Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.

Foto: Daniel Machado Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 DUETO IDILIO (Colombia) música tradicional colombiana Jueves 24 de marzo de 2022 · 6:30 p.m. Quibdó, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: TIF337 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES 2 DUETO IDILIO, música tradicional colombiana Juanita Sossa y Laura Chaparro, voz Jefferson Jerez, tiple Julián Nieves, guitarra El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Foto: Daniel Machado 3 PROGRAMA Camino real (s. f.) JOSÉ IGNACIO TOVAR (1922-2007) Mis canas (s. f.) CARLOS ALBERTO ROZO MANRIQUE (1928-2007) El regreso (s. f.) EFRAÍN OROZCO (1898-1975) A bordo de tu voz (c. 2006) LUZ MARINA POSADA (n. 1974) Ojos miradme (1938) JOSÉ DE JESÚS MAZO MARTÍNEZ (1912-2003) El torbellino soy (c. 2000) CLARA CALDERÓN (n. 1957) El guaro (s. f.) ANÓNIMO INTERMEDIO Mi huella (s. f.) GRACIELA ARANGO DE TOBÓN (1931-2000) Tiplecito viejo (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES (1913-1978) Caminantes (c. 2001) LUZ MARINA POSADA Sigo pensando en ti (s. f.) ÁLVARO CHAPARRO BERMÚDEZ (1917-1999) Pescador, lucero y río (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES Y deja (c. 1951) GIRALDO PILOTO (1929-1967) ALBERTO VERA (1929-1996) El tambo (c. 1926) EMILIO MURILLO CHAPUL (1880-1942) Idilio (s. f.) ALBERTO AMADEO RIVERA (1903-1968) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Esquiva y polisémica palabra es el adjetivo ‘tradicional’, especialmente cuando se le adjudica a algún tipo de elemento de la música. En sana ley, no habría manifestación musical alguna que no fuera tradicional, en tanto forma parte de una práctica de producción de sentido de un grupo humano mediante los sonidos, unidos al movimiento corporal, al texto, a la imaginación... en fin, a tantos elementos que son denominados, erróneamente, como extramusicales. Incluso la vanguardia, como una actitud creativa, es un tipo de práctica tradicional. Nos acostumbramos desde hace pocas centurias a una amañada división entre música escrita (llamada también clásica, docta, culta, hecha por profesionales) y música oral (tradicional, folclórica, hecha por empíricos), tanto así que todavía mucho músico popular afirma cosas como que no ‘sabe de música’ solamente porque no conoce o no utiliza el código escrito de origen occidental. Esta postura también niega la inmensa carga de oralidad que tiene la música escrita: todo lo que la grafía no puede recoger e indicar. La aparición de la fijación del sonido, y el desarrollo de las industrias culturales y del entretenimiento impusieron y siguen imponiendo enormes cambios en la vida pública y privada, tanto así que emerge el campo de la música popular (también llamada masiva), ya no ligada a la grafía sino a esos procesos industriales de producción, circulación y consumo. Y es en este punto, en eso que se da en llamar música andina colombiana, que se crea una inmensa confusión, tanto por las evidentes intersecciones entre prácticas musicales, como por la asignación de un discurso identitario y de categorías folclóricas a una música hecha fundamentalmente para el entretenimiento. Es claro: músicos de la industria posan de campesinos, y continúan con una narrativa romántica y bucólica de lo rural, mientras simultáneamente músicas populares urbanas (la rumba criolla, por ejemplo) son folclorizadas. En paralelo a las grandes marcas fonográficas, con toda su visibilidad en los medios, se da una muy poco conocida producción de ‘música campesina’ en sellos pequeños de poco tiraje. Es apenas parte del encanto. ¿A qué viene lo anterior? Para los integrantes de la agrupación que hoy nos acompaña, el asunto de la escogencia del repertorio, de la manera de tratarlo y de cómo presentarlo en escena pasa por esta reflexión y por la toma de decisiones a partir de esto. Para la muestra un botón: el conocido bambuco canción El regreso, del músico caucano Efraín Orozco Morales (1898-1975), tiene una introducción y un interludio originales muy bellos, además de un texto ligeramente diferente que, sin embargo, no fueron grabados así por el dueto Garzón y Collazos, cuyos productores tomaron la decisión de usar como introducción una sección de la melodía de la parte en tonalidad menor, como interludio la melodía inicial de la parte mayor y cambiar algo del texto. Se ganó en recordación del público, por supuesto, con un criterio empresarial1. ¿Qué 1 Puede escucharse la versión original del compositor, voz y guitarra, en el sitio https://youtu.be/ aknHopApcTA. 5 decisión se toma?, pues interpretar la versión canonizada, la ‘tradicional’, la que está en el recuerdo de cierta parte del público, a cuya ampliación le apuntan. Tiene todo el sentido. En realidad, nos movemos en un tipo de música multitemporal, que es tanto vieja por su composición y textos, como nueva por su re-presentación y re-elaboración por parte de los intérpretes, quienes están convencidos de que todavía tiene mucho qué decir a las nuevas generaciones. A propósito de lo ‘tradicional’, uno de los grandes aciertos del Dueto Idilio es, sin lugar a dudas, el contar con un acompañamiento muy rico (tanto de riqueza como de ricura), en el que tiple y guitarra están en un constante diálogo entre ellos y con las voces, con múltiples posibilidades dentro de una textura general homofónica. Es especialmente destacable la recuperación creativa e implementación de un manejo de la guitarra, característica de las décadas centrales del siglo XX, en el que la conducción melódica de los bajos es un elemento importante, que aporta movimiento e interés, además del que aporta la acórdica y el uso de la armonía. Nos dice Laura, una de sus integrantes: «Hemos trabajado mucho en el ensamble. Todos hemos llegado de maneras muy diferentes a la música andina. Juana aporta la lúdica de su trabajo con niños, Julián trae elementos de la guitarra eléctrica en música popular no tradicional (chucu-chucu, salsa, son), Jefferson trae tanto el tiple como el requinto. Todo el grupo fluye: la comunicación es la base de todo». La puesta en escena es otro elemento destacable, pero no tanto por la vestimenta u otros elementos externos, como por la actitud lúdica, desparpajada y comprometida en escenario, en donde se hace evidente que el goce musical no es una impostura sustentada solamente en sonrisas y movimientos estudiados, y cuidadosamente soltados en el momento oportuno, sino que es el carácter de cada obra y la conciencia que se tiene de ello, lo que conduce el discurso musical y escénico. «Queremos disfrutar la música, para hacer disfrutar al público». Han tenido que trabajar mucho para el ensamble general y de las voces, y, si bien reconocen algunos referentes e influencias, le apuestan a una construcción del dueto desde el grupo, de manera experimental, en cada ensayo y en cada tema. Es así como la mayor parte del repertorio escogido para este concierto es de tradición popular urbana, perteneciente a músicos ya fallecidos y conocidos por su figuración en las décadas centrales del siglo pasado. Según los integrantes del grupo, se busca mostrar «versiones vistas desde nuestros ojos y oídos actuales, trabajadas desde lo que es el grupo: se trata de ofrecer frescura en una música que ha sido presentada desde unos clichés interpretativos que nos interesa renovar». Por este origen, la inmensa mayoría son compositores de género masculino, con canciones que presentan un tipo de amor patriarcal, en cuyos textos la mujer es objeto del amor/deseo/recuerdo masculino y no un sujeto activo de su amor en pareja. Es frecuente tanto el reclamo por el abandono amoroso como la descripción de las características que mueven al amor, tópicos que son compartidos por numerosos géneros latinoamericanos. Es así como Álvaro Chaparro Bermúdez (1917-1999), conocido con el nombre artístico ‘Álvaro Dalmar’, nos dice en el pasillo Sigo pensando en ti: «Dónde estás, cariño mío, dónde estás / presiento que ya nunca volverás / no sé si en otros brazos te 6 hallarás / feliz, mientras te espero yo». Carlos Alberto Rozo Manrique (1928-2007) se lamenta en el bambuco Mis canas, porque identifica la llegada de la vejez y llora «de saber que ya me muero / y no te podré cantar». Por su parte, José Ignacio Tovar Medina (1922-2007), en Camino real, describe todas las labores domésticas de su ‘negrita’, que lo espera en el rancho para quitarle las penas, mientras José de Jesús Mazo Martínez (1912-2003), ‘José Macías’, toma otra temática común, la del amor como sufrimiento que roba la calma, cuando afirma: «Ojos miradme, Dios mío / no importa que sean fatales / y que como dos puñales / desgarren el pecho mío», en Ojos miradme. De José Alejandro Morales López (1913-1978), nos presentan en Pescador, lucero y río una muerte por amor, mediante la metáfora de algún elemento de la naturaleza que obedece a las pasiones humanas «porque de celos / se desbordó aquel río / entró al bohío / y se robó el lucero». Por otra parte, Tiplecito viejo le hace un homenaje a dicho instrumento, al que compara de entrada con Jesús de Nazareth y en el que se supone residen elementos identitarios, paisajísticos y culturales. Las compositoras que nos presenta el Dueto Idilio son tres, con tratamientos distintos de géneros populares o de base campesina. Clara Calderón M. (n. 1957), por su cercanía con los planteamientos del grupo Nueva Cultura, es quien más se acerca a las características del género rural en El torbellino soy, conservando la estructura del texto en coplas agrupadas temáticamente en grupos de dos. De Luz Marina Posada Montoya (n. 1974), nos presentan dos temas: La guabina A bordo de tu voz, un género urbano al que le hacen una introducción de canto guabinero campesino e interludios en torbellino, lo que le da un marco especial a una bella canción contemporánea que le canta al amor a través del conocimiento del otro; y el bambuco Caminantes, que es un doloroso testimonio del desplazamiento: «para no perder la vida / hay que abandonar el campo / pero la vida se queda allá / se quedan los sueños / se queda la libertad». La tercera compositora es Graciela Arango de Tobón (1931-2000) con su vals Mi huella, un canto en otra temática de despecho presente en tantos géneros populares latinoamericanos: «aunque pretendas negarlo, mi amor y mi cuerpo te marcaron». La agrupación nos trae dos canciones festivas y parranderas que son muy poco comunes en el repertorio más usual de los duetos vocales. La primera de ellas es un pasillo anónimo conocido como El guaro, que le canta al popular aguardiente alternando coplas con un estribillo que dice: «Tú eres la que me decía / que nunca me olvidaría / vámonos a emborracharnos ¡qué caramba! / hasta que amanezca el día». La segunda es otro pasillo, conocido como Satanás por su versión cantada, y que tiene diversas atribuciones de autoría. La primera grabación de este tema, exclusivamente instrumental, se hizo en marzo de 1926 bajo el título de El tambo, atribuida a Emilio Murillo Chapul (1880-1942). Bien vale la pena recordar acá que este compositor registró y grabó bajo su nombre unas cuantas piezas musicales de origen popular y compositor desconocido, que circularon a finales del siglo XIX y comienzos del XX, a las que les hacía arreglos de diverso tipo. Sin que esté claro el proceso, la obra comienza a ser llamada y grabada bajo el título más conocido, Satanás, atribuyéndose la autoría al pianista y compositor cienaguero Juan Abarca Rovira (1904-1974). Finalmente, el cantante y compositor de música parrandera Francisco Antonio González Zapata 'el mono' (1908-s. f.), nacido en Titiribí (Antioquia), afirmó haberle colocado letra al pasillo ya en la década de 1940, 7 reconociendo que su autor era Abarca2. Haciendo honor a su carácter, escucharemos una versión muy divertida y llena de sorpresas: «Satanás es un negro / yo lo conozco, yo lo conozco...» Finalmente, hay dos canciones de origen caribeño. El portorriqueño Alberto ‘Tití’ Amadeo Rivera (1903-1968), lutier, guitarrista y director de agrupaciones, es el compositor de Idilio, canción cuya referencia más conocida fue grabada en el álbum Hecho en Puerto Rico, de 1993, en la magistral interpretación de Willie Colón y Ángel ‘Cucco’ Peña, razón por la cual se le atribuye la autoría a Colón. En esta ocasión escucharemos una versión bambuquera, con algún breve llamado al merengue venezolano y un final caribeño con improvisaciones instrumentales sobre el coro vocal. Con la otra canción de este origen, Y deja, sucede algo parecido: en algunas fuentes se le atribuye a Alberto Vera Morúa (1929-1996), compositor cubano de boleros que tuviera un dueto muy exitoso con Giraldo Piloto (1929-1967), y en otras fuentes aparece de autoría de Rubén Blades Bellido de Luna (n. 1948), quien sin duda la hizo famosa al lado de Willie Colón en una versión con toques brasileños. Nos comentaron que en «el grupo hay un gusto especial por la salsa y lo caribeño [...] Igual nos encanta la versión de C4 Trío como danza zuliana [...] se incluyó por eso, porque es interesante y muy bonita». El camino, tal parece, es uno: mostrar que tradición y modernidad no conforman una dicotomía, que no son puntos de vista (y de escucha) antagónicos, sino que hay una especie de continuo entre ellos. Se puede ser profundamente moderno al insertarse en una tradición centenaria y también se puede ‘envejecer’ lo moderno, dependiendo del tratamiento musical por el que se opte. Bien vale la pena apreciar el trabajo del Dueto Idilio, de la agrupación que son cuatro; se trata, en sus palabras, de «un concierto que los va a contagiar de alegría, al que le hemos puesto el corazón completo y las ganas de compartir algo que sentimos nuestro, que puede seguir sonando y puede seguir representándonos». Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veinticinco años de experiencia como docente universitario en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Durante treinta y seis años se ha dedicado a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. 2 Ver BURGOS HERRERA, Alberto. (2000) La música parrandera paisa. Medellín: Editorial Lealon, p. 169. Foto. Nathaniel Huard TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Quibdó, prográmate en agosto para el concierto de Ensamble Amir Amiri (Irán), música tradicional iraní! Este concierto también se presentará en Buenaventura y Bogotá

Foto: Edward Mesa Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 WUILMER LÓPEZ (Colombia) arpa llanera Jueves 24 de febrero de 2022 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: NCK469 Viernes 25 de febrero de 2022 · 7:30 p.m. Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia PULEP: GZN311 Jueves 30 de junio de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: PAE839 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE Wuilmer López, arpa llanera Wuilmer inició sus estudios con Hildo Ariel Aguirre en la Academia Llano y Joropo de Bogotá y se graduó como Profesional en Música de la Universidad INCCA de Colombia con tesis meritoria. Ha sido seleccionado en cuatro ocasiones para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República; ganó la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música, la convocatoria Suena Chicamocha del Teatro Santander, el Concurso de Interpretación Musical de IDARTES, la Beca de Circulación Internacional de Mincultura, el Programa Distrital de Estímulos Conciertos Temáticos, la serie de conciertos de Biblored, el Festival Folclórico Guayupe de Oro, el Festival Internacional Infantil del Arpa y el premio a la segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el Torneo Internacional del Joropo. Wuilmer también fue merecedor de mención especial en el Festival Hatoviejo Cotrafa y nominado al Gran Premio Mono Núñez. Ha participado en las ocho versiones del Encuentro Internacional Maestros del Arpa, el World Harp Congress, el VillaJazz Festival, el Festival Internacional de Arpas de Ecuador, el Arpa Fest de Cancún, la serie Conciertos del Mediodía de la Universidad de los Andes, la serie de conciertos de Biblored, el Rio Harp Festival Brasil y el Cairde na Cruite International Harp Festival de Irlanda. Wuilmer se ha presentado en importantes escenarios como el Teatro Santander, el Teatro Colón, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, el Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Junto al proyecto Julio Victoria Live Band ha sido participe de importantes festivales en Colombia, Finlandia, Noruega, Francia, Japón, Corea del Sur, Irlanda, Chile y Argentina. Entre estos se destacan el Festival Lollapalooza, Estéreo Picnic, Baum Festival y Sónar Bogotá, entre otros. Foto: Teatro Santander 2 Carlos Andrés Quintero Badillo ‘Carlos ReQuintero’, mandolina y requinto Carlos Andrés nació en Bucaramanga, en 1991. Se graduó como Maestro en Música de la Universidad Autónoma de Bucaramanga con distinción cum laude y es estudiante de la Maestría en Políticas Públicas y Desarrollo de la Universidad Autónoma de Bucaramanga. Se ha encaminado hacia la interpretación de instrumentos tradicionales de la región Andina colombiana (tiple y tiple requinto). Desde hace nueve años se ha enfocado en el estudio de la mandolina clásica y latinoamericana, teniendo como referencia a maestros como Florentino Calvo, Ricardo Sandoval y Hamilton de Holanda. Su trabajo musical lo ha llevado a realizar seis producciones discográficas. Como requintista ha ganado varios festivales a nivel nacional junto a su hermano Manuel Eduardo y al trío instrumental Macaregua, como el Festival de Música Andina Mono Núñez, el Festival Nacional del Pasillo, y el Festival Nacional del Requinto. Carlos Andrés fue invitado a ser parte de la producción discográfica de música andina colombiana grabado por Smithsonian Folkways Recordings de Washington; y por la Alianza Francesa y el Musée Dauphinois para realizar giras por diferentes ciudades de Francia en 2012 y 2014. Ha sido también invitado a diferentes festivales y encuentros, dentro de los cuales se destacan el Festival Internacional de Música de Pulso y Pua en España, Festival Internacional del Folklore en Argentina, Festival Internacional Mandolines de Lunel, Festival Pince-Cordes de Mirecourt y el Encuentro de Mandolinas en Venezuela. En 2017 ganó la beca de creación de la Gobernación de Santander con el proyecto Suite Macaregua para trío típico santandereano (requinto, tiple y guitarra). Fue ganador de la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música y de la residencia en investigación de IDARTES. Asimismo, ha sido intérprete y jurado de festivales de música andina colombiana. Entre 2017 y 2019, Carlos Andrés adelantó estudios de mandolina con Florentino Calvo en el Conservatorio de Argenteuil, Francia. Foto: Teatro Santander El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de la Universidad de la Amazonia 3 PROGRAMA Malvaloca (1913) LUIS ANTONIO CALVO (1882-1945) Original para piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López (n. 1996) y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ (n. 1991) Taquito militar (1952) MARIANO ALBERTO MARTÍNEZ ‘MARIANO MORES’ (1918-2016) Original para piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ El cafetal (2016) WUILMER LÓPEZ Despasillo por favor (2010) LUIS CARLOS ‘LUCAS’ SABOYA (n. 1980) Original para violín y guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Contradanza (s. f.) AQUILES BÁEZ (n. 1964) Original para guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Bambuquísimo (1992) LEÓN CARDONA (n. 1927) Original para dos bandolas, tiple y guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ São Jorge (1979) HERMETO PASCOAL (n. 1936) Original para flauta, guitarra y piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Inquietísimo (2016) WUILMER LÓPEZ Festivaleando (2017) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Para esta ocasión el arpista bogotano Wuilmer Alejandro López Algecira — con tan solo veinticinco años, pero asiduo intérprete de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República desde 2017— nos brinda un programa muy diferente a los que nos tenía acostumbrados. Al respecto, Wuilmer menciona: «Al principio era todo llanero, pero Hildo [Ariel Aguirre Daza, su maestro] también me presentó la música de arpa de otros territorios, luego me enamoré del flamenco con Paco de Lucía, más tarde apareció el arpa celta… ahora tengo referentes como Hamilton de Holanda o Yamandu Costa». Se trata entonces de abrirse al mundo, tanto real como simbólicamente. Y decimos simbólico porque su brillante carrera lo ha llevado a países como Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia. Ha obtenido premios y menciones en muchos concursos y convocatorias nacionales. Esto lo ha puesto en contacto con prácticas similares, pero también radicalmente distintas, de las que ha venido tomando elementos y herramientas que conducen su búsqueda actual. Comenta Wuilmer que su estilo está «[…] como en descubrimiento, encuentro influencias de otras músicas diversas, no exclusivamente del jazz. Estoy en eso: lograr una construcción nueva a partir de muchos elementos». Una muestra de lo real es el repertorio de este concierto, en el que solamente hay una obra ‘francamente llanera’. En ese interés por ampliar sus referentes para la práctica interpretativa y compositiva, lo más cercano es el vecindario nacional —la música andina—, y el latinoamericano. Es por ello que invita en su concierto al requintista y mandolinista santandereano Carlos Andrés Quintero, quien está en búsquedas similares y con quien piensa grabar una producción que incluirá buena parte de lo que escucharemos hoy; en esa medida, estamos en una especie de prelanzamiento. Wuilmer indica: «[el distanciamiento de lo llanero se da] por mi momento actual, por la relación con Carlos y por el interés en incursionar en otros estilos […] lo andino es lo más cercano. Queremos salirnos de la zona de confort explorando lo más fuerte de cada uno». Está entonces en una dinámica nueva para él, partiendo de las partituras que son de manera cuidadosa estudiadas individualmente para «comenzar a crear el arreglo a partir de esto: qué le funciona mejor a cada instrumento, cómo intervenir en ciertos espacios que 5 deja el otro instrumento… se graban secciones, se corrige, se prueba, se llega a un arreglo y este se mantiene con pocas modificaciones, aunque existen secciones en que se improvisa». De la autoría de nuestro intérprete de hoy, Wuilmer Alejandro López Algecira (n. 1996), se nos presentan tres obras. Las dos primeras que mencionaremos aparecieron en la producción discográfica Entre dos arpas, que fue presentado al público en 2016. El cafetal es una obra que se caracteriza por un tratamiento que mezcla elementos del pasaje instrumental llanero, del joropo por corrido, del pasillo y del vals venezolano, con un toque de bambuco en la parte inicial. Es una obra bien lograda que brinda constantes sorpresas al oído, y está «inspirado en los cafetales que se comparten en las regiones de los llanos y de la zona cafetera andina». Inquietísimo es un pasillo que se grabó inicialmente con tiple, cucharas y bajo. Como su nombre lo indica, genera una cierta inquietud general, dada tanto en el tratamiento armónico por las constantes modulaciones que se desarrollan a lo largo de su discurso, como por una alternancia de fraseos que se mueven entre el pasillo y el joropo en sistema acentual por corrido. Por otra parte, Festivaleando es la obra más reciente, en una estructura similar a la del denominado ‘instrumental llanero’ en el contexto de los concursos, consistente en un entreverao de golpes llaneros. Escuchamos acá melotipos y procedimientos discursivos de golpes recios como chipola, quitapesares, San Rafaelito, seis por derecho y pajarillo, entremezclados con conducciones libres entre uno y otro golpe, en un verdadero y emocionante tour de force. Malvaloca es el título de una danza, compuesta alrededor de 1913 y grabada por primera vez en 1921 por el dueto de Joaquín Forero y Arturo Patiño con un texto que, según parece, no es original de su compositor, Luis Antonio Calvo (1882-1945). Lo cierto es que la obra ha sido profusamente grabada e interpretada en su versión instrumental, y es así como nos llega hoy. Para la época de su composición, Calvo ya era un músico conocido en diferentes espacios musicales de la ciudad de Bogotá, a la que había llegado en 1905 y que abandonaría en 1916, cuando fuera recluido en el leprocomio de Agua de Dios. Según relata Sergio Ospina Romero en su libro biográfico sobre Calvo, de obligatoria lectura para situarnos en el entramado cultural bogotano y colombiano del momento, «[…] en el transcurso de poco más de diez años, desde su llegada a Bogotá, Calvo pasó de ser un inmigrante desconocido, con serias carencias económicas y una educación musical incipiente a ser un músico medianamente formado en lo académico y suficientemente reconocido como intérprete y compositor […] se convirtió en un personaje famoso» (Ospina, 6 2017). Y no podía ser para menos: además del innegable talento melódico y los básicos conocimientos de armonía e instrumentación con que dio sus primeros pasos en la banda del Ejército, a la cual seguía vinculado, estudiaba en el Conservatorio y participaba en la orquesta de dicha institución desde 1909, hizo parte como violonchelista de la Lira Colombiana de Pedro Morales Pino hacia 1912, actuaba en el Terceto Sánchez-Calvo con el que incursionó en la grabación discográfica, fue integrante de la estudiantina Arpa Nacional e igualmente de la Orquesta Unión Musical, a más de desempeñarse como pianista solista o acompañante en conciertos y eventos sociales, y cantante de coro y organista en algunos templos católicos de la ciudad. A esta ingente actividad se sumó un hecho no menos importante: la capacidad de expresar en sus obras el gusto predominante de una sociedad que aún no se desprendía del discurso de la música de salón de finales del siglo XIX, y en la que predominaba una postura nacionalista más basada en el desarrollo de la música popular que en un movimiento vinculado a lo académico. Ospina comenta también que Malvaloca es el nombre de una obra española de teatro, escrita y difundida en 1912 por los hermanos dramaturgos españoles Álvarez Quintero. En julio de 2001 el diario argentino Los Andes informó: «En 2000 se realizó una votación popular llevada a cabo por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, donde Mariano Mores fue elegido como el mejor compositor de tango del siglo y Taquito militar como mejor milonga». Independientemente de la realidad que puedan reflejar este tipo de votaciones, a Mariano Alberto Martínez (1918-2016), con 76 años de extensa y exitosa carrera artística, se le vincula principalmente con un movimiento, a mediados de siglo XX, que pretendió establecer unos vínculos directos entre las prácticas sinfónicas y las de la música popular. En el marco de las realizaciones populistas del primer gobierno peronista, su proyecto era formar una gran orquesta de características sinfónicas para hacer música popular, pero ello terminó chocando con visiones elitistas que establecían una separación inflexible entre música popular y música ‘culta’, en un momento histórico en el que el tango empezaba a perder ‘masividad’, afectado por la internacionalización del mercado musical. Aquella política peronista de vincular la música popular y la música culta generó una fuerte oposición de los grupos conservadores: eminentes periódicos hablaban del ‘sarampión populista’, escritores como Julio Cortázar transmiten la sensación de que el Teatro Colón de Buenos Aires bajo el peronismo no es sino la «degradación de algo hermoso». Taquito militar, una milonga instrumental compleja de sonoridad muy moderna para la época fue el tema que simbolizó aquel proyecto de vinculación de lo culto con lo popular cuando fue estrenada 7 en 1952 en el Teatro Colón y dedicada al entonces ministro de guerra. Tal fue la discusión que fue uno de los temas incluidos en el libro Esos malditos tangos: apuntes para la otra historia, dedicado a obras de ‘raigambre peronista’, que por esa causa fueron discriminados, censurados o silenciados. Fue el primer tema de su autoría grabado por la orquesta de Martínez el mismo año de su estreno. São Jorge fue estrenada en 1979 en el álbum Zabumbê-bum-á, en el que el genial Hermeto Pascoal (n. 1936) fungió como compositor, arreglista, editor, productor, vocalista, flautista (soprano y bajo), pianista, guitarrista, tecladista, saxofonista (soprano y tenor) y percusionista. Esta es una de las características que siempre se mencionan de Pascoal: el ser multiinstrumentista, a más de gran improvisador y estar todo el tiempo rompiendo fronteras entre géneros y usando procedimientos de muy diversas fuentes, la mayor de ellas su sinigual imaginación y concepción de lo sonoro. La obra está basada en dos acordes que se alternan y dos secciones melódicas, la primera de notas largas y carácter expresivo, seguida de una más densa, en el estilo del forró, que es acelerada excesivamente en la parte final. Bambuquísimo, de León Cardona García (n. 1927), es una de las obras de una trilogía que incluye también a Bambuquito y a Bambucazo. Cardona ha sido un músico muy estudiado académicamente durante lo transcurrido de este siglo, porque «[su obra] se ha mantenido como parte del repertorio cotidiano, pues su propuesta sonora desde una escritura cuidadosa aporta a los músicos disfrute e interés por los elementos melódicos, armónicos, dinámicos y de contrapunto tonal allí presentes. Igualmente, los procesos de montaje e interpretación de esta música son exigentes y se han constituido en un factor diferenciador» (Borda et al., 2016). A partir de unos estudios musicales básicos en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, pasando por el estudio autodidacta en la práctica como instrumentista, el tomar clases particulares con músicos renombrados, la participación activa en espacios de entretenimiento nocturno en Bogotá y Medellín principalmente y una intensa actividad en la industria discográfica, Cardona fue construyendo un lenguaje musical que, más que renovar, actualizó a tendencias internacionales y transnacionales los elementos denominados tradicionales en la música del interior del país. De él se mencionan hechos como haber sido pionero en la interpretación de la guitarra eléctrica en la década de 1940 y haber participado en lo que se considera el primer disco de jazz grabado en Colombia, con el sexteto de Luis Rovira (1961). Bambuquísimo es una de sus obras más interpretadas, creada en 1992 para cuarteto de dos bandolas, tiple y guitarra, y estrenada en una parranda de cierre del Festival Mono Núñez de ese mismo año. 8 Despasillo por favor es un pasillo con una primera sección lenta y expresiva, y una segunda más movida y contrastante, del conocido tiplista y compositor Luis Carlos ‘Lucas’ Saboya González (n. 1980), sin duda uno de los intérpretes y compositores más activos tanto en la composición de obras para diversos formatos instrumentales, en la interpretación del tiple, en la grabación y producción de grabaciones antológicas, como en la gestión de eventos y productos. Esta obra apareció inicialmente en la producción discográfica Camaleonte (2006) del Trío Palos y Cuerdas, interpretada por su autor en la guitarra y el gran violinista venezolano Alexis Cárdenas. Si bien nuestro arpista de este concierto la grabó interpretada a dos arpas en la producción Concuerda 2, Arpasión, en la que hizo una continuidad de la repetición de la primera sección, acelerándola para desembocar al golpe de joropo denominado Las tres damas, hoy nos la presenta en una nueva versión de mandolina y arpa. Aquiles Báez (n. 1964), quien realizó estudios formales en el Conservatorio de Caracas y, posteriormente, ya con 32 años, en los prestigiosos Berklee College of Music y New England Conservatory, relata de esta experiencia que muy rápidamente se dio cuenta de que estaba «aprendiendo lo que ya sabía, pero en inglés». En diversas entrevistas publicadas en red afirma que le debe mucho al salón de clases, por supuesto, pero que le debe más a la práctica en la noche, cuando salía a tocar su instrumento en el mundo real, a acompañar bandas de música folclórica, de jazz, de boleros y de músicas tradicionales. Es la historia de muchos músicos que se mueven en esa difusa frontera entre prácticas académicas y populares: la academia en el día y la calle en la noche son las «escuelas» en que realizan los aprendizajes más significativos. Su Contradanza apareció en el DVD El samán, para un trío de guitarra, saxofón y contrabajo. Es una obra que pone en evidencia las conexiones entre la música de salón del siglo XIX, con evidentes proyecciones en géneros populares en toda Latinoamérica, y prácticas originales del siglo XVIII: de allí cierto sabor ‘barroco’ de sus diseños melódicos y el uso de variaciones de complejidad creciente. Para esta obra, Carlos Andrés Quintero usará el requinto-tiple, al que ha dedicado muchos años de estudio e interpretación, instrumento tan querido en su departamento natal. Démosle la bienvenida entonces a esta nueva etapa en la vida musical de Wuilmer López, en la que, sin duda, desarrollará el potencial que su formación y amplia experiencia le permiten. 9 Referencias Borda, I. et al. (2016). León Cardona: seis décadas de música sin fin. Trabajo de grado. Bogotá: Universidad Distrital. Recuperado de http://hdl.handle. net/11349/5336 Ospina, S. (2017). Dolor que canta: la vida y la música de Luis A. Calvo en la sociedad colombiana de comienzos del siglo XX. Bogotá: Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veinticinco años de experiencia como docente universitario en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Durante treinta y seis años se ha dedicado a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. Foto: Dan Kullman TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Neiva y Florencia, prográmate en 2022 para el concierto del Cuarteto Spektral (Estados Unidos) cuarteto de cuerdas!

Foto: Edgar Fernando Parra Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 CARLOS MATEO PÁEZ (Colombia) guitarra Jueves 17 de febrero de 2022 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: FWO100 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE Carlos Mateo Páez, guitarra Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trío, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018); el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recordíng Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021); la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019); el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui y Cusco (2019); el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019); el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019); El Festival Charangos al Puerto-Chile (2020); el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central Foto: Edgar Fernando Parra 2 (2018); el Festival Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019); el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018); el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021); el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Conoce más acerca del artista Carlos Mateo Páez www.youtube.com/c/CarlosMateoPaezGuitarra www.facebook.com/mateopaezguitar/ www.instagram.com/mateopaezpaez/ 3 PROGRAMA El plazo del ángel (1999) JUAN ANTONIO ‘CHICORIA’ SÁNCHEZ (n. 1965) Suite argentina No. 2 (1986) Un ayer no tan lejano (Tango-milonga) Ya está hecha la rosa (Zamba) Hermosa Iguazú (Polka litoraleña) Nieve, solo una poesía (Canción) Jack-arera (Chacarera trunca) ÓSCAR EMILIO ‘CACHO’ TIRAO (1941-2007) Preludio, son y allegro (1992) EDUARDO MARTÍN (n. 1956) INTERMEDIO El jardín de las delicias (2017) Preludio Como un paseo en el aire El coro del lago Festejo CAMILO GIRALDO ÁNGEL (n. 1978) Encuentro (2006) ROBERTO CALVO (n. 1962) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo Hoy no escucharemos a Mauro Giuliani, a Johann Sebastian Bach ni a Fernando Sor; el bohemio Johann Kaspar Mertz tampoco estará y, para poder presenciar la obra de Joaquín Rodrigo o Heitor Villa-Lobos, habrá que esperar otra ocasión. Sin embargo, los compositores protagonistas de este concierto sí escucharon, estudiaron, analizaron e interpretaron a dichos personajes y obtuvieron de ellos el material que les permitiría, de alguna manera, crear un nuevo lenguaje. Con las piezas del programa de hoy se logra poner de manifiesto que la brecha antipática entre lo que se considera música ‘culta’ y música ‘popular’ —esa brecha que se ha impuesto en el mundo guitarrístico— se torna muy difusa y realmente innecesaria. Además, el repertorio de este recital logra entretejer una red entre todos los compositores, sus poéticas y sus contextos. Camilo Giraldo Ángel, aunque nacido en Colombia, estudió en Cuba, en donde se sitúa Eduardo Martín, quien, con el Encuentro de Guitarras Identidades, logró elevar a una nueva generación de músicos que mirarían hacia la música popular y tradicional de su país. Juan Antonio ‘Chicoria’ Sánchez se embarcó igualmente en la tarea de gestionar y coorganizar, en Chile, el encuentro Entrecuerdas, cuyos asistentes fueron testigos de una de las últimas presentaciones del argentino Óscar Emilio ‘Cacho’ Tirao. La Suite argentina No. 2 de este último compositor es una detallada radiografía del mapa musical de su país natal y utiliza ritmos mundialmente reconocidos como el tango, la milonga, la zamba y la chacarera, pero no se queda en el mainstream; incluye también a la no tan célebre polka litoraleña que, en su versión más natural, es interpretada con guitarra criolla, arpa y acordeón. Este último instrumento se introduce también en la cueca norteña, que escucharemos hoy gracias a Roberto Calvo de la mano de Carlos Mateo Páez. Juan Antonio Sánchez (n. 1965) —apodado ‘Chicoria’ desde muy pequeño, nos presenta El plazo del angel (1999), una obra en un solo movimiento que, aunque se aleja de las sonoridades decimonónicas, sí evoca las canciones sin palabras de Felix Mendelssohn o de Johann Kaspar Mertz. Sánchez nació en Alemania, estuvo en Chile hasta los ocho años y, luego del golpe de Estado que sacudió al país austral, tuvo que trasladarse con su madre 5 y su padrastro a Argentina. El compositor describe sus inicios en la música de la siguiente manera: El aroma de cabritos al palo, el entrechocar de copas de vino tinto, las carcajadas, el cariño hospitalario y solidario de los argentinos, el dolor por el reciente golpe de estado en Chile y por la incierta suerte de tantos amigos, todo eso está en el aire. Se canta a Atahualpa Yupanqui, a Inti Illimani, a Zitarrosa. Eduardo Bejarano, con una voz rasgada cuya pasión hace que se le inflamen las venas del cuello, canta Gracias a la vida con un charango. A mis 8 años me acerco y doy el primer paso en esta vida de músico: «Enséñame eso». Así comienza mi historia como músico (Sánchez, 2013). Cuenta, asimismo, que en su juventud su mundo musical se vio permeado equitativamente por The Beatles, Cat Stevens, Chico Buarque, Johann Sebastian Bach, Jethro Tull, Antonio Vivaldi, ‘Chico’ Buarque y Carlos Gardel, entre muchos otros y que, si bien en su camino académico tenía como ‘deber’ analizar a Ludwig van Beethoven, a Claude Debussy y a Igor Stravinsky, su curiosidad lo llevó a él y a un grupo de compañeros a desmenuzar, de igual manera, a Rubén Blades, Frank Zappa y Paco de Lucía. Otra de sus grandes influencias fue la nueva trova cubana y especialmente su abanderado Silvio Rodríguez, a quien conoció personalmente, ya siendo adulto, pero cuya admiración se remontaba a sus doce años, cuando componía canciones en contra de las dictaduras chilena y argentina (Sánchez, 2013). Estos recorridos tienen una relación con instrumentos como el charango, la quena y la flauta; además, hacen que las composiciones de Chicoria sean como son: refrescantes, nacionales, latinoamericanas —a pesar de la problemática o ambigüedad que este último término pueda generar— y, sobre todo, cercanas… Cercanas a la gente, de Chile, de Argentina, de México, de Cuba, de Brasil, etc.; canciones que reconocen y en las que aún hoy en día podemos reconocernos. La vida de Óscar Emilio ‘Cacho’ Tirao (1941-2007) se vio marcada por dos tragedias: la muerte de su hijo y un accidente cerebrovascular que lo dejó en coma y le arrebataría parcialmente su relación con la guitarra; ambas las superó y la música fue un factor determinante para que esto fuera posible. Su pasado lo acompañó: las clases con su padre desde muy pequeño, su amistad con Astor Piazzola y Paco de Lucía, el concierto que compuso por una sugerencia de Joaquín Rodrigo, los encuentros musicales con Joséphine Baker y Juan Carlos Baglietto... En fin, esto es poco para todo lo que el compositor dejó al público como intérprete de música ‘clásica’, académica y popular; como difusor de la cultura musical en Argentina; como compositor; como arreglista. 6 Su cercanía tanto a la música popular como a la académica lo erigen como uno de los compositores más representativos de música nacional argentina; sin embargo, su obra desafortunadamente no ha entrado aún al canon del repertorio guitarrístico a pesar de ser muy reconocido en su país. Su conocimiento y cariño por la música popular de lugares variopintos de la geografía, además de los instrumentos responsables de transmitirla, hace que sus composiciones sean tan complejas como orgánicas. El compositor no se conformó con la guitarra; estudió, interpretó y realizó varias composiciones para el banjo, el cavaquiño y el charango, además, incursionó de manera precoz en el jazz dixieland con el saxofón tenor y el clarinete. La Suite argentina No. 2 se encuentra registrada en el álbum La guitarra argentina, grabado en el año 2000, meses antes de su accidente. En ella, como se dijo antes, se dibuja un mapa musical argentino: el tango y la milonga platenses inician con un fuerte estamento rítmico; la zamba y la chacarera, ambas representan el noroeste del país, mostrando, cada una, lados contrastantes del espíritu argentino; la nostalgia, la añoranza, la melancolía, para la primera, y la tristeza burlona en el caso de la segunda, a la que humorísticamente llama Jack-arera. La polka hace su aparición como símbolo del litoral y la frontera con Paraguay que, a su vez, se erige como uno de los ritmos que dan cuenta de la herencia europea y el mestizaje que los géneros de baile del antiguo continente experimentaron con la llegada de su cultura a tierras americanas. Eduardo Martín (n. 1956) es un compositor que, tal como lo ha hecho Leo Brouwer, ha dejado el nombre de la música latinoamericana para guitarra en lo más alto. Si bien sus composiciones no son ampliamente conocidas como las del creador del Elogio de la danza, la influencia de este en su obra es notable, tanto en sonoridad, como en concepción. Nunca me he propuesto estar a la moda, ni tampoco destacarme como paladín de tradiciones nacionales de un lugar o ámbito específico, solo he querido y quiero comunicarme a través de la música que es una de mis mayores pasiones. Como no tengo reparos en expresarme ilimitadamente, apelo al uso de herramientas diversas, coincidentes con un ideal sonoro formado a partir de las más disímiles culturas, estilos y pensamiento estético. La música latinoamericana, en su amplia gama de ritmos, géneros y estilos, ofrece una rica diversidad que aprovecho siempre que la necesito. La cultura cubana es fuente y reflejo esencial en mi música (Hernández, 2011). 7 Martín ha ganado varios concursos, no obstante, su posición se distancia bastante del espíritu de competición que muchas veces se cultiva en dichos contextos: Para mí, los reconocimientos públicos constituyen momentos de promoción, siempre los he visto como eso y nada más. El resultado de cualquier tipo de competencia artística está sujeto a valoraciones subjetivas y personales, en el arte la competencia es una falacia, porque una obra de arte no puede ser rival de otra (…) En el arte, las carreras son de larga distancia, no de velocidad, nadie llega primero ni último, porque las metas están siempre en el horizonte (Hernández, 2011). Su intención de alimentar el mundo musical y guitarrístico, específicamente en Cuba, se ha materializado con el Encuentro de Guitarras Identidades, además del espacio cultural En Confluencias, que desarrolló en la Casa del Alba Cultural y en donde se hace una labor de difusión cultural con conciertos conversados. Preludio, son y allegro es una obra que se impone, a su vez, como un encuentro entre la música cubana, el idiomatismo de la guitarra y la música de Johann Sebastian Bach, cuyo Preludio, fuga y allegro, BWV 998, presumiblemente para laúd, tiene un eco en la pieza de Martín. El Jardín de las delicias es una obra del colombiano Camilo Giraldo Ángel (n. 1978). Es compositor, docente e intérprete; integrante de múltiples proyectos artísticos en los que la búsqueda por las temáticas provenientes del folclore colombiano es inminente. Sea con el trío de guitarras TripTripTrip; con su colectivo audiovisual retroVISOR; con La quinta del lobo, proyecto interdisciplinario que amalgama las artes electrónicas, la danza y la música o en su faceta como solista, el compositor indaga en ritmos, instrumentos y relatos pertenecientes a las culturas indígena, africana y urbana de Colombia. Títulos como Chucuchucu, Aire de cumbia y Manguaré dan cuenta de la poética del compositor. No obstante, El Jardín de las delicias se aleja de alguna manera de esta poética, y se preocupa más por la exploración de un lenguaje idiomático de la guitarra, no por medio de pasajes exageradamente virtuosos, sino de sonoridades propias y orgánicas en el instrumento, que dan cuenta del título de cada movimiento: Como un paseo en el aire, El coro del lago y Festejo, que, sin tener un discurso enteramente programático, sí nos remiten de alguna forma al tríptico de El Bosco, además de llevarnos a un viaje y reconciliar géneros, aparentemente distantes y antagónicos, como el preludio, el choral, el paseo vallenato y el festejo peruano. 8 Para finalizar, la música argentina hace una nueva aparición con Encuentro, del compositor Roberto Calvo (n.1962), cuyo mundo musical se asemeja bastante al de Chicoria, de quien es contemporáneo. Una educación precoz y una influencia musical constante por parte de sus padres dieron como resultado una figura que conoce la guitarra como pocos, pues desde muy joven se desempeñó como profesor. La pieza que escucharemos hoy, si bien tiene una complejidad técnica importante, da cuenta de un entendimiento infinito de la geografía de la guitarra que hace que el reto manual de interpretarla devenga una experiencia reconfortante. En su página web, el compositor narra de manera muy acogedora su experiencia con la música y la guitarra. Esta narración logra sintetizar, de alguna forma, el espíritu de este concierto; a continuación, algunos fragmentos: Recuerdo, también, la afición de mi viejo por la música. Le gustaba cantar algún tanguito en los asados o reuniones y, siempre, orgulloso, presentaba al hijo que tocaba la guitarra (o sea, yo). Cosa que yo odiaba, sobre todo, cuando al minuto o minuto y medio de mi «brillante concierto», la gente se distraía y empezaban a conversar. Gajes del oficio (…) A los diecinueve años, ingresé en el Conservatorio Julián Aguirre, de Morón (…) En esa época, fue que empecé a tocar, además del repertorio clásico, bastante música popular. En realidad, desde hacía un tiempo, con unos amigos del barrio, tocábamos música cuyana, tangos y algo de bossa nova (…) A esa altura de los acontecimientos, transitaba paralelamente el camino de la música «popular» y la música «culta», disfrutando de ambas y sintiéndolas una misma cosa (Calvo, 2020). Referencias Calvo, R. (febrero de 2020). Página web de Roberto Calvo. Recuperado de http://www.robertocalvo.com/bio/ Hernández, H. (9 de marzo de 2011). Havana Times. Entrevista con el guitarrista Eduardo Martín. Recuperado de https://havanatimesenespanol. org/entrevistas/entrevista-con-el-guitarrista-eduardo-martin/ Sánchez, J. (16 de abril del 2013). El Guillatún. Comienzo de viaje. Recuperado de https://www.elguillatun.cl/columnas/cronicas-de-musica-latinoamericana/ comienzo-de-viaje 9 Sánchez, J. (22 de mayo del 2013). El Guillatún. Guitarra argentina. Recuperado de https://www.elguillatun.cl/columnas/cronicas-de-musica- latinoamericana/guitarra-argentina Vanegas, J. (octubre de 2021). Comunicación virtual con el intérprete. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Buenaventura, prográmate para los conciertos que el Banco de la República presenta en 2022! Foto. Festival Hatoviejo Cotrafa Sankofa Trío (Colombia) música llanera Ensamble Amir Amiri (Irán) música tradicional iraní Tres Palos Ensamble (Colombia) trío de maderas Foto. Paola Enciso Foto. Nathaniel Huard

El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República.

Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trío, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018); el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recordíng Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021); la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019); el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui y Cusco (2019); el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019); el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019); El Festival Charangos al Puerto-Chile (2020); el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central (2018); el Festival Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019); el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018); el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021); el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República.

Wuilmer inició sus estudios con Hildo Ariel Aguirre en la Academia Llano y Joropo de Bogotá y se graduó como Profesional en Música de la Universidad INCCA de Colombia con tesis meritoria. Ha sido seleccionado en cuatro ocasiones para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República; ganó la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música, la convocatoria Suena Chicamocha del Teatro Santander, el Concurso de Interpretación Musical de IDARTES, la Beca de Circulación Internacional de Mincultura, el Programa Distrital de Estímulos Conciertos Temáticos, la serie de conciertos de Biblored, el Festival Folclórico Guayupe de Oro, el Festival Internacional Infantil del Arpa y el premio a la segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el Torneo Internacional del Joropo. Wuilmer también fue merecedor de mención especial en el Festival Hatoviejo Cotrafa y nominado al Gran Premio Mono Núñez. Ha participado en las ocho versiones del Encuentro Internacional Maestros del Arpa, el World Harp Congress, el VillaJazz Festival, el Festival Internacional de Arpas de Ecuador, el Arpa Fest de Cancún, la serie Conciertos del Mediodía de la Universidad de los Andes, la serie de conciertos de Biblored, el Rio Harp Festival Brasil y el Cairde na Cruite International Harp Festival de Irlanda. Wuilmer se ha presentado en importantes escenarios como el Teatro Santander, el Teatro Colón, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, el Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Junto al proyecto Julio Victoria Live Band ha sido participe de importantes festivales en Colombia, Finlandia, Noruega, Francia, Japón, Corea del Sur, Irlanda, Chile y Argentina. Entre estos se destacan el Festival Lollapalooza, Estéreo Picnic, Baum Festival y Sónar Bogotá, entre otros.

Wuilmer inició sus estudios con Hildo Ariel Aguirre en la Academia Llano y Joropo de Bogotá y se graduó como Profesional en Música de la Universidad INCCA de Colombia con tesis meritoria. Ha sido seleccionado en cuatro ocasiones para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República; ganó la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música, la convocatoria Suena Chicamocha del Teatro Santander, el Concurso de Interpretación Musical de IDARTES, la Beca de Circulación Internacional de Mincultura, el Programa Distrital de Estímulos Conciertos Temáticos, la serie de conciertos de Biblored, el Festival Folclórico Guayupe de Oro, el Festival Internacional Infantil del Arpa y el premio a la segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el Torneo Internacional del Joropo. Wuilmer también fue merecedor de mención especial en el Festival Hatoviejo Cotrafa y nominado al Gran Premio Mono Núñez. Ha participado en las ocho versiones del Encuentro Internacional Maestros del Arpa, el World Harp Congress, el VillaJazz Festival, el Festival Internacional de Arpas de Ecuador, el Arpa Fest de Cancún, la serie Conciertos del Mediodía de la Universidad de los Andes, la serie de conciertos de Biblored, el Rio Harp Festival Brasil y el Cairde na Cruite International Harp Festival de Irlanda. Wuilmer se ha presentado en importantes escenarios como el Teatro Santander, el Teatro Colón, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, el Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Junto al proyecto Julio Victoria Live Band ha sido participe de importantes festivales en Colombia, Finlandia, Noruega, Francia, Japón, Corea del Sur, Irlanda, Chile y Argentina. Entre estos se destacan el Festival Lollapalooza, Estéreo Picnic, Baum Festival y Sónar Bogotá, entre otros.

Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trío, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018); el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recordíng Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021); la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019); el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui y Cusco (2019); el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019); el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019); El Festival Charangos al Puerto-Chile (2020); el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central (2018); el Festival Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019); el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018); el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021); el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República.

El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República.