Derecho ambiental internacional para el siglo xxi: la constitucionalización del derecho a un medio ambiente sano en la Corte Interamericana de Derechos Humanos Opinión Consultiva número 23
Miércoles 2 de mayo de 2018 · 6:30 p.m.
Popayán, Auditorio del Banco de la República
Cód. PULEP: BAO541
Viernes 4 de mayo de 2018 · 6:30 p.m.
Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
Cód. PULEP: NDO779
Domingo 6 de mayo de 2018 · 11:00 a.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Cód. PULEP: QMS654
Viernes 18 de mayo de 2018 · 7:00 p.m.
Villavicencio, Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir
de la Biblioteca Germán Arciniegas
Cód. PULEP: NWK416
Viernes 14 de septiembre de 2018 · 7:15 p.m.
Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la
Universidad Industrial de Santander
Foto: Gabo&Mafe Fotografía
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
VIVIANA SALCEDO oboe / corno inglés (Colombia)
RAÚL MESA
piano (Colombia)
TOME NOTA
En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por
la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 #
4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea
habilitado.
En Manizales, el auditorio cuenta con accesibilidad para personas con movilidad reducida
desde la puerta principal del Centro Cultural.
En Popayán, el ingreso al auditorio de personas con movilidad reducida es por la rampa
ubicada en la carrera 6 con calle 3, esquina. Es importante dar aviso al personal de seguridad
para ubicar su posición dentro del auditorio.
En Villavicencio, el acceso al Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir de la Biblioteca Germán
Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la
Carrera 45A # 8-16.
En Bogotá, el servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. Para
acceder a esta tarifa debe presentar la boleta del concierto al momento de realizar el pago por
el servicio de parqueadero.
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el
programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto
con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará
el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas
por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al
programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una
vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con
el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.
Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos,
incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un
ambiente propicio para disfrutar la música.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido
realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas,
reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al
siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo
electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional
01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes
oficinas del Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la
República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo
P
1
VIVIANA SALCEDO
oboe / corno inglés
Oboísta egresada del Conservatorio de Música de
la Universidad Nacional de Colombia, en donde
se formó con el maestro Andreas Schneider.
Beneficiaria de la Beca Jóvenes Talentos 2012 del
Banco de la República, gracias a la cual realizó sus
estudios de maestría en la Royal Academy of Music
en Londres, Inglaterra, en la cátedra de oboe de
Celia Nicklin y Melanie Ragge y de corno inglés
de Jill Crowther. Fue ganadora del X Concurso de
Interpretación Musical «Ciudad de Bogotá», en
la categoría juvenil, de la serie Jóvenes Intérpretes
2011 del Banco de la República y del concurso
Jóvenes Solistas 2011 de la Orquesta Filarmónica de
Cali; también fue invitada como Joven Talento del V
Festival Internacional de Música de Cartagena. Ha
hecho parte de la Filarmónica Joven de Colombia,
la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la
Britten-Pears Symphony Orchestra, la Penderecki
Music Academie Westfalen, la Royal Liverpool
Philharmonic Orchestra, la Southbank Sinfonia
2015 y de la Royal Scottish National Orchestra.
Como estudiante de la Royal Academy of Music fue ganadora del Paddy Purcell
Award 2013, del Barri Grimaldi Prize para corno inglés, solista 2013, y del Janet
Craxton Memorial Prize 2014.
Viviana ha recibido clases magistrales con Daniel Bates, Pedro Díaz,
Alex Klein, Nicholas Daniel, Ingo Goritzki, Thomas Indermühle, Nora
Cismondi, Fabien Thouand, Domenico Orlando, Maurice Bourgue, Hansjörg
Schellenberger, David Walter, Emanuel Abbühl, Albrecht Mayer, Jean-Louis
Capezzali y Jonathan Kelly, y ha trabajado bajo la batuta de importantes
directores como Thierry Fischer, Maxim Vengerov, Yan Pascal Tortelier, Sir Mark
Elder, Baldur Brönnimann, Semyon Bychkov, John Wilson, Antonio Pappano,
Vladimir Ashkenazy y Christoph von Dohnányi.
Actualmente, se desempeña como profesora de oboe de la Universidad
Central, de la Pontificia Universidad Javeriana y es Oboísta Asistente de Principal
en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia.
Foto: Gabo&Mafe Fotografía
2
RAÚL MESA FONSECA, piano
Inició sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja. Es
Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia.
Actuó como solista con la Banda Sinfónica de Vientos de Boyacá bajo la dirección
de su padre, el maestro Fabio Mesa, con quien también realizó sus primeros
estudios de dirección. Se graduó como Especialista en Dirección de Orquesta
en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Obtuvo su título como Magíster
en Música de la Universidad Duquesne en Pittsburgh (Estados Unidos), donde
estudió con David Allen Wehr y Natasha Snitkovsky. Culminó sus estudios de
Maestría en Dirección Sinfónica en la Universidad Nacional de Colombia, bajo
la guía del maestro Guerassim Voronkov. Fue ganador del primer premio en el
Concurso Nacional de Piano de Bucaramanga en el año 2003. Al año siguiente
representó a Colombia en el Festival Internacional de Piano de la Universidad
Industrial de Santander en Bucaramanga y tocó como solista con la Orquesta
Sinfónica Nacional de Colombia.
En varias ocasiones ha colaborado con destacados solistas internacionales
como el violonchelista colombiano Santiago Cañón Valencia y el oboísta
suizo Emanuel Abbühl. Asimismo, ha sido convocado para tocar y colaborar
en importantes eventos tales como el Festival Internacional de Música de
Cartagena, la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, el
Festival Internacional de la Cultura en Tunja, la Semana del Clarinete en Tunja,
la Noche de Violas de la Universidad Javeriana, el Festival Colombia Tuba y el
Taller Nacional de Dirección - Orquesta Filarmónica de Bogotá.
Con el clarinetista boyacense Fredy Pinzón conforman el Dúo Debussy y,
recientemente, lanzaron el disco compacto titulado Contrastes, que se compone
de un repertorio universal, latinoamericano y nacional. Con el pianista
colombiano Javier Camacho fundó el Dúo Rachmaninoff, con el que realizó
recitales a dos pianos en el 2015 en las ciudades de Pittsburgh y Morgantown en
Estados Unidos.
Es Profesor Asociado de la Universidad Nacional de Colombia, en donde se
desempeña como docente de piano, pianista colaborador y coordinador del Área
de Acompañamiento.
El concierto en Bucaramanga
cuenta con el apoyo de
El concierto en Villavicencio
cuenta con el apoyo de
3
PROGRAMA
Sonata para oboe y piano (1947)
Aria. Grave
Scherzo. Vif
Final. Assiz allant
HENRI DUTILLEUX (1916-2013)
Sonata para oboe solo
(1956-1957, rev. 1999)
Präludium
Capriccio
Aria
Finale
HEINZ HOLLIGER (n. 1939)
INTERMEDIO
Liebesruf eines faun (1954) HANS STEINMETZ (1901-1975)
Para corno inglés y piano
Divertimento (1853) EUGÈNE BOZZA (1905-1991)
Para corno inglés y piano
Amelia: un pensamiento del
Baile de máscaras
ANTONIO PASCULLI (1842-1924)
Para corno inglés y piano
Sobre un tema de la ópera Baile de máscaras de
Giuseppe Verdi (1813-1901)
CONCIERTO No. 22
4
NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
El oboe (del francés hautbois) se desarrolló en el siglo XVII –a partir de la
chirimía soprano– para ser empleado en la interpretación de música en recintos
cerrados. La chirimía, un importante miembro de los instrumentos aerófonos de
doble lengüeta, se escuchó en Europa a partir del siglo XIII, y su sonido intenso
y penetrante permitió que se usara, de manera exitosa, en conjuntos destinados
a tocar al aire libre o en grandes salones. El sonido fuerte de las chirimías se fue
adaptando a las necesidades del repertorio más íntimo y ya durante el reinado
de Luis XIV se comenzaron a construir los célebres oboes Hotteterre, en tres
secciones, con su forma cónica característica y obturaciones en el tubo que
debían ser cerradas con las yemas de los dedos para emitir las diferentes notas.
Hasta el siglo XVIII se construyeron oboes en diferentes tamaños que
imitaban la extensión de la voz humana. De esta gama perduraron dos: el tamaño
soprano y el tamaño contralto o corno inglés (con una extensión más grave) que
aún se emplea con regularidad. En el siglo XIX se desarrollaron mecanismos con
llaves para el cierre de las obturaciones. El oboísta envuelve sus labios alrededor
de sus dientes y las cañas, y luego sopla aire con gran presión. Sólo un poco de
aire entra en la pequeña cavidad que queda entre las dos cañas. Esto hace que
el sonido del instrumento sea muy puro, desprovisto de aire excesivo y muy
característico. Por la estabilidad de su sonido, se le asigna la tarea de entonar la
nota ‘la’ con que afina la orquesta al inicio de sus presentaciones. Con su sonido
prístino y nasal, produce melodías dulces y líricas. Precisamente, estas cualidades
permitieron que al inicio del siglo XVIII se popularizara el oboe d’amore, un poco
más grande que el oboe actual (una tercera abajo) y muy común en la música de
J. S. Bach.
Entre las obras más conocidas para el oboe solista figuran el concierto de
Benedetto Marcello, los solos del oboe d’amore de la Misa en si menor de Bach, el
solo de corno inglés en la obertura de Guillermo Tell de Rossini, los conciertos de
Albinoni y el concierto escrito por V. Bellini.
Henri Dutilleux (1916-2013)
En el rico espectro de la cultura musical francesa de la segunda mitad del
siglo XX, Henri Dutilleux ocupó un lugar de altísima estima. Fue uno de los
músicos modernistas que, inspirados en la innovación francesa representada
en la obra de Debussy y Ravel, procedió a experimentar más allá de los logros
5
de sus antecesores y a adentrarse en terrenos del juego sonoro y el atonalismo
serialista. Si bien el listado de composiciones de Dutilleux no es muy grande,
cada una de sus creaciones es un ejercicio estético variado y profundo. Entre sus
piezas orquestales se cuentan dos sinfonías y tres conciertos con solista, pero
sus mayores esfuerzos fueron dedicados a las piezas vocales si bien tuvo una
interesante producción de música de cámara.
Para la creación de sus obras musicales, Dutilleux acudió, con frecuencia,
a imágenes poéticas y pictóricas. Las obras de van Gogh, Proust y Baudelaire
sirvieron de materia prima para algunas de sus obras más importantes. En el
concierto para violonchelo, las citas poéticas fueron incorporadas a la misma
partitura. El título del concierto para violonchelo y orquesta proviene del poema
La Chevelure (La cabellera), más específicamente de la línea que dice Tout un
monde lointain, absent, presque défunt (Todo un mundo lejano, ausente, casi muerto).
El concierto para violín se titula L’arbre des songes (El árbol de sueños) y el cuarteto
para cuerdas Ainsi la nuit (Así la noche). Recibió premios y comisiones de muchas
instituciones, entre ellas las orquestas sinfónicas de Berlín y Boston, y de muchos
solistas destacados como Isaac Stern, Mstislav Rostropovich, Paul Sacher y Anne
Sophie Mutter.
La Sonata para oboe y piano de 1947 no tiene un título sugestivo y está
concebida en tres movimientos tradicionales. Apareció como parte del repertorio
obligado para los exámenes de oboe en el Conservatorio de París, en donde
enseñaba el compositor. En esta obra se pueden escuchar algunos de los caminos
musicales trazados por Debussy y Ravel. Precisamente, por esta razón, Dutilleux
quiso borrar la obra del listado de sus composiciones. Le parecía escrita con prisa,
sin una visión estética original propia y con un final de ambiente excesivamente
ligero. A partir de las obras de 1948, Dutillieux recomenzó el conteo de sus
composiciones.
El primer movimiento es austero y se inicia con un canon. La textura imitativa
se mantiene a lo largo del movimiento, pero cede en los dos movimientos
siguientes, un Scherzo vivo en tiempo de marcha y un final con bastante energía
(Assiz allant).
Heinz Holliger (n. 1939)
A partir de 1960, el compositor y oboísta suizo Heinz Holliger estuvo ligado
a la vanguardia europea representada por el músico francés Pierre Boulez. Las
primeras composiciones de Holliger surgieron hacia 1953 e hicieron uso de las
técnicas serialistas empleadas por los compositores Webern y Berg. Sin embargo,
el enfoque primordialmente contrapuntístico de estas técnicas se difuminó
cuando Boulez comenzó a hacer énfasis en las sonoridades armónicas. A partir
6
de la obra Secuencias sobre Juan I: 32 de 1962, Holliger abandona el uso de las
series. También a partir de esta obra, Holliger comienza a inspirarse en diversos
tipos de textos literarios para sus composiciones, aún para aquellas de índole
enteramente instrumental. Su estética evolucionó hacia el trabajo dramático y la
experimentación electroacústica.
La obra de Holliger abarca todos los géneros musicales, desde los dramáticos
hasta los de cámara y vocales. Sus composiciones denotan la búsqueda por
los límites del sonido y la Sonata para oboe solo es un buen ejemplo de dicha
búsqueda. Es evidente la vocación virtuosística de la pieza, en sus rápidas escalas,
ornamentaciones y complejidad contrapuntística. Si bien se percibe la obra
como un trozo lúdico y expresivo, contiene auténticos gestos de grandeza. En
la introducción, a manera de Preludio, el compositor presenta la base armónica
de la pieza con contenido altamente cromático, enteramente atonal sin emplear
series. Igualmente, sugiere las capacidades expresivas de su discurso y su
intención de usar un amplísimo rango de sonidos. El Capricho es el movimiento
estructuralmente más complejo si bien se desarrolla de manera ligera y juguetona
para esconder la presencia de la polifonía de voces que conversan animadamente.
Lo profundo y lo conmovedor tienen su momento más intenso en el Aria, un
trozo de ritmo fluido y suelto. Para el final, Holliger emplea un ritmo complejo
e incesante con énfasis en el mensaje del virtuosismo. La obra fue escrita entre
1956 y 1957, y revisada en 1999 para dedicarla a la memoria de su profesor de
oboe Émile Cassagnaud. Holliger está asociado a la casa editorial Schott y en su
página web es posible consultar detalles de su trayectoria e inclusive, consultar
algunas de las partituras1.
Eugène Bozza (1905-1991)
Bozza nació en Niza en 1905 y se destacó por sus logros en el campo de la
dirección, la pedagogía musical y la composición, sobre todo, en lo referente al
enriquecimiento del repertorio para los instrumentos de viento. Su formación
académica fue producto del Conservatorio de París; recibió el codiciado Prix
de Rome en 1934 por su cantata La légende de Roukmani y llegó a ser director
de la Escuela de Música en Valenciennes. Entre 1938 y 1948, en los años de
guerra, actuó como director de la ópera cómica en París y se desempeñó luego
como director de la École Normal de Musique entre 1951 y 1975. Su música
continúa con la tradición, muy francesa, en torno a la escritura para instrumentos
de madera: Francia ostenta una larga experiencia en cuanto a la construcción de
estos instrumentos y a la creación de un repertorio adecuado para los mismos.
1 La página es: www:https://en.schott-music.com/shop/autoren/heinz-holliger
7
El estilo de Bozza se caracteriza por la fluidez melódica, los detalles claros de la
estructura y la experimentación con la calidad del sonido de los instrumentos para
los cuales escribe. Sus obras poseen una gran elegancia estructural, sonoridades
brillantes y dificultades técnicas interesantes. Con títulos como Fantasía pastoral,
Improvisación y capricho o Divertimento, presenta obras sugestivas con la potestad
de combinar episodios libres al estilo de cadencias que parecen improvisadas,
dar rienda suelta a un lirismo intenso o simplemente hacer empleo de ritmos
de danza. Estos tres momentos se reconocen claramente en el Divertimento para
corno inglés y piano que se inicia con pentafonías exóticas, dando paso a una
sección media conmovedora de rico colorido armónico para rematar en un
animado pasaje dancístico.
Antonino Pasculli (1842-1924)
El músico italiano Antonino Pasculli fue un oboísta legendario, cuyas habilidades,
en su momento, fueron equiparadas a las del célebre Paganini, quien hiciera
historia con sus grandes despliegues de virtuosismo con el violín. Geoffrey
Burgess anota lo siguiente acerca de Pasculli:
Inició su carrera a los 14 años y realizó giras por Alemania, Italia y Austria. Fue
uno de los primeros oboístas de las regiones italianas y austriacas en usar un
oboe francés y era afamado por su estilo de bravura, ligero y sin esfuerzos. Con
su nombramiento en el Conservatorio de Palermo, a partir de 1860 terminó
su carrera itinerante. A partir de 1879 fue nombrado director de los conjuntos
musicales de Palermo, trabajo al cual dedicó tiempo y energía. Insistió en que
los músicos de banda aprendieran un instrumento de cuerdas para así ejecutar
obras de Wagner, Debussy, Grieg y Sibelius. Debido al desarrollo de problemas
de visión, ofreció su último concierto público en 1884 y se retiró, en 1913, de la
dirección de la banda sinfónica que él mismo creara. No sólo elaboró material
pedagógico, sino que compuso música para su propio uso, tales como variaciones
sobre temas operáticos populares y obras para banda. Entre sus composiciones
más complejas figuran los poemas sinfónicos Naiadi e Silfidi (Náyades y Sílfides)
y Di qui non si passa (De aquí no se pasa), una elegía por la muerte de su hijo
(Burgess, G.; Grove Music Online).
De acuerdo con el gusto de la época, muchas de las composiciones de
Pasculli giraron en torno a la ópera italiana. Gran parte del público conocía las
arias destacadas de las óperas más populares, lo cual le permitió a Pasculli realizar
diversas composiciones basadas en la variación de estos temas. Entre sus obras
referidas a la ópera figuran El homenaje a Bellini, una fantasía original para corno
inglés y arpa, la fantasía sobre la ópera Poliuto de Donizetti, la fantasía sobre Los
Hugonotes de Meyerbeer, un gran concierto sobre temas de las Vísperas sicilianas
de Verdi y el concierto sobre temas de La favorita de Donizetti. Hoy escuchamos
8
sus variaciones sobre Baile de máscaras de Verdi, que se centran en el personaje
trágico de Amelia, destrozada por el amor que siente por su marido y a su vez por
Riccardo, el conde de Warwick. En Amelia: un pensamiento del Baile de máscaras
de Verdi, el piano inicia con una introducción a la manera de un pasaje orquestal
operático que prepara el aria de uno de los protagonistas. Efectivamente, el corno
inglés hace su entrada operática para luego entonar melodías sentimentales, una
tras otra, hasta llegar a la explosión virtuosística del final con la ejecución de
escalas y figuras a gran velocidad.
Bibliografía
Burgess, G. (8 de marzo de 2018). Antonino Pasculli, Grove Music Online: Ed. L.
Macy. Recuperado de http://www.grovemusic.com
Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad
Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección
de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del
Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural.
Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana
y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista
‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada
del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional
y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de
la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de
Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad
de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos
organizaciones.
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Boletas: Síganos en
Serie profesional: $10.000
Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000
Aplican descuentos
Mayor información en
www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical
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República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
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MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)
Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões
CUARTETO FAURÉ
cuarteto con piano (Alemania)
Jueves 7 de junio · 7:30 p.m.
VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia)
Domingo 8 de julio · 11:00 a.m.
STEFAN TEMMINGH, flauta dulce
(Sur África / Alemania)
WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania)
Domingo 29 de julio · 11:00 a.m.
BILIANA VOUTCHKOVA, violín
(Bulgaria/Alemania)
ROY CARROLL, electrónica
(Irlanda/Alemania)
Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO CASTALIAN
cuarteto de cuerdas (Reino Unido)
Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO COLOMBIANO
música tradicional colombiana (Colombia)
Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México)
Miércoles 19 de septiembre
6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista
7:30 p.m. · Concierto
CUARTETO LATINOAMERICANO
cuarteto de cuerdas (México)
Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m.
VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE
dúo de pianos (España)
Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m.
SON DE MADERA, son xarocho (México)
Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m.
JAMES JOHNSTONE
clavecín/órgano (Reino Unido)
Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE
LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia)
Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Foto: Carlos Romero
Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383.
MÁRIO LAGINHA
Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)
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Programa de mano - Viviana Salcedo, oboe / corno inglés (Colombia)
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La relación entre las políticas de inversión extranjera en Colombia y los acuerdos internacionales de inversión
Foto: Sonia Hernández Muñoz
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
JUAN FELIPE
SALAZAR órgano (Colombia)
Jueves 17 de mayo de 2018 · 7:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Cód. PULEP: WSD890
TOME NOTA
El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada
Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84.
Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea
habilitado.
El servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a
partir del ingreso del vehículo. Transcurridas las 4 horas se cobra tarifa plena. El pago por
el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del
concierto.
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el
programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto
con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará
el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas
por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al
programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una
vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto,
con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.
Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos,
incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un
ambiente propicio para disfrutar la música.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido
realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas,
reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar
al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al
correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita
nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las
diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al
siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista
de correos.
Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente
enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que
encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
P
1
JUAN FELIPE SALAZAR
órgano
Pianista egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de
Colombia. Cursó la carrera de Música instrumental en la cátedra de la maestra
Ángela Rodríguez Piñeros.
Comenzó sus estudios de piano con la maestra Blanca Bernal en la escuela de
música La Clave. Posteriormente, en el 2011, se graduó como bachiller técnico en
la especialidad de música en el Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco. Ese
mismo año ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad
Nacional, donde dos años más tarde fue admitido al programa de pregrado. A
lo largo de su carrera y como parte del currículo, su formación pianística se vio
complementada con los componentes de libre elección dedicados al órgano.
Dentro de estas asignaturas estudió bajo la guía del maestro Mauricio Nasi, con
quien emprendió una perpetua adquisición de conocimientos para dominar el
aerófono con teclados. Paralelamente ha participado activamente en talleres y
cursos de órgano en la Biblioteca Luis Ángel Arango con Esteban Elizondo y
Pascal Marsault; de piano con Ludmila Weber, de improvisación con Rudolf
Lutz, de clavecín con Carole Cesari y de acompañamiento con Philippe Raskin.
También, en el marco del ciclo de conciertos Bach en Bogotá de la Catedral
Primada, ha tomado parte en las clases impartidas por Pavel Svoboda, Cristina
García y Matthias Havinga.
Con la puesta en práctica de todos estos saberes, ha realizado numerosas
presentaciones que incluyen conciertos con orquesta y recitales como solista,
acompañante y en grupos de cámara, en emblemáticos templos de Bogotá y
Cundinamarca, como la Iglesia de Nuestra Señora de la Candelaria, la capilla de
los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, la Iglesia evangélica luterana San
Mateo, la Capilla del Seminario Mayor de Bogotá, el Monasterio San Benito en
El Rosal y la Iglesia de los Santos Ángeles Custodios.
Durante su paso por la Universidad Nacional fue solista en el ensamble
barroco de música antigua, con el que se presentó en el Auditorio Olav Roots en el
2015. Al año siguiente actuó bajo la dirección del maestro Fernando Parra con el
órgano de la capilla Cristo Maestro de la misma universidad, en la interpretación
del Gloria de John Rutter, junto con el conjunto de cobres del conservatorio de
música y los coros de las maestras Beatriz de Calle y Sandra Patricia Rodríguez.
Actualmente adelanta estudios de filología en alemán en el Departamento de
Lenguas Extranjeras de la Universidad Nacional de Colombia.
2
PROGRAMA
Corrente italiana (s. f.) JUAN BAUTISTA JOSÉ CABANILLES
(1644-1712)
Aria Sebaldina en fa menor, P.198 (1699) JOHANN PACHELBEL
(1653-1706)
Fantasía y fuga en la menor, BWV 904
(c. 1725)
JOHANN SEBASTIAN BACH
(1685-1750)
INTERMEDIO
Lied en la bemol mayor
Coral en sol menor
LOUIS VIERNE (1870-1937)
Dos obras del segundo libro de
24 piezas en estilo libre, Op. 31 (1914)
Concierto para órgano solo, Op.153a
(adap. 2017)
Andante maestoso
Quasi adagio
Allegro - Toccata
MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949)
JUAN FELIPE SALAZAR (n. 1995)
Adaptación del Concierto para órgano
y orquesta, Op.153 (2016) de
MAURICIO NASI LIGNAROLO
CONCIERTO No. 24
3
LA INMENSIDAD DEL SONIDO
Por Angélica Daza
«El órgano es, todavía, a mis ojos y a mis oídos,
el rey de todos los instrumentos.»1
W. A. Mozart
Así respondió el famoso músico austriaco cuando uno de sus contemporáneos
se sorprendió al enterarse de su interés por interpretar el instrumento: «¡Cómo!
¿Un hombre como usted, tan buen pianista, quiere tocar un instrumento en
el que no hay suavidad ni expresión, ni piano, ni forte, sino que es siempre el
mismo?»2 (Curzon, 1888, 105).
Esta frase resume la opinión que en muchos medios se tuvo del órgano
durante el clasicismo, época en la que, en comparación con el Barroco, el
instrumento entró en decadencia. El abandono del bajo continuo en la música
clásica y la invención del piano, instrumento más sencillo de manejar y que podía
producir nuevos matices, contribuyeron a este olvido progresivo. El órgano
tendría que esperar al post-romanticismo y al siglo xx para renacer de las cenizas.
El ‘rey de los instrumentos’ es muy antiguo: su origen se remonta al siglo
III a. C., y desde entonces ha sufrido adaptaciones y evolucionado en distintos
contextos y lugares, para mejorar y ampliar sus capacidades sonoras. Más que
un instrumento, es una increíble obra de ingeniería, compleja y sofisticada,
que puede alcanzar proporciones gigantes. Los órganos de iglesia más grandes
forman parte estructural y estética de los edificios a los que pertenecen. Los
órganos de la Edad Media y el Renacimiento eran mucho más pequeños y algunos
estaban dotados de mecanismos hidráulicos variados y complejos. Se dividían
básicamente en positivos (los que se emplazaban en un lugar) y portativos
(los que se podían transportar). Los positivos, aunque más grandes que los
portativos, podían desplazarse y no estaban fijos en algún lugar de la iglesia ni
integrados a su arquitectura. Williams (1984, 854), en The Grove Dictionary of
Musical Instruments, menciona que el órgano fue un instrumento exclusivamente
1 «L’orgue est pourtant à mes yeux et pour mes oreilles le roi des instruments». Extraído
de la carta escrita por Mozart a su padre el 17 de octubre de 1777 desde Augsburgo.
Traducción por A. Daza.
2 «Comment! Un homme comme vous, un si grand pianiste veut jouer d’un instrument où il
n’y a ni douceur, ni expression, ni piano ni forte, mais qui est toujours le même». Mozart, en
la carta a su padre del 17 de octubre de 1777, transcribió este comentario hecho por M.
Stein. Traducción por A. Daza.
4
eclesiástico entre los años 900 y 1200 d. C.. El nacimiento de la polifonía y de las
catedrales góticas produjo importantes avances estructurales en su mecanismo,
tamaño y técnica.
En rasgos generales, un órgano está conformado por:
• Una fuente de alimentación de aire o fuelles: Anteriormente, estos eran
activados por personas, y más recientemente, por un motor. El aire es llevado
por conductos de alimentación hasta los fuelles de compresión y los secretos.
• Mecanismo de compresión de aire: La presión del aire en un órgano es
tan importante como en cualquier otro aerófono, pues es lo que asegura la
afinación. En los instrumentos modernos este mecanismo es eléctrico.
• Secreto: Es la estructura en donde se organizan los tubos y se ubican las
válvulas que permiten o no el paso del aire.
• Tubos: Organizados en juegos, como una familia de instrumentos, van de
los más graves a los más agudos y pueden medir desde algunos milímetros
hasta varios metros. Tienen distintas formas (cilíndricos, cónicos, tapados,
destapados, etc.) y son fabricados en diversos materiales.
• Mueble externo o consola: Es el lugar donde se encuentran los teclados
manuales y el pedalero, donde se activan los sonidos. Allí también se
encuentran la caja de expresión y las palancas que accionan los registros.
• Teclados: Los que se tocan con las manos (manuales), están superpuestos
unos a otros y pueden ser entre 2 y 5, según el tamaño del instrumento,
pudiendo llegar a cubrir un máximo de 10 octavas. El pedalero es un teclado
más grande, de madera, que se toca con los pies, y es el que activa los sonidos
más graves.
• Registros: Accionados desde la consola por palancas o botones, permiten
que se activen ciertos tubos o familias de tubos a voluntad del intérprete.
La complejidad y belleza del instrumento radica, entre otros aspectos, en la
diversidad de timbres que produce. Algunos tubos tienen biseles o lengüetas,
detalles que influyen en el sonido tanto como el material o el tamaño de los
tubos. La caja de expresión es un juego de tubos ubicados en el interior de una
caja que se abre o se cierra para modular la intensidad del sonido; al igual que
la técnica de acoplar los teclados, que permite duplicar los sonidos, la caja de
expresión fue ideada en un intento por dotar al órgano de mayor expresividad.
La belleza arquitectónica de estos instrumentos salta a la vista, y tal es el
caso del órgano que escucharemos en el concierto de hoy. Fue construido para
la inauguración de la sala de conciertos —que se llevó a cabo el 25 de febrero
5
de 1966— por el alemán Oskar Binder3 (1911-1990), representante de la casa
Walcker. Consta de tres teclados manuales (concertino, positivo y gran órgano),
un pedalero y 2436 flautas que miden desde 7 milímetros hasta 5,5 metros4.
Según Juliana Pérez, «este nuevo recinto nació con un órgano tubular, fue el
primero en Colombia y sigue siendo el único en su clase que cuenta con un
órgano» (Pérez, 2009, 34). Dotar a la sala de conciertos con un órgano tubular
contribuyó de forma importante a promover el repertorio del instrumento más
allá del recinto eclesiástico.
El recital de esta noche está compuesto por obras de comienzos de los siglos
xx y xxi y por algunas obras del periodo barroco, uno de los más ricos en la
historia del órgano.
En los siglos xvi y xvii, la técnica de construcción de los órganos se
perfeccionó independientemente en cada país de Europa. Por ejemplo, el
órgano español en el que compuso Juan Bautista José Cabanilles (1644-
1712) se distinguía de los demás por la disposición horizontal de algunos
tubos (trompeterías o lengüeterías) que producían un sonido más brillante y
majestuoso. Los órganos españoles no tenían pedaleros o estos eran pequeños.
Cabanilles representó la cúspide de la escuela organística española iniciada por
Antonio de Cabezón (1510-1566) en el Renacimiento. Su especialidad eran
los tientos, forma instrumental hispano-portuguesa, de la que fue prolífico
compositor. Según Climent (1999, 828), «hay que pensar, sobre todo, que la
música de Cabanilles es típicamente española», pues parece no haber estado en
contacto con otros estilos de escritura, o por lo menos, asegura él, no existen
pruebas de ello. Bernal (2015) considera que existen varias razones para dudar
sobre la autoría de Corrente italiana, obra que escucharemos hoy y que recuerda
el estilo italiano de la época (melodía con acompañamiento), ya que no hay una
mención explícita a Cabanilles. Dicha consideración abre un debate que debe ser
explorado o resuelto antes de retirarle la atribución al compositor español.
Por su parte, el órgano barroco alemán, sobre todo el del norte, fue
notablemente más perfeccionado: varios teclados superpuestos, pedalero y
juegos de tubos independientes separados por los secretos fueron avances que
contribuyeron a la creación de una escuela nacional alemana.
3 A Binder también se debe la construcción de otros órganos en Colombia, como el de la
iglesia de Nuestra Señora de Lourdes, el de la catedral metropolitana de Medellín, el del
conservatorio de la Universidad Nacional y el del Gimnasio Moderno, entre otros.
4 Según palabras del mismo Oskar Binder, quien describió las características de este
órgano (ver artículo sobre los instrumentos musicales de la Sala de Conciertos en el
portal cultural del Banco de la República).
6
Uno de los más importantes representantes de la escuela del sur de
Alemania fue Johann Pachelbel (1653-1706), notable organista, famoso por
la composición de fugas, chaconas, tocatas, preludios corales y música litúrgica.
Después de trabajar en distintas ciudades, llegó a Núremberg, donde publicó en
1699 una de sus obras más célebres, el Hexachordum Apollinis (Las seis cuerdas
de Apolo) para órgano o clavecín5. Está compuesta por seis arias, cada una con
cinco o seis variaciones. De esta colección escucharemos la sexta y última, el
Aria Sebaldina. Se diferencia de las demás en que es la única que está escrita en
ritmo ternario y tiene el mayor número de variaciones, ocho en este caso. Lleva
el nombre del patrono de la iglesia en la que trabajaba Pachelbel en Núremberg,
San Sebaldo. Es posible que hoy escuchemos, además, una novena variación
preparada por el intérprete, en la que expondrá otras diferencias melódicas y
armónicas del tema principal.
El mayor representante de la escuela del norte de Alemania fue también
uno de los organistas más importantes de la época: Johann Sebastian Bach
(1685-1750). Nació en una familia de músicos en la que el órgano jugó un
papel fundamental. Siendo joven aún, comenzó a estudiarlo bajo la tutela de su
hermano mayor, Johann Christoph, reconocido organista. Johann Sebastian fue
un prolífico compositor de cantatas, oratorios, conciertos y música de cámara,
y sus composiciones para órgano, de las que se cuentan cerca de 227, no son
menos importantes. Bach fue una autoridad en la técnica de interpretación y
composición para el instrumento. La obra que escucharemos hoy, Fantasía y fuga
en la menor, BWV 904, fue escrita originalmente para clavecín (está indexada
en las obras escritas para este instrumento), pero, como muchas de las obras
para teclado de Bach, es frecuentemente interpretada en el órgano. Compuesta
entre 1723 y 1725, al comienzo de su época en Leipzig, donde Bach trabajaría
los últimos años de su vida, la fantasía contiene varios pasajes en contrapunto
libre que dan material a la posterior doble fuga; en esta, dos temas disímiles se
entretejen gracias al ingenio del músico, a quien se atribuye el perfeccionamiento
de esta técnica compositiva.
El órgano francés que conoció Louis Vierne (1870-1937) gozaba ya
de numerosas ventajas tecnológicas y mejoras técnicas en comparación
con aquellos que pudieron conocer Cabanille, Pachelbel o Bach. Vierne fue
discípulo de César Frank y Charles-Marie Widor, y continuó después de ellos
la tradición del órgano francés. Mucho se ha dicho de la vida de este músico
que parece no haber nacido con buena estrella: casi completamente ciego de
nacimiento, estudió en el Instituto de Jóvenes Ciegos, en donde conoció a César
Frank; estudió y trabajó en el conservatorio sin lograr jamás el título de profesor.
5 En la época no era común atribuir una composición a un solo instrumento.
7
Divorciado, perdió a sus dos hijos en la Primera Guerra Mundial y, finalmente,
una fractura en la pierna izquierda lo obligó, a mitad de su carrera, a reestudiar su
técnica en el pedal. A pesar de ello, en 1900 ganó el concurso que lo convertiría
en el organista oficial de la catedral de Notre Dame de París, en donde trabajó
hasta su muerte, acaecida el 2 de junio de 1937 mientras tocaba su concierto
de despedida, el número 1750 de su carrera, en medio del cual sufrió un ataque
fulminante al corazón. Reconocido improvisador, desarrolló un lenguaje único
y libre. Entre sus obras más importantes están las 24 piezas en estilo libre, Op. 31
para órgano, divididas en dos libros (1913-1914), que recuerdan El clave bien
temperado de Bach por la disposición de tonalidades mayores con sus paralelas
menores, aunque, contrariamente a este, las diferentes ‘piezas’ son mucho más
sencillas. En palabras del compositor, «Las obras del presente libro son calculadas
de manera que puedan ser interpretadas a lo largo de la duración normal de un
ofertorio»6 (Vierne, s. f., 4). Del segundo libro escucharemos Coral en sol menor
y Lied en la bemol mayor, de naturaleza íntima y fantasiosa.
El compositor colombiano Mauricio Nasi Lignarolo (n. 1949) tiene un
estilo que, según su propio alumno, Juan Felipe Salazar, puede calificarse de
neoclásico con una fuerte tendencia modal. Estudió piano, arpa y biología, y
se ha desempeñado por muchos años como organista y profesor. Nos refiere
el intérprete que, con frecuencia, Nasi retoma obras suyas y las adapta a otro
formato. Este es el caso de la obra que escucharemos hoy, el Concierto para
órgano solo, Op. 153a (2017). La original, el Concierto para órgano y orquesta,
Op. 153 (obra inédita escrita en el 2016), fue transcrita por profesor y alumno
con el fin de que pudiera ser interpretada únicamente en el órgano. Está
articulada en torno a otra obra del autor, la Toccata No. 23, Op. 117 (2009),
para órgano solista, que constituye el tercer movimiento del Op. 153a. El primer
movimiento, Andante maestoso, contiene una fuga cuyo tema viene también
de la Toccata. La cadencia de ese movimiento está inspirada en otra obra del
autor, el Fandango virtuoso para pedalero de órgano, Op. 147 (2015). El segundo
movimiento, Quasi adagio, es más íntimo y es una transcripción de la obra
original. «La parte de la orquesta en esta obra fue reducida para ser interpretada
por el órgano, con algunos retoques estilísticos para crear una textura idiomática
más apropiada al instrumento», explica el intérprete.
6 «Les pièces du présent recueil sont calculées de façon à pouvoir être exécutées pendant la durée
normale d’un offertoire». Traducción por A. Daza (Véanse las referencias).
8
Referencias
Bernal, M. (2009). La Batalla Imperial y la Corrente Italiana. Razones para dudar
de la atribución a Cabanilles. Recuperado de https://miguelbernalripoll.
files.wordpress.com/2015/09/sobre-la-autoria-de-la-batalla-imperial-y-la-corrente-
italiana1.pdf
Binder, O. El órgano tubular: Historia y aspectos técnicos. Recuperado de http://
www.banrepcultural.org/actividad-musical/la-sala/los-instrumentos
Climent, J. (1999). Juan Cabanilles. En Casares Rodicio, E. (Dir.). Diccionario de
la música española e hispanoamericana. España: Sociedad General de autores
y editores.
Curzon, H. (1888). Lettres de W.A. Mozart, traduction complète. Paris: Librairie
Hachette & compagnie. Recuperado de http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/
bpt6k96320q/f10.image.r=lettres%20de%20Mozart%201777
Pérez, J. (2009). Cita con el órgano, una mirada a la historia del órgano. Bogotá:
Banco de la República.
Williams, P., & Owen, B. (1984). Organ. En Sadie, S. (Dir.) The New Grove
Dictionary of Musical Instruments, (vol. 2). London: Macmillian Press
Limited.
Vierne, L. (s. f.). 24 pièces en style libre pour orgue ou harmonium. Paris: A.
Durand et fils, éditeurs. Recuperado de file:///C:/Users/ANGELICA/
Downloads/39087012036754pieces.pdf
Bibliografía
Houlihan, Ch. (2012). Famous Last Notes: The Epic Death of Louis Vierne.
Recuperado de https://www.huffingtonpost.com/christopher-houlihan/
louis-vierne-concert-organist-tribute_b_1559222.html
Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música
antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la
Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones
sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de
canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra.
Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven
de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas
sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del
Banco de la República.
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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Serie profesional: $10.000
Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000
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MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)
Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões
CUARTETO FAURÉ
cuarteto con piano (Alemania)
Jueves 7 de junio · 7:30 p.m.
VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia)
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STEFAN TEMMINGH, flauta dulce
(Sur África / Alemania)
WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania)
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BILIANA VOUTCHKOVA, violín
(Bulgaria/Alemania)
ROY CARROLL, electrónica
(Irlanda/Alemania)
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CUARTETO CASTALIAN
cuarteto de cuerdas (Reino Unido)
Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO COLOMBIANO
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Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m.
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7:30 p.m. · Concierto
CUARTETO LATINOAMERICANO
cuarteto de cuerdas (México)
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JAMES JOHNSTONE
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Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.
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Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo
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Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta – CLENA
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Jueves 7 de junio de 2018 · 7:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
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Viernes 8 de junio de 2018 · 6:30 p.m.
Cúcuta, Sala múltiple del Área Cultural del Banco de la República
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Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
Foto: Mat Hennek
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Luis Ángel Arango
P
En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada
Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar
aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado.
En Barranquilla, el ingreso al Auditorio Mario Santo Domingo para personas con movilidad reducida
es por la entrada principal del Auditorio de la Biblioteca Piloto del Caribe, ubicada en Vía 40 No. 36-
135 Antigua Aduana, espacio que se encuentra habilitado permanentemente.
En Cúcuta, el ingreso a la Sala múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal
al Área Cultural ubicada en la Diagonal Santander No. 3E-38. Es necesario dar aviso al personal de
seguridad para que el ingreso sea habilitado.
En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y
cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con
tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la
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Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa
de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y
disfrutarlo en su totalidad.
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adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en
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artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
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Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente
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encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
1
CUARTETO FAURÉ
Dirk Mommertz, piano; Erika Geldsetzer, violín;
Sascha Frömbling, viola; y Konstantin Heidrich, violonchelo.
Las reglas han cambiado. Cualquier músico que quiera dedicarse a la música de
cámara hoy en día no puede limitarse a seguir las normas de hace décadas. Las
expectativas con respecto a la diversidad de repertorio ya no son las mismas y esto
les abre el camino a ensambles como el Cuarteto Fauré, que se ha posicionado
como uno de los principales cuartetos con piano en tan solo unos pocos años.
Sus integrantes han sabido aprovechar las oportunidades que se generan gracias
a esta evolución; han descubierto nuevos campos de sonido en la música de
cámara y han interpretado composiciones que se alejan de un repertorio más
tradicional.
El ensamble ha seguido una trayectoria visionaria y se ha destacado por sus
experimentos y descubrimientos. Estos incluyen presentaciones con la NDR
Big-band, colaboraciones con artistas como Rufus Wainwright o Sven Helbig,
presentaciones en clubes como el Berghain, el Cocoon Club o Le Poisson Rouge
en Nueva York o en programas de televisión como KIKA o Rhapsody in School,
en los que despiertan el interés de niños y niñas por la música de cámara. Cuando
lanzaron el álbum Popsongs en 2009, se generó un gran entusiasmo en los medios
y el público. Más adelante, el ensamble fue galardonado con el premio ECHO
Klassik por su álbum Klassik ohne Grenzen (Clásico sin límites), su segundo
Foto: Mat Hennek
2
premio después del que recibieron por la grabación de los cuartetos para piano
de Brahms (Grabación de música de cámara del año, 2008). También fueron
ganadores del Concurso de Música Alemana, del premio por mejor ensamble
del Festival de Mecklenburg-Vorpommern, del Premio Duisburg de Música y del
Premio Brahms de Schleswig Holstein, entre otros.
Los músicos del Cuarteto Fauré se pueden considerar pioneros en muchos
frentes. En 1995, cuando aún eran estudiantes de música, se conocieron en
Karlsruhe con ocasión del centésimo quincuagésimo aniversario de Gabriel
Fauré. En ese momento se dieron cuenta rápidamente de que si se unían,
encontrarían nuevos caminos para explorar un repertorio prometedor. En el
2006, firmaron un contrato con Deutsche Grammophon, que los lanzó a las
grandes ligas en el negocio de la música clásica. Lograron publicar grabaciones
muy valoradas de Mozart, Brahms y Mendelssohn, y de música pop de Peter
Gabriel y Steely Dan, quienes se convirtieron en puntos de referencia.
Las giras que han realizado por varios países del mundo les han permitido
tener una gran acogida en el exterior; en estas giras también ofrecen clases
magistrales como parte de su trabajo con estudiantes de música. Los integrantes
de la agrupación también son profesores en las universidades de Berlín y Essen.
Adicionalmente, son los directores artísticos del Festival de Primavera de Rügen,
así como el cuarteto residente de la Escuela Superior de Música de Karlsruhe.
Durante sus giras, los músicos se presentan en las salas de música de cámara más
importantes del mundo, entre ellas, la Concertgebouw (Ámsterdam), la Alte
Oper (Frankfurt), la Berliner Philharmonie (Berlín), el Teatro Colón (Buenos
Aires) y el Wigmore Hall (Londres). Todo este mosaico completa el perfil
excepcional de este determinante ensamble de música de cámara.
El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de
3
PROGRAMA
Movimiento para cuarteto
con piano en la menor (1876)
GUSTAV MAHLER (1860-1911)
Cuarteto con piano No. 1, Op. 15
(1876-1879, rev. 1883)
Allegro molto moderato
Scherzo: allegro vivo
Adagio
Allegro molto
GABRIEL FAURÉ (1845-1924)
INTERMEDIO
Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 (1861)
Allegro
Intermezzo. Allegro ma non troppo -Trio. Animato
Andante con moto
Rondo all Zingarese. Presto
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
CONCIERTO No. 27
4
NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Gustav Mahler (1860-1911)
Mahler nació en la región Bohemia (hoy República Checa) del Imperio
Austrohúngaro y fue el mayor de seis hijos de una familia judía radicada en el
pueblo de Iglau. Allí, el padre de Mahler se dedicó a la administración de su propia
taberna y si bien ninguno de sus progenitores era músico profesional, el joven
Gustav manifestó tempranamente su interés por el arte y fue alentado por su
familia en sus primeros estudios musicales. En 1875 fue enviado al Conservatorio
de Viena, en donde estudió piano y composición, esta última materia con Joseph
Fuchs, un prominente tratadista de la teoría musical. Mahler vivió la Viena de
Brahms, Wolf y Bruckner, en medio de agitadas discusiones intelectuales en
torno a la filosofía de Nietzsche, el socialismo y el pangermanismo antisemita.
Entre sus obras de juventud se destaca la cantata Das klagende Lied (La canción
del lamento).
A los veinte años inició su carrera profesional en el campo de la dirección
orquestal y sus primeros empleos fueron en la dirección de operetas con algunas
incursiones en el mundo de la ópera. Luego de tres años, logró un nombramiento
en el teatro de la ópera en Kassel que duró entre 1883 y 1885, año en que partió
hacia Praga. En 1887 se trasladó a Leipzig, en donde finalmente su carrera
despuntó. Su nombre comenzó a ser conocido a partir del trabajo que hiciera
en la finalización de una partitura operática de Carl Maria von Weber, Die drei
Pintos (Los tres Pintos), pieza que fue elogiosamente comentada por Richard
Strauss y Tchaikovsky. De su época en Leipzig datan las canciones de Des Knaben
Wunderhorn (El cuerno mágico del mancebo) sobre una colección de antiguos
poemas compilados en una antología de Armin von Brentanno. Los esbozos para
su primera sinfonía también surgieron en estos años.
Para 1898 las obras sinfónicas de Mahler y algunas de sus canciones habían
sido ejecutadas y publicadas, y su nombre comenzó a asociarse con el desarrollo
orquestal de las postrimerías del siglo. A la edad de 42 años contrajo nupcias
con Alma Schindler, una joven estudiante de composición que abandonó sus
aspiraciones artísticas a instancias de Mahler. Conocedora del círculo modernista
de Viena ejerció una gran influencia sobre la vida del compositor. Al igual que
Natalie Bauer-Lechner, con quien Mahler sostuvo una larga relación, Alma
escribió un diario de su vida conjunta con detalles de las actividades cotidianas y
apuntes sobre las composiciones. Los testimonios y recuerdos de Alma Mahler
5
y Natalie Bauer son fuente importante sobre la biografía de Mahler y el proceso
creativo de sus primeras obras.
En las composiciones más tempranas de Mahler, en especial el Movimiento
para cuarteto con piano en la menor escrito a los dieciséis años de edad, no se
vislumbra el futuro sinfonista magistral ni asoma el creador atormentado, pero
sí es posible apreciar el potencial del joven músico, capaz de manejar las formas
tradicionales, presentar ideas musicales novedosas y desarrollarlas a través de
un estilo denso, armónicamente rico y contrapuntístico. Richard Taruskin en su
nota sobre este temprano cuarteto de Mahler anota:
[…] la obra más temprana de Mahler de la cual tenemos noticia es un
movimiento suelto para un cuarteto con piano en la menor (aparentemente
el primer movimiento de un Opus proyectado en cuatro movimientos), que
escribió siendo aún estudiante en el Conservatorio en Viena, probablemente a
fines de 1876 cuando contaba con 16 años. De otras obras tempranas de este
periodo, o anteriores, sólo hay noticias de un cuarteto para dos violines, viola
y piano, un movimiento premiado para un quinteto con piano, las legendarias
cuatro sinfonías de juventud, todas estas, obras extraviadas. La obra que sí
conocemos fue descrita por Mahler (en conversación con Nathalie Bauer-
Lechber en 1893) como la mejor. Fue recibida con entusiasmo y fue ejecutada
en las tardes de música de cámara en el hogar de Theodor Billroth, un eminente
cirujano vienés y violinista aficionado, amigo cercano de Brahms y Hanslick.
El manuscrito ostenta el sello del editor musical Theodor Rattig, quien dio
a conocer los arreglos a dúo realizados por Mahler de la Tercera sinfonía de
Bruckner entre 1878 y 1886 (la primera obra publicada de Mahler). Sin embargo,
Rattig no publicó el cuarteto y según el mismo Mahler, “lo mandó a un concurso
en Moscú y se perdió”. Pero, el movimiento fue encontrado entre los bienes de
Alma Mahler luego de su muerte en 1964 en un folder marcado Composiciones
tempranas. En ese mismo año, el trozo se escuchó en Nueva York, pero no fue
publicado sino hasta 1973, cuando el sello Sikorski de Hamburgo lo dio a luz
en una edición preparada por Peter Ruzicka. Pese a la atención brindada a este
movimiento, todo indica que del cuarteto completo, solo sobrevive el primer
movimiento y 24 compases de un Scherzo (CD Naxos 8.571278).
Este período temprano de la vida de Mahler fue estudiado en detalle por
Donald Mitchell en su libro Gustav Mahler: los años tempranos (Londres, 1958).
Para algunos críticos, el cuarteto recuerda la escritura compleja y cromática
de Wagner. Pero también es un gesto premonitorio del sexteto Verklärte Nacht
(Noche transfigurada) de Arnold Schoenberg, en el que un tema predominante
es trabajado, variado y comentado en múltiples variaciones de profunda
expresividad.
6
Gabriel Fauré (1845-1924)
A comienzos del siglo XX, Gabriel Fauré gozaba de una sólida reputación como
uno de los exponentes más ilustres de la música francesa, reputación ganada
gracias a sus obras de estética más romántica: el Réquiem de 1888, el ciclo de
canciones sobre textos de Verlaine, La Bonne Chanson de 1892 y la música
incidental para la obra de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, de 1898. En los años
siguientes a estas creaciones, Fauré usó en sus obras gestos de un formalismo
clásico mientras emprendía la búsqueda de nuevas sonoridades y coloridos
armónicos. Hasta el advenimiento de Debussy, Gabriel Fauré fue considerado
el ‘decano’ de la música francesa de finales del siglo XIX. En sus canciones, había
establecido sin duda un estilo auténticamente francés, tanto en las inflexiones
rítmicas, como en el espíritu elegante y lírico de sus líneas, tan admirado por sus
colegas y compatriotas. Fauré ejerció una variedad de cargos muy acordes con su
prestigio. Sus labores de pedagogo se vieron premiadas a partir de 1905, año en
que fue nombrado director del Conservatorio de París. Conoció muchos cambios
musicales a lo largo de su vida, pues creció al lado de la obra de Liszt y Wagner,
y llegó a conocer las innovaciones de Debussy, Stravinsky y Bartók, aunque se
mantuvo fiel a un estilo tradicionalista y conservador. Cultivó preferentemente
las formas pequeñas: la pieza para piano, la canción y la música de cámara. Sus
críticos coinciden en señalar su obra como elegante e íntima, concentrada sobre
el mensaje melódico lírico y conmovedor.
En la música de cámara, Fauré se apegó de manera singular a las formas
clásicas y demostró un gran dominio sobre las mismas. Compuso dos cuartetos
con piano y dos quintetos, también con piano, en los cuales logró una gran
sonoridad que reconcilia lo clásico con lo romántico y lo francés en su obra.
También compuso un trío, un cuarteto de cuerdas y varias sonatas a dúo. El
primer cuarteto con piano es una obra temprana, un ejercicio formal puntilloso
con gran vida propia. Fauré se inició en la escritura de obras para conjuntos de
cámara luego de la Guerra Francoprusiana. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 15
fue estrenado ante la Sociedad Nacional de Música Francesa en 1879, pero el
movimiento final fue revisado por el compositor tres años más tarde. La nueva
versión no se estrenó sino hasta 1884. Los primeros esbozos para la obra fueron
realizados en Normandía en 1876 (al tiempo que el joven Mahler laboraba en su
propio cuarteto). El primer movimiento se inicia con un gesto dramático en las
cuerdas enfatizado con acordes en el piano, sin embargo, cuando reaparecen los
temas de este primer gesto, ya están imbuidos del lirismo tradicional de su autor.
Los temas y motivos centrales se desarrollan y combinan de maneras variadas y
continuas. El Allegro molto moderato tiene momentos un tanto turbulentos que
se entremezclan con las intenciones cantadas de un tema permanentemente
interrumpido. Pasados los primeros compases, el discurso se apacigua y las
7
tendencias líricas se hacen más explícitas. El aporte del piano en este movimiento
es muy significativo no sólo como solista, sino como elemento que brinda gran
densidad y cohesión. En el segundo movimiento, Fauré plantea un scherzo, visto
desde el punto de vista francés: elegante y gracioso. El piano domina mientras las
cuerdas ejecutan sus partes en pizzicato con sordina. El movimiento, muy animado
y en tres secciones muy claras, da paso a un Adagio sombrío que contrasta con
los movimientos antes escuchados, sobretodo, por el paso rítmico pausado, el
empleo de cuerda al unísono, los solos efusivos y los acordes armónicos modales.
En general, es un momento de reflexión y evocación. El final, un movimiento
sólido en forma de sonata, confirma la vocación meramente musical de la obra,
desprovista de intenciones literarias o descriptivas. Los compases agitados
equilibran los movimientos anteriores y resuelven las tensiones construidas de
manera enfática, con pasajes brillantes y grandes logros sonoros que desembocan
en la tonalidad mayor.
Johannes Brahms (1833-1897)
Le correspondió a Brahms vivir una época de grandes controversias musicales en
Alemania, protagonizadas primordialmente por dos bandos: el de aquellos que
consideraban que la música debía entenderse en términos descriptivos literarios
y el de quienes creían que la música podía darse en términos absolutos y auto
referenciados. Los músicos que se apegaron a uno u otro bando terminaron por
producir, cada uno por su lado, obras maravillosas que, en su conjunto, ofrecen una
excelente visión panorámica de la música en la segunda mitad del siglo XIX. Los
compositores interesados en escribir obras musicales descriptivas compusieron
óperas, poemas sinfónicos y toda suerte de piezas sueltas con títulos descriptivos.
Los compositores interesados en trabajar la música desde su lenguaje abstracto
continuaron con la composición de sinfonías, sonatas, conciertos con solista y
música de cámara, de acuerdo con la tradición clásica y la beethoveniana. Sobra
decir que ninguno se inhibió de componer música descriptiva o música absoluta,
pero se mantuvieron la mayor parte del tiempo en una tendencia u otra. Brahms,
por ejemplo, no incursionó en el mundo de la ópera o el poema sinfónico, pero
escribió innumerables canciones, obras corales y oberturas. Tal vez, la razón por
la cual compuso sus cuatro sinfonías, relativamente tarde en su vida, fue el deseo
de evadir la controversia sobre la sinfonía programática (aquella basada en un
texto literario).
Los valores estéticos de Brahms quedaron plasmados de manera
contundente en su música de cámara con cuerda. De su imaginación surgieron
sonatas para violín y piano, chelo y piano, tríos, cuartetos, quintetos y sextetos
en los que el piano tiene un papel tan protagónico como los demás instrumentos
participantes. En el campo de los quintetos, escribió dos para cuerdas, uno para
8
cuerdas y piano, y uno para clarinete y cuerdas. La presencia del piano en sus
quintetos aportó una sonoridad mayor al cuarteto de cuerdas tradicional (dos
violines, viola y chelo), lo cual permitió que la música de cámara saliera del salón
íntimo y se escuchara en el teatro. El primer cuarteto escrito por Brahms, al igual
que su primera sinfonía, fue el producto de una larga ponderación sobre el estilo
clásico consolidado por Haydn, Mozart y Beethoven, y la herencia romántica
temprana representada