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) y en la Fundación Barenboim-Said, en Sevilla, España. Asimismo, obtuvo el título de acompañante correspondiente de cantantes (‘Liedklass’) con los profesores Frans van Ruth, Pierre Mak y Jeff Cohen en el Conservatorio Nacional de Música de París. En 2016 completó sus estudios de piano en el Conservatorio de Ámsterdam, en la clase de Naum Grubert (piano), Richard Egarr (‘fortepiano’ y clavicémbalo) y Ralph van Raat (piano contemporáneo). Parra recibió el VI Premio Jóvenes Solistas en 2009, cuando actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de Colombia. En 2009 y 2010 representó a Colombia en el ciclo internacional de grandes pianistas organizado por Colsubsidio; y fue seleccionado para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Fue invitado a participar en el VI Festival Internacional de Música de Cartagena en 2012. En 2014 participó en el Festival Suonarte, en Lovere, Italia. En 2013 y 2014 realizó una gira de conciertos en Portugal, y en 2014 obtuvo el primer premio de música de cámara en el Festival de Verano de Música Clásica de Lisboa, bajo la dirección del pianista Felipe Pinto Ribeiro y el violista Gerard Caussé. Forma parte del Trío Raíces, agrupación creada en Ámsterdam en 2015 y que trabaja sobre el repertorio histórico de piano, clarinete y violonchelo. Ha sido músico invitado en las orquestas Filarmónica y Sinfónica de Colombia y en la orquesta CvA de Ámsterdam, en Holanda. Ha participado en varios programas orquestales bajo la batuta de los directores Andrés Orozco-Estrada, Ed Spanjaard, Rossen Milanov y Rodolfo Saglimbeni. Actualmente es miembro de la Fundación JVF. "

"Fundado en 2003 por estudiantes de guitarra de la ASAB, el cuarteto de guitarras Atemporánea tiene más de una década de trabajo dedicado a la difusión de la música para este formato, con estrenos a nivel nacional e internacional, y tiene como premisa continuar con esta labor consciente y comprometida para compartirla con su público. Cuenta con una nómina completamente renovada y está dirigido por uno de sus miembros fundadores. Sus integrantes divergen individualmente en sus trayectorias como solistas, músicos de cámara y compositores, para converger en el cuarteto con su sonido característico, involucrando sonoridades tan diversas como el 'rock', el 'jazz', la música clásica, la música experimental, las músicas populares latinoamericanas y el folclore colombiano. Su trabajo se enfoca en interpretar obras del repertorio contemporáneo latinoamericano escritas originalmente para cuarteto de guitarras e incentivar a compositores a que escriban para este formato. Es así como Atemporánea ha logrado hacer difusión de la música de compositores actuales, interpretando y estrenando obras que exploran las posibilidades tímbricas, sonoras y conceptuales que permite un cuarteto de guitarras. Hacen parte de su repertorio obras de compositoras y compositores colombianos como Diana Margarita Ortiz, Andrea Rincón, Guillermo Rendón, Rodolfo Acosta, Éblis Álvarez, Fabián Quiroga, Juan Diego Gómez, Damián Ponce de Léon, Luis Fernando Sánchez Gooding, Rubén Gómez, Gustavo Niño, Juan Calderón y Álvaro Herrán; así como de latinoamericanos como Clarice Assad (Brasil/ Estados Unidos), Canela Palacios y Carla Calderón (Bolivia), Liliana Z. del Río y Raúl Corral (México), Leo Brouwer y Eduardo Martín (Cuba), Flores Chaviano (Cuba/España), Orlando Jacinto García (Cuba/Estados Unidos), Celso Garrido Lecca (Perú), Eduardo Fernández (Uruguay), Elvis Suárez (Venezuela) y Emiliano Seminara (Argentina). Atemporánea participó en el Festival de Arte Contemporáneo ‘Rarísimo’, en Mar del Plata (Argentina) en 2012. Fue invitado al IV Festival Internacional de Música Clásica Contemporánea en Lima (Perú) en 2006. Asimismo, fue convocado a presentar las obras finalistas del Concurso Internacional de Composición 4 x Guitarras para cuarteto de guitarras, organizado por la Fundación Centro de Estudios Avanzados de Música Contemporánea (CEAMC), en Buenos Aires (Argentina) en 2008, realizando paralelamente conciertos, programas de radio y clases magistrales en la Universidad