Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 33 Estreno: jueves 21 de octubre · 6:00 p.m. AQ ENSAMBLE flauta y arpa (Colombia) Foto: Andrés Alba SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisÁngelArango @BanrepculturalHonda Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Andrés Alba SOBRE LA AGRUPACIÓN AQ Ensamble, flauta y arpa Cristian Álvarez, flauta y Felipe Quiroga, arpa AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a lo bien que pueden mezclarse. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como en el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, y en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena, Anneleen Lenaerts. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Muìsica de Medelliìn. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como flautista en la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifoìnico de Medelliìn y las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá, y como primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil en 2018 y 2019. 3 Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016, fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatorio Real de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stephane Reìty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy; actualmente, se encuentra cursando su segundo año de Máster en Interpretación con Denis- Pierre Gustin en el Instituto Real Superior de Música de Namur, en Bélgica, y es profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catalina (Femusc) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría intermediate primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, en 2020 y 2022, así como de la de músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020. 4 Sonata para violín en sol menor, BWV 1020 (1734[?]) Allegro Adagio Allegro JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Atribuido a Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) Original para violín y teclado Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa Tanka (2020) DAVID GAVIRIA PIEDRAHÍTA (n. 1988) Sonata para violín o flauta, violonchelo y pianoforte en fa mayor K. 13 (1764) Allegro Andante Manuetto 1 y 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa Fantasía para violín y arpa, Op. 124 (1907) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921) Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa PROGRAMA 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña El formato arpa y flauta tiene una tradición algo accidentada y nos evoca muchas más imágenes e historias mitológicas o fantásticas que una tradición musical académica. No existe una vasta cantidad de obras escritas para esta agrupación de instrumentos, sin embargo, los integrantes de AQ Ensamble han decidido que esto no supondría un problema; para llenar los aparentes vacíos (con respecto a otro tipo de formatos de tradición más clásica, claro está) y para no limitar sus posibilidades, han recurrido, por ejemplo, a la comisión de una obra, como en el caso de Tanka, del colombiano David Gaviria Piedrahíta. Además, haciendo honor a una larga tradición de adaptar música para las necesidades de un contexto específico, se han puesto en la tarea de traducir repertorio escrito originalmente para otro formato; a manera de ilustración está la Sonata en fa mayor K. 13 de Wolfgang Amadeus Mozart, original para flauta o violín, violonchelo y pianoforte; y la Sonata BWV 1020, atribuida tanto a Johann Sebastian Bach como a su hijo, Carl Philipp Emanuel, original para violín y teclado. El resultado de esta curaduría es un repertorio con estilos y narraciones variopintos que nos llevan hasta la Grecia clásica y nos traen de vuelta a la historia más reciente; nos habla de la cultura europea, del mismo modo que de culturas orientales, y presenta, en un mismo plano, a compositores del hall de la fama de la música académica. También nos encuentra con otros repertorios cuya reputación es más modesta, pero no por esto menos importante en los recuentos históricos. Pare empezar, hablemos de David Gaviria Piedrahíta (n. 1988), un compositor colombiano que realizó sus estudios en la Universidad de Antioquia, y se interesó principalmente en los números, el lenguaje y en la manera de generar un íntimo diálogo entre estos y la música; su deseo es el de convertir sus curiosidades e inquietudes en obras musicales. Tanka, como ya se mencionó, es una pieza que fue comisionada por los integrantes de AQ Ensamble y que Gaviria compuso en 2020; es curioso destacar que, como buenos hijos de nuestra época, todas las conversaciones realizadas entre intérpretes y compositor se realizaron por medios virtuales, demostrando que no todo es negativo en la era digital y que la música se puede beneficiar altamente de estos nuevos canales de comunicación. El nombre de la pieza 6 hace referencia a la estructura poética japonesa con el mismo nombre, en la que se alternan versos de cinco y siete sílabas, y se busca explorar las diferentes posibilidades tímbricas de los instrumentos, que pueden recordar al shakuhachi y al koto: la flauta y el arpa japoneses, respectivamente. Cuando se piensa en Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) hay tantas palabras, tantos sonidos, tantas imágenes que han inundado la historia de la música, que es difícil pretender aportar algo nuevo. La figura de genio y de niño prodigio ha sido la más esparcida y es complicado no pensar en Mozart como un compositor empedernido, dedicado enteramente a su oficio desde que era muy pequeño. Por el contrario, la historia de la pieza que tocará AQ Ensamble hoy nos trae algunos relatos que logran sacarnos de aquella narrativa, y nos presenta una imagen mucho más humana y real del compositor. Parece ser que la colección de sonatas a la que pertenece la K. 13 (K. 10-15) fue escrita en un corto periodo de enfermedad que pasó su padre durante un viaje a la isla británica, junto a toda su familia. Durante el viaje, Mozart, con nueve años de edad, deleitó a la sociedad londinense, incluidos Jorge III y Carlota, reina a quien dedicó dichas sonatas. Daines Barrington, científico y naturalista inglés, fue testigo de aquella presentación y, en 1769, narró, no sin asombro por la precocidad, su encuentro con el pequeño, exaltando las dos facetas del compositor: aquella del genio, capaz de ejecutar en el clavecín cualquier petición que solicitara el público, y la del niño, disperso, buscando juego en cualquier situación y dejándose encantar por acontecimientos aparentemente irrelevantes: Viendo que estaba inspirado, deseé que compusiera una Canción de Ira, como sería propia de los escenarios de la ópera. El niño de nuevo miró hacia atrás con una malicia juguetona y comenzó cinco o seis líneas de un recitativo apropiado para preceder una Canción de Ira (…) y en medio de ella, se había metido en el afecto a tal grado que comenzó a golpear el clavecín como una persona poseída, saltando, incluso, algunas veces de la silla (…) A pesar de ser testigo de estos hechos maravillosos, debo aceptar que no pude evitar sospechar la imposición de su padre con respecto a la verdadera edad del niño, puesto que, no solamente tenía una apariencia completamente infantil, sino también actuaba como se hace en esa época de la vida. Por ejemplo, mientras tocaba para mí, un gato entró, a lo que el niño dejó inmediatamente el clavecín y no pudimos traerlo de vuelta por un largo tiempo. Algunas veces también corría por ahí con un palo entre las piernas, como si fuera un caballo (Deutsch, 1965). Este viaje también dio como fruto el encuentro del joven compositor con Johann Christian Bach, hijo de Johann Sebastian, quien lo acogió como su alumno y con quien cultivó no solo un vínculo de aprendizaje, sino de una 7 amistad casi paternal. Johann Christian, a quien llamaban el London Bach (Bach de Londres), dedicaba buena parte de su tiempo a instruir al niño, a quien cautivó por su manera de enseñar que, por lo menos con el pequeño Wolfgang, se basaba en juegos musicales. Da fe de ello Nannerl, la hermana mayor del pequeño: El Señor Johann Christian Bach, maestro de música de la reina, lo puso sobre sus rodillas. Él tocaba algunos compases y luego [Wolfgang] continuaría. De esta manera tocaban sonatas enteras. A menos que lo vieras con tus propios ojos, podrías jurar que se trataba de una sola persona tocando (Deutsch, 1965). Años después, Mozart le escribiría a su padre, en su estilo sentido y sincero, haciendo patente el cariño y el respeto que sentía por quien fuera su maestro en Londres: «Como bien lo sabes, lo amo con todo mi corazón y lo respeto grandiosamente» (Deutsch, 1965). De Bach aprendió el estilo italiano en el que está escrita la sonata que escucharemos en este concierto. Las primeras publicaciones indican que la colección se trata de sonatas para clavecín con acompañamiento de violín o flauta y, en una publicación más tardía se daba incluso la opción de que un violonchelo acompañara la parte más grave, lo que hace pensar que estas sonatas podrían ser un prototipo del trío para piano. Se debe tener en cuenta también que las partes agudas son presentadas solamente como una opción; no son partes obligadas, es decir, que para entender la pieza bastaría la parte del clavecín, como lo indica el título: Six Sonates pour le Clavecin qui peuvent se jouer avec l’Accompagnement de Violon, ou Flaute Traversiere (Seis sonatas para el clavecín que pueden ser tocadas con el acompañamiento de un violín o un traverso). Los protagonistas de la próxima historia son otros dos miembros de la célebre familia Bach. Como es bien sabido, el padre, Johann Sebastian Bach (1685-1750), es reconocido ahora como el mayor representante de lo que se ha llamado Barroco en la historia de la música; el año de su muerte marca incluso el final de este periodo. Cierto o no, justificado o no, es un debate que nunca tendrá fin y ahora mismo no compete intentar resolverlo. Lo que sí se debe decir es que la música de este compositor presenta características importantes para entender, por lo menos, una porción del estilo de dicho periodo. Otro debate que parece que nunca verá una solución es el del caso de la pieza que escogieron los integrantes de AQ Ensamble, pues la Sonata para violín en sol menor, BWV 1020 podría llegar a tener el estatus de orfandad; Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) la atribuye a su padre; algunos historiadores la 8 atribuyen a C.P.E.; hay quienes la cambian de árbol genealógico, diciendo que podría ser de Carl Heinrich Graun y que es original para laúd; otros le dan la paternidad a su colega en la corte de Federico el Grande, el flautista Johann Joachim Quantz. En fin, ni siquiera hay un acuerdo con respecto al instrumento con el que se debería interpretar, ya que se indica que es para violín, pero parece funcionar mejor en la flauta. Lo único que es cierto es que la sonata está escrita en el estilo del concierto italiano en el que, por un lado, hay un grupo de instrumentos llamado ripieno, que en este caso sería la parte obligada del clavecín, y por otro, un instrumento solista. Estas dos fuerzas sonoras se alternan y cuando se abandona el diálogo, el ensamble de instrumentos o el instrumento de teclado ejercería el papel de acompañamiento. Claro está, no es la única sonata en este estilo, y el crítico y compositor, contemporáneo de J. S. Bach, describe este tipo de piezas como auf Concertenart, es decir, ‘en estilo de concierto’, estilo que imperaría en el siglo venidero y se haría famoso gracias a compositores como Giuseppe Torelli y, el más célebre, Arcangelo Corelli. La fantasía ha sido un género longevo, de múltiples personalidades, que ha deambulado a lo largo y ancho de la historia de la música: desde el siglo XVI cuando inundaba las páginas de los libros para laúd, vihuela y teclado, pasando por las manos de C. P. E. Bach y Georg Philipp Telemann, hasta seducir también a personajes como Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Franz Liszt y a quien nos reúne hoy: Camille Saint-Saëns (1835-1921). Imposible de reducir a una única forma, la fantasía se ha guiado por una ley: la alternancia de elementos contrastantes que, además, ha sido interpretada de múltiples maneras y ha dependido de la geografía, el tiempo, el gusto y, por supuesto, de los caprichos del compositor. Saint-Saëns era ya un veterano en 1907, año en el que escribió la pieza para las hermanas Clara y Marianne Eissler, arpista y violinista de la Casa de Sajonia-Coburgo y Gotha. Es seguro decir que su cordial amistad con el organista francés se remontó a casi diez años antes de la composición de la pieza; se sabe también que tanto Saint-Saëns, como las hermanas Eissler eran ya figuras célebres para la aristocracia victoriana, cuyos miembros pudieron presenciar el estreno el 2 de julio de aquel año, en el Aeolian Hall de Londres. El carácter de la Fantasía Op. 124 para este inusual ensamble discurre entre el pasado y el futuro; la Fantasía fue tan aclamada como criticada. Por ejemplo, el periódico The Times la reseñó como: 9 …un dueto para violín y arpa llamado ‘Fantasía’ y justificando su nombre con una falta de cohesión estilística. Por momentos es tan rapsódica como una composición ultramoderna, y en otros lugares utiliza astutamente una serie de variaciones para el violín, sobre un basso ostinato en el arpa; hay múltiples pasajes que pueden hacer pensar al oyente que no son los más apropiados para la combinación [de instrumentos] escogida. Sin embargo, al año siguiente, tras la interpretación de la Fantasía en Cannes, en donde las hermanas hacían prácticamente parte de la aristocracia, la respuesta fue mucho más benévola: Ambos instrumentos son tratados con la más alta ventaja y en cuanto a temas, a la brillantez con que es manejada y a la inagotable ingenuidad y maestría con que son utilizados los recursos, es una de las piezas más características y efectivas del autor. Un toque sorprendentemente original es el empleo del arpa a manera de un bajo ostinato, con unas deslumbrantes fantasías escritas para el violín; fue hermosamente interpretado. Lo que más conmueve…, las palabras que deberían quedar sonando, no obstante, no son las de los críticos, sino las de las hermanas Eissler, quienes agradecen, con la más inusual humildad, la pieza del compositor y su encuentro con él mismo: Mi hermana y yo le debemos uno de los éxitos más grandes en nuestra carrera. Su nombre rotundo nos trajo una sala llena de un público musical y distinguido; estábamos plenamente concentradas en nuestra tarea y, me atrevo a decir que hemos tocado bien sus divinas obras. Creo que usted habría aprobado nuestra interpretación. Habiendo tenido la oportunidad de obtener sus preciosos consejos, tenemos más confianza en nosotras y le aseguro, querido maestro, que mi hermana y yo recordamos muy bien la manera como usted deseaba que fuera interpretada. El público nos hizo ovaciones llenas de entusiasmo después de cada pieza y obtuvimos el éxito que usted tuvo la bondad de desearnos (Broome, 2018). Referencias Broome, J. &. (2018). Hommage aux demoiseles Eissler – Chamber music for harp and violin from the repertoire of Marianne and Clara Eissler. Music & Media Consulting Limited. Deutsch, O. E. (1965). Biography, Mozart: A Documentary. Stanford, Califor-nia: Stanford University Press. Retrieved from https://books.google.com. co/books?id=e8AtwaddUW4C&pg=PA98&lpg=PA98&dq=jargon+reci- 10 tative&source=bl&ots=V_ASOTvm1u&sig=ACfU3U0WRyLhAL1IeV-toVjS34JOv10OCAg& hl=es&sa=X&ved=2ahUKEwj0z6yg45foAhXxc-t8KHUSQBqYQ6AEwAHoECAUQAQ# v=onepage&q=jargon%20 recitative&f=false Piazzola, Liebermann, Shaposhnikov, & Rota (2012). 20th Century Music for Flute and Harp [Recorded by N. Shulman, & J. Loman]. Estados Unidos. Shulman, N., & Loman, J. (2012). 20th Century Music for Flute and Harp. Estados Unidos. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asigna-tura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 11 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a lo bien que pueden mezclarse. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como en el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, y en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena, Anneleen Lenaerts. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Muìsica de Medelliìn. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como flautista en la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifoìnico de Medelliìn y las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá, y como primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil en 2018 y 2019. Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016, fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatorio Real de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stephane Reìty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy; actualmente, se encuentra cursando su segundo año de Máster en Interpretación con Denis- Pierre Gustin en el Instituto Real Superior de Música de Namur, en Bélgica, y es profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catalina (Femusc) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría intermediate primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, en 2020 y 2022, así como de la de músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020.

Ataraxia es una agrupación de música contemporánea que nació a finales de 2018 como una propuesta vanguardista en el ambiente musical latinoamericano, no solo debido a su innovadora mezcla instrumental, sino también a su concepto de exploración sonora, característica que cautiva de manera inmediata al público. Está conformada por músicos estudiantes y egresados de la Universidad Nacional de Colombia que, gracias a su curiosidad y activismo, lograron crear, de la mano de nuevos compositores emergentes del país, un proyecto sólido que aporta al desarrollo musical colombiano, interpretando obras exclusivamente creadas para este formato. Gracias a una de las convocatorias más importantes en el campo musical, Ataraxia se complace en presentar su proyecto como una de las propuestas artísticas que ha despertado mayor expectativa y curiosidad entre los oyentes.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 35 Estreno: jueves 28 de octubre · 6:00 p.m. ANDRÉS FELIPE PALACIOS guitarra (Colombia) Foto: Sebastián Mejía Ocampo SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalMedellín Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Sebastián Mejía Ocampo SOBRE EL INTÉRPRETE ANDRÉS FELIPE PALACIOS, guitarra Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez- Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. 3 Conozca más acerca del artista Andrés Felipe Palacios Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República. 4 Partita No. 2 en do menor, BWV 826 (1726) Sinfonia Allemande Courante Sarabande Rondeau Capriccio JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para clavecín Adaptación para guitarra de Andrés Felipe Palacios (n. 1998) Sonata (1933) Allegro moderato Minueto Pavana triste Final ANTONIO JOSÉ MARTÍNEZ (1902-1936) Guabina para un músico del sur (2013) DANIEL SABOYA (n. 1980) PROGRAMA 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña Pensamos en Johann Sebastian Bach (1685-1750) y aparece esa figura seria, aquella estampa de superioridad y de genio inaccesible. Sin embargo, pocas veces pensamos que tanto este como otros de los compositores que dibujaron la historia de la música simplemente buscaban, como muchos, vivir de ella. Para esto necesitaban mostrar sus capacidades como intérpretes, creadores, profesores, arreglistas o editores. Las redes sociales habrían sido de grandísima ayuda para estos personajes, pues pasaban gran parte de su tiempo escribiendo música para llamar la atención de algún patrono o potencial jefe que pudiera interesarse lo suficiente como para contar con sus servicios creativos. No sería extraño imaginar un video en Instagram, un tuit provocando a algún posible contrincante o la promoción de su próxima producción en Spotify. De seguro, todas las plataformas habrían sido utilizadas por el compositor, así como utilizó el Leipziger Post-Zeitungen en 1726 para anunciar sus primeras publicaciones para teclado al mejor estilo de una campaña de expectativa digital1: El maestro de capilla del príncipe de Anhalt-Cöthen y director del Chori Musici Lipsiensis, señor Johann Sebastian Bach, pretende publicar un opus de suites para teclado, comenzando por la primera partita. Planea continuar pieza a pieza hasta que el opus sea completado, para que lo conozcan los amantes del teclado. Que se sepa, además, que el autor es el mismo editor de este trabajo2 (Koopman, 2011). A este grupo de piezas pertenece la Partita No. 2 en do menor, BWV 826 que Andrés Felipe Palacios arregló para guitarra. Y, ¿qué es una ‘partita’? Bach utilizó este término y el de suite indistintamente y esta última, a su vez, nos remite a la tradición surgida en el siglo XVII de agrupar danzas de carácteres distintos y velocidades contrastantes, aunque la publicación de varias danzas en secuencia fue un fenómeno en boga a lo largo del siglo XVI. 1 Las suites francesas e inglesas fueron distribuidas en manuscritos y, aunque ya había realizado publicaciones de composiciones suyas para teclado, las Partitas fueron las primeras que se hicieron bajo la iniciativa del propio compositor. 2 “The Capellmeister to the Prince of Anhalt-Cöthen and Director Chori Musici Lipsiensis, Herr Johann Sebastian Bach, intends to issue an opus of clavier suites of which he has made the beginning with the first partita. He plans to continue piece by piece until the opus is completed, such is being made known to the lovers of the clavier. Let it be known also that the author himself is the publisher of this work”. Traducción al español hecha por Daniela Peña Jaramillo. 6 Es necesario, no obstante, aclarar que es casi seguro pensar que la música que Bach basó en los ritmos y las formas de danzas como la courante, la allemande o la sarabande no fueron creadas para ser danzadas. Estas fueron extraídas de su contexto original, en donde compartían protagonismo con los movimientos que autores franceses como Pierre Beauchamp o Pierre Rameau se habían dedicado a describir y explicar para ser llevadas a la práctica del teclado (Clavierübung) y evidenciar virtuosismo tanto del compositor como del intérprete que, con toda seguridad, tenía como objetivo mostrar las capacidades del autor. En otras palabras, las suites y las partitas de Bach, y de otros tantos que incluyeron este género en su catálogo de obras, no pretendían ser bailadas, pretendían ser tocadas y, en el caso de esta colección, plausiblemente serían interpretadas por músicos amateur o por alumnos del compositor en un entorno doméstico, a juzgar por el título de la publicación ‘Clavierübung (Práctica de teclado) consiste en preludios, alemandas, courantes, sarabandas, gigas, minuetos y otras galanterías para el deleite del espíritu de los amantes de la música.’ Con las galanterías el autor se refería a los movimientos que, además de las piezas introductorias como el preludio, la sinfonía, la toccata, la fantasía, la obertura o el preambulum, no eran danzas; es el caso de la Suite en do menor, el Capriccio y el Rondeau. Galanterías eran también aquellos elementos que hacían que una pieza fuera elegante y digna representante de aquel estilo que estuvo en boga durante la primera mitad del siglo XVIII; a riesgo de caer en la redundancia: el estilo galante. Y Bach se esforzó, o por lo menos, eso dice su obra, por no hacer parte de estos entusiastas de la ligereza; por el contrario, sus obras eran consideradas excesivamente complicadas y, para algunos, como Adolph Scheibe, innecesariamente artificiosas y contrapuntísticas: He podido escuchar a este gran hombre en diversas ocasiones. Uno se asombra con su habilidad, y resulta difícil imaginar cómo es posible para él lograr tal nivel de agilidad con el entrecruzamiento de sus dedos y sus pies, las extensiones y los saltos que logra sin dar ni una sola nota falsa y sin que estos violentos movimientos alteren su cuerpo en lo más mínimo. Este gran hombre sería la admiración de naciones enteras si tuviera más gracia, si no privase de naturalidad a sus obras por su carácter recargado y confuso y no oscureciese la belleza con su excesiva artificiosidad. Al juzgar según sus dedos, hace que sus obras sean difíciles en extremo, ya que exige a cantantes e instrumentistas que realicen con su garganta o instrumento todo aquello que él es capaz de ejecutar al teclado, lo que es imposible3 (Scheibe en Hans, 1999, p. 338). 3 “I have heard this great man play on various occasions. One is amazed at his ability, and one can hardly conceive how it is possible for him to achieve such agility, with his fingers and with his feet, in 7 Sin embargo, había otros que, aunque reconocían la dificultad técnica, loaban en igual medida su belleza; un ejemplo de esto son las palabras de la poeta Luise Adelgunde Victorie Kulmus que, en una carta a su prometido aseguraba: «[…] las piezas para teclado de Bach que me enviaste son tan difíciles como hermosas. Aunque las he tocado de arriba a abajo diez veces, aún me considero una principiante» (Levit, 2014). Otro compositor que no se caracteriza por la facilidad técnica de sus creaciones fue Antonio José Martínez (1902-1936). En su corta vida solamente escribió dos obras para guitarra: Sonata y unos arreglos sobre una canción popular burgalesa; tal vez por esta razón y porque el compositor no era guitarrista, la interpretación de su música para el instrumento no suele ser una tarea fácil. Martínez, al igual que Bach, fue bastante criticado tanto por sus colegas, como por las fuerzas políticas contra las que se manifestó abiertamente; celebró de manera enfática el triunfo del Frente Popular español en 1936, justo antes de que el país se viera sumido en la tristemente célebre Guerra Civil. Afirmaba: «[…] el socialismo bien entendido y bien dirigido es cosa perfecta». Pero el mundo prefranquista no estaba hecho para artistas que quisieran hablar o, mejor, que quisieran hablar ‘al revés’. Su afinidad con la población trabajadora nunca fue un secreto y se sabe que llegó a crear un coro de obreros y campesinos; quería la educación libre para el pueblo y, además, defendió siempre y se encargó de que el folclore de Burgos, su ciudad natal, fuera rescatado. Fue fundador de la revista Burgos Gráfico, en la que se publicaban artículos que arremetían contra la cultura y la política conservadoras, y se defendían las mezclas culturales que aquellos afines con el pensamiento del general Francisco Franco buscaban silenciar. Y eso hicieron, no solo con la música, sino con la vida de Martínez; como sucedió con el poeta Federico García Lorca, amigo del compositor, la cobardía triunfó y en octubre de 1936, a los 34 años, Martínez fue ejecutado por un escuadrón de falangistas que le acusaban de profesar ideales judeo-fascistas. Su voz dejó de sonar y su música también; fue prohibida durante los cuarenta años que duró la dictadura y solo en 1980 se logró publicar un volumen con su obra. En 1981 se interpretó por primera vez, después de 47 años, la Sonata, the crossings, extensions, and extreme jumps that he manages, without mixing in a single wrong tone, or displacing his body by any violent movement. This great man would be the admiration of whole nations if he had more amenity, if he did not take away the natural element in his pieces by giving them a turgid and confused style, and if he did not darken their beauty by an excess of art. Since he judges according to his own fingers, his pieces are extremely difficult to play; for he demands that singers and instrumentalists should be able to do with their throats and instruments whatever he can play on the clavier. But this is impossible.» Traducción al español hecha por Daniela Peña Jaramillo. 8 obra para guitarra que había sido estrenada en 1934 por Regino Sainz de la Maza, a quien esta fue dedicada. La Sonata de Antonio José Martínez no es sencilla de interpretar, pero el resultado sonoro crea una ilusión de sencillez para quien la escucha. Además, está construida a partir de un motivo que va reapareciendo cada tanto en los distintos movimientos; a este recurso le han llamado ‘forma cíclica’ y ya había sido utilizado en varias ocasiones por Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, entre muchos otros; lo que genera es una sensación de regreso a casa que puede llegar a ser reconfortante para el oyente. Aunque la obra se entienda mejor siendo tocada en su totalidad, hay un movimiento que a veces es extraído e interpretado en solitario: la Pavana Triste que, al igual que hizo Bach con sus suites y partitas, simplemente es un esbozo, casi un espejismo, de aquella danza ceremoniosa que en el siglo XVI copó folios y folios, del mismo modo que salones y banquetes cortesanos. La Guabina para un músico del sur del guitarrista y compositor Daniel Saboya (n. 1980) también es una sugerencia del género que habita pacífica y simultáneamente en Boyacá y Cundinamarca, en Santander, y en Huila y Tolima. La guabina es tan propia de estos tres espacios como de la herencia española que extendió la tradición de las coplas, improvisadas o no, en octosílabos, en décimas, y que se traducen en cada región de Hispanoamérica en géneros como la trova, el gato, la payada, la pirakua, el son jarocho o el pajarillo, entre muchísimos otros. La guabina, que normalmente es cantada por dos voces femeninas, suele alternarse con momentos instrumentales correspondientes al patrón del torbellino que, a su vez, recuerda aquella práctica que en el siglo XVII fue utilizada ilimitadamente por compositores del antiguo continente y que consistía en realizar variaciones sobre un mismo esquema rítmico, melódico o armónico que se repetía varias veces: el basso ostinato, o bajo ostinado. La guabina alguna vez fue mal vista: pertenecía al pueblo y su ‘bajo’ mundo; hecha con tiples, guitarras y músicos ‘de oído’ era pobreteada frente a la música de la élite, la música europea que hablaba a través de pianos, violines y partituras: Hasta en la música se le ve la tendencia a rebajarse. Un cristiano con ese oído, con esa voz, se puso a aprender tiple y a cantar guabinas y monos, en vez de aprender peano [sic] o veolín [sic] y a cantar cosas de ópera. No sé cómo no ha entrado en La Lira o en la banda de los Paniaguas; porque, desde que sea con artesanos y con zambos está en su elemento (Carrasquilla en Urrego, 2020, p. 141). 9 Pero ahora se sabe que la guabina une; une voces, amores, tiempos, continentes… como lo hizo alguna vez Gentil Montaña con la Guabina viajera que compuso en una de sus estancias lejos del país, y como lo hace Daniel Saboya con esta guabina, que sugiere el diseño rítmico de este género, pero con un ropaje armónico y melódico completamente urbano y que bebe de la fuente de la música del siglo XXI. La guabina fue sacada de su contexto original no para alejarla de él ni para exterminar sus raíces, sino para insertarla en el mainstream de la música instrumental contemporánea; para darle un nuevo lugar. No en vano, la Guabina para un músico del sur fue ganadora del premio a Obra inédita instrumental en el Festival Hatoviejo Cotrafa de 2013 y, hablando nuevamente de uniones, fue incluida, dos años después, en el álbum Bogotá-Buenos Aires del Quinteto Leopoldo Federico. Referencias Hans T. David, Mendel, A., & Christoph Wolff (Eds.). (1999). The Bach Reader. W.W. Norton & Company. Koopman, T. (2011). Johann Sebastian Bach - Six partitas for harpsichord (Clavier Übung I) BWV 825-830 [CD]. Ámsterdam. Levit, I. (2014). Bach Partitas: BWV 825-830 [CD]. Urrego Arias, H. A. (2020). El tiple, instrumento musical acompañante. La invención de la nación, un caso de momoria visual de lo popular en Colombia, 1886-1910. Universidad Nacional de la Plata. La Plata. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 10 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez- Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 34 Estreno: miércoles 27 de octubre • 6:00 p.m. WANKARA ensamble de percusión (Colombia) Foto: Marco Roa RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalFlorencia Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LA AGRUPACIÓN WANKARA, ensamble de percusión Wankara fue fundado en 2011 con el fin de desarrollar y ampliar la música de cámara en el ámbito de la percusión, siendo un grupo versátil, capaz de desenvolverse en distintos estilos musicales. Tiene, además, varios propósitos: la búsqueda de nuevas sonoridades y de obras escritas para percusión, la incursión en la música contemporánea y la música colombiana, así como la apertura del panorama profesional de la percusión, la música de cámara, y la pedagogía en el medio laboral en cooperación con otras disciplinas y en la exploración y explotación de todas las posibilidades del artista como ser íntegro. El ensamble fue ganador en varias convocatorias, entre ellas, el Concurso Ciclos de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos, organizado por el Programa Distrital de Estímulos 2012 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; la Convocatoria Jóvenes Talentos de la Música 2013, organizada por la Alianza Francesa; la Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2013; y el I Festival de Música de Cámara, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El ensamble obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Ensambles de Percusión 2016, organizado por el Italy Percussive Arts Society (ITALY PAS). En el campo pedagógico, Wankara ha ofrecido clases magistrales y conciertos didácticos, siendo partícipes de las iniciativas que al respecto se han realizado en la ciudad de Bogotá, entre las cuales se destaca el proyecto Maleta Pedagógica, lanzado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá; el programa Música Itinerante, de Compensar; el ciclo de Conciertos Didácticos, organizado por la Red de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed); múltiples conferencias en diferentes escenarios del país; y clases virtuales en el Top Show Colombo, organizado por el Centro Colombo Americano de Bogotá. Partiendo de la aproximación que cada uno de los integrantes ha tenido con las músicas tradicionales de Colombia, Wankara dio un paso significativo al consolidar un taller de música colombiana, realizado University of Minnesota en 2012, gracias al apoyo y colaboración de Fernando Meza, profesor asociado al área de percusión de la misma institución. 4 Conozca más acerca de la agrupación Wankara También, cabe resaltar la participación del ensamble en La música de Francisco Zumaqué, concierto en homenaje al compositor colombiano presentado en 2014 por el Banco de la República, así como en el IV Festival Internacional de Percusión, celebrado en Ibagué en 2015. Entre sus más recientes actividades se destaca, adicionalmente, su participación como ensamble invitado en el V Festival Internacional de Percusión, realizado en Ibagué; en el concierto de lanzamiento de la página web Wankara, que tuvo lugar en el Teatro El Parque; en la apertura del ciclo de conciertos Tairona Joven, organizado por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá; y en el II Laboratorio Nacional de Percusión, organizado por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Universidad Nacional de Colombia, en el que alternó una presentación con la Katarzyna Mycka. También sobresale su incorporación a la empresa Innovative Percussion como grupo artista promotor. Recientemente, Wankara obtuvo el primer puesto en el concurso Premio Grupos de Cámara en la categoría de uno a cinco años de conformación, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Participó en el I Festival Internacional de Percusión COLPAS 2020, organizado por el Colombian Chapter Percusive Arts Society, y en varios conciertos virtuales interpretando obras como Kyoto, Lime Juice y La patasola. Wankara tyuvo presencia también en las conferencias y clases de percusión corporal y percusión no convencional del Colombo Top Show 2021, evento hecho por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá. 5 Canto al Llano (2011) GUILLERMO ANDRÉS OSPINA (n. 1989) Música de la tierra (2020-2021) JUAN JACOBO RESTREPO (n. 1978) La seño Mery (2021) MELISSA PINTO (n. 1987) La patasola (2010) SERGIO MÉNDEZ SASTRE (n. 1984) Tamburo (2009) RODOLFO BADEL CASTRO (n. 1987) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria El origen de la música se remonta al origen del hombre. Si pensamos en la voz como el instrumento básico inicial es importante analizar el control que se pueda tener sobre esta. Científicos investigadores del tema han estudiado los cráneos fosilizados y las mandíbulas de nuestros ancestros lejanos para ver si eran capaces de vocalizar y controlar el tono. Como resultado sabemos que, hace cerca de un millón de años, el ancestro común de los neandertales y los humanos modernos tenía la anatomía vocal para ‘cantar’ como nosotros, pero por supuesto, no es posible saber si lo hizo. Entra en el terreno de las hipótesis, según lo expuesto por el percusionista e historiador Jeremy Montagu (1927– 2020) en uno de sus artículos sobre el origen de la música y los instrumentos. Montagu nos recuerda que un componente fundamental de la música es el impulso rítmico, y que es muy posible que nuestros primeros antepasados ​ hayan creado música rítmica aplaudiendo y golpeando piedras o palos. No se cuenta con muestras de estos instrumentos porque seguramente fueron fabricados de materiales blandos como madera o cañas, razón por la cual no se han conservado. Los que han sobrevivido están hechos de hueso y tienen alrededor de 40.000 años (Montagu, 2017). Sin embargo, aunque los instrumentos de percusión nos han acompañado desde siempre, es solo hasta el siglo XX que en la llamada ‘música de concierto’ adquirieron pleno estatus y autonomía. Antes, eran considerados como puramente ornamentales, sin ‘significación musical intrínseca’, como lo afirma Rimski-Korsakov (1844-1908) en su conocido texto Principios de orquestación (1982, p. 36). Es dentro de este panorama que aparece la muy representativa contribución de los compositores latinoamericanos, entre des décadas de 1930 y 1960, que propicia la creación y desarrollo del ensamble de percusión instrumental. Rítmica No. 5, en tiempo de son, y Rítmica No. 6, en tiempo de rumba, compuestas ambas por Amadeo Roldán (1900-1939), entre 1929 y 1930, son las primeras obras de percusión sola pensadas para una sala de concierto y, por lo tanto, el inicio del género. Si bien es cierto que Ionisation de Edgard Varèse (1883-1965), concluida el 13 de noviembre de 1931, es señalada, generalmente, como la primera obra para ensamble u orquesta de percusión, la realidad es que fue precedida por las obras de Roldán y que Varèse 7 tuvo conocimiento previo de estas piezas. Otras dos obras latinoamericanas fundamentales en este periodo son Toccata para instrumentos de percusión (1942), compuesta por Carlos Chávez, muy bien valorada y aplaudida por audiencias internacionales, y Cantata para América mágica (1960), de Alberto Ginastera, para soprano y una orquesta que emplea 53 instrumentos de percusión. El concierto que presenta Wankara continúa dentro de la tradición de los compositores latinoamericanos de tener un interés particular por la percusión y sus posibilidades expresivas. Los compositores hacen parte de una generación joven con posibilidades de acceder a la excelente formación que ofrecen las universidades nacionales hoy en día, tanto en los niveles de pregrado como posgrado, y al contacto amplio con el contexto global y local. Las obras muestran un aprecio significativo por las músicas propias de las distintas regiones de nuestro país y exploran nuevas formas de acercamiento a sus valores musicales. Guillermo Andrés Ospina Martínez (n. 1989), uno de los percusionistas colombianos más destacados de las nuevas generaciones, comenzó sus estudios musicales a la edad de nueve años en la Fundación Nacional Batuta. En 2011 obtuvo el título de pregrado como Músico Percusionista, bajo la tutoría de Federico Demmer, en la Universidad Nacional de Colombia. Estudió con Gabriel León, Tania Mojica, Eduardo Caicedo, Diana Melo y Federico Demmer, y participó en clases magistrales con reconocidos maestros a nivel mundial como Jean Geoffroy, Juan David Forero, David Friedman, Hossam Ramzy, Zak Bond, Samuel Torres, Fernando Meza, Gwendolyn Thrasher, Keith Aleo, Pedro Carneiro, Tsuey Ying Tai y Taiko Saito. Su bagaje musical incluye elementos de la música tradicional y del jazz, influenciado por el contacto con músicos de la talla de Orlando Yépez, Gabriel Torregrosa y Juan David Castaño, en el área tradicional; y Antonio Arnedo, Vibe Trío de Ucrania, Ronald Carter, Héctor Martignon, Oscar Stagnaro, Juilliard Jazz Ensemble, en el área de jazz. Ha tenido destacadas participaciones en el ámbito musical nacional: ganador del IX Concurso Nacional de Interpretación Musical – Percusión Sinfónica en la categoría juvenil, en 2007, hizo parte de la Youth Orchestra of the Americas (YOA) en su gira 2010 y ha sido integrante de la Filarmónica Joven de Colombia (FJC) desde 2010. En 2012 fue solista en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Actualmente, se encuentra adelantando sus estudios de doctorado en la Universidad de Miami. Sobre Canto al Llano, Óscar Romero, integrante de Wankara, comenta: 8 La obra inicia con una introducción atmosférica que nos muestra un amanecer marcado por la salida del sol. Inspirado en los cantos de vaquería, aparecen el vibráfono frotado con arco, el platillo suspendido, que representa al sol, y las marimbas con los elementos melódicos. A continuación, un golpe de joropo cruzado (Pajarillo) incorpora la vitalidad del llano y conduce a un merengue venezolano, donde la obra abre un espacio improvisatorio con un solo de vibráfono y otro de maracas. Finaliza con un unísono acompañando la marimba bajo (2021). Juan Jacobo Restrepo Quintero (n. 1978), compositor y percusionista nacido en Cali, es Maestro en Interpretación Musical del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali y Magíster en Música, Énfasis en Composición, de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá). Desde muy temprana edad se ha dedicado a la investigación y exploración de recursos sonoros a partir de la interpretación de la percusión popular y académica, la orquestación, la composición, la producción musical, la música electrónica y la musicología. Se desempeñó como timbalista de la Orquesta Sinfónica del Valle del Cauca, desde 1999 hasta 2001. Fue percusionista invitado de la Banda Departamental del Valle y miembro fundador del Ensamble de Percusión y el Ensamble de Percusión Autóctona del Conservatorio Antonio María Valencia. Desde 2003 forma parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y, recientemente, del equipo de posproducción de la serie documental sobre la misma orquesta, Contra el olvido. Debutó como compositor en 2011 con las obras Impresiones sobre un día bajo cielos grises, para cuarteto de percusión, y su primer Cuarteto de cuerdas, estrenadas por el ensamble Percanto de Medellín y el Cuarteto M4nolov. Su Cuarteto de cuerdas fue incluido en la programación del Festival de Cuartetos de Cuerda organizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango en 2012. Fue ganador del Premio de Composición de Bogotá - Formato Sinfónico 2019 con la obra Paisaje sonoro con merengón y butifarra. Ha realizado colaboraciones como compositor y diseñador sonoro en el drama Inefable y en La Belleza de los Naufragios, del proyecto experimental de danza-teatro Dolor. Sobre Música de la tierra, el compositor manifiesta: Está dedicada a la memoria de Juan Antonio Torres Solís, ‘Gualajo’, una de las figuras más importantes de la música del litoral Pacífico colombiano, quien fue mi profesor de percusión tradicional en el Conservatorio Antonio María Valencia. La obra, inspirada en diferentes sonoridades del litoral, mezcla la música de la marimba de chonta con otros sonidos característicos del manglar: las ranas, las aves, la lluvia y los esteros (Restrepo, 2021). 9 Melissa Pinto (1987), oriunda de Cartagena de Indias, inició sus estudios musicales a los cinco años. En 2006 se trasladó a Bogotá e ingresó al Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde finalizó su pregrado como músico profesional. En 2018 recibió una beca de Erasmus para estudiar un año en la Universidad de Música y Artes escénicas de Graz, bajo la guía del compositor y arreglista Ed Partyka. Actualmente, culmina una maestría en Composición y Arreglos en la Universidad de Música y Danza de Köln. Desde 2012, Melissa Pinto ha iniciado su propio proyecto que explora diferentes posibilidades de integración de las músicas de los litorales colombianos con el lenguaje del jazz y le ha merecido una nutrida actividad artística y reconocimientos. Ha tocado en la HfMT Köln y en el Festival Jazz Against the Machine en Artheater en Köln. En 2015, el Melissa Pinto Quinteto fue ganador de la beca para giras nacionales - IDARTES, participando en los festivales Ajazzgo, Medejazz y Pastojazz, gira en la que abrió el concierto del pianista Danilo Pérez. En 2016, Melissa fue ganadora del Premio Peña de Mujeres, de la FUGA, y, con su cuarteto, participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. En 2017, junto con su agrupación, realizó una gira por diez ciudades colombianas con el apoyo del Banco de la República, en escenarios como la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, el Festival Internacional de Piano en Bucaramanga, el Teatro Adolfo Mejía en Cartagena y la Feria del Libro en Manizales. Ha grabado dos producciones discográficas: Familia caribe (2017) y Oí na’ ma (2014), esta última catalogada por la Revista Semana como uno de los mejores trabajos discográficos en Colombia del 2014. La seño Mery, su primera obra para percusión sinfónica, fue comisionada por Wankara y tendrá en este concierto su estreno mundial. Está dedicada a la madre de la compositora y tiene como fundamento el ritmo del porro palitiao. El lenguaje, la armonía y la estructura de la pieza están basadas en el jazz, incluyendo una sección de improvisación de redoblante. Sergio Méndez Sastre (n. 1984) es gestor y artista multidisciplinar. Músico multi-instrumentista, compositor, arreglista, director y productor musical. Adicionalmente, es profesor de instrumentos (como piano, guitarra, bajo y batería) y de cátedras (como historia y teoría de la música, armonía moderna, orquestación clásica y popular, e iniciación musical en todas las edades). Es actor clown y malabar; educador popular, líder de procesos artísticos y sociales con la Orquesta Aula Libre, Caída Libre Circo-Teatro y Escuela Popular de Artes. 10 Su obra, La patasola, es la primera que fue escrita para Wankara y tiene una dedicatoria que el compositor adicionó en 2015: ‘Para Wankara y el pulso de sus corazones’. Es una de las piezas de su trabajo de grado Los bambucos; Sergio dice al respecto: La Patasola es una obra que hace parte de Los Bambucos, donde se explora la diversidad de sonoridades que hacen parte de los bambucos, además de situarlos dentro de sus contextos y poblaciones. Dentro de la obra encontramos una pregunta por las posibilidades de la polimetría a su vez que un acercamiento a las características melódicas del bambuco (Méndez, 2021). Adicionalmente, Óscar Romero amplía lo anterior diciendo que «[…] la interpretación subraya la expresión del bambuco viejo» (2021). Rodolfo Alejandro Badel Castro (n. 1987) nació en Bogotá. A temprana edad se trasladó a la Costa Atlántica, donde recibió una gran influencia de la tradición musical familiar y de la región. Su idea era convertirse en instrumentista, cursó estudios de violín y guitarra clásica, pero se decidió por la composición. Obtuvo su pregrado en la Universidad Javeriana, donde se destacan, entre sus profesores de composición y teoría, Carolina Noguera, Juan Gabriel Osuna, Juan Antonio Cuéllar, Diego Vega, Guillermo Gaviria y Carlos Julio Ramírez. La calidad de su trabajo ha merecido reconocimientos como la primera mención de honor en el Concurso de composición del Ministerio de Cultura (2010) a su obra Phasis para Ensamble Pierrot. Remembranzas participó en el Segundo Festival Internacional de Cuartetos de Cuerdas organizado por el Cuarteto QArte, en 2016. Eco, para piano solo, fue estrenada en Bogotá durante la residencia del ensamble español Taller Sonoro, por el pianista Ignacio Torner, ejecución que se repitió en la temporada 2018/2019 en Sevilla (España). Abozao’, para violonchelo y piano, fue presentada en la Ópera de Lille (Francia) por el violonchelista colombiano José David Sierra y el pianista francés Alphonse Cemin. Trashumancia, escrita para la soprano Sara Badel y un ensamble de cámara, se grabó en los estudios de la Universidad Javeriana y fue estrenada en los auditorios Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional y Otto de Greiff de la Universidad Nacional, en 2019. En la actualidad, se encuentra culminando sus estudios de la Maestría en composición en la Universidad Javeriana, bajo la tutoría de la compositora Carolina Noguera Palau. Tamburo, para cinco percusionistas, fue compuesta en 2009. Recientemente, en 2021, fue revisada y dedicada a Wankara. El compositor ofrece la siguiente reseña: 11 La obra está estructurada en un sólo movimiento, con una duración total aproximada de 12 minutos. Se encuentra estructurada en cinco secciones y se desarrolla en un constante diálogo entre materiales gestuales que se transforman progresivamente, a través de procesos aditivos y patrones rítmicos de la música del caribe colombiano. Estos últimos aparecen repentinamente o también como consecuencia del proceso de transformación de los materiales gestuales (Badel, 2021). Referencias Badel, R. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Méndez, S. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Montagu, J. (2017). How music and instruments began: a brief overview of the origin and entire development of music, from its earliest stages. Frontiers in Sociology, 2, 8. Restrepo, J. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Rimsky-Korsakov, N. (1982). Principios de orquestación. Buenos Aires: Ricordi. Romero, O. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 12 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Wankara fue fundado en 2011 con el fin de desarrollar y ampliar la música de cámara en el ámbito de la percusión, siendo un grupo versátil, capaz de desenvolverse en distintos estilos musicales. Tiene, además, varios propósitos: la búsqueda de nuevas sonoridades y de obras escritas para percusión, la incursión en la música contemporánea y la música colombiana, así como la apertura del panorama profesional de la percusión, la música de cámara, y la pedagogía en el medio laboral en cooperación con otras disciplinas y en la exploración y explotación de todas las posibilidades del artista como ser íntegro. El ensamble fue ganador en varias convocatorias, entre ellas, el Concurso Ciclos de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos, organizado por el Programa Distrital de Estímulos 2012 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; la Convocatoria Jóvenes Talentos de la Música 2013, organizada por la Alianza Francesa; la Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2013; y el I Festival de Música de Cámara, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El ensamble obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Ensambles de Percusión 2016, organizado por el Italy Percussive Arts Society (ITALY PAS). En el campo pedagógico, Wankara ha ofrecido clases magistrales y conciertos didácticos, siendo partícipes de las iniciativas que al respecto se han realizado en la ciudad de Bogotá, entre las cuales se destaca el proyecto Maleta Pedagógica, lanzado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá; el programa Música Itinerante, de Compensar; el ciclo de Conciertos Didácticos, organizado por la Red de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed); múltiples conferencias en diferentes escenarios del país; y clases virtuales en el Top Show Colombo, organizado por el Centro Colombo Americano de Bogotá. Partiendo de la aproximación que cada uno de los integrantes ha tenido con las músicas tradicionales de Colombia, Wankara dio un paso significativo al consolidar un taller de música colombiana, realizado University of Minnesota en 2012, gracias al apoyo y colaboración de Fernando Meza, profesor asociado al área de percusión de la misma institución. También, cabe resaltar la participación del ensamble en La música de Francisco Zumaqué, concierto en homenaje al compositor colombiano presentado en 2014 por el Banco de la República, así como en el IV Festival Internacional de Percusión, celebrado en Ibagué en 2015. Entre sus más recientes actividades se destaca, adicionalmente, su participación como ensamble invitado en el V Festival Internacional de Percusión, realizado en Ibagué; en el concierto de lanzamiento de la página web Wankara, que tuvo lugar en el Teatro El Parque; en la apertura del ciclo de conciertos Tairona Joven, organizado por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá; y en el II Laboratorio Nacional de Percusión, organizado por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Universidad Nacional de Colombia, en el que alternó una presentación con la Katarzyna Mycka. También sobresale su incorporación a la empresa Innovative Percussion como grupo artista promotor. Recientemente, Wankara obtuvo el primer puesto en el concurso Premio Grupos de Cámara en la categoría de uno a cinco años de conformación, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Participó en el I Festival Internacional de Percusión COLPAS 2020, organizado por el Colombian Chapter Percusive Arts Society, y en varios conciertos virtuales interpretando obras como Kyoto, Lime Juice y La patasola. Wankara tyuvo presencia también en las conferencias y clases de percusión corporal y percusión no convencional del Colombo Top Show 2021, evento hecho por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá.

Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez- Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.

AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a lo bien que pueden mezclarse. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como en el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, y en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena, Anneleen Lenaerts. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Muìsica de Medelliìn. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como flautista en la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifoìnico de Medelliìn y las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá, y como primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil en 2018 y 2019. Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016, fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatorio Real de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stephane Reìty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy; actualmente, se encuentra cursando su segundo año de Máster en Interpretación con Denis- Pierre Gustin en el Instituto Real Superior de Música de Namur, en Bélgica, y es profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catalina (Femusc) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría intermediate primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, en 2020 y 2022, así como de la de músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020.

Wankara fue fundado en 2011 con el fin de desarrollar y ampliar la música de cámara en el ámbito de la percusión, siendo un grupo versátil, capaz de desenvolverse en distintos estilos musicales. Tiene, además, varios propósitos: la búsqueda de nuevas sonoridades y de obras escritas para percusión, la incursión en la música contemporánea y la música colombiana, así como la apertura del panorama profesional de la percusión, la música de cámara, y la pedagogía en el medio laboral en cooperación con otras disciplinas y en la exploración y explotación de todas las posibilidades del artista como ser íntegro. El ensamble fue ganador en varias convocatorias, entre ellas, el Concurso Ciclos de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos, organizado por el Programa Distrital de Estímulos 2012 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; la Convocatoria Jóvenes Talentos de la Música 2013, organizada por la Alianza Francesa; la Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2013; y el I Festival de Música de Cámara, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El ensamble obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Ensambles de Percusión 2016, organizado por el Italy Percussive Arts Society (ITALY PAS). En el campo pedagógico, Wankara ha ofrecido clases magistrales y conciertos didácticos, siendo partícipes de las iniciativas que al respecto se han realizado en la ciudad de Bogotá, entre las cuales se destaca el proyecto Maleta Pedagógica, lanzado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá; el programa Música Itinerante, de Compensar; el ciclo de Conciertos Didácticos, organizado por la Red de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed); múltiples conferencias en diferentes escenarios del país; y clases virtuales en el Top Show Colombo, organizado por el Centro Colombo Americano de Bogotá. Partiendo de la aproximación que cada uno de los integrantes ha tenido con las músicas tradicionales de Colombia, Wankara dio un paso significativo al consolidar un taller de música colombiana, realizado University of Minnesota en 2012, gracias al apoyo y colaboración de Fernando Meza, profesor asociado al área de percusión de la misma institución. También, cabe resaltar la participación del ensamble en La música de Francisco Zumaqué, concierto en homenaje al compositor colombiano presentado en 2014 por el Banco de la República, así como en el IV Festival Internacional de Percusión, celebrado en Ibagué en 2015. Entre sus más recientes actividades se destaca, adicionalmente, su participación como ensamble invitado en el V Festival Internacional de Percusión, realizado en Ibagué; en el concierto de lanzamiento de la página web Wankara, que tuvo lugar en el Teatro El Parque; en la apertura del ciclo de conciertos Tairona Joven, organizado por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá; y en el II Laboratorio Nacional de Percusión, organizado por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Universidad Nacional de Colombia, en el que alternó una presentación con la Katarzyna Mycka. También sobresale su incorporación a la empresa Innovative Percussion como grupo artista promotor. Recientemente, Wankara obtuvo el primer puesto en el concurso Premio Grupos de Cámara en la categoría de uno a cinco años de conformación, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Participó en el I Festival Internacional de Percusión COLPAS 2020, organizado por el Colombian Chapter Percusive Arts Society, y en varios conciertos virtuales interpretando obras como Kyoto, Lime Juice y La patasola. Wankara tyuvo presencia también en las conferencias y clases de percusión corporal y percusión no convencional del Colombo Top Show 2021, evento hecho por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá.