Carta náutica del Istmo de Panamá, levantada por Thomas Jeffreys, geógrafo inglés. A finales del siglo XVIII Jeffreys publicó diversos mapas oficiales para el gobierno de George III y produjo un gran número de mapas comerciales, especialmente de Norteamérica y las Indias occidentales. En la presente carta se indican las rutas marítimas de la zona, especialmente las recorridas por los Galeones desde Cartagena y Portobello; contiene también rosa de los vientos e indica las corrientes, anclajes e islas aledañas. En la parte inferior incluye una nota titulada “Observaciones” en la cual se narra la fallida propuesta que “Un ingeniero” realizó a la corte de España para la construcción de un canal que comunicara la bahía de Panamá con el Golfo de México.

Mapa de América trazado por Jodocus Hondius (1563-16912). Hondius fue uno de cartógrafos y grabadores más prominentes de su época, su trabajo permitió que Ámsterdam se estableciera como el centro de las publicaciones cartográficas durante el siglo XVII. Originario de Holanda, durante 1584 se muda a Londres huyendo de la persecución religiosa en Flandes, allí trabajó para los cartógrafos Richard Hakluyt, Edward Wright y Emery Molyneux, sin embargo una de las empresas comerciales más exitosas de Hondius, fue la reimpresión de altas de Mercator al que le agregó 36 mapas de su autoría ayudando a solidificar la reputación póstuma de Mercator. El presente mapa es una representación del territorio americano interpretado por Europa durante el siglo XVII. Contiene dibujos de embarcaciones haciendo referencia a las conquistas y de monstruos marinos que representan los imaginarios europeos frente al Nuevo Mundo. En Sur América se destaca el legendario Lago Parime, la tierra de Fuego separada del continente y el estuario del Río de la Plata, por otro lado en Norte América se destaca la península de California con la desembocadura del río Grande en el golfo de California. En la parte superior izquierda contiene recuadro con mapa de las islas de Groenlandia e Islandia junto a una cartela explicativa en latín. Al lado derecho se referencia parte de Europa Hispánica y África y finalmente en la parte inferior izquierda se nombra la “Terra Australis Incógnita”, nombre con el cual se conocían los territorios del continente australiano, inexplorados para aquel entonces.

Concierto celebrado por el pianista Antonio Baciero en el marco del ciclo de música española de teclado para los siglos XVI al XVIII. Baciero nació en Aran da de Duero en 1936, dando su primer concierto público en Pamplona a la edad de diez años. En 1954 obtiene en Madrid el Primer Premio y Premio Extraordinario siendo sus profesores Puri Villar y Julia Parody. Posteriormente estudia en Siena con Agosti y en Viena con los profesores Viola Thern, Badura-Skoda, Brendel y Demus, comenzando su carrera internacional en 1961 al ganar el Premio Especial fundado por Benedetti Michelangeli en el Concurso Internacional "Viotti” de Vercelli. Su presentación en Viena en 1962 con las seis partitas de Bach en un solo recital constituyó un éxito extraordinario siendo considerado por la crítica de Viena como especialista en el gran compositor alemán. Desde entonces actuó en toda Europa extendiendo sus giras a Estados Unidos en 1969.

Foto: Laura Arévalo Jueves 3 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Cartagena, Centro de Formación para la Cooperación Española Cód. PULEP: TAG442 Jueves 10 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: JZG980 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES AGUILAR Y MARÍN dúo de guitarras eléctricas (Colombia) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cartagena, el ingreso al concierto para personas con movilidad reducida es por la puerta principal del Centro de Formación para la Cooperación Española en la Plaza Santo Domingo # 2-74, el cual cuenta con rampas de acceso y ascensor, que permiten su desplazamiento hasta el lugar donde se llevará a cabo el concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 AGUILAR & MARÍN Juan Sebastián Aguilar, guitarra eléctrica Juan Sebastián Aguilar comenzó su formación musical a los cuatro años tocando el violín y a los once años siguió su actividad musical con la guitarra eléctrica, principalmente en los géneros rock y metal. Aguilar es egresado de la carrera de música con énfasis en jazz y músicas populares de la Pontificia Universidad Javeriana. En esta universidad estudió guitarra eléctrica con Richard Narváez y Enrique Javier Mendoza y composición con Julián Valdivieso, Juan Carlos Britto y Juan Gabriel Osuna. Sumado a lo anterior, Juan Sebastián estudió en Nueva Orleans en la Universidad Loyola con Don Vappie, Gordon Towell, Ed Wise, Jason Mingledorff y tomó clases magistrales con Wycliffe Gordon y Robert Trujillo (Metallica) y además tocó con músicos de la escena de jazz local como Cyrus Nabipoor (Sexual Thunder) y Leo Skov (Cakewalk). Movido por el interés y el gusto por la composición y el desarrollo de un sonido personal desde lo colectivo, donde la improvisación desempeña un papel fundamental, Juan Sebastián fundó Arrabalero junto con Juan Ignacio Arbaiza, Daniel de Mendoza y Sebastián Portilla. Igualmente, Juan Sebastián ha compuesto obras interdisciplinarias como A ti no te importa con el performer Rafael Duarte-Uriza y el poeta Julián González. Con Arrabalero, Juan Sebastián ha participado en los principales festivales de Colombia, como el Festival de Jazz Universitario de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Festival de Jazz y Blues de la Libélula Dorada 2017, Jazz al Parque 2017, Tropical Garden 2017, No Me Cortes el Bonsái (2017), y Los 10 años de *matik-matik* (2018). Aguilar es el compositor de Gris · Blanco · Negro, el primer disco de Arrabalero, lanzado en noviembre de 2016, y conformado por ocho composiciones originales. Foto: Laura Arévalo 2 Mateo Marín, guitarra eléctrica Nacido en Manizales en 1994, Mateo Marín inició su formación musical a través del violín. Más tarde incursionaría en la guitarra acústica y la guitarra eléctrica de la mano de los profesores Christian Prado, Andrés Benavidez, Matt Butterman, Richard Narváez y Enrique Mendoza. Durante una breve estadía en Nueva York Mateo se desempeñó como miembro del conjunto Parlor Jazz, liderado por Marjorie Eliot. Después de su regreso a Colombia, Mateo ha colaborado en proyectos de diferente índole que van desde el jazz y la improvisación hasta la canción y el ensamble interdisciplinario, entre los cuales se destacan la Nashville Big Band, Balandra, Las Cigarras, Musgo, el colectivo Dodecaeto, el dúo Aguilar & Marín, el noneto Páramo, el trío Nobucadonosor y Las Tres Efes. Con estas agrupaciones ha participado en el festival de jazz de La Libélula Dorada (2015, 2016 y 2017), el festival de jazz Los colores de la música (2014 y 2016) y el Festival de música sin fronteras (2015). Los dos integrantes de Aguilar & Marín se reúnen en el año 2016 para compartir sus inquietudes y visiones sobre la composición y la composición aplicada a la guitarra. Tras sucesivas incursiones en el ámbito del jazz y de la improvisación, el dúo encuentra cause fructífero en la escritura contemporánea y la interdisciplinariedad. De esta manera, desarrollaron en colaboración con la artista visual Laura Arévalo varias propuestas originales que involucraron la música con otras disciplinas artísticas, trabajos que fueron presentados en el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional (2016 y 2017) y en el concierto Outside In (2017). La característica distintiva en el repertorio de Aguilar & Marín es el humor en sentido abstracto, es decir, la yuxtaposición y coalición de texturas y lenguajes estilísticos aparentemente inconexos, a menudo grotescos o demasiado tiernos. A esta noción también contribuye un uso novedoso, aunque poco sofisticado, de ciertas técnicas tan sólo posibles en la guitarra eléctrica. El concierto en Cartagena cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Nube de papel (2016) JUAN SEBASTIÁN AGUILAR (n. 1993) El monstruo bicéfalo (2016) Estudio con crayolas (2017) Tierra (2017) INTERMEDIO Seis piezas para dúo de guitarras y elogio del tomacorriente (2017) I II III IV V VI Elogio del tomacorriente MATEO MARÍN (n. 1994) Retrato de Isabela (2015) CONCIERTO No. 23 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta R. Cuando pensamos en qué significa la música es probable que lo primero que llegue a la mente esté relacionado con nuestra manera de experimentarla cotidianamente, como escucharla, bailarla, cantarla, tocarla o en casos como el mío componerla o investigarla. Para miles de personas en este momento, e incontables otras a lo largo de la historia, el componer es la relación más cotidiana que tenemos con la música, lo cual nada resta a la sensación de trascendencia que podemos vivir al explorar esta relación con nuestro arte. Para otros miles (o incontables) la cotidianidad musical está definida por el fenómeno de la interpretación, tan profundo y transformador como el anterior. Por supuesto, para innumerables otros es el rol de público el que define su sitio principal en el complejo y maravilloso proceso social que es la música, sostenido cual mesa por tres patas cruciales: los actores culturales que encarnan las funciones de compositor, el intérprete y el público. Es frecuentemente comentado que la construcción de nuestra tradición de música académica occidental1 se ha dado, ante todo, a partir de la fijación de intuiciones musicales a través de la práctica compositiva. En este campo, así nadie toque o cante, la música ya existe en alguna dimensión2; la música -o algo esencial de ella- ha sido ‘fijada’ en un medio escrito o sonoro ya sea como partitura tradicional, cifrado, gráfico, instrucciones textuales, grabación, filmación, etc. Al hacerse esto se definen los roles sociales antes listados con ‘la obra’, funcionando como puente conector entre los actores culturales. Es la obra la que hace que el compositor sea compositor, que el intérprete sea intérprete y que estos se encuentren con el público en un ritual de comunión muy específico: ese ritual es el concierto. Sin embargo, hay que señalar que la obra existe antes del concierto, ya que es creada por el compositor en otro tiempo y en otro espacio, lo cual se da normalmente en un proceso de contemplación solitaria. Además de esto, la construcción de la interpretación de la obra, tarea desarrollada por el intérprete3, 1 Es ‘nuestra’ ya que por lo menos se viene produciendo en las tierras que habitamos desde el siglo xvi. 2 El que la música suene o no es otro problema y esa es una de las inquietudes fundamentales para la ontología musical. 3 Diferencio aquí intérprete de ejecutante, ya que el segundo simplemente hace sonar lo que está escrito en la partitura, mientras que el primero crea a partir de la partitura una lectura propia de la misma para llegar a una versión propia de la obra. 5 también se lleva a cabo en otros tiempos y espacios. Así, un concierto resulta ser la hermosa comunión del resultado de dos procesos llevados a cabo previamente en los laboratorios alquímicos del compositor y del intérprete. Sumado a lo anterior, el aspecto que ahora llamamos ‘performático’ es el que reinserta una dramaturgia al tiempo y el espacio compartido por los tres actores culturales (compositor, intérprete y público). De esta manera, un concierto permite recrear aspectos fundamentales de lo que somos o queremos ser como sociedades, lo cual hace que la música en vivo sea, potencialmente, una especie de pulmón que mantiene viva y transforma activamente nuestras culturas. Por otra parte, a través de la partitura, fruto de una composición, el intérprete convierte un símbolo visual codificado en un sonido, hace público algo que era privado, podríamos decir, que democratiza lo que hasta hace un instante era iniciático. Sin embargo, como la partitura plantea una existencia musical independiente de una interpretación dada, el goce de la música interpretada, a diferencia del goce por la música compuesta, se trata de la relación dramática entre lo conocido y lo desconocido. Lo primero es la obra preexistente y lo segundo es la interpretación particular que estamos escuchando. Podríamos entenderlo como una situación en la cual el intérprete plantea la ‘suprasintaxis’ de su interpretación a la sintaxis básica de la pieza previamente compuesta. El concierto de hoy ciertamente está basado en la relación dialéctica entre la composición y la interpretación; sin embargo, a diferencia de lo que podría pasar con una pieza de repertorio ‘normal’ de música contemporánea para guitarras eléctricas4, en este caso los dos roles son cumplidos por las mismas personas. Esto significa que probablemente gran parte del público no conozca las piezas que escucharemos y si acaso las conocemos, seguramente estas no serán en versiones de otros intérpretes, descolocando así aquella idea de sintaxis/suprasintaxis antes presentada. Sin embargo, hay aquí algo que actúa en otra dirección: la indeterminación. Durante dos milenios y medio, los desarrollos de diferentes tipos de notación en occidente estuvieron enfocados en lograr un mayor control sobre el sonido al cual se llegaba a partir de una intuición musical. Esto significó una determinación siempre creciente de quien fungía como compositor sobre aquello que un 4 En su trabajo de grado desarrollado en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, el guitarrista Johan León, reaccionando a la insistencia de sus profesores en que supuestamente no hay repertorio de música académica contemporánea para/con guitarra eléctrica, recopiló información de unas 4500 obras que usan este instrumento. A pesar del amplio repertorio con la guitarra eléctrica este sigue brillando por su ausencia en los programas académicos de formación, así como en los espacios de conciertos, de publicación fonográfica, etc. 6 eventual público, llámese como se llame en sus diferentes contextos y épocas, escucharía. Este control se expresó a través del desarrollo de una notación cada vez más rica y sutil, que fue permitiendo definir a qué altura cantar (desde el siglo xi), con qué duración hacerlo (desde el siglo xiii), cuándo usar un instrumento y no la voz (desde el siglo xv) o a qué intensidad sonar (desde el siglo xvii). Ya con algún control sobre los cuatro parámetros básicos del sonido (altura, duración, timbre e intensidad), en los siglos xviii y xix los compositores se concentraron en incrementar la gradación y la fineza del control sobre estos parámetros. Arnold Schoenberg (Austria, 1874-1951), un heredero directo de esta tradición, representó en la primera mitad del siglo pasado un punto de llegada del poder determinístico. Sin duda, muchos han continuado la sofisticación de aquellas herramientas notacionales, como lo podemos escuchar o ver en obras de compositores vivos, por ejemplo, Brian Ferneyhough (Inglaterra, n. 1943). No obstante, John Cage (EUA, 1912-1992), un alumno de Schoenberg, se encargó de encender la duda ante la tradición determinística, convirtiéndose en uno de los más influyentes músicos en la historia de occidente. Así, las últimas siete décadas han encontrado en el indeterminismo un fructífero camino de exploración tanto para la música como para otros campos de la experiencia y el conocimiento humano. Vale la pena comentar que en tradiciones diferentes a la académica occidental, es decir, aquellas en las cuales la sofisticación de las herramientas notacionales no ha sido tan importante, el menor control ejercido por la notación significa otras cosas. La ausencia del uso de la notación no es vanguardia ni experimentación, como tampoco es cuestionamiento ni replanteamiento. En tradiciones orales, por ejemplo, no existe una notación desde su misma definición, como contrapeso, frecuentemente encontramos un control comparativamente férreo en el proceso de enseñanza. Esto se entiende porque la oralidad corre los riesgos de vaguedad o inconsistencia, lo cual podría llevar a la eventual disipación de la tradición misma. En prácticas basadas en un soporte sonoro, músicas populares urbanas, por ejemplo, las relaciones con una eventual notación y con su propia oralidad suelen ser de entrada más laxas, ya que el ‘texto’ que da cohesión a la tradición es, justamente, una grabación. Antes de llegar a ella, sin embargo, la relación entre composición e interpretación se halla frecuentemente matizada por conceptos como arreglo, cover, versión, remix y un largo etcétera de situaciones transformativas que se hacen necesarias, ya que la composición inicial está, en efecto, menos determinada. De esta manera, el repertorio que nos ofrece el dúo de guitarras eléctricas Aguilar & Marín combina aspectos de músicas académica y popular en diferentes sentidos. Hay una evidente intención camerística, pero esta es expresada a través 7 de instrumentos que muchos insisten en relacionar solo con prácticas populares. En algunas piezas, el tratamiento de lo que antiguamente se rotulaba como ‘ruido’ -el hum de la señal eléctrica o la retroalimentación del sonido- nos recuerda la música académica contemporánea; mientras que las texturas y melodías en otras piezas nos conectan con la balada pop. En alguna pieza surge lo que parecerían ser fragmentos de una canción de thrash metal y en otra lo que podrían ser rezagos de una tarea de contrapunto. Según el dúo, habría una intención humorística detrás de todo esto, explicada como «[…] la yuxtaposición y coalición de texturas y lenguajes estilísticos aparentemente inconexos, a menudo grotescos o demasiado tiernos». Aunque en el enunciado de este programa aparecen claramente asignadas las composiciones a uno y otro miembro del dúo, lo que nos cuenta Mateo Marín sugiere procesos muy cercanos a los de una banda de rock: a pesar de que el impulso creativo puede comenzar desde uno de los músicos, con frecuencia, el proceso mismo de tocar y discutir lleva a cambios importantes en la música. De igual manera, se presenta o no escritura de ideas musicales y si la hay, esta puede ser con mayor o menor grado de determinación y presentarse a manera de partituras, de instrucciones, etc. El rol y tipo de improvisación que aprendieron los guitarristas en sus estudios de jazz se ven transformados hacia nociones provenientes de la experimentación en tradición académica de las últimas décadas. Ideas que en un momento definían distintas piezas o canciones pueden converger en una de estas, o bien elementos de una sola composición pueden divergir después en dos obras nuevas. Los títulos van y vienen con la mutación misma de la música y con el cambio de significado que esta tiene para el dúo. La primera mitad del programa se enfoca en composiciones de Juan Sebastián Aguilar y estas son descritas por Marín de la siguiente manera: […] giran alrededor de la homofonía, la repetición exhaustiva y la improvisación no estilística con breves limitaciones para algunas secciones al interior de las piezas. El uso de la guitarra en esta sección es relativamente convencional, excepto por el uso de pedales que alteran las señales. […] Un buen ejemplo de la primera parte del repertorio es el Estudio con crayolas: una textura enteramente homofónica, con pequeños grupos de notas agrupados simétricamente en el tiempo. Esta simpleza está tildada por una ambigüedad: el timbre de cada grupo es de libre escogencia, de manera que el color y la curva dramática de la pieza puede mudar entre interpretaciones. A su vez, la segunda mitad el concierto se concentra en las composiciones de Mateo Marín y según sus propias palabras estas piezas: […] giran alrededor de la polifonía, de la yuxtaposición de texturas disímiles y a menudo absurdas, la improvisación alrededor de instrucciones muy específicas y, en algunas partes, la escritura totalmente determinista. El uso de la guitarra en esta sección está principalmente enfocado en las técnicas extendidas. […] Un buen ejemplo de la segunda parte es la quinta pieza de las Seis piezas para dúo..., donde se explora material construido con técnicas extendidas (ruido de los selectores de micrófono de las guitarras, intervención del humbucker con audífonos y pistas de audio, intervención de las cuerdas con clips, ataque directo sobre el diapasón con el plectro, entre otros) desde una escritura determinista. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Compositores de nuestro tiempo 2 Obras comisionadas por el Banco de la República El disco se constituye en un testimonio sonoro del éxito e impacto que el programa de comisión de obras del Banco de la República ha tenido en algunos de los más destacados creadores colombianos. En esta grabación se presentan tres obras: el Trío Op. 32 de la compositora payanesa Amparo Ángel, interpretado por el Trío Suizo (violín, violonchelo y piano), Oración del compositor antioqueño Andrés Posada, una obra escrita a partir de textos de la escritora Piedad Bonnett e interpretada por la soprano Juanita Lascarro y el pianista Alejandro Roca; y ADAS del compositor barranquillero Guillermo Carbó. ¿EN DÓNDE ADQUIRIRLOS? Valor venta $ 40.000 Valor venta $ 20.000 Si las paredes hablaran: 50 años de música en la Biblioteca Luis Ángel Arango Los textos contenidos en el libro dan cuenta del trabajo musical que adelanta el Banco de la República a través de su Subgerencia Cultural desde hace 50 años, una labor desarrollada de manera sosegada, cuidadosa y con entusiasmo, que ha mantenido en funcionamiento una sala con excelentes especificaciones acústicas y arquitectónicas, una dotación de instrumentos apreciada por los artistas que la visitan, y programas orientados a promover la práctica y la apreciación musical con criterios de excelencia artística. ART BOOKS Librería Biblioteca Luis Ángel Arango Bogotá, Calle 11 No. 4-14 Teléfono: 286 95 41 www.artbookslibreria.com Tango Discos En cualquiera de los puntos de venta en Bogotá www.tangodiscos.com.co Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)

Miércoles 2 de mayo de 2018 · 6:30 p.m. Popayán, Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: BAO541 Viernes 4 de mayo de 2018 · 6:30 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: NDO779 Domingo 6 de mayo de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: QMS654 Viernes 18 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir de la Biblioteca Germán Arciniegas Cód. PULEP: NWK416 Viernes 14 de septiembre de 2018 · 7:15 p.m. Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la Universidad Industrial de Santander Foto: Gabo&Mafe Fotografía Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA VIVIANA SALCEDO oboe / corno inglés (Colombia) RAÚL MESA piano (Colombia) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Manizales, el auditorio cuenta con accesibilidad para personas con movilidad reducida desde la puerta principal del Centro Cultural. En Popayán, el ingreso al auditorio de personas con movilidad reducida es por la rampa ubicada en la carrera 6 con calle 3, esquina. Es importante dar aviso al personal de seguridad para ubicar su posición dentro del auditorio. En Villavicencio, el acceso al Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir de la Biblioteca Germán Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la Carrera 45A # 8-16. En Bogotá, el servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. Para acceder a esta tarifa debe presentar la boleta del concierto al momento de realizar el pago por el servicio de parqueadero. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo P 1 VIVIANA SALCEDO oboe / corno inglés Oboísta egresada del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, en donde se formó con el maestro Andreas Schneider. Beneficiaria de la Beca Jóvenes Talentos 2012 del Banco de la República, gracias a la cual realizó sus estudios de maestría en la Royal Academy of Music en Londres, Inglaterra, en la cátedra de oboe de Celia Nicklin y Melanie Ragge y de corno inglés de Jill Crowther. Fue ganadora del X Concurso de Interpretación Musical «Ciudad de Bogotá», en la categoría juvenil, de la serie Jóvenes Intérpretes 2011 del Banco de la República y del concurso Jóvenes Solistas 2011 de la Orquesta Filarmónica de Cali; también fue invitada como Joven Talento del V Festival Internacional de Música de Cartagena. Ha hecho parte de la Filarmónica Joven de Colombia, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Britten-Pears Symphony Orchestra, la Penderecki Music Academie Westfalen, la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, la Southbank Sinfonia 2015 y de la Royal Scottish National Orchestra. Como estudiante de la Royal Academy of Music fue ganadora del Paddy Purcell Award 2013, del Barri Grimaldi Prize para corno inglés, solista 2013, y del Janet Craxton Memorial Prize 2014. Viviana ha recibido clases magistrales con Daniel Bates, Pedro Díaz, Alex Klein, Nicholas Daniel, Ingo Goritzki, Thomas Indermühle, Nora Cismondi, Fabien Thouand, Domenico Orlando, Maurice Bourgue, Hansjörg Schellenberger, David Walter, Emanuel Abbühl, Albrecht Mayer, Jean-Louis Capezzali y Jonathan Kelly, y ha trabajado bajo la batuta de importantes directores como Thierry Fischer, Maxim Vengerov, Yan Pascal Tortelier, Sir Mark Elder, Baldur Brönnimann, Semyon Bychkov, John Wilson, Antonio Pappano, Vladimir Ashkenazy y Christoph von Dohnányi. Actualmente, se desempeña como profesora de oboe de la Universidad Central, de la Pontificia Universidad Javeriana y es Oboísta Asistente de Principal en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Foto: Gabo&Mafe Fotografía 2 RAÚL MESA FONSECA, piano Inició sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja. Es Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Actuó como solista con la Banda Sinfónica de Vientos de Boyacá bajo la dirección de su padre, el maestro Fabio Mesa, con quien también realizó sus primeros estudios de dirección. Se graduó como Especialista en Dirección de Orquesta en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Obtuvo su título como Magíster en Música de la Universidad Duquesne en Pittsburgh (Estados Unidos), donde estudió con David Allen Wehr y Natasha Snitkovsky. Culminó sus estudios de Maestría en Dirección Sinfónica en la Universidad Nacional de Colombia, bajo la guía del maestro Guerassim Voronkov. Fue ganador del primer premio en el Concurso Nacional de Piano de Bucaramanga en el año 2003. Al año siguiente representó a Colombia en el Festival Internacional de Piano de la Universidad Industrial de Santander en Bucaramanga y tocó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. En varias ocasiones ha colaborado con destacados solistas internacionales como el violonchelista colombiano Santiago Cañón Valencia y el oboísta suizo Emanuel Abbühl. Asimismo, ha sido convocado para tocar y colaborar en importantes eventos tales como el Festival Internacional de Música de Cartagena, la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, el Festival Internacional de la Cultura en Tunja, la Semana del Clarinete en Tunja, la Noche de Violas de la Universidad Javeriana, el Festival Colombia Tuba y el Taller Nacional de Dirección - Orquesta Filarmónica de Bogotá. Con el clarinetista boyacense Fredy Pinzón conforman el Dúo Debussy y, recientemente, lanzaron el disco compacto titulado Contrastes, que se compone de un repertorio universal, latinoamericano y nacional. Con el pianista colombiano Javier Camacho fundó el Dúo Rachmaninoff, con el que realizó recitales a dos pianos en el 2015 en las ciudades de Pittsburgh y Morgantown en Estados Unidos. Es Profesor Asociado de la Universidad Nacional de Colombia, en donde se desempeña como docente de piano, pianista colaborador y coordinador del Área de Acompañamiento. El concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para oboe y piano (1947) Aria. Grave Scherzo. Vif Final. Assiz allant HENRI DUTILLEUX (1916-2013) Sonata para oboe solo (1956-1957, rev. 1999) Präludium Capriccio Aria Finale HEINZ HOLLIGER (n. 1939) INTERMEDIO Liebesruf eines faun (1954) HANS STEINMETZ (1901-1975) Para corno inglés y piano Divertimento (1853) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Para corno inglés y piano Amelia: un pensamiento del Baile de máscaras ANTONIO PASCULLI (1842-1924) Para corno inglés y piano Sobre un tema de la ópera Baile de máscaras de Giuseppe Verdi (1813-1901) CONCIERTO No. 22 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque El oboe (del francés hautbois) se desarrolló en el siglo XVII –a partir de la chirimía soprano– para ser empleado en la interpretación de música en recintos cerrados. La chirimía, un importante miembro de los instrumentos aerófonos de doble lengüeta, se escuchó en Europa a partir del siglo XIII, y su sonido intenso y penetrante permitió que se usara, de manera exitosa, en conjuntos destinados a tocar al aire libre o en grandes salones. El sonido fuerte de las chirimías se fue adaptando a las necesidades del repertorio más íntimo y ya durante el reinado de Luis XIV se comenzaron a construir los célebres oboes Hotteterre, en tres secciones, con su forma cónica característica y obturaciones en el tubo que debían ser cerradas con las yemas de los dedos para emitir las diferentes notas. Hasta el siglo XVIII se construyeron oboes en diferentes tamaños que imitaban la extensión de la voz humana. De esta gama perduraron dos: el tamaño soprano y el tamaño contralto o corno inglés (con una extensión más grave) que aún se emplea con regularidad. En el siglo XIX se desarrollaron mecanismos con llaves para el cierre de las obturaciones. El oboísta envuelve sus labios alrededor de sus dientes y las cañas, y luego sopla aire con gran presión. Sólo un poco de aire entra en la pequeña cavidad que queda entre las dos cañas. Esto hace que el sonido del instrumento sea muy puro, desprovisto de aire excesivo y muy característico. Por la estabilidad de su sonido, se le asigna la tarea de entonar la nota ‘la’ con que afina la orquesta al inicio de sus presentaciones. Con su sonido prístino y nasal, produce melodías dulces y líricas. Precisamente, estas cualidades permitieron que al inicio del siglo XVIII se popularizara el oboe d’amore, un poco más grande que el oboe actual (una tercera abajo) y muy común en la música de J. S. Bach. Entre las obras más conocidas para el oboe solista figuran el concierto de Benedetto Marcello, los solos del oboe d’amore de la Misa en si menor de Bach, el solo de corno inglés en la obertura de Guillermo Tell de Rossini, los conciertos de Albinoni y el concierto escrito por V. Bellini. Henri Dutilleux (1916-2013) En el rico espectro de la cultura musical francesa de la segunda mitad del siglo XX, Henri Dutilleux ocupó un lugar de altísima estima. Fue uno de los músicos modernistas que, inspirados en la innovación francesa representada en la obra de Debussy y Ravel, procedió a experimentar más allá de los logros 5 de sus antecesores y a adentrarse en terrenos del juego sonoro y el atonalismo serialista. Si bien el listado de composiciones de Dutilleux no es muy grande, cada una de sus creaciones es un ejercicio estético variado y profundo. Entre sus piezas orquestales se cuentan dos sinfonías y tres conciertos con solista, pero sus mayores esfuerzos fueron dedicados a las piezas vocales si bien tuvo una interesante producción de música de cámara. Para la creación de sus obras musicales, Dutilleux acudió, con frecuencia, a imágenes poéticas y pictóricas. Las obras de van Gogh, Proust y Baudelaire sirvieron de materia prima para algunas de sus obras más importantes. En el concierto para violonchelo, las citas poéticas fueron incorporadas a la misma partitura. El título del concierto para violonchelo y orquesta proviene del poema La Chevelure (La cabellera), más específicamente de la línea que dice Tout un monde lointain, absent, presque défunt (Todo un mundo lejano, ausente, casi muerto). El concierto para violín se titula L’arbre des songes (El árbol de sueños) y el cuarteto para cuerdas Ainsi la nuit (Así la noche). Recibió premios y comisiones de muchas instituciones, entre ellas las orquestas sinfónicas de Berlín y Boston, y de muchos solistas destacados como Isaac Stern, Mstislav Rostropovich, Paul Sacher y Anne Sophie Mutter. La Sonata para oboe y piano de 1947 no tiene un título sugestivo y está concebida en tres movimientos tradicionales. Apareció como parte del repertorio obligado para los exámenes de oboe en el Conservatorio de París, en donde enseñaba el compositor. En esta obra se pueden escuchar algunos de los caminos musicales trazados por Debussy y Ravel. Precisamente, por esta razón, Dutilleux quiso borrar la obra del listado de sus composiciones. Le parecía escrita con prisa, sin una visión estética original propia y con un final de ambiente excesivamente ligero. A partir de las obras de 1948, Dutillieux recomenzó el conteo de sus composiciones. El primer movimiento es austero y se inicia con un canon. La textura imitativa se mantiene a lo largo del movimiento, pero cede en los dos movimientos siguientes, un Scherzo vivo en tiempo de marcha y un final con bastante energía (Assiz allant). Heinz Holliger (n. 1939) A partir de 1960, el compositor y oboísta suizo Heinz Holliger estuvo ligado a la vanguardia europea representada por el músico francés Pierre Boulez. Las primeras composiciones de Holliger surgieron hacia 1953 e hicieron uso de las técnicas serialistas empleadas por los compositores Webern y Berg. Sin embargo, el enfoque primordialmente contrapuntístico de estas técnicas se difuminó cuando Boulez comenzó a hacer énfasis en las sonoridades armónicas. A partir 6 de la obra Secuencias sobre Juan I: 32 de 1962, Holliger abandona el uso de las series. También a partir de esta obra, Holliger comienza a inspirarse en diversos tipos de textos literarios para sus composiciones, aún para aquellas de índole enteramente instrumental. Su estética evolucionó hacia el trabajo dramático y la experimentación electroacústica. La obra de Holliger abarca todos los géneros musicales, desde los dramáticos hasta los de cámara y vocales. Sus composiciones denotan la búsqueda por los límites del sonido y la Sonata para oboe solo es un buen ejemplo de dicha búsqueda. Es evidente la vocación virtuosística de la pieza, en sus rápidas escalas, ornamentaciones y complejidad contrapuntística. Si bien se percibe la obra como un trozo lúdico y expresivo, contiene auténticos gestos de grandeza. En la introducción, a manera de Preludio, el compositor presenta la base armónica de la pieza con contenido altamente cromático, enteramente atonal sin emplear series. Igualmente, sugiere las capacidades expresivas de su discurso y su intención de usar un amplísimo rango de sonidos. El Capricho es el movimiento estructuralmente más complejo si bien se desarrolla de manera ligera y juguetona para esconder la presencia de la polifonía de voces que conversan animadamente. Lo profundo y lo conmovedor tienen su momento más intenso en el Aria, un trozo de ritmo fluido y suelto. Para el final, Holliger emplea un ritmo complejo e incesante con énfasis en el mensaje del virtuosismo. La obra fue escrita entre 1956 y 1957, y revisada en 1999 para dedicarla a la memoria de su profesor de oboe Émile Cassagnaud. Holliger está asociado a la casa editorial Schott y en su página web es posible consultar detalles de su trayectoria e inclusive, consultar algunas de las partituras1. Eugène Bozza (1905-1991) Bozza nació en Niza en 1905 y se destacó por sus logros en el campo de la dirección, la pedagogía musical y la composición, sobre todo, en lo referente al enriquecimiento del repertorio para los instrumentos de viento. Su formación académica fue producto del Conservatorio de París; recibió el codiciado Prix de Rome en 1934 por su cantata La légende de Roukmani y llegó a ser director de la Escuela de Música en Valenciennes. Entre 1938 y 1948, en los años de guerra, actuó como director de la ópera cómica en París y se desempeñó luego como director de la École Normal de Musique entre 1951 y 1975. Su música continúa con la tradición, muy francesa, en torno a la escritura para instrumentos de madera: Francia ostenta una larga experiencia en cuanto a la construcción de estos instrumentos y a la creación de un repertorio adecuado para los mismos. 1 La página es: www:https://en.schott-music.com/shop/autoren/heinz-holliger 7 El estilo de Bozza se caracteriza por la fluidez melódica, los detalles claros de la estructura y la experimentación con la calidad del sonido de los instrumentos para los cuales escribe. Sus obras poseen una gran elegancia estructural, sonoridades brillantes y dificultades técnicas interesantes. Con títulos como Fantasía pastoral, Improvisación y capricho o Divertimento, presenta obras sugestivas con la potestad de combinar episodios libres al estilo de cadencias que parecen improvisadas, dar rienda suelta a un lirismo intenso o simplemente hacer empleo de ritmos de danza. Estos tres momentos se reconocen claramente en el Divertimento para corno inglés y piano que se inicia con pentafonías exóticas, dando paso a una sección media conmovedora de rico colorido armónico para rematar en un animado pasaje dancístico. Antonino Pasculli (1842-1924) El músico italiano Antonino Pasculli fue un oboísta legendario, cuyas habilidades, en su momento, fueron equiparadas a las del célebre Paganini, quien hiciera historia con sus grandes despliegues de virtuosismo con el violín. Geoffrey Burgess anota lo siguiente acerca de Pasculli: Inició su carrera a los 14 años y realizó giras por Alemania, Italia y Austria. Fue uno de los primeros oboístas de las regiones italianas y austriacas en usar un oboe francés y era afamado por su estilo de bravura, ligero y sin esfuerzos. Con su nombramiento en el Conservatorio de Palermo, a partir de 1860 terminó su carrera itinerante. A partir de 1879 fue nombrado director de los conjuntos musicales de Palermo, trabajo al cual dedicó tiempo y energía. Insistió en que los músicos de banda aprendieran un instrumento de cuerdas para así ejecutar obras de Wagner, Debussy, Grieg y Sibelius. Debido al desarrollo de problemas de visión, ofreció su último concierto público en 1884 y se retiró, en 1913, de la dirección de la banda sinfónica que él mismo creara. No sólo elaboró material pedagógico, sino que compuso música para su propio uso, tales como variaciones sobre temas operáticos populares y obras para banda. Entre sus composiciones más complejas figuran los poemas sinfónicos Naiadi e Silfidi (Náyades y Sílfides) y Di qui non si passa (De aquí no se pasa), una elegía por la muerte de su hijo (Burgess, G.; Grove Music Online). De acuerdo con el gusto de la época, muchas de las composiciones de Pasculli giraron en torno a la ópera italiana. Gran parte del público conocía las arias destacadas de las óperas más populares, lo cual le permitió a Pasculli realizar diversas composiciones basadas en la variación de estos temas. Entre sus obras referidas a la ópera figuran El homenaje a Bellini, una fantasía original para corno inglés y arpa, la fantasía sobre la ópera Poliuto de Donizetti, la fantasía sobre Los Hugonotes de Meyerbeer, un gran concierto sobre temas de las Vísperas sicilianas de Verdi y el concierto sobre temas de La favorita de Donizetti. Hoy escuchamos 8 sus variaciones sobre Baile de máscaras de Verdi, que se centran en el personaje trágico de Amelia, destrozada por el amor que siente por su marido y a su vez por Riccardo, el conde de Warwick. En Amelia: un pensamiento del Baile de máscaras de Verdi, el piano inicia con una introducción a la manera de un pasaje orquestal operático que prepara el aria de uno de los protagonistas. Efectivamente, el corno inglés hace su entrada operática para luego entonar melodías sentimentales, una tras otra, hasta llegar a la explosión virtuosística del final con la ejecución de escalas y figuras a gran velocidad. Bibliografía Burgess, G. (8 de marzo de 2018). Antonino Pasculli, Grove Music Online: Ed. L. Macy. Recuperado de http://www.grovemusic.com Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos organizaciones. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)

Foto: Sonia Hernández Muñoz Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN FELIPE SALAZAR órgano (Colombia) Jueves 17 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WSD890 TOME NOTA El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. El servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. Transcurridas las 4 horas se cobra tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. P 1 JUAN FELIPE SALAZAR órgano Pianista egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Cursó la carrera de Música instrumental en la cátedra de la maestra Ángela Rodríguez Piñeros. Comenzó sus estudios de piano con la maestra Blanca Bernal en la escuela de música La Clave. Posteriormente, en el 2011, se graduó como bachiller técnico en la especialidad de música en el Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco. Ese mismo año ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad Nacional, donde dos años más tarde fue admitido al programa de pregrado. A lo largo de su carrera y como parte del currículo, su formación pianística se vio complementada con los componentes de libre elección dedicados al órgano. Dentro de estas asignaturas estudió bajo la guía del maestro Mauricio Nasi, con quien emprendió una perpetua adquisición de conocimientos para dominar el aerófono con teclados. Paralelamente ha participado activamente en talleres y cursos de órgano en la Biblioteca Luis Ángel Arango con Esteban Elizondo y Pascal Marsault; de piano con Ludmila Weber, de improvisación con Rudolf Lutz, de clavecín con Carole Cesari y de acompañamiento con Philippe Raskin. También, en el marco del ciclo de conciertos Bach en Bogotá de la Catedral Primada, ha tomado parte en las clases impartidas por Pavel Svoboda, Cristina García y Matthias Havinga. Con la puesta en práctica de todos estos saberes, ha realizado numerosas presentaciones que incluyen conciertos con orquesta y recitales como solista, acompañante y en grupos de cámara, en emblemáticos templos de Bogotá y Cundinamarca, como la Iglesia de Nuestra Señora de la Candelaria, la capilla de los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, la Iglesia evangélica luterana San Mateo, la Capilla del Seminario Mayor de Bogotá, el Monasterio San Benito en El Rosal y la Iglesia de los Santos Ángeles Custodios. Durante su paso por la Universidad Nacional fue solista en el ensamble barroco de música antigua, con el que se presentó en el Auditorio Olav Roots en el 2015. Al año siguiente actuó bajo la dirección del maestro Fernando Parra con el órgano de la capilla Cristo Maestro de la misma universidad, en la interpretación del Gloria de John Rutter, junto con el conjunto de cobres del conservatorio de música y los coros de las maestras Beatriz de Calle y Sandra Patricia Rodríguez. Actualmente adelanta estudios de filología en alemán en el Departamento de Lenguas Extranjeras de la Universidad Nacional de Colombia. 2 PROGRAMA Corrente italiana (s. f.) JUAN BAUTISTA JOSÉ CABANILLES (1644-1712) Aria Sebaldina en fa menor, P.198 (1699) JOHANN PACHELBEL (1653-1706) Fantasía y fuga en la menor, BWV 904 (c. 1725) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) INTERMEDIO Lied en la bemol mayor Coral en sol menor LOUIS VIERNE (1870-1937) Dos obras del segundo libro de 24 piezas en estilo libre, Op. 31 (1914) Concierto para órgano solo, Op.153a (adap. 2017) Andante maestoso Quasi adagio Allegro - Toccata MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949) JUAN FELIPE SALAZAR (n. 1995) Adaptación del Concierto para órgano y orquesta, Op.153 (2016) de MAURICIO NASI LIGNAROLO CONCIERTO No. 24 3 LA INMENSIDAD DEL SONIDO Por Angélica Daza «El órgano es, todavía, a mis ojos y a mis oídos, el rey de todos los instrumentos.»1 W. A. Mozart Así respondió el famoso músico austriaco cuando uno de sus contemporáneos se sorprendió al enterarse de su interés por interpretar el instrumento: «¡Cómo! ¿Un hombre como usted, tan buen pianista, quiere tocar un instrumento en el que no hay suavidad ni expresión, ni piano, ni forte, sino que es siempre el mismo?»2 (Curzon, 1888, 105). Esta frase resume la opinión que en muchos medios se tuvo del órgano durante el clasicismo, época en la que, en comparación con el Barroco, el instrumento entró en decadencia. El abandono del bajo continuo en la música clásica y la invención del piano, instrumento más sencillo de manejar y que podía producir nuevos matices, contribuyeron a este olvido progresivo. El órgano tendría que esperar al post-romanticismo y al siglo xx para renacer de las cenizas. El ‘rey de los instrumentos’ es muy antiguo: su origen se remonta al siglo III a. C., y desde entonces ha sufrido adaptaciones y evolucionado en distintos contextos y lugares, para mejorar y ampliar sus capacidades sonoras. Más que un instrumento, es una increíble obra de ingeniería, compleja y sofisticada, que puede alcanzar proporciones gigantes. Los órganos de iglesia más grandes forman parte estructural y estética de los edificios a los que pertenecen. Los órganos de la Edad Media y el Renacimiento eran mucho más pequeños y algunos estaban dotados de mecanismos hidráulicos variados y complejos. Se dividían básicamente en positivos (los que se emplazaban en un lugar) y portativos (los que se podían transportar). Los positivos, aunque más grandes que los portativos, podían desplazarse y no estaban fijos en algún lugar de la iglesia ni integrados a su arquitectura. Williams (1984, 854), en The Grove Dictionary of Musical Instruments, menciona que el órgano fue un instrumento exclusivamente 1 «L’orgue est pourtant à mes yeux et pour mes oreilles le roi des instruments». Extraído de la carta escrita por Mozart a su padre el 17 de octubre de 1777 desde Augsburgo. Traducción por A. Daza. 2 «Comment! Un homme comme vous, un si grand pianiste veut jouer d’un instrument où il n’y a ni douceur, ni expression, ni piano ni forte, mais qui est toujours le même». Mozart, en la carta a su padre del 17 de octubre de 1777, transcribió este comentario hecho por M. Stein. Traducción por A. Daza. 4 eclesiástico entre los años 900 y 1200 d. C.. El nacimiento de la polifonía y de las catedrales góticas produjo importantes avances estructurales en su mecanismo, tamaño y técnica. En rasgos generales, un órgano está conformado por: • Una fuente de alimentación de aire o fuelles: Anteriormente, estos eran activados por personas, y más recientemente, por un motor. El aire es llevado por conductos de alimentación hasta los fuelles de compresión y los secretos. • Mecanismo de compresión de aire: La presión del aire en un órgano es tan importante como en cualquier otro aerófono, pues es lo que asegura la afinación. En los instrumentos modernos este mecanismo es eléctrico. • Secreto: Es la estructura en donde se organizan los tubos y se ubican las válvulas que permiten o no el paso del aire. • Tubos: Organizados en juegos, como una familia de instrumentos, van de los más graves a los más agudos y pueden medir desde algunos milímetros hasta varios metros. Tienen distintas formas (cilíndricos, cónicos, tapados, destapados, etc.) y son fabricados en diversos materiales. • Mueble externo o consola: Es el lugar donde se encuentran los teclados manuales y el pedalero, donde se activan los sonidos. Allí también se encuentran la caja de expresión y las palancas que accionan los registros. • Teclados: Los que se tocan con las manos (manuales), están superpuestos unos a otros y pueden ser entre 2 y 5, según el tamaño del instrumento, pudiendo llegar a cubrir un máximo de 10 octavas. El pedalero es un teclado más grande, de madera, que se toca con los pies, y es el que activa los sonidos más graves. • Registros: Accionados desde la consola por palancas o botones, permiten que se activen ciertos tubos o familias de tubos a voluntad del intérprete. La complejidad y belleza del instrumento radica, entre otros aspectos, en la diversidad de timbres que produce. Algunos tubos tienen biseles o lengüetas, detalles que influyen en el sonido tanto como el material o el tamaño de los tubos. La caja de expresión es un juego de tubos ubicados en el interior de una caja que se abre o se cierra para modular la intensidad del sonido; al igual que la técnica de acoplar los teclados, que permite duplicar los sonidos, la caja de expresión fue ideada en un intento por dotar al órgano de mayor expresividad. La belleza arquitectónica de estos instrumentos salta a la vista, y tal es el caso del órgano que escucharemos en el concierto de hoy. Fue construido para la inauguración de la sala de conciertos —que se llevó a cabo el 25 de febrero 5 de 1966— por el alemán Oskar Binder3 (1911-1990), representante de la casa Walcker. Consta de tres teclados manuales (concertino, positivo y gran órgano), un pedalero y 2436 flautas que miden desde 7 milímetros hasta 5,5 metros4. Según Juliana Pérez, «este nuevo recinto nació con un órgano tubular, fue el primero en Colombia y sigue siendo el único en su clase que cuenta con un órgano» (Pérez, 2009, 34). Dotar a la sala de conciertos con un órgano tubular contribuyó de forma importante a promover el repertorio del instrumento más allá del recinto eclesiástico. El recital de esta noche está compuesto por obras de comienzos de los siglos xx y xxi y por algunas obras del periodo barroco, uno de los más ricos en la historia del órgano. En los siglos xvi y xvii, la técnica de construcción de los órganos se perfeccionó independientemente en cada país de Europa. Por ejemplo, el órgano español en el que compuso Juan Bautista José Cabanilles (1644- 1712) se distinguía de los demás por la disposición horizontal de algunos tubos (trompeterías o lengüeterías) que producían un sonido más brillante y majestuoso. Los órganos españoles no tenían pedaleros o estos eran pequeños. Cabanilles representó la cúspide de la escuela organística española iniciada por Antonio de Cabezón (1510-1566) en el Renacimiento. Su especialidad eran los tientos, forma instrumental hispano-portuguesa, de la que fue prolífico compositor. Según Climent (1999, 828), «hay que pensar, sobre todo, que la música de Cabanilles es típicamente española», pues parece no haber estado en contacto con otros estilos de escritura, o por lo menos, asegura él, no existen pruebas de ello. Bernal (2015) considera que existen varias razones para dudar sobre la autoría de Corrente italiana, obra que escucharemos hoy y que recuerda el estilo italiano de la época (melodía con acompañamiento), ya que no hay una mención explícita a Cabanilles. Dicha consideración abre un debate que debe ser explorado o resuelto antes de retirarle la atribución al compositor español. Por su parte, el órgano barroco alemán, sobre todo el del norte, fue notablemente más perfeccionado: varios teclados superpuestos, pedalero y juegos de tubos independientes separados por los secretos fueron avances que contribuyeron a la creación de una escuela nacional alemana. 3 A Binder también se debe la construcción de otros órganos en Colombia, como el de la iglesia de Nuestra Señora de Lourdes, el de la catedral metropolitana de Medellín, el del conservatorio de la Universidad Nacional y el del Gimnasio Moderno, entre otros. 4 Según palabras del mismo Oskar Binder, quien describió las características de este órgano (ver artículo sobre los instrumentos musicales de la Sala de Conciertos en el portal cultural del Banco de la República). 6 Uno de los más importantes representantes de la escuela del sur de Alemania fue Johann Pachelbel (1653-1706), notable organista, famoso por la composición de fugas, chaconas, tocatas, preludios corales y música litúrgica. Después de trabajar en distintas ciudades, llegó a Núremberg, donde publicó en 1699 una de sus obras más célebres, el Hexachordum Apollinis (Las seis cuerdas de Apolo) para órgano o clavecín5. Está compuesta por seis arias, cada una con cinco o seis variaciones. De esta colección escucharemos la sexta y última, el Aria Sebaldina. Se diferencia de las demás en que es la única que está escrita en ritmo ternario y tiene el mayor número de variaciones, ocho en este caso. Lleva el nombre del patrono de la iglesia en la que trabajaba Pachelbel en Núremberg, San Sebaldo. Es posible que hoy escuchemos, además, una novena variación preparada por el intérprete, en la que expondrá otras diferencias melódicas y armónicas del tema principal. El mayor representante de la escuela del norte de Alemania fue también uno de los organistas más importantes de la época: Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nació en una familia de músicos en la que el órgano jugó un papel fundamental. Siendo joven aún, comenzó a estudiarlo bajo la tutela de su hermano mayor, Johann Christoph, reconocido organista. Johann Sebastian fue un prolífico compositor de cantatas, oratorios, conciertos y música de cámara, y sus composiciones para órgano, de las que se cuentan cerca de 227, no son menos importantes. Bach fue una autoridad en la técnica de interpretación y composición para el instrumento. La obra que escucharemos hoy, Fantasía y fuga en la menor, BWV 904, fue escrita originalmente para clavecín (está indexada en las obras escritas para este instrumento), pero, como muchas de las obras para teclado de Bach, es frecuentemente interpretada en el órgano. Compuesta entre 1723 y 1725, al comienzo de su época en Leipzig, donde Bach trabajaría los últimos años de su vida, la fantasía contiene varios pasajes en contrapunto libre que dan material a la posterior doble fuga; en esta, dos temas disímiles se entretejen gracias al ingenio del músico, a quien se atribuye el perfeccionamiento de esta técnica compositiva. El órgano francés que conoció Louis Vierne (1870-1937) gozaba ya de numerosas ventajas tecnológicas y mejoras técnicas en comparación con aquellos que pudieron conocer Cabanille, Pachelbel o Bach. Vierne fue discípulo de César Frank y Charles-Marie Widor, y continuó después de ellos la tradición del órgano francés. Mucho se ha dicho de la vida de este músico que parece no haber nacido con buena estrella: casi completamente ciego de nacimiento, estudió en el Instituto de Jóvenes Ciegos, en donde conoció a César Frank; estudió y trabajó en el conservatorio sin lograr jamás el título de profesor. 5 En la época no era común atribuir una composición a un solo instrumento. 7 Divorciado, perdió a sus dos hijos en la Primera Guerra Mundial y, finalmente, una fractura en la pierna izquierda lo obligó, a mitad de su carrera, a reestudiar su técnica en el pedal. A pesar de ello, en 1900 ganó el concurso que lo convertiría en el organista oficial de la catedral de Notre Dame de París, en donde trabajó hasta su muerte, acaecida el 2 de junio de 1937 mientras tocaba su concierto de despedida, el número 1750 de su carrera, en medio del cual sufrió un ataque fulminante al corazón. Reconocido improvisador, desarrolló un lenguaje único y libre. Entre sus obras más importantes están las 24 piezas en estilo libre, Op. 31 para órgano, divididas en dos libros (1913-1914), que recuerdan El clave bien temperado de Bach por la disposición de tonalidades mayores con sus paralelas menores, aunque, contrariamente a este, las diferentes ‘piezas’ son mucho más sencillas. En palabras del compositor, «Las obras del presente libro son calculadas de manera que puedan ser interpretadas a lo largo de la duración normal de un ofertorio»6 (Vierne, s. f., 4). Del segundo libro escucharemos Coral en sol menor y Lied en la bemol mayor, de naturaleza íntima y fantasiosa. El compositor colombiano Mauricio Nasi Lignarolo (n. 1949) tiene un estilo que, según su propio alumno, Juan Felipe Salazar, puede calificarse de neoclásico con una fuerte tendencia modal. Estudió piano, arpa y biología, y se ha desempeñado por muchos años como organista y profesor. Nos refiere el intérprete que, con frecuencia, Nasi retoma obras suyas y las adapta a otro formato. Este es el caso de la obra que escucharemos hoy, el Concierto para órgano solo, Op. 153a (2017). La original, el Concierto para órgano y orquesta, Op. 153 (obra inédita escrita en el 2016), fue transcrita por profesor y alumno con el fin de que pudiera ser interpretada únicamente en el órgano. Está articulada en torno a otra obra del autor, la Toccata No. 23, Op. 117 (2009), para órgano solista, que constituye el tercer movimiento del Op. 153a. El primer movimiento, Andante maestoso, contiene una fuga cuyo tema viene también de la Toccata. La cadencia de ese movimiento está inspirada en otra obra del autor, el Fandango virtuoso para pedalero de órgano, Op. 147 (2015). El segundo movimiento, Quasi adagio, es más íntimo y es una transcripción de la obra original. «La parte de la orquesta en esta obra fue reducida para ser interpretada por el órgano, con algunos retoques estilísticos para crear una textura idiomática más apropiada al instrumento», explica el intérprete. 6 «Les pièces du présent recueil sont calculées de façon à pouvoir être exécutées pendant la durée normale d’un offertoire». Traducción por A. Daza (Véanse las referencias). 8 Referencias Bernal, M. (2009). La Batalla Imperial y la Corrente Italiana. Razones para dudar de la atribución a Cabanilles. Recuperado de https://miguelbernalripoll. files.wordpress.com/2015/09/sobre-la-autoria-de-la-batalla-imperial-y-la-corrente- italiana1.pdf Binder, O. El órgano tubular: Historia y aspectos técnicos. Recuperado de http:// www.banrepcultural.org/actividad-musical/la-sala/los-instrumentos Climent, J. (1999). Juan Cabanilles. En Casares Rodicio, E. (Dir.). Diccionario de la música española e hispanoamericana. España: Sociedad General de autores y editores. Curzon, H. (1888). Lettres de W.A. Mozart, traduction complète. Paris: Librairie Hachette & compagnie. Recuperado de http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k96320q/f10.image.r=lettres%20de%20Mozart%201777 Pérez, J. (2009). Cita con el órgano, una mirada a la historia del órgano. Bogotá: Banco de la República. Williams, P., & Owen, B. (1984). Organ. En Sadie, S. (Dir.) The New Grove Dictionary of Musical Instruments, (vol. 2). London: Macmillian Press Limited. Vierne, L. (s. f.). 24 pièces en style libre pour orgue ou harmonium. Paris: A. Durand et fils, éditeurs. Recuperado de file:///C:/Users/ANGELICA/ Downloads/39087012036754pieces.pdf Bibliografía Houlihan, Ch. (2012). Famous Last Notes: The Epic Death of Louis Vierne. Recuperado de https://www.huffingtonpost.com/christopher-houlihan/ louis-vierne-concert-organist-tribute_b_1559222.html Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)

CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Miércoles 6 de junio de 2018 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo de la Biblioteca Piloto del Caribe, Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta – CLENA Cód. PULPEP: ZE527 Jueves 7 de junio de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULPEP: VVS988 Viernes 8 de junio de 2018 · 6:30 p.m. Cúcuta, Sala múltiple del Área Cultural del Banco de la República Cód. PULPEP: ZXG797 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Mat Hennek TOME NOTA SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango P En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Barranquilla, el ingreso al Auditorio Mario Santo Domingo para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Auditorio de la Biblioteca Piloto del Caribe, ubicada en Vía 40 No. 36- 135 Antigua Aduana, espacio que se encuentra habilitado permanentemente. En Cúcuta, el ingreso a la Sala múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal al Área Cultural ubicada en la Diagonal Santander No. 3E-38. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https:// atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico atencionalciudadano@ banrep.gov.co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. 1 CUARTETO FAURÉ Dirk Mommertz, piano; Erika Geldsetzer, violín; Sascha Frömbling, viola; y Konstantin Heidrich, violonchelo. Las reglas han cambiado. Cualquier músico que quiera dedicarse a la música de cámara hoy en día no puede limitarse a seguir las normas de hace décadas. Las expectativas con respecto a la diversidad de repertorio ya no son las mismas y esto les abre el camino a ensambles como el Cuarteto Fauré, que se ha posicionado como uno de los principales cuartetos con piano en tan solo unos pocos años. Sus integrantes han sabido aprovechar las oportunidades que se generan gracias a esta evolución; han descubierto nuevos campos de sonido en la música de cámara y han interpretado composiciones que se alejan de un repertorio más tradicional. El ensamble ha seguido una trayectoria visionaria y se ha destacado por sus experimentos y descubrimientos. Estos incluyen presentaciones con la NDR Big-band, colaboraciones con artistas como Rufus Wainwright o Sven Helbig, presentaciones en clubes como el Berghain, el Cocoon Club o Le Poisson Rouge en Nueva York o en programas de televisión como KIKA o Rhapsody in School, en los que despiertan el interés de niños y niñas por la música de cámara. Cuando lanzaron el álbum Popsongs en 2009, se generó un gran entusiasmo en los medios y el público. Más adelante, el ensamble fue galardonado con el premio ECHO Klassik por su álbum Klassik ohne Grenzen (Clásico sin límites), su segundo Foto: Mat Hennek 2 premio después del que recibieron por la grabación de los cuartetos para piano de Brahms (Grabación de música de cámara del año, 2008). También fueron ganadores del Concurso de Música Alemana, del premio por mejor ensamble del Festival de Mecklenburg-Vorpommern, del Premio Duisburg de Música y del Premio Brahms de Schleswig Holstein, entre otros. Los músicos del Cuarteto Fauré se pueden considerar pioneros en muchos frentes. En 1995, cuando aún eran estudiantes de música, se conocieron en Karlsruhe con ocasión del centésimo quincuagésimo aniversario de Gabriel Fauré. En ese momento se dieron cuenta rápidamente de que si se unían, encontrarían nuevos caminos para explorar un repertorio prometedor. En el 2006, firmaron un contrato con Deutsche Grammophon, que los lanzó a las grandes ligas en el negocio de la música clásica. Lograron publicar grabaciones muy valoradas de Mozart, Brahms y Mendelssohn, y de música pop de Peter Gabriel y Steely Dan, quienes se convirtieron en puntos de referencia. Las giras que han realizado por varios países del mundo les han permitido tener una gran acogida en el exterior; en estas giras también ofrecen clases magistrales como parte de su trabajo con estudiantes de música. Los integrantes de la agrupación también son profesores en las universidades de Berlín y Essen. Adicionalmente, son los directores artísticos del Festival de Primavera de Rügen, así como el cuarteto residente de la Escuela Superior de Música de Karlsruhe. Durante sus giras, los músicos se presentan en las salas de música de cámara más importantes del mundo, entre ellas, la Concertgebouw (Ámsterdam), la Alte Oper (Frankfurt), la Berliner Philharmonie (Berlín), el Teatro Colón (Buenos Aires) y el Wigmore Hall (Londres). Todo este mosaico completa el perfil excepcional de este determinante ensamble de música de cámara. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Movimiento para cuarteto con piano en la menor (1876) GUSTAV MAHLER (1860-1911) Cuarteto con piano No. 1, Op. 15 (1876-1879, rev. 1883) Allegro molto moderato Scherzo: allegro vivo Adagio Allegro molto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) INTERMEDIO Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 (1861) Allegro Intermezzo. Allegro ma non troppo -Trio. Animato Andante con moto Rondo all Zingarese. Presto JOHANNES BRAHMS (1833-1897) CONCIERTO No. 27 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Gustav Mahler (1860-1911) Mahler nació en la región Bohemia (hoy República Checa) del Imperio Austrohúngaro y fue el mayor de seis hijos de una familia judía radicada en el pueblo de Iglau. Allí, el padre de Mahler se dedicó a la administración de su propia taberna y si bien ninguno de sus progenitores era músico profesional, el joven Gustav manifestó tempranamente su interés por el arte y fue alentado por su familia en sus primeros estudios musicales. En 1875 fue enviado al Conservatorio de Viena, en donde estudió piano y composición, esta última materia con Joseph Fuchs, un prominente tratadista de la teoría musical. Mahler vivió la Viena de Brahms, Wolf y Bruckner, en medio de agitadas discusiones intelectuales en torno a la filosofía de Nietzsche, el socialismo y el pangermanismo antisemita. Entre sus obras de juventud se destaca la cantata Das klagende Lied (La canción del lamento). A los veinte años inició su carrera profesional en el campo de la dirección orquestal y sus primeros empleos fueron en la dirección de operetas con algunas incursiones en el mundo de la ópera. Luego de tres años, logró un nombramiento en el teatro de la ópera en Kassel que duró entre 1883 y 1885, año en que partió hacia Praga. En 1887 se trasladó a Leipzig, en donde finalmente su carrera despuntó. Su nombre comenzó a ser conocido a partir del trabajo que hiciera en la finalización de una partitura operática de Carl Maria von Weber, Die drei Pintos (Los tres Pintos), pieza que fue elogiosamente comentada por Richard Strauss y Tchaikovsky. De su época en Leipzig datan las canciones de Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico del mancebo) sobre una colección de antiguos poemas compilados en una antología de Armin von Brentanno. Los esbozos para su primera sinfonía también surgieron en estos años. Para 1898 las obras sinfónicas de Mahler y algunas de sus canciones habían sido ejecutadas y publicadas, y su nombre comenzó a asociarse con el desarrollo orquestal de las postrimerías del siglo. A la edad de 42 años contrajo nupcias con Alma Schindler, una joven estudiante de composición que abandonó sus aspiraciones artísticas a instancias de Mahler. Conocedora del círculo modernista de Viena ejerció una gran influencia sobre la vida del compositor. Al igual que Natalie Bauer-Lechner, con quien Mahler sostuvo una larga relación, Alma escribió un diario de su vida conjunta con detalles de las actividades cotidianas y apuntes sobre las composiciones. Los testimonios y recuerdos de Alma Mahler 5 y Natalie Bauer son fuente importante sobre la biografía de Mahler y el proceso creativo de sus primeras obras. En las composiciones más tempranas de Mahler, en especial el Movimiento para cuarteto con piano en la menor escrito a los dieciséis años de edad, no se vislumbra el futuro sinfonista magistral ni asoma el creador atormentado, pero sí es posible apreciar el potencial del joven músico, capaz de manejar las formas tradicionales, presentar ideas musicales novedosas y desarrollarlas a través de un estilo denso, armónicamente rico y contrapuntístico. Richard Taruskin en su nota sobre este temprano cuarteto de Mahler anota: […] la obra más temprana de Mahler de la cual tenemos noticia es un movimiento suelto para un cuarteto con piano en la menor (aparentemente el primer movimiento de un Opus proyectado en cuatro movimientos), que escribió siendo aún estudiante en el Conservatorio en Viena, probablemente a fines de 1876 cuando contaba con 16 años. De otras obras tempranas de este periodo, o anteriores, sólo hay noticias de un cuarteto para dos violines, viola y piano, un movimiento premiado para un quinteto con piano, las legendarias cuatro sinfonías de juventud, todas estas, obras extraviadas. La obra que sí conocemos fue descrita por Mahler (en conversación con Nathalie Bauer- Lechber en 1893) como la mejor. Fue recibida con entusiasmo y fue ejecutada en las tardes de música de cámara en el hogar de Theodor Billroth, un eminente cirujano vienés y violinista aficionado, amigo cercano de Brahms y Hanslick. El manuscrito ostenta el sello del editor musical Theodor Rattig, quien dio a conocer los arreglos a dúo realizados por Mahler de la Tercera sinfonía de Bruckner entre 1878 y 1886 (la primera obra publicada de Mahler). Sin embargo, Rattig no publicó el cuarteto y según el mismo Mahler, “lo mandó a un concurso en Moscú y se perdió”. Pero, el movimiento fue encontrado entre los bienes de Alma Mahler luego de su muerte en 1964 en un folder marcado Composiciones tempranas. En ese mismo año, el trozo se escuchó en Nueva York, pero no fue publicado sino hasta 1973, cuando el sello Sikorski de Hamburgo lo dio a luz en una edición preparada por Peter Ruzicka. Pese a la atención brindada a este movimiento, todo indica que del cuarteto completo, solo sobrevive el primer movimiento y 24 compases de un Scherzo (CD Naxos 8.571278). Este período temprano de la vida de Mahler fue estudiado en detalle por Donald Mitchell en su libro Gustav Mahler: los años tempranos (Londres, 1958). Para algunos críticos, el cuarteto recuerda la escritura compleja y cromática de Wagner. Pero también es un gesto premonitorio del sexteto Verklärte Nacht (Noche transfigurada) de Arnold Schoenberg, en el que un tema predominante es trabajado, variado y comentado en múltiples variaciones de profunda expresividad. 6 Gabriel Fauré (1845-1924) A comienzos del siglo XX, Gabriel Fauré gozaba de una sólida reputación como uno de los exponentes más ilustres de la música francesa, reputación ganada gracias a sus obras de estética más romántica: el Réquiem de 1888, el ciclo de canciones sobre textos de Verlaine, La Bonne Chanson de 1892 y la música incidental para la obra de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, de 1898. En los años siguientes a estas creaciones, Fauré usó en sus obras gestos de un formalismo clásico mientras emprendía la búsqueda de nuevas sonoridades y coloridos armónicos. Hasta el advenimiento de Debussy, Gabriel Fauré fue considerado el ‘decano’ de la música francesa de finales del siglo XIX. En sus canciones, había establecido sin duda un estilo auténticamente francés, tanto en las inflexiones rítmicas, como en el espíritu elegante y lírico de sus líneas, tan admirado por sus colegas y compatriotas. Fauré ejerció una variedad de cargos muy acordes con su prestigio. Sus labores de pedagogo se vieron premiadas a partir de 1905, año en que fue nombrado director del Conservatorio de París. Conoció muchos cambios musicales a lo largo de su vida, pues creció al lado de la obra de Liszt y Wagner, y llegó a conocer las innovaciones de Debussy, Stravinsky y Bartók, aunque se mantuvo fiel a un estilo tradicionalista y conservador. Cultivó preferentemente las formas pequeñas: la pieza para piano, la canción y la música de cámara. Sus críticos coinciden en señalar su obra como elegante e íntima, concentrada sobre el mensaje melódico lírico y conmovedor. En la música de cámara, Fauré se apegó de manera singular a las formas clásicas y demostró un gran dominio sobre las mismas. Compuso dos cuartetos con piano y dos quintetos, también con piano, en los cuales logró una gran sonoridad que reconcilia lo clásico con lo romántico y lo francés en su obra. También compuso un trío, un cuarteto de cuerdas y varias sonatas a dúo. El primer cuarteto con piano es una obra temprana, un ejercicio formal puntilloso con gran vida propia. Fauré se inició en la escritura de obras para conjuntos de cámara luego de la Guerra Francoprusiana. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 15 fue estrenado ante la Sociedad Nacional de Música Francesa en 1879, pero el movimiento final fue revisado por el compositor tres años más tarde. La nueva versión no se estrenó sino hasta 1884. Los primeros esbozos para la obra fueron realizados en Normandía en 1876 (al tiempo que el joven Mahler laboraba en su propio cuarteto). El primer movimiento se inicia con un gesto dramático en las cuerdas enfatizado con acordes en el piano, sin embargo, cuando reaparecen los temas de este primer gesto, ya están imbuidos del lirismo tradicional de su autor. Los temas y motivos centrales se desarrollan y combinan de maneras variadas y continuas. El Allegro molto moderato tiene momentos un tanto turbulentos que se entremezclan con las intenciones cantadas de un tema permanentemente interrumpido. Pasados los primeros compases, el discurso se apacigua y las 7 tendencias líricas se hacen más explícitas. El aporte del piano en este movimiento es muy significativo no sólo como solista, sino como elemento que brinda gran densidad y cohesión. En el segundo movimiento, Fauré plantea un scherzo, visto desde el punto de vista francés: elegante y gracioso. El piano domina mientras las cuerdas ejecutan sus partes en pizzicato con sordina. El movimiento, muy animado y en tres secciones muy claras, da paso a un Adagio sombrío que contrasta con los movimientos antes escuchados, sobretodo, por el paso rítmico pausado, el empleo de cuerda al unísono, los solos efusivos y los acordes armónicos modales. En general, es un momento de reflexión y evocación. El final, un movimiento sólido en forma de sonata, confirma la vocación meramente musical de la obra, desprovista de intenciones literarias o descriptivas. Los compases agitados equilibran los movimientos anteriores y resuelven las tensiones construidas de manera enfática, con pasajes brillantes y grandes logros sonoros que desembocan en la tonalidad mayor. Johannes Brahms (1833-1897) Le correspondió a Brahms vivir una época de grandes controversias musicales en Alemania, protagonizadas primordialmente por dos bandos: el de aquellos que consideraban que la música debía entenderse en términos descriptivos literarios y el de quienes creían que la música podía darse en términos absolutos y auto referenciados. Los músicos que se apegaron a uno u otro bando terminaron por producir, cada uno por su lado, obras maravillosas que, en su conjunto, ofrecen una excelente visión panorámica de la música en la segunda mitad del siglo XIX. Los compositores interesados en escribir obras musicales descriptivas compusieron óperas, poemas sinfónicos y toda suerte de piezas sueltas con títulos descriptivos. Los compositores interesados en trabajar la música desde su lenguaje abstracto continuaron con la composición de sinfonías, sonatas, conciertos con solista y música de cámara, de acuerdo con la tradición clásica y la beethoveniana. Sobra decir que ninguno se inhibió de componer música descriptiva o música absoluta, pero se mantuvieron la mayor parte del tiempo en una tendencia u otra. Brahms, por ejemplo, no incursionó en el mundo de la ópera o el poema sinfónico, pero escribió innumerables canciones, obras corales y oberturas. Tal vez, la razón por la cual compuso sus cuatro sinfonías, relativamente tarde en su vida, fue el deseo de evadir la controversia sobre la sinfonía programática (aquella basada en un texto literario). Los valores estéticos de Brahms quedaron plasmados de manera contundente en su música de cámara con cuerda. De su imaginación surgieron sonatas para violín y piano, chelo y piano, tríos, cuartetos, quintetos y sextetos en los que el piano tiene un papel tan protagónico como los demás instrumentos participantes. En el campo de los quintetos, escribió dos para cuerdas, uno para 8 cuerdas y piano, y uno para clarinete y cuerdas. La presencia del piano en sus quintetos aportó una sonoridad mayor al cuarteto de cuerdas tradicional (dos violines, viola y chelo), lo cual permitió que la música de cámara saliera del salón íntimo y se escuchara en el teatro. El primer cuarteto escrito por Brahms, al igual que su primera sinfonía, fue el producto de una larga ponderación sobre el estilo clásico consolidado por Haydn, Mozart y Beethoven, y la herencia romántica temprana representada en la obra instrumental de Schubert y Schumann. Escribió tres cuartetos con piano. El primero en do sostenido menor apareció en 1855 y fue revisado en 1875, cuando se escuchó como el Opus 60 en do menor. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 fue terminado en 1861 y dado a conocer a los Schumann (Robert y Clara) y al célebre violinista Joachim. Es una obra de discurso clásico y colorido romántico. Inicia de manera pausada con una introducción integrada al movimiento mismo, el cual toma su tiempo en develar la estructura compleja y la riqueza de los eventos que la componen. Los temas melódicos son extensos y construyen lentamente discursos animados y contrastados. El segundo movimiento tiene el doble papel de ser un Scherzo en lo formal y un Intermezzo en lo anímico. Se conserva la forma tripartita del Scherzo pero se agrandan sus intenciones y dimensiones. No es un entretenimiento entre movimientos serios, sino una pieza importante en el discurso lírico del compositor. La primera sección con su ritmo insistente da paso una sección media, menos marcada aunque ligera y sutil, en la que el piano tiene una actividad permanente de arpegios. El retorno de las ideas iniciales del movimiento marca su final y el paso al tiempo lento, un Andante con moto que se desarrolla en torno a melodías sentidas, presentadas de manera pausada y tranquila. Para el final, Brahms retoma sus intereses en la música gitana contagiada de gestos húngaros que tan exitosamente empleara en sus obras para piano y en obras para violín inspiradas por el violinista húngaro Remenyi. La forma del rondó, con el tema principal recurrente, permite una construcción ligera y entretenida para finalizar la obra, como también permite hacer algunos aportes de virtuosismo conclusivos. Los toques ligeros del final hacen que el cuarteto termine con gestos animados plenos de élan y colorido. Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos organizaciones. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

Foto: Ariel Arango Prada ANAMARÍA ORAMAS JAZZ CUARTETO (Colombia) Miércoles 18 de abril de 2018 · 6:30 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: XFF807 Jueves 26 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: MZR762 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Manizales, el Centro Cultural cuenta con acceso para personas con movilidad reducida desde la puerta principal. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 ANAMARÍA ORAMAS JAZZ CUARTETO Anamaría Oramas Jazz Cuarteto fue conformado por Anamaría Oramas en el 2016 para interpretar sus composiciones en las que, en búsqueda de su propio lenguaje, se alimenta de la herencia de las músicas tradicionales colombianas y de los aportes de las actuales corrientes del jazz. En el proceso de consolidación e interpretación de cada una de las piezas, los integrantes de este cuarteto proponen activamente, desde su experiencia en el jazz, los arreglos de las piezas tanto populares como urbanas. De esta manera, se contempla la participación de la flauta traversa y su rango de colores y registro, la guitarra eléctrica con su capacidad de procesar el sonido y crear timbres a través del uso de pedales, mezclados con la sonoridad acústica que posibilita un set logrado con elementos de la batería moderna y la percusión folclórica y el sonido resonante y profundo del contrabajo. Este cuarteto se consolida hoy como una agrupación activa de la escena del jazz capitalino. Anamaría Oramas, flauta traversa Egresada de la Universidad Nacional de Colombia, Anamaría Oramas ha desarrollado su carrera artística como intérprete y actualmente como compositora. En el 2016, junto a su proyecto Deciso Dúo, fue seleccionada para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la Foto: Ariel Arango Prada 2 República. Anamaría ha compartido escenario con artistas como Antonio Arnedo, Teto Ocampo, Oriol Caro, Germán Sandoval; y agrupaciones como Colectivo Colombia, Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO). También fue finalista de los premios Shock 2013 con el grupo Anfibio y ha ganado en convocatorias distritales como Bibliored y Música con Tempo Colombiano. Santiago Sandoval, guitarra eléctrica Egresado de la Universidad Sergio Arboleda y heredero de una tradición familiar musical. Sandoval fue becario de la Fundación Carolina para realizar sus estudios de maestría en el Conservatori del Liceu de Barcelona. Santiago también hace parte del grupo de Antonio Arnedo. Con su reciente trabajo discográfico y su consolidada trayectoria como intérprete y profesor universitario, Santiago se ha convertido en un referente importante de la guitarra jazz en Colombia. Edgar Marún, contrabajo Realizó estudios de contrabajo jazz en la Pontificia Universidad Javeriana e hizo un semestre de intercambio en la Universidad Veracruzana de México. Edgar ha compartido escenario con grandes maestros del jazz como Pacho Dávila. Su conocimiento e interés por diferentes expresiones musicales le ha permitido hacer parte de proyectos de rock, jazz y música tradicional, entre otros. Kike Narváez, percusión Músico huilense dedicado a la percusión y la batería, se graduó de maestro en Música de la Universidad INCCA. A lo largo de su carrera ha obtenido diferentes reconocimientos, entre los que se destaca ser ganador del Concurso Nacional de baterías electrónicas V-drums organizado por Roland Corporation. El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Bullerengue de allá (2015) ANAMARÍA ORAMAS (n. 1990) Breath (2016) Zamba (2017) Guajeo criollo (2016) INTERMEDIO Ocio (2017) Fernando (2015) Viento y vacío (2015) En el borde (2016) CONCIERTO No. 21 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Una afortunada disyuntiva ha atravesado la carrera musical de la flautista bogotana Anamaría Oramas. Desde muy temprana edad, estuvo expuesta al agite y la bohemia en su casa donde era frecuente escuchar, en la misma sesión, a Claudia Gómez, Jorge Pardo y Bach. De ese ambiente febril pasó a los rigores académicos: primero en la Fundación Nacional Batuta, luego en la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, después en el Instituto Superior de Artes de La Habana y, finalmente, en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. En el 2012 tuvo una suerte de epifanía: ingresó a la agrupación Anfibio con la que exploró y redescubrió los sonidos del Caribe colombiano. De alguna manera, se liberó de la severidad. A este encuentro con la espontaneidad y la ingenuidad se sumó su interés por la improvisación y las diversas estéticas del jazz; quiso, y esto resulta muy revelador, hacer sonar su flauta como una gaita de cardón. Fue por esa misma época cuando salió por primera vez a tocar jazz en los bares. En aquel momento, había una necesidad imperante de romper el cascarón donde había estado encerrada. El legendario Bolón de Verde, en el barrio La Candelaria de Bogotá, fue testigo de sus acercamientos tímidos al vértigo del jam. Al mismo tiempo tocó con Mucho Indio, el proyecto del guitarrista Teto Ocampo, y con el vibrafonista venezolano Alfredo Naranjo, y así Anamaría consolidó su vínculo con la salsa y el jazz latino. De alguna manera fue como retornar de nuevo a casa. Justo al final de sus estudios en la Universidad Nacional tuvo la oportunidad de asistir al Encuentro Latinoamericano de Músicas de Vanguardia que se llevó a cabo en Bogotá en septiembre de 2015. Un ser dormido despertó en ella al recibir talleres de composición con el brasileño Itiberê Zwarg y el pianista argentino Guillermo Klein. De esta experiencia surgen Bullerengue de allá y Viento y vacío, obras que fueron su estreno como compositora. Con la primera obra podemos imaginar a Charlie Parker en el Caribe colombiano, improvisando sobre los motivos rítmicos de un bullerengue, mientras que la segunda obra, entronizada 5 con la tradición afroamericana del jazz, nos remite directamente a Black Narcissus, la conocida pieza de Joe Henderson. En el 2015, Anamaría le rindió homenaje a través de un documental a su padre, el pintor, caricaturista, ilustrador y anarquista Fernando Oramas. No solo dirigió el documental, sino que escribió la banda sonora que interpretó junto al saxofonista Antonio Arnedo y el tiplista Oriol Caro. Con este último grabó Fernando, un bello bambuco en el que la flautista, inspirada por el universo sonoro de Claudia Gómez, logra captar un emotivo momento de tristeza y nostalgia, pero también de alegría. A mediados del 2016 decide conformar el cuarteto que hoy nos convoca. «Fue en medio de una crisis», dice Oramas, quien se reunió con tres cómplices de las noches de jazz e improvisación. De esta manera, la flautista presentó su primera obra para el naciente cuarteto: se trató de Guajeo criollo, escrita luego de su primera incursión en el festival Petronio Álvarez en Cali. Con el nacimiento del cuarteto se encontraron nuevas y viejas influencias que venían desde Gualajo, Ale Kumá, Tumbacatre y Hugo Candelario. A finales de ese año, el cuarteto tuvo una intensa actividad creativa y de conciertos, la mayoría de ellos en Casa de Citas, uno de los lugares más emblemáticos de la movida musical del centro de Bogotá. Mientras tanto, Oramas siguió su búsqueda. De esos días data En el borde, un chandé aflamencado influenciado por Jorge Pardo, y Breath, una composición que nació luego de la audición juiciosa y emocionada de Angel Song, obra de Kenny Wheeler. Con un disco a punto de ser editado, Anamaría Oramas y su cuarteto continúan explorando terrenos inéditos para ellos. Es el caso de Zamba y Ocio, las dos más recientes composiciones que hoy también tendremos el gusto de apreciar. Por un lado, la indagación en la zamba argentina llevó a Oramas a escribir una pieza que tiene tanto de Mercedes Sosa como de Guillermo Klein. Finalmente, Ocio nos lleva a lugares controvertidos del jazz contemporáneo. Allí, Oramas se permite experimentar con técnicas extendidas para su instrumento, se aleja de lo raizal y se enfrenta a rítmicas novedosas. Heredera del sonido de Guafa Trío, Puerto Candelaria y Curupira, entre otros, Anamaría Oramas se declara deudora de estos nuevos sonidos de la música en Colombia. En la actualidad celebra cinco años de la existencia de su dueto para flauta y guitarra, con el que explora repertorios contemporáneos latinoamericanos. Asimismo, Anamaría hace parte del Colectivo Colombia con el que grabó recientemente un disco al lado de Hugo Candelario, Antonio Arnedo, José Juvinao, Urián Sarmiento y Santiago Sandoval. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN MANIZALES En el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Viernes 4 de mayo · 6:30 p.m. Cód. PULEP: NDO779 CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Miércoles 22 de agosto · 6:30 p.m. Cód. PULEP: NSF863 MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Miércoles 12 de septiembre · 6:30 p.m. Cód. PULEP: JJI591 VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE, dúo de pianos (España) Jueves 4 de octubre · 6:30 p.m. Cód. PULEP: XXV671 JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Miércoles 14 de noviembre · 6:30 p.m. Cód. PULEP: IBH281 TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS 2018 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Foto: Mat Hennek Foto: Carlos Romero Gabo&Mafe Fotografía VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. Cód. PULEP: KLV575 MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico / jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões Cód. PULEP: INW719 CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. Cód. PULEP: VVS998 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

La revista Diapason eligió a Alexis Descharmes representante insigne del arte del violonchelo francés, junto con unos pocos colegas más de su generación. Este intérprete, que se reconoce como un activo embajador de numerosos repertorios para su instrumento, nació en 1977 y se formó en el Conservatorio de París como discípulo de Michel Strauss y Philippe Muller. En 1998 se vinculó al conjunto Court- circuit, en el que participa activamente junto a su director artístico, Philippe Hurel, mientras desarrolla actividades con el IRCAM y con el Ensemble Intercontemporain. En 2006 ingresó a la Orquesta de la Ópera Nacional de París sin dejar de lado el trabajo con su repertorio actual, y desde enero de 2016 forma parte de la Orquesta Nacional de Burdeos Aquitania, en calidad de solista. A Descharmes se le han dedicado más de cincuenta obras contemporáneas, tanto concertistas como solistas. Tiene en su haber más de medio centenar de producciones discográficas en las que interpreta solo o con las agrupaciones ya mencionadas, con quienes, además, se ha presentado en más de treinta países. Entre sus grabaciones se destacan sus discos para el sello Ӕon, con la obra para violonchelo de Kaija Saariaho; la obra para violonchelo de Franz Liszt, que obtuvo el Diapason d’Or de 2007; una selección de Lieder de Schubert, junto a su fiel compañero musical Sébastien Vichard, con el Ensemble Intercontemporain; la obra para violonchelo de Klaus Huber, que obtuvo el premio Grand Prix de l’Académie Charles Cros, y más recientemente, álbumes monográficos dedicados a obras para violonchelo de Reger Reynolds (Mode Records), Philippe Hurel (Motus) y Ricardo Nillni (L’empreinte Digitale). Actualmente, Alexis Descharmes está patrocinado por D’Addario, prestigiosa casa estadounidense fabricante de cuerdas para instrumentos. Alex Greffin Klein, violín Nacida en Francia en una familia cuyo linaje musical se remonta a varias generaciones, Alex Greffin Klein cursó el programa de posgrado del Royal College of Music de Londres, donde fue discípula del reputado profesor Felix Andrievsky. Allí completó sus especializaciones en interpretación solista y de cámara. Su pasión por la música de cámara la llevó a cursar una especialización más en la materia, en la clase de Walter Levin en la Hochschule de Basilea, Suiza. También recibió educación musical complementaria con Günter Pichler, integrante del Cuarteto Alban Berg, y con György Kurtag, quien al respecto de su discípula se expresó diciendo: «Alexandra dispone de un gran nivel, tanto individual como en el marco de la música de cámara. A esto se agrega la profundidad que ha adquirido su voz artística personal. Es una excelente violinista y una profesional íntegra de la música». Los primeros dos años de su carrera los pasó como intérprete de cuarteto de cámara. Ocupó el tercer lugar en el ARD Wettbewerb en 2004, fue galardonada en el Concurso Internacional de Burdeos en 2007 y recibió un premio especial en el Mozarteum de Salzburgo. Ha actuado en numerosos festivales y series de eventos en Europa, Estados Unidos y Japón. Desde 2009 toca frecuentemente junto con el Cuarteto Phidias (espectáculo con bailarines de hip-hop dirigidos por el coreógrafo Mourad Merzouki y con presentaciones en Francia, Marruecos, Finlandia, Hong-Kong e Indonesia), el Cuarteto Diotima (serie DeSingel en Amberes y en la Konzerthaus de Berlín), y más recientemente, el Cuarteto Parisii. Durante sus años como intérprete de cuarteto, la clase magistral con el Cuarteto Arditti en 2006 en el Hindemith Center en Suiza constituyó su primer encuentro significativo con la música contemporánea. Luego compartió con este grupo en torno a un concierto en el Klangspuren Festival de Austria. Desde 2009 dedica una parte importante de su carrera a la promoción de la música contemporánea, trabajando como solista y también junto con compositores alrededor del mundo en calidad de miembro de varias agrupaciones de música de cámara: Cairn, Alternance, Multilatérale, Itinéraire, Sillage y, desde 2012, como miembro permanente de Court-circuit. Se presentó en el Festival Darmstadt en 2010 y dos años después recibió el reconocimiento 5 Diapasons por su grabación del cuarteto de cuerdas de Raphaël Cendo. Philippe Hurel dedicó a Greffin Klein su nueva pieza para violín solo titulada Trait, que estrenó en París en septiembre de 2014 y grabó luego en 2016. Esta producción discográfica ganó el prestigioso Grand Prix de la Academia Charles Cros, recibió cinco estrellas en la revista Diapason y figuró entre los cinco mejores CD del año 2016, según France Musique (Radio Nacional Francesa). Ese mismo año ofreció su primera gira como solista en los Estados Unidos e interpretó el concierto de Jonathan Harvey junto con la Slee Sinfonietta, bajo la batuta de Julien Leroy. En el MUSICA Festival tocó un recital al lado de su compañero musical preferido, el violonchelista Alexis Descharmes, y estrenó el Concierto para violín de Antonio Tules, bajo la dirección de Jean Deroyer. Motivada a compartir con jóvenes músicos su pasión por el violín y el repertorio contemporáneo, Greffin Klein ofrece regularmente conferencias y clases magistrales en la École Normale de París, la New York University, la Universidad de Boston, el New England Conservatory, la Eastman School of Music de Rochester, el Conservatorio Central de Beijing y el Conservatorio Real de Birmingham. Greffin interpreta un violín fabricado por Sebastian Klotz, que data de 1756, usando el arco Ouchard de Charles Tate, que generosamente su familia le ha cedido en préstamo.