Nacional de La Plata y en la ciudad de Mar del Plata. En Mar del Plata, abrió la temporada de conciertos 2008 en el Auditorium del Centro Provincial de las Artes. Fue invitado, como representación colombiana, en el IX Encuentro Internacional de Guitarra Compensar 2014, dirigido por el guitarrista uruguayo Eduardo Fernández, donde ofreció un recital completo, una conferencia sobre la composición para cuarteto de guitarras en Latinoamérica y un recital de cierre. En este evento compartió escenario con guitarristas de renombre como Joaquín Clerch, Eduardo Fernández, Jürgen Ruck y Yasuji Ohagi, haciendo un programa de homenaje al compositor Leo Brouwer. En 2013 Atemporánea fue la agrupación residente de las Jornadas de Música Contemporánea CCMC, estrenando ocho piezas originales para guitarra en formatos solista, dueto, trío y cuarteto, realizando igualmente un recital y una conferencia. Fue invitado al Primer Encuentro de Jóvenes Compositores de América Latina y España, allí participó en el concierto homenaje al compositor colombiano Guillermo Rendón, realizado en el Teatro Colón de Bogotá en 2005. Ha sido ganador de varias convocatorias en Colombia, entre las que se destacan el premio ‘Reconocimientos para producciones musicales discográficas’ del Ministerio de Cultura de Colombia, programa Estímulos 2018; el premio con el que prensa su tercer disco; la serie Lunes de los Jóvenes intérpretes (2004) del Banco de la República y el primer Ciclo de Jóvenes Talentos de la Música (2004) de la Alianza Colombo Francesa. En 2006 participó en la Primera Jornada Colombiana de Guitarra SUR, presentando un concierto y varias clases magistrales. Hizo parte del Ciclo de Eventos Sonoros y Visuales Contemporáneos Colón Electrónico, como grupo invitado entre 2004 y 2006. Atemporánea lanzó su primer disco compacto Atemporánea en 2008 con obras del repertorio latinoamericano, entre las que se incluyen obras escritas para el cuarteto o estrenadas por él mismo. Su segunda producción discográfica, Los árboles filtran un ruido de ciudad, fue lanzada en 2017. En 2018 lanzó su tercer disco, Entre la huella y el grito, un disco doble dedicado a la composición colombiana para cuarteto de guitarras, disco premiado por el Ministerio de Cultura de Colombia. Actualmente, el cuarteto prepara su cuarta grabación dedicada a las obras escritas por compositoras latinoamericanas para cuarteto de guitarras, disco premiado con la Beca de producción musical Estímulos OFB 2021. Atemporánea está integrada por Daniel Forero, M. M. de Manhattan School of Music, docente de tiempo completo en la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y de cátedra en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas; León Salcedo, M. M. de Carnegie Mellon University, estudiante de doctorado en música en la Universidad de Aveiro, Profesor Asistente de la Universidad de Cundinamarca y Profesor Titular de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas; Carolina Ruiz, Maestra en Artes Musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y profesora de la Academia de Artes Guerrero; y Ramón Ayala, Maestro en Artes Musicales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y profesor de la esta institución y de la Universidad Nacional de Colombia."

Foto: Laura Catalina Valencia Ángel Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 JESÚS DAVID MORENO (Colombia) clarinete Jueves 19 de mayo de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: BMJ204 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Jesús David Moreno, clarinete Gracias a su versatilidad y desempeño en la interpretación del clarinete soprano y el clarinete bajo, Jesús David Moreno se destaca como una de las promesas de este instrumento en Colombia. Cuenta con gran experiencia en la escena musical local, con actuaciones como solista e instrumentista en banda, orquesta y música de cámara. Fue supernumerario de la Orquesta Sinfónica de Caldas bajo la dirección de Leonardo Marulanda, interpretando el clarinete bajo en la Sinfonía en re menor de César Franck y en Till Eulenspiegels de Richard Strauss. Como clarinetista bajo de la Banda Municipal de Manizales, durante cuatro años, se destaca su interpretación como solista del concierto Spotlights on the Bass Clarinet del compositor holandés Jan Hadermann, en el Teatro los Fundadores de Manizales. Con el clarinete soprano se ha presentado como solista en la programación del Festival Nacional de Clarinetes de la Universidad de Caldas en el auditorio del Centro Cultural del Banco de la República de Manizales, el teatro de Confamiliares Caldas y la Catedral Basílica de Manizales, entre otros. También se ha presentado como primer clarinete con la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, la Catedral Primada de Bogotá y la Catedral de Sal de Zipaquirá. Es miembro fundador de PaloNegro, ensamble de clarinetes con percusión con el cual ha ganado diversos premios en los más prestigiosos concursos de música colombiana como el Festival de Música Andina Mono Núñez, el Festival Nacional del Pasillo Colombiano y el Festival Hatoviejo Cotrafa - Música Andina y Llanera Colombianas. Graduado como Maestro en Música en la Universidad de Caldas bajo la tutoría de Hernán Darío Gutiérrez, Guillermo Marín, Fredy Pinzón y Jairo Cifuentes, ha recibido clases también con destacados clarinetistas colombianos como José Gómez, Andrés Ramírez, Mauricio Murcia, Gonzalo Quintero, y Foto: Laura Catalina Valencia Ángel 3 maestros reconocidos a nivel mundial como Juan Ferrer, Roeland Hendrikx, Robert DiLutis, Jorge Montilla, Valdemar Rodríguez y Jèrôme Voisin. Actuó como clarinetista jefe de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá. Raúl Mesa, piano Es profesor asociado de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá, donde se desempeña como docente de piano y pianista colaborador. Ha sido coordinador del área de piano y de acompañamiento y director asistente de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música de la misma institución. Como músico de cámara es fundador e integrante del Dúo Rachmaninoff, Dúo Debussy y Trío Bartók. Con dichos ensambles ha participado en festivales internacionales en Colombia, Venezuela, Costa Rica y Estados Unidos. Con el Dúo Debussy grabó el álbum Contrastes. Ha actuado como solista bajo la batuta de su padre, Fabio Mesa, con la Banda Sinfónica de Vientos de Boyacá. También ha sido solista y músico de cámara con la Bogotá Chamber Orchestra. Ganó el primer premio en el Concurso Nacional de Piano de Bucaramanga en 2003 y al año siguiente representó a Colombia en el Festival Internacional de Piano de la Universidad Industrial de Santander y tocó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Obtuvo su título de Magíster en Música de Duquesne University en Pittsburgh (EE. UU.) donde estudió con David Allen Wehr y Natasha Snitkovsky. Culminó sus estudios de Maestría en Dirección Sinfónica en la Universidad Nacional de Colombia bajo la guía de Guerassim Voronkov. Es Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Ha dirigido la Orquesta Juvenil de la Fundación Unimúsica, la Orquesta Sinfónica de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Tolima y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente ha actuado como solista y director invitado de la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. Foto: Andrea López 4 PROGRAMA Deepwood (1937) DAVID BENNETT (1892-1990) Para clarinete bajo y piano Zebus (2012) JOHAN FAVOREEL (n. 1957) Para clarinete bajo y piano Pascaliana I (1991) I II III FRANCISCO ZUMAQUÉ (n. 1945) Original para flauta sola Adaptación para clarinete bajo del compositor Lied (1921) FRANÇOIS RASSE (1873-1955) Para clarinete bajo y piano Ballade (1958) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Para clarinete bajo y piano INTERMEDIO The Cape Cod Files (2009) Benny @100 Bandoneón Lecuonerías Chiquita Blues PAQUITO D’RIVERA (n. 1948) Para clarinete soprano y piano Trópico (2018) MAURICIO MURCIA BEDOYA (n. 1976) Para clarinete bajo 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo El sonido del clarinete nos es tan familiar que a veces puede pasar desapercibido. ‘Lucho’ Bermúdez lo utilizó para viajar por el mundo con el Caribe colombiano; también fue compañero de Benny Goodman, Sidney Bechet, Artie Shaw y sus big bands, y el imaginario hollywoodense en su era de oro sobre Oriente no existiría sin el timbre de este aerófono de madera. Sin embargo, su contraparte más grave ha sido constantemente ignorada, como suele hacerse con las contrapartes graves de casi todas las familias de instrumentos: el fagot, el contrabajo, la tuba; todos, aunque la mayoría del tiempo brindan una profundidad y un piso que difícilmente se puede lograr de otra manera, suelen ser hechos a un lado, y su debut como instrumentos solistas es relativamente reciente. El clarinete bajo no es la excepción y, aunque sus virtudes son innegables y muchos las han resaltado, aún no entra en el mainstream de los instrumentos sinfónicos. Una descripción del temprano siglo xix nos muestra la percepción de su sonido en el Romanticismo: Con respecto a su tono, hay algo peculiar, conmovedor; es cercano al del basset horn [clarinete tenor/corno di basseto], pero es un tono mucho más amable, lleno y fuerte, y, como instrumento bajo solista, excede incluso al fagot […]. En comparación con el clarinete en si bemol y el clarinete tenor o el clarinete alto, es como el violonchelo comparado con el violín y la viola, y hace que el cuarteto de clarinetes esté completo (…)1 (Hens, 2013). En este instrumento podemos ver el reflejo de varias historias, en las que fue ese personaje discreto, modesto, secundario, pero sin el cual la narración habría quedado incompleta, sin color, sin matices. Cuando ya llevaba algunos años de tradición, vio y acompañó el nacimiento de un género que no ha parado desde entonces: el jazz. Jelly Roll Morton lo utilizó en los albores de este nuevo y polémico estilo que nació en el sur de los Estados Unidos, pero cuyas raíces llegan hasta África y Europa. Cab Calloway lo utilizó también para distraer a las cansadas mentes que en el día podían únicamente sumirse en los 1 With regard to his tone, it has something peculiar, poignant; it is closest to that of the Basset Horn, but it has a much lovelier, fuller and stronger tone, and as a bass and solo instrument it exceeds even the Bassoon [...]. In comparison to the B¬flat clarinet and the Basset Horn or the Alto Clarinet, it is like the Cello in comparison to the Violin and Viola and makes the Clarinet quartet complete (…). (Traducción al español de Daniela Peña Jaramillo). 6 duros efectos de la Gran Depresión, y Duke Ellington se valió de su timbre para dibujar sus composiciones y enriquecer la paleta de sonidos que hizo que sus bandas pudieran llegar a un nivel de expresión difícilmente equiparable. Pero, como dijimos, su historia tenía ya algunos siglos, y otro de los lugares que lo acogió, además de las bandas militares, fue un género que, al igual que el jazz, nunca nos abandonó desde su nacimiento: la ópera. Les Huguenots, que Giacomo Meyerbeer dio a conocer en 1836, fue la primera obra de este tipo en incluir al instrumento con casi todas las características con que se le conoce actualmente, y a partir de ese momento, compositores como Giuseppe Verdi y Richard Wagner se valieron de él para que hiciera parte del drama musical. Además, el siglo xix vio el renacer de estos instrumentos marginados como fuentes tímbricas de expresión: la tuba, el fagot, el contrabajo ya no estarían atrás; tendrían una voz, muchas voces, y los compositores celebrarían sus cualidades expresivas. Basta con evocar cinco de las notas más esperadas por los entusiastas del ballet que, con un dueto inusual — celesta y clarinete bajo —, acompañan la Danza del hada de azúcar en El cascanueces, de Piotr Illich Tchaikovsky. Este clarinete también lo utilizó Igor Stravinsky en La consagración de la primavera; fue testigo de las andanzas del Don Quijote de Richard Strauss; ayudó a Mickey Mouse a deshacer el hechizo en El aprendiz de brujo de Paul Dukas, y Dmitri Shostakovich se valió de él para sonorizar la guerra en la Sinfonía No. 8. En fin, no cabe duda de las extensísimas posibilidades que este instrumento tiene para narrar historias. Jesús David Moreno nos ofrece hoy un viaje aparentemente imposible: de New Orleans a Broadway; de regreso a la Grecia clásica; saltando al París de la Belle Époque; aterrizando por un momento en Cuba, para luego retornar al lugar de donde partimos: Colombia. Todo esto, de la mano de David Bennett, Johan Favoreel, François Rasse, Eugène Bozza, Paquito D’Rivera, Francisco Zumaqué y Mauricio Murcia. Para comenzar, una pregunta improbable: ¿qué tienen que ver Lester Paul, el creador de la mítica guitarra Les Paul, con el chalumeau? En principio, nada, pero David Bennett (1892-1990) podría darnos una respuesta. El chalumeau es un ancestro del clarinete, y su nombre hace referencia al cálamo o caña con que se produce el sonido; su uso se remonta al siglo xviii y, como era usual en ese entonces, solía aparecer en consort, esto es, en un ensamble conformado por instrumentos de distintos tamaños y de la misma familia. Por otro lado, Lester Paul, uno de los guitarristas más nombrados en la historia del jazz, realizó una de las grabaciones más populares del que luego sería un standard: Bye Bye Blues, junto con su entonces esposa, Mary Ford; la composición es 7 de Fred Hamm, Bert Lown, Chauncey Gray y ‘Dave’ Benett, autor, a su vez, de Deepwood, original para clarinete bajo. Acá comienza nuestro viaje, que, a partir de múltiples voces, tempi y patrones rítmicos, nos lleva de New Orleans a Broadway y nos recuerda a Tin Pan Alley, aquella calle, aquel espacio en el que los mundos del teatro musical y el jazz confluyeron. La obra, que fue la primera para clarinete bajo solista publicada por un compositor norteamericano, se enmarca no obstante en la necesidad de crear repertorio que se meciera entre lo didáctico y lo artístico, para los estudiantes pertenecientes a la fuerte tradición de bandas en las escuelas públicas en Estados Unidos. Johan Favoreel (n. 1957) es un compositor flamenco que, además de trabajar en la radio belga, escribe para orquesta, coro y ensambles de cámara para vientos, entre otros. Su instrumento favorito es, desde luego, el clarinete, y para este escribió Zebus, una miniatura que describe una acción sin acción: la faceta más holgazana del dios de dioses del Olimpo; un momento de hedonismo en que el vino y el sol se unen para mostrar el matiz perezoso del espíritu de Zeus, cuyo masivo cuerpo es vencido por el cansancio, que le impide levantarse a pesar de ser seducido brevemente por una fiesta frenética, representada por un tempo rápido interrumpido por la pesadez inicial, y protagonista, más que el dios, de este cuasi aforismo musical. La Ballade fue escrita por Eugène Bozza (1905-1991), ganador del celebrado Prix de Rome, de la Légion d’honneur, y director del Théâtre National de l’Opéra-Comique. Este compositor es conocido actualmente por su música para maderas y vientos, y el clarinete bajo no podía quedarse por fuera. Haciendo honor a su nombre (desde el Medioevo, la balada alguna vez fue el hogar del músico ambulante que viajaba con sus historias entre la ciudad y el campo), la Ballade nos narra en esta ocasión varios episodios, con distintas voces, diversos personajes y múltiples escenarios. La interpretación queda a discreción del oyente, pero lo que sí queda claro es que, en un solo lugar —en esta pieza—, que es una de las más tempranas escritas para el clarinete bajo como instrumento solista, convergen una fuga al estilo de Johann Sebastian Bach, una especie de tarantela y un lied, ese género que, al igual que la balada, narraba historias, frecuentemente fatales, y que, paradójicamente, no necesitaba siempre de palabras para lograrlo. El lied, término alemán que traduce ‘canción’, lo escogió igualmente François Rasse (1873-1955) para darle voz al bajo de la familia del clarinete. La obra da cuenta de la forma más pura de este género, que acompañó tanto los salones domésticos como las tertulias intelectuales en la primera mitad del siglo xix. Así como lo hicieron Robert Schumann, Clara Schumann y 8 Franz Schubert, que con el ensamble voz y piano eran capaces de representar el diálogo entre la muerte y una doncella, el dolor de un padre por la muerte de su hijo y la apacible partida de un amante en brazos de un río, el lied de este compositor flamenco logra captar el espíritu de su cuna y, con un solo instrumento