Juan Carlos Higuita, violín Juan Carlos Higuita es un destacado violinista colombiano, solista, músico de cámara, pedagogo y gran conocedor del repertorio latinoamericano contemporáneo, lo que le significó una nominación al Grammy Latino. Actualmente es profesor de violín y de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana. Es integrante de la Sociedad de Cámara de Bogotá y del Ensamble CG, especializado en música contemporánea. Durante nueve años fue primer violín del cuarteto Q-Arte, uno de los principales cuartetos de Latinoamérica. Con excelencia académica realizó estudios de pregrado en pedagogía instrumental en la Universidad de Música de Viena, y un pregrado y una maestría en violín concertista en el Conservatorio de la misma ciudad. Durante su permanencia en Viena, fue discípulo de Roswitha Randacher, Jusuf Karajev y Timon Hornig. Recientemente, bajo la tutoría de Richard Young, recibió el título de Magíster en música con énfasis en música de cámara de la Pontificia Universidad Javeriana. Su participación en cursos de violín barroco, violín jazz e improvisación, así como en clases magistrales y de perfeccionamiento con Herman Krebbers, Gidon Kremer, Zakhar Bron, le han permitido interpretar diversos géneros con gran versatilidad. En su trayectoria profesional, Juan Carlos ha sido invitado a actuar como solista con las orquestas más importantes de Colombia, participando como concertino o músico invitado en agrupaciones como Florilegium Musicum Wien, Orpheon Consort Wien, Orpheus Ensemble München, Tonkünstler Ensemble y City of London Sinfonia. Su gran interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con diferentes agrupaciones en distintos festivales: el Festival Internacional para Guitarra en Núrembeg (Alemania), Die Lange Nacht der Musik en Viena (Austria), el Festival de Música Antigua en Gijón (España), el Festival Internacional de Música de Cartagena (Colombia), el Chicago Latino Music Festival (EEUU), el Festival Instrumenta Oaxaca (México), entre otros. Juan Carlos Higuita ha participado como intérprete o profesor invitado en programas de diferentes teatros y universidades de Estados Unidos de América, Italia, Austria, Alemania, Francia, España, Holanda, Turquía, México, Brasil, Perú, Ecuador y Colombia. También ha realizado grabaciones para la televisión francesa, la radio de Austria y la televisión italiana. Entre sus últimas producciones discográficas se encuentra el disco Serenade, compuesto por repertorio nacionalista español; el disco Songs and Sonets, con obras de E. Toldrá junto al pianista Mac Mcclure y el disco Paisajes sonoros, con obras para violín solo. Mac McClure, piano Nació en Florida (Estados Unidos), Mac McClure es licenciado en filología de la Universidad de Carolina del Norte (Estados Unidos). Empezó sus estudios musicales con Consuelo Colomer, y continuó con Michael Zenge y Phyllis Rappeport. En 1984 se trasladó a Barcelona para estudiar con Carlota Garriga en la Academia Marshall, institución fundada en 1901 por Enrique Granados. A partir de 1991 trabajó con Alicia de Larrocha el repertorio español y clásico. Mac ha estrenado obras de Montsalvatge, Mompou, Morera, Arauco y Henze, Garriga, Llorca y Ortega. En adición del repertorio tradicional para piano y orquesta, ha interpretado obras de Del Aguila, Daugherty, Falla, Garriga, Turina y Suriñach. Entre sus más de cuarenta grabaciones en CD (disponibles en plataformas digitales como iTunes, Spotify o Amazon), se destaca la primera grabación mundial de las canciones de Isaac Albéniz y la coordinación de la grabación de la obra completa de la música de Xavier Montsalvatge. También sobresale la primera grabación mundial del Quinteto Op. 49 de Enrique Granados, que recibió excelentes críticas en Gramaphone e International Record Review. Un dato curioso: su primer CD de piano solo fue dedicado a las transcripciones para piano de música de Bach, realizadas por Liszt, Saint-Saëns y Busoni. Todas son producciones de Columna Música. Junto con Albert Moraleda, McClure fundó en 2008 el sello discográfico Klassic Cat, que ya cuenta con dieciséis títulos en el mercado. Con la Editorial Boileau, ha editado y publicado ediciones de música para piano, música vocal, y música de cámara de Joaquim Cassadó, Joan Comellas, Enrique Granados, Manuel Valls, Frederic Mompou, Isaac Albéniz y Robert Gerhard. Mac McClure actúa con frecuencia en España y Europa. Debutó en el Festival Internacional de música de Peralada, en una producción vanguardista del Barbero de Sevilla de Rossini, realizada por Carlos Santos. Ha participado en diversos festivales en España, China, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Serbia, Austria y Estados Unidos. Desde 2010 es profesor asociado en la Universidad Nacional de Colombia. En agosto de 2011 fue nombrado director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, cargo que desempeñó hasta julio de 2015. En enero de 2013 fue nombrado miembro de la junta directiva de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 2016. En 2020 actuó en los Estados Unidos, España, Escocia, Francia, Corea, Austria, Serbia, China e Italia.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 45 Estreno: jueves 16 de diciembre · 6:00 p.m. JÓVENES COMPOSITORES 2021 Q-ARTE, cuarteto de cuerdas (Colombia) Foto: Q-Arte: Carlos Lema RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @Banrepcultural Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango JÓVENES COMPOSITORES El sector cultural de un país crece, progresa y se fortalece a partir de los aportes que efectúan diferentes actores y disciplinas. El campo de la composición musical exige creatividad, innovación y constancia, y se espera que de él surjan voces artísticas y apuestas estéticas propias. Sin embargo, en el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados. El Banco de la República, en respuesta a esta necesidad, creó Jóvenes Compositores, un programa que, al igual que los encargos de obra, los conciertos retrospectivos que rinden homenaje a compositores colombianos y las producciones discográficas que surgen de estas dos últimas iniciativas, es una apuesta del Banco de la República por reconocer, apoyar y visibilizar el talento de los creadores de nuestro país. El programa Jóvenes Compositores, por medio de una convocatoria anual, busca promover el desarrollo profesional de los jóvenes creadores; los seleccionados pueden contar con la guía y el seguimiento de dos compositores colombianos con trayectoria, y compartir sus composiciones con artistas profesionales que las pongan al servicio del público por medio de un concierto. En este recital virtual que hoy nos convoca se presentan las obras de cuatro jóvenes compositores seleccionados en la primera versión de la convocatoria Jóvenes Compositores. De 54 jóvenes que se presentaron, Tomás Díaz Villegas, Marius Alexander Díaz, Danna Lorena Botero y Óscar Alejandro Parada fueron los seleccionados y, en esta ocasión, es el reconocido cuarteto de cuerdas colombiano Q-Arte quien da vida a sus productos creativos. Conoce más sobre el programa Jóvenes Compositores Síganos en 2 SOBRE LOS JÓVENES COMPOSITORES TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. Foto: Lorena Marsiglia 3 MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ-Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). Foto: ©escuelareinaofia 4 ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. Foto: Laura Catalina Serpa Lucio 5 DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Foto: Sandra Marcela Murcia Talero 6 SOBRE LA AGRUPACIÓN Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas Santiago Medina y Liz Ángela García, violines; Sandra Liliana Arango, viola; y Diego García, violonchelo El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Foto: Gabriel Castro 7 Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales. Conozca más acerca de la agrupación Cuarteto Q-Arte 8 De vuelta al terruño (2020) Inquietud Huida Coraje Añoranza TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Paisaje colombiano con narcos (2021) MARIUS ALEXANDER DÍAZ (n. 1985) (Cero)Tonina (2021) ÓSCAR ALEJANDRO PARADA (n. 1986) Vatnajökull (2021) DANNA LORENA BOTERO (n. 1998) PROGRAMA 9 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Cualquier sonido puede suceder a cualquier otro sonido, cualquier sonido puede sonar simultáneamente con cualquier otro sonido o sonidos, y cualquier grupo de sonidos puede ser seguido por cualquier otro grupo de sonidos, lo mismo que cualquier grado de tensión o matiz puede ocurrir en cualquier medio bajo cualquier tipo de acento o duración. La proyección exitosa dependerá de las condiciones contextuales y formales que prevalezcan, y de la destreza y el espíritu del compositor (Persichetti, 1961, p. 13). Este concierto, dedicado a la música contemporánea, es un aporte del Banco de la República al desarrollo y crecimiento de jóvenes compositores. Ofrece un espacio para la experimentación, donde el reto y el riesgo son bienvenidos, fomentados y celebrados. El programa incluye la guía y el seguimiento, por parte de compositores de trayectoria y, además, la oportunidad de compartir sus composiciones con artistas profesionales que las presentan al público. Cuando se asiste a un concierto de música contemporánea, más aún, a uno como este en el que las obras presentadas son estrenos, una de las preguntas naturales que aparece es ¿qué tipo o estilo de música escucharemos? Una posible respuesta la ofrecen las ideas, que encabezan estas notas, expresadas por el compositor estadounidense Vincent Persichetti (1915-1987), quien dedicó buena parte de su vida a la enseñanza. Su tratado Twentieth-Century Harmony inicia y termina con las mismas palabras, exactamente igual, con lo que el compositor llamó su ‘párrafo favorito’: una expresión nítida del punto al cual llegó el siglo pasado la música llamada académica. Las ideas de Persichetti siguen hoy vigentes cuando los compositores tienen una muy amplia gama de medios a su disposición y se orientan más hacia las relaciones con el contexto que a los problemas de la identidad personal o la innovación técnica. Las obras presentadas hoy son una muestra sensible de problemas que vivimos a nivel global o local: el cambio climático, la violencia, el desplazamiento y las dificultades de tipo psicológico. Tomás Díaz (n. 1990) nació en Manizales y es compositor, investigador y guitarrista. Actualmente, está llevando a cabo un doctorado en composición instrumental en la Universidad de Montreal. Tomás Díaz es un buen ejemplo de los avances en la educación musical en Colombia, que se transformó 10 sustancialmente en los últimos treinta años y hoy cuenta con un nivel de excelencia comparable con el ámbito internacional. El compositor habla desde su propia experiencia: Para empezar, la formación que recibí en Medellín fue sobresaliente. Los profesores están bien preparados y casi todos translucen una pasión por la enseñanza. Con cierta frecuencia, había invitados en la facultad, lo que ayudaba a formarse poco a poco una idea de cómo eran las cosas afuera. En un viaje a Estados Unidos en el 2015, comprobé que mis conocimientos musicales podían competir en el mismo nivel (Espinosa, 2020). Su obra muestra una preocupación por uno de los problemas de nuestro país: el desplazamiento como consecuencia de la violencia que nos azota desde hace décadas: De vuelta al terruño es una obra inspirada en la nostalgia que los desplazados sienten por su tierra en la distancia. El primer movimiento retrata la inquietud de quienes sufren el hostigamiento que los hace huir finalmente. La música se hila a través de continuas interrupciones e irregularidades rítmicas. El segundo movimiento plasma la huida a partir de un moto perpetuo lleno de gestos melódicos angulares y combinaciones instrumentales volátiles. A continuación, se evoca el coraje de las víctimas y su fortaleza para afrontar las vicisitudes de su periplo. La sonoridad se torna plena y vigorosa. Por último, la obra concluye con una impresión musical de la añoranza que embarga al desterrado cuando ya se ha instalado en territorios extraños. La textura, sutil y expresiva, parece flotar en medio de un mar de imbricaciones rítmicas y dinámicas. En síntesis, la obra pretende ser un recorrido imaginario por algunos de los sentimientos que suscita el desplazamiento forzado (Díaz, 2021). Marius Díaz (n. 1985), compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, nació en Bogotá, y residió y se formó como compositor en La Habana (Cuba), entre 2002 y 2015, como lo expone en entrevista reciente: Yo podría decir que aprendí a hablar primero en cubano que en colombiano […] No quiere decir que antes no hubiera estudiado o tenido vínculos con la música, pero todavía no tenía un perfil profesional de la carrera como compositor. Realmente mi obra nace en Cuba (Yllarramendiz, 2020). Díaz, afirma acerca de su obra: Paisaje colombiano con narcos es una propuesta musical donde coexisten el orden y el equilibrio con el desorden y el caos. Su intención programática es proporcionar una representación del narcotráfico en Colombia. El narco repercute de forma caótica en la actualidad del país. A través de un sistema que involucra diferentes sectores de la sociedad, condiciona nuestro desarrollo social. Este fenómeno sirve de inspiración al autor para proyectar una partitura con diferentes elementos en comunión. 11 Por un lado, la Serie de Fibonacci1 cuya aplicación se observa en diferentes ramas del pensamiento, sirve de patrón modular sobre el cual se desarrollan diferentes relaciones. Las alturas, duraciones y tensiones entre otros elementos, entran en juego con esta sucesión numérica. […] Por otra parte, el aleatorismo controlado2 funciona como elemento de ruptura, discontinuidad, indeterminabilidad y caos, donde evolucionan las dinámicas y los timbres. Se puede destacar como influencia la música del compositor cubano Leo Brouwer, particularmente su serie de paisajes y la obra del artista neerlandés Maurits Cornelius Escher3 (Díaz, 2021). Óscar Parada (n. 1986), músico guitarrista, compositor y pedagogo bogotano, cursó sus estudios de pregrado en la Universidad El Bosque. Recientemente, concluyó la Maestría en Composición en la Pontificia Universidad Javeriana. Previamente, en 2010, se graduó en la misma universidad como arquitecto. Sobre la relación entre la arquitectura y la música, presentes en su formación, el compositor indica: «mi formación como arquitecto me ha permitido