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Programa de mano - Coral ¡Canta, Bogotá Canta!, ensamble vocal (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 11 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Juan Pablo Duarte · PULEP: ZPT628 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CORAL ¡CANTA, BOGOTÁ CANTA! (Colombia), ensamble vocal María Teresa Guillén, directora (Colombia) Quinteto Vástago, quinteto de maderas · Foto: Laura Daniela Muñoz González SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Coral ¡Canta, Bogotá Canta!, ensamble vocal ¡Canta, Bogotá Canta! es el Proyecto Estudiantil Distrital de Coros Escolares de la Secretaría de Educación del Distrito en Bogotá, Colombia. Fundado y dirigido por María Teresa Guillén Becerra desde 2013, este proyecto busca garantizar el derecho a la cultura consagrado en la Constitución; que los niños y las niñas accedan, en igualdad de oportunidades, a formación musical de calidad en un escenario de dignificación de la enseñanza musical coral. Más de catorce mil niños y más de cien coros, 61 maestros, 51 colegios, 10 conciertos de gran formato, y más de 150 presentaciones en escenarios representativos de la ciudad y del país dan cuenta de este proyecto. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es el coro representativo del proyecto y está compuesta por sesenta estudiantes entre los 12 y 23 años, provenientes de colegios públicos y de distintos programas de pregrado de varias universidades de Bogotá que fueron seleccionados en procesos de audición. Este proyecto evidencia el fortalecimiento de la educación integral a través de la música, el canto coral y el poder movilizador de la voz como eje principal. Cantar es leer e interpelar al mundo, implica una travesía al interior de cada persona, Foto: Juan Pablo Duarte 2 explorarse, conocerse y construirse hasta encontrar la propia voz. Cantar es tener la disposición de escuchar, de reconocer y de apreciar la diferencia, de concertar y de construir con los demás. Al tratarse de un coro polifónico, en el que se unen voces de sopranos, contraltos, tenores y bajos, la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es una poderosa metáfora de la democracia y de la convivencia. En este proyecto los compositores colombianos y los ritmos del país ocupan un lugar privilegiado. Más de la mitad del repertorio ha sido compuesto por encargo a la justa medida de la intención pedagógica. En cada obra suena Colombia, su gente, su diversidad, sus alegrías, sus tristezas y el anhelo de un país en paz. Por medio del repertorio cada corista se reconoce como parte de un territorio rico en términos culturales y ambientales y, a la vez, vulnerable frente a la violencia, la inequidad y la crisis climática. También se abordan obras magistrales del repertorio universal, en otros idiomas, que revelan ‘lo más humano de esta humanidad’, más allá de la nacionalidad, la lengua, la etnia, la cultura, el género, la religión y la condición social. Así, entre lo más local y lo más global, los coristas saben que son parte de algo más grande que ellos mismos. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! ha participado como invitada especial de diferentes conciertos y festivales a nivel distrital y nacional, entre estos se destacan ser seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República y actuar en el marco de su Temporada Nacional de Conciertos 2023; ser el coro invitado del concierto La Resistencia del cantautor César López en 2022; participar en el Festival Internacional de Música Sacra en 2018 y 2019, en el Festival Internacional de Coros en Bucaramanga en 2016, 2017 y 2021, en el Festival de Coros en Buga Corpacoros en 2015 y realizar ocho conciertos de gran formato en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Asimismo, han actuado en escenarios de Bogotá de gran relevancia como los auditorios León de Greiff y Luis A. Calvo, así como los teatros Jorge Eliécer Gaitán y El Ensueño. 3 María Teresa Guillén, directora artística Mayra Alejandra Murillo, asistente de dirección María Jimena Rosales, pianista Jesús David Prieto, pianista Integrantes Coral ¡Canta, Bogotá, Canta! Barítonos: Kevin Alejandro Cubides Pinilla David Andrés Fuentes Aguirre Carlos Julio Sánchez Lozano Harrison Esteban Jiménez Duque Juan Diego Rey Murillo Javier Esteban Cañón Saavedra Neo Andur Rincón Hernández Johan Andrés Hernández Álvaro Sebastián Cifuentes Cuadros Diego Fernando Millán Forero Contraltos: Fiorella Antonella Urquia Vargas Teresita Monserrat Rico Ladino Carol Lizeth Gutiérrez Capacho Ángela Sofía Carrasco Moreno Ximena Bonilla Ángel Jessica Viviana Daza Torres Gabriela Montoya Gallo Tomás Felipe Rodríguez Herrera Mezzosopranos: Ana María Mendivelso Barrera Laura Valentina González Jaque Paula Dayanna Molina Keila Valentina Murillo Cárdenas Sopranos: Emily Hinestroza Caicedo Juanita Sabogal Salas Janis Alejandra Triana López Andrea Camila González Jaque Ana Camila Orjuela Zambrano Carolina Bustamante Campos David Felipe Bello Zamora Álvaro Andrés Pulido Torres Sergio Andrés González Castro Santiago Andrés Marles Arciniegas Juan Estevan Rodríguez Herrera 4 PROGRAMA Ave María (1600) TOMÁS LUIS DE VICTORIA (1548-1611) Lluvia (2021) MARTA GÓMEZ (n. 1980) Arreglo para coro de Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Laudate pueri Dominum de Tres motetes, Op. 39 (1837) FÉLIX MENDELSSOHN (1809-1847) Letra a Nuestra Señora del Topo (c. 1670) JOSÉ CASCANTE (c. 1618-1702) Río (2015) JORGE ALEJANDRO SALAZAR El contrabandista (s. f.) CANTALICIO ROJAS (1896-1974) Versión para coro de Mauricio Rodríguez Cuando lejos, muy lejos (2022) JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966) Verano porteño de Las cuatro estaciones porteñas (1964-1970) ÁSTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para bandoneón, guitarra, violín, piano y contrabajo Versión para coro de Óscar Escalada (n. 1945) INTERMEDIO 5 Oigo voces (2017) MAURICIO ARIAS (n. 1984) Agua (2015) JORGE ALEJANDRO MEDELLÍN (n. 1965) Original para voz con acompañamiento Versión para coro de Victoriano Valencia (n. 1970) México lindo y querido (s. f.) JESÚS ‘CHUCHO’ MONGE (1910-1964) Versión para coro de Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Domine fac me servum pacis tuae (2022) JUAN ANTONIO CUÉLLAR Guantanamera (1929) JOSÉ ‘JOSEÍTO’ FERNÁNDEZ DÍAZ (1908-1979) Versión para coro de Jorge Alejandro Salazar Dona nobis pacem de la Misa en si menor, BWV 232 (1747-1749) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Mi país (2019) JORGE ALEJANDRO SALAZAR A Gaelic Blessing (1978) JOHN RUTTER (n. 1945) 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Cantándole a una ciudad y a un país que necesitan con urgencia de la música y del arte, para que se nos sane el corazón. María Teresa Guillén1 El Proyecto Estudiantil Distrital de Coros Escolares ¡Canta, Bogotá Canta! se ha consolidado en estos últimos diez años como una de las propuestas de formación coral más ambiciosas de la capital colombiana. Este programa, fundado en 2013 por la maestra María Teresa Guillén, su actual directora, ha permitido a más de 10.000 niños y adolescentes a encontrar en la práctica del canto coral una forma de expresión artística de gran impacto vital, al punto de motivar a algunos a dedicarse profesionalmente a este oficio. En esta ocasión escucharemos al coro representativo del programa, un pequeño grupo de niños y jóvenes formados dentro de este proyecto y que ejemplifican el resultado musical de este trabajo. Con constancia y disciplina han conquistado diversos escenarios y reunido un rico repertorio, en el que figuran obras de diferentes grados de complejidad, como las que escucharemos en el presente recital. En palabras de su directora, «¡Canta, Bogotá Canta! es una experiencia de vida, fundamentalmente. Significa amor, significa pasión, significa convicción, significa música, por supuesto; significa historia, significa pedagogía» (Guillén, 2022)2. Las obras que conforman este programa pueden dividirse en tres categorías: en la primera se encuentran las de carácter sacro, principalmente en latín. En la segunda están aquellas comisionadas a compositores colombianos por la Secretaría de Educación, para ser interpretadas por el coro. Y en la tercera se encuentran algunas obras representativas del repertorio latinoamericano, adaptadas para este formato. El motete Laudate pueri Dominum, segundo de los Tres motetes, Op. 39, compuesto en 1837 por Felix Mendelssohn (1809-1847), pertenece a la 1 Palabras de María Teresa Guillén en el concierto de cierre del proyecto ¡Canta, Bogotá Canta!, el 25 de septiembre de 2022. 2 Tomado de: https://www.youtube.com/watch?v=XtOcftRffDY 7 primera categoría. Estos tres motetes fueron concebidos por el compositor luego de escuchar a un coro de monjas en la iglesia Trinità dei Monti, en Roma, ciudad en la que se encontraba de viaje. Cada uno está inspirado en un pasaje diferente de la Escritura, en este caso, en los salmos 113 y 128. De esta misma categoría, escucharemos un fragmento de la Misa en si menor, BWV 232 de Johann Sebastian Bach (1685-1759). Se trata del Dona nobis pacem, última sección de la misa después del Agnus Dei. La totalidad de la obra fue escrita en un periodo de no menos de veinte años, pero esta sección en particular —junto con el Credo, el Sanctus y el Agnus Dei— fue compuesta entre 1747 y 1749. Es una obra de carácter grandioso, conocida por ser un compendio de diferentes técnicas compositivas, pero sobre todo por la frecuente reutilización que hizo Bach de anteriores composiciones suyas dentro de un nuevo contexto —en este caso, de la Cantata, BWV 29—, procedimiento que se conoce como parodia musical. Escucharemos también A Gaelic Blessing (1978), del arreglista, compositor y director John Rutter (n. 1945), especialmente reconocido por sus composiciones de carácter religioso. Aunque el autor no se considera a sí mismo un hombre de fe, el contenido musical y los textos de sus obras le han otorgado un gran reconocimiento entre los compositores de música religiosa. Uno de los principales intereses del programa ha sido apoyar y fomentar la labor de los compositores colombianos. Por esta razón, desde sus inicios han abundado los encargos de obras, logrando el enriquecimiento del repertorio de todos los coros del programa. Hoy por hoy, casi la mitad de dichos repertorios está constituida por obras encargadas. Ejemplo de ello son las que han sido comisionadas a compositores como Jorge Alejandro Medellín Becerra (n. 1965), economista, educador, escritor y compositor, en muchas de cuyas composiciones se evidencia un sincero interés por la música infantil. De él escucharemos Agua (2015) en un arreglo del compositor Victoriano Valencia. Explica Medellín sobre su obra: Esta canción es el resultado de cuarenta años de tomar agua pura desde la fuente y de observar en su recorrido la sutil ausencia del tiempo y del espacio. Es un canto de acción de gracias y a la vez un compromiso para cuidar del agua, que es luz líquida, así sea desde un barquito de papel. Por eso es para niños, porque es en serio (Medellín, 2015, p. 3). El agua es también un tema que aborda el compositor Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) en la canción Río (2015), homenaje al paisaje hídrico colombiano. En 2019, Salazar recibió el encargo de una obra para conmemorar 8 el bicentenario de la Independencia. Así nació Mi país, cuya letra expresa, además de un profundo sentido patriótico, un anhelo en la esperanza de un mejor porvenir. Continuando con los encargos, escucharemos del compositor colombiano Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) las piezas Cuando lejos, muy lejos (2022) sobre un poema de Julio Flórez, y Domine fac me servum pacis tuae. Del compositor Mauricio Arias (n. 1984) escucharemos Oigo voces (2017), obra escrita en ritmo de bambuco, que representa un canto de rebelión contra la violencia. La cantautora Marta Gómez (n. 1980), quien se ha caracterizado por el sentido social de sus composiciones, escribió por encargo del proyecto tres obras que fueron estrenadas en 2021: La rebelión de la risa, Lluvia y Baila. En esta ocasión escucharemos Lluvia, que habla sobre las fuerzas de la naturaleza como el sol, la luna, la noche y el viento, nombrándoles, además, en lengua muisca: Sua, Chia, Sa y Zoque. Dentro del repertorio representativo de la música latinoamericana se encuentran ritmos como el tango, el son, el bolero, el joropo o el bambuco, por nombrar solo algunos. Además de ser un reto, interpretar vocalmente obras de carácter instrumental representa para cualquier cantante una magnífica oportunidad de explorar nuevas posibilidades técnicas con su voz, con el fin de imitar las sonoridades propias de cada familia instrumental. Este es el caso del Verano porteño de Ástor Piazzolla (1921-1992), que forma parte de Las cuatro estaciones porteñas (1964-1970). La versión que escucharemos fue adaptada para coro por Óscar Escalada. Aunque cada una de las estaciones fue compuesta de forma independiente, con el tiempo fueron agrupadas a modo de suite, de forma similar a las Cuatro estaciones de Antonio Vivaldi. El Verano fue originalmente concebido como música incidental para teatro e, igual que las demás estaciones, pensado para bandoneón, guitarra, violín, piano y contrabajo. Esta es una de las obras más conocidas de Piazzolla, representante del nuevo tango —otra de las vanguardias del siglo xx—, que asociaba el tango tradicional con la música académica europea. México lindo y querido (s. f.), original de Jesús ‘Chucho’ Monge (1910- 1964), podría considerarse una de las piezas musicales más representativas y patrióticas del folclor mexicano. Obras tan conocidas como esta no carecen de arreglos vocales y en esta ocasión escucharemos la versión realizada por Jorge Alejandro Salazar para la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! Caso similar es el de Guantanamera (1929), representativa de la música cubana. Con versos del poeta y político habanero José Martí (1835-1895), recordado héroe de la guerra de independencia cubana, y musicalizada por José ‘Joseíto’ Fernández 9 Díaz (1908-1979), es una de las canciones más patrióticas y simbólicas del país. Este arreglo también fue realizado por Jorge Alejandro Salazar. De las obras que pertenecen al repertorio latinoamericano escucharemos a Cantalicio Rojas (1896-1974) es uno de los compositores colombianos más prolíficos en géneros como el bambuco, el pasillo, el torbellino y el sanjuanero, entre otros. De él escucharemos el joropo sanjuanero El contrabandista (s. f.) en una versión para coro de Mauricio Rodríguez. Referencias Medellín, J. A. (2015). Agua. Edición especial para la Secretaría de Educación de Bogotá. Bogotá: Scoremusical. Recuperado de https://repositoriosed. educacionbogota.edu.co/bitstream/handle/001/1090/SED%20502. pdf?sequence=1&isAllowed=y Secretaría de Educación de Bogotá. (2022, septiembre 25). Canta, Bogotá, Canta. Conmemoración de los 10 años. [video]. Recuperado de https:// www.youtube.com/watch?v=XtOcftRffDY Secretaría de Educación de Bogotá. (2021, diciembre 3). Canta, Bogotá, Canta. 9° gran concierto, el reencuentro de nuestras voces. [video]. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=s60_bwbtRQY Angélica Daza. Maestra en música con énfasis en música antigua, obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora y conferencista de las charlas previas a los conciertos de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 10 Ave María (1600) Tomás Luis de Victoria (1548-1611) Texto: Anónimo Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum. Benedicta tu in mulieribus Et benedictus fructus ventris tui, Jesus Christus. Sancta Maria, mater Dei, Ora pro nobis peccatoribus, Nunc et in hora mortis nostrae. Amen. Dios te salve, María, llena eres de gracia. El Señor es contigo. Bendita tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre, Jesucristo. Santa María, madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén. Lluvia (2021) Marta Gómez Lluvia que baja, que viene y que va lluvia que limpia. Viento que baja, que viene y que va viento que alivia. Lluvia que limpia y que baila a la vez viento que alivia y que canta también. Siu lo baila sin parar Zoque canta a mis pies. Sol que me alumbra y calienta mi andar sol que me quema nube que vuela, que pasa y se va nube viajera. Sol que me alumbra y me quema también, nube que vuela y se llueve después, Sua no puede alumbrar, lo cubre Bahaoa. Y cuando llegue la noche, la luna saldrá a brillar Chia brilla en el cielo oscuro, Chia brilla en el cielo oscuro de la Za. 11 Laudate pueri Dominum (1837) Felix Mendelssohn (1809-1847) Texto: Anónimo Laudate, pueri Dominum, laudate nomen Domini. Sit nomen Domini benedictum, ex hoc nunc et usque in saeculum: a solis ortu usque ad occasum, laudabile nomen Domini. Alabad, siervos del Señor, alabad el nombre del Señor. Bendito sea el nombre del Señor, ahora y por siempre: de la salida del sol hasta su ocaso, alabado sea el nombre del Señor Letra a Nuestra Señora del Topo José Cascante (c. 1618-1702) No sé si topo, con la dicha que busco por vida mía. O soy un topo, o la halle, vive Cristo. Pues no sé cómo, Hoy de manos a boca di con María. Si hallo al buscar la gloria de pena un colmo con la dicha que busco no sé si topo. Mas si pena un amante, Dios amoroso, o tope con la gloria, o soy un topo. En María hallo penas, y en ella gozos, queréis ver de qué suerte, pues no sé cómo. Que en decir que quien ama, pena gozoso, y aplicado a María, no sé si topo. 12 Río (2015) Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Río, ¡oh río!, mi río que vas corriendo, riegas surcos, das vida al árbol, flores nuevas nacen por ti. Amaneces entre los valles y los pájaros te cantan. Río ¡oh río! mi río que vas corriendo, das burbujas sólo si te besa el aire, das sonidos al acariciar las piedras. Tus corrientes que se funden en los mares, riegan sueños de color en tus corales. Río mi río que vas corriendo, eres vida, eres alma, eres peces, eres plantas, cristalino invento de Dios remolinos que hacen danzas y arroyuelos de fragancias generoso flujo creador. No puedo pensar que llegasen a empañar, tu claro color, manchar tu esplendor, herir tus orillas, matar tu rocío. No puedo pensarlo, quisiera cuidarte mi río. Río mi río que vas corriendo. El contrabandista (s. f.) Cantalicio Rojas (1896-1974) En mi tierra tolimense hay una fiesta de honor. Es la fiesta sanjuanera que celebran con fervor, y allá van con alegría como lo manda mi Dios. Ya tenemos la lechona, ya se prende el parrandón, todos bailan el joropo, el bambuco y la canción, pero la danza la bailan parejas de dos en dos. Yo me voy para mi rancho a llevarle a mi mujer, una varita de pancho y la aguja de coser, hay que remendar el sayo, la camisa, el pantalón, darle de beber al bayo y afilar el azadón. El que quiera parrandear ha de tener capital una mujer con dos hijos y plata para gastar es la fiesta sanjuanera, es la fiesta del humor, al son de una guitarra, un tiple y un buen tambor. ¡Sí! 13 Cuando lejos, muy lejos (2015) Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) Texto: Julio Flórez (1867-1923) Cuando lejos muy lejos, en hondos mares, en lo mucho que sufro pienses a solas, si exhalas un suspiro por mis pesares, mándame ese suspiro sobre las olas. Cuando el sol con sus rayos desde el oriente rasgue las blondas gasas de las neblinas, si una oración murmuras por el ausente, deja que me la traigan las golondrinas. Cuando la tarde pierda sus tristes galas, y en cenizas se tornen las nubes rojas, mándame un beso ardiente sobre las alas de las brisas que juegan entre las hojas. Que yo, cuando la noche tienda su manto, yo, que llevo en el alma sus mudas huellas, te enviaré, con mis quejas, un dulce canto en la luz temblorosa de las estrellas. 14 Oigo voces (2017) Mauricio Arias (n. 1984) Paseando por las calles de mi ciudad, caminando por la plaza de mi pueblo, siento una ola grande de alegría y de perdón, siento una ola grande de amor y de compasión. Y por las grandes selvas de mi país, y por sus playas, ríos y lagunas, oigo voces hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. Oigo voces por aquí y oigo voces por allá. Oigo voces por allí y oigo voces por acá. Oigo voces por ahí… Voces se oyen en el viento, voces llegan hasta el alma, voces jóvenes se oyen, voces llenas de esperanza. Por las colinas y grandes nevados, páramos, bosques, ciénagas y pantanos, siento una ola grande de alegría y de perdón, siento una ola grande de amor y de compasión. Y por amplias llanuras y desiertos, por valles y montañas de agua fría, oigo voces hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. Cuando voy de paseo por las islas (e islotes), pasando por los puertos y bahías, siento voces llenas de paz y amor, hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. 15 Agua (2015) Jorge Alejandro Medellín (n. 1965) Agua, voy a cuidar muy bien el agua, el alimento de la vida, cantos de Dios en las montañas, agua pura, la sangre blanca de un gran corazón terrenal, que palpita adorando a la luna, poema azul de los paisajes. Agua, voy a cuidarte en mi barquito de papel, eres lágrima de la nube, gota a gota te vuelves río, tu silencio está en la laguna, y tú grito en el mar. México lindo y querido (s. f.) Jesús ‘Chucho’ Monge (1910-1964) Voz de la guitarra mía al despertar la mañana quiere cantar su alegría a mi tierra mexicana. Yo le canto a sus volcanes, a sus praderas y flores que son como talismanes del amor de mis amores. México lindo y querido si muero lejos de ti que digan que estoy dormido y que me traigan aquí. México lindo y querido si muero lejos de ti. Que me entierren en la sierra al pie de los magueyales y que me cubra esta tierra que es cuna de hombres cabales. 16 Domine fac me servum pacis tuae (2022) Juan Antonio Cuéllar Texto: San Francisco de Asís Domine, fac me servum pacis tuae. Ubi odium, amorem seram; ubi injuria, veniam; ubi dubium, fidem; ubi desperatio, spem; ubi caligo, lucem; ubi tristitiam, laetitiam. O Domine coelestis, concede mihi ut ne tam petam consolari quam consolare, intellegi quam intelligere, amari quam amare. Nam in dando recipimus, in ignoscendo ignoscimur, et in morendo ad vitam aeternam nascimur. Amen. Señor, hazme un instrumento de tu paz. Que a donde haya odio, lleve amor; a donde haya ofensa, perdón; a donde haya duda, fe; a donde haya desesperación, esperanza; a donde haya tinieblas, luz; a donde haya tristeza, alegría. Oh Dios celestial, concédeme no buscar tanto ser consolado, como consolar, ser comprendido, como comprender, ser amado, como amar. Porque es dando como se recibe, perdonando como se es perdonado, y muriendo como se nace a la vida eterna. Amén. Guantanamera (1929) José ‘Joseíto’ Fernández Díaz (1908-1979) Texto: José Martí (1853-1895) Guantanamera, guajira, guantanamera. Yo soy un hombre sincero de donde crece la palma y antes de morir yo quiero, cantar mis versos del alma. Cultivo una rosa blanca en junio como en enero para el amigo sincero que me da su mano franca. Guantanamera guajira, muchacha guajira del mar. 17 Dona nobis pacem de la Misa en si menor Johann Sebastian Bach (1685-1750) Texto: Anónimo Dona nobis pacem Concédenos la paz Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, dona nobis pacem Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, ten misericordia de nosotros. Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, ten misericordia de nosotros. Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, danos la paz. Mi país (2019) Jorge Alejandro Salazar Yo canto a mi país hecho de caña y mar yo canto a mi país de verdes valles y montañas. De mil colores soy hecho de lluvia y sol y mis campos son llenos de palmas, flores y cafetales. Colombia, yo soy Colombia. Colombia soy tu voz no más llanto, no más miedo Colombia soy tu voz libre quiero crecer. Yo canto a mi país Colombia. A Gaelic Blessing (1978) John Rutter (n. 1945) Deep peace of the running wave to you deep peace of the flowing air to you deep peace of the quiet earth to you deep peace of the shining stars to you deep peace of the gentle night to you Moon and stars pour their healing light on you. deep peace of Christ Of Christ the light of the world to you Deep peace of Christ to you Que la paz profunda de la ola que corre sea para ti, que la paz profunda del aire que fluye sea para ti, que la paz profunda de la tierra en silencio sea para ti, que la paz profunda de las estrellas brillantes sea para ti, que la paz profunda de la noche suave sea para ti. La luna y las estrellas derramen su luz curativa sobre ti, la paz profunda de Cristo, de Cristo la luz del mundo sea para ti, profunda paz de Cristo para ti. Traducciones a cargo de la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! 18 Juanita Lascarro (Colombia), soprano · Foto: Diana Karch TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Coral ¡Canta, Bogotá Canta!, ensamble vocal (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Holdan Silva, contrabajo (Colombia)

Programa de mano - Holdan Silva, contrabajo (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 20 de abril de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Saira Carolina Granados Barreto · PULEP: XCT374 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES HOLDAN SILVA (Colombia) contrabajo SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ALEXANDER ULLMAN, Piano • Foto. Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de mayo de 2023 2:00 p.m. 1 ACERCA DEL ARTISTA Holdan Silva, contrabajo Holdan tuvo sus primeros acercamientos a la música a los once años. Su curiosidad artística lo llevó a interactuar de manera autónoma con el bajo eléctrico y, a los dieciséis años, ingresó a la Fundación Nacional Batuta para iniciar sus estudios de contrabajo. Entre los reconocimientos que ha obtenido se destacan: ser becario de las clases magistrales y seleccionado en el programa Jóvenes Talentos, ambas actividades realizadas en el marco del Cartagena Music Festival en 2019, y ser seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República como solista y, como parte del Ensamble Kamaleón, en la Temporada Nacional de Conciertos 2023. Se desempeñó como contrabajista principal de la Banda Sinfónica de Cundinamarca en 2019, y como contrabajista de la Filarmónica Joven de Colombia en sus temporadas 2020 y 2022. Actualmente forma parte de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, entidad a la cual ha estado adscrito desde 2020, donde ha podido interactuar en sus distintas agrupaciones juveniles. Es egresado del programa de Estudios Musicales de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudió con Alexandr Sanko, además ha tomado clases magistrales con Jeff Bradetich, Alexis Scharff, Christoph Anacker y Johane Seijas. En este concierto actúa junto con la violonchelista María Elvira Hoyos Malagón y el pianista Francis Díaz. Conozca más acerca de Holdan Silva @hol23dan 2 PROGRAMA Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 (1824) Allegro Andante Allegro FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Arreglo para contrabajo y piano de Stuart Sankey (1927-2000) Reverie (1880) GIOVANNI BOTTESINI (1821-1889) Original para violonchelo y piano INTERMEDIO Concierto para contrabajo y orquesta, Op. 3 (1902) Allegro moderato Adagio Allegretto SERGEI KOUSSEVITZKY (1874-1951) Original para contrabajo y orquesta Arreglo para contrabajo y piano de Frederick Zimmermann (1906-1967) Meditación, Op. 34 (2004) AMPARO ÁNGEL (n. 1942) Para contrabajo y piano Dueto para violonchelo y contrabajo (1824) Allego Andante molto Allegro GIOACCHINO ROSSINI (1792-1868) 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez El contrabajo es un instrumento que, gracias a su versatilidad, acompaña diferentes tipos de formatos y estilos musicales y es empleado por gran cantidad de compositores que van en búsqueda de herramientas expresivas diversas. Por su parte, el repertorio solista para contrabajo históricamente se ha caracterizado por ser una mezcla de experimentación y apropiación de diversas tradiciones musicales. Así, pues, para consolidar un repertorio de concierto se hace necesario sumar a la música original para el instrumento adaptaciones y transcripciones de obras para otros formatos instrumentales. El concierto que hoy nos convoca es una clara muestra de esta tendencia, pues reúne adaptaciones de música para otros instrumentos, obras originales para contrabajo y experimentaciones con formatos instrumentales poco explorados, como es el caso del dueto para contrabajo y violonchelo. El resultado es una invitación a visitar una inesperada paleta de propuestas desde una inusual pero efectiva perspectiva sonora. Franz Schubert (1797-1828), Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 En 1823, Johann Georg Stauffer, de Viena, y Peter Teufelsdorfer, del norte de Budapest, presentaron sus versiones de una ‘guitarra de arco’. En ambos casos sus invenciones eran una hibridación de una viola da gamba y una guitarra; el instrumento tenía seis cuerdas afinadas de la misma manera que una guitarra y un diapasón con trastes metálicos; su cuerpo se asemejaba al de una viola da gamba o un violonchelo, pero sin las esquinas tan pronunciadas; quedaba, así, muy parecido a una guitarra que se interpretaría con la misma postura corporal que para un violonchelo. Dentro de los pocos intérpretes de este nuevo instrumento sobresalía Vincenz Schuster, para quien Schubert escribió, en 1824, la Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821. Casualmente, en este 2023 se celebran los doscientos años del surgimiento de una de estas controvertidas invenciones: el arpeggione. 4 Este nuevo instrumento tendría una vigencia bastante breve durante el siglo xix y solo sería reconocido como arpeggione hasta 1870, gracias al póstumo interés por la música instrumental de Schubert (Hayes y Fontana, 2001)1. Prácticamente desde entonces, la Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 ha sido adaptada con bastante regularidad a diversos instrumentos de cuerda; se han hecho adaptaciones particularmente para el violonchelo, la viola y, como lo veremos a continuación, para el contrabajo. Desde 1823, la aproximación de Schubert a la composición se caracterizó por una profunda reflexión y afán de trascendencia. Especialmente en sus obras instrumentales, buscó desarrollar al máximo sus estructuras formales, expandiendo el lenguaje armónico y tonal con gran sofisticación. Giovanni Bottesini (1821-1889), Reverie Giovanni Bottesini fue uno de los más prolíficos y reconocidos virtuosos itinerantes, quien, siguiendo la tendencia de Franz Liszt y Segismund Thalberg en el piano, o Niccolò Paganini y Henri Viextemps desde el violín, logró deslumbrar audiencias con su técnica y ser el primer virtuoso contrabajista reconocido intercontinentalmente. Uno de los problemas en la catalogación de las obras de Bottesini es la gran variedad de versiones de cada una de ellas. Debido a su constante actividad internacional, muchas fueron adaptadas repetidamente, y estas adaptaciones consistían en cambios para los formatos instrumentales, en las duraciones, en las tonalidades e incluso en los títulos (Ramírez, 2007). Reverie (Ensoñación) es una obra de carácter melancólico y sobrio compuesta en 1880, presumiblemente para violonchelo en su versión original. El carácter lírico de esta pieza permite exponer el gran potencial expresivo del contrabajo a través de un registro notablemente amplio; asimismo, el carácter vocal de la melodía abre un espacio de interacción con el piano para desarrollar un verdadero diálogo camerístico. 1 Para escuchar una versión de esta sonata en un arpeggione construido sobre el modelo de Stauffer de 1823, el lector puede acceder a la publicación del portal The Strad, disponible en https://www. thestrad.com/video/schuberts-arpeggione-sonata-played-on-arpeggione/9012.article 5 Serge Koussevitzky (1874-1951), Concierto para contrabajo y orquesta, Op. 3 Koussevitzky es considerado una de las personalidades más influyentes para el desarrollo de la música sinfónica de inicios del siglo xx. Como director de orquesta fue una referencia internacional de amplio reconocimiento, y particularmente junto a la Orquesta Sinfónica de Boston, entre 1924 y 1949, consolidó una de las instituciones más estables tanto artística como económicamente a nivel mundial. Adicionalmente a su extensa labor como director, Koussevitzky desarrolló un programa de mecenazgo artístico a través de la Fundación Musical Koussevitzky2, la cual ha apoyado desde sus inicios la creación de nuevas composiciones a través de un generoso y constante programa de comisiones. Algunas de las obras que fueron comisionadas por esta fundación son la ópera Peter Grimes de Benjamin Britten, el Concierto para orquesta de Béla Bartók, la Oda para orquesta de Igor Stravinsky, y Turangalila de Olivier Messiaen; este listado sigue creciendo continuamente y ha ayudado a la gestación de obras que han marcado hitos en la historia de la música desde 1942. En lo referente al contrabajo, Koussevitzky también ocupó un lugar trascendental. Antes de consolidarse como director fue un prodigioso contrabajista, quien antes de cumplir veinte años ya había ingresado a la Orquesta del Teatro Imperial Bolshoi, donde posteriormente ocupó el puesto de primer contrabajo y solista. Entre 1898 y 1905, Koussevitzky mantuvo una intensa carrera como solista en las más importantes ciudades europeas; en varios de sus conciertos incluyó obras originales para contrabajo y también transcripciones de obras de famosos compositores, como Bach, Beethoven, Händel y Mozart, entre otros. En 1902, compuso cuatro piezas de salón para contrabajo y piano que han sido parte fundamental del repertorio de conciertos para contrabajo desde entonces; posteriormente, en 1903, con la ayuda de Reinhold Gliere finalizó su Concierto para contrabajo, Op. 3. Sus cuatro obras para contrabajo y piano, así como su Concierto en versión para contrabajo y piano fueron incluidas regularmente en las presentaciones de Koussevitzky como solista; de hecho, en algunas ocasiones incluyó en sus programas solo uno de los movimientos del concierto, para ser interpretado con acompañamiento de piano (Kohn, 2017). 2 Para conocer más sobre la Fundación Musical Koussevitzky, puede visitar https://www. koussevitzky.org 6 Amparo Ángel (n. 1942), Meditación para contrabajo y piano, Op. 34 La Temporada Nacional de Conciertos 2022 del Banco de la República cerró con una conjunción de eventos muy especiales: dentro de la serie Retratos de un compositor se celebró la vida y obra de Amparo Ángel mediante un concierto monográfico antecedido por un conversatorio con la compositora3. A través de los años, Ángel ha logrado decantar una estética compositiva muy personal a la luz de la tradición neoclásica y neorromántica. Con una postura reflexiva y renovadoramente creativa, la obra de Ángel se caracteriza por una sonoridad de intenso lirismo y visceral poder expresivo canalizado a través del desenvolvimiento orgánico de sus formas musicales; en cada una de sus obras es evidente la atención que brinda a la coherencia con la cual se desarrolla su discurso musical, sin traicionar la efectividad de su intención expresiva4. La Meditación para contrabajo y piano, Op. 34 fue compuesta en 2011; surgió a partir de la exploración de la riqueza de combinaciones tímbricas brindadas por este formato instrumental y sucumbe frente al potencial lírico de las líneas melódicas que puede proyectar el contrabajo. La obra inicia con un material recitativo para el contrabajo, que progresiva e insistentemente alterna con el piano, para desembocar en una sección donde el lirismo y la intensidad rítmica de ambos instrumentos se entrecruzan. Después de una sección central que se debate entre apasionadas acumulaciones motívicas, la obra retorna al material inicial, ahora afectado por la memoria de las vicisitudes narrativas que la han precedido. 3 Adicionalmente al concierto y el conversatorio, se llevó a cabo una producción discográfica, dentro de la misma serie Retratos de un compositor, sobre el mismo repertorio presentado en el concierto; la producción será publicada próximamente. Para ver la grabación del concierto y a la entrevista con la compositora, puede acceder a los siguientes vínculos del canal oficial del Banco de la República: concierto La Música de Amparo Ángel, disponible en https://youtu.be/ PajbolObmZo, y entrevista Un encuentro con Amparo Ángel, disponible en https://youtu.be/ Xgle6JnBTnI 4 Para conocer más sobre la vida y obra de Amparo Ángel, el lector puede acceder a la página oficial de la compositora en https://www.amparoangelcompositora.com 7 Gioachino Rossini (1792-1868), Dueto en re mayor para contrabajo y violonchelo Rossini fue uno de los compositores más reconocidos y exitosos en su época. Si bien es innegable que Mozart y Beethoven ocupan un lugar fundamental en la historia de la música, su reconocimiento en vida y la estabilidad económica derivada de la composición musical no podrían ser comparados con las ganancias de Rossini, ya que, además de la ópera, este compuso música instrumental para ocasiones y personajes muy específicos. En lo concerniente al contrabajo, Rossini lo incluyó en tres obras de cámara: una colección de seis sonatas tempranas para un cuarteto de cuerda conformado por dos violines, violonchelo y contrabajo; Une larme, obra tardía para contrabajo y piano, compuesta para sus conciertos privados en París alrededor de 1858, y la obra que nos convoca hoy, el Dueto para violonchelo y contrabajo, compuesto en Londres en 1824. El Dueto fue comisionado por el violonchelista aficionado Sir David Salomons, quien lo interpretaría en un concierto privado acompañado por el virtuoso contrabajista Domenico Dragonetti. Desde su estreno, esta obra ha sido una de las joyas de la música de cámara para contrabajo. En cada movimiento, ambos instrumentos alternan sus papeles protagónicos para desplegar una impresionante gama de variaciones expresivas; podría decirse que es, literalmente, una ópera cómica narrada desde esta inusual pero efectiva combinación de solistas. Referencias Hayes, G., y Fontana, E. (2001). Arpeggione. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com Kohn, A. (2017). Koussevitzky’s Double Bass Repertoire: A Reassessment. The Online Journal of Bass Research. Recuperado de https://www.ojbr. com/9-1.asp Ramírez J. (2007). Musical Borrowings in the Music for Double Bass by Giovanni Bottesini: A Reconsideration Beyond the Operatic Paraphrases (Tesis doctoral). University of Cincinnati, Cincinnati, EE. UU. The Strad. (2019). Schubert’s Arpeggione Sonata Played on Arpeggione. Recuperado de https://www.thestrad.com 8 Jaime Ramírez Castilla está vinculado actualmente como profesor en la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar diversos proyectos artísticos. 9 Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres - Roots Drums Photo Concierto de Lizeth Vega (Colombia), cantante Jueves 27 de abril de 2023 6:30 p.m. PULEP: DLT554 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo de 2023 6:30 p.m. PULEP: LEG741 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Quinteto Talim, (Estados Unidos), música tradicional india • Foto: Edward Rossel • PULEP: UDP492 TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023
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Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 4 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Banco de la República · PULEP: LEG741 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JÓVENES COMPOSITORES 2022 ENSAMBLE CG (Colombia) música contemporánea Jóvenes Compositores 2023 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea • Ilustración: Kilka Diseño Gráfico SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ¡Convocatoria Jóvenes Compositores 2023! 1 ACERCA DE LOS COMPOSITORES JUAN POSADA LONDOÑO Juan Posada es un compositor y pianista nacido en Bogotá el 15 de junio de 2005. En el año 2015 ingresó a la academia de la pianista tunjana Ruby Salamanca, donde realizó varios conciertos como solista con un repertorio clásico. En 2018 viajó a la ciudad de Viena, lugar en el que recibió clases de composición con la pianista y compositora Arnič Blaženka-Lemež. A partir de ahí, decidió ingresar a la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde actualmente recibe clases con la maestra Oxana Viritch y el maestro Juan Carlos Britto Suárez. En 2019 participó en la categoría 'Solo nivel avanzado' en el concurso Carmel Klavier Latinoamérica. En junio de ese mismo año realizó un recital en el auditorio Otto de Greiff, donde interpretó un repertorio de compositores reconocidos y de sus propias composiciones para piano. Ha escrito obras para diversos formatos instrumentales, entre ellas tres obras orquestales: Égloga (2021), Bienvenidos al Antropoceno (2022) e Intemperies (2022). Cuenta, además, con varias obras como Cíclicas (2020), su ciclo de canciones sobre poemas japoneses Haiku (2021), su obra para ensamble mixto El aire suspendido (2022) y su trío con piano encargado por Juan Carlos Britto en nombre de la Pontificia Universidad Javeriana Trío impetuoso (2021). SERGIO HUGO ORTIZ ACOSTA Se graduó como Maestro en Música con énfasis en composición en la Universidad El Bosque, de la mano de los compositores Daniel Alberto Álvarez y Carlos Gonzalo Guzmán Muñoz. Fue invitado a participar en el Primer Festival Internacional de Música de Cámara realizado en 2019 por la Universidad El Bosque, donde tuvo la oportunidad de estrenar su obra Suite for the Scarlet Moon. Desde el año 2018 se ha dedicado a la exploración y composición de música contemporánea en diversos formatos, desde los nuevos medios (música electrónica académica y música electroacústica) hasta formatos mixtos (formatos de cámara combinados con formatos electroacústicos o electrónicos) y de música de cámara. Su conocimiento compositivo ha estado presente en el desarrollo de composiciones producto de investigaciones 2 relacionadas con el pluriestilismo, la composición asistida por ordenador, el espectralismo, y la discursividad entre lo instrumental y lo electrónico. JUAN SEBASTIÁN TORO Compositor colombiano nacido en Bogotá en 1996. Comenzó sus estudios musicales con la guitarra eléctrica en el programa de iniciación de la Universidad de los Andes. Posteriormente, cursó el preuniversitario de la Escuela EMMAT y luego estudió composición de música popular brasileira bajo la dirección de Hudson Nogueira en el Conservatorio de Tatuí, en Brasil. Terminó sus estudios de pregrado en 2021 en la Universidad Nacional de Colombia bajo la tutoría de Gustavo Parra, y tuvo una preparación previa con Harold Vásquez, Moisès Bertran y Jorge Pinzón. Estudió teoría bajo la dirección de Alena Kratsutskaya y piano con Piedad Pérez. Actualmente, está terminando su segunda carrera en Filosofía, en la misma universidad y se prepara para presentar audición en un programa de maestría en Francia. TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas es candidato a doctor en composición instrumental en la Universidad de Montreal (Canadá). Sus obras han sido interpretadas por la Orquesta de la Universidad de Montreal, NEM, Pentaèdre, EMC, Taller Sonoro, EMCUC, Periscopio, y por artistas de la talla de Javier Vinasco, Juan Carlos Higuita, Jhoser Salazar, Kimihiro Yasaka y Darko Dimitrijevic. Ha sido seleccionado en concursos de composición organizados por el Ensamble CG (Colombia), el Quatuor Cobalt (Montreal), el Vivier InterUniversitaire (Montreal), el Círculo de Composición de la Universidad de Montreal y el Ensamble NEO (Argentina). Ha sido becario de múltiples instituciones nacionales y extranjeras, entre ellas el OICRM (Montreal), la Facultad de Música de la Universidad de Montreal, Idartes (Bogotá), Ibermusicas (Iberoamérica), el Ministerio de Cultura de Colombia y la Universidad EAFIT (Medellín). Ha recibido clases privadas con Mario Gómez-Vignes, Rodolfo Acosta, Ana Sokolovic, Marco Alunno, Leonardo Coral y Andrés Posada, y fue seleccionado como estudiante activo en clases maestras con Marcos Franciosi, Fabián Panisello, Dorothy Chang, Javier Álvarez, Damián Ponce de León, Jocelyn Morlock, Leon Gurvitch, Hannah Lash, Snežana Nesic, entre otros. 3 ACERCA DEL ENSAMBLE ENSAMBLE CG, música contemporánea Juan Carlos Higuita, violín; Jose Gómez, clarinete; Diego García, violonchelo; Claudia Mejía, oboe; Santiago Velásquez, piano; Hernán Darío Guzmán, fagot; Carlos Parra, viola. El Ensamble CG fue fundado por Rodolfo Acosta R. en 1995 y desde entonces ha presentado más de 250 obras vocales, instrumentales, electroacústicas y mixtas, de compositores de todas las latitudes, buena parte de ellas como estrenos absolutos o locales. Estas presentaciones se han dado en espacios tales como la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango (Colombia), la Sala Zitarrosa (Uruguay), el Teatro Auditorium (Argentina), el CASPM (Venezuela), la Sala Isidora Zegers (Chile) o el Erich Kästner Halle (Alemania), entre muchos otros, como parte de festivales y ciclos especializados como el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, el Festival Latinoamericano de Música de Caracas, el Núcleo Música Nueva de Montevideo y los Donaueschinger Musiktage, etc. Entre apoyos recientes, las convocatorias de Ibermúsicas 2021 y 2022 brindaron recursos a la agrupación para estrenar obras premiadas en el concurso de composición de esta institución. RODOLFO ACOSTA, director Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea) y director del Ensamble CG. Sus composiciones han sido presentadas en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia. Lleva tres décadas desempeñándose como improvisador, intérprete, gestor y profesor en tres continentes. Sus escritos han sido publicados en diferentes medios físicos y virtuales. 4 PROGRAMA Dilatante (2021) JUAN SEBASTIÁN TORO (n. 1996) Para clarinete, fagot y piano Trío impetuoso (2021) Música ficta Música vera Música instrumentalis JUAN POSADA LONDOÑO (n. 2005) Para violín, violonchelo y piano INTERMEDIO Una cierta irregularidad (2021) TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Para clarinete, fagot, violonchelo y piano Observatorium naturalis (2021) Valle del Cauca Boyacá Sucre SERGIO HUGO ORTIZ (n. 1995) Para oboe, clarinete, fagot, violín, viola y violonchelo 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria En el concierto de hoy se estrenan cuatro obras del programa Jóvenes compositores del Banco de la República, orientado a estimular la creación musical. En la presentación de la convocatoria se expresa: ‘En el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados’ (Banco de la República, 2022). Esos espacios de los que habla la convocatoria incluyen, en el caso de la música, opciones para sus principales procesos: componer, interpretar y escuchar. Hoy confluyen estos tres procesos y, particularmente, el de escuchar —fundamental en un concierto— nos induce a pensar en su naturaleza. Viene en nuestra ayuda el compositor Aaron Copland (1900-1990), autor del muy conocido texto Cómo escuchar la música (1955), quien, en sus conferencias en la Universidad de Harvard, en 1952, razonó sobre el escuchar: Escuchar es un talento y, como cualquier otro talento o don, lo poseemos en distintos grados. He observado entre los melómanos una marcada tendencia a subestimar y desconfiar de este talento, más que a sobreestimarlo. La razón de estos sentimientos de inferioridad es difícil de determinar. Puesto que no existe una forma fiable de medir el don de la escucha, tampoco existe una forma fiable de tranquilizar a quienes se juzgan mal a sí mismos. Debo decir que hay dos requisitos principales para una escucha talentosa: en primer lugar, la capacidad de abrirse a la experiencia musical; y, en segundo lugar, la capacidad de evaluar críticamente esa experiencia. Ninguna de las dos es posible sin un cierto don natural. Escuchar implica un cierto talento innato que, como cualquier otro talento, puede entrenarse y desarrollarse. Este talento tiene una cierta “pureza”. Lo ejercitamos, por así decirlo, sólo para nosotros mismos; no hay nada que obtener de él en un sentido material. Escuchar es su propia recompensa; no hay premios que ganar, ni concursos de escucha creativa. Pero, considero afortunada a la persona que posee ese don, porque hay pocos placeres más grandes en el arte que la sensación segura de que uno puede reconocer la belleza cuando se encuentra con ella (Copland, 1980, p.8). La propuesta para esta noche es precisamente la de «abrirse a la experiencia musical» y luego, siguiendo la sugerencia de Copland, «evaluar críticamente», para lo cual, entendiendo que la música es un arte social y la escucha colectiva hace parte de su ritual, podremos comentar con otros 6 y reflexionar sobre lo que hemos escuchado. Es muy posible que hoy nos encontremos con la belleza. El concierto se inicia con una obra que sigue la tradición de aquellos compositores que se han aventurado a crear sistemas de composición propios, con ejemplos emblemáticos en la historia de la música occidental como Arnold Schoenberg u Olivier Messiaen. En el caso de Dilatante, Juan Sebastián Toro (n. 1996) comenta sobre su motivación: Dilatante es un experimento práctico de un sistema de composición que estoy poniendo a prueba: la “tonalidad” conceptual. La idea, en general, es crear un campo jerárquico —como es el caso de la tonalidad— que en vez de alturas tenga por material los conceptos. Es así como del concepto de dilatación nace esta obra: una primera parte que dilata un material originario, y una segunda que lo contrae. Como todo experimento, está expuesto al acierto o al fracaso (Toro, 2022). En la práctica, los elementos centrales son fundamentalmente los fenómenos sonoros, “objetos” que se muestran con una identidad respectiva (es decir que se escuchan como diferentes a otros). Estos pueden ser identificados en cada momento bajo la influencia de materiales usuales en la música: armonía, ritmo y orquestación, sobre todo. Su estructura tiene dos partes: una “dilatante” y otra “contractante”; partiendo cada una de un “estado original” y de su dilatación o contracción. El compositor aspira a que el oyente se deje llevar por el mundo que propone, por sus objetos y sus leyes naturales. Y enfatiza: «no importa realmente si se entienden o no, eso es problema de los científicos» (Toro, 2022). La siguiente obra es Trío impetuoso, del compositor más joven de los seleccionados para el programa, Juan Posada (n. 2005), quien nos ilustra sobre su obra: Recibe su nombre gracias al carácter que tiene y a la manera en la que su material básico es desarrollado. Se trabaja el concepto del “ímpetu” visto como una fuerza extra musical que incita a la violencia y el brío con el que el discurso de la obra se lleva a cabo en las diferentes capas que componen la totalidad de la obra (ritmo, armonía, textura y contrapunto). La curva dramática siempre apunta hacia arriba, nunca decrece, mantiene una acumulación constante de tensión. Podría decir que la música por momentos llega a ser grotesca, incluso erótica… (Posada, 2022). Posada señala que los títulos de los movimientos están directamente relacionados con su contenido: Música ficta, «por las alteraciones e inflexiones añadidas para dar más color al lenguaje armónico»; Música vera, dado que «no hay alteraciones o inflexiones que le den colores característicos y 7 predominan sonoridades estables (como quintas, sextas y terceras)»; y Música instrumentalis, referencia un discurso «que funciona como un mecanismo defectuoso, un juego de piñones que trabaja hasta que la máquina colapsa y se funde en un clímax violento» (Posada, 2022). Sugiere el compositor prestar atención al gesto melódico sobre el que se construyó toda la obra, aparece en el inicio y consta de tres notas cortas ascendentes que se dirigen a una nota larga. La pandemia con sus innumerables impactos en la sociedad global tiene un protagonismo esencial en Una cierta irregularidad. Tomás Díaz (n. 1990) indica: «ver y experimentar el ritmo espasmódico que la crisis sanitaria y el consiguiente confinamiento introdujeron en nuestra vida: he ahí el sustrato emotivo de una cierta irregularidad». Esta motivación se lleva a cabo en la música enfocada esencialmente en el ritmo y las expectativas sobre su flujo y su continuidad: Una cierta irregularidad reposa sobre la búsqueda de diversas manifestaciones de irregularidad rítmica. Por ejemplo, la primera sección se caracteriza por el uso estructural de silencios interpolados, lo que —sumado a la continua y sutil modificación de las entidades musicales protagonistas, de su concatenación y del fraseo— pretende en el oyente una reconfiguración constante de sus expectativas (Díaz, 2022). Adicionalmente, otros parámetros musicales como la articulación, la dinámica y la textura también son afectados por esa irregularidad rítmica. En cuanto a su audición, el compositor advierte: «la obra no es programática». El interés auditivo «debería desprenderse de la percepción de aspectos como: relación dinamismo-estaticidad, transformación motívica, texturas (flotantes, saturadas o dispersas, constituidas de iteraciones o de notas sostenidas), contrastes (de tempo, material motívico, ritmo, textura)» Y agrega: «tal como la pandemia, la obra concluye con un signo de interrogación» (Díaz, 2022). Observatorium naturalis, de Sergio Ortiz (n. 1995), se relaciona con la naturaleza: La obra fue compuesta como una celebración y un acto de contemplación de la fauna y flora colombianas. La inspiración para su creación fue la de retratar tres paisajes sonoros naturales de distintos departamentos del país, se incluyeron: Valle del Cauca, Boyacá y Sucre, elegidos por la gran biodiversidad de distintas especies de animales (en especial de aves) y la gran riqueza acústica que interactúa simbióticamente en dichas zonas (Ortiz, 2022). 8 Su realización partió del análisis de grabaciones de paisajes sonoros de las regiones seleccionadas, obtenidas en la web del Instituto de Investigación de recursos biológicos Alexander von Humboldt1, y hace parte de la reflexión actual sobre la imperativa toma de conciencia de la calidad de nuestra relación con la naturaleza. Tiene influencia de compositores franceses como Tristan Murail, Gerard Grissey y Olivier Messiaen, y de Murray Schafer, canadiense, y Toru Takemitsu, japonés. Los elementos musicales claves en la pieza son las texturas, los gestos instrumentales y sus desarrollos que, como expresa el compositor, evocan los fenómenos naturales, “espontáneos” que ocurren en los ecosistemas mencionados. Por tanto, para su audición la invitación es atender a los sonidos sin tratar de ser analíticos, sin buscar un sentido: escuchar de manera contemplativa, de la misma manera que lo hacemos cuando apreciamos la naturaleza (Ortiz, 2022). Para finalizar, es importante mencionar que los jóvenes seleccionados tuvieron la oportunidad de interactuar con los compositores Rodolfo Acosta y Luis Fernando Franco, «[en sesiones] donde hacíamos las respectivas correcciones a las partituras de las obras según sus observaciones […] y discutíamos temáticas que eran propuestas por nosotros, y entre todos complementábamos nuestras ideas para llegar a una conclusión colectiva» (Posada, 2022). El impacto de este acompañamiento es indudable, como lo subraya Posada: «este tipo de espacios de conversación, en combinación con el espíritu de trabajo colectivo y el apetito tan voraz de aprender y enriquecer nuestros procesos como compositores hizo que mi visión respecto a la composición y la música en general cambiara por completo» (2022). Referencias: Banco de la República. (2022). Convocatoria Jóvenes Compositores 2022. https://www.banrepcultural.org/programas/jovenes-compositores/ convocatoria-2022 Copland, A. (1980). Music and imagination. The Charles Norton Lectures. Harvard University Press. Díaz, T. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. 1 www.humboldt.org.co 9 Ortiz, S. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Posada, J. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Guillermo Gaviria. Es educador y compositor. Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana. Inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980 y su labor educativa y gestión académica impulsaron la creación del Departamento de Música en 1990, la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y la Facultad de Artes en 1995. Ha sido colaborador del Banco de la República desde 1985. 10 Quinteto Vástago, quinteto de madera · Foto: Laura Daniela Muñoz González TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 27 de abril de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres · PULEP: DLT554 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LIZETH VEGA (Colombia) cantante SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ALEXANDER ULLMAN, Piano • Foto. Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de mayo de 2023 2:00 p.m. 1 ACERCA DE LA INTÉRPRETE Lizeth Vega, cantante Nació en Yopal, Casanare. Es, además de comunicadora social, licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional. Cuenta con una amplia trayectoria como cantautora, destacándose los trabajos discográficos El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015) que dan cuenta de su versatilidad artística. Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se destacan el premio a mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana Ciudad de Cajicá en 2021, ser seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la Republica y el primer lugar en la categoría Solista vocal en el Concurso Nacional del Bambuco en 2020. Asimismo, Lizeth ha recibido galardones en el marco de diferentes certámenes como el Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja, Festival Antioquia le canta a Colombia, Torneo Internacional del Joropo, Festival Hatoviejo Cotrafa, y 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada. Como compositora Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos entre los que se destacan los primeros puestos por sus bambucos inéditos Tengo tu amor en el Festival Nacional Mangostino de Oro en 2022 y Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Musical Jorge Villamil Cordovez en 2021; por sus danzas inéditas Limosnas en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana Ciudad de Cajicá y Yo no soy tu amiga, en el marco del 45º Festival Antioquia le Canta a Colombia en 2020, y por su pasillo inédito Holocausto de amor en el Festival Nacional Antioquia le Canta a Colombia realizado en Medellín en 2022. Asimismo, fue ganadora del premio de composición en el marco del proyecto de formación musical de la Orquesta Filarmónica de Bogotá con las obras Guabinita viajera y Soy colombiano en 2021. 2 PROGRAMA Tierra de canto y poesía (2020) LIZETH VIVIANA VEGA (n. 1994) Limosnas (2021) Camino y tarde (s. f.)* ARTURO HENAO (s. f.) LUIS CARLOS GONZÁLEZ (1908-1985) Una copa (s. f.)* ÁLVARO DALMAR (1917-1999) Flamita de amor (s. f.)* DORIS ZAPATA LONDOÑO (n. 1958) INTERMEDIO Mujer, niña y amiga (1966)** ROBUSTIANO FIGUEROA (n. 1943) El último café (1963)** HÉCTOR STAMPONI (1916-1997) Jamás impedirás (s. f.)** JOSÉ ESCAJADILLO (n. 1942) Nostalgia (s. f.)** Añoranza de un llanero (2020) LIZETH VIVIANA VEGA Señor Jou (1977)*** PABLO CAMACARO (n. 1947) Ah llano pa’ ser bonito (2016)*** YESID BENITES (n. 1963) * Arregladas para voz, piano, tiple y contrabajo por David Ocampo Ciro (n. 1996) ** Arregladas para voz, piano, guitarra y contrabajo por David Ocampo Ciro *** Arregladas para voz, piano, cuatro y contrabajo por David Ocampo Ciro 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein La riqueza escondida de la canción colombiana Es común escuchar chistes y estereotipos sobre la falta de identidad cultural que aqueja a la sociedad colombiana. En los años setenta, por ejemplo, se decía que la identidad colombiana se podía dividir en tres categorías, todas correspondientes a las tres clases sociales del país: la clase alta se creía inglesa o francesa, mientras que la clase media se creía estadounidense y la clase baja se creía mexicana. Aunque todo estereotipo siempre corre el riesgo de dejar por fuera zonas grises, no hay que ir muy lejos para reconocer que la sociedad colombiana todavía carga un pesado lastre colonial, el cual se manifiesta en un amor desmedido por lo extranjero. En términos musicales, este fenómeno se ha traducido hoy en una popularidad inédita de la música puertorriqueña y anglosajona, por sobre la música colombiana, cuya presencia en ciertos ámbitos es débil. La gran paradoja de esta realidad cultural, y su símbolo más fehaciente es el bambuco, una manifestación musical que gozó del rótulo de ‘patrimonio común y común denominador de la raza colombiana, pedazo de la patria hecho música’1. Hay que hablar de una paradoja, efectivamente, porque es raro encontrar un país que descuide un género que anteriormente era considerado como su principal símbolo musical. En este contexto, es imperativo apoyar y divulgar toda iniciativa que esté encaminada en resucitar el amor hacia lo propio y resaltar todos los aportes que la cultura nacional pueden otorgarle a una nación tan dolida. Si bien es cierto que la globalización ha desdibujado las fronteras nacionales, las naciones todavía existen, no solo como ‘comunidades imaginadas’ sino como realidades culturales, políticas y económicas que nos afectan a todos. En efecto, una nación que desprecia lo propio es una nación que está condenada a la explotación extranjera y a la desarticulación de su sociedad. Por este motivo, la identidad cultural es un lazo poderoso capaz como ningún otro de unir a la 1 José Ignacio Perdomo Escobar, Historia de la música en Colombia, 3ª ed. (Bogotá: Editorial ABC, 1963), 263-264. 4 comunidad y fortalecer todo aquello que percibimos como común. Y es en lo común donde reside la esencia de una nación, cuya supervivencia es imposible si no se tiene amor hacia todo aquello que nos une. Pues bien, el concierto de hoy es precisamente uno de esos eventos encaminados a gozar de lo propio y valorarlo, no tanto como una reliquia del pasado, sino como una manifestación que sigue viva gracias al talento y el esfuerzo de una artista que se rehúsa a dejar que el patrimonio musical colombiano se muera por indiferencia. Se trata, en efecto, de una ocasión especial que nos da hoy la oportunidad de sacar a relucir la enorme riqueza que posee la música latinoamericana. El programa de hoy Tierra de canto y poesía (2020) y Limosnas (2021), Lizeth Viviana Vega (n. 1994) Con títulos muy sugestivos, estas canciones fueron ganadoras de dos concursos, el Concurso Nacional de Composición Jorge Villamil Cordobés (Huila) y el XVIII Concurso de Duetos y Música Andina Colombiana (Cajicá). La primera está apoyada en un ritmo de bambuco y la segunda en ritmo de danza, pero ambas están adornadas por armonías que invitan a la nostalgia. Es de notar que la escritura melódica es memorable, por lo cual ambas obras tienen el potencial de convertirse en himnos en homenaje a la identidad nacional colombiana. También es fácil ver por qué fueron premiadas, pues, en la segunda, su compositora nos presenta un ingenioso lamento enmarcado en la analogía de la limosna como símbolo de desamor o de un cariño desapasionado y pronto a desaparecer. Si bien el desamor es un tema bien conocido, también es cierto que su presencia en la vida –y, por ende, en el arte– jamás pierde vigencia. Camino y tarde (s. f.), Arturo Henao (1914–1978) y Luis Carlos González (1908–1985) También en ritmo de bambuco, esta obra forma parte del repertorio estándar de las agrupaciones que hoy mantienen viva la canción colombiana. En cuanto a su texto, es de notar que el tema del amor vuelve a ser protagonista, pero este se entremezcla con alusiones muy románticas al entorno rural colombiano, lo cual trae a la mente obras literarias como Manuela (1856) de Eugenio Díaz y la inolvidable María (1867) de Jorge Isaacs. 5 Una copa (s. f.), Álvaro Dalmar (1917–1999) Al igual que la anterior, perteneciente al repertorio estándar de la canción colombiana; esta obra está en ritmo de vals y su tema central es, de nuevo, el siempre vigente desamor: hacia una persona, pero también hacia un mundo cada vez más carente del sentimiento. Aunque el vals no es colombiano, es preciso mencionar que su llegada al país en el siglo xix se tradujo en el nacimiento de una versión nacional, sincrética, del famoso baile europeo, muy controversial en su tiempo por el contacto físico que se permitía en las salas de baile. Hoy, más de cien años después, la popularidad inédita del reguetón trae a la mente esta frase de Carlos Marx: «la historia se repite ‘primero como tragedia y luego como farsa’» (2005, p. 1). Flamita de amor (2020), Doris Zapata Londoño (n. 1958) Escrita en ritmo de pasillo, esta canción fue premiada con el primer lugar del Festival Nacional del Pasillo Colombiano. Nuevamente gira al rededor del desamor, no obstante, hay que resaltar cómo se presenta por medio de metáforas poéticas que a duras penas se encuentran en la música comercial actual, cuyos mensajes de cortejo están casi del todo despojados de un romanticismo poco compatible con una sociedad cada vez menos idealista y cada vez más materialista. En este sentido, la poesía y el amor madurado de esta canción se nos revela como un soplo de nostalgia –un tipo de romance cada vez más ausente en la actualidad. Mujer niña y amiga (1966), Robustiano Figueroa (n. 1943) En términos de amor romántico, pocas canciones latinoamericanas del siglo xx lo capturan tan bien en su texto como esta obra. Escrita en ritmo de zamba2, la canción lo resume todo en esta estrofa: Cuando llegue el día, hallarte aquí a mi lado; déjame soñarlo, sé que esto no es cierto, porque lo cierto apenas son instantes, vivir de sueños es lo verdadero. Para los poco diestros en el amor, estas palabras traen a la mente al escritor francés Marcel Proust, quien en su obra maestra En busca del tiempo perdido 2 Zamba es un término que, compartiendo la misma raíz que la ‘samba’, da cuenta de la mezcla entre lo indígena y lo africano, muy propio de la configuración étnica de países como Brasil. 6 (1913) nos recuerda que todo es finito, excepto nuestras ilusiones y sueños, únicos capaces de aspirar a la eternidad. El último café (1963), Héctor Stamponi (1916 – 1997) Desde luego, ningún concierto de música latinoamericana podría pasar por alto el tango, esta vez representado por un clásico cuyo título habla por sí mismo. Hay que resaltar que esta conocida canción también salió a la luz gracias a un certamen, el I Festival Odol de la Canción, celebrado en 1963. Aunque el dato pareciera irrelevante, es un recordatorio, como muchos, de que hay manifestaciones culturales que solo vivirán y solo podrán aspirar a la eternidad si la sociedad les abre espacios, más allá del espacio puramente comercial de la economía de mercado. Jamás impedirás (s. f.) y Nostalgia (s. f.), José Escajadillo (n. 1942) Provenientes de tierras peruanas, estas dos canciones ampliamente conocidas son de autoría de un compositor con un perfil inusual, pues su interés inicial estaba en el fútbol (considerado, como muchos deportes, la antítesis del arte romántico). Más allá de sus temas, de nuevo enmarcados en el amor, es de notar que las dos canciones formaron parte de una iniciativa fuertemente nacionalista de su autor, quien también se empeñó en escribir marchas militares y todo un repertorio de música patriótica para su país natal. Un ejemplo, como muchos otros, de cómo la música es una herramienta indispensable en la construcción de toda nación. Añoranza de un llanero (2021), Lizeth Viviana Vega (n. 1994) De regreso a tierras colombianas, esta canción evoca los llanos, pues está escrita en ritmo de pasaje llanero, tradicionalmente relacionado con música de carácter sentimental y poético. Si bien la canción, excepcionalmente, no participó en concurso alguno, su autora la considera una parte esencial de su repertorio, pues, según ella, su «sentido de pertenencia» con el llano, «su música y su cultura» es fuerte (Vega, 2022). 7 Señor Jou (1977), Pablo Camacaro (n. 1947) Ah llano pa’ ser bonito (2016), Yesid Benites (n. 1963) De manera apropiada, los llanos vuelven a ser protagonistas para finalizar el concierto con estas dos canciones, la primera venezolana y la segunda colombiana. Aunque las fronteras las separan, su similitud cultural las une, evidenciando una vez más cómo el arte puede hacer todo aquello que la política no. Así mismo, la temática de ambas canciones es esencialmente la misma: una celebración de la vida y una exaltación del llano, puesto que en su paisaje natural podemos encontrar la inspiración y la felicidad que los paisajes de concreto, importados de culturas e ideales foráneos, jamás nos podrán dar. REFERENCIAS Anderson, B. (2021). Comunidades imaginadas, 2ª ed. Ciudad de México: Fondo de Cultura Económica. Marx, K. (2005). The Eighteenth Brumaire of Louis Bonaparte. New York: Mondial. Perdomo, J. I. (1963). Historia de la música en Colombia, 3ª ed. Bogotá: Editorial ABC. Vega, L. (2022). Conversación sobre el programa del concierto. [Correo electrónico]. Alexander Klein es compositor y profesor de la Universidad de los An-des. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólo-go, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 8 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo de 2023 6:30 p.m. PULEP: LEG741 9 Foto: Marianna Peruń-Filus Etnos Ensamble (Polonia), música tradicional polaca Domingo 7 de mayo de 2023 11:00 am PULEP: VAK907 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Quinteto Talim, (Estados Unidos), música tradicional india • Foto: Edward Rossel • PULEP: UDP492 TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Lizeth Vega, cantante (Colombia)

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Programa de mano - La Mayor y La Menor, dueto vocal (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 30 de marzo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Iván Mariño · PULEP: PHU717 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LA MAYOR Y LA MENOR (Colombia) dueto vocal SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales ALEXANDER ULLMAN, Piano • Foto. Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de mayo de 2023 2:00 p.m. 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Dueto La Mayor y La Menor, dueto vocal María Clara Saboya, primera voz; Sara Lucía Saboya, segunda voz y guitarra; Daniel Saboya, director musical y guitarra acompañante La Mayor y la Menor es un dueto vocal infantil femenino integrado por las hermanas María Clara y Sara Lucía Saboya, quienes, desde temprana edad, han tenido un contacto natural con la música debido a su entorno familiar y al Centro Cultural y de Formación Artística La Casa de la Música de Tunja, en donde adelantan sus estudios musicales. Sus principales maestros han sido su padre, el guitarrista Daniel Saboya, quien es también el director musical del dueto, y la soprano Elizabeth Patiño, su maestra de canto. Desde 2018, año de su conformación, el dueto ha obtenido varios reconocimientos nacionales e internacionales, siendo el más reciente la selección para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República de Colombia, para actuar en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2023. El dueto fue merecedor en 2022 del primer puesto en la categoría Dueto Vocal Infantil del Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ y del Programa Departamental de Estímulos y Fomento Cultural de Boyacá, en las categorías de circulación nacional y Boyacá Reactiva la Cultura; en 2021 del Gran Cuyabrito de Oro y del primer puesto en la categoría Dueto Vocal en el marco del Festival Cuyabrito de Oro, así como de la Beca para la realización de conciertos didácticos del Ministerio de Cultura de Colombia; en 2020 del primer puesto en el Festival Colombia Canta y Encanta y, en 2019, de la Beca de Circulación Internacional del Conservatorio José María Rodríguez de Cuenca (Ecuador), entre otros. Individualmente, las integrantes del dueto han sido merecedoras de diferentes premios. María Clara, ‘La Menor’, obtuvo el primer lugar en la interpretación de la obra inédita ganadora del Cuyabrito de Oro en 2021; hizo parte del Coro Nacional Virtual 2020 y 2021, participando en las producciones Colombia tierra querida y Amo esta tierra; actualmente, se encuentra adelantando su proyecto titulado Encanto y sabor, que integra música y recetas para las familias. Por su parte, Sara Lucía, ‘La Mayor’, becaria del programa Cakike – Xtraordinario, ha obtenido premios internacionales como guitarrista, dentro de los que se destaca el primer puesto en el marco 2 de la Competencia Internacional New Generation en 2020 (Rusia) y el tercer puesto en el Concurso Internacional Promesas de la Guitarra en 2021 (Costa Rica). Asimismo, ha sido ganadora del premio Pablo Hernán Rueda Ciudad de Cajicá en 2022, y obtuvo en 2021 el primer puesto en la categoría instrumental Cuyabrito de Oro. Diversos escenarios y eventos han acogido al dueto La Mayor y La Menor; dentro de estos se destacan el Conservatorio Superior José María Rodríguez en Cuenca, Ecuador; en Bogotá, el Teatro Colón, el Centro Cultural Old Mutual, el Teatro El Parque, el Teatro Libélula Dorada, el lanzamiento del Primer Simposio Internacional del Animalito Liberao en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, el Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM); en Mariquita, Tolima, el Coliseo Humatepa; en Villa de Leyva, la Casa Museo Antonio Nariño; en Tunja el Teatro Mayor Bicentenario y, en Cajicá, en el Centro Cultural. Conozca más acerca de La Mayor y La Menor www.danielsaboyamusic.com/duetolamayorylamenor LaMayoryLaMenor La.Mayor.y.La.Menor.Dueto.Infantil @duetolamayorylamenor 3 PROGRAMA Hay un solo camino (1989)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA (n. 1927)/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE (1925-2017) Oración ratona (2001)* JUANA MARÍA DE LA CONCEPCIÓN ‘CONNY’ MÉNDEZ (1898-1979) A mi Chady (2021)* MARÍA OLGA PIÑEROS LARA (n. 1954) Azul, azul (1988)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE Alma infantil (s. f.)* GUILLERMO LEÓN PUERTA CADAVID (n. 1957)/ SILVIA ZAPATA (n. 1952) Irina la araña bailarina (2019) NICOLÁS OSPINA (n. 1980) La rumba de los animales (1998)* TRADICIONAL Arreglo de Jorge Veloza (n. 1949) y los Carragngueros de Ráquira INTERMEDIO 4 No abandones tu tierra (1965)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE Osito de felpa (2022)** GUSTAVO ADOLFO RENJIFO ROMERO (n. 1953) Canción tonta (s. f.)* GUSTAVO ADOLFO RENJIFO ROMERO/ CARLOS CASTRO SAAVEDRA (1924-1989) Los colores y las cosas (s. f.)* CARLOS MIÑANA BLASCO (s. f.)/ JOSÉ ANTONIO DURÁN (s. f.) Lunita clara (s. f.)* JESÚS ALBERTO ‘CHUCHO’ REY MARIÑO (1956-2009) La mejora (1965)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE O pato (1948)* JAYME DA SILVA (s. f.)/ NEUZA TEIXEIRA (1921-1973) *Arreglo para voces y guitarras de Daniel Saboya (n. 1980) ** Estreno mundial 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Es una agradable sorpresa encontrar en la Serie de Jóvenes Intérpretes al dueto que conforman Sara Lucía y María Clara Saboya Ávila, no solo por su edad, claro está, sino ante todo por la calidad de su producto musical, tanto en lo sonoro como en lo escénico. Sara Lucía es una prometedora guitarrista en formación, quien contribuye al interesante tejido de voces y guitarras; María Clara aporta una seguridad vocal que es garantía para lo que presentan al público, que no es fácil. Junto a su padre logran una propuesta equilibrada, en que las niñas no se perciben ‘dirigidas’, sino que transitan por el repertorio con solvencia y convicción. Un aspecto para destacar es que el repertorio del concierto de hoy no se basa solamente en esa esquiva categoría de ‘música infantil’, sino que toma canciones provenientes de muy diversas fuentes, a las que se les hacen arreglos complejos, efectistas, pertinentes y que no caen en el cliché. Si bien Sara Lucía parece más seria que María Clara, resulta interesante observar en su carpeta de canciones cómo cada página tiene anotaciones, correcciones y dibujos multicolores elaborados por ellas mismas, una estrategia que les permite apropiarse del contenido emocional de los textos y buscar la expresividad en escena. Leonel ‘León’ Cardona García (n. 1927) es tildado de moderno desde 1950, cuando empezó a componer música local mientras tocaba guitarra eléctrica en grupos de jazz. Por su parte, Óscar de Jesús Hernández Monsalve (1925-2017), periodista, poeta, narrador y ensayista, con obra poética desde 1950 hasta 2016, perteneció al importante círculo literario y cultural de Medellín. Su primera colaboración se dio en 1965, cuando Sonolux hizo el lanzamiento internacional de Leonor González Mina y le encargó a Hernández unos textos para ser musicalizados por Cardona, con la intención de trascender el lenguaje poético y musical de la canción andina de la época. Surgieron tres bambucos, de los cuales escucharemos dos1. No abandones tu tierra trata del éxodo campesino hacia la ciudad y hace un llamado a continuar en el campo: «No cambies por la ciudad / lo que han labrado tus manos / recuerda que en tu heredad / cielo y hombre son hermanos». La mejora es una crítica al orgullo del país cafetero, al expresar que la ricura del grano y la riqueza que produce no se quedan acá: «se lo beberá otra gente». 1 El disco LP donde aparecieron estas obras puede consultarse en https://youtu.be/UJZM49BTG14 6 Dos décadas después aparecieron más obras de esta dupla. La temática cambió hacia un tratamiento muy original del amor y de las relaciones interpersonales, en un marco urbano y con un lenguaje que se aleja de lo trillado para trasegar por sensaciones y metáforas más libres y complejas. Azul, azul es un vals cuyo texto, ecléctico en sus alusiones, presenta este color tanto en la naturaleza del mundo como en el ámbito de lo humano, ya sea la tinta azul de la escritura o la convención del azul como color frío: «el mundo es un cuaderno azul / con una herida roja / en el centro de la vida». El bambuco Hay un solo camino alude a los comienzos y finales, y desea larga vida a los afectos y buena suerte a quienes recorren los siete mares. Juana María de la Concepción Méndez Guzmán (1898-1979), ‘Conny’ Méndez, de origen venezolano y criada en los Estados Unidos, estudió artes plásticas y música. Es un referente de mujer moderna, que en la década de 1920 practicaba actividades masculinas para la época, como fumar y manejar automóvil, además de trabajar como columnista y caricaturista en revistas y diarios. Su obra musical es amplia, con énfasis en canciones de carácter popular y local, como Oración ratona (1978), un vals cuyo texto trabaja los diminutivos para contarnos que cuatro ratoncitos se espantan al ver un murciélago y, entonces, «La mamá ratica / dijo suavecito / recen mis hijitos / que ha venido un ángel ratón». María Clara Saboya ocupó el primer lugar en obra inédita en el Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro 2021 con la guabina A mi Chady, de María Olga Piñeros Lara (n. 1954). Es una obra dedicada a un gato que es descrito y recordado con profundo afecto: «Hoy rondando estás la luna / en un viaje sideral / suspendido en el espacio / cuánto añoro tu maullar». Piñeros es cantante, pedagoga y compositora vinculada principalmente a programas musicales en reconocidas universidades bogotanas, con amplia formación artística y pedagógica en el desarrollo vocal, en jóvenes y niños, de lo que ella denomina ‘el universo sonoro del cuerpo y el universo corporal de la voz’. Otro éxito musical del dueto, en 2020, fue ocupar el primer puesto del Festival Nacional Colombia Canta y Encanta, cuya alma y motor es la antioqueña Silvia Zapata (n. 1952). La escuela que respalda el festival tuvo un rápido crecimiento, ya que en pocos años pasó de ser un programa en un medio comunitario a tener figuración departamental y luego nacional, para consolidarse como un espacio social de formación y proyección de niños y jóvenes. El vals-bambuco Alma de niño, con texto de Zapata y música de Guillermo León Puerta Cadavid (n. 1957), tiene carácter regional y nacionalista: «Si es de niño el corazón / y bambuco tu canción / nueva patria 7 nacerá en Colombia / nuevas voces cantarinas / con pasillos y guabinas / crearán nueva y feliz historia». Nicolás Ospina (n. 1980) es pianista, compositor, arreglista, productor, cantante y docente, con trayectoria nacional e internacional en festivales de jazz, de cantautor y en la escena independiente. Se destaca su trabajo como arreglista para las producciones de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, junto a grupos nacionales. Compone música para teatro, dibujos animados y pódcast, y de esta actividad surgió Irina la araña bailarina, una metáfora de la mano del guitarrista como araña de solamente cuatro patas, que teje telas que «si quieres verlas / tienes que escuchar muy bien». Por otra parte, en 1998, Jorge Velosa (n. 1949) y los Carrangueros de Ráquira lanzaron una bella producción, En cantos verdes, que incluye una rumba ronda a la que llamaron La rumba de los animales, con texto recopilado de cantos populares en que los animales asumen conductas humanas: «De todos los animales se fueron a una promesa / el perro tocando el tiple y el ratón la pandereta / el gato tocando chucho y el armadillo trompeta» y, cuidado, que si se adelanta, puede perderse el son. Gustavo Adolfo Renjifo Romero (n. 1953) es conocido desde la década de 1970 por su estilo particular no solamente de interpretar el tiple, sino también de componer canciones comprometidas con diversos aspectos de la realidad social: las relaciones interpersonales, la ecología, la violencia, las costumbres. Tiene una faceta en la composición de obras con temática infantil, de la cual escucharemos dos: el bambuco Osito de felpa y el rajaleña Canción tonta. En el bambuco se establece un contraste entre el juguete y el animal, dado que este osito no conoce la naturaleza, pero en algún momento crecerá para ir al monte y hacer amigos. Por su parte, el rajaleña, con texto de Carlos Castro Saavedra (1924-1989), es un juego responsorial entre diversas fuentes de sonido y las onomatopeyas de sus actividades o voces. ¿Sorpresa con el re menor? «¿De qué color son las cosas / de qué color los sonidos? / Yo no sé / pero sí sé / que el chocolate es café» es el coro del bambuco Los colores y las cosas, que hace un juego de palabras entre objetos y la denominación de sus colores, porque «El chocolate es café / pero el café tinto es negro / la zanahoria es naranja / la naranja es amarilla…» La colaboración del autor del texto, José Antonio Durán (s. f.), director del grupo de danzas Kari chipur, con el compositor de la música, Carlos Miñana Blasco (s. f.), se dio en el contexto de la denominada Brigada Nueva Cultura (1977-1979), un movimiento con base política que congregó agrupaciones profesionales y 8 aficionadas de diversas disciplinas artísticas alrededor del activismo cultural y de la música militante en Bogotá2. Miñana es un importante investigador, con incontables aportes teóricos, bibliográficos y sonoros, especialmente en el campo de las prácticas musicales populares y tradicionales poco visibles en el relato nacional. Esther S. de Schneider (s. f.), pedagoga musical argentina, tiene un catálogo de obras que inicia en 1969 y culmina en 1992. En algunas publicaciones en red se la nombra como autora de un vals titulado Lunita clara, pero en otras se dice que esta canción es ‘del tiempo de las bisabuelas’. De lo que estamos seguros es de que Jesús Alberto Rey Mariño (1956-2009), uno de los músicos y pedagogos más interesantes que ha producido el país, tomó este texto de arrullo y le puso música de bambuco: «La luna lunita clara / casi casi se cayó / por ver si el niño dormía / cuando ella se asomó». O pato es una canción de Jayme Da Silva (s. f.) y de Neuza Gentil Teixeira (1921-1973), que formó parte del repertorio del grupo vocal Os garotos da lua en 1948. Grabada en 1961 por João Gilberto, exintegrante de dicha agrupación, ha sido interpretada por artistas de jazz e innumerables solistas y grupos brasileños. Es una samba que devino bossa-nova en la escena del jazz, cuyo texto original en portugués trata de cuatro aves que se van juntando para cantar samba y comienzan a ensayar a orillas de una laguna; pero la voz del pato es un desastre, la puesta en escena del ganso otro tanto, y finalmente todos caen al agua. En la versión en español, los animales son pato, gato, ganso y perro, el género que cantan es una bossa-nova, y al pato, que desafina peor que el gato, al final lo empujan al agua. Del dueto La Mayor y La Menor ya tenemos grandes logros, pero esperamos más, como, por ejemplo, su primera producción discográfica, porque el disfrute está asegurado. Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional. Con 37 años de experiencia en la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de músicas colombianas y 28 años de docencia en las universidades Javeriana y Distrital. Numerosas giras nacionales e internacionales. Ganador en concursos, becas y convocatorias nacionales y distritales. Diseñó la familia instrumental de la bandola andina. 2 Se recomienda consultar Miñana Blasco, C. (2020). Más allá de la protesta. Música militante en Bogotá en los años setenta y la transformación de la “música colombiana”. Trashumante. Revista Americana De Historia Social, (15), 150–172. https://doi.org/10.17533/udea.trahs.n15a07 9 Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres - Roots Drums Photo Foto: Saira Carolina Granados Barreto Concierto de Lizeth Vega (Colombia), cantante Jueves 27 de abril de 2023 6:30 p.m. Concierto de Holdan Silva (Colombia), contrabajo Jueves 20 de abril de 2023 6:30 p.m. 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Etnos Ensamble, música tradicional polaca • Foto: Marianna Peruń-Filus TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023
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Programa de mano - La Mayor y La Menor, dueto vocal (Colombia)

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Programa de mano - Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas (Austria)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Miércoles 7 de junio de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Viernes 9 de junio de 2023 · 6:30 p.m. Auditorio del Centro Cultural de San Andrés Foto: Cristina Ferri · PULEPS: GZJ119, DHG520 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL CUARTETO SIMPLY (Austria) cuarteto de cuerdas SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Trio Karénine • F0to: Lyodoh Kaneko 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas Danfeng Shen y Antonia Rankersberger, violín; Xiang Lyu, viola; Ivan Valentin Hollup Roald, violonchelo «El Cuarteto Simply no toca delante de, sino, explícitamente, para su público, lo que hace que todos se sientan interpelados». Estas palabras, utilizadas por el Süddeutsche Zeitung en junio de 2022, describen acertadamente una de las muchas facetas del Cuarteto Simply, que lo convierten en un cuarteto excepcional. «De la filosofía china procede la idea de un gran todo en el que los opuestos dependen los unos de los otros y al mismo tiempo se complementan. Partiendo de esta idea, combinamos complejidad y simplicidad. Somos cuatro individuos diferentes, pero juntos damos forma al cuarteto de cuerda; a la música de cámara, un género de la realeza». El Cuarteto Simply busca continuamente una comprensión profunda del lenguaje inherente a la música: desde las primeras obras clásicas hasta la literatura moderna para cuarteto de cuerda. Los integrantes ponen gran énfasis en combinar las tres culturas en las que se inspiran —china, austriaca y noruega—, para desarrollar un lenguaje musical propio; mediante la exploración de obras de cada una de sus culturas, profundizan en su conocimiento de mundos sonoros diferentes. Fundado originalmente en Shanghai bajo los auspicios de Jensen Horn- Sin Lam, el cuarteto se trasladó a Viena para explorar intensamente la esencia y los orígenes de la interpretación en cuarteto. El conjunto estudia con Johannes Meissl en el Instituto Joseph Haydn de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Además, ha logrado enriquecer su trayectoria con valiosas experiencias que nacen de sus años en la Academia Europea de Música de Cámara y se ha visto influenciado por la clase de Günter Pichler en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, en la que participó en 2020 y 2021. El cuarteto ya ha sido galardonado con cuatro primeros puestos en renombrados concursos de música de cámara: el Concurso Internacional Carl Nielsen, de Copenhague; el Quatuor á Bordeaux, en 2019; el concurso Franz Schubert y la música de la modernidad, de Graz, en 2018, y el Concurso Internacional de Música de Cámara Joseph Haydn, en Viena, en 2017. 2 En la Konzerthaus de Viena, el Cuarteto Simply formó parte del programa de Grandes Talentos (2020-2022), y en la temporada 2021/2022 fue uno de los conjuntos seleccionados de la serie ECHO Rising Stars, con estrenos en la sala de conciertos del BOZAR en Bruselas, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Palau de la Música Catalana y la Elbphilharmonie de Hamburgo, y con las orquestas filarmónicas de Luxemburgo y París. Danfeng Shen toca un violín de Giovanni Battista Guadagnini de 1753, que está a su disposición gracias a un generoso préstamo de Merito String Instruments Trust GmbH. Antonia Rankersberger toca un violín de Camillo Camilli de 1736 (Mantua), puesto a su disposición por el Banco Nacional de Austria. Conozca más acerca del ensamble Simply Quartet Simply Quartet Simply Quartet Simply Quartet Este concierto se realiza dentro del marco de la celebración de los 100 años del Banco de la República 3 PROGRAMA Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas, Op. 5 (1909) Heftig bewegt Sehr langsam Sehr lebhaft Sehr langsam In zarter Bewegung ANTON WEBERN (1883-1945) Cuarteto de cuerdas en la menor, Op. 29 No. 1, D. 804 (1824) Allegro ma non troppo Andante Menuetto. Allegretto – Trio Allegro moderato FRANZ SCHUBERT (1797-1828) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 13, Op. 106 (1895) Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace – Un poco più mosso Finale. Andante sostenuto – Allegro con fuoco ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Desde su estandarización como uno de los más populares y dinámicos formatos instrumentales, el cuarteto de cuerdas ha venido consolidándose progresivamente como un género privilegiado, debido al delicado balance entre tradición e innovación. Desde mediados del siglo xviii, proporcionó, tanto a compositores como a intérpretes, la posibilidad de desarrollar un lenguaje musical lleno de interacción y sofisticación creativa, protegido como estaba en la seguridad que le brindaba la intimidad de las prácticas instrumentales privadas. El repertorio seleccionado para este concierto reúne, desde tres perspectivas aparentemente lejanas, los recorridos de compositores que se reencuentran con diversas tradiciones, a través de un refinamiento expresivo y técnico decididamente renovador. Esta sinergia entre la experimentación y la tradición hace del cuarteto de cuerdas un vehículo único para compartir con las audiencias una experiencia llena de complicidad y dinamismo. Anton Webern (1883-1945), Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas, Op. 5 Anton Webern es reconocido por su claridad metódica como herramienta de composición. A través de su vida, incluso antes de estudiar con Schönberg, experimentó una profunda fascinación con la escritura contrapuntística y polifónica; de hecho, en 1906 finalizó sus estudios doctorales en musicología con una tesis centrada en la obra del compositor renacentista Heinrich Issac (Puffet). El rigor metodológico plasmado en la tradición contrapuntística, aunado a las nuevas aproximaciones estéticas propias de los discípulos de Schönberg, se catalizó a través de la obra de Webern, que a su vez lo convirtió en una de las figuras más influyentes sobre ciertas estéticas musicales que surgirían después de 1950. Webern fue particularmente importante para compositores como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen. Atento a la importancia del legado asociado al género, en sus Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas Op. 5, Webern alude a diferentes características de la tradición al incursionar en una estética revolucionariamente novedosa. De esta manera, el primer movimiento refleja —en una versión muy condensada— una forma sonata; el segundo movimiento se despliega a 5 manera de un lírico nocturno; el tercer movimiento se desarrolla en una forma ternaria (A-B-A’), en donde las partes extremas mantienen un ostinato angular e incisivo; el cuarto movimiento funciona como un interludio siniestramente íntimo que desemboca orgánicamente en el quinto movimiento que puede asociarse a un conjunto de variaciones.1 Si bien muchas de las obras de Webern han sido ampliamente abordadas en esferas académicas —por un lado, gracias a su brevedad, y por otro, gracias a su claridad y a la rigurosidad metodológica ya señaladas, lo cual las convierte en repertorio ideal como modelo de composición—, en muchos casos, la concentración académica en el método parece obviar un elemento mucho más significativo en este repertorio: la intensidad expresiva que caracteriza cada una de sus composiciones. La primera obra que abre este programa es una invitación a experimentar su vibrante lenguaje, más allá de la necesidad de querer entender o explicar el orden de los sonidos y las reglas que lo determinan. Los Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas despliegan un drama musical intenso y angularmente expresivo, que absorbe por completo a la audiencia, de principio a fin. Franz Schubert (1797-1828), Cuarteto de cuerdas en la menor, Op. 29 No. 1, D. 804 A sus 26 años, Franz Schubert era un compositor increíblemente prolífico, pero, paradójicamente, desconocido; aunque para entonces ya había compuesto más de diez cuartetos de cuerda, seis sinfonías y varias sonatas para piano, no había publicado ninguna de ellas y, en realidad, era reconocido por la producción de una gran cantidad de lieder2 y de música de consumo doméstico. Entre 1823 y 1824, diferentes eventos marcaron un cambio en la producción musical de Schubert: por un lado, sus fuertes quebrantos de salud lo llevaron a un aislamiento aun mayor; por otro, la percepción del legado de Beethoven resonaba con intensa ambición de trascendencia y marcó un punto de referencia en el medio musical. Adicionalmente, el violinista Ignaz Schuppanzigh inició, en 1823, una exitosa serie de conciertos de música de 1 Debido a la brevedad característica de la obra de Webern, diferentes publicaciones académicas han logrado abordar de manera comprensiva casi toda la producción atonal del compositor. Para ahondar en el estudio de la obra de Webern, se invita al lector a acudir a los libros de Allen Forte y Kathryn Bailey. 2 El lied, género que se consolidó como uno de los más representativos de la estética musical del siglo xix, corresponde a obras para voz y acompañamiento instrumental, por lo general de piano. La expresión correcta para el plural de lied (“canción” en alemán) es lieder, a diferencia de la errada ‘lieds’. 6 cámara por suscripción, con lo que marcó una renovación en las prácticas de conciertos de música de cámara en Viena al reforzar un perfil de sofisticación y lograr una profunda concentración de las audiencias en la música para cuartetos de cuerda.3 En febrero de 1824 Schubert compuso los cuartetos No. 13 y No. 14 para ser incluidos en esta serie de conciertos por suscripción. El Cuarteto No. 13 fue estrenado por Schuppanzigh en marzo del mismo año, pero el No. 14 no recibió mucha atención y solo fue interpretado de manera parcial (únicamente el primer movimiento) hasta 1826 (Hepokoski, 182). Para ambos cuartetos, Schubert exploró una propuesta muy ambiciosa, tanto en extensión y estructura formal para cada movimiento, como en las exigencias técnicas para los intérpretes y en el tipo de discurso armónico y tonal. Asimismo, en cada cuarteto reutilizó material de composiciones anteriores para ser incluido como temas y variaciones en sus segundos movimientos; en el Cuarteto No. 14 reutilizó el material del lied La Muerte y la doncella, D. 531 y para el Cuarteto No. 13 Schubert empleó parte de la música incidental, que había compuesto en 1823, para la obra de teatro Rosamunde de Herminia von Chézy. En la actualidad ambos cuartetos, son comúnmente reconocidos por subtítulos asociados a estas alusiones temáticas: el Cuarteto No. 13, D. 804 se conoce como Rosamunde, y el No. 14, como La muerte y la doncella. Antonín Dvořák (1841-1904), Cuarteto No. 13, Op. 106 Junto a compositores como Bedřich Smetana, Zdeněk Fibich y Leoš Janáček, el nacionalismo checoslovaco del siglo xix tiene a Antonín Dvořák como uno de sus más grandes exponentes. Desde el punto de vista rítmico y melódico, Dvořák logró desarrollar un exuberante lenguaje musical que se adaptaba a las estructuras formales tradicionales, suscitando una fascinación especial en la audiencia por medio de sonoridades que parecían desenvolverse con orgánica facilidad. Sin embargo, detrás de esta aparente facilidad subyacía un proceso de constante reflexión para construir cada composición de manera metódica (Döge, 2001). A pesar de haber sido un compositor extremadamente prolífico en prácticamente todos los géneros musicales, no todas las obras de Dvořák han logrado la misma aceptación masiva de las audiencias; la Sinfonía No. 3 La conjunción de estos eventos, y especialmente la influencia de la obra de Beethoven sobre el cambio estético en la composición de Schubert, está ampliamente estudiada en el libro del musicólogo John M. Gingerich, Schubert’s Beethoven Project. 7 9 ‘Del Nuevo Mundo’; el Concierto para violonchelo y orquesta, o el Cuarteto ‘Americano’ podrían considerarse ‘éxitos taquilleros de la música clásica’, que han visitado salas de concierto y estudios de grabación con una recurrencia desmedida; en cambio, muchas otras obras del compositor aguardan aún a ser redescubiertas y admiradas con la misma acogida. El Cuarteto No. 13, Op. 106, que cierra nuestro concierto, pertenece a este grupo de obras que, si bien poseen un potencial expresivo enorme, no son programadas con tanta regularidad. Esta obra demuestra la experiencia que tenía Dvořák como violista y músico de cámara; en cada movimiento, la interacción entre los instrumentos está cuidadosamente balanceada para aprovechar al máximo la sonoridad de todo el ensamble. El primer movimiento es una forma sonata construida mediante breves intervenciones que se acumulan hasta generar articulaciones cadenciales bien definidas; este movimiento es particularmente extenso, pero logra estar constantemente conectado por la recurrencia de los motivos iniciales, hasta desembocar en un victorioso cierre. El segundo movimiento proporciona la tradicional línea melódica característica de Dvořák, la cual se expande por cada miembro del ensamble hasta generar una sonoridad fluida y llena de contrastes tímbricos. El tercer movimiento es un scherzo caracterizado por un insistente motivo rítmico que posteriormente es contrastado con apacibles diálogos entre los miembros del cuarteto. El movimiento final retoma elementos de los movimientos anteriores, para llevar toda la obra a una conclusión naturalmente orgánica. Referencias Bailey, K. (1991). The Twelve-Note Music of Anton Webern: Old Forms in a New Language. Cambridge: Cambridge University Press. Döge, K. (2001). Dvořák, Antonín. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000051222 Forte, A. (1998). The Atonal Music of Anton Webern. New Haven y Londres: Yale University Press. Gingerich, J. M. (2016). Schubert’s Beethoven Project. Cambridge: Cambridge University Press. 8 Hepokoski, J. (2021). A Sonata Theory Handbook. Oxford: Oxford University Press. Puffet, K. (2001). Webern, Anton. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000029993 Jaime Ramírez. Actualmente está vinculado a la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar diversos proyectos artísticos. Foto: Jorge Cuadros Concierto de Wuilmer López (Colombia) arpa llanera Viernes 18 de agosto de 2023 San Andrés, Auditorio del Centro Cultural de San Andrés PULEP: XGF326 9 Foto: Chelo Camacho Foto: Enrique Menacho Concierto de Santiago Duque (Colombia) piano Jueves 8 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 6:30 p.m PULEP: OHN446 Concierto de Juanita Lascarro (Colombia) soprano Domingo 30 de julio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 11:00 a.m. PULEP: ROS555 Este concierto se presenta también en Villavicencio y Tunja. 10 Piraí Vaca • Foto: Limbergh Ibáñez TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Programa de mano - Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas (Austria)

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Programa de mano - Quinteto Talim, música tradicional india (Estados Unidos)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Viernes 2 de junio de 2023 · 6:00 p.m. Quibdó, Auditorio del Banco de la República Domingo 4 de junio de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Martes 6 de junio de 2023 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Banco de la República Foto: Edward Rossel · PULEPS: NHD767, UDP492, PTA412 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL QUINTETO TALIM (Estados Unidos) música tradicional india SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Juanita Lascarro (Colombia), soprano • F0to: Diana Karch 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Quinteto Talim, música tradicional india Arjun Verma, sitar; Manik Kha, sarod; Raaginder, violín; William Rossel y Nilan Chaudhuri, tabla. El Quinteto Talim reúne a un vibrante grupo de solistas clásicos indios con un sonido amplio, diverso y poderoso. La paleta tímbrica colorida del sitar, el sarod y el violín, rodeada por los ritmos melódicos de la tabla, está arraigada en la tradición de la música clásica hindustani que cada músico heredó a través de linajes antiguos. La palabra talim se traduce como ‘entrenamiento’ o ‘educación’, transmitida de un Gurú a su discípulo. La expresión pura de esta transmisión es el estándar que cada uno de los artistas en este conjunto se esfuerza por lograr. Juntos, representan más de un siglo de talim. Si bien la tradición de la música india es esencialmente improvisada, debido a que los integrantes del ensamble han colaborado juntos durante más de una década, han desarrollado un sonido cohesivo y unificado, aunque dejando espacio para que cada voz brille individualmente. Herederos de algunos de los músicos indios más célebres del siglo xx (Ustad Ali Akbar Khan, Pandit Swapan Chaudhuri, Sisirkana Dhar Chowdhury), estos artistas comparten sus tradiciones con el mundo moderno con integridad e ingenio. El resultado es una meditación, poderosa y emocional, sobre la música misma, evocando, en igual medida, las sensaciones de paz y de euforia. 2 ENUNCIADO Los raagas que se presentarán esta noche serán anunciados por los artistas durante el concierto. La música clásica del norte de la India tiene un gran repertorio de cientos de estructuras melódicas tradicionales (raagas), que fueron creados por varios maestros musicales a lo largo de varios siglos de desarrollo musical en la India, y cada uno expresa una colección particular de emociones. Cada raaga también está destinado a ser tocado en un momento específico del día o estación (amanecer, media mañana, tarde, anochecer, medianoche, primavera, otoño, temporada de monzones, etc.), y transmiten la esencia de ese momento de día o temporada. Algunos raagas tienen más de un milenio de antigüedad, mientras que otros se compusieron en tiempos modernos. Algunos son muy ligeros, caprichosos y románticos, mientras que otros son extremadamente inquietantes, melancólicos o contemplativos. William Rossel 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein La música milenaria de India En el mundo occidental solemos pensar la música como un conjunto de sonidos que se memorizan, se plasman sobre un papel o un disco y se patentan a la manera de cualquier mercancía, objeto o invención de uso industrial. No es casualidad, por ejemplo, que el término de ‘derechos de autor’ sea muy familiar para todos, pues su existencia es un recordatorio de que en occidente la música, e incluso casi cualquier combinación de sonidos, puede ser apropiada por quien la crea y eventualmente explotada con fines comerciales. En este contexto, sin embargo, es fácil olvidar que todavía hoy, en el siglo xxi, existen culturas que perciben la música y el arte, no tanto como una mercancía que se patenta y explota, sino como un patrimonio público, cuyo propietario no es ningún individuo, es toda la humanidad, desde quienes la escuchan y bailan, hasta quienes la interpretan y componen. Una de estas culturas, en efecto, es la india, cuya música tradicional o clásica, está basada en una serie de patrones rítmicos y melódicos (tanto antiguos como nuevos) sobre los cuales se improvisa. Por esta razón, ningún concierto de música india es igual a otro, por lo cual cada experiencia es única y varía según una serie de factores; entre ellos figuran la hora del día, la estación del año y ‘el estado de ánimo’ (Quinteto Talim, 2023) en que se encuentran los músicos. Puede decirse, entonces, que uno de los propósitos principales de la música tradicional india es capturar y transmitir la esencia de un momento específico e irrepetible a la manera de una fotografía que congela un segundo que fue y nunca volverá a ser. Ahora bien, es importante aclarar que incluso en la improvisación musical —tanto occidental como oriental— hay reglas a seguir, las cuales más que condicionar al músico lo guían, y no solo dentro del contexto de su oficio, sino dentro de las cosmologías y los sistemas de valores y creencias de su sociedad. Para dar un ejemplo, en occidente tenemos una concepción lineal del tiempo (pasado – presente – futuro), que se ve reflejada en nuestras músicas, cuya mayoría se interpreta y se compone siguiendo esa misma estructura lineal (principio – desarrollo – final). En la India, no obstante, 4 al igual que en muchos países de Asia, la concepción del tiempo según las creencias milenarias no es lineal sino cíclica: el final siempre empata con el principio —un reflejo de los ciclos de la naturaleza y de la vida humana, cuyo símbolo no es una línea sino una rueda, la cual adorna la bandera de la India y se conoce como Ashoka Chakra—. En términos musicales, esta concepción cíclica de la vida se refleja en piezas instrumentales y vocales que no tienen un principio o un fin claramente demarcados, a lo cual se suman estructuras rítmicas predeterminadas que se repiten a veces de manera casi indefinida. Por este motivo, uno de los primeros pasos para comprender mejor la música india es empezar por su estructura rítmica, la cual se explicará a continuación, a partir de sus rasgos y términos más importantes. El ritmo (taala, tihai) Según la tradición musical india, hay dos maneras principales de pensar el ritmo de una pieza: ritmo libre (sin pulso definido) y ritmo métrico (con pulso definido). En terminología india, el primero recibe el nombre de anibaddh, mientras que el segundo se denomina nibaddh. Puestos juntos, ambos términos traducen «desenlazados-enlazados» (Ruckert, 2004, p. 40), entendiéndose lo enlazado o métrico como un ritmo que puede dividirse en pulsos o patrones exactos que se repiten, a la manera de un latido de corazón constante, sin variación significativa. Y si bien el ritmo libre o desenlazado parece no tener patrón alguno, es importante anotar que todos los ritmos de la música tradicional india provienen de patrones de habla, lo cual es lógico si recordamos que el instrumento musical más antiguo del mundo es la voz, y como tal, muchas músicas antiguas no son más que extensiones de poemas, oraciones y diálogos. De esta manera, los patrones rítmicos de la India, sean libres (desenlazados) o métricos (enlazados), provienen todos del habla, algunos largos que surgieron de sílabas o palabras largas, y otros cortos que provinieron de sílabas o palabras cortas. No sorprende, por lo tanto, que la música tradicional de la India sea percibida como un diálogo espontáneo que se improvisa en vivo y en directo, como es el caso del concierto de hoy, y no como una combinación de sonidos prefabricados. En este diálogo, también es importante notar que los músicos utilizan ciertas estructuras rítmicas básicas para guiarse, las cuales pueden considerarse como un molde sobre el cual se improvisa. Estas estructuras reciben el nombre de taalas (Quinteto Talim, 2023) o tālas (Ruckert, 2004, p. 42), y no son más que ciclos rítmicos que se repiten una y otra vez. El taala más común es un 5 ciclo de dieciséis tiempos que se divide en cuatro, las primeras dos secciones y la cuarta identificadas por un aplauso a su principio, y la tercera identificada por un signo, que antiguamente era la agitación de una mano. Por lo tanto, en términos visuales este taala se vería así (Ruckert, 2004, p. 42): Aplauso Aplauso Agitación Aplauso 1 2 3 4 | 5 6 7 8 | 9 10 11 12 | 13 14 15 16 Al lado de las taalas, o más bien sobre ellas, también se escuchan cortos motivos rítmicos que reciben varios nombres, entendiéndose el motivo como un patrón corto de golpes o alturas (notas) que se repite. Uno de los motivos más comunes es el tihai, el cual puede describirse como «una frase final repetida tres veces, en la que la última nota de la última frase golpea el primer golpe del ciclo rítmico, formando una especie de signo de exclamación musical» (Quinteto Talim, 2023). Hay que enfatizar, en últimas, en que todos estos patrones musicales son derivados del habla y por eso suelen explicarse como tales. Ahora se abordará otro de sus componentes esenciales: la melodía. La melodía (raaga) Al igual que los patrones rítmicos, las melodías tradicionales de la música india también provienen de patrones del habla, algunas compuestas hace más de mil años y otras compuestas en la actualidad. En el vocablo indio, estas melodías son conocidas con el nombre de raaga, término que data por lo menos desde el siglo x (Malm, 1985, p. 109). Aquí hay que notar, sin embargo, que el raaga no es entendido en la India como en occidente entendemos las melodías, pues más que una melodía, el raaga es una serie de notas predeterminadas que se asemejan a lo que conocemos como una escala. Y cada raaga, además, contiene adornos o figuras melódicas predeterminadas que funcionan, similar al ritmo de las taalas, como una estructura sobre la cual se improvisa y se dialoga. Como dato relevante, también hay que mencionar que cada raaga posee un sistema de afinación distinto al de occidente (el intérprete muchas veces decide la afinación que quiere darle a una nota) (Malm, 1985, p. 111) y, además, está diseñada para interpretarse en un momento específico del día (amanecer, mañana, mediodía, tarde, noche, medianoche), al igual que en un momento específico del año (primavera, verano, otoño e invierno). Al unirse con las estructuras rítmicas de las taalas, cada raaga se convierte en lo que occidente conocemos como un movimiento o una pieza que forma parte de un conjunto, entendiendo que cada conjunto debe dividirse precisamente en piezas o movimientos contrastantes. De este modo, existen nombres para 6 determinar cada pieza o movimiento, junto con sus rasgos estilísticos, algunos de los cuales son estos: Alaap: solo melódico sin ninguna métrica rítmica fija (ritmo libre o desenlazado). Gat: tema y variaciones en un ciclo rítmico, acompañado con tambor de tabla. Jhala: final rápido y rítmico. Jor: solo melódico con métrica simple (ritmo métrico o enlazado). Sath Sangat: improvisación melódica y de percusión simultánea. Sawal-Jawab: diálogo musical, en pregunta y respuesta, con ideas rítmicas cada vez más cortas (Malm, 1985, p. 111). Con estas piezas previamente memorizadas (en su estructura básica, dado que cada una permite amplias improvisaciones), se puede crear una obra completa de música dividida en varios movimientos contrastantes cuya duración puede equivaler a la de una sinfonía (media hora hasta varias horas), pero el orden de las secciones o movimientos es acordado por los músicos sobre el escenario, según las condiciones emocionales y temporales anteriormente mencionadas. En suma, puede decirse que el género occidental que más se asemeja a la música tradicional india es el jazz, dado que su esencia consiste en promover la improvisación dentro de ritmos y melodías previamente establecidas. Consideraciones finales Vale la pena resaltar que un músico entrenado para interpretar música tradicional india solo es considerado profesional si ya conoce a profundidad por lo menos sesenta raagas y un número similar o mayor de taalas (Malm, 1985, p. 114). Este conocimiento, a diferencia de la música occidental, no sólo implica memorizar las notas y los esquemas rítmicos predeterminados de cada raaga y taala, sino saber también la mayor cantidad de posibilidades musicales que cada estructura y cada serie melódica ofrece, pues solo así se puede elaborar una improvisación que merezca el respeto y la admiración de los públicos que conocen la tradición india. En este sentido, puede decirse que el intérprete de música tradicional india es tanto un reproductor fiel de ideas ya establecidas (como es entendido el intérprete en occidente), como un compositor que crea sus ideas y las difunde en tiempo real, a la manera de un diálogo espontáneo y elocuente, cuya única guía es un conocimiento 7 profundo de la gramática y el vocabulario. Más allá de esta destreza, también hay que hacer énfasis en la conexión inseparable que hay entre la música india y el sistema de creencias religiosas que carga consigo, hasta el punto de que algunos de sus compositores más renombrados han sido santificados1. Aunque personas no religiosas podrían considerar este gesto como extremo, es preciso recordar que la música, tanto en occidente como en oriente, surgió muchas veces como un lenguaje divino, capaz de comunicar al ser humano con sus dioses para un sinfín de objetivos. Y, si bien esta idea, para los escépticos, también puede sonar absurda, no hay duda de que la música tiene un poder, que incluso hoy podemos considerar como divino o casi divino, de conectarnos con nuestros antepasados, de unirnos con nuestros antagonistas, de sensibilizarnos (así sea por unos minutos) y de hacer llevadera una vida que para la gran mayoría de habitantes de esta tierra no es fácil. Con tales cualidades, puede decirse que casi toda música es esencialmente religiosa, entendida la religión como un ideal superior al que todavía aspiramos como especie. REFERENCIAS Malm, W. P. (1985). Culturas musicales del Pacífico, el Cercano Oriente y Asia. Madrid: Alianza Editorial S. A. Quinteto Talim. (2023). Conversación sobre las características de la música india. [Correo electrónico]. Ruckert, G. E. (2004). Music in North India. New York: Oxford. Alexander Klein. Es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 1 Tal es el caso de Tyagaraja (1767–1847) y dos de sus colegas, quienes son considerados santos y miembros de una trinidad. Véase: Malm, W. P. (1985). Culturas musicales del Pacífico, el Cercano Oriente y Asia. Madrid: Alianza Editorial S. A., p. 120. 8 Foto: Chelo Camacho Celebración 100 años del Banco de la República Bogotá Chamber Orchestra (Colombia) cuarteto de cuerdas Miércoles 19 de julio de 2023 Quibdó, Auditorio del Banco de la República 6:00 p.m. PULEP: KLZ102 9 Foto: Javier Gustavo Arce Ortiz Foto: Javier Egas Otero Concierto de Juan Manuel Molano (Colombia) guitarra Viernes 18 de agosto de 2023 Buenaventura, Auditorio del Banco de la República 7:00 p.m. PULEP: HWQ985 Juan Manuel Molano también se presentará en Quibdó el 25 de agosto de 2023. Concierto de Óscar Acevedo trío (Colombia) jazz Domingo 13 de agosto de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: YCJ573 10 Piraí Vaca • Foto: Limbergh Ibáñez TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Programa de mano - Quinteto Talim, música tradicional india (Estados Unidos)

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Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 1 de junio de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Laura Daniela Muñoz González · PULEP: INW878 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES QUINTETO VÁSTAGO (Colombia) quinteto de maderas Demostración de música india con el Quinteto Talim Lunes 5 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 9:00 a.m. Quinteto Talim (Estados Unidos), música tradicional india · Foto: Edward Rossel SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Quinteto Vástago, quinteto de maderas Luis Fernando Cardona, flauta; Óscar Moreno, clarinete; Emily Valderrama, fagot; Fernando Ortega, corno francés; Valentina López, saxofón soprano. Ensamble de instrumentos de vientos conformado en 2021 por integrantes y exintegrantes de la Banda Municipal de Manizales que buscan generar espacios de interacción musical diferentes al estilo habitual de los movimientos de música de cámara. Con su formato poco convencional, que integra al saxofón soprano, esta agrupación cuenta con una sonoridad particular y una propuesta vanguardista. El quinteto ha tenido gran acogida en la escena musical nacional. Fueron ganadores en la categoría universitaria del Festival de Música de Cámara organizado por Iberacademy en 2021, que se llevó a cabo en El Retiro, Antioquia, y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes en 2023. La agrupación también ha tenido la oportunidad de participar en conciertos realizados en diferentes espacios de Manizales, como el auditorio del Centro Cultural Universitario Rogelio Salmona y el auditorio de Bellas Artes de la Universidad de Caldas. Conozca más acerca de la agrupación @quintetovastago Quinteto Vastago 2 PROGRAMA Olé guapa (1939) ARIE MAASLAND ‘MALANDO’ (1908-1990) Original para acordeón y ensamble de cuerdas y percusión Reducción para quinteto de maderas de Joachim Schemiher (n. 1934) sobre la versión para orquesta sinfónica del compositor Quinteto de viento No. 1 ‘Serenade’ (1931) Overture Air Jig Interlude Theme and variations Rondino GORDON JACOB (1885-1984) Para quinteto de maderas Suite popular cubana (2007) Homenaje al danzón Son a Gladys Nidia Invitación al bolero Recordando el chachachá FÉLIX DARÍO MORGAN (1966-2016) Para quinteto de maderas INTERMEDIO Despasillo por favor (2006) LUIS CARLOS ‘LUCAS’ SABOYA (n. 1980) Original para tiple Arreglo para quinteto de maderas de Cristian Camilo Galindres (n. 2000) Aires tropicales (2015) Alborada Son Habanera Vals Venezolano Dizzynes Afro Contradanza PAQUITO D’RIVERA (n. 1948) Para quinteto de maderas 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein El ritmo en la sangre: introducción a algunos bailes latinoamericanos Suele decirse que los latinoamericanos tenemos el ritmo ‘en la sangre’, expresión que, si bien puede tomarse como una generalización simplista, realmente tiene una gran validez si se asume de una manera más subliminal que literal. Es bien sabido, por ejemplo, que la constitución étnica del latinoamericano promedio es una mezcla europea, africana e indígena, sincretismo que inevitablemente condujo a las sociedades de Latinoamérica a crear géneros musicales que son un reflejo directo de ese diálogo intercultural. En este sentido, bien puede afirmarse que los latinoamericanos sí tenemos el ritmo ‘en la sangre’, no porque sepamos bailar al nacer, sino porque el origen de nuestros ritmos se encuentra en nuestro propio abolengo étnico. En cuanto a los ritmos que conforman el cancionero de América Latina, estos son demasiado numerosos para detallarlos aquí; basta con mencionar, sin embargo, algunos de los que se escucharán en el concierto de hoy, como lo son el tango, el danzón, la habanera, el pasillo y la contradanza. El tango, asociado con el paisaje cultural urbano de Argentina, es quizás el género más sincrético de todos los mencionados, puesto que dentro de su historia se pueden encontrar posibles influencias africanas, indígenas y de varias etnias europeas, entre las cuales figuran algunas de España y de Francia1. A manera de síntesis, puede decirse que el tango tuvo algunos de sus orígenes en los tambos africanos y estos, a su vez, pasaron por un proceso de aculturación que los mezcló con músicas llegadas de Cuba y de Europa, las cuales confluyeron todas en los centros urbanos de Argentina y Uruguay para crear un género que sigue siendo único en el mundo. 1 Aunque la influencia africana en el tango se ha debatido mucho en la actualidad, existe un consenso en que hubo una alta participación de músicos africanos en la popularización del género en Argentina, sin mencionar sus similitudes con la habanera —un género cubano de honda raíz africana—. Véase: Aravena, J. (2003). El tango y la historia de Carlos Gardel, 2ª ed. Santiago de Chile: LOM Ediciones, pp. 25-26. 4 Por su parte, el danzón y la habanera cubana son géneros que a su vez se encuentran en el propio tango, y sus orígenes también se atribuyen a la influencia africana. Dada la localización geográfica de Cuba, cuyas costas sirvieron por siglos como punto conector entre Europa y América, las músicas de la isla son también un compuesto sincrético cuya mezcla exacta es difícil de rastrear, pero en su historia la música francoafricana traída de Haití (antigua colonia francesa) cumple un papel fundamental. Para no adentrarnos en detalles, basta con recordar que en 1804 Haití se convirtió en el segundo país independiente de América, producto de la única revuelta esclava exitosa a nivel nacional en la historia del continente. Dada la estrecha cercanía geográfica entre Haití y Cuba, el éxodo migratorio que produjo la revolución se tradujo en un influjo enorme de cultura haitiana a las costas cubanas, entre cuyos legados figura el ritmo del cinquillo y la importación de la contradanza —género surgido en Inglaterra (de ahí su nombre: country dance), transformado en Francia y re-transformado por los africanos que trabajaban en las plantaciones haitianas—. En cuanto a la habanera y el danzón, es bien sabido que ambos géneros se alimentaron del cinquillo haitiano, esquema rítmico que cada uno utiliza a su manera, pero cuyo origen compartido explica su similitud2. En vista de este entramado cultural que dio origen a los ritmos mencionados, el pasillo colombiano se revela como uno de los ritmos menos sincréticos de América Latina, aunque su origen, en términos étnicos, sea prácticamente el mismo que el de la mayoría de géneros musicales del continente. A manera de repaso, basta con recordar que el pasillo provino del vals austriaco, introducido a tierras colombianas durante las guerras independentistas; de ahí en adelante, sufrió variaciones de corte zambo (y, desde luego, español) que eventualmente aumentaron la velocidad del vals original y desembocaron en el género que es interpretado —más que bailado— el día de hoy. Como dato relevante no sobra mencionar que el pasillo, al igual que varios géneros del folclor colombiano, cayó en un largo olvido a partir del siglo xx, época en que la música comercial de países foráneos sepultó a los géneros colombianos de una manera muy similar a la forma en que las industrias foráneas sepultaron las industrias nacionales. Un recordatorio, a fin de cuentas, de que la música no es un acontecimiento aislado del contexto más amplio que rige nuestras vidas. 2 Sobre la relación entre la música cubana y haitiana, hay varios estudios, pero uno de los más conocidos es el de Alejo Carpentier, La música en Cuba (México D.F.: Fondo de cultura económica, 1946). 5 El programa de hoy Olé guapa (1939) – Arie Maasland ‘Malando’ (1908-1990) Con un título muy sugestivo, esta obra es quizás la más famosa del acordeonista neerlandés Arie Maasland, quien fue una verdadera estrella conocida a nivel mundial bajo su seudónimo de ‘Malando’. Aunque la noción de un neerlandés escribiendo y tocando tango podría sonar sacrílega, lo cierto es que esta composición del acordeonista, una vez llegada a Argentina, se convirtió en un éxito monumental que se cantó y se bailó por varias generaciones, hasta el punto de que todavía hoy resuena en las pistas de tango en Buenos Aires. Es de destacar que esta composición ha sido grabada por más de doscientas orquestas, hito irónico para un tango compuesto en un país a más de doce mil kilómetros de Argentina. Quinteto de vientos No. 1 ‘Serenade’ (1931) – Gordon Jacob (1885–1984) Si bien esta obra no tiene una relación directa con América Latina, su inclusión en el programa se debe a que sus ritmos también son de baile, en este caso bailes de corte inglés, escocés y francés, los cuales, no sobra decir, también influenciaron varios géneros latinoamericanos. Dividida en cinco partes, se pueden advertir bailes que fueron muy populares en la Europa de los siglos xvii y xviii: el aire, la jiga y el rondó francés, que podían estar agrupados en una suite. En cuanto a la obertura y al intermedio, tampoco sobra mencionar que estos dos géneros eran un componente esencial de los eventos de baile de la época. Después de todo, la obertura era necesaria para avisarle a los asistentes que el baile estaba por arrancar, mientras que el intermedio, por obvias razones, era una pieza situada a la mitad del repertorio para permitir a los invitados descansar, tomar un refresco o socializar. Un dato curioso: es de notar que esta obra fue escrita en el siglo xx por un compositor que era gran amante de las formas y los géneros antiguos, por lo cual su estética se nos revela como un híbrido entre los sonidos del pasado y el presente. 6 Suite popular cubana (2007) – Félix Darío Morgan (1966-2016) Acorde con el esquema de la suite barroca (pero ahora adaptado al contexto latinoamericano), esta obra se ha convertido en un clásico de los quintetos de maderas. Dividida en cuatro movimientos, cada uno presenta una muestra de distintos ritmos cubanos: el danzón, el son, el bolero y el chachachá. Su compositor, el matancero Félix Darío Morgan, fue formado en el Instituto Superior de Arte en La Habana y en la desaparecida República Democrática Alemana (Alemania Oriental), tras lo cual se desempeñó como profesor de vientos en la Universidad del Valle, en Cali, desde 2002 hasta su prematura muerte. Que sirva esta ocasión, entonces, para rendir un homenaje no solo a la música cubana, sino a su maestro, quien fue muy apreciado por sus estudiantes en el entorno caleño. Despasillo por favor (2006) – Luis Carlos 'Lucas' Saboya (n. 1980) En el ámbito colombiano, pocos compositores interesados en la riqueza artística del país se han destacado tanto en los formatos de cámara como Lucas Saboya, quien es igualmente conocido por su destreza como intérprete del tiple. Es preciso mencionar que su obra Despasillo por favor forma parte del disco 50 años tocando para ti de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, producción que fue galardonada con el Grammy latino en 2018. En términos musicales, la obra sobresale por su carácter lírico, con fuertes toques de jazz, a la manera de un recuerdo nostálgico de las épocas de Lucho Bermúdez y las grandes bandas de baile. Aires tropicales (2015) – Paquito D’Rivera (n. 1948) En un gesto muy apropiado, la última obra del programa es una síntesis de algunos de los géneros más destacados de la música latinoamericana, cuya riqueza y variedad se ve representada en algunos ritmos ya mencionados —la contradanza, el son, la habanera— y otros poco conocidos en Colombia: el vals venezolano, por citar un ejemplo. Como su nombre lo indica, el origen del género se remonta al siglo xix, época en que el ländler, un popular baile de las zonas rurales de Austria y muy similar a la contradanza, se importó a tierras venezolanas. Una vez popularizado en las fiestas del país vecino, el vals venezolano no solo se convirtió en baile esencial del país, sino que empezó a ser considerado el precursor de otros bailes venezolanos, como lo es el joropo. 7 Otra prueba, entre muchas, de la forma en que la música es capaz de moverse entre fronteras sin causar conflictos y, ante todo, de propiciar intercambios culturales que hoy sobreviven como una hermosa celebración de la diversidad humana. REFERENCIAS Aravena, J. (2003). El tango y la historia de Carlos Gardel, 2ª ed. Santiago de Chile: LOM Ediciones. Carpentier, A. (1946). La música en Cuba. México D.F.: Fondo de Cultura Económica. Alexander Klein. Es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 8 Foto: Chelo Camacho Foto: Javier Gustavo Arce Ortiz Concierto de Santiago Duque (Colombia) piano Jueves 8 de junio de 2023 6:30 p.m. PULEP: OHN446 Concierto de David Pérez (Colombia) trombón Jueves 29 de junio de 2023 6:30 p.m. PULEP: UKR908 9 Foto: Danilo Andrés Rivas Gutiérrez Foto: Enrique Menacho Concierto de Daniel Moreno (Colombia) trompeta Jueves 29 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: KRI955 Concierto de Juan David Gómez (Colombia) oboe Jueves 13 de julio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: OTM725 10 Quinteto Carion • Foto: Jānis Porietis TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Programa de mano - Hina Maeda, violín (Japón); Michał Francuz, piano (Polonia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Miércoles 3 de mayo de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 4 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio de Música del Tolima Viernes 5 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Foto: Leszek Zadoń · PULEPS: LIE740, PXC254, BJA247 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL HINA MAEDA (Japón) violín MICHAŁ FRANCUZ (Polonia) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Alexander Ullman • Foto: Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de abril de 2023 • 2:00 p.m. 1 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Hina Maeda, violín Hina Maeda nació el 12 de agosto de 2002. Se graduó de la Escuela de Música de Tokio y luego comenzó sus estudios en la Escuela Superior de Música. Su palmarés incluye el primer puesto en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski (2022), el primer puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Tokio (2020), el segundo puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Japón (2019), así como el primer puesto, Premio Virtuoso y Premio de Patrocinio en el Concurso de Violín Kloster Schöntal en su grupo etario (2015). Fue denominada Artista Pygmalion Days de CHANEL 2020. Como solista, se ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Kansai y la Orquesta Filarmónica de Osaka. Toca el violín Stradivarius 1715 ‘Joachim’ en préstamo de la Nippon Music Foundation. Michał Francuz, piano Michał Francuz nació en 1980 en Szczecin, Polonia y se graduó de la Escuela Secundaria Estatal de Música Feliks Nowowiejski de Szczecin, donde estudió piano con el Dr. Mikołaj Szczęsny. Continuó su formación en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznań, donde fue alumno de Waldemar Andrzejewski. Desde 2010 es profesor del Departamento de Música de Cámara de dicha academia. Ha colaborado con casi todas las grandes orquestas filarmónicas y de cámara polacas, así como con la Sinfonía Varsovia, la Orquesta Baltic Neopolis, la Orquesta Feelharmony, la Orquesta Colegium F, la Orquesta de Cámara l’Autunno, y con instituciones como el Teatro Wielki de Poznań, el Teatro Polski y el Teatro Kameralny de Szczecin y la Ópera Báltica de Gdańsk, al igual que con la Sociedad Musical Henryk Wieniawski de Poznań. Es coautor de varios proyectos de música de cámara; ha participado en diversos festivales internacionales, entre ellos, Les Folles Journes Chopin - Chopin Open en Varsovia, Cinquieme Festival Culturel International de Musique Symphonique en Argelia, Festival Lubomirski en Polonia y Ucrania, entre otros. Ha dado numerosos conciertos en la Mansión de Chopin en Żelazowa Wola y en el Palacio Real de los Baños de Varsovia. 2 En mayo de 2015 debutó en el Carnegie Hall de Nueva York. En 2019 publicó el álbum Polskie Sonaty Skrzypcowe (Sonatas polacas para violín), que grabó con Bartek Nizioł. En 2020 lanzó el álbum grabado con Joanna Konarzewska y Rafał Kwiatkowski. En el mismo año, se unió a Śląski Quartet para grabar un trío y un cuarteto de piano de Władysław Żeleński. Ha realizado varias grabaciones para la radio y la televisión polacas; fue pianista oficial del XV y XVI Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski de Poznań. 3 Estos conciertos se realizan con el apoyo de: 4 PROGRAMA Sonata para violín y teclado en mi menor, K. 304 (1778) Allegro Tempo di menuetto WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Fantasía sobre temas de ‘Fausto' de Gounod, Op.20 (1865) HENRYC WIENIAWSKI (1835-1880) Original para violín y orquesta Versión para violín y piano del mismo compositor INTERMEDIO Sonata para violín y piano No. 5, Op. 53 (1953) Andante con moto Allegro molto Allegro moderato Allegro – Andante – Allegretto – Andante MIECZYSŁAW WEINBERG (1919-1996) 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Nunca imaginó Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) que aquel viaje emprendido en 1777 junto con su madre Ana María por diferentes ciudades de Europa sería el escenario de una de las más dolorosas pérdidas de su vida. Sólo un año después de partir, cuando aún se encontraban de viaje (más exactamente en París), ella falleció. Mozart, quien siempre mantuvo una intensa relación epistolar con su padre, únicamente atinó a contarle que estaba enferma, antes de confesarle varios días después, que en realidad había muerto. Es posible, por lo tanto, leer en algunas composiciones de la época la congoja, angustia y desolación que dicha situación pudo acarrear en el joven. A esa edad, Mozart contaba ya con un amplio reconocimiento por su capacidad como intérprete y compositor, razón por la cual había decidido emprender este viaje, por ciudades como Mannheim, Múnich y París, en busca de un puesto importante. A pesar de no haber conseguido la anhelada posición, durante el viaje Mozart compuso siete sonatas para violín y piano entre las que se destaca la No. 21 en mi menor, K. 304 por ser la única en esta tonalidad entre las casi treinta y cinco sonatas para violín y piano que escribió a lo largo de su vida. Aunque no se sabe con certeza si la compuso antes o después de la muerte de su madre (julio de 1778), en su análisis es fácil advertir la tristeza que experimentó el compositor al encontrarse ante este doloroso trance. La sonata consta de dos movimientos: Allegro y Tempo di minuetto, lo que en sí es una rareza, pues para entonces ya se habían estandarizado las sonatas de tres movimientos. Algo que también es destacable es la profundidad emocional de su escritura en comparación con las demás sonatas de la época. A un primer movimiento ágil, pero nostálgico, sucede un movimiento en forma de danza (minuetto) con melancólicos interludios en modo mayor y una melodía dulce que prefigura la sensibilidad romántica. Mozart conocía muy bien el lenguaje instrumental del violín que él mismo interpretaba1. Esto se ve reflejado, no sólo en la escritura virtuosa del violín, sino en el equilibrio entre las voces de ambos instrumentos que establecen un auténtico diálogo por medio del cual se 1 Además de ser hijo de uno de los más reconocidos violinistas de la época, Leopoldo Mozart. 6 complementan. Es esta una de las sonatas más famosas y más frecuentemente interpretadas del compositor por su belleza, originalidad y, sobre todo, por la dulzura e intensidad emocional de su segundo movimiento. Desde inicios del siglo xix la admiración generada por intérpretes virtuosos como Niccolò Paganini se extendió, al tiempo que lo hizo el número de personas con acceso a la música2. Paganini revolucionó la técnica de interpretación del violín abriendo la ruta de grandes intérpretes como el polaco Henryk Wieniawski, (1835-1880) quien, igual que su predecesor, destacó tanto como intérprete y compositor. Esta ‘democratización’ del acceso a la música permitió que espectáculos como la ópera se popularizaran a tal nivel que sus melodías trascendieron los límites del teatro, encontrándose pronto en trascripciones, arreglos y adaptaciones para diferentes formatos. Pocos fueron los compositores que resistieron a esta tendencia de adaptar arias de óperas famosas y Wieniawski no fue la excepción. En 1865 publicó la Fantasía brillante sobre temas de ‘Fausto’ de Gounod, Op.20, basada en esta ópera cuya popularidad se encontraba entonces en pleno auge3. Había sido tal su éxito que muchas de sus arias llegaron a formar parte del repertorio popular incitando a un número considerable de compositores a reutilizar algunos de sus temas más conocidos en obras instrumentales, vocales y orquestales. La forma ‘fantasía’ escogida por Wieniawski era también muy popular en la época, ya que sus características formales permitían un tratamiento libre de las melodías más conocidas por el público, dando lugar a la apreciación de nuevas versiones, tal vez más elaboradas, de aquellos temas que tanto disfrutaba. En este caso, por ejemplo, el compositor elaboró una serie de variaciones sobre algunas de las arias más populares de la ópera y las reunió en cinco secciones muy dispares en cuanto a tonalidad y métrica. Escogió algunas de las más reconocidas de los personajes principales Mephistoteles y Margarita, así como de personajes secundarios como Valentín y Siebel. El reto de reutilizar obras vocales (en especial de una ópera, género caracterizado por su elevado contenido melodramático) en un formato instrumental, implica un tratamiento que le dé lugar al instrumento (el violín en este caso) para equiparar la fuerza dramática de la voz, más allá del virtuosismo (característica de la escuela de violín a la que pertenecía Wieniawski), exhibiendo todas sus 2 Consecuencia de los cambios sociales sobrevenidos durante el siglo de las luces y que se reflejaron en el nuevo orden social del siglo xix. 3 Presentada por primera vez en 1859, se encontraba aún en la programación de los principales teatros. Wieniawski publicó esta fantasía en dos versiones: para violín y piano, y para violín y orquesta. 7 posibilidades líricas para respetar el carácter de cada personaje. Es el equilibrio entre estos dos aspectos lo que llegó a convertir a esta obra en una de las preferidas del repertorio violinístico de concierto. Una realidad muy distinta le tocó vivir al compositor ruso Mieczysław Weinberg (1919-1996). Nacido en Polonia y de padres judíos, pasó la mayor parte de su vida en la Unión Soviética, su país adoptivo. Inició sus estudios musicales en Varsovia, su ciudad natal, donde, desde sus inicios, se le auguró un brillante porvenir, que quedó truncado con la ascensión del nazismo y la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Logró huir a Rusia, pero sus padres y hermana no corrieron con la misma suerte y murieron en el campo de concentración de Trawniki. Esta amarga experiencia quedó plasmada en muchas de sus obras en las que hizo frecuente alusión al tema de la guerra y la muerte, como es el caso de su Sinfonía 18, Op. 138, titulada Guerra, no existe palabra más cruel. En Rusia continuó sus estudios de composición con un alumno de Rimsky-Kórsakov, interesándose cada vez más por la música folclórica. Por esos años también conoció a Shostakovich, con quien construyó una gran amistad. La admiración y respeto entre ambos músicos fue mutua y con frecuencia se vio reflejada en dedicatorias de ambas partes. Para Weinberg, aun estando en Rusia, las persecuciones no cesaron, pues, si bien el país comunista fue uno de los que más emigrantes judíos acogió, el clima antisemita se acrecentó bajo la dictadura de Stalin. En 1941 Weinberg huyó esta vez a Uzbekistán, regresando a Moscú en 1943. El momento más difícil, sin embargo, llegó en 1953 cuando fue arrestado y conducido a la prisión de Lubyanka, acusado de trabajar para el «comité nacionalista judeo-burgués». Unos años antes, Stalin había mandado a asesinar al suegro de Weinberg (haciéndolo pasar por un accidente) y desde entonces había iniciado una persecución en contra del compositor, hasta lograr acusarlo. Tras unos meses de presido, y a causa de la muerte de Stalin, fue finalmente liberado. En ese ambiente de represión escribió la Sonata para violín y piano No. 5, Op. 53, dedicada a Shostakovich. En ella se siente la influencia de este compositor, así como la de la música judía que Weinberg había aprendido de su padre y posteriormente de su suegro. Consta de cuatro movimientos, el primero, Andante con moto, expone un tema que regresará en diferentes momentos de la sonata; el segundo, Allegro molto, es una forma sonata clásica; el tercero, Allegro moderato en forma rondó, respeta el ritmo cadencioso de una danza; y el último y más extenso, Allegro – Andante – Allegretto – Andante, 8 retoma parte del material melódico del primer movimiento y está dividido en varias secciones con cambios de tempo. Esta es una obra muy exigente por su virtuosismo y extensión, lo que la hace merecedora de un lugar privilegiado en el repertorio de concierto para violín. Weinberg dejó tras de sí un número considerable de composiciones entre las que figuran sinfonías, sonatas, cuartetos de cuerda, conciertos, ballets, óperas, cantatas, música incidental y también un gran número de canciones. A pesar de que en vida gran parte de su música no fue interpretada por razones políticas, hoy en día el interés por su obra se ha incrementado considerablemente, oyéndosele cada vez con más frecuencia en salas de concierto y teatros. Angélica Daza. Es maestra en música con énfasis en música antigua y obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora y conferencista de las charlas previas a los conciertos de la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 9 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Foto: Marianna Peruń-Filus Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo 6:30 p.m. Concierto de Ensamble Etnos (Polonia), música tradicional polaca Domingo 7 de mayo en Bogotá 11:00 a.m. 10 Trío Karénine • Foto: Grégory Massat TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Programa de mano - Hina Maeda, violín (Japón); Michał Francuz, piano (Polonia)

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Programa de mano - Jaime Benjumea, guitarra (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 18 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Daniel Molano · PULEP: IMG188 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JAIME BENJUMEA (Colombia) guitarra SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Jóvenes Compositores 2023 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea • Ilustración: Kilka Diseño Gráfico ¡Convocatoria Jóvenes Compositores 2023! 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Jaime Benjumea, guitarra Es uno de los guitarristas más sobresalientes y destacados de su generación con una amplia trayectoria nacional e internacional. Inició sus estudios musicales a los cuatro años y se graduó con honores de los programas de pregrado y maestría en música con énfasis en guitarra clásica de la Universidad EAFIT. Realizó estudios académicos en KASK & Conservatorium, School of Arts Gent (Bélgica) bajo la tutoría de Johan Fostier e Yves Storms. Asimismo, ha recibido clases magistrales con maestros internacionales, entre los que se destacan Gabriel Bianco, Rémi Jousselme, Alberto Mesirca, Fabio Zanon, João Luiz, Michael Newman, Jeffrey McFadden, Guilleme Pérez Quer y Luis Orlandini. Jaime también ha participado activamente en diferentes seminarios, festivales, concursos y conciertos en países como Estados Unidos, Holanda, Alemania, Bélgica, Argentina, Perú, Uruguay y Bolivia. En 2018 actuó como solista junto con la Orquesta Sinfónica EAFIT interpretando el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Ha dado conciertos en el marco de festivales como el III Festival Internacional de Guitarras de Salta (Argentina) en 2020, V Encuentro Internacional Guitarras en el Illimani (La Paz, Bolivia) en 2021, I y II Encuentro Internacional de Guitarra EAFIT (Medellín, Colombia) en 2017 y 2018, y en el II Encuentro de diapasones y cuerdas del mundo (Villavicencio, Colombia) en 2022. Ha sido merecedor de varios premios en concursos de guitarra clásica a nivel nacional e internacional como el VIII Concurso Nacional para Jóvenes Guitarristas en el marco del X Encuentro Internacional de Guitarra Compensar (Bogotá, Colombia) en 2016, II Concurso Internacional de Guitarra Clásica (Cochabamba, Bolivia), y V Concurso Internacional de Guitarra Clásica organizado por la Escuela de Música y Audio Fernando Sor (Bogotá, Colombia) en 2017, Concurso Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica de EAFIT en 2018 y V Concurso Nacional de Guitarra Uni-Quindío Guit-Art Festival (Armenia, Quindío) en 2021. 2 Conozca más acerca de Jaime Benjumea Jaime_Benjumea @jaimebenjumea_guitarist 3 PROGRAMA Fantasía, P1a (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Transcripción para guitarra de Jaime Andrés Benjumea (n. 1996) Sonata para violín No. 1 en sol menor, BWV 1001 (1720) Adagio Fuga Siciliana Presto JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para violín Transcripción para guitarra de Manuel Barrueco (n. 1952) Gran sonata eroica, Op. 150 (1821) MAURO GIULIANI (1781-1829) INTERMEDIO Bambuco en mi menor (1967) ADOLFO MEJÍA (1905-1973) Vendaval (2005) BERNARDO CARDONA (n. 1965) Sonata del caminante (2009) Visión de la Amazonia El gran desierto Danza festiva Tocata nordestina LEO BROUWER (n. 1939) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña La guitarra habita muchos mundos; eso la ha hecho tan amada como despreciada en su paso por la historia y, al mismo tiempo, es lo que la hace capaz de contarnos historias tan variopintas como pocos instrumentos pueden. Su voz se escucha en escenarios tan lejanos como actuales, tan académicos como populares, tan urbanos como bucólicos, lo que dificulta escapar de sus ecos. Con ella se pueden contar relatos que nos hagan bailar en una corte renacentista, en un banquete imperial, en un salón neogranadino, en un malecón caribeño o en una festa junina al nordeste de Brasil, sin temor a los límites del tiempo o de la geografía. A Fancy: Aunque John Dowland (1563-1626) es ahora una de las figuras ineludibles en el repertorio para guitarra y laúd —el último para el cual fue compuesta esta pieza—, su vida no vio el triunfo tan fácilmente: fue rechazado, contratado, solicitado y despedido por cortes de la corona inglesa, una y otra vez. El gozo que sentía por componer y tocar siempre estuvo escoltado por un carácter apesadumbrado que parecía disfrutar de la compañía del dolor; su música nunca escapó de esta dualidad, es el caso de la Fantasía que escucharemos hoy, en la que esta congoja fue traducida, de algún modo, en un afecto más jovial. A Fancy, o Fantasía, P1a, según el catálogo de Diana Poulton, es una muestra de la imposibilidad de reducir los géneros musicales a una sola forma. Esta tiene, por lo menos, dos versiones, como solía suceder en aquel entonces cuando pensar en una obra cerrada e inmodificable no cabía en el quehacer musical, y nos muestra todo lo que puede llegar a ser una fantasía. Podemos ver la libertad que, a partir de sus múltiples secciones, permite que la polifonía y el contrapunto imitativo convivan con lo que pareciera un aire o una canción popular acompañada por un laúd. Logra que los recursos más sutiles del instrumento dialoguen con lo que pareciera una fanfarria, más emparentada con un instrumento de viento en un contexto bélico, que con aquel instrumento de cuerda pulsada que tocaban los ángeles en los lienzos. La relación de Johann Sebastian Bach (1681-1750) con el laúd es efímera, pero no por eso desdeñable, y se reduce a conexiones profesionales con laudistas como Sylvius Leopold Weiss, Johann Kropffgangs o Christian 5 Weyrauch, este último también abogado y responsable de las tablaturas que contienen la muy reconocida Suite BWV 997 y la Fuga BWV 1000. La Fuga mencionada alberga uno de esos ejercicios por los que se suele condenar a los compositores, pero que, en realidad, han sido prácticas asiduamente visitadas, podría decirse, por todos: el autoplagio. Ese hábito que hoy se evita a como dé lugar, pero que otrora era pan de cada día y, sí, una herramienta para aquellos que estaban amarrados y su supervivencia se veía limitada a la entrega periódica de sus creaciones, además de una búsqueda constante de mejores oportunidades laborales. Dicha fuga no es más que la extracción y revisión del segundo movimiento de la Sonata BWV 1001 para violín solo (sin acompañamiento) que el ahora amo del Barroco compusiera hacia finales de 1720, durante su estancia como maestro de capilla en Köthen. Se trata de una sonata da chiesa, es decir, y a muy grandes rasgos, una sonata que solía ser tocada en contextos litúrgicos y alternaba, como era habitual, movimientos de caracteres y procedimientos compositivos contrastantes. Hoy escucharemos la transcripción que realizó el guitarrista Manuel Barrueco; un ejercicio que no ha de pasar desapercibido ni debe darse por sentado, pues, al tratarse de una pieza que fue originalmente compuesta para un instrumento melódico, sin acompañamiento armónico, las decisiones de este último han de ser tomadas por quien se embarque en la valiente labor de la traducción. Gran Sonata Eroica: Mauro Giuliani (1781-1829) nació y murió en Italia, pero gran parte de su vida profesional la llevó como músico de la cámara de la princesa María Luisa, archiduquesa de Austria, y su fama excedió el Imperio Austrohúngaro, llegando hasta Francia. Fue admirado por compositores como Niccolò Paganini, Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, e incluso fue chelista en el estreno de la Sinfonía No. 7 del último. Y, tal vez, queriendo seguir el ejemplo del genio de Bonn y su Sinfonía No. 3 'Eroica', Giuliani se lanzó, como siempre sin miedo a los lindes de la estética contemporánea, a escribir una pieza «de grandísima amplitud y con un estilo nunca antes conocido», como le escribió a Giovanni Ricordi en 1821, quien, a su vez, sería el encargado en publicarla de manera póstuma en 1840. En cualquier caso, es una pieza ciertamente particular, empezando por el hecho de haber sido escrita en un solo movimiento, a pesar de titularse Gran Sonata Eroica, ese género que imperó en el siglo xviii, pero que normalmente contaba con tres movimientos contrastantes. 6 Los contrastes están, eso sí, aunque siempre desafiando las normas de sus contemporáneos y haciendo gala de una poética que no soltaba del todo el gusto por el orden y las formas de la Ilustración, pero que miraba hacia un futuro en donde la libertad y la expresión de todas las facetas de las pasiones humanas volviera a regir la creación musical. Mauro Giuliani, siempre un calmo transgresor, personifica el espíritu de la época en la que fue celebrado y su música nos narra la historia de aquel periodo lleno de contradicciones. Bambuco en mi menor: Yo vengo de un presente sin ayer ni mañana para vivir muriendo me he vuelto temporal. Porque vivo muriendo renazco a cada instante, viajero de mí mismo en pos de mi final. El tiempo y yo marchamos en dirección opuesta yo busco mi ventana él busca mi total.1 Así se describía, en verso, el hijo adoptivo de Cartagena, como llamaron a Adolfo Mejía Navarro (1905-1973), un compositor, poeta, pintor y en general humanista que dedicó su vida al arte. Con un padre orfebre y músico, y una madre que lo impulsó a una vida de búsquedas estéticas, se insertó en el mundo musical desde muy temprana edad, tocando la guitarra, la flauta y el piano. Más tarde continuaría su labor creativa con obras de diversas naturalezas y acercando dos mundos que, por lo menos en Colombia, no eran aceptados como una pareja en muchos círculos intelectuales: la música popular y la académica. Su Bambuco en mi menor para guitarra logra este diálogo, aunque tiene mucho más del espíritu tradicional que el de un lenguaje vanguardista, y es una de esas piezas que se comportan amables y agradecidas con quienes la tocan y la escuchan, pues, a pesar de sus complejidades técnicas, fue escrita 1 Tomado de: https://www.youtube.com/watch?v=KGzSntvW3EI (Restrepo y Likosova, 2005) 7 en un lenguaje completamente idiomático que habla desde la guitarra y sus posibilidades. Vendaval: La música del Caribe colombiano entró muy recientemente al canon sonoro nacional. Antes de los años cuarenta, los sonidos de las costas eran repudiados y mirados con desdén frente a los llamados ‘aires nacionales’ como el bambuco y el pasillo, que, por tener una herencia europea evidentemente trazable, eran ya, en aquel entonces, plenamente aceptados como símbolo patrio. Nadie se esperaba, eso sí, que un carmero como Lucho Bermúdez llegara con su clarinete y encantara a las altas sociedades del interior con su orquesta, abriendo una ventana enorme para quienes vendrían. Actualmente, hay varios compositores que tomaron el relevo en un ámbito más académico, por ejemplo, Bernardo Cardona (n. 1965), guitarrista y compositor antioqueño, quien también se ha preocupado por poner en diálogo a estas dos esferas. En este espíritu, compuso las Cinco piezas costeñas: «Este grupo de piezas busca plasmar en la guitarra solista el sabor propio de algunas músicas bailables populares procedentes de varias regiones de la Costa Atlántica colombiana» (Cardona, 2011, p. 173). Y continúa, a propósito de Vendaval: «…aparecen algunas variantes de los ritmos, acompañamientos, inflexiones melódicas y texturas procedentes de versiones orquestales de músicos como Lucho Bermúdez y Pacho Galán, entre otros» (ídem). Sonata del caminante: Sería arriesgado, mas no del todo errado, decir que Leo Brouwer (n. 1969) puede ser actualmente el compositor más tocado por guitarristas — estudiantes y profesionales—: más que todos los grandes como Giuliani, Fernando Sor, Joaquín Rodrigo o Heitor Villa-Lobos. Y es que el lenguaje con el que compone el cubano es tan suyo como de todos, esto hace difícil dejar de sentirse atraído por alguna de sus piezas que pueden hacer magia con las cuerdas al aire, así como con digitaciones y vericuetos solo aptos para los más virtuosos. La Sonata del caminante pertenece a este último grupo, pues la compuso para Odair Assad, el brasilero que, junto con su hermano Sergio, son ya leyendas vivientes. En palabras del compositor: La Sonata del Caminante fue compuesta en pocos días para Odair Assad. La composición es como un parto, con dolor, esfuerzo y gozo, pero en este caso, todo fue orgánico. Pensar y hacer eran lo mismo. Lo que es un reto para cualquier 8 guitarrista virtuoso, es ordinario para Odair… Temáticamente no van a encontrar en la Sonata del Caminante melodías dulces, ni graciosas batucadas; si hubo algo que quise encontrar, fue ‘intensidad’. Espero haber tenido éxito en ello2 (Brouwer, citado en Chamorro y González, 2014). Referencias bibliográficas y audiovisuales Cardona, J. (2011). Influencia de la música costeña en Medellín. Análisis musicológico de las 5 piezas costeñas para guitarra de Bernardo Cardona Marín. Artes la revista. 10(17), 159-185. Tomado de: https://revistas. udea.edu.co/index.php/artesudea/article/view/24308/19858 Chamorro, P. y González, P. M. (2014). Leo Brouwer: Music for bandurria and guitar. [CD]. Alemania. Naxos Rights US, Inc. Restrepo, H. y Likosova, G. (2005). Viajero de mí mismo. [Documental de Youtube]. https://www.youtube.com/watch?v=KGzSntvW3EI Daniela Peña Jaramillo. Es guitarrista clásica de la Pontificia Universidad Javeriana. Actualmente participa, con la guitarra barroca y la tiorba en el Ensamble Barroco de Bogotá y se encuentra realizando un doctorado sobre el primer libro para laúd de Vincenzo Galilei, en la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha escrito reseñas para la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y ha colaborado con la revista El Malpensante. 2 Traducción realizada por Daniela Peña Jaramillo 9 Foto: Laura Daniela Muñoz González Foto: Chelo Camacho Concierto de Quinteto Vástago (Colombia), quinteto de maderas Jueves 1 de junio de 2023 6:30 p.m. Concierto de Santiago Duque (Colombia), piano Jueves 8 de junio de 2023 6:30 p.m. 10 Juanita Lascarro, cantante · Foto: Diana Karch TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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