Por:
|
Fecha:
11/02/2022
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
Estreno: domingo 27 de febrero de 2022 · 11:00 a.m.
TRES PALOS ENSAMBLE
(Colombia)
trío de maderas
Foto: Paola Enciso
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
@SaladeConciertosLuisAngelArango
@BanrepculturalBucaramanga
Banrepcultural
TOME NOTA
Para conectarse a los recitales que hacen parte de
la Temporada Nacional de Conciertos del Banco
de la República 2022, siga el canal de YouTube
Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda!
Aproveche este espacio para disfrutar la música
desde de su casa. Solo o en familia, organice un
espacio que le permita apreciar al máximo esta
experiencia, prepare la tecnología que tenga a
la mano para visualizar el concierto, revise los
parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa
en el que se sienta cómodo para vivir el concierto.
Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de
asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se
vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras
actividades, apague el teléfono, entréguese a la
música y ¡disfrute del momento!
Aproveche que está en casa, prepárese antes del
concierto una bebida caliente o fría y, si tiene frío
o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador.
Asegúrese de tener a la mano los elementos que
necesita o con los que se siente cómodo, evite las
distracciones y entréguese a la experiencia.
A lo largo de este programa de mano encontrará
hipervínculos que le permitirán conocer más
de cerca a los artistas, así como acceder más
fácilmente a contenidos relacionados con el
concierto o con la programación musical del Banco.
Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces.
Respetemos juntos los derechos de autor de los
compositores e intérpretes. Le agradecemos no
grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas
como la obra y su interpretación están sujetos a
licencias y autorizaciones de emisión.
Siga conectado a las la programación cultural
que ofrece el Banco de la República. Ingrese a
www.banrepcultural.org y entérese de las
actividades programadas.
Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes
de información, peticiones, quejas, reclamos,
sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos
de corrupción. Para comunicarse con nosotros
haga uso de los recursos virtuales de atención al
ciudadano, que puede ser a través del portal de
servicio al ciudadano del Banco de la República o del
correo electrónico [email protected]
CONÉCTESE
RODÉESE DE SILENCIO
CONOZCA MÁS
PROGRÁMESE
OPINE
PÓNGASE CÓMODO
PROTEJA A LOS ARTISTAS
PREPÁRESE
1
ACERCA DEL ENSAMBLE
TRES PALOS ENSAMBLE, trío de maderas
Tres Palos Ensamble es una agrupación fundada en 2009 por Viviana Salcedo
(oboe), Luz Helena Sarmiento (clarinete) y Faber Cardozo (fagot), con el
objetivo de explorar y difundir el repertorio para este formato y abrir espacios
para dar a conocer las cualidades sonoras y técnicas de los instrumentos de
caña.
En 2012 sus integrantes viajaron a adelantar estudios de posgrado en
Estados Unidos e Inglaterra. En 2016 se reunieron nuevamente para retomar
actividades, en esta ocasión, junto al clarinetista José Gómez; desde entonces
han venido realizando conciertos en las salas más importantes del país e
invitando constantemente a compositores y arreglistas que deseen unirse a
este proyecto para así explorar nuevas sonoridades, ampliar el repertorio para
este formato, y difundir la música colombiana y latinoamericana.
En 2010, Tres Palos Ensamble fue ganador del Programa Distrital de
Estímulos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en la convocatoria destinada
a grupos de cámara. En 2011, sus integrantes participaron como becarios del
Festival Internacional de Música Clásica de Cartagena y fueron seleccionados
Foto: Paola Enciso
2
Conozca más acerca de Tres Palos Ensamble
para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República.
En 2019, el ensamble fue invitado al Festival de Música de Cámara de Los
Cabos (México). Dos años más tarde, en 2021, Tres Palos Ensamble fue
ganador del Premio Grupos de Cámara, concurso organizado por la Orquesta
Filarmónica de Bogotá.
Paralelamente a las actividades del ensamble, sus integrantes se
desempeñan como músicos invitados y de planta de la Orquesta Sinfónica
Nacional de Colombia, Orquesta Filarmónica de Bogotá, Orquesta Nueva
Filarmonía y de la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO).
Además, desarrollan una importante labor pedagógica como profesores de
la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad Nacional de Colombia,
la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la Universidad Central de
Bogotá y la Universidad de Cundinamarca.