acompañado por el piano, pasa por la voz de diversos personajes que hablan sin palabras. Paquito D’Rivera (n. 1948) es conocido principalmente por su faceta como saxofonista y como integrante, junto con ‘Chucho’ Valdés, del grupo Irakere, cuyo encasillamiento en la categoría de latin jazz queda ciertamente corto para todo lo que ha logrado este ensamble a lo largo de su historia. El compositor cubano, un acérrimo opositor del gobierno de Fidel Castro, partió de la isla y, como muchos, se instaló en los Estados Unidos, en donde se reunió con la música que le había enseñado su padre, esa de Benny Goodman, Duke Ellington y las grandes bandas de la década de 1930. The Cape Cod Files fue compuesta en 2009 para el trigésimo aniversario del festival de música de Cape Cod en Massachusetts. En esta, cuatro homenajes se dan cita: Benny @100, que conmemora el centenario del llamado rey del swing; Bandoneón que, por medio de una milonga, celebra a ese otro aerófono narrador de historias en el Mar del Plata; Lecuonerías, que es una colección de improvisaciones sobre algunos temas del también cubano Ernesto Lecuona, y, finalmente, Chiquita Blues, que pone a hablar al danzón cubano en clave atonal y está basada en la novela de Antonio Orlando Rodríguez titulada Chiquita, una biografía imaginaria que narra la vida de Espiridiona Cenda, una actriz que, a pesar de su estatura improbable de 65 centímetros, logra abrirse paso en la Nueva York del siglo xix. Homenaje es también la Pascaliana I. Fue escrita para Pascal Zumaqué, hijo de Francisco Zumaqué (n. 1945) —la voz del Caribe e hijo de otro Francisco, quien fuera director de Los Macumberos del Sinú—. Aunque la obra de Zumaqué es siempre directa en sus mensajes de unión, de fusión, de diálogo entre geografías, tradiciones, sonidos y contextos, en principio distantes, esta obra condensa perfectamente uno de los medios por los que el lenguaje del compositor le habla al oyente, y tal vez el eco de su maestra, Nadia Boulanger, que siempre impulsó a sus alumnos a encontrar sus propias voces, muchas veces a través de la tradición y la innovación; el pasado y el presente. La Pascaliana I explora las posibilidades tímbricas del instrumento, al tiempo que es vocera de los ritmos caribeños colombianos: habla en varios idiomas y se hace entender incluso de quienes no conocen alguno de ellos. 9 Finalmente nos encontramos con Mauricio Murcia Bedoya (n. 1976), clarinetista, compositor, arreglista y docente universitario que, al igual que hicieron alguna vez el ya citado ‘Lucho’ Bermúdez y Zumaqué, ha querido, por medio de su obra, hacer viajar las tradiciones musicales colombianas por el mundo. Sus piezas son apreciadas en su país de origen y sus alumnos se han encargado de hacerlas parte de las nuevas generaciones; sin embargo, los extranjeros también se han visto atraídos por las sonoridades y los juegos rítmicos presentes en las obras del vallecaucano. Trópico es un ejemplo de esto, pues fue encargada por un clarinetista italiano, amigo de compositor, que necesitaba una pieza libre con acompañamiento de piano, para presentar en un festival. En palabras del compositor, «la idea es tener una pieza tranquila, con mucho ritmo, mucha síncopa, pues da la casualidad de que muchas cosas que he escrito tienden a sentirse muy bailables, sobre todo para el público extranjero»2 (Murcia, 2022). Referencias Hens, B. (2013). Piecen für Bassklarinette. Dreyer Gaido Musikproduktionen. Murcia, M. (2022). Comunicación virtual con el compositor. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica bajo la dirección de César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios Musicales de la Universidad Central, dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente participa continuamente con el Ensamble Barroco de Bogotá y es candidata al título de Doctora en Historia del Arte y Musicología del Departamento de Arte y Musicología de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) con una tesis sobre las intabulaciones para laúd del primer libro de Vincenzo Galilei. 2 Comunicación virtual con el compositor. Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea