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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Alejandro Díaz, arpa clásica (Colombia)

Programa de mano - Alejandro Díaz, arpa clásica (Colombia)

Por: | Fecha: 13/02/2019

Foto: Catalina Giraldo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 ALEJANDRO DÍAZ arpa clásica (Colombia) Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WUW418 Jueves 21 marzo de 2019 · 7:00 p.m. Honda, Auditorio Hernando Parra Casas de la Cámara de Comercio Cód. PULEP: DDB415 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES 2 Alejandro Díaz Hernández, arpa clásica Foto: Catalina Giraldo Alejandro Díaz Hernández inició sus estudios musicales en el 2012 con la maestra Martha Bonilla en el Programa Infantil y Juvenil de la Universidad Javeriana, donde ha sido seleccionado como ‘Solista destacado’ en los últimos cuatro años. Ha participado en cátedras internacionales de arpa con Maricela Gonzáles en Venezuela, Isabelle Moretti (Francia) en Perú y, en Colombia, con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen en las ediciones x a xvi de la Cátedra Salvi de Arpa en Bogotá. Participó activamente en el Primer y Segundo Encuentros de Arpa (2013 y 2015) en Bogotá, bajo la dirección de la maestra Martha Bonilla; fue finalista del Concurso para Solistas con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Javeriana; obtuvo el segundo puesto en el Mexico International Harp Competition and Festival 2017; y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2019. Actualmente forma parte de la Orquesta Filarmónica Prejuvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El concierto en Honda cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA La source, Op. 44 (1898) ALPHONSE HASSELMANS (1845-1912) Sonatina en fa mayor No. 3, C. 90 de Seis sonatinas para piano, Op. 19 (1793) Andantino poco allegretto Allegro non tanto JAN LADISLAV DUSSEK (1760-1812) Transcripción para arpa Sonata en do menor de Tres sonatas para arpa, Op. 2 (c. 1800) Allegro Andantino Rondo allegro SOPHIA DUSSEK (1775-1847) Romance de Piezas fáciles para arpa, Op. 19 EDMUND SCHUËCKER (1860-1911) INTERMEDIO Fantasía para arpa, Op. 95 (1893) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921) Toccata No. 3 (1980) MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949) Automne (1927) MARCEL GRANDJANY (1891-1975) Épices pour harpe (1992) Muscade Vanille Pistache Paprika Safran Cannelle Kola Gingembre BERNARD ANDRÈS (n. 1941) CONCIERTO No. 3 4 NOTAS AL PROGRAMA Apreciado lector: contrario a lo que habitualmente corresponde al estilo de unas notas al programa para un concierto, la pretensión de este escrito es ser una guía para acompañar el ejercicio de escucha del recital programado para hoy, más que para entenderlo. Surge de las evocaciones que tanto el instrumento protagonista como el repertorio escogido causaron en el autor de estas palabras. Contiene referencias a asuntos extramusicales, pero todos estos asociados al ámbito de las artes, para responder así al espíritu interdisciplinar propio de nuestra época y situar al arpa en un contexto más amplio, pues así lo merece. Presentando excusas al joven intérprete por desviar quizás la atención del oyente, se sugiere leer los versos aquí citados durante la ejecución de la música. Ralph Waldo Emerson (1803-1882) se destaca en la historia intelectual de los Estados Unidos como un agudo ensayista, poeta y filósofo, líder del movimiento conocido como Trascendentalismo, e influencia fundamental en el florecimiento del Renacimiento estadounidense en la literatura. Como uno de los principales expositores de la corriente individualista, Emerson confiaba en la virtud del hombre al margen del establecimiento, y en su obra filosófica defendía la inocencia intuitiva, a la vez que promovía la independencia de pensamiento y acción. Como todo poeta, a Emerson no le era ajena la música, al compartir ambas artes el sentido del ritmo, la acentuación y el lirismo de la palabra. Y aunque padecía de amusia —coloquialmente diríamos que era musicalmente “sordo”—, este hombre de letras recurrió constantemente en sus escritos a la evocación del arpa como conector entre la naturaleza, lo humano y lo divino. Era incapaz de imitar o reproducir los movimientos melódicos, armónicos y rítmicos de la música, pero supo reconocer el arte en el sonido y en la sencillez del arpa — que no es más que una caja de resonancia y un atado de cuerdas— y en su tan esperado canto encontró inspiración para anotar versos y prosa. La suya, un arpa eólica, que habla o calla al depender del viento que la acaricie, es un artefacto que enlaza al hombre con la materia y el espíritu1. Es la expresión de lo que llamó ‘superalma’, el espíritu unificador que se resiste, incólume, a las impurezas del hombre, y que canta: 1 El arpa eólica es un instrumento que no depende de la acción humana para producir sonido. Llamada así en honor a Eolo, dios griego del viento, suena cuando corrientes de aire hacen vibrar sus cuerdas. Distintos poetas a lo largo de la historia de Occidente han recurrido al símil del arpa eólica para identificarla con su voz propia, a su música con los versos y al viento con la inspiración. Por supuesto, este no es el tipo de arpa que escucharemos en el concierto de hoy. 5 Sean tus labios o tus dedos a la flauta o la espineta; yo espero delicada caricia y pido mucho o quizás poco: entrégame a la brisa. Maiden Song of the Aeolian Harp (fragmento) (Emerson en Cavanaugh, trad. Bernal, 2002, p.26) Pero el reconocimiento que hace Emerson del arpa no es más que un lugar común entre los poetas de Occidente desde los tiempos de la Antigua Grecia. Es una remembranza, una delicada alusión a un sistema de símbolos y mitos fundacionales de toda una civilización. Llegada del Medio Oriente a Occidente, quizás de Egipto, hacia el segundo milenio antes de Cristo, el arpa, llamada lira por los griegos, no tardó en adquirir significado poético2. A Homero se le atribuye el Himno a Hermes, donde narra la historia de este dios heraldo, hijo de Zeus, que sedujo a su medio hermano Apolo con las notas de su lira para evitar el castigo por haber robado su ganado. Apolo, embriagado por la música del bello instrumento, lo adoptó para convertirse en el dios de las artes. En una escena de la Ilíada, Homero retrata el poder apaciguador de la lira (forminge) de Apolo, que resuena en el Olimpo: «Así entonces durante todo el día hasta la puesta del sol participaron del festín, y nadie careció de equitativa porción ni tampoco de la muy bella forminge, que mantenía Apolo, ni de las Musas, que cantaban alternándose con bella voz» (Homero, trad. 2006, 601). Además del arpa como símbolo-mito del arte en Homero, otros poetas griegos se refirieron a ella en relación con distintos sentires y anhelos. La poetisa Safo la menciona como voz de las musas, las eternas inspiradoras de las artes: Descended, dulces Musas, venid, suaves gracias, las de rosados brazos, Vos, Pierias bien trenzadas: ea, divina lira, tus dulces voces alza. XXVI (fragmento) (Safo, trad. Baráibar et al, 1884, p.305) Pero es Anacreonte quien recurrentemente la toma para situarla en diferentes esferas de la vida. Así, del vibrar de sus cuerdas casi solo desprende amor, dando la espalda al mito: 2 La poesía lírica es un género literario griego que expresa la intensidad de los sentimientos y las reflexiones profundas. 6 Héroes, preciso es daros eterna despedida; que de dulces amores canta solo mi lira. A su lira (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.121) Y deja espacio, también, para el erotismo y los placeres de la carne, ligando la lira a las rosas: De ellas ceñido, en tu templo al son de mi lira, oh Baco, bailaré con una moza bella y de seno abultado. De la rosa (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.127) E insiste en los anteriores dos puntos, haciendo una oda a la embriaguez y rechazando la violenta escena en la que Odiseo le taladra el ojo al cíclope Polifemo: Dame la lira de Homero, mas sin las cuerdas sangrientas, tráeme los vasos legales para que con regla beba. Así saltaré beodo, y, sin perder la prudencia, cantaré al son de la lira las báquicas cantilenas. Beber y cantar (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.181) Finalmente, en una posición ambigua ante la sed de la riqueza que se le escapa constantemente, le dice al oro: Huyo del fugitivo; mis penas doy al viento; tomo la dulce lira, canto amorosos versos. Mas si aquel enemigo, sintiendo mi desprecio, con la embriaguez insana vuelve de sus deseos, y quiere que mi lira yo deje en el silencio: —aparta, yo le digo; aparta, oro perverso; tus insidias son vanas, tus tesoros no quiero, sino mi dulce lira y mis cantares tiernos. Al oro (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.209) Quizás una de las historias más conocidas de la mitología griega en relación con el arpa es aquella de Orfeo. Narra las desgracias de este hijo de Apolo (como se dijo, dios de las artes) y Calíope (musa de la poesía). Orfeo, virtuoso intérprete de la lira, baja a los infiernos para revivir a su amada Eurídice, muerta por la mordedura de una serpiente. Armado únicamente de su instrumento, logra 7 adormecer con sus dulces notas a Cerbero, perro de tres cabezas que vigila las puertas del Hades, y sortea todos los problemas que encuentra en el mundo de las tinieblas3. La trascendencia de la historia de Orfeo en la cultura y las artes de Occidente es innegable. El propio Emerson se apoya en el héroe y su arpa cuando profundiza en el quid de su propuesta filosófica: el instrumento liga al poeta órfico con la superalma. Así, como todo ser humano es hermoso y virtuoso, como posee un alma que puede ser una con el alma del mundo, como tiene los dones de la autoconciencia y la intuición y como observa e interactúa con la naturaleza —sin mediadores religiosos—, es inmortal e infinito en Dios. ¿Qué tenemos, pues, hasta acá en relación con el recital? Un instrumento-mito; un símbolo esencial del arte musical; un conector entre sonido, pensamiento y palabra; un artefacto que en toda su divinidad nos lleva a lo eterno. Como se dijo antes, se escogieron, en una mezcla de deliberación y azar, los siguientes versos para acompañar algunas de las piezas que nuestro poeta de hoy interpretará en su arpa. Los espacios en blanco serán como un arpa eólica: el viento que llegue determinará el canto. La source, Op. 44 (La fuente) Del salón en el ángulo oscuro, de su dueña tal vez olvidada, silenciosa y cubierta de polvo veíase el arpa. ¡Cuánta nota dormía en sus cuerdas como el pájaro duerme en las ramas, esperando la mano de nieve que sabe arrancarlas! Rima VII (fragmento) (Béquer en González-Serna, 2002) Sonatina en fa mayor No. 3, C. 90 Y esa humilde arpa —óyela— en su lejano estuche, acariciada por la simple brisa cual tímida doncella ante el amante es tan dulce reproche que me invita a repetir la falta. Ya sus cuerdas, suavemente tañidas, nos ofrecen oleadas de notas que recuerdan el embrujo sonoro que los elfos pronuncian por la tarde, cuando viajan con la brisa que llega de las hadas, donde la música ronda las flores. ¡Flotando en su ala indómita, sin pausa! ¡La vida dentro y fuera de nosotros, que anima el movimiento y es su alma, luz en sonido, sonido en la luz, ritmo en el pensamiento y alegría en todo! Cómo no amarlo todo en un mundo tan pleno, donde canta la brisa y el aire aquietado es música dormida en ese tácito instrumento. El arpa eólica (fragmento I) (Taylor en Insausti, 2004, p.63-93) 3 Las óperas de Claudio Monteverdi y Christoph Willibald von Gluck sobre Orfeo son obras maestras de la música. En ambas se hace explícito el poder del arpa. 8 Sonata en do menor de Tres sonatas para arpa, Op. 2 Así, mi amor, mientras al mediodía paseo por las próximas colinas con ojos entornados y contemplo la danza de la luz como diamantes, medito sosegado en el sosiego; cruzan por mi cerebro, así, indolente, pensamientos que él mismo no convoca, y revuelos de ociosas fantasías, diversas y salvajes cual tormentas, que crecen y se agitan sobre el arpa. Y ¿No serán los seres animados arpas dispuestas de diverso modo, que se hacen pensamiento cuando sopla, viva y vasta, una brisa intelectual, de cada una el alma, Dios de todas? El arpa eólica (fragmento II) (Taylor en Insausti, 2004, 102). Romance de Piezas fáciles para arpa, Op. 19 Quiero cantar de Cadmo, cantar de los Atridas; pero dulces amores suena solo mi lira. Mudo todas las cuerdas, mudo la lira misma; canto trabajos de Hércules, y ella de amores vibra A su lira (frangmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.121) Fantasía para arpa, Op. 95 Va la brisa por valles y collados y cargada de aromas y silencio no lleva entre sus alas invisibles, ni una voz —ni una música— ni un eco. Pero en oscuro bosque retirado, patria de las dríadas y los genios, en alto tronco suspendida encuentra arpa eolia de místicos acentos, al pasar vibra en las sonoras cuerdas del dulce y melancólico instrumento y van sus sosegadas armonías a perderse a lo lejos. Las arpas (fragmento) (Silva en McGrady, 1968, p.57) Toccata No. 3 (Arpa eólica) Automne (Otoño) Voy a tañer la lira. No hay certamen propuesto, pero de todo vate se halla en el pensamiento. Cual cisne de Caistro, que embelesa los ecos al compás de las alas dando su voz al Céfiro, yo con sonora lira y con ebúrneo plectro en los ritmos Frigienses cantaré tus dulces versos. Á Apolo (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.211) 9 Épices pour harpe (Especias, para arpa) Muscade (Nuez moscada) Ahora el pan a mi amo le robo de los dedos; y me ofrece la copa donde él bebió primero. Después que estoy bebida con brincos le festejo, y con mis tiernas alas doy sombra a sus cabellos, y al fin sobre su lira me poso y me adormezco. A una paloma (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.133) Vanille (Vainilla) Y ahora de mi lira las blandas cuerdas vibro, cantando a la muchacha por quien de amor suspiro. Oda LXXVII (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.205) Pistache (Pistacho) Y los que erraban en el valle, por dos ventanas luminosas a los espíritus veían danzar al ritmo de los laúdes, en torno al trono donde (¡porfirogéneto!) envuelto en merecida pompa sentábase el señor del reino. El palacio encantado (fragmento) (Poe, trad. Cortázar, 1970, p.177) Paprika (Paprika) Tus alitas resuenan imitando el sonido de la suave lira, y nadie te lo ha dicho. cántame un dulce tono bullicioso y festivo, agitando tus alas y tus pies tiernecitos; Y si mis crudos males y los amores míos con blando sueño curas y das al dulce olvido, en pago te prometo el más dulce rocío que la rosada Aurora en flores ha vestido. Oda al grillo (fragmento) (Meleandro, trad. de Baráibar, 1884, p.435) Safran (Azafrán) Música del Japón. Avaramente de la clepsidra se desprenden gotas de lenta miel o de invisible oro que en el tiempo repiten una trama eterna y frágil, misteriosa y clara. Temo que cada una sea la última. Son un ayer que vuelve. Caja de música (fragmento) (Borges, 1977, p.3) 10 Canelle (Canela) Una vez sentí el ansia De una sed infinita. Dije al hada amorosa: —Quiero en el alma mía Tener la inspiración honda, profunda, Inmensa: luz, calor, aroma, vida. Ella me dijo: —¡Ven!— con el acento Con que hablaría un arpa. En él había Un divino idioma de esperanza. ¡Oh, sed del ideal! Autumnal (fragmento) (‘Rubén Darío’, rec. 2019) Kola (Cola) Ahora el pan a mi amo Le robo de los dedos; Y me ofrece la copa Donde él bebió primero. Después que estoy bebida Con brincos le festejo, Y con mis tiernas alas Doy sombra a sus cabellos, Y al fin sobre su lira Me poso y me adormezco. A una la paloma (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.133) Gingembre (Jengibre) Si de mi baja lira Tanto pudiese el son, que en un momento Aplacase la ira Del animoso viento, Y la furia del mar y el movimiento; No quieras tú, señora, De Némesis airada las saetas Probar, por Dios, ahora; Baste que tus perfectas Obras y hermosura a los poetas Den inmortal materia, Sino que también en verso lamentable Celebren la miseria De algún caso notable Que por ti pase triste y miserable. Si de mi baja lira (fragmento) (De la Vega, rec. 2019) Bibliografía Anacreonte [selecciones]. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl.mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Borges, Jorge Luis. (1977). Historia de la noche. Buenos Aires: Emecé. Cavanaugh, Cynthia A. (2002). “The Aeolian Harp: Beauty and Unity in the Poetry and Prose of Ralph Waldo Emerson”. Rocky Mountain Review of Language and Literature 56, No. 1, 25-35. De la Vega, Garcilaso. (s. d.) Si de mi alma baja lira, recuperado del Centro Virtual Cervantes, consultado el 19 de enero de 2019. https://cvc.cervantes.es/ actcult/garcilaso/versos/cancion03.htm 11 González-Serna Sánchez, José María. (2002). “La Poesía”. Aula de Letras. Consultado, enero 9 de 2019. http://www.colegiolapiedad.com/Archivos/ Adjuntos/Contenidos/rimas.pdf Homero. (2006). “Ilíada”. Traducción de Emilio Crespo Güemes. Madrid: Gredos. Insausti, Gabriel. (2004). “El arpa y el ave: dos símbolos románticos de la poesía del exilio de Cernuda”. Rilce: Revista de filología hispánica, Vol. 20, No. 1. Matteson, Robert S. (1963). “Emerson and the Aeolian Harp”. The South Central Bulletin 23, No. 4, 4-9. McGrady, Donald. (1968). Diez poesías olvidadas de José Asunción Silva en Thesaurus, tomo XXIII, No. 1, 57. Consultado el 9 de enero de 2019. https:// cvc.cervantes.es/lengua/thesaurus/pdf/23/TH_23_001_048_0.pdf Meleandro. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl. mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Poe, Edgar Allan. (1970). Cuentos. Traducción de Julio Cortázar. Madrid: Alianza. Consultado, 18 de enero de 2019. http://recursosbiblio.url.edu.gt/ publilppm/Libros/2015/edgar-cuentos.pdf ‘Rubén Darío’. (s. d.) Autumnal. Recuperado del repositorio virtual de la Universidad de Navarra (España), consultado el 18 de enero de 2019. https://alojamientos.uva.es/guia_docente/uploads/2013/441/41777/1/ Documento16.pdf Safo. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl. mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en relaciones internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un postgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Quibdó y San Andrés CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA, (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo Cód. PULEP: VZU528. GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. CUARTETO INBOUND, cuarteto de cuerdas Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán Cód. PULEP: LKX467. WQF359. IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO ÉCLISSES - Foto. Carole Bellaiche CUARTETO INBOUND - Foto. Valentina Martínez Boletas disponibles en
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Alejandro Díaz, arpa clásica (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Tabea Debus, flauta de pico (Colombia)

Programa de mano - Tabea Debus, flauta de pico (Colombia)

Por: | Fecha: 14/03/2019

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 TABEA DEBUS flauta de pico (Alemania) ALEX McCARTNEY, tiorba (Reino Unido) SAM STADLEN, viola da gamba (Reino Unido) Del 29 de marzo al 7 de abril de 2019 Leticia, Bogotá, Florencia, Neiva, Ibagué, Girardot y Popayán MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO Foto: Kaupo Kikkas TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 TABEA DEBUS, flauta de pico (Alemania) Alex McCartney, tiorba (Reino Unido) Sam Stadlen, viola da gamba (Reino Unido) Viernes 29 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. Leticia, Salón Múltiple del Banco de la República Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Martes 2 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Miércoles 3 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Jueves 4 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Ibagué, Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Viernes 5 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Domingo 7 de abril de 2019 · 5:00 p.m. Popayán, Teatro Municipal Guillermo Valencia El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de El concierto en Neiva cuenta con el apoyo de El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de El concierto en Popayán cuenta con el apoyo de PULEP: MSH750. HZJ132. WBU676. NNW138. CLA810. RQB290. YRR195 2 TABEA DEBUS, flauta de pico Según la emisora Classic FM del Reino Unido, Tabea Debus pone a prueba la percepción que se tiene de la flauta de pico o flauta dulce; y no se equivoca, pues lo cierto es que ella explora continuamente los horizontes del repertorio para este instrumento. Debus se ha presentado en varias ocasiones en Europa, así como en Singapur, Japón, Malasia y los Estados Unidos. Sus presentaciones más destacadas incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena en el marco de Resonanzen, el festival de música Schleswig-Holstein, el Festival internacional de Edimburgo, el Brecon Baroque, el Antiqua en Bolzano, el Baroque at the Edge, y los festivales de música antigua de Brighton y York. Ha colaborado con reconocidos artistas como Iestyn Davies, Rachel Podger, Richard Egarr, Lawrence Cummings y Dunedin Consort; también con La Serenissima y The English Concert en Rinaldo de Händel. Como solista, Tabea se ha presentado con la English Chamber Orchestra en Cadogan Hall, con Chartwell Sinfonia en St. John’s Smith Square (Londres), con el WDR Rundfunkchor en WDR Funkhaus (Colonia), y con en la sala de conciertos Tonhalle (Zúrich). En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Upon a Ground (ClassicClips), seguido del álbum Cantata per flauto en el 2016 (TYXart). En el 2018, lanzó su tercer álbum como solista, el cual contiene doce nuevas obras basadas en XXIV Fantasie per il Flauto de Telemann (TYXart). En el mismo año fue seleccionada como beneficiara del Young Classical Artists Trust (YCAT). Con frecuencia actúa como invitada en los programas In Tune o Early Music de la BBC. Sus compromisos para la temporada 2018-2019 incluyen presentaciones como solista con la Oxford Sinfonia y la Orquesta del Festival Malcolm Arnold, con la cual interpretará conciertos de Bach, Telemann, Arnold, y Timothy Bowers. Adicionalmente, hará una gira por Colombia, y presentará recitales en el Reino Unido y Alemania, en donde participará en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern. También ofrecerá conciertos con el Ensamble Voyage de jóvenes artistas de The Orchestra of the Age of Enlightenment. Debus nació en Würzburg (Alemania) en 1991. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (HfMDK) con Michael Schneider y en la Royal Academy of Music de Londres con Pamela Thorby. Se graduó Foto: Kaupo Kikkas 3 de esta última con distinción de honor y recibió el reconocimiento Principal’s Prize por su desempeño académico. Además, fue beneficiaria de una beca Meeker de investigación para la temporada 2016-2017. Formó parte de los jóvenes artistas de St. John’s Smith Square (2015-2016), y participó como artista en el programa de Talentos de la Casa de Händel (2016-2017) y en la Fundación City Music (2016-2018). En el 2016, obtuvo el segundo puesto en el concurso de música Sir Karl Jenkins de The Arts Club. Durante sus estudios, ganó el primer puesto en el concurso internacional Johann Heinrich Schmelzer en el 2014 y el segundo puesto en el concurso internacional Hülsta Woodwinds en el 2011. Junto con Lea Rahel Bader (viola da gamba) y Johannes Lang (clavecín) fundó el ensamble tr!jo, el cual alcanzó el primer puesto en el XVIII Concurso Biagio-Marini (2017) y en el concurso internacional Bach en Berlín (2015). En el 2017 estuvo a cargo del programa titulado ‘El año de la flauta de pico’ patrocinado por el Fondo Jackdaws para la Educación Musical. Actualmente, imparte clases en Wells Cathedral School y en Millfield School en el Reino Unido. También ofrece talleres y seminarios en la Royal Academy of Music de Londres y en la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge. SAM STADLEN, viola da gamba Sam Stadlen es un violadagambista, violonchelista, musicólogo e integrante de la agrupación Fretwork desde el 2015, con la que ha presentado conciertos alrededor del mundo. Tiene un doctorado en música barroca francesa para la viola da gamba con énfasis en la influencia de la poesía y la declamación sobre esta música a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Adicionalmente toca con Chelys, un reconocido consort de violas da gamba, cuyo último álbum de canciones y consorts contó con la participación de Dame Emma Kirkby. También toca en un trío con los canadienses Michael Jarvis (clavecín) y Paul Luchkow (violín), con quienes lanzará dos álbumes en el 2019: uno de música francesa, Stylus Phantasticus; y otro que contendrá la primera grabación de los tríos Op. 30 de Tommaso Giordani, publicados en 1782. Stadlen es profesor de viola da gamba en el Royal College of Music de Londres y ha impartido clases y seminarios en la Universidad de York y en la Royal Academy of Music de Londres. 4 ALEX McCARTNEY, tiorba Alex McCartney tiene una apretada agenda que lo ha llevado a presentarse en salas de conciertos de diferentes partes del mundo. Es artista residente de su propio sello disquero, Veterum Musica. En el 2015 lanzó su primer álbum como solista titulado Mèsangeau’s Experiments, el cual fue muy bien recibido por la crítica: «La interpretación de McCartney de esta música contemplativa es elegante y sublime» (LSA). Su segundo álbum titulado Elizabeth’s Lutes también gozó de gran acogida: «La manera de tocar de McCartney es sensible y musical, y la grabación recoge el sonido del laúd de manera fiel» (Early Music Review). El álbum Toccata: Touched –música de Kapsberger para la tiorba– fue lanzado en el 2017 y sobre este se afirmó: «La riqueza y profundidad de la tiorba, y algunos melismas que ondulan y ruedan, articulados hábilmente por McCartney, hacen de este un programa encantador» (Classical Notes). Alex también ha participado como artista invitado en el programa Introducing de la BBC y a menudo se presenta en la emisora Radio 3 de la BBC. Adicionalmente, se ha presentado como solista con artistas como Iestyn Davies, Libro Primo (Sabine Stoffer), Ensemble Marsyas (Peter Whelan), The Gabrieli Consort, Tabea Debus, Cupid and Death y Poeticall Musicke. Libro Primo lanzó hace poco su primer álbum titulado Fantasia Incantata con obras en stylus phantasticus, el cual fue aclamado por The New Yorker y Early Music Reviews+. Como intérprete de continuo, sus interpretaciones han sido descritas como «vigorosas y sensuales, sin exageración en la ornamentación» (Observer). Se encuentra entre los principales intérpretes de La Nuova Musica y Poeticall Musicke y disfruta sus frecuentes presentaciones con varias de las orquestas barrocas del Reino Unido. McCartney es miembro vitalicio de la Real Sociedad de Músicos. Da clases de laúd en la Universidad de Aberdeen y en su ciudad natal, Glasgow. También creó una tutoría en línea para laúd, que cuenta con más de ciento cincuenta suscriptores. En su tiempo libre, se dedica a construir laúdes. Foto: Jen Martin 5 Sonata en do mayor, TWV41:C2 (1728-1729) Cantabile Allegro Grave Vivace GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para flauta de pico y continuo Fantasía No. 3 para flauta sin bajo, TWV 40:4 (1733) Largo-Vivace-Largo-Vivace *Bendy Broken Telemann No. 3 (2017) Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN / *OLIVER CHRISTOPHE LEITH (n. 1990) *Comisionada por City Music Foundation y dedicada a Tabea Debus Para flauta de pico solo Sonata para flauta, BWV 1034 (c. 1724) Adagio ma non tanto Allegro Andante Allegro JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Para flauta de pico y continuo Fantasía No. 6 para viola bajo, TWV 40:31 (1735) Scherzando Dolce Spirituoso GEORG PHILIPP TELEMANN Para viola da gamba sola Sorge nel petto de la ópera Rinaldo, HWV 7 (1711) / Fa pur Guerra de la ópera Flavius Bertaridus, TWV 21:27 (estrenada en 1729) GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759) / GEORG PHILIPP TELEMANN Original para contralto y orquesta barroca / Original para mezzo-soprano y orquesta barroca Arreglos para flauta de pico, continuo y viola da gamba INTERMEDIO PROGRAMA 6 Sonata en re mayor, HWV 378 (1707) Adagio Allegro Adagio Allegro GEORG FRIEDRICH HÄNDEL Para flauta de pico y continuo Prélude et passacaille (s. f.) / Sonata seconda de Troisième livre de sonates (1740) Andante e spicato Allegro Minueto con variaciones ROBERT DE VISÉE (1660-1732) Para tiorba sola / MICHEL BLAVET (1700-1768) Para flauta de pico solo, continuo y viola da gamba Fantasía No. 2 para flauta sin bajo, TWV 40:3 (1733) Grave Vivace Adagio Allegro *Mirrored Lines (2017) GEORG PHILIPP TELEMANN / *ALASTAIR PENMAN (n. 1988) *Comisionada por City Music Foundation para Tabea Debus Para flauta de pico solo Sonata para flauta de pico, TWV 41:d4 (1739-1740) Affettuoso Presto Grave Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN Para flauta de pico y continuo CONCIERTO No. 12 7 NOTAS AL PROGRAMA En el Barroco, la flauta dulce (también llamada flauta de pico, flûte à neufs trous, flûte d’Angleterre, flauto dolce, blockflöten o recorder) sufrió un progresivo declive ante la creciente popularidad del violín y de otros instrumentos de viento como la flauta traversa y el oboe. Según Rachel Brown, «en el siglo XVIII había una extendida creencia, incluso entre los eruditos y músicos más reputados, de que los instrumentos de viento no podían ni deberían tocar solos, debido a su incapacidad para crear una armonía sostenida» (Brown, 2008, p.15)1. A pesar de esto, algunos compositores –entre ellos Joachim Quantz (1697-1773)–, dedicaron buena parte de su obra al estudio de los instrumentos de viento llegando a ser, en algunos casos, verdaderos virtuosos en su interpretación. En tiempos de Telemann El ingenio compositivo de Georg Philipp Telemann (1681-1767) se manifestó a temprana edad y aunque nada lo predestinaba a seguir esa vía, fue uno de los músicos más prolíficos de su época. En un tiempo de disputas estilísticas entre el gusto francés y el italiano, el compositor alemán logró sintetizar y crear su propia versión de la ‘reunión de los gustos’, logrando una mezcla de estilos y formas presente en la mayor parte de su producción. Escribió para casi todos los instrumentos, muchos de los cuales él mismo interpretaba. Consciente de la necesidad de difundir y promocionar sus obras, creó el periódico musical Der Getreue Musikmeister (El leal maestro de música) que circuló entre el 13 de noviembre de 1728 y el 1° de noviembre de 1729 incluyendo composiciones suyas y de otros compositores, así como lecciones de teoría musical repartidas en veinticinco entregas llamadas ‘Lecciones’. La Sonata en do mayor, TWV 41:C2, para flauta de pico y continuo forma parte de las obras publicadas en este periódico musical. Consta de cuatro movimientos: Cantabile dulce y melodioso, Allegro contrastantemente ágil y brillante, Grave lento y sereno, y Vivace moderadamente rápido. Entre otras obras con vocación didáctica publicadas por Telemann figura la colección Essercizii Musici overo Dodesci soli e Dodeci Trii à diversi stromenti (Ejercicios 1 Esto se expone en contraposición con los instrumentos de cuerda que podían tocar varios sonidos simultáneamente. Es importante anotar que muchas obras instrumentales no tenían una asignación específica a un instrumento y solo gracias a las diferencias idiomáticas (tesitura, tonalidad, presencia de acordes) fue posible atribuirles un origen instrumental. 8 musicales con doce solos y doce tríos para diversos instrumentos) publicada en 1740. Además de las obras para violín, viola da gamba, flauta traversa y oboe, existen dos para flauta dulce. La primera de estas, la Sonata para flauta de pico en re menor, TWV 41:d4, consta de cuatro movimientos: Affetuoso, Presto, Grave y Allegro, respetando la estructura lento-rápido-lento-rápido usual en las sonatas italianas da chiesa2 (en contraposición a las sonatas da camera3). Es una obra con una especial sensibilidad, compuesta en una época relativamente tardía dentro del periodo barroco. Entre 1732 y 1735, Telemann publicó varias colecciones de fantasías para instrumentos solistas: viola da gamba (1735), violín (1735), flauta (1733) y clave (1732-1733). José Rico opina que «en estas fantasías se contemplan en miniatura casi la totalidad de las formas instrumentales de la época» (Rico, 2015, p. 14)4. Cada uno de los grupos de fantasías está escrito en una progresión de tonalidades en forma similar al Clave bien temperado (primer tomo 1722) de J. S. Bach, obra popular en la época por su doble interés pedagógico y teórico. Las fantasías para viola da gamba publicadas en 1735 se consideraron perdidas durante un largo tiempo hasta que un ejemplar fue redescubierto en el 2014 en el palacio de Ledenburg, cerca de Hannover, en la colección de Eleonore von Münster (1734-1794). Este feliz descubrimiento permitió rescatar una obra singular en su tiempo, puesto que el interés por la viola da gamba en el momento de composición de esta obra había disminuido considerablemente5. La atención que Telemann prodigó al instrumento puede explicarse por su admiración hacia la música francesa6 o porque a pesar de su anunciado ocaso, aun había entre los suscriptores de sus publicaciones interés por el instrumento7. La Fantasía No. 6 para viola baja, TWV 40:31 consta de 2 Constituidas en general por una introducción lenta, un allegro (posiblemente una fuga), un andante y un final enérgico, acompañadas por un órgano o laúd. 3 Conformadas por distintos movimientos de danzas (en forma similar a una suite), eran acompañadas principalmente por un clavecín. 4 José Rico realiza una traducción al español del artículo escrito por la flautista Rachel Brown y que está publicado originalmente en la revista Pan, vol. 27 No. 3 de la British Flute Society. Rico, en la traducción, incluye una introducción en la que incluye la opinión aquí presentada. 5 Solo cinco años después, en 1740, Hubert le Blanc publicaba en Paris Défense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les aspiration du violoncelle (Defensa del bajo de viola contra los emprendimientos del violín y las aspiraciones del violoncelo), por lo que sabemos que los defensores del instrumento sentían que su desaparición era inminente frente a las ‘pretensiones’ de la familia del violín. 6 En la que la viola da gamba jugó un papel importante durante el siglo XVII (fue asociada a los nombres de Marin Marais y Antoine Forqueray, entre otros). 7 Telemann desarrolló un sistema de suscripciones por correspondencia en los que ofrecía 9 tres movimientos: Scherzando, Dolce y Spirituoso, y es un ejemplo de ligereza y virtuosismo que demuestra una elevada comprensión de las posibilidades sonoras del instrumento. En el caso de las Fantasías para flauta sin bajo publicadas en Hamburgo en 1733, el manuscrito advierte Fantasia per il violino senza basso, y es uno de los ejemplos en los que la escritura idiomática permitió reconocer su idoneidad para la flauta más que para el violín. Cada una de las fantasías está en una tonalidad distinta entre la mayor y sol menor. La Fantasía No. 2 para flauta sin bajo, TWV 40:3 en la menor consta de cuatro movimientos siguiendo la estructura de la sonata da chiesa. El primero con la precisión Grave, sirve como preludio al segundo movimiento Vivace fugato al interior del cual se presenta una doble fuga. El tercero, Adagio, es el único en esta recopilación en el que los adornos están escritos por Telemann. Termina esta fantasía un movimiento Allegro con el ritmo característico de una bourrée. La Fantasía No. 3 para flauta sin bajo, TWV 40:4 en si menor tiene una estructura particular: se compone de dos movimientos, el primero de los cuales está dividido en cuatro secciones: Largo, Vivace, Largo, Vivace; además, tiene características de tocata italiana (con secciones contrastantes que preparan el siguiente movimiento). El segundo movimiento corresponde por su ritmo a una giga, que es frecuentemente el movimiento de cierre de una suite; debe ser interpretado con grazia. Parte de la importante producción musical de Telemann está dirigida a la música vocal, y entre ella, a la ópera. Compuso cerca de cuarenta de estas piezas para la casa de ópera de Hamburgo, entre las cuales se encuentra la única opera seria que de él se conserva: Flavius Bertaridus, TWV 21:27, estrenada en la Gäsenmarkt Oper de Hamburgo el 23 de noviembre de 1729. Escucharemos el aria allegro ‘Fa pur Guerra’8 del segundo acto, en un arreglo para flauta. Es interpretada originalmente por el personaje de Flavius Bertaridus, rey de Los lombardos que declara la fuerza de su amor (por ello su carácter victorioso). El gusto por la ópera es un aspecto que Telemann compartió entre otros con su colega Georg Friedrich Händel (1685-1759), de quien escucharemos el aria Sorge nel petto de la ópera en tres actos Rinaldo, HWV 7, una de las más populares del compositor alemán radicado en Londres desde 1710. La ópera, estrenada el 24 de febrero de 1711, es su primera ópera londinense y sus publicaciones, algunas veces con descuento. En su lista de suscriptores figuraban editores, compositores e intérpretes, algunos tan conocidos como J. S. Bach y G. F. Händel. 8 Como era usual en la opera de Hamburgo en aquella época, esta obra se caracteriza por alternar textos en alemán e italiano. Esta aria en italiano fue originalmente interpretada por una mezzo soprano. 10 fue fundamental para el éxito del compositor en ese país. Esta aria del final del tercer acto, lenta y expresiva, habla de la alegría del triunfo del amor entre Rinaldo y Almirena. La idea de interpretar obras del repertorio vocal en un instrumento no es ajena a la práctica de la época. La influencia italiana perceptible en la obra operística de Händel también se encuentra en sus obras instrumentales orquestales y de cámara. La ornamentación y la expresividad de las líneas melódicas constituyen la huella de este estilo que Händel dominaba. La Sonata en re mayor, HWV 378 para flauta y continuo fue compuesta en 1707 durante su estadía en Italia, periodo en el que estudió de cerca las obras de Scarlatti y Corelli. La única copia que existe fue atribuida originalmente a otro compositor ( Johann Sigismund Weiss9), pero tras el análisis de la sonata, los musicólogos pudieron reconocer la pluma de Händel a través del uso de temas incluidos en otras obras como la Sonata para flauta, HWV 379 y la Sonata para violín, HWV 371. Está dividida en cuatro movimientos: Adagio, Allegro (tempo spirituoso), Adagio (recitativo) y Allegro, siguiendo el esquema de la sonata da chiesa. Johann Sebastian Bach (1685-1750) no se quedó atrás en la composición de obras para flauta. La Sonata per la flauta traversiere e Basso, BWV 1034 en mi menor, compuesta cerca de 1724 y dedicada al flautista Michael Gabriel Fredersdorff (de acuerdo con el manuscrito copiado por J. P. Kellner), está dividida en cuatro movimientos: Adagio ma non tanto, Allegro, Andante y Allegro, estructura característica de una sonata da chiesa. Se cree que fue compuesta en el periodo de Bach en Cöthen (1717-1723) como buena parte de su música instrumental. En ella reconocemos el ingenio contrapuntístico del Kantor de Leipzig al tratar las líneas melódicas de la flauta y del bajo continuo no solo como una voz con acompañamiento sino como un diálogo con partes elaboradas en cada instrumento. Durante los ocho meses que Telemann pasó en París en 1737, logró dar a conocer su obra a importantes músicos de la capital. Uno de ellos fue el flautista Michel Blavet (1700-1768), gran virtuoso de su tiempo10, brillante intérprete de flauta traversa y fagot. Toco en el Concert Spirituel, en la ópera de París y finalmente fue nombrado en 1736 ordinario de la música de Rey. Blavet formó un cuarteto (flauta, violín, viola da gamba y continuo) para interpretar los Cuartetos de París de Telemann, muestra de la buena acogida que tuvo la música del compositor alemán en los círculos de la capital francesa. Blavet 9 Hermano del laudista Sylvius Leopold Weiss. 10 Famoso también por su forma de tocar la flauta hacia el lado izquierdo. 11 compuso varias sonatas para flauta traversa y bajo continuo, obras cumbre de la escuela francesa de flauta barroca. Del Troisième livre de sonates pour la flûte traversière avec la basse (Tercer libro de sonatas para flauta traversa y bajo) publicado en 1740, escucharemos la Sonata seconda en si menor, que consta de tres movimientos: Andante e spicato, de carácter dulce y ligero; Allegro, virtuoso y enérgico; y finalmente, un Minueto con dos variaciones de elevada dificultad rítmica. En la corte de Luis XIV trabajó el guitarrista, laudista y tiorbista Robert de Visée (1655-1733). Su nombre, así como el de Francesco Corbetta (1615-1681) está asociado al renacimiento de la guitarra en la corte francesa. Fue profesor del rey, que consideraba la guitarra entre sus instrumentos predilectos. Sus composiciones, mayoritariamente dedicadas a la guitarra y al laúd, fueron retomadas frecuentemente por sus contemporáneos, muestra de la popularidad que alcanzaron. Publicó varios libros de piezas y suites para guitarra, pero muchas de sus obras se conservaron en manuscrito, este es el caso del Prélude et passacaille, encontrado en el manuscrito Vaudry de Saizenay11, también llamado ‘de Besançon’. En él se conservan muchas de las obras del compositor francés con tablatura para laúd. Alastair Penman (n. 1988), joven compositor británico, recibió junto a otros doce compositores contemporáneos una comisión de la City Music Foundation de Londres. El proyecto buscaba crear doce obras basadas en cada una de las doce fantasías para flauta de Telemann con el propósito de conmemorar los 250 años de fallecimiento del compositor alemán, uniendo en la misma obra la música antigua y la música contemporánea. La obra de Penman, Mirrored Lines, basada en la Fantasía No. 2, requiere que el intérprete ‘cante dentro de la flauta’, produciendo dos sonidos simultáneos. Otra característica de la obra es el uso del sputatto, que genera una articulación muy precisa y sonora de las notas. En el concierto de hoy, la obra de Penman será interpretada al final de la Fantasía No. 2 de Telemann. La obra de Oliver Christophe Leith (n. 1990) es un caso especial, pues no se encuentra antes o después de la Fantasía No. 3, sino en medio de los dos movimientos que la componen. Este joven compositor británico decidió emplear en la misma obra dos flautas afinadas con medio tono de diferencia, jugando con el efecto que produce la disonancia. El empleo de estas técnicas modernas en la flauta dulce representa un reto considerable para el intérprete. 11 Llamado así por su dueño y copista, Jean-Etienne Vaudry de Saizenay (1688-1742), alumno de Robert de Visée. Referencias Brown, R. (2015). Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración ( José Rico, trad.). Recuperado de: http://www.rachelbrownflute.com/ assets/fantasias-de-telemann.tf-12-espa%C3%B1ol.pdf (Obra original ‘Telemann Fantasias: a feat of ingenuity and inspiration’ publicada en Pan, vol. 27 No. 3, British Flute Society). Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y con la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. PULEP: QKH323. DUK352. ANW460. PULEP: GPV587. QEQ752. PULEP: WZE182. DYY779. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Miércoles 5 de junio · 7:00 p.m. YINETH URQUINA, cantante (Colombia) Miércoles 4 de septiembre · 7:00 p.m. PALO CRUZAO música tradicional colombiana (Colombia) Jueves 13 de junio · 7:00 p.m. YINETH URQUINA, cantante (Colombia) Jueves 5 de septiembre · 7:00 p.m. NEIVA Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República FLORENCIA Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón (Colombia / Austria) Viernes 19 de julio · 7:00 p.m. COMO ERA EN UN PRINCIPIO música antigua (Colombia) Viernes 2 de agosto · 7:00 p.m. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Viernes 18 de octubre · 7:00 p.m. LETICIA Salón Múltiple del Banco de la República MANUEL ARANGO PÉREZ, piano (Colombia) Jueves 18 de julio · 7:00 p.m. URPI BARCO, jazz (Colombia) Jueves 28 de noviembre · 7:00 p.m. IBAGUÉ Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima PULEP: XBV108. VOR808. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 27 de junio · 7:00 p.m. MANUEL ARANGO PÉREZ, piano (Colombia) Miércoles 17 de julio · 7:00 p.m. GIRARDOT Auditorio del Banco de la República POPAYÁN Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República JONATHAN ROSERO, saxofón (Colombia) Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 7 de noviembre · 7:00 p.m. PULEP: SEJ294 PULEP: WSO275. MMN255. Foto. Carole Bellaiche DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón (Colombia / Austria) TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PULEP: FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248 MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali PULEP: JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982 . OTA770. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 SEBASTIÁN CRUZ TRÍO - Foto: Mónica Sánchez MUSGO - Foto: Juanita Obregozo Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Tabea Debus, flauta de pico (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Manuela Wanumen, violín (Colombia)

Programa de mano - Manuela Wanumen, violín (Colombia)

Por: | Fecha: 14/03/2019

Foto. Harrym Ramírez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MANUELA WANUMEN JIMÉNEZ violín (Colombia) Leonardo Cáceres, piano Óscar Moyano, guitarra Jueves 28 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: HYJ598 Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: HXW120 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Harrym Ramírez Manuela Wanumen Jiménez, violín Manuela Wanumen nació en Bogotá en el año 2000. Inició sus estudios de violín a los cinco años y en el 2007 entró a la Fundación UniMúsica. En el 2009 se trasladó a Italia, en donde recibió clases con Nadia Lazaruk y actuó en el Museo Napoleónico de Roma y en la Embajada de Rumania. A finales del 2010 regresó a Bogotá y entró a la cátedra de violín de Fabio Santana. En el 2013 fue invitada a actuar como solista en el concierto didáctico del lanzamiento del programa 40x40 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá que se realizó en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Entre el 2013 y el 2015 fue concertino de la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de UniMúsica. A partir del 2015, recibió clases de teoría en el estudio privado de Alena Krasútskaya y de violín con Richard Biaggini; posteriormente estudió con Juan Carlos Higuita. Ha recibido clases magistrales de violín con Kia Hui-Tan, Simon Bernardini, Andrew Zaplatinsky, Wonji Kim, Sean Wang, Andrey Baranov, Lynn Chang, Emma Steele, Alexis Cárdenas y Corrado Rossi; de música de cámara con Roeland Jagers (del Cuarteto Rubens), Sheldon Person (de la Sinfónica de Houston), Brittany Kotheimer, Jay Jeong, Carlos Vargas y Álvaro Birtrán (del Cuarteto Latinoamericano). Adicionalmente, participó como becaria en el Summer String Academy de Indiana University (Estados Unidos) del 2015, en el Sewanee Summer Music Festival (Estados Unidos) del 2016 y en el Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador) del 2017; este mismo año fue seleccionada para participar en la Orquesta Binacional Colombo-Francesa durante las Temporadas Cruzadas del Año Colombia- Francia. En el 2018 hizo parte del III Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda organizado por el Cuarteto Q-Arte. Actualmente es estudiante de cuarto semestre del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra de violín con Juan Carlos Higuita y en la cátedra de música de cámara con Liz Ángela García. 2 Leonardo Cáceres, piano Docente de piano, pianista acompañante y corepetidor de la Escuela de Música de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Realizó sus primeros estudios en la Escuela Superior de Música de su ciudad natal, Tunja, con Jorge Zorro Sánchez. A los doce años fue merecedor del Premio Nacional de Colcultura y solista con la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Jaime León. Fue merecedor del Premio Nacional de Piano en el 1984. Después de cuatro años de estudios con Pilar Leyva, viajó a la Unión Soviética como ganador del Primer Premio Nacional Convenio ICETEX-URSS en 1988. Terminó sus estudios como profesor de piano, solista y música de cámara en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con N. Suslova, Galina Miceroba y Tatiana Golik. Representó a Colombia en el VIII Festival de Música Contemporánea (Quito, Ecuador). Desde su regreso a Colombia ha llevado a cabo una extensa labor como docente y acompañante en diferentes salas tanto en el ámbito nacional como en el internacional. Óscar Moyano, guitarra Inició sus estudios de música a los diez años en la Academia de Música Germinal de Chía (Cundinamarca), donde tomó clases de teoría musical y guitarra. A los catorce años, comenzó sus estudios de guitarra clásica con Juan Felipe Naranjo en la academia Wayno, con quien se preparó para el ingreso a los cursos básicos del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Allí estudió con Sonia Díaz, Alexander Parra y Gabriela Aedo. En el 2013 entró al programa de música con énfasis en interpretación de guitarra del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutoría de Irene Gómez con quien estudió hasta concluir su carrera en el 2018. Ha participado en conciertos, festivales, clases magistrales y concursos, tanto como solista como en diferentes agrupaciones. Sus mayores áreas de experiencia están en la interpretación musical en vivo, la enseñanza musical, y la composición y grabación de música y audio en estudio. El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Partita No. 2 en re menor para violín solo, BWV 1004 (1717-1723) Allemanda Courante Sarabande Gigue Chaconne JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Despasillo, por favor (2006) LUIS CARLOS SABOYA (n. 1980) Para violín y guitarra INTERMEDIO Capriccio No. 13 en si bemol mayor ‘La risa del diablo’ de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 (c. 1805) Capriccio No. 16 en sol menor de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 (c. 1805) NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) Sonata para violín No. 1 en la menor, Op. 105 (1851) Mit leidenschaftlichem Ausdruck Allegretto Lebhaft ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Para violín y piano CONCIERTO No. 15 4 NOTAS AL PROGRAMA El concierto de hoy es un vaivén de muchas cosas: lo popular y lo académico, los tiempos lentos y rápidos, la expresividad y el virtuosismo, el sentimiento y la técnica, el instrumento solo y con acompañamiento. Manuela Wanumen escogió de forma inteligente un repertorio equilibrado entre obras de distintas épocas, cada una con sus exigencias particulares, pero todas ellas con grandes complejidades. Interpretar las obras de Johann Sebastian Bach siempre generará algo de frustración entre los solistas más autocríticos, inclusive entre los mundialmente conocidos, pues su música no es de este mundo. A pesar de que la obra de hoy encuentra sus raíces en danzas europeas de carácter popular que fueron luego estilizadas entre los compositores doctos, lograr sostener el discurso musical y sobrevivir a la larga y exigente Ciaconna del final no es tarea sencilla. El pasillo de Luis Carlos Saboya será un descanso para sus dedos y mente, pero dejará ver el fondo de su alma, su expresividad y su colombianidad. Luego del intermedio, bajará al Hades para emular primero la risa del diablo, viejo amigo de Paganini, y después interpretar endiabladamente el Capriccio No. 16. Finalmente, cerrará con una larga sonata de Schumann en la que hay un íntimo diálogo con el piano que la acompaña. Partita No. 2 en re menor para violín solo, BWV 1004 Las sonatas y partitas para violín solo de Johann Sebastian Bach (1685-1750) datan del denominado periodo de Köthen (1717-1723), importante en la producción de música de cámara del renombrado compositor alemán. Son una serie de obras que consolidan ese punto en la historia del violín en el que el instrumento empieza a ser tenido en cuenta por sus capacidades como solista, y ya no como un mero acompañante. Hay lugares de desencuentro en la musicología histórica acerca de las primeras obras escritas en el Barroco para violín solo, pero la indicación en puño y letra de Bach de que sus sonatas y partitas debían tocarse ‘senza cembalo’ o ‘senza basse’ demuestra que fueron concebidas para sonar sin acompañamiento alguno. En ese sentido, y de acuerdo con la etapa en la que Bach se encontraba al momento de su escritura, pueden apreciarse como el impulso inicial de la figura del violinista como solista. Además de ser musicalmente ricas y complejas, al mejor estilo de Bach, son también retadoras en el aspecto técnico, lo que muestra la intención del compositor por mejorar el nivel de los músicos a su disposición en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen (Wolf y Emery). Así, estas piezas son didácticas y pedagógicas en un estilo avanzado, pero no por ello pierden su calidad musical. Para diciembre de 1717 las obligaciones de Bach con su anterior empleador, el duque Guillermo de Sajonia-Weimar, habían llegado a un infeliz término: Bach quería ser maestro de capilla –la posición de mayor prestigio para un músico en ese entonces– y el duque negociaba este puesto con otros interesados. Al enterarse de que 5 el príncipe Leopoldo tenía la voluntad de otorgarle el honor de dirigir la música de su corte, Bach solicitó insistentemente y quizás en términos no adecuados la terminación de su anterior contrato, algo que desató la furia del duque, quien lo encarceló por un mes antes de dejarlo partir. Instalado en Köthen, Bach continuó con su incansable rutina de componer música con distintos fines y para distintos formatos. Si bien las obras vocales de inspiración religiosa y de alabanza, como los corales y las cantatas, fueron una constante en aquellos años, la música de cámara también ocupó un lugar importante para la inventiva de Bach. Con músicos a su disposición y estudiantes ávidos de mejorar su técnica, el maestro de capilla escribió obras para pequeños ensambles y piezas para solistas. De su lustro en Köthen quedaron producciones que son consideradas hitos de la música de cámara como los Conciertos de Brandenburgo, la primera parte de El clave bien temperado, algunas piezas para laúd, las suites para violonchelo, y las sonatas y partitas para violín. La partita escogida por Manuela Wanumen para el concierto de hoy está conformada por cinco partes. Las cuatro primeras son típicas de la tradición de ese entonces en la forma de suite (partita y suite pueden tomarse como términos similares): danzas contrastantes inspiradas en construcciones melódicas, rítmicas y armónicas de distintas regiones de Europa. Allemanda (alemana), Courante (italiana o francesa), Sarabande (española) y Gigue (inglesa) se alternan en un vaivén lento-rápido. La última parte, Chaconne o Ciaccona, incluye ambas características en relación con los contrastes de tempo. Es el movimiento más largo y exigente de la obra. Entre los instrumentistas causa terror su dificultad técnica, y entre los musicólogos, confusión. No es claro si Bach escribió la Ciaccona como parte de la partita o más bien la adaptó, pues parece ser más apropiada para tocarse en laúd (Altschuler, 2005, p. 79). También se ha sugerido que la escribió a la memoria de su esposa María Bárbara, quien murió en julio de 1720, el año al que se asocia la composición de la serie de sonatas y partitas (Wolf y Emery). Despasillo, por favor Luis Carlos Saboya (n. 1980) hace parte de la generación joven de compositores colombianos activos en la actualidad que no son fáciles de clasificar estilísticamente. Con su música nos invita a desprendernos de esa acartonada costumbre que tenemos heredada de Europa de hacer una taxonomía de las cosas para poder hablar de ellas con propiedad. ¿Acaso hay que clasificar todo para entenderlo? Quizás no, y menos en un momento tan especial en la contemporaneidad colombiana de la música, con tanto diálogo entre nuestras tradiciones (entre ellas mismas) y otras venidas del extranjero. Esto no quiere decir que nuestros compositores sean inmunes al estudio crítico de su obra. De hecho, lo merecen, pero este no es el espacio para ello, y quien escribe no es el experto. 6 La biografía de Saboya es una pista para crear un discurso inteligible sobre su música. Y se puede hacer de forma sencilla, sin entrar en las particularidades de sus composiciones o su análisis formal. Desde pequeño estuvo expuesto a las músicas tradicionales de los Andes colombianos. Esto significa que es conocedor del pasillo, el bambuco y la guabina (entre otros aires de la región). Estudió las músicas académicas de conservatorio en Tunja y en la Universidad Nacional de Colombia, para luego especializarse en composición en Barcelona. Con el Trío Instrumental Palos y Cuerdas –junto con sus dos hermanos en la bandola y la guitarra– ha explorado músicas de distintos compositores colombianos, ha hecho sus propios arreglos y ha estrenado obras originales. En formato de cuarteto (violín, vibráfono y contrabajo), con músicos del extranjero, se animó a incluir armonías jazzísticas en sus composiciones. Por las razones anteriores, la música de Saboya suena un poco a Colombia y un poco al mundo. El diálogo entre el violín y la guitarra en la pieza de hoy presenta una conducción de voces muy clara, en la que el violín resalta lleno de melancolía en la primera parte –con guiños que nos recuerdan el lirismo de los tangos de Piazzolla, para contrastar con la jovialidad de los pasillos rápidos en la que le sucede. Mientras tanto, la guitarra acompaña con armonías cargadas de color y la inconfundible acentuación. Capriccios Nos. 13 y 16 de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 Quién más podría encarnar aquello que Bach predijo con sus piezas para violín como el gran solista si no Niccolò Paganini (1782-1840). La libertad que se le empezó a otorgar al instrumento en el Barroco puede verse materializada décadas más tarde en Paganini como un prototípico músico romántico emancipado: de las cortes europeas posteriores a la Revolución Francesa era asesor o invitado, y no empleado; a sus conciertos en extensas giras por Europa se debía pagar por la entrada, lo que representaba un ingreso económico constante; sus composiciones eran vendidas por casas editoriales; logró administrar su propio negocio de compra y venta de instrumentos durante sus últimos años de vida; inclusive se emancipó de Dios al no aceptar los santos óleos en su lecho de muerte (quizás este hecho alimentó el popular mito de su pacto con el diablo, lo que lo había convertido en el violinista más virtuoso de todos los tiempos). Su irreverencia era tal que muchos de sus contemporáneos despreciaban su tendencia a no seguir al pie de la letra las partituras de otros compositores (Neil). Paganini era entonces un intérprete libre. Y como compositor se permitió, también, antojos a su gusto. Paganini compuso para un tipo de violinistas que no existía en su tiempo. Cambió la postura del cuerpo para sostener el violín, experimentó con distintos tipos de arcos, hizo uso de la scordatura (afinaciones no convencionales) y exprimió la técnica de ambas manos al máximo (Neil). Cuando se publicaron sus 24 capriccios para violín solo, estos fueron juzgados como imposibles de tocar, y la crítica los consideró como 7 un ejercicio ególatra que únicamente buscaba reforzar su histrionismo y pirotecnia musical (Perry, 2004, p. 208). La historia ha probado lo contrario, pues estos capriccios son en la actualidad piezas obligadas entre todos los violinistas de conservatorio, son requisito en concursos y son material de grabación en todo el mundo. Los 24 capriccios fueron compuestos hacia 1805, cuando el joven Paganinni contaba con veintidós o veintitrés años de edad y trabajaba como concertino en la orquesta del Principado de Lucca y Piombino, un estado napoleónico asignado a Elisa Bonaparte, hermana del emperador. En su primera edición, quince años más tarde, aparecen dedicados ‘a todos los artistas’ (alli artisti), lo que sugiere que fueron pensados como un ejercicio compositivo más que como piezas de ocasión. De hecho, parece que Paganini nunca los tocó en público. Aquí la palabra capriccio (capricho) toma sentido en el ámbito musical y lingüístico, pues estas piezas no solo no comprenden una estructura o forma única, sino que surgen de su antojo por componer. Sonata para violín No. 1 en la menor, Op. 105 De los tres compositores europeos en el programa de hoy, Robert Schumann (1810- 1856) es el más cercano a nuestro tiempo. A pesar de ser reconocido por algunos de sus contemporáneos como un compositor romántico, etiqueta que él rechazaba categóricamente, sigue siendo considerado en nuestros días como uno de los mayores exponentes del Romanticismo. Como un agudo crítico musical, fundador, editor y posterior colaborador de la revista Neue Zeitschrift für Musik, Schumann se sentía más cómodo pensándose como un neorromántico, un continuador de una tradición que encontraba sus raíces en el propio Bach. Aquí, Schumann rehúye de las clasificaciones históricas de los estilos musicales y propone una forma distinta de entender la evolución del lenguaje musical académico europeo (o quizás solo alemán). Tal vez por haber nacido en el seno de un hogar donde la actividad literaria era fundamental, y por haberse sumergido con intensidad en las letras –en especial la poesía–, buscó reconocer el carácter poético y expresivo de Bach, más allá de su música vocal. Fue partícipe de la generación de compositores que, liderados por Mendelssohn, rescataron la música de Bach, latente por más de cincuenta años y casi relegada al olvido. Schumann descubrió a Bach a temprana edad y utilizó su obra para pulir su propio estilo de componer estudiándolo con el más fino detalle. Se inspiró en él para escribir famosas fugas y trabajó en acompañamientos para algunas de sus composiciones para instrumento solista, entre ellas las sonatas y partitas para violín (Daverio y Sams). Una de las características de la música de Schumann es un cierto rechazo (aunque con algunas excepciones) al virtuosismo, considerando que el desarrollo técnico no debía ser un fin en sí mismo, sino un medio para embellecer y sublimar la música. Pero, como buen romántico, es decir, al reconocer la importancia de la expresividad de los sentimientos, podía darse el gusto de caer en contradicciones. Cuando era joven y vivía en Heidelberg, hacia 1830, y aún no había decidido dedicarse de lleno 8 a la música, conoció al virtuoso Paganini y cayó rendido ante sus pies. Dicen que el encuentro fue definitivo para Schumann en la decisión de no seguir estudiando leyes para darle gusto a su familia. Veinte años después, cuando trabajaba en la primera sonata para violín, escribía acompañamientos para los 24 capriccios (Daverio y Sams). La sonata para violín que escucharemos hoy fue escrita, a diferencia de las obras de los dos anteriores compositores mencionados, en el periodo más maduro de su vida, cuando ejerció como director musical municipal en Düsseldorf entre 1850 y 1854. Estos fueron años de mucha actividad componiendo en varios géneros, tanto de música sacra como profana, vocal e instrumental, orquestal y de cámara. Es también el ocaso de su vida cuando luchaba contra las fuertes depresiones que lo aquejaban desde joven, los ataques de nervios, el reumatismo, y el agotamiento físico. Un intento de suicidio al arrojarse a las aguas del Rin y varias estancias en clínicas de reposo marcan este periodo. Pero su sonata no refleja la inestabilidad mental y la enfermedad. Es en cambio, como toda su música, una lúcida reacción a la naturaleza no artística del pasado inmediato, cuando la música de mayor aceptación era grandilocuente y espectacular. Referencias Altschuler, E. Were Bach’s Toccata and Fugue BWV565 and the Ciaccona from BWV1004 Lute Pieces? The Musical Times, Vol. 146, No. 1893 (Winter, 2005). Daverio, J. y Sams, E. “Robert Schumann”. Grove Music Online (2001). Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/ gmo/9781561592630.article.40704 Neill, E. “Nicolò Paganini”. Grove Music Online. Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630.article.40008 Perry, J. “Paganini’s Quest: The Twenty-four Capricci per violino solo, Op. 1”. 19th-Century Music, Vol. 27, No. 3 (Spring 2004). Wolf, C. y Emery, W. “Johann Sebastian Bach”. Grove Music Online. Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630. article.6002278195 Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en relaciones internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un postgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Próximos conciertos en Manizales Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Foto. David Castañeda PÁRAMO quinteto de jazz (Colombia) URPI BARCO, jazz (Colombia) Miércoles 19 de junio de 2019 · 7:00 p.m. CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Miércoles 21 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. GUSTAVO ADOLFO NIÑO, guitarra (Colombia) Miércoles 4 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Martes 8 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: XEA716. IFP763. HJI802. OLS648 HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto Cód. PULEP: VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573. JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo Cód. PULEP: ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 HANSJÖRG ALBRECHT - Foto: Florian Wagner JUAN MANUEL MOLANO - Foto: Daniel Molano Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá
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Programa de mano - Manuela Wanumen, violín (Colombia)

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Programa de mano - Sebastián Cruz Trío, jazz (Colombia)

Por: | Fecha: 18/03/2019

Foto: Mónica Sánchez SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Martes 2 de abril de 2019 · 6:30 p.m. Montería, Auditorio San Jerónimo de la Universidad Pontificia Bolivariana de Montería PULEP: IJD649 Miércoles 3 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí PULEP: LBX919 Jueves 4 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Cartagena, Cetro de Formación para la Cooperación Española PULEP: XXS878 Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: FBK975 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SEBASTIÁN CRUZ, guitarra Sebastián Cruz es un guitarrista, cantante y compositor colombiano de gran versatilidad radicado en Nueva York desde 1997. Cuenta con títulos universitarios en interpretación de jazz del City College of New York y del Manhattan School of Music, estudios que le permiten integrar elementos de improvisación y creatividad con sus conocimientos de música latinoamericana y, en particular, de las diferentes tradiciones colombianas. Como guitarrista se ha presentado en múltiples escenarios en Europa, Latinoamérica, Asia y Estados Unidos. Cruz ha publicado grabaciones con varios de sus proyectos originales, como por ejemplo Coba, proyecto enfocado en sus canciones originales, y el Cheap Landscape Trio, que presenta música instrumental basada en ritmos afro-colombianos con la energía de un ‘power trio’ de rock y con una alta dosis de improvisación. Su más reciente proyecto, Sebastián Cruz Trío, representa la suma de sus variados intereses. Con gran énfasis en los textos, las canciones de Cruz son interpretadas en ritmos afro-colombianos por un trío que incluye grandes improvisadores en la escena del jazz y la música experimental de Nueva York. HENRY COLE, batería Henry Cole es un baterista multifacético, cuyo estilo versátil y multicultural lo posiciona al frente de una ola de innovación jazzística que atraviesa fronteras y que es propia del siglo XXI. Es un maestro de la batería, ganador de un premio Grammy y un hábil arreglista. Cole toma inspiración de un largo linaje de pioneros boricuas que tocaban en bandas locales, militares y de jazz. Sus raíces musicales africanas, indígenas y europeas se han ido ‘cocinando’ por años hasta convertirse en un sonido mestizo único. Su álbum debut, Roots Before Branches (2012), fue catalogado por National Public Radio (NPR) como una de las nuevas cinco direcciones en la evolución del jazz. El legendario Chick Corea, al respecto, aplaudió a Henry por «bellamente expandir las tradiciones dentro de las que creció». Su flexibilidad, fluidez y poder detrás de la batería lo hacen ser un elemento indispensable en varios de los grupos de jazz más reconocidos como el Miguel Zenón Quartet (nominado a los premios Grammy), el Gary Burton Quartet, el Quincy Jones Global Gumbo, el Ben Wendel Quartet y el All-Star Quartet ‘90 Miles’ con Stefon Harris y Nicholas Payton. Ha compartido escenario con 2 artistas de la talla de Fabian Almazan Rhizome, David Sánchez (ganador del Grammy), el saxofonista Will Vinson y el pianista Chano Domínguez, leyenda actual del nuevo flamenco. Cole también ha actuado y grabado con Chambao, Calle 13, Residente y Draco Rosa. STOMU TAKEISHI, bajo Stomu Takeishi es un bajista japonés que generalmente toca un bajo sin trastes de cinco cuerdas, así como un bajo acústico Klein de cinco cuerdas. Stomu usa looping y otros efectos electrónicos con frecuencia para expandir los sonidos de su instrumento. Takeishi se inició como un intérprete de koto, instrumento traditional japonés, y en 1983 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Berklee College of Music. En 1986 se mudó a Nueva York donde aún reside. En la década de los noventa empezó a ganar prominencia como un bajista innovador en la escena neoyorquina. Los críticos han mencionado tanto su estilo osado como su sensibilidad tímbrica y sonora. Ha actuado en innumerables festivales internacionales de jazz y actúa frecuentemente en importantes salas en Estados Unidos –especialmente en Nueva York– y Europa. Ha actuado y grabado con Don Cherry, Henry Threadgill, Pat Metheny, Bill Frisell, Butch Morris, Dave Liebman, Randy Brecker, Wynton Marsalis, Paul Motian, Myra Melford, Cuong Vu, Badal Roy, David Tronzo, Erik Friedlander, Satoko Fujii, Laszlo Gardony, Ahmad Mansour y Andy Later. En el Critics Poll número 57 de Downbeat de 2009, Stomu fue el ganador en la categoría Estrella emergente en el bajo eléctrico. El concierto en Montería cuenta con el apoyo de El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de El concierto en Cartagena cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA El trío presentará una selección de las siguientes obras que anunciará al público durante el concierto. Recuerda muerte TRADICIONAL Arreglo por Sebastián Cruz (2011) El primer sol (2018) La nube de polvo (2018) Voy a llegar (2013) Cuerda, cuchillo y candela (2005) De humo (2016) Cadenita de oro (2006) Callejón de espejos (2018) De norte a sur (2002) Hilo y aguja (2003) Ojo de ave (2016) Pensar (2007) Sombras (2013) La fotógrafa (2011) SEBASTIÁN CRUZ (n. 1978) Paradis Quarter (2011) CONCIERTO No. 14 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso a la sala de acuerdo con las indicaciones que para ello brinden los artistas. 4 NOTAS AL PROGRAMA Mundo de imágenes: Las canciones de Sebastián Cruz Desde que tomó la determinación de ser músico, Sebastián Cruz (n. 1978) asoció su oficio al arte de hacer canciones. Las primeras se dejan ver en un par de discos muy apreciados por los nostálgicos del rock bogotano noventero. Se trata, por un lado, de Bajo la oscuridad –contenida en Catedral (1994), debut y despedida de la banda del mismo nombre– y El genio, incluida en el único registro de la legendaria banda El Zut a la cual perteneció Cruz antes de abandonar Colombia. Con cierto dejo críptico, ambas son canciones sombrías que gravitan entre el grunge y el blues. Con El Zut –agrupación influenciada notablemente por el sonido de Bloque de Búsqueda–, el guitarrista inició su exploración de algunos ritmos de las costas colombianas. Más allá de la idealización romántica de las músicas de tradición popular y la condescendencia paternalista, lo de Cruz fue una búsqueda natural que le permitió atar cabos que andaban sueltos desde la adolescencia, momento en el que tuvo su primer contacto con el complejo sonoro de las regiones del Pacífico y el Caribe colombianos. A principios de la década pasada fijó su residencia en Nueva York. Allí, entre la nostalgia y el despecho del que abandona su terruño, afloraron muchas canciones que puso a disposición de Coba, un grupo en el que fluctuaban músicos de diversas nacionalidades. La veintena de canciones escritas en esa primordial temporada neoyorquina son luminosas y sosegadas. Ya desde ese momento se traslucen aspectos de estilo que luego aparecerán una y otra vez en el futuro: rimas repentistas, ingeniosos juegos de palabras, figuras retóricas que apelan obsesivamente a los avatares climáticos y metáforas telúricas. Por esos mismos años, el percusionista Martín Vejarano fundó La Cumbiamba eNeYé. Arraigada en los formatos populares de chirimía, marimba de chonta, banda pelayera y rueda de bullerengue. Esta iniciativa de Vejarano apuntaba al torrente sanguíneo de los rumberos. En los dos discos publicados por la orquesta hasta la fecha aparecen varias composiciones de Sebastián Cruz. Una de ellas es Pensar, candorosa retahíla de amor escrita a la usanza de los viejos decimeros trotamundos. En contraste, la música instrumental es otro ámbito en el que Sebastián Cruz se mueve con elasticidad. En este caso particular, el punto de partida 5 vuelve a ser la asimilación disruptiva de algunos ritmos presentes en el paisaje musical de las regiones del Caribe y del Pacífico colombiano. Para esto, el formato de guitarra, bajo y batería ha sido eficaz. Conformado hace más de diez años, el Cheap Landscape Trio se vale de la potencia –traducida en descaro y libertad– para interpretar ‘canciones’ que, en ausencia de letras, apelan a la descarga impetuosa. Ubicado en un lugar nebuloso entre el jazz y el rock, Cruz estrenó su trío en el 2008 con un disco homónimo que traza puentes oceánicos insólitos: desde nuestro Pacífico Norte hasta la República Democrática del Congo. Ejemplo de tan singular travesía son la melodía tradicional Recuerda muerte y Paradis Quarter, una champeta inspirada en el relampagueante estilo de la agrupación congoleña Konono No. 1. Ambas las podremos escuchar en el concierto de hoy, así como una pieza que aún no ha sido grabada. Se trata esta última de La fotógrafa, un insólito paseo vallenato dedicado a Mónica, su esposa. Muchas han sido las voces que han interpretado las canciones de Sebastián Cruz. La lista es larga y variopinta: Lucía Pulido, Camilo Martínez, Jimena Ángel, Iván Benavides, Joana Santos, Amos Piñeros, Johanna Marín, Francisca Benítez, Nilko Andreas Guarín y Yarimir Cabán. La idea de cantarlas él mismo le dio vueltas durante muchos años. No fue sino hasta el 2016, en el marco de la edición temática dedicada por el Festival Distritofónico a guitarristas colombianos, que Cruz decidió saltar al vacío. Su determinación fue recibida con recelo por parte de amigos e incautos. El reproche no mermó el propósito. Apuntaló su voz en el metro y escribió varias canciones proyectadas para una banda nueva que se ajustara tanto a la serenidad de Coba como al brío del Cheap Landscape Trio. Luego de probar con varias formaciones que incluyeron piano y vientos –Ricardo Gallo, Alejandro Flórez, Óscar Noriega y Curtis Hasselbring fueron algunos de los músicos convidados– finalmente llegó a la conclusión de que su voz se ajustaba con eficacia al trío de guitarra eléctrica. Porosas, limpias de adjetivos redundantes, escuetas y casi telegráficas resultan las canciones de Sebastián Cruz. No son narrativas ni anecdóticas. Como un fotógrafo va juntando imágenes que suscitan ideas y reflexiones. La contemplación sencilla revela inesperadas alegorías acerca de la paternidad, los amores acumulados, la ambigua densidad de las sombras, la nostalgia de un fumador o el mundo visto desde los ojos de un pájaro. Alegres y melancólicas, son canciones que están inmersas en los bordes oníricos de la vida cotidiana: aquellos lugares brumosos en el que una partícula de polvo se deja ver cuando le cae encima un rayo de sol. 6 Ponemos en sus manos y en sus oídos estas canciones ingrávidas no sin antes puntualizar que muchas de ellas permanecen inéditas. Discografía recomendada Catedral. (1994) Catedral. (CD) MTM Coba. (2003) Coba. (CD) Camafeo Records Coba. (2006) Canción mandala. (CD) Chonta Records El Zut. (1998) El Zut. (Casete) Edición de autor La Cumbiamaba Eneyé. (2006) Marioneta. (CD) Chonta Records La Cumbiamaba Eneyé. (2010) La palma. (CD) MTM Sebastián Cruz and the Cheap Landscape Trio. (2008) Sebastián Cruz and the Cheap Landscape Trio. (CD) Edición de autor. Luis Daniel Vega. Es periodista y ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Desde el 2012 escribe notas al programa para los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En el 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Foto. Catalina Pérez Calderón Próximos conciertos en Montería CORRIENTES, nueva música colombiana (Colombia) Miércoles 22 de mayo · 6:30 p.m. PULEP: TER382 Próximos conciertos en Sincelejo CORRIENTES, nueva música colombiana (Colombia) Jueves 23 de mayo · 7:00 p.m. Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí Con el apoyo de Parque Comercial Guacarí PULEP: EAY194 Próximos conciertos en Cartagena LOS TAITAS, trío de jazz (Colombia) Viernes 10 de mayo 7:00 p.m. Cetro de Formación para la Cooperación Española Con el apoyo del Centro de Formación para la Cooperación Española PULEP: ADR76 CORRIENTES nueva música colombiana (Colombia) 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN MONTERÍA, SINCELEJO Y CARTAGENA HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. PULEP: VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. TSH296 $10.000 HANSJÓRG ALBRECHT · Foto. Florian Wagner Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS DE LA SERIE PROFESIONAL EN BOGOTÁ PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio · 11:00 a.m. ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín PULEP: QGI573. BFV997. RNR558. UVG524. YJT599. ZWU837 CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS, corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Pasto PULEP: CYV981. IZX751 . XCL642. CPF877. LLL233. OAX481. ZNU727 MANUELA WANUMEN · Foto: Harrym Ramírez Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo PULEP: HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267 $6.000 TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES EN BOGOTÁ
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Sebastián Cruz Trío, jazz (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Juan Manuel Molano, guitarra (Colombia)

Programa de mano - Juan Manuel Molano, guitarra (Colombia)

Por: | Fecha: 18/03/2019

Foto: Daniel Molano Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 JUAN MANUEL MOLANO guitarra (Colombia) Jueves 11 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Villavicencio, Teatro La Vorágine PULEP: TCY755 Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ZZP911 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Daniel Molano JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Nació en Medellín, Colombia. Terminó sus estudios de guitarra clásica en la Universidad EAFIT bajo la dirección de Alejandro Valencia Duque y realizó un intercambio académico con la Universidad de São Paulo (USP) en Brasil, donde estudió con Edelton Gloeden y tuvo clases magistrales con Fabio Zanon y Paulo Martelli. Ha participado en importantes festivales internacionales de música, entre los que se destacan el 49° Festival de Inverno Campos do Jordão (Brasil), el XIII Festival de Música de Santa Catarina FEMUSC (Brasil) y el XI Festival Internacional de Música de Cartagena (Colombia), este último gracias la beca otorgada por la Fundación Salvi. Fue invitado al programa La Retreta del canal Telemedellín y participó en eventos como el Primer Encuentro de Guitarra EAFIT 2017 y el Segundo Festival Internacional de Guitarra de Medellín. También ha ofrecido recitales en São Paulo, Belo Horizonte, Campos do Jordão, Jaraguá do Sul, Medellín, Bogotá, Cali y Jericó. Molano fue ganador del concurso Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT con su interpretación como solista del Concierto del Sur, del compositor mexicano Manuel María Ponce. También ha sido galardonado en varios concursos, incluyendo el primer lugar en el concurso de pregrado de la Universidad EAFIT en las categorías solista y música de cámara, el segundo lugar en el concurso nacional de guitarra clásica El Nogal en Bogotá y el tercer lugar en el V Concurso Internacional de Guitarra Fernando Sor. Molano ha participado en clases magistrales con Johan Fostier (Bélgica), Eduardo Isaac (Argentina), Judicaël Perroy (Francia), Guillem Pérez Quer (España), Thomas Patterson (Estados Unidos), Iván Rijos (Puerto Rico), Mario Ulloa (Costa Rica), Ignacio Rodes (España), Paulo Porto Alegre (Brasil), Cristina Pérez Maideo (Cuba), Julián Cardona (Colombia), Daniel Sá (Brasil), Nilko Andreas Guarín (Colombia), André Rodrigues (Brasil), el Cuarteto de Guitarras de Brasil y el Cuarteto Europeo de Guitarras, entre otros. El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Junto al Generalife (1955) JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999) Suite en do menor, BWV 997 (c. 1740) Prelude Fugue Sarabande Gigue Double JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Adaptación para guitarra de Juan Manuel Molano a partir del arreglo para guitarra de Tilman Hoppstock (n. 1961). INTERMEDIO Un sueño en la floresta (c. 1918) AGUSTÍN BARRIOS ‘MANGORÉ’ (1885-1944) El decamerón negro (1981) El arpa del guerrero La huida de los amantes por el valle de los ecos La balada de la doncella enamorada LEO BROUWER (n. 1939) Fantasía No. 1 (s. f.) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) CONCIERTO No. 17 3 NOTAS AL PROGRAMA A propósito de las piezas que conforman el programa de hoy, habría que decir que todas, menos la Suite, BWV 997, comparten una concepción programática1; todas, menos la Suite, BWV 997, dan cuenta, además, del espíritu nacionalista de sus compositores, y todas, menos la Suite, BWV 997, fueron producto de las mentes de autores hispanoparlantes. No obstante, lejos de querer discriminar y confrontar, habría más bien que hablar de aquello que logra unir las génesis de las cinco piezas que escogió el guitarrista Juan Manuel Molano: la búsqueda estética por la unión entre lo popular y lo académico. Es precisamente con el español Joaquín Rodrigo (1901-1999) que se inicia este programa. Junto al Generalife es una pieza que engloba perfectamente tanto el espíritu de la música programática como el de la nacionalista, que son desarrollados por medio de una exploración técnica del instrumento a partir de elementos de la música popular tales como la improvisación y las melodías con carácter cantabile. El uso del trémolo, un recurso bastante utilizado en la literatura para guitarra, se da en el momento más lírico de la pieza, que es, a su vez, uno de los más complicados técnicamente; se exige la diferenciación entre la melodía que resuena a partir de notas repetidas con los dedos anular, medio e índice de manera secuencial y la melodía paralela que se ejecuta con el pulgar. Alternando con esto, el compositor incluye secciones con escalas y ritmos que recuerdan la música gitana española, desarrollada principalmente en el sur del país, cuna del Generalife –un complejo arquitectónico de jardines en la Alhambra, en Granada, cuyo paisaje funciona como inspiración para la creación de la pieza y que, al igual que esta, consta de varios cuadros con matices contrastantes, pero que narran una misma historia–. El compositor menciona, a propósito de la pieza: «[en el Generalife] se puede hallar el murmullo de las brisas perfumadas, un lejano sonar de campanas y las flores 1 La música programática se refiere a composiciones que evocan conceptos extramusicales. Toma su nombre del programa que se empezó a entregar al público a partir de la Sinfonía fantástica (1930) de Hector Berlioz (1803-1869), quien redactó una explicación de cada uno de los movimientos de la pieza para que los oyentes relacionaran los eventos musicales con la narración del programa. Lo anterior no quiere decir que antes de esto no existiera la música narrativa o descriptiva; un ejemplo son Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, basadas en poemas que describían cada una de las estaciones del año. Simplemente no se le daba ese nombre y nunca fue tan popular como en el siglo XIX. 4 que se guarnecen bajo los mirtos. Y allí también la guitarra se reposa y sueña» (Giménez, citado por Cherouana, 2011, p. 11). Para el momento en que la Suite en do menor, BWV 997 de Johann Sebastian Bach (1687-1750) fue compuesta, la suite ya contaba con varios siglos de desarrollo y, aunque en el siglo xviii ya existía una especie de canon para estructurar este tipo de piezas, desde el siglo xv las suites constituían simplemente series de danzas, que podían ser escogidas de entre un gran repertorio que incluía la alemande, la gigue, la corrente, la galliarde, la pavane, el branle y, más adelante, la sarabande, el pasamezzo y la chaconne, entre otras. Varias de estas danzas fueron incluidas en el ballet de cour, o ballet de corte, cuyo apogeo llegó en el mandato del rey y bailarín Luis XIV, e incluso fueron utilizadas en las tragédie en musique de Jean-Baptiste Lully. Poco a poco los compositores empezaron a preferir ciertos aires y a organizar las danzas según el contraste de tempi o velocidades, además de agruparlas por tonalidades; esto se ve sintomáticamente entre los laudistas franceses de finales del xvii, cuyo instrumento, por la manera en que estaba afinado, privilegiaba determinados tonos. Las danzas más utilizadas llegaron a ser la allemande, la courante, la sarabande y la gigue, aunque también se ven de manera esporádica el loure, el rigaudon, la bourée, la gavotte y el minuet. Además, se empezó a incluir un preludio o fantasía al comienzo de la suite, que inicialmente podía ser improvisado y tenía la función de permitir al ejecutante afinar su instrumento. Posteriormente, los compositores utilizaron el preludio para desarrollar diferentes procedimientos compositivos de manera indistinta y mostrar las posibilidades técnicas y sonoras del instrumento. Vale aclarar que desde el siglo xvi la suite para instrumento solista se gestaba en paralelo con la suite compuesta para ensamble de instrumentos pero que la primera no buscaba, como la segunda, que la música se utilizara únicamente para ser bailada; por el contrario, en la mayoría de las suites o danzas para instrumento solista, los compositores empleaban y citaban los patrones rítmicos de las danzas con el ánimo de desarrollar, complejizar y encontrar nuevas posibilidades de interpretar el instrumento; por tanto, el carácter meramente danzable –si se permite el concepto– se podía ver desdibujado. Es dentro de esta categoría en donde se puede introducir la Suite, BWV 997 y, en general, todas las suites compuestas presuntamente para laúd por Johann Sebastian Bach. ¿Por qué presuntamente y no con plena seguridad? 5 Porque, por ejemplo, para el caso de esta pieza, la única fuente que está escrita en tablatura2 para laúd solamente incluye el preludio (llamado Fantasía), la sarabanda y la giga. Esta fue copiada por el laudista Johann Christian Weyrauch, quien probablemente descartó la fuga y el double (que se trata de una ornamentación de la giga) por su dificultad técnica. Otra opción, que no es aceptada por muchos estudiosos, es que, al igual que la BWV 996, esta suite fuera escrita para el clave-laúd o Lautenwerck, que no era más que un clavecín cuyas cuerdas no eran de metal sino de tripa, por lo que brindaba un sonido suave, muy similar al del laúd. ¿La razón? El compositor podría haber querido el sonido de la cuerda pulsada con la dificultad que brindaba un instrumento de tecla, en donde se puede tocar mucho más cómodamente una fuga. Suite, BWV 997. Tablatura de J. C. Weyrauch (Tomado de Koonce, 2002). 2 La tablatura para instrumentos de cuerda pulsada fue el sistema de notación propio de estos desde el siglo XV, y se diferenciaba de la notación convencional por cuanto su objetivo era guiar al ejecutante directamente en el instrumento. Esto quiere decir que, en lugar de informar las notas de manera abstracta (do, re, mi, etc.), se presenta la información necesaria para que el intérprete sepa exactamente en qué lugar del instrumento se encuentra cada una de las notas. Consta de líneas horizontales que representan las cuerdas del instrumento, con líneas verticales, que representan los compases, y números o letras que indican el número del traste que se debe tocar con la mano izquierda. Esto permitía que personas que no tenían una instrucción musical muy desarrollada pudieran tocar también el instrumento. 6 Continuando, encontramos otra de las obras más representativas del repertorio guitarrístico: Un sueño en la floresta, de Agustín Barrios ‘Mangoré’ (1885-1944). Llamada originalmente Souvenir d’un rêve, la pieza encapsula y logra la convivencia de la complejidad técnica y la aparente sencillez y casi ingenuidad que puede evocar algunas veces la música popular, la cual defendió Barrios en todo momento frente a un público escéptico y ciertamente conservador. Nitsuga (Agustín escrito al revés) Mangoré, como se hizo llamar el compositor en algún momento, se autoproclamó defensor de la música latinoamericana y la convirtió en una constante al momento de crear; sus ganas de reivindicar el sentido de lo popular nunca se vieron mermadas, ni siquiera por el rechazo de una audiencia acostumbrada a escuchar a los grandes monumentos de la guitarra, como Joaquín Turina, Manuel María Ponce, Federico Moreno Tórroba, Dionisio Aguado o Fernando Sor. Por esto escribió su Profesión de fe, en la que relata su génesis artística a partir de una mitología propia. A pesar de su evidente admiración por la música latinoamericana, Barrios nunca ocultó su debilidad por compositores decimonónicos como Robert Schumann y Frédéric Chopin, y tampoco la vio como un rival de su Profesión de fe. Por el contrario, la mayoría de sus piezas dan cuenta del buen matrimonio que creó el compositor entre lo popular y lo académico, y la pieza que se escuchará en el concierto no es la excepción. Aunque menos evidente en la exhibición de elementos meramente folclóricos en comparación con el resto de su obra, Un sueño en la floresta es una muestra diáfana del sincretismo entre el virtuosismo proveniente de la cultura europea y la simplicidad y jocosidad que se puede encontrar en la música popular. El trémolo en esta pieza es protagonista y se desarrolla de una manera bastante compleja, pues contiene una melodía que, al estilo de los lieder o canciones de Robert Schumann o Franz Schubert, pide ser expresada de manera muy fluida y natural a pesar de la dificultad que los recursos técnicos conlleven. El decamerón negro, de Leo Brouwer (n. 1939), es una composición dividida en tres partes; está basada en el libro homónimo del antropólogo alemán Leo Frobenius, que relata historias a la luz de la mitología de las diferentes culturas africanas, y fue dedicada a la guitarrista Sharon Isbin. Para cuando Brouwer compuso esta pieza, en 1981, su poética ya había pasado por algunas etapas en las que había experimentado de manera separada con el nacionalismo y las vanguardias del siglo xx. El hiperromanticismo, como lo denomina el mismo compositor, se trata de una tercera etapa en donde los elementos folclóricos se comunican pacíficamente con algunos elementos 7 vanguardistas, especialmente aquellos que evocan la simplicidad, como, por ejemplo, el minimalismo, que se logra percibir en la pieza que se escuchará hoy, a pesar de que el término por sí solo no haga justicia al producto, según el propio Brouwer: Hay muchos compositores que comparten este compromiso general de nueva simplicidad, como Phillip Glass, W. Kilar, Steve Reich, Gorecki, Jo Kondo, Yoji Juasa y Toshi Ichiyanagi. Describirla solamente como música minimalista no le haría justicia […] Mi nueva manera es parte de un movimiento general hacia la simplicidad, basada en música de nuestros países (Brouwer, 2004, p. 86). El decamerón negro es una pieza que encarna este pensamiento de manera muy clara, pues, a pesar de ser técnicamente compleja, el compositor siempre pensó en la sonoridad del instrumento; por tanto, se trata de una obra idiomática, amable con las posibilidades de la guitarra. En su libro de Estudios simples, Brouwer trata varios de los recursos técnicos que se presentan acá, por lo que resulta muy fácil resolver las dificultades. Además, los elementos del folclor cubano no se esconden y, por ejemplo, en la Balada de la doncella enamorada, el tema recurrente del inicio da cuenta de las síncopas presentes en la música popular cubana. A propósito de la obra y su poética narrativa, cuenta el autor: Tomé una historia del libro El decamerón negro, de León Frobenius [...] que dividí en tres partes. La primera es de un guerrero que quería ser músico y tocar el arpa. La situación de castas era muy estricta, en primer término estaban precisamente los guerreros, luego los sacerdotes, los cultivadores, y en el fondo de esa escalera están los músicos. ¿Cómo fue posible entonces que un grandioso guerrero del clan quisiera ser un músico? Este guerrero al dejar de serlo fue desechado por el clan y expulsado de la tribu. Entonces se fue a las montañas pero sucedió que la tribu comenzó a perder todas sus batallas y es cuando lo van a buscar, le piden, casi de rodillas, que los ayude, a ese que ya no era guerrero, sino músico. Baja de las montañas, gana todas las guerras y regresa a las montañas para convertirse en músico una vez más. Aquí también hay una historia de amor. Después de ser expulsado, ya no podía ver a su mujer, luego de vencer las batallas se la llevó con él. Esa es, simplificada, la historia de [mi] Decamerón negro (Hernández, 1999, p. 216). Para finalizar el concierto, una pieza del tolimense Gentil Montaña (1942-2011), quien, habiendo tenido la oportunidad de estudiar tanto en Colombia como en Europa, logró el sincretismo entre el lenguaje de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso el jazz. En palabras del compositor, «a pesar de que me formé oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo xx, las influencias externas me han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular ‘fusión’» (Montaña, 8 2011). A propósito de esto, la Fantasía No. 1 da cuenta de la creación de un lenguaje idiomático para la guitarra clásica a partir de la adaptación de lenguajes variopintos provenientes de un lugar común: el folclor colombiano. A pesar de que la música que Montaña sentía más cercana provenía de la Región Andina, este sentimiento no le impidió acercarse a ritmos procedentes de diferentes lugares pero que incluso llegaban a tener ciertas similitudes armónicas y rítmicas con géneros como el bambuco, que, a propósito de esta pieza y del género fantasía, se ve alternado, sin orden aparente, con el currulao y el mapalé, que a su vez son presentados dentro de un lenguaje armónico muy cercano al jazz y con recursos técnicos provenientes de la tradición guitarrística europea. Referencias Brouwer, L. (2004). Gajes del oficio. La Habana: Letras Cubanas. Cherouana, L. (2011). Soirée dans Grenade. Granada: Iberia Classical. Hernández, I. (1999). Leo Brouwer. La Habana: Editora Musical de Cuba. Koonce, F. (ed.). (2002). Johann Sebastian Bach: The solo lute Works. San Diego, California: Neil A. Kjos Music Company. Redacción El Tiempo. (29 de septiembre de 2011). Gentil Montaña: “La música andina colombiana es de uno”. El Tiempo. Recuperado de http://www. eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665 Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto. Janosch Hugi PFLANZPLÄTZ, música tradicional suiza (Suiza) Viernes 5 de julio · 7:00 p.m. Teatro La Vorágine Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia Con el apoyo del Instituto Departamental de Cultura del Meta PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Lunes 2 de septiembre · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Viernes 1 de noviembre de · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio PULEP: DOY374. QHU878. YMS104 PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN VILLAVICENCIO JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. PULEP: ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. TSH296 ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Pereira PULEP: ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267. CYV981. IZX751 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO ·v Foto. Rodrigo Iván Díaz ELVIS DÍAZ · Foto. Fabián Guevara Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ
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Por: | Fecha: 03/05/2019

Foto: Catalina Pérez Calderón Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CORRIENTES nueva música colombiana (Colombia) Miércoles 22 de mayo de 2019 · 6:30 p.m. Montería, Corporación Autónoma Regional de los valles del Sinú y el San Jorge PULEP: TER382 Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí PULEP: EAY194 Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: XYA267 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 CORRIENTES, nueva música colombiana Julián David Nieves Bojacá, guitarra; Gabriela Sossa Calderón, voz; Juanita Sossa Calderón, voz y percusión En el 2015 nació Corrientes, un ensamble que recorre la ciudad de Bogotá impregnando las calles con su sorprendente sonoridad. El ensamble se presenta en reconocidos lugares de la escena alternativa, centros culturales, bibliotecas, bares, teatros y espacios no convencionales. En el 2016 fue merecedor del Premio de Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño y viajó a la Patagonia (Argentina), donde visitó Comodoro, Rivadavia, Rawson y Rada Tilly. A finales del mismo año grabó su primer trabajo discográfico, Regocijo, que se lanzó oficialmente en abril del 2017. Regocijo permaneció durante varias semanas en el top 20 de Radio Nacional con el tema La vida es bonita y fue reconocido como uno de los diez discos colombianos del año de la revista Semana. En el 2017 Corrientes volvió a Argentina para presentarse en otras ciudades e inició el 2018 con una presentación en el marco del Festival Centro. En la actualidad se enfoca en la preproducción de su segundo trabajo discográfico. Este trío bogotano se consolida como una propuesta de nueva música latinoamericana en la cual los juegos vocales, la percusión y la guitarra recrean un espacio sonoro placentero, en constante movimiento, que se caracteriza por una brillante amalgama de ritmos y el cuidado en las letras. El concierto en Montería cuenta con el apoyo de El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de Foto: Catalina Pérez Calderón 2 PROGRAMA Oh, hilando (s. f.) TRADICIONAL Sol (2015) GABRIELA SOSSA CALDERÓN (n. 1991) Regocijo (2017) Mujer fuerza (2014) Brisa (2017) INTERMEDIO Orerú (s. f.) TRADICIONAL Corrientes (1997) CLARA CALDERÓN MANRIQUE (n. 1957) La vida es bonita (2017) GABRIELA SOSSA CALDERÓN Cantas de guabina (s. f.) TRADICIONAL Ranchera (2013) JUANITA SOSSA CALDERÓN (n. 1993) CONCIERTO No. 26 3 NOTAS AL PROGRAMA Corrientes: canciones en movimiento En 1976, año en que murió León de Greiff, mientras un grupo de antropólogos descubría accidentalmente las ruinas de una ciudad antigua en la Sierra Nevada de Santa Marta, en la Universidad Nacional de Colombia, movimientos políticos de izquierda conspiraban sigilosamente a favor de una huelga nacional contra el gobierno de Alfonso López Michelsen. En medio de este convulsionado ambiente, algunos estudiantes de Ingeniería y Ciencias Sociales invitaron a Jorge Sossa a unirse a una agrupación musical a la que también fue convidado Néstor Lambuley. Aunque dedicarse a cantar era señalado como una práctica aburguesada y sin compromiso, los entusiastas estudiantes hicieron caso omiso a la infundada suposición: influenciados por Inti Illimani, Quilapayún, la nueva trova cubana y el Quinteto Tempo, fundaron el Grupo de Canciones Populares Nueva Cultura. Si bien no eran ajenos al debate, su consigna política —su forma de hacer música protesta— fue internarse en las tradiciones autóctonas y las raíces campesinas colombianas. Han pasado más de cuarenta años y el empeño de Nueva Cultura sigue intacto. En su sensata consigna de «respetar, conocer y difundir la tradición cultural de las músicas populares» resuenan nueve publicaciones discográficas y una encomiable labor pedagógica de la que se desprende la Escuela Nueva Cultura, en la que se han formado varias generaciones de músicos profesionales. De allí salieron Sinsonte y Corrientes, el grupo que tendremos el placer de escuchar en este conicerto. El objetivo primordial de Corrientes —que nació por iniciativa de Gabriela Sossa, quien convocó a su hermana Juanita y al guitarrista Julián Nieves— no se aleja de aquellas quimeras plantadas en los setenta por sus padres y maestros. De eso dan cuenta estas ‘canciones en movimiento’, que resaltan la riqueza sonora y poética de América Latina. Su postura política viene bien en estos tiempos en que todos los discursos de transformación han fracasado. Oh, hilando Los bogas o remeros han navegado desde tiempos inmemoriales por las turbulentas aguas de los ríos que atraviesan la geografía del Pacífico 4 colombiano. Para aliviar fatigas y soledades, se dan al canto arrullador y melancólico. De estas sincréticas tonadas, que develan en el ritmo el antepasado africano, y en los versos octosílabos la herencia española, una de las más difundidas es Oh, hilando, que ha sido grabada por Liliana Montes, Bahía Trío y Claudia Gómez. En la versión de Corrientes se dejan escuchar conexiones con el festejo peruano. Sol La herencia lírica de Nueva Cultura hace presencia en esta canción, incluida originalmente en Regocijo, disco con el que Corrientes debutó en el 2017. El gesto de agradecimiento desenfadado por la presencia del astro rey deviene en una profunda reflexión acerca de las búsquedas espirituales de los primeros habitantes de la América indígena. Este canto luminoso mezcla son cubano con rumba flamenca. Regocijo La que da el título al único disco que Corrientes ha publicado hasta la fecha es una composición que viaja desde la India hasta Brasil. Teniendo como base rítmica el baião —aquella música popular de la región nordestina en Brasil—, Regocijo evoca un antiguo y poderoso mantra atribuido al sabio Viasa, de quien se ha llegado a afirmar que redactó el Mahabhárata en el siglo iii a. C. ‘Lokah samastah sukhino bhavantu’, la piadosa plegaria cantada en sánscrito, traduce ‘Que todos los seres sean libres y felices, y que mis acciones, pensamientos y palabras contribuyan a que así sea’. Mujer fuerza Al suroeste de Colombia, en las estribaciones del Macizo Colombiano se encuentra el valle de Sibundoy, una exuberante región geográfica habitada originalmente por los pueblos inga y kamëntsá. Luego de caminar por las tierras sagradas de los kamentsá o kamsá, en la montaña de San Pedro, los integrantes de Corrientes se inspiraron para componer esta canción que, en el tradicional ritmo andino sureño, hace una sentida oda a la silenciosa resistencia de las mujeres indígenas. Brisa El candombe es una de las manifestaciones culturales más llamativas del complejo musical de Uruguay. De esta fuente rítmica, que también está 5 presente en Argentina y Brasil, surge Brisa, una canción nueva de Corrientes que resulta todo un manifiesto amoroso de la vida de las parejas sentimentales. Orerú Nacido en Resistencia (Argentina), Tonolec es un dueto musical integrado por la periodista y cantante formoseña Charo Bogarín y el chaqueño Diego Pérez. Orerú, canción tradicional mapuche, fue retomada por el dueto en el disco de 2014 Cantos de la tierra sin mal. Mientras la versión de Tolonec se vale de la experimentación electrónica, Corrientes hace lo suyo desde la interpretación acústica. Ambos lugares son propicios para la exploración modal y minimalista. Corrientes El pasaje es una de las manifestaciones rítmicas y poéticas del joropo. Su carácter musical sereno y su lírica, que privilegia los vericuetos del amor, lo diferencian del bullicioso golpe o la bucólica tonada. Corrientes es un pasaje llanero compuesto por Clara Calderón, madre de Gabriela y Juanita Sossa, dos de las integrantes de Corrientes. Al tradicional cuatro y las maracas se suma la guitarra de Julián Nieves, quien resuelve con pericia la ausencia del arpa llanera. La vida es bonita Las músicas de raíz afro en Perú y Colombia están unidas por finos hilos. Eso lo confirma La vida es bonita, una canción optimista que revela sutilmente el encuentro entre el currulao y el festejo peruano. Esta fue una de las canciones más importantes del conteo anual de la Radio Nacional de Colombia en 2017. Asimismo, fue el sencillo más rotado de Regocijo, incluido en la lista de la revista Semana como uno de los discos colombianos del año. Cantas de guabina Según Jorge Velosa, las cantas de guabina […] son una manera boyaco-santandereana de nombrar las coplas, especialmente cuando se cancionan con una de las tantas tonadas tradicionales… Cuando se arma un canturio y si se dan condiciones, como el saber, el con qué y el con quiénes, pueden llegar a ser parte del jorolololo […] La fuerza expresiva, el repentismo y la audacia narrativa están presentes en estas canciones campesinas, que fueron recopiladas originalmente por el grupo Nueva Cultura. 6 Ranchera Esta canción de Juanita Sossa se remite a las sonoridades de la América Central. De esta manera logra combinar con buen tino el juguetón vals ranchero y el alegre retintín del huapango huasteco. Mientras la letra hace gala de cierto romanticismo de antaño, Julián Nieves logra adaptar al cuatro llanero y a la guitarra lo que en esas músicas centroamericanas hacen la jarana y el guitarrón. Discografía recomendada Corrientes. (2017). Regocijo [CD]. Edición del autor. Luis Daniel Vega. Es periodista y ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Desde el 2012 escribe notas al programa para los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En el 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. PULEP: CYV981. IZX751. XCL642. CPF877. LLL233. OAX481. ZNU727. NNV218. ELD368 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ $6.000 Foto: Daniel Molano DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto YINETH URQUINA cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. SERIE PROFESIONAL PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ PULEP: QGI573. TSH296. RBP923. BFV997. RVI578. RNR558. UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241 $10.000 Foto: Terry Vaught ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también s e presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y novavetera PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio · 11:00 a.m. NUEVO CONCIERTO CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto · 7:30 p.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto · 7:30 p.m. PULEP: RVI578 Foto. Marco Borggreve Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - NUEVOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE PROFESIONAL $10.000 ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y novavetera PULEP: TSH296 J. P. RAMEAU: Selecciones de la Suite en la menor, RCT 5 C. DEBUSSY: Hommage à Rameau de Images, L. 110 L. VAN BEETHOVEN: Sonata para piano No. 31 en la bemol mayor, Op. 110 M. RAVEL: Sonatina, M. 40 R. HAHN: Selecciones de Le rossignol éperdu, IRH 84 M. RAVEL (transcr. Tharaud): La valse, M. 72 C. SHAW: Entr’acte; Valencia J. ADAMS: selecciones de John’s Book of Alleged Dances F. SCHUBERT: Cuarteto de cuerdas No. 14, D. 810 ‘La muerte y la doncella’
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Por: | Fecha: 26/05/2019

Foto: Terry Vaught PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Lunes 10 de junio de 2019 · 7:00 p.m. Pasto, Centro cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República PULEP: LCW664 Miércoles 12 de junio de 2019 · 7:15 p.m. Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la Universidad Industrial de Santander PULEP: GVS739 Viernes 14 de junio de 2019 · 7:00 p.m. Cúcuta, Sala Múltiple Centro Cultural del Banco de la República PULEP: XWL262 Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: QGI573 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Terry Vaught PAUL BROCK BAND, música tradicional irlandesa Paul Brock, voz y acordeón Denis Carey, piano Shane Farrel, voz y cuerdas pulsadas Eimer Arkins, voz y violín El irlandés Paul Brock, melodeonista y acordeonista nacido en Athlone, condado de Westmeath (Irlanda), ha sido ganador en varias ocasiones del Concurso All-Ireland en la categoría de acordeón. La publicación Rough Guide to Irish Music describió su álbum como solista Mo Charidin, publicado bajo el sello Gael- Linn, como «una obra maestra del acordeón». En el 2000, Brock se unió al violinista Manus McGuire para crear la Brock McGuire Band, agrupación que ha grabado numerosos álbumes, aclamados por la crítica, entre los que se encuentra Green Grass Blue Grass, una colaboración con Ricky Skaggs, quien fuera ganador de catorce premios Grammy. En este disco se celebra la conexión entre la música apalache y la irlandesa. En 1989, Brock y McGuire ya habían fundado Moving Cloud, una banda que lanzó dos discos galardonados, bajo el sello Green Linnet Records. Brock ha trabajado en distintas colaboraciones, incluyendo el álbum A Tribute to Joe Cooley (Gael-Linn), con el violinista Frankie Gavin. Su colaboración en 2006 con Enda Scahill, Humdinger (Compass Records), fue seleccionada como álbum irlandés del año por el periódico The Irish Times y álbum instrumental del año por The Irish American News. En el 2014, la agrupación de Brock presentó una adaptación para orquesta de su música, en un programa donde tocó con la Orquesta Sinfónica de Misisipi, en Jackson, Misisipi. Como solista, ha realizado varias giras internacionales y se ha presentado con reconocidos músicos. También ha actuado en múltiples ocasiones como artista invitado especial con la célebre agrupación irlandesa The Chieftains. El concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Paul Brock Band presentará una selección de las siguientes obras. Las obras interpretadas serán anunciadas al público durante el concierto. Este concierto contará con un intermedio de 15 minutos OBRAS DE COMPOSITORES IDENTIFICADOS The Darling Girl from Clare / Turkey in Straw PERCY FRENCH (1854-1920) / TRADICIONAL Slán Leis an Uaigneas DENIS CAREY (n. 1960) Funk the Cajun Blues GERRY O’CONNOR (s. f.) Indian Springs KENNY BAKER (n. 1926) Y BLAINE SPROUSE (n. 1956) 3 OBRAS DEL REPERTORIO TRADICIONAL IRLANDÉS Paddy in London / Blackthorn Stick / Humours of Ballyconnell Bluebell Polka Tom Ward’s Downfall / Lucy Campbell French Canadian Reels Blackbird Cape Breton Practice Connacht Man’s Rambles / The Rambler / The Humors of Tulla Miss Langford / Humours of Westport / Come West Along the Road Coalminer Lilting A Stór Mo Chroí The Mason’s Apron The Parting Glass Chase me Charlie / Poor ol’ Liza Jane / Dance Boatman Dance / Miss Monaghan’s Rose in the heather / Boys on the Town / Drowsy Maggie / Red Haired Lass CONCIERTO No. 29 4 NOTAS AL PROGRAMA La ocasión de que una agrupación de música tradicional irlandesa pase por Colombia es del mayor exotismo en la escena cultural local. Son pocas las veces en que nuestros escenarios reciben a músicos populares de aquellas tierras (el Banco de la República lo ha hecho en el pasado), no por falta de interés en su arte, sino quizás porque no ha habido un intercambio constante y fluido en otras áreas de la actividad humana entre las dos naciones. La reciente inauguración de embajadas de cada país en Bogotá y Dublín es prueba tanto de una histórica lejanía como de un deseo de cambio en el que, ojalá, entre otros asuntos esté presente el diálogo cultural. Digo ojalá, pues en mi búsqueda de información sobre las músicas tradicionales irlandesas para escribir estas notas encontré un vacío de información, en español o en inglés, en lo que hay disponible en Colombia. Y quizás haya que tender más vías de comunicación con un país con el que solo hay algunos puntos comunes curiosos que van más allá de la celebración en Colombia de una fiesta irlandesa, mitad pagana y mitad cristiana, llamada Halloween: uno, que ambas naciones son mayoritariamente católicas; y otro, que voluntarios irlandeses apoyaron al ejército libertador de Simón Bolívar, y parte de su descendencia vive en nuestro país en la actualidad. Finalmente, y para empezar a entrar en materia, en nuestras músicas tradicionales coincidimos con Irlanda en el uso del arpa y el acordeón (aunque son distintos), pero especialmente en la manera en que algunas de estas músicas se han desarrollado. Lo primero que hay que decir es que en Irlanda la música folclórica (casi toda recogida bajo el paraguas de lo que llaman genéricamente folk music) responde a una tradición oral de transferencia del conocimiento en entornos informales, al margen de la academia y renuente a lo escrito (como ocurre con casi todas nuestras músicas). Esto dificulta su estudio y accesibilidad si no se es irlandés o si no se ha vivido en aquel país, por lo que resulta aventurado decir con la mayor propiedad y rigor académico, desde otras geografías, de qué se trata el objeto. La historia de esta música es una historia que no se ha escrito de manera exhaustiva, sino que más bien reposa en la memoria colectiva irlandesa, transmitiéndose la mayoría de las veces de generación en 5 generación a través de la oralidad y de las prácticas y creencias populares, mas no en los salones de clase1. Una parte constitutiva de esta memoria colectiva, en donde hay trazos de una historia de sus músicas (o al menos de su significado y función social), corresponde a las narraciones fantásticas, ubicuas en la cultura irlandesa. Y más que desorientar al interesado en tener la última palabra sobre hechos fehacientes e históricamente comprobables, esta forma en la que opera el entorno popular irlandés ofrece otras perspectivas para el entendimiento de su cultura. Tomemos como ejemplo a Lady Jane Wilde (1888), madre del escritor Oscar Wilde, quien en su libro Leyendas antiguas, encantos místicos y supersticiones en Irlanda habla sobre las hadas y su música. Las hadas, que las hay buenas y malas, de sexo masculino y femenino, son antiguos ángeles expulsados del cielo debido a su excesivo orgullo, que pasaron a habitar la tierra, el océano y el infierno. Amantes de la música y la danza, las hadas pueden entrar en contacto con los seres humanos para hechizarlos con sus suaves y fatales cantos, dándoles una muerte tranquila y placentera. Su música es delicada y penetrante, nunca apasionada, generalmente melancólica por los recuerdos del pasado, o cautelosa frente a un futuro incierto. Aquellas hadas que, deslumbradas por la estatura y fuerza del hombre, asumen una forma humana para enamorarlos, dan a luz a los más famosos músicos y cantantes, quienes tienen el poder de calmar las penas y el sufrimiento de hombres y mujeres que ya no son sus víctimas mortales (en Colombia también tenemos leyendas musicales como la de Francisco el hombre y El Maravelí). Un segundo punto tiene que ver con la función social del folclor musical irlandés. Hablamos de una música de origen principalmente rural, por lo que en sus presentaciones vocales e instrumentales guarda una conexión íntima con la naturaleza. Parte importante de lo que expresa esta música es un canto, con o sin palabras, a la belleza del paisaje verde, montañoso y rocoso de la isla, la tranquilidad de la vida en el campo y la sencillez del amor que florece lejos de la ciudad. Las letras y el canto, aunque sencillos técnicamente, gozan de lirismo en la medida en que conectan profundamente con los sentimientos, pero sin caer en la exacerbación. No solo se le canta a la naturaleza y al amor, sino también a la magia, a los héroes del pasado y al recuerdo de las grandes batallas; se lamenta la muerte, se arrulla a los bebés y se da ánimo para el trabajo (Carolan y White, 2001). Lo vocal cobra vital importancia al 1 Esta situación ha ido cambiando durante las últimas décadas gracias a la solicitud y el compromiso de musicólogos irlandeses, así como de organizaciones de la sociedad civil, que buscan formalizar el estudio de la historia y de la práctica musical tradicional. 6 tratarse de un instrumento de protección de una de las más valiosas herencias culturales de los celtas en Irlanda, pues muchas de las canciones están escritas en la lengua propia de este pueblo, el gaélico irlandés. Al tratarse de un arte alejado de un pasado aristocrático y exento de su mecenazgo, ha mantenido ciertas libertades. Como pertenece históricamente a las clases populares, reivindica su simplicidad en las formas generalmente pares y de igual duración, en su movimiento armónico discreto, en sus melodías monofónicas repetitivas y en la continuidad rítmica. El extenso cancionero popular irlandés, anónimo en muchos de sus casos, muta y se enriquece mientras circula entre regiones, pues el hecho de no estar necesariamente atado a la partitura permite que cada intérprete varíe una idea musical y la transforme, por lo que cada canción puede tener múltiples versiones. El músico popular irlandés (como muchos de los colombianos) es un improvisador, un repentista que experimenta con su repertorio dependiendo de su estado de ánimo. No obstante, estas músicas habitan actualmente dos contextos a veces opuestos y a veces complementarios: el de la práctica fiel a la tradición, purista, y el de la que ha caído bajo el influjo de la industria y el consumo masivo, entrando así en diálogo con otras expresiones populares contemporáneas de vocación intercultural (Carolan y White, 2001). Aunque en el pasado tuvo significados míticos, sobrenaturales y ceremoniales, hoy en día la música folclórica irlandesa es recreacional, pero no por ello vacía o carente de significado. Su escenario natural sigue siendo la calle y la taberna, la verbena tumultuosa y la tertulia íntima. Es música de encuentros que se celebran principalmente bajo la luz de la luna, a las orillas de los ríos, los lagos y el mar, en donde se moja la palabra con whisky y cerveza para que las leyendas del pasado se transmitan con más credibilidad y se corteje exitosamente con danzas en solitario, en pareja y en grupo. En su práctica, música y danza tienen una conexión indisoluble, y aunque el baile haya sido permeado por los de las cortes europeas, su agilidad y ligereza son un claro distintivo de lo popular. Y como buenos católicos, los irlandeses no dejan pasar la oportunidad de celebrar su credo a través de la fiesta. San Patricio, patrono de Irlanda, congrega cada 17 de marzo a millones de irlandeses en todo el mundo para recibir de ellos su ofrenda musical y de danzas en uno de los festivales más conocidos a lo largo y ancho del planeta (en Quibdó ocurre algo similar, pero en pequeño, con San Francisco de Asís). Como tercer foco de atención, vale la pena decir unas cuantas palabras acerca de algunos de los instrumentos que podrían sonar en el concierto de hoy (el formato que acompaña a Paul Brock varía según sus necesidades). 7 El violín y el acordeón de botones son comunes en el folclor irlandés. El primero de estos instrumentos es conocido en Irlanda como fiddle, una palabra utilizada por sus vecinos ingleses desde el siglo XIII para referirse a cualquier tipo de instrumento de cuerda frotada (Remnant, 2001). En la actualidad, solo se distingue del violín típico de la Europa continental en su ejecución. Como esta es una música sencilla, los intérpretes generalmente mantienen su mano izquierda en la sección más grave del diapasón, cerca al clavijero. Sus ataques de arco suelen ser cortos, garantizando así un sonido dulce que no sobresalga cuando se están haciendo melodías al unísono junto a otros instrumentos melódicos (Carolan y White, 2001). Sin embargo, lo anterior puede cambiar cuando el violín juega un rol principal. Debido al entorno popular en el que se desarrollan las músicas en cuestión, los violinistas irlandeses han perfeccionado sus propias técnicas, quizás más recursivas y aventureras que las de los músicos de conservatorio (en una de las músicas populares del departamento del Cauca, llamada música de violines caucanos, sucede algo similar). El acordeón de botones, llamado por ellos box, ‘caja’, suele presentarse en varias versiones, y Paul Brock cuenta con una amplia gama de instrumentos de este tipo. Su versión más sencilla es la diatónica, de diez botones en la mano derecha, con los que se pueden producir tan solo escalas mayores o menores. Este tipo de acordeón, conocido en inglés como melodeon, es un instrumento anterior al acordeón cromático y ha resurgido en las últimas décadas gracias a la música irlandesa (Smith, 2001). El acordeón cromático, por su parte, cuenta con dos, tres, cuatro y hasta cinco filas de botones en la mano derecha, lo que permite mayor versatilidad en la interpretación al poderse tocar melodías más complejas y ornamentadas en diferentes tonalidades (y dependiendo de los botones de la mano izquierda, puede ser el mismo acordeón que se utiliza en el vallenato). El banjo, por su parte, no es un instrumento de tradición en Irlanda, al menos hasta inicios del siglo XX. Aunque existen dudas acerca de su origen, pues puede ser una derivación de instrumentos de cuerda pulsada con plectro que pasaron de Mesopotamia a Egipto antes de la era cristiana, y luego a África Occidental antes del comercio transatlántico de esclavos de los siglos XVII y XVIII, la paternidad del banjo se atribuye a los esclavos negros del Caribe (Odell y Winans, 2013). De allí pasó a los Estados Unidos y ha sido utilizado desde la segunda mitad del siglo XIX en el blues, el jazz, el country y el bluegrass. Los lazos históricos entre los pueblos irlandés y estadounidense abrieron en el 8 siglo XX la entrada del banjo a Irlanda, pero puede decirse que aún se ve con cierto recelo su llegada. Finalmente, y con el objetivo de articular todo lo que se ha dicho anteriormente, para nuestro propósito puede ser una fortuna que en la lengua castellana la palabra historia tenga varias acepciones. Se refiere tanto a un recuento (presumiblemente fiel) del pasado como a una narración fantasiosa. Caso contrario es el del inglés, donde la palabra para el primer caso es history, y para el segundo, story. A propósito de la conexión entre Irlanda y Estados Unidos, importante para este concierto por el repertorio y los instrumentos, hablemos de dos historias distintas. Una historia irlandesa –que mezcla ambas nociones de la castiza historia– habla de un monje cristiano conocido como San Brandán, quien hacia el año 550 se embarcó en búsqueda del paraíso terrenal en nuevas geografías. Siglos después de su hazaña, su historia fue reescrita y pasó a integrar el acervo de leyendas irlandesas, en las que se habla de una tierra virgen al otro lado del océano, llamada, cómo no, San Brandán. De haber llegado a donde se lo propuso, el descubrimiento del monje habría antecedido casi mil años al de Cristóbal Colón. Los irlandeses, para quienes la fantasía es de gran importancia en la construcción de su identidad, se enorgullecen al decir que fueron ellos los primeros europeos en llegar a lo que luego sería llamado Nuevo Mundo. La historia oficial nos cuenta que en las colonias británicas de Norteamérica hubo, quizás desde el siglo XVII, presencia de irlandeses. Pero fue la migración masiva a causa de la Gran hambruna, en la década de 1840, la que llevó a cientos de miles de ellos a buscar suerte en los Estados Unidos. Al principio no fueron recibidos con los brazos abiertos por la población blanca, anglosajona y puritana, pues los irlandeses tenían la mala fama de ser alcohólicos y pendencieros. Pero lo más grave era que, como buenos católicos, podrían ser conspiradores aliados con el Papa y poner en riesgo el devenir de un país que buscaba fortalecerse a través de instituciones políticas independientes, democráticas, laicas y contrarias a las monarquías. Y aunque una agrupación política llamada Partido Nativo Estadounidense buscó frenar por la vía legal (y también al margen de la ley, con violencia) la inmigración de irlandeses, lo cierto es que casi dos siglos después este grupo étnico representa cerca del 10 % de la población del país. En una nación que se enorgullece por ser un crisol cultural en el que abunda el sincretismo en las artes, la música irlandesa no solo ha tenido un amplio recibimiento en Estados Unidos, sino que ha sido objeto de diálogos y transformaciones. Estados Unidos e Irlanda 9 tienen en la actualidad una vía de comunicación en dos sentidos, que permea su cultura. Es por esto último que se dijo que hoy podremos escuchar algunas canciones estadounidenses como parte del repertorio de los invitados. Ojalá pueda suceder lo mismo en un futuro con las músicas de Colombia. Bibliografía Carolan, Nicholas y Harry White. “Ireland”. Oxford Music Online, 2001. Consultado mayo 8, 2019. https://doi.org/10.1093/gmo/978156159 2630.article.13901 Odell, Jay Scott y Robert Winans. “Banjo”. Oxford Music Online, 2013. Consultado mayo 8, 2019. https://doi.org/10.1093/gmo/9781561 592630.article.A2256043 Remnant, Mary. “Fiddle”. Oxford Music Online, 2001. Consultado mayo 8, 2019. https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630.article.09596 Smith, Graeme. “Melodeon”. Oxford Music Online, 2001. Consultado mayo 8, 2019. https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630.article.53839 Wilde, Lady. Ancient legends, mystic charms, and superstitions of Ireland. Boston: Ticknor and Co., 1888. Consultado mayo 8, 2019. https://archive.org/ details/cu31924074445762/page/n7 Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en relaciones internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un posgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: ZZP911. JFJ761. XCL642. CPF877. LLL233 PULEP: TSH296. RBP923. BFV997. RVI578 Foto. Marco Borggreve Foto: Daniel Molano NUEVA FECHA JUAN MANUEL MOLANO guitarra (Colombia) Jueves 20 de junio · 7:30 p.m NUEVA FECHA PALO E’ROSA, cuarteto de percusión Jueves 4 de julio · 7:30 p.m. SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y en colaboración con nova et vetera PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio Con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio · 11:00 a.m. NUEVO CONCIERTO CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto · 7:30 p.m. TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 NUEVO CONCIERTO
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Paul Brock Band, música tradicional irlandesa (Irlanda)

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Programa de mano - Cuarteto Éclisses, cuarteto de guitarras (Francia)

Por: | Fecha: 13/02/2019

Foto: Carole Bellaiche Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Miércoles 20 de febrero de 2019 · 6:30 p.m. Quibdó, Biblioteca Pública Departamental Arnoldo de los Santos Palacios Cód. PULEP: FKI177 Viernes 22 de febrero de 2019 · 7:20 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: FBI186 Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: VZU528 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 CUARTETO ÉCLISSES, cuarteto de guitarras Gabriel Bianco, Arkaïtz Chambonnet, Pierre Lelièvre y Benjamin Valette A veces sensibles y suaves, a veces traviesas e incisivas, las veinticuatro cuerdas de este cuarteto atípico siguen haciéndonos vibrar con sus arreglos ambiciosos. Éclisses nos revela la guitarra, un instrumento clásico de la más grande nobleza. Complicidad, originalidad, sutileza… El Cuarteto Éclisses forma parte del paisaje musical francés desde el 2012. Estos cuatro guitarristas dan un nuevo aliento a la guitarra clásica al proponer redescubrir este instrumento, especialmente mediante transcripciones ambiciosas e innovadoras del gran repertorio para piano u orquesta. En el 2013 ganaron el Primer premio del Concurso Europeo de Música de Cámara de la FNAPEC, sucediendo así al Trio Wanderer y al Cuarteto Ysaÿe, ganadores en 1989 y 1987, respectivamente, y en el 2014 fueron galardonados por la Fundación Banque Populaire. Su nuevo álbum, Pulse, homenaje virtuoso a la danza, es una joya de la modernidad musical que propone, entre otras, dos creaciones de maestros de la música contemporánea: Karol Beffa y Sérgio Assad. El álbum se realizó con el sello discográfico Ad Vitam Records. En este, su tercer disco, Éclisses nos entrega su visión de la danza: popular, fantástica, moderna y pop. La Pavana para una infanta difunta de Ravel, las Danzas populares rumanas de Bartók y las Danzas fantásticas de Turina son las obras maestras del disco, transcritas con brío por los cuatro guitarristas. La modernidad del álbum reside también en la pieza del ya mencionado maestro Karol Beffa, Las Meteoras; y la composición de Sérgio Assad dedicada al Cuarteto Éclisses, One 4 all 4 one, la cual recoge la personalidad de cada uno de los cuatro guitarristas — ¿podrán reconocerlos?—. La obra de Ginastera incluida en el álbum concluye con fogosidad y poesía la epopeya desconcertante de cincuenta y seis minutos que les dará ganas de escucharlo una y otra vez porque, a la manera de una danza ritual frenética, Pulse los lleva en un viaje musical con una frescura y un virtuosismo majestuosos. El Cuarteto Éclisses cuenta con el apoyo de la Fundación Adami y de Musique Nouvelle en Liberté El concierto en Quibdó cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Introducción y fandango (s. f.) LUIGI BOCCHERINI (1743-1805) Sección original del Quinteto para cuerdas, Op. 40 No. 2 Arreglo para guitarra y cuarteto de cuerdas realizado por el compositor Arreglo para cuarteto de guitarras por el Cuarteto Éclisses Changing the Guard (1994) NIKITA KOSHKIN (n. 1956) Danzas fantásticas, Op. 22 (1919) Exaltación Ensueño Orgía JOAQUÍN TURINA (1882-1949) Original para orquesta Arreglo para cuarteto de guitarras por el Cuarteto Éclisses INTERMEDIO One 4 all 4 one (2017) SÉRGIO ASSAD (n. 1952) Dedicada al Cuarteto Éclisses Barcarolle No. 1, Op. 26 (1881) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Original para piano Arreglo para cuarteto de guitarras por el Cuarteto Éclisses Danzas del ballet Estancia, Op. 8a (1941) Los trabajadores agrícolas Danza del trigo Los peones de hacienda Danza final - Malambo ALBERTO GINASTERA (1916-1983) Original para orquesta Arreglo para cuarteto de guitarras por el Cuarteto Éclisses CONCIERTO No. 4 3 NOTAS AL PROGRAMA Guillermo Gaviria La guitarra es hoy uno de los instrumentos más populares en todo el mundo. Desde sus orígenes ha recorrido múltiples caminos caracterizados por estilos, técnicas de interpretación, repertorios y roles socio-culturales muy diversos, tanto en el terreno popular como en el de la música académica. La historia de la guitarra se refiere no solo a la música sino a su rol en diferentes culturas — occidentales y no occidentales — en las que interactúan sus compositores e intérpretes, como lo señala Victor Anand Coelho en The Cambridge Companion for Guitar (2003): Guitarristas como Bill Frisell, John McLaughin, Pat Metheny, Mike Stern, John Williams, Carlos Santana, y Jeff Beck (para nombrar solo algunos) han explorado muchos aspectos de la interpretación de la guitarra a través de un proceso de asimilación y transformación de diversos estilos. La influencia que estos y otros guitarristas han tenido sobre miles de músicos es incalculable, y es una muestra de que los guitarristas encuentran maneras de superar las barreras estilísticas que han sido artificialmente demarcadas en la historia de la música (Coelho, 2003)1. La historia de la guitarra moderna en Occidente se puede situar a finales del medioevo, cuando en el siglo XV aparece en documentos cortesanos, imágenes y textos poéticos. Al respecto, el mismo autor indicó lo siguiente: Para el Renacimiento, la guitarra había desarrollado un repertorio amplio, idiomático, escrito en tablatura y estandarizado suficientemente su construcción, afinación y técnica para permitir la realización de su potencial en los siglos XVII y XVIII, en Italia, España y Francia. Para el siglo XIX, floreció en los salones y en los escenarios de concierto, produciendo brillantes virtuosos y sentando las bases para lo que se conoce hoy en día como el repertorio clásico de la guitarra2 (Coelho, 2003, p.3) En un periodo del siglo XIX, la guitarra perdió adeptos, hecho que coincidió con el esplendor del piano. El interés en el instrumento renació en el siglo XX y, en el actual, la guitarra sigue siendo extremadamente popular, no solo como instrumento solista sino como parte de ensambles. En cuanto a los cuartetos de guitarra profesionales, el origen de su existencia se puede ubicar en los albores del siglo XX, con la creación del Cuarteto de Guitarras de Múnich en 1907, aunque la tradición de tocar y componer obras para dúo, trío o cuarteto de guitarras se remonta cien años antes, a los inicios del siglo XIX. 1 Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. 2 Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. 4 De hecho, el guitarrista francés Antoine de L’Hoyer (1768 – c. 1836) publicó en 1817, en París, piezas para dúo y trío de guitarras y Air Varié et Dialogué para cuarteto de guitarras, la que se considera como la primera publicación para este tipo de ensamble. El programa de hoy tiene como hilo conductor la música para danza. Se inicia con Introducción y fandango de Luigi Boccherini (1743-1805), compositor, violonchelista y guitarrista italiano nacido en Lucca. Boccherini inició sus estudios musicales a temprana edad bajo la guía de su padre, quien era intérprete del contrabajo, y a los 13 años ya daba conciertos en su ciudad natal. En 1766 viajó a París y de allí a Madrid, por invitación del embajador español en Francia, aunque algunos sostienen que fue más por un enamoramiento de la cantante Clementina Pelliccia, con quien luego se casaría. En 1770 ocupó el cargo de violonchelista y compositor de música de cámara bajo la protección del infante Luis Antonio de Borbón y Farnesio, hermano menor del Rey Carlos III. El año 1785 fue trágico para Boccherini: falleció su esposa y, unos meses después, su patrón, Luis de Borbón. Por fortuna, Carlos III le mantuvo su salario y lo nombró violón de la Capilla Real. Luego, en 1786, aunque por un corto periodo, fue nombrado compositor de la corte de Federico Guillermo II de Prusia. Regresó a España y se estableció en Madrid, en donde falleció en 1805. Introducción y fandango originalmente era parte del Quinteto para cuerdas, Op. 40 No. 2, pero luego se transformó en un arregló que el mismo Boccherini hizo para guitarra y cuarteto de cuerdas. El Diccionario Grove de la Música (1980) menciona que el fandango es una danza de cortejo, de Castilla y Andalucía, en métrica ternaria y ritmo animado, que se toca acompañada de una guitarra, castañuelas o palmas y algunas veces violín u otros instrumentos. La danza conserva la voluptuosidad de una danza gitana. Es considerado el más popular de los bailes tradicionales de España, aunque algunos investigadores han situado su origen en Latinoamérica. El fandango consta de dos partes: una introducción (o variaciones), que es instrumental, y un cante en coplas. Nikita Koshkin (n. 1956), guitarrista y compositor, nació en Moscú. Sus padres querían que hiciera carrera en el servicio diplomático; sin embargo, cuando tenía catorce años su abuelo le regaló una guitarra y una grabación de Andrés Segovia, y su vida cambió. Desde entonces, sus intereses fundamentales en la vida se concentraron en componer e interpretar la guitarra. Estudió el instrumento con George Emanov en el el Instituto Estatal de Música de Moscú, y con Alexander Frauchi en el Instituto Gnesin, donde también estudió composición con Victor Egorov. Como compositor, se ganó el reconocimiento 5 internacional en 1980 cuando Vladimir Mikulka estrenó su suite para guitarra, The Prince’s Toys. Sus composiciones incluyen obras para guitarra sola al igual que para diversos ensambles de guitarra y guitarra con otros instrumentos y voz. Entre sus intérpretes aparecen artistas como John Williams, el Dúo Assad y los tríos de guitarra de Zagreb y Ámsterdam. Koshkin también es un activo concertista que ha hecho giras por Rusia, Europa Central y Occidental, Gran Bretaña y los Estados Unidos. Su primera grabación se realizó en 1997 en Arizona, con Soundset Recordings, mientras participaba como artista destacado de la Guitar Foundation of America International Convention, en el sur de California. En una entrevista para Classical Guitar Magazin en 1992, Koshkin hizo diversos planteamientos sobre su aproximación a la composición: Mi armonía es bastante tradicional, un lenguaje tonal que se deriva de Prokofiev y Shostakovich. Dentro del lenguaje tonal hay bastante libertad. […] La tonalidad puede ir en cualquier dirección. En cuanto a la arquitectura de una pieza, yo necesito un fundamento sólido para mantener la casa en orden. […] Observo que muchos compositores están regresando a la tonalidad, pero yo nunca me fui de ella. Por ejemplo, en do mayor usted no tiene solo siete alturas; tiene doce, todas con igual peso. […] El elemento cromático proporciona un sentido de drama, desarrollo y movimiento. Vuelve todos los ingredientes como la melodía, la armonía y el ritmo, muy volátiles. Si usted usa los movimientos cromáticos con poca frecuencia, su aparición ocasional le da mayor tensión a la pieza. […] Shostakovich dijo que un compositor no debe tener temor de no ser moderno, de usar una melodía clara. Debe creer en sí mismo, en sus ideas y su trabajo. Si yo necesito armonías claras, las uso. No tengo miedo de no usar el llamado estilo moderno. Algunas personas temen trabajar directamente; trabajan en medio de una niebla, y el resultado se oculta en una nube de notas falsas, muchas de ellas completamente innecesarias3 (Kilvington, 1992, pp. 50-52). Changing the Guard, compuesto en 1994, es el primer cuarteto para guitarra escrito por Koshkin; como lo indica su título, es una creativa imagen sonora de la coreografía del cambio de guardia en las afueras del Kremlin, en Moscú. Técnicamente es exigente para todas las partes, y sus ritmos y disonancias recuerdan la influencia de Shostakovich. Joaquín Turina Pérez (1882-1949) nació en Sevilla. En la biografía de Turina, Alfredo Morán menciona que su padre, Joaquín, de ascendencia italiana, fue un pintor formado en la Escuela Provincial de Bellas Artes. Turina, a sus cuatro años, era considerado niño prodigio por sus improvisaciones con un acordeón. Inició estudios de medicina, los cuales abandonó para dedicarse 3 Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. 6 profesionalmente a la música, para lo cual se trasladó a Madrid en 1902. Sus padres fallecieron en 1903 y 1904 y Turina tomó la decisión de seguir sus estudios en París. Allí, en 1905, inició clases de piano y composición con Moritz Moszkowski y se inscribió en las clases de composición de Vincent D’Indy en la Schola Cantorum. En París conoció a Isaac Albéniz y a Manuel de Falla, quienes tuvieron gran influencia sobre él. Cuenta Turina que una charla con ellos, después de un concierto, le cambió completamente sus ideas estéticas. Albéniz, particularmente, le hizo prometer que nunca más escribiría música de influencia francesa y que basaría su arte en el canto popular andaluz. En 1913 culminó su formación musical en la Schola Cantorum y en ese mismo año estrenó con gran éxito La procesión del rocío en el Teatro Real con la Orquesta Sinfónica de Madrid bajo la dirección de Enrique Fernández Arbós. La producción de Turina se centra en la música sinfónica, de cámara, canciones y, sobre todo, obras para piano que dentro de su catálogo sobrepasan los sesenta títulos de los poco más de cien totales. Danzas fantásticas, Op. 22 fue compuesta y estrenada en 1919. Según expresó Turina, está dedicada «A mi mujer» (Obdulia Garzón). En la conferencia ‘Cómo se hace una obra’, pronunciada en la Habana, el 31 de marzo de 1929, el compositor hizo los siguientes comentarios: Las Danzas fantásticas llevan epígrafes entresacados de una novela: La Orgía, de José Más, lo cual no quiere decir que el asunto literario tenga que ver con la música. Se trata, únicamente, de que los tres epígrafes tienen cierta conexión con el espíritu musical y, algo coreográfico, de las tres danzas. […] La primera danza, Exaltación que, aunque muy de lejos, hace recordar la jota aragonesa, está encabezada por el siguiente epígrafe: «Parecía como si las figuras de aquel cuadro incomparable se movieran dentro del cáliz de una flor». La segunda danza, Ensueño, está basada en el ritmo del zortzico vasco, aunque su parte central es francamente andaluza: el epígrafe dice así: «Las cuerdas de la guitarra, al sonar, eran como lamentos de un alma que no pudiera más con el peso de la amargura». La tercera danza se titula como la novela, Orgía, y vendrá a ser como un canto a la manzanilla, el perfumado vino de Sanlúcar de Barrameda, la Ciudad de plata, situada en la desembocadura del Guadalquivir, mezcla adorable de mar y viñas, de playa y bodegas, de casitas blancas y de calles estrechas como cintas. José Más nos ofrece un epígrafe exacto: «El perfume de las flores se confundía con el olor de la manzanilla, y del fondo de las estrechas copas, llenas del vino incomparable, como un incienso, se elevaba la alegría». Ségio Assad (n. 1952) nació en Mococa, São Paulo, Brasil. Empezó a componer música para guitarra poco después de comenzar a tocar el instrumento. Aprendió melodías populares brasileñas de su padre. A los 7 catorce años conformó el reconocido dúo de guitarra con su hermano, Odair, y empezó a escribir y arreglar música para el dúo. Luego, Sérgio y Odair realizaron estudios con la maestra de guitarra clásica más conocida en Brasil en ese momento, Monina Tavora, quien había sido discípula de Andrés Segovia. Posteriormente, Sérgio estudió dirección y composición en la Escuela Nacional de Música de Río de Janeiro y también tuvo la guía en composición de la profesora Esther Scliar. Como compositor, Assad tiene un catálogo de más de cincuenta obras para guitarra, muchas de las cuales se han convertido en estándares en el repertorio del instrumento. Sobre su manera de componer, comenta: Mi proceso de escritura ha sido el mismo durante años. Me siento con la guitarra e improviso. De repente capto algo que está sucediendo, que creo que se destacará y lo escribo. A veces estas ideas son muy cortas y simples, como fragmentos, pero aun así las escribo y las guardo en una carpeta de «ideas» en mi computadora. Luego, cuando necesito una idea para una pieza nueva, miro qué hay en la carpeta de ideas. Una vez que elijo algo de la carpeta, ya no uso la guitarra. Escribo directamente en el software de notación y uso las herramientas que ofrecen los programas, según se ajusten a mis objetivos. Normalmente escribo polifónicamente, y el resultado es físicamente difícil de tocar. Para que sea más fácil, reviso varias secciones de la pieza y las arreglo como si estuviera arreglando música existente para que se adapte al instrumento4 (Fiore, 2017). Para One 4 all 4 one, dedicado al Cuarteto Éclisses, Sérgio Assad le pidió a cada miembro del cuarteto que describiera la personalidad que observaba en los otros, y la obra refleja esos comentarios en la mezcla de técnicas, colores tonales, ritmos y equilibrio del resultado final. Las capacidades musicales de Gabriel Fauré (1845-1924) se hicieron evidentes a una edad temprana. Fauré estudió piano con Camille Saint- Saëns, quien lo introdujo en la música de Franz Liszt y Richard Wagner. Aun siendo estudiante, publicó su primera composición, una obra para piano, Trois romances sans paroles, Op. 17 (1863). En 1896 fue nombrado organista de la Iglesia de La Madeleine en París y profesor de composición en el Conservatorio de París. En 1905 sucedió a Théodore Dubois como director del conservatorio y permaneció en el cargo hasta que sus problemas de salud y la sordera lo obligaron a renunciar en 1920. Entre sus estudiantes se destacan Maurice Ravel, Georges Enesco y Nadia Boulanger. El Diccionario Grove (1980) dice de barcarolle que es el título que se da a piezas que imitan o sugieren las canciones cantadas por los gondoleros 4 Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. 8 venecianos, cuando van remando en sus góndolas. Un elemento básico de la barcarolle es la métrica de 6/8, con un ritmo que evoca el movimiento de una góndola. Igualmente, señala el Grove que la serie más importante de barcarolles es la que Fauré compuso entre 1881 y 1921, integrada por trece, y de la cual la primera es la que aparece en el programa, Barcarolle No.1, Op.26. La obra inicia con una melodía diatónica sencilla en el registro medio, que se va desarrollando, y en la sección central presenta ritmos cruzados y arpegios; luego la melodía inicial regresa con nuevos patrones de acompañamiento. Fue estrenada en 1882 por el compositor Camille Saint-Saëns, quien además de profesor fue amigo cercano de Fauré. Alberto Evaristo Ginastera (1916-1983) nació en Buenos Aires y murió en Ginebra, Suiza. Su talento musical se evidenció desde niño y estudió en Buenos Aires en el Conservatorio Williams y en el Conservatorio Nacional. Recibió la beca Guggenheim y vivió en los Estados Unidos entre 1946 y 1947. Su música muestra una síntesis de técnicas eclécticas; Ginastera es considerado uno de los promotores del nacionalismo en Latinoamérica. Lincoln Kirstein, director de la American Ballet Caravan, quien viajaba por Sudamérica, vio la versión en ballet de Panambí compuesta por Ginastera en 1940 y quedó con tan buena impresión que le encargó un ballet para que su compañía lo presentara. Estancia es el resultado de esa comisión. Una ‘estancia’ es una gran hacienda ganadera en La pampa, Argentina, y Ginastera estructuró su ballet tomando como referencia las actividades realizadas en este lugar a lo largo del día. El compositor concluyó su ballet a tiempo pero el grupo de Kirstein se había disuelto y, por esto, tuvo que esperar hasta 1952 para ver la obra representada como un ballet. Mientras tanto, para salvar la música, Ginastera creó una suite orquestal que se ha hecho muy popular por la vitalidad y brillantez de sus ritmos. El concierto de hoy termina con una versión de esta suite de danzas para cuarteto de guitarras. Referencias Brown, Maurice. ‘Barcarolle’. The New Grove Dictionary of Music and Musicians, 1980. Coelho, Victor & Coelho, Victor Anand eds. (2003). The Cambridge companion to the guitar. Cambridge University Press. Fiore, Giacomo. «Sérgio Assad Continues to be One of the Guitar’s Most Interesting and Challenging Composers». Classical Guitar Magazine. 15/06/2017. Disponible en: https://classicalguitarmagazine.com 9 Kilvington, Chris (Cooper, Colin Ed.). (2016). Guitar Interviews: The Best from Classical Guitar Magazine, Vol. 1. Mel Bay Publications. Morán, Alfredo. ‘Biografía’. Joaquín Turina. Disponible en: http://www. joaquinturina.com Sadie, Stanley (Ed.). ‘Fandango’. The New Grove Dictionary of Music and Musicians, 1980. Turina, Joaquín. «Comentarios de Joaquín Turina». Joaquín Turina. Disponible en: http://www.joaquinturina.com Wade, Graham. «Historical Perspectives on the Guitar Ensemble». Classical Guitar Magazine. 23/12/2017. Disponible en: https:// classicalguitarmagazine.com Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Próximos conciertos en Quibdó Biblioteca Pública Departamental Arnoldo de los Santos Palacios Próximos conciertos en San Andrés Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República DECISO DÚO flauta y guitarra (Colombia) Jueves 14 de marzo de 2019 · 6:30 p.m. CÓD. PULEP: DEK411. MARÍA CRISTINA PLATA cantante (Colombia) Viernes 21 de junio de 2019 · 7:20 p.m. Auditorio del Banco de la República DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón (Austria / Colombia) Miércoles 17 de julio de 2019 · 6:30 p.m. CÓD. PULEP: FYQ337. UNM823 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Cód. PULEP: GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. . ALEJANDRO DÍAZ, arpa clásica Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Honda CUARTETO INBOUND, cuarteto de cuerdas Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales Cód. PULEP: WUW418 . LKX467 . WQF359 . IUN286 . JWE864 . HXW120 . ZZP911 . ZDC824 . SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO DIOTIMA - Foto. Jérémie Mazenq ALEJANDRO DÍAZ - Foto. Catalina Giraldo
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Cuarteto Éclisses, cuarteto de guitarras (Francia)

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Reseña concierto Cepromusic: Las dos caras de la moneda

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Jhonnier Adolfo Buitrago, trombón (Colombia)

Programa de mano - Jhonnier Adolfo Buitrago, trombón (Colombia)

Por: | Fecha: 06/09/2018

Foto: Cristhian Sastre Miércoles 17 de octubre de 2018 · 7:00 p.m. Cúcuta, Sala múltiple del Área Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: MLB216 Jueves 25 de octubre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: FXT822 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JHONNIER ADOLFO BUITRAGO trombón (Colombia) Mari Kagehira, piano (Japón) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cúcuta, el ingreso a la sala múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Área Cultural ubicada en la Diagonal Santander No. 3E-38. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 Foto: Cristhian Sastre JHONNIER ADOLFO BUITRAGO trombón Nació en Bogotá en 1993. Inició sus estudios musicales en el 2006 en la Banda Sinfónica del municipio de Sibaté bajo la dirección del maestro Víctor Hugo Mancera Díaz. En el 2010 ingresó al Programa Básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En el 2011 participó en el VI Concurso Internacional de Eufonio, Trombón y Tuba (organizado por el Perú Low Brass), en el que recibió clases magistrales con los maestros Christian Lindberg, Jimmy Bosch, Miguel Sánchez, Patricio Cosentino, Carlos Quiroz, Steven Mead y Heini Schneebeli. Participó como becario en el VI Festival Internacional de Música realizado en la ciudad de Cartagena en el 2012. Hizo parte de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia en la que actuó bajo la dirección de Andrés Orozco Estrada y con la que realizó una gira por Colombia y Brasil en el 2015, y bajo la dirección del maestro Dante Anzolini en el 2016. En el 2013 participó en el I Festival Nacional de Metales realizado en Bogotá, evento que le permitió recibir clases magistrales con los integrantes del quinteto Spanish Brass. En el mismo año ingresó a la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca, agrupación a la cual perteneció hasta el 2015. Participó en uno de los conciertos de fin año realizados por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO) y fue invitado para ser supernumerario de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ganó la convocatoria Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali en el año 2017. MARI KAGEHIRA piano Nació en Osaka, Japón. Inició sus estudios de piano a los tres años con Reiko Yamagishi, y después con Hiroko Nagasaki y Yoko Iwabuchi. Obtuvo su grado de Maestro en Música - Piano en la Universidad de Música de Osaka, donde estudió piano con Nobuko Yasuda, Tsuya Toyama, Takashi Yamazaki. Posteriormente, estudió con los maestros Arthur Green, Halina Czerny-Stefánska y Harold Martina. En 1987 ganó el primer premio en el concurso nacional de piano Pitina Young Pianist Competition. Fue miembro de la Asociación de Chopin. Se ha desempeñado como acompañante oficial en concursos nacionales e internacionales. Fue profesora de piano, órgano y teoría de la música en la Universidad Femenina Teikoku, la Academia de Música Kawai, la Universidad Pedagógica Nacional, la Universidad El Bosque y la Universidad de Los Andes. En el 2007 fue invitada a realizar dos conciertos en el marco del Festival de Música Chipiana (España). En el 2009, fue invitada para participar como expositora en la temática «Unión de la Ciencia y el Arte» en el Congreso Mundial Juventudes Científicas de FISS y realizar un recital en México. Actualmente es pianista acompañante en la Pontificia Universidad Javeriana, profesora titular de piano en la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia y profesora de piano en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente obtuvo el título de Magíster en Interpretación y Pedagogía Instrumental en la Universidad Nacional de Colombia. 3 PROGRAMA Sonata en do mayor Op. 1, No. 5 (1732) Largo Allegro Largo Allegro BENEDETTO MARCELLO (1686-1739) Original para violonchelo y piano Fantasía, Op. 27 (1905) ZYGMUNT STOJOWSKI (1870-1946) Para trombón y piano Balada para trombón tenor y piano, Op. 62 (1944) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Sonata ‘Vox Gabrieli’ (1973) STJEPAN ŠULEK (1914-1986) Para trombón y piano INTERMEDIO Improvisación No. 1 para trombón solo (1983) ENRIQUE CRESPO (n. 1941) Elegy for Mippy II (1950) LEONARD BERNSTEIN (1918-1990) Para trombón solo Fantasía para trombón y piano (1987) GUSTAVO PARRA (n. 1963) CONCIERTO No. 48 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña El trombón podría considerarse como un fósil vivo, no en sentido peyorativo, claro está, ya que es uno de los pocos instrumentos que ha estado en uso ininterrumpido desde hace más de cinco siglos y cuya forma ha tenido muy pocas modificaciones. Además, la literatura es prueba fehaciente de su envidiable inserción a los más variopintos escenarios: batallas, cortes, templos, salones, e incluso lugares fantásticos como el infierno, han sido testigos de su versatilidad y su construcción como un instrumento virtuoso. El nacimiento del trombón se puede rastrear hasta el siglo XV cuando, no sin ambigüedades nominales, se empieza a hacer mención de instrumentos con características similares a las del instrumento moderno, pero con diversos nombres: posaun, en las regiones de habla germana; trombone, en italiano; o sacabuche, sackbout o saquebote en castellano, inglés y francés, respectivamente, corresponden a los nombres más comunes y fácilmente asociables a la estructura del trombón. Sin embargo, se ha ligado también la historia de este instrumento a nombres como tuba grossa, tuba ductilis o dracht trumpet. Parece ser que la primera representación gráfica del instrumento corresponde a un fresco de Filippino Lippi, titulado La asunción de la Virgen (1488-93), en el que unos ángeles acompañan este momento con instrumentos de cuerda, viento y percusión. En esta centuria, el trombón ya se dividía entre los contextos secular y religioso, pues acompañaba celebraciones civiles al igual que podía hacer parte de la liturgia, reemplazando o doblando alguna voz en un motete o una misa. Su importancia se hace patente en el hecho de que en las cortes de Múnich, Mantua, Bolonia y Austria, entre otras, se tienen registros de contrataciones regulares a trombonistas. Además, ya entrado el siglo XVI, se tienen las primeras representaciones ‘técnicas’ del instrumento en las que se lo relaciona con otros de similares La asunción de la Virgen. Filippino Lippi (Capilla Carafa de la Iglesia de Santa María Sopra Minerva, Roma) (Imagen de dominio público). 5 características de ejecución; un ejemplo de esto es el tratado Musica Getutscht und ausgezogen (1511) de Sebastian Virdung. Pero es Michael Praetorius quien, un siglo más adelante, explica gráficamente la situación de las diferentes familias de instrumentos en uso. Lo hace con un ejercicio organológico, a través del cual se da cuenta de que la construcción de los mismos se realizaba a partir de un pensamiento polifónico, esto significa que existían diferentes registros vocales (soprano, alto, tenor y bajo) que podían ser imitados por instrumentos de diferentes tamaños. Así, la familia del trombón estaba conformada por cuatro instrumentos: trombón alto, trombón común, trombón a la cuarta o a la quinta y trombón a la octava. Es en el siglo XVII cuando el trombón adquiere un especial protagonismo, pues su representación deja de estar limitada a la aparición de ángeles músicos en escenas bíblicas para unirse también a contextos seculares como bautizos, bodas y procesiones; además de funcionar también como elemento simbólico en escenarios alegóricos. La famosa Alegoría a la escucha o El sentido del oído, colaboración entre Jan Brueghel El Viejo y Peter Paul Rubens, muestra el trombón (ubicado en la esquina inferior izquierda) junto a una chirimía y varios instrumentos de cuerda, pulsada y frotada, además de algunas partituras puestas en una mesa, en disposición para ser ejecutadas. Su entrada al mundo secular académico se registra además en algunas de las canzone de Giovanni Priulli, quien escribe partes para dos y tres trombones, con violines, violones y cornetos, entre otros; y también en algunas sonatas in stil moderno de Dario Castello. Claro está que debe decirse que su mayor protagonismo lo obtuvo gracias al papel que desempeñó en la construcción del sonido veneciano (o Escuela veneciana) durante las primeras décadas del siglo XVII, de la mano de Giovanni Gabrieli, quien en sus motetes policorales, o cori spezzati, hace uso extendido de los metales que alternan, y algunas veces acompañan, las partes vocales. El siglo XVIII vio decaer la figura del trombón como instrumento prominente dentro de los diferentes tipos de ensamble: vocales, instrumentales y mixtos; la preferencia por timbres más uniformes hizo que la literatura de este siglo se construyera a partir de los instrumentos de cuerda frotada y, aunque la familia de Alegoría a la escucha o El sentido del oído (Jan Brueghel El Viejo y Peter Paul Rubens, Amberes, 1617-18) (Museo del Prado, Madrid) (Imagen de dominio público). 6 los vientos no desapareció, su utilización masiva sí decayó considerablemente. Se resalta, no obstante, la permanencia del uso del instrumento como símbolo dramático de lo oscuro, del inframundo e incluso de la muerte. Cristoph Willibald Gluck utiliza un trío de trombones en la escena del oráculo de su ópera Alceste (1796) y Wolfgang Amadeus Mozart hace uso del instrumento en la convulsiva escena de la cena de su Dramma giocoso Don Giovanni (1781), sin dejar de lado el Tuba mirum del inconcluso Réquiem, en el cual el trombón se alterna con las partes solistas1. Hector Berlioz, gran abanderado de la música programática en el siglo XIX, adoptó la concepción dramática del instrumento, incluyendo un solo para trombón, en su Sinfonía Fúnebre y Triunfal (1840) y reconociendo las capacidades del mismo afirmando: El trombón es, en mi opinión, el verdadero jefe de aquella raza de los instrumentos de viento (…) que posee tanto nobleza como grandeza [además de] todos los acentos más profundos y poderosos en la elevada poesía musical; desde el religioso, calmo e imponente (…) hasta los salvajes clamores de la orgía. (Berlioz, traducción del francés de Mary Cowden Clarke, 1856, p. 156)2 A este siglo pertenece la Sonata en do mayor Op. 1, No. 5, de Benedetto Marcello (1686-1739), original para violonchelo y continuo. El compositor, además de ser reconocido por su colección de sonatas para este instrumento de cuerda frotada, tiene también en sus haberes, un escrito que parodia los usos y sobre todo, abusos, por parte de cantantes, compositores y libretistas de la música dramática de la primera mitad del siglo XVIII: Il teatro alla moda (1720). Como ya se mencionó, no es de extrañarse que para poder acercarse al lenguaje de la sonata del siglo XVIII un trombonista tenga que hacer uso de una transcripción, pues el elemento solista para dicho instrumento, y en general para los metales, había sido objeto de estudio del siglo anterior y solo se retomaría, con fuerza, en el siguiente, claro está, con algunas excepciones, como el singular Concierto para trombón de Georg Christoph Wagenseil (1763). El uso decimonónico del instrumento se desarrolló principalmente en el contexto de las bandas militares, no en vano, pues los sucesos políticos y bélicos fueron el hilo conductor de la narrativa del siglo; sin embargo, su aparición no se limitó a la escena bélica. Ya se mencionó la inclusión de un solo para el instrumento por parte de Berlioz y es conocido también su uso por parte de 1 Es importante tener en cuenta que este recurso dramático ya había sido utilizado en los siglos anteriores cuando es destacable la utilización de los trombones en las escenas del inframundo de L’Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi. 2 “The trombone is – in my opinion – the true chief of that race of wind instruments (…) It possesses, in an eminent degree, both nobleness and grandeur; it has all the depth and powerful accents of high musical poetry, - from the religious accent, calm and imposing, to the wild clamour of the orgy.” (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 7 Ludwig van Beethoven en sus Sinfonías Nos. 5, 6 y 9. Además, la figura del trombonista virtuoso se empezaba a gestar, y hubo ya registros de conciertos con repertorio para trombón solista y orquesta; una de las figuras más representativas fue Friedrich August Belcke (1795-1874). Además del uso en las batallas, los militares destinaban también sus habilidades musicales para el entretenimiento, y los ensambles de metales fueron acomodándose a contextos más festivos en donde la danza era un elemento primordial; es alrededor de estos espacios en donde el trombón empieza a gestarse como un ‘monstruo’ de dos cabezas, que se destaca tanto en ámbitos académicos como populares. Las piezas escogidas por Jhonnier Buitrago dan cuenta, en su conjunto, de este carácter ecléctico que refleja el instrumento. Todas, a excepción de la ya mencionada sonata de Marcello, compuestas a lo largo del siglo XX, son documentos de la versatilidad que finalmente desplegó el trombón, un instrumento capaz de realizar los efectos técnicos más complicados, como en el caso de la Improvisación No. 1 para trombón solo (1983) del uruguayo, radicado en Alemania, Enrique Crespo (n. 1941). El trombón también permite, como mencionaba Hector Berlioz, extraer sonidos líricos que den cuenta de la expresividad del lenguaje formal y melódico romántico, y del anguloso lenguaje armónico de inicios del siglo XX; ejemplo de esto es la Fantasía Op. 27(1905) del polaco Zygmunt Stojowski (1870-1946). Escrita también en la primera mitad del siglo pasado está la Balada para trombón tenor y piano, Op. 62 del compositor francés Eugène Bozza (1905- 1991) quien, a pesar de ser violinista, es reconocido en gran parte por su repertorio para metales solistas. Compuesta en 1944 para el concurso anual de competición del Conservatorio de París, la obra, si bien presenta elementos de un nivel técnico muy exigente para los dos instrumentos, destaca además por el recurso compositivo de la parodia, que consiste en el préstamo de fragmentos de composiciones preexistentes para la creación de un nuevo texto musical. En el caso de la Balada, estos fragmentos corresponden a partes orquestales, entre las que se encuentran por ejemplo la Sinfonía No. 3 de Gustav Malher; el poema sinfónico Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel de Richard Strauss; el Bolero de Maurice Ravel; Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov; y el ballet El pájaro de fuego de Ígor Stravinsky. La Sonata ‘Vox Gabrieli’ de Stjepan Šulek (1914-1986) podría calificarse como una obra neoclásica panhistórica, pues al hacer referencia a la voz del Arcángel Gabriel, la reminiscencia de la música programática del periodo romántico es inminente, así como lo es su lenguaje armónico; por otro lado, su estructura formal hace referencia al siglo de la Ilustración, en el que la claridad formal era el principal objetivo narrativo y la forma sonata encarnaba 8 perfectamente dichos preceptos. Finalmente, el hecho de referir una forma eminentemente instrumental, como la sonata a una temática religiosa, se hace referencia principalmente al siglo XVII, o Barroco temprano. En una entrevista realizada por Maria Isabel Quintero al compositor nariñense Gustavo Parra (n. 1963), en la Biblioteca Luis Ángel Arango, él relata, entre otras cosas, la manera como, paulatinamente, fue desarrollándose y reconociéndose como compositor, sin que este hubiera sido su objetivo al iniciar sus estudios musicales profesionales. Tales estudios estuvieron encaminados principalmente a la dirección de orquesta, que ha ejercido a la par de su aclamada carrera compositiva y docente. No obstante, y de manera muy descomplicada, Parra cuenta que sus primeras composiciones las firmaba con el nombre artístico de Jerry Lee Davies, pues ‘Gustavo Parra’ resultaba muy poco atractivo y, por el contrario, el nombre norteamericano se presentaba como una ventana más plausible hacia el reconocimiento del medio compositivo. Esta situación cambió hacia el año 1987, afirma el compositor. En esa época aparece la Fantasía para trombón y piano, obra que nos compete en esta ocasión, y desaparece el miedo a firmar con su nombre; a partir de ese momento, comenzó a aceptarse y a dejar de lado las pretensiones que le habían inhibido de saberse como compositor.3 Para finalizar, se presenta una corta pero imponente creación del también director Leonard Bernstein (1918-1990), responsable de títulos como West Side Story (1961). Esta obra muestra la convergencia de recursos técnicos compositivos muy complejos, provenientes del mundo académico, con lenguajes propios de la música popular de diferentes regiones y se instala como una posibilidad dentro del ámbito del teatro musical. Elegy for Mippy II es una pieza para trombón solo, que hace parte de unas obras para metales solistas dedicadas a las mascotas familiares. En este contexto, Mippy es un perro de razas cruzadas, la mascota de su hermano Burtie. La pieza representa la unión del lenguaje melódico del siglo XX con las construcciones rítmicas y estructuras improvisativas del jazz; un retrato del eclecticismo característico en el que se ve sumido el trombón en el siglo XX, símbolo, con igual potencia, del mundo popular y del académico. Bibliografía Berlioz, H. (1848). A treatsie upon modern instrumentation and orchestration (Mary Cowden Clarke, trans. 1856). Londres. Tomado de: https://books. google.com.co/books?id=tDoDAAAAQAAJ&pg=PA156&lpg=PA156&d-q= all+the+deep+and+powerful+accents+of+high+musical+poetry,+- from+the+religious+accent,+calm+and+imposing&source=bl&ots=Z- 3 Información tomada de la entrevista realizada el 4 de abril de 2018, en la Biblioteca Luis Ángel Arango: https://www.youtube.com/watch?v=pdh8Pk-r91w 9 3TT_xQvL1&sig=pL5AW8FEHL9Z9uwzA2NcIh-bge0&hl=es&sa=X&ve-d= 0ahUKEwiw-qqE5JncAhUwq1kKHU67Cs4Q6AEIJzAA#v=onepage&- q=all%20the%20deep%20and%20powerful%20accents%20of%20high%20 musical%20poetry%2C%20from%20the%20religious%20accent%2C%20 calm%20and%20imposing&f=false Biblioteca Luis Ángel Arango. (2018). Entrevista abierta con Gustavo Parra – Compositor (Colombia) por María Isabel Quintero. Disponible en: https:// www.youtube.com/watch?v=pdh8Pk-r91w Kimball, W. (2014). Trombone history timeline. Tomado de: http:// kimballtrombone.com/trombone-history-timeline/ Praetorius, M. (1619). Syntagma Musicum. Wolfenbütel. Virdung, S. (1511). Musica Getutscht und angezogen. Basilea. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Cód. PULEP: AQV550. WQT383. XHX635. TZT530. Boletas: $10.000 Foto: Marc Hauser Foto: cortesía familia Figueroa Foto: Stefan Schweigers JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. NUEVO CONCIERTO LINCOLN TRIO trío con piano (Estados Unidos) Domingo 25 de noviembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales NUEVO CONCIERTO COMISIONES Y RETRATOS Lanzamiento de tres nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 28 de noviembre · 7:30 p.m.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Jhonnier Adolfo Buitrago, trombón (Colombia)

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