3
Trivium (2021)
Allegro
Moderato
Allegro
JORGE HUMBERTO PINZÓN (n. 1968)
Tres danzas colombianas para oboe,
clarinete y fagot, Op. 4a (2018)
Champeta
Aire andino
Puya vallenata
LUDSEN MARTINUS (n. 1999)
Cuatro piezas breves para trío de cañas
(2013-2019)
Allegro
Moderato
Andante
Allegro vivace
FABER CARDOZO (n. 1989)
En La Pradera (2021) JUAN GUILLERMO VILLARREAL (n. 1985)
Pajirillo (2020) FABER CARDOZO
PROGRAMA
4
SOBRE EL PROGRAMA
Por Jaime Ramírez Castilla
En Francia, desde el siglo XIX, la música de cámara para vientos favoreció
de manera especial al trío de cañas conformado por el oboe, el clarinete y el
fagot. Paralelamente al reconocimiento que logró el cuarteto de cuerdas en
Austria, el trio d’anches (trío de cañas) se estableció en Francia con una fuerza
especial, despertando la fascinación y curiosidad tanto de compositores, como
de intérpretes y audiencias. Por más de ciento cincuenta años, el repertorio
de cámara para este tipo de instrumentos de viento ha sido estandarte de la
tradición francesa. Colombia, por otro lado, se ha caracterizado por ser un país
donde la tradición musical acoge la música para vientos de forma entrañable.
En particular, las bandas sinfónicas del país han sido un elemento central de la
cultura de muchas regiones y la cuna de un listado interminable de virtuosos
instrumentistas que han logrado consolidar carreras profesionales de manera
ejemplar. Paradójicamente, la música de cámara para vientos en Colombia
sigue recurriendo a los repertorios europeos del siglo XIX.
Uno de los elementos más importantes de la propuesta de este concierto es
la variedad de exploraciones estéticas que cubren la influencia de las tradiciones
musicales colombianas y su relación con un lenguaje más universal. La
selección de las obras reunidas en este programa –muchas de ellas estrenadas
en este concierto– son una invitación a los creadores a renovar la búsqueda de
repertorios mediante nuevas composiciones colombianas, abriendo la puerta
a las generaciones venideras que encontrarán la oportunidad de abordar y
construir una nueva identidad patrimonial por medio de la música de cámara
para vientos.
Trivium
La obra que abre este concierto pertenece a uno de los más prolíficos y
versátiles compositores colombianos, cuyo repertorio ha mantenido una
permanente recurrencia en la programación de diversas salas de concierto
tanto en Colombia como a nivel internacional. El lenguaje compositivo
de Jorge Humberto Pinzón (n. 1968) se caracteriza por su amplitud de
referentes estéticos, en los que convergen diversos elementos tanto de la
vanguardia académica como de diferentes tradiciones musicales. La estética
proyectada por Pinzón delata su formación musical cosmopolita; sus obras
5
logran despertar en las audiencias una sensación de cercanía y remembranza
mediante un lenguaje dinámicamente ecléctico, dado por un manejo muy
preciso y depurado de una amplia selección de técnicas de composición.
Para este concierto, Tres Palos Ensamble comisionó la obra a Pinzón,
quien trabajó de manera inmediata en su composición y acompañó a la
agrupación durante su montaje. Por medio de esta colaboración entre
compositor e intérpretes, la obra propone una cuidadosa exploración de la
sonoridad del ensamble, en la que la tesitura de cada instrumento se aprovecha
al máximo. Adicionalmente, a través de cada movimiento, el compositor logra
balancear las funciones de cada instrumento; a medida que avanza la obra,
el protagonismo es alternado fluidamente entre los miembros del ensamble,
permitiendo que diversos elementos melódicos generen un interesante tejido
armónico que sostiene la composición.
Para acompañar el estreno de esta obra, el compositor ha proporcionado el
siguiente texto, en el que presenta algunos elementos que fueron determinantes
en la construcción de la pieza, al tiempo que explica el origen de su título:
Trivium [es] una ofrenda musical en homenaje a las artes liberales que durante
la Edad Media fueron las ramas principales del conocimiento impartidas en las
escuelas de la época, y tenían el propósito de instruir al hombre hacia la libertad de
pensamiento. Están contenidas en dos grupos, uno conocido como trivium, en el cual
se incluían la gramática, la retórica y la dialéctica; y otro grupo llamado quadrivium,
que contenía la aritmética, la geometría, la astronomía y la música.
La obra contiene tres partes: Allegro – Moderato – Allegro, en las cuales se
establece un material escalístico de superposición microestructural organizado
dentro de una textura polifónica multitemática de características contrastantes a nivel
melódico y armónico. El propósito es destacar las cualidades propias de cada uno de
los instrumentos en cuanto a su diversidad tímbrica1.
Tres danzas colombianas para oboe, clarinete y fagot, Op. 4a
El interés por la composición ha sido una constante presente en la trayectoria
de Ludsen Martinus (n. 1999). A medida que profundizaba sus estudios como
instrumentista y director, el análisis de repertorios cada vez más amplios nutría
de reflexiones estéticas a Martinus, inspirándolo para canalizar su energía
creativa de manera particularmente prolífica. En la consolidación de su propio
lenguaje como compositor, Martinus delata una evidente preferencia por la
claridad formal inspirada en los compositores clásicos; asimismo, sucumbe
ante la fascinación por la estridencia de algunos compositores contemporáneos
1 Esta introducción a la obra ha sido generosamente enviada por el compositor para este programa.
6
y por aquellos nacionalistas latinoamericanos que han incorporado elementos
de sus tradiciones musicales a propuestas abiertamente vanguardistas. En la
actualidad, Martinus ha centrado su exploración musical en la influencia de
las músicas de la región Caribe colombiana, aunque con algunas incursiones
a otras tradiciones musicales del interior. En palabras del compositor, «(…)
la música le permite contar historias de manera sincrética con el Caribe
colombiano». Esta perspectiva renovadora sobre sinergia entre la vanguardia
y la tradición musical le ha permitido a Martinus producir varias obras de gran
aceptación en los escenarios de conciertos más reconocidos del país2.
La aproximación a las tradiciones colombianas y en particular al Caribe
es evidente en la suite de Tres danzas colombianas para oboe, clarinete y fagot
Op. 4a. Esta obra es una versión para trío de cañas que Martinus adaptó a
partir de una obra originalmente compuesta para quinteto de vientos (Op. 4),
realizada en 2018 para su clase de composición con Jorge Humberto Pinzón
en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia.
La obra se organiza en tres movimientos que aluden, cada uno, a un
estilo particular. El primer movimiento es una champeta caracterizada por el
ostinato rítmico del clarinete reforzado por los acentos del fagot. Sobre esta
‘clave’ rítmica, el oboe desarrolla un papel más protagónico con una melodía
que gradualmente se entreteje con el fagot. El segundo movimiento, Aire
andino, está inspirado en los cambios de métrica propios del bambuco; en
este movimiento la armonía es más densa y cada instrumento intercambia sus
ideas melódicas, las cuales están construidas con valores más largos y fluidos.
El movimiento final es una puya vallenata pensada como un eufórico cierre
para toda la obra; la complejidad técnica de este movimiento está inspirada
en el virtuosismo de los acordeoneros vallenatos, quienes en los momentos
climáticos de sus solos instrumentales logran exponer melodías generadas por
diferentes capas rítmicas presentadas en registros contrastantes del acordeón.
Cuatro piezas breves para trío de cañas
Faber Cardozo (n. 1989) ha logrado desarrollar una exitosa carrera como
fagotista; adicionalmente, su actividad como instrumentista se ha enriquecido
mediante la docencia y la composición. Desde sus años de formación inicial
en Ibagué, Cardozo ha mantenido un interés constante por la teoría musical y
2 Para conocer más sobre la actividad de Ludsen Martinus como compositor y director, el lector
puede acceder a su canal https://youtube.com/c/LudsenMartinus, a la plataforma https://
soundcloud.com/ludsen-martinus o a su perfil https://instagram.com/ludsenmartinus?utm_
medium=copy_link
7
la composición; dicho interés le ha permitido desarrollar una postura reflexiva
sobre su actividad musical y lo ha dotado de una gran versatilidad artística.
Parte considerable de sus composiciones aborda diferentes aproximaciones a
la música para vientos y, de manera particular, ha logrado renovar y enriquecer
el repertorio para fagot. En sus obras, Cardozo ha conseguido explorar
diversos estilos y tradiciones musicales, generando así una fuente de referencia
e inspiración que con seguridad seguirá creciendo al pasar de los años. Gracias
a su relación con Tres Palos Ensamble, Cardozo conoce las capacidades
sonoras del trío de cañas. Sus obras decantan un proceso de reflexión íntima
con el ensamble favoreciendo nuevos repertorios canalizados, que se deben a
la versatilidad propia de su lenguaje.
Las Cuatro piezas breves para trío de cañas atestiguan, de una forma muy
especial, el proceso del fagotista en su relación con el ensamble a lo largo de
los años. Si bien las cuatro obras están relacionadas orgánicamente y entre
sus diferentes movimientos se encuentran elementos armónicos, melódicos
y rítmicos que las conectan en un discurso más amplio, la obra en su totalidad
no fue escrita durante el mismo lapso. Por el contrario, sus movimientos fueros
compuestos en diversos momentos y con inspiraciones iniciales relativamente
distantes; en cuanto estas obras se iban integrando al repertorio del ensamble,
fueron afianzando una conexión más estrecha dentro de un discurso continuo
y fluido entre cada movimiento.
El primer movimiento, Allegro, fue compuesto en 2013 como un bosquejo
inicial que Cardozo escribió para sus clases de composición con Gustavo Parra
en la Universidad Nacional de Colombia; para ese entonces este movimiento
se titulaba A tres en forma de pregunta. Posteriormente, en 2018, Cardozo
implementó otros cambios a la obra proporcionando diversos solos para el
fagot, así como nuevos efectos tímbricos en las partes del clarinete. Desde el
momento en que este movimiento se incorporó al repertorio del ensamble,
recibió una respuesta muy positiva por parte de las audiencias constantemente;
esta aceptación fue una invitación para seguir la composición mediante un
discurso más amplio. La continuación de esta obra se articuló con una serie
de composiciones que Faber desarrolló durante sus estudios de posgrado en
la Universidad de los Andes entre 2018 y 2019.
El segundo movimiento, Moderato, está concebido como una marcha y
fue compuesto en 2018 por Cardozo como una reflexión sobre las marchas
que caracterizaron los diversos eventos sociales en Bogotá a finales de ese
año. Esta marcha se caracteriza por una sonoridad más áspera, y una armonía
fuerte y angular; al mismo tiempo, Cardozo explora los timbres del oboe y
8
del clarinete mediante una textura organizada en diálogos de células rítmicas.
Adicionalmente, la obra delata una influencia del jazz por medio de diversos
motivos presentes en la línea del fagot. Finalmente, sobre este tejido de
relaciones rítmicas, el clarinete presenta algunas intervenciones tímbricas en
las que parecen resonar memorias de algunos juegos de video.
El Andante fue concebido como una elegía a la memoria de Leonardo
Guevara, quien fue el fagotista principal de la Orquesta Sinfónica de Colombia
y con quien compartió diversos momentos sobre el escenario desde 2012.
Esta elegía abre con un solo de fagot y gradualmente entran el clarinete y el
oboe proyectando una armonía más oscura e intensa. La sonoridad general
del movimiento se caracteriza por un doloroso sentimiento de melancolía.
El movimiento final, Allegro vivace, cierra la obra delatando la influencia
del estilo de Heitor Villa-Lobos. En esta obra, Cardozo genera una sonoridad
gruesa y rudimentaria, en la que se permiten identificar diversos efectos que
emulan los sonidos de la selva. Los contrastes rítmicos de este movimiento
se alternan con sensaciones de acentos rítmicos que parecen desfasar la
regularidad de la métrica para desembocar en un final caracterizado por
unísonos entre los tres instrumentos que poco a poco se abren para concluir
la obra de manera brillante.
En La Pradera
Juan Guillermo Villarreal (n. 1985) es un talentoso músico nacido en Cereté
(Córdoba) quien, a lo largo de su trayectoria profesional, ha comulgado con
igual destreza tanto con las tradiciones de la música académica, como con
aquellas de la música popular. Luego de haber finalizado su formación como
pianista en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, continuó sus
estudios de posgrado como compositor logrando cristalizar una estética
musical propia hacia diferentes géneros y formatos instrumentales. En la
actualidad, Villarreal ha consolidado diversas propuestas musicales que
incursionan no solo en la música académica, sino en el jazz, el latin jazz, la
salsa y diversas músicas de la tradición colombiana. Como compositor ha
logrado una vasta aceptación gracias a sus obras para banda sinfónica, así como
para diversos ensambles de cámara3.
3 Para conocer más sobre la trayectoria artística de Juan Guillermo Villarreal el lector puede
acceder a su sitio web https://juanvillarreal.co, a su canal https://www.youtube.com/c/
JuanGuillermoVillarrealSolar o a su perfil artístico disponible en las diferentes plataformas
musicales como https://songwhip.com/juan-guillermo-villarreal-solar
9
Aunque Villarreal nació en Cereté, su familia se estableció en Montería; y
vivió sus años de infancia en un reconocido barrio de esa ciudad llamado La
Pradera. Luego de residir en Bogotá por más de veinte años, Villarreal regresó
brevemente a su casa paterna. De regreso en La Pradera, los recuerdos de
una infancia lejana se conjugaron con nuevas perspectivas enriquecidas por
los cambios de las urbanizaciones de la zona. Algo que llamó la atención del
compositor fue el hecho de que en cada casa de este barrio se escuchaba un
tipo de música diferente, y debido a la cercanía de las casas, los contrastes entre
los estilos escuchados y la intensidad con la que en cada casa se reproducía
la música, los habitantes del barrio quedaban absortos en una cacofonía
constante de estilos musicales.
Villarreal implementó la superposición de ideas musicales como uno de
los elementos determinantes en la construcción de su obra En La Pradera.
Emulando la sensación de estar rodeado por diversas ideas musicales
simultáneas, en las que la atención del oyente puede estar fluctuantemente
dominada por ciertos elementos que parecen controlar de forma breve la
masa sonora hasta desembocar en otra combinación con una pulsación
particularmente orgánica y contrastante, Villarreal organizó un discurso
musical en el que cada elemento del ensamble se superpone a los elementos
de los instrumentos circundantes hasta lograr transformarse gradualmente.
Aunado a esta idea de superposición textural, Villarreal también encontró que
en algunas de las casas de sus vecinos en La Pradera se escuchaban selecciones
de champeta y sukus, los cuales empleaban motivos rítmicos reiterativos
conocidos como ‘sebenes’.
Todas estas características desembocaron en la obra, que se desenvuelve en
forma de arco a través de la superposición de texturas generadas por elementos
que son gradualmente imitados por cada instrumento, desarrollando
variaciones rítmicas de estas células motívicas basadas en los ‘sebenes’
propios del sukus. Los materiales, que inicialmente se presentan de manera
independiente por cada instrumento, convergen progresivamente sobre un
tejido rítmico que desemboca en sonoridades muy coordinadas. Los cambios
entre las diversas secciones de la obra se caracterizan por los contrastes
entre las dinámicas, los efectos tímbricos y las múltiples relaciones rítmicas
generadas por las variaciones de las articulaciones de cada instrumento.
La obra cierra con una coda que recupera de forma gradual la energía y la
dinámica por medio de imitaciones de los motivos cortos para cerrar con un
desvanecimiento sorpresivo de la masa sonora.
10
Pajirillo
Si bien la primera obra de Faber Cardozo presentada en este programa explora
la relación de diversas aproximaciones más cercanas a la música académica
de vanguardia, en Pajirillo el compositor evidencia la influencia de la música
tradicional llanera. El título de la obra, Pajirillo en lugar de ‘Pajarillo’, mantiene
la relación con el golpe rítmico tradicional de la música llanera identificado
con el término ‘pajarillo’, pero también implica un cambio por parte del autor.
Así las cosas, el fagotista define desde el título que la obra es una aproximación
muy personal en la que emula la influencia de la música tradicional llanera,
desde su propia perspectiva.
Pajirillo está cargada de remembranzas de los sonidos de la naturaleza
entrelazados con nostálgicos recuerdos de un estilo musical entrañable.
La obra se caracteriza por diversas relaciones tímbricas en las que cada
instrumento emula diferentes sonidos propios de la cultura llanera. Como
ya se mencionó, a lo largo de la obra hay referencias al canto de los pájaros,
así como a los ‘llamados’ de los cantantes llaneros y los efectos rítmicos que
el arpa y la bandola tradicionalmente ejecutan en este estilo musical. La
exploración tímbrica progresa a través de la obra hasta llegar a su sección de
cierre, momento en el que los intérpretes deben zapatear sobre el escenario
emulando los ritmos llaneros tradicionales. Las exigencias técnicas de la
obra para explorar una amplia gama de efectos tímbricos y rítmicos hacen de
Pajirillo una obra altamente virtuosa y exigente para los intérpretes.
Jaime Ramírez inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano
de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana
como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, donde
combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En
2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati,
como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado.
En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente,
se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia.
En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de
cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como
contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios
proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República
como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y
producciones discográficas, entre otras funciones.
11
BETTY GARCÉS, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra
TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
Consulte toda la programación en
www.banrepcultural.org/actividad-musical