nutrir mis procesos compositivos y ha influenciado la visión metódica y estructurada con la que me acerco a la composición. En arquitectura, los elementos de punto, línea, plano y volumen son básicos para crear un objeto formal, y este proceso mental me ha sido útil para conceptualizar y llevarlo a la creación musical». Su proyección como músico encuentra en la educación un rol importante: «en el ejercicio de la pedagogía he encontrado un espacio en el cual puedo nutrir mis conceptos por medio de la retroalimentación y, así mismo, compartir mi conocimiento con otras personas. Pienso que es por medio de la creatividad y la innovación que el músico deja huella. Para mí, la composición humaniza al músico» (Parada, 2021). Sus influencias en la composición tienen diferentes procedencias: «hay varios compositores de banda sonora, como Hans Zimmer, John Williams y Philip Glass. También Michael Torke, por los procesos que sigue y la influencia que tiene de la música popular. En cuanto a esta última, un compositor con el 1 La Serie de Fibonacci, para alguna mejor llamada ‘sucesión’, fue descrita en Europa por Leonardo de Pisa, matemático italiano del siglo XIII también conocido como Fibonacci. Inicia con los números 0 y 1, a partir de estos, cada término es la suma de los dos anteriores. Ej: 0,1,1,2,3,5,8,13, etc. 2 La música aleatoria nace en 1950. Es un método de composición que utiliza el azar como principio constructivo, por tanto, la improvisación tiene un rol principal. El término aleatorio viene del latín alea (dados). En el aleatorismo controlado el compositor establece para sus obras una serie de elementos y deja al intérprete la posibilidad de elegir entre diferentes posibilidades interpretativas. 3 La obra de Escher contiene planteamientos paradójicos como los que se dan en la convivencia simultánea, aparentemente imposible pero real, de conceptos antagónicos como dentro-fuera, cóncavo-convexo y arriba-abajo. 12 que crecí: Gustavo Cerati, quién experimentó en varios campos de la música y también compuso para películas» (Parada, 2021). (Cero)Tonina es una obra que se inspira en el trastorno de ansiedad que se manifiesta por una deficiencia de serotonina. La estilización del título pretende por medio de la homofonía hacer referencia al número cero como símbolo de la disminución de serotonina en el sistema nervioso. En el cuarteto se contraponen dos planos, uno que llamo plano lírico contra otro que llamo plano mecánico. Las características de cada uno de éstos se enfrentan para generar disonancias e inestabilidad, representando el concepto de la ansiedad (Parada, 2021). Damián Ponce de León, uno de los tutores del programa, es enfático al destacar el valor del proyecto: «este nuevo espacio es de una importancia inmensa ya que la labor compositiva se vuelve estéril cuando el creador, especialmente en su etapa de formación, no confronta sus ideas con la realidad del montaje y las observaciones de los intérpretes y el público» (Ponce de León, 2021). Sus apreciaciones sobre los ganadores de la convocatoria, que estrenan hoy sus obras, subrayan la pluralidad del grupo: «me gustó por su diversidad que viene nutrida de formaciones, orígenes e intereses muy diversos. Mientras en Óscar vemos su conexión con músicas como el jazz, en donde el ritmo es protagónico, en Tomás y Danna vemos una formación más académica y por ende una forma muy diferente de indagar en el sonido y las ideas musicales. Todos me parecieron perfiles interesantes y me alegró ver cómo se nutre con más y más personalidades y diferentes perfiles el universo de la composición nacional» (Ponce de León, 2021). El proceso de acompañamiento y guía a los compositores por parte de los tutores fue complementario: «mientras Rodolfo [Acosta] hizo un recuento brillante y minucioso de cada detalle gráfico y técnico de las piezas, yo quise reflexionar e indagar sobre lo estético y la constante necesidad de cuestionar los objetivos puramente técnicos y teóricos de la creación musical con su resultado sonoro y su capacidad de comunicar al oyente, más allá de discursos especializados» (Ponce de León, 2021). Danna Botero (n. 1998) es estudiante de Composición e Ingeniería de Sonido en la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá. En su proceso de formación en esta instituión ha participado en el semillero de investigación en teoría de la música y ha sido monitora de Teoría de la música, Procesamiento de señales y Síntesis por computador. En los últimos años se ha interesado 13 en la música electrónica y su combinación con la música instrumental. La música electrónica le ha permitido desarrollar la relación entre la composición y la ingeniería de sonido. «Desde hace cerca de dos años me ha interesado combinar formatos de cámara con la programación y la síntesis por computador, adicionados al procesamiento de señales», comenta Botero, «a partir de los nuevos timbres generados busco la creación de un discurso musical que sea interesante para el público». Por otro lado, su trabajo de grabación es una fuente de conocimiento de la acústica de los instrumentos. Al respecto observa: «creo que lo que más me interesa de la composición es el timbre, su combinación con la armonía y el proceso de estructurar un espacio de tiempo con sonidos. Por supuesto, siempre teniendo al oyente como referencia, pensando en sus procesos auditivos y perceptivos con el propósito de que asimile mi música, aunque no sea de fácil comprensión» (Botero, 2021). La obra en el programa de hoy es consecuente con los planteamientos anteriores: Vatnajökull, para cuarteto de cuerdas, toma su título del principal glaciar de Islandia. La idea principal de la obra consiste en establecer una dualidad entre los conceptos de armonicidad (representado por el intervalo de quinta justa) e inarmonicidad (generado mediante la utilización del ruido, los trémolos, las técnicas extendidas y los armónicos), creando una unidad hermética que sugiere una analogía con los elementos a la vez dispares y unitarios de un glaciar (volcanes, cristales, nieve, estalactitas, destellos de luz, entre otros). La exploración tímbrica presente en la obra representó en su momento un reto importante, en la medida que la diversidad de sonoridades y técnicas utilizadas permitían posibilidades de desarrollo y de dirección musical muy variadas. La exploración tímbrica se ha convertido en un reto importante y constituye uno de los principales focos de atención dentro de mi catálogo de composición (Botero, 2021). Referencias Botero, D. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Botero, D. (2021). Concierto BLAA: Vatnajökull. [Correo electrónico] Díaz, M. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Díaz, T. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Espinosa, L. (17 de enero de 2020). “Tomás, un embajador de la música”. Entretenimiento, La Patria. Manizales (Caldas). https://www.lapatria. com/entretenimiento 14 Fundación Santo Domingo (FSD). (14/04/21). “Marius Díaz, Compositor”. Becas de la Fundación Santo Domingo. https://www.facebook.com/ FundacionSantoDomingo Parada, O. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Parada, O. (2021). Concierto BLAA, (Cero) Tonina. [Correo electrónico] Persichetti, V. (1961). Twentieth century harmony. New York: WW Norton. Yllarramendiz, L. (24 de mayo de 2020). “Colar un café colombo-cubano”. Música de Concierto y Cultura en Cuba. Radio Nacional Musical. Habana (Cuba). https://radiomusicalnacional.wordpress.com/author/ radiomusicalnacional/ Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 15 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data.

Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ- Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán).

Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros.

El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales.

Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo.

TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ- Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas
 El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales.

Foto: Sebastián Mejía Ocampo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 ANDRÉS FELIPE PALACIOS (Colombia) guitarra Martes 1° febrero de 2022 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: CEV811 Jueves 3 de febrero de 2022 · 6:30 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QBW192 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE ANDRÉS FELIPE PALACIOS, guitarra Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Foto: Sebastián Mejía Ocampo 2 Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República. Conozca más acerca del artista Andrés Felipe Palacios www.youtube.com/c/AndresFelipePalacios www.facebook.com/AndresFelipeGuitar1 www.facebook.com/AndresFelipePalaciosguitarist/ www.instagram.com/andres.felipe.palacios/ 3 PROGRAMA Fantasía P1a (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Transcripción para guitarra de Andrés Felipe Palacios (n. 1988) Gran obertura, Op. 61 (s. f.) MAURO GIULIANI (1781-1828) Fantasía dramática para guitarra, Op. 31 (c. 1856) NAPOLEÓN COSTE (1805-1833) Elegía (s. f.) JOHANN KASPAR MERTZ (1806-1856) INTERMEDIO Sonata para guitarra (1932) Allegro moderato Minueto Pavana triste Final ANTONIO JOSÉ MARTÍNEZ (1902-1936) Fantasía para guitarra, Op. 107 (1971) Preludio Scherzo Arietta Fugetta Arietta Marcha Postludio MALCOLM ARNOLD (1921-2006) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo La guitarra: un instrumento que ha vivido siempre entre diversos mundos, entre lo popular y lo académico, lo mítico y lo intelectual, lo oral y lo escrito, y la razón y la pasión. Los opuestos se han convertido en la fuente más fértil de creación para la vida de la guitarra en el mundo, y el programa de hoy está basado justamente en dos géneros que se han erigido como el hábitat perfecto para las disputas y las reconciliaciones entre opuestos: la fantasía y la sonata. I – La Fantasía Ha sido interpretada de múltiples maneras y tenido infinitas formas, sujetas siempre a la geografía, el tiempo, el gusto y, claro está, los caprichos del compositor. La fantasía implica libertad, pero no una sola libertad, se trata de una libertad con muchos matices, una libertad que tiene diferentes acentos y que ha sido recibida de múltiples formas a lo largo de la historia. Una libertad que puede que no entendamos ahora, pero que en algún momento le habló directamente a quienes la escuchaban en cortes, en palacios, o en cámaras domésticas. Una libertad que permitía que, para fortuna de todos, las divisiones entre lo vocal y lo instrumental fueran una ilusión y que la propiedad privada de los recursos instrumentales se tornara, por un momento, en un bien común. En palabras de Thomas Morley: El principal y mayor tipo de música que se hace sin un texto es la Fantasía; esto es cuando un músico toma un punto [melodía] y lo utiliza y modifica a su antojo, haciendo mucho o poco con él, de acuerdo con como sea mejor según su concepto. En esta [la fantasía] se muestra más arte que en cualquier otro tipo de música, pues el compositor no está atado a nada, sino que puede añadir, reducir y alterar como le plazca1 (Morley, en Strunk, 1985, pp- 86-87). A Fancy, o Fantasía P1a, según el catálogo de Diana Poulton, es una muestra de la imposibilidad de reducir los géneros musicales a una sola forma. 1 “The most principal and chiefest kind of music which is made without a ditty is the Fantasy, that is when a musician taketh a point at his pleasure and wresteth and turneth it as he list, making either much or little of it according as shall seem best in his own conceit. In this may more art be shown than in any other music because the composer is tied to nothing, but that he may add, diminish and alter at his pleasure.” (Morley: A Plain and Easy Introduction to Practical Music (London, 1597). (Traducción al español de Daniela Peña Jaramillo) 5 Hace parte de la obra de uno de los más célebres laudistas de finales del siglo XVI y comienzos del XVII, John Dowland (1563-1626), y tiene, por lo menos, dos versiones, como solía suceder en aquel entonces, cuando pensar en una obra cerrada e inmodificable no cabía en el quehacer musical. Aunque Dowland es ahora una de las figuras ineludibles en el repertorio para guitarra y laúd, siendo este último su instrumento y para el cual fue compuesta esta pieza. La vida de Dowland no fue un triunfo constante, fue rechazado, contratado, solicitado y despedido por cortes de la corona inglesa, e incluso se vio inmerso, sin quererlo, en un complot organizado por un grupo de católicos en contra de la Reina. El júbilo que sentía por componer y tocar siempre estuvo escoltado por un carácter apesadumbrado que parecía disfrutar la compañía del dolor y su música no escapó a esta dualidad. Semper Dowland, semper dolens (‘siempre Dowland, siempre afligido’), además del título de una de sus pavanas, fue un lema que caracterizó su poética pero que algunas veces, como en el caso de la Fantasía que escucharemos hoy, fue ignorado, de alguna manera, por el compositor. Haciendo justicia a las palabras de Morley, su contemporáneo, esta obra nos muestra todo lo que puede llegar a ser una fantasía. Podemos ver la libertad, que no es la misma libertad del siglo XIX, ni del XXI, pero que, a partir de sus múltiples secciones, permite que la polifonía y el contrapunto imitativo convivan con lo que pareciera un aire o una canción popular acompañada por un laúd; que los recursos más propios y sutiles del instrumento convivan con lo que pareciera una fanfarria más propia de un instrumento de viento, en un contexto bélico, al aire libre, que de aquel instrumento de cuerda pulsada que tocaban los ángeles. Estas guerras, sin embargo, a veces las percibimos como un espejismo, como algo remoto que está en los libros de historia, pero que no se siente completamente real; podrá ser la falta de fotografías o de archivos de video lo que nos prive de identificarnos con esos escenarios de violencia; también puede ser que las representaciones gráficas que están a nuestro alcance se nos han mostrado con un romanticismo que ha logrado ocultar la barbarie que las inspiró. Sin embargo, lo bélico siempre ha sido fuente de creación y todas las mentes fértiles siempre han utilizado su poética para contar una historia de guerra, para conmemorar a sus protagonistas o simplemente para expiar los demonios que su huella dejó. El Op. 31 de Napoleón Coste (1805-1883) se titula Fantasía dramática y está divida en dos secciones, Le départ (La partida) y Le retour (el regreso). Aunque podría parecer lógico pensar en la partida y el regreso al interior de 6 una historia de amor, que no era un tema inusual en el siglo XIX, este no fue el caso. El compositor francés quiso realizar un pequeño monumento sonoro al ejército francés, que partió en 1854 hacia Sevastopol buscando la victoria contra su contraparte rusa y comenzando, a su vez, con el Asedio de Sevastopol. Los soldados regresaron triunfantes en septiembre del año siguiente, dando fin a la guerra de Crimea. La fecha, 29 décembre 1855!... que aparece en la partitura, conmemora la procesión de victoria que se llevó a cabo en París, en la Place Vendôme. Elegie (Elegía) del compositor bohemio Johann Kaspar Mertz (1806- 1856) se erige como una de las piezas más exigentes dentro del repertorio guitarrístico gracias a la cantidad de recursos técnicos que se requieren para poder interpretar de manera correcta la retórica decimonónica temprana, tan evidente en toda la obra de Mertz. Y, aunque el título no lo refleja, el espíritu de la fantasía colma la estructura y la poética de esta pieza. Para el momento de su composición, la guitarra gozaba ya de gran popularidad en varias regiones europeas, especialmente en Francia, Italia, Alemania y finalmente Austria, que, como veremos, acogió al virtuoso Mauro Giuliani, justamente en 1806, momento en el que el instrumento pasó de ser un elemento de refinamiento doméstico, a competir con el piano en la escena del virtuosismo musical. Fue precisamente gracias al acercamiento hacia la música para piano de Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn y Franz Schubert, que Mertz ayudó al posicionamiento de la guitarra como un instrumento, que compartía el cariño del aristócrata diletante con el del virtuoso de profesión. Su esposa, Josephin Plantin, pianista, implantó el germen de dichos compositores en Mertz y es así como mucha de la música del compositor va a reflejar ciertos tintes del lenguaje pianístico del siglo XIX, especialmente aquel en donde una melodía lírica es secundada por un acompañamiento virtuoso. Elegía refleja dicho recurso compositivo, claro está, con una dificultad técnica mucho mayor, por ejemplo, a la de las piezas incluidas en la célebre colección titulada Bardenklänge Op. 13, en donde, si bien la retórica de principios del siglo XIX es inminente, la técnica no desempeña un papel protagónico. Esta pieza da cuenta perfectamente de la simbiótica dupla entre una melodía y un virtuosismo eminentemente románticos. II – La Sonata La sonata fue, de alguna manera, hija de la fantasía y de su carácter combativo, pero su madurez y su momento de mayor celebridad llegaron en el siglo XVIII, 7 el de la Ilustración que, así como recogía lo que se había hecho en el pasado más inmediato, buscaba que el orden, la simetría y la sencillez del lenguaje fueran su norte. En la sonata también hay antagonismos, pero estos están perfectamente estructurados: hay conflictos, pero siempre son resueltos; hay múltiples secciones, pero todas tienen una función clara dentro de su estructura narrativa. El siglo XIX empezaba a emanciparse poco a poco de estas formas, pero no las abandonó por completo: muestra de ello es que, por ejemplo, las grandes oberturas con las que se daba inicio a las óperas, estas tenían aún la estructura de una sonata del siglo XVIII; Gioachino Rossini las utilizaba y el guitarrista Mauro Giuliani (1781-1829), incapaz de escapar a su fascinación por el mundo lírico, se ciñó a dicha tradición con su Gran obertura Op. 61. Giuliani nació y murió en Italia, pero gran parte de su vida profesional la llevó como músico de la cámara de la princesa María Luisa, archiduquesa de Austria, y su fama excedió el Imperio Austrohúngaro, llegando hasta Francia. Fue admirado por compositores como Niccolò Paganini, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, e incluso fue violonchelista en el estreno de la Sinfonía No. 7 de este último. Sus obras son ficha segura en el repertorio de los guitarristas actuales, y la Gran obertura es una de sus piezas más interpretadas; la orgánica unión entre un lenguaje, a la vez lírico e instrumental, apto para cualquier público, junto con la complejidad técnica, amparada, eso sí, por un íntimo conocimiento del instrumento, hacen de la obra de este compositor, un ‘microuniverso’ de lo que fuera el Romanticismo temprano, que no soltaba del todo el gusto por el orden y las formas de la Ilustración, pero que miraba hacia un futuro en donde la libertad y la expresión de todas las facetas de las pasiones humanas volviera a regir la creación musical. Mauro Giuliani personifica el espíritu de la época en la que fue celebrado y su música nos narra la historia de aquel periodo lleno de contradicciones. Tal vez por esto, en mayo de 1829, cuando la vida de este virtuoso llegó a su fin, un periódico de Nápoles publicó las siguientes palabras: «En la mañana del octavo día de este mes, Don Mauro Giuliani, el famoso guitarrista, murió en esta ciudad. En sus manos, la guitarra se tranformaba en un arpa que apaciguaba los corazones de la humanidad.»2 (En Tampalini, 2009). Otro compositor que no se caracteriza por la facilidad técnica de sus creaciones fue Antonio José Martínez (1902-1936). En su corta vida 2 On the morning of the 8th day of this month Don Mauro Giuliani, the famous guitarist, died in this city. In his hands, the guitar was transformed into a harp that soothed the hearts of mankind. (Traducción de Daniela Peña Jaramillo) 8 solamente escribió dos obras para guitarra, la Sonata y unos arreglos sobre una canción popular burgalesa; tal vez por esta razón y porque el compositor no era guitarrista, la interpretación de su música para el instrumento no suele ser una tarea fácil. Martínez celebró enfáticamente el triunfo del Frente Popular español en 1936, justo antes de que el país se viera sumido en la tristemente célebre Guerra Civil y afirmaba que «(…) el socialismo bien entendido y bien dirigido es cosa perfecta». Pero el mundo prefranquista no estaba hecho para artistas que quisieran hablar o, mejor, que quisieran hablar ‘al revés’. El compositor fue además fundador de Burgos Gráfico, revista en donde se publicaban artículos que arremetían contra la cultura y la política conservadoras, y se defendían las mezclas culturales que, aquellos afines con el pensamiento del general Francisco Franco buscaban silenciar. Y eso hicieron, no solo con la música, sino con la vida de Antonio José; como sucedió con el poeta Federico García Lorca, amigo del compositor, unos meses antes, la cobardía triunfó y en octubre de 1936, a los 34 años, fue ejecutado por un escuadrón de falangistas que le acusaban de profesar ideales judeo-fascistas. Su voz dejó de sonar y su música también; fue prohibida durante los cuarenta años que duró la dictadura y solo en 1980 se logró publicar un volumen con su obra. En 1981 se tocó por primera vez, después de cuarenta y siete años, la Sonata para guitarra, que había sido estrenada en 1934 por Regino Sainz de la Maza, a quien la obra fue dedicada. La Sonata para guitarra de Martínez no es sencilla de interpretar, pero el resultado sonoro crea una ilusión de sencillez para quien la escucha. Además, está construida a partir de un motivo que va reapareciendo cada tanto en los distintos movimientos; a este recurso le han llamado ‘forma cíclica’ y ya había sido utilizado en varias ocasiones por Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, entre muchos otros; lo que genera es una sensación de regreso a casa que puede llegar a ser reconfortante para el oyente. III – Finale Como si se tratara de una estructura musical, la última pieza del programa, la Fantasía para guitarra, Op. 107 de Malcolm Arnold (1921-2006), contiene elementos del género al que pertenece, pero también del otro género que nos reunió hoy, la sonata. Las secciones dispersas, aleatorias y antagónicas las cambió el compositor por movimientos individuales, y la recurrencia del tema del inicio recuerda a la estructura narrativa y cíclica que ya nos había presentado Martínez. Lo anterior no es de extrañar, pues Arnold fue, además 9 de un sinfonista, una figura muy prolífica en el ámbito de la música para cine, que es narrativa por naturaleza. La pieza, compuesta en 1971, refleja ya una madurez en el lenguaje del instrumento por parte del compositor, adquirida a partir de las otras dos piezas que tuvieron como protagonista a la guitarra: el Concierto, dedicado a Julian Bream, y la Serenata para guitarra y cuerdas de 1967. Reconocido como una mente ecléctica que no se limitó a lo evidente y lo obvio en el siglo XX, Arnold nos deja hoy con una clausura perfecta a la figura itinerante y paradójica que ha sido la guitarra, que tampoco se ha contentado con los límites que se le han impuesto. Referencias Strunk, O. et al (1998). Source readings in music history (Rev. ed. / Leo Treitler, general editor.). Norton. Tampalini, Giulio. (2009). Mauro Giuliani: Rossiniane Op. 119-124; Variazioni Op. 45 e 107; Grande Ouverture Op. 61. Musicmedia Edizioni Musicali [CD]. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto: Nicolás Achury Foto: Armin Linke TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡San Andrés, prográmate en septiembre para el concierto de Margret Köll (Alemania), arpa barroca! Este concierto también se presentará en Armenia y Bogotá ¡Tunja, prográmate en julio para que el concierto de Laura Lambuley (Estados Unidos / Colombia), ensamble de jazz! Este concierto también se presentará en Girardot, Villavicencio y Bogotá

Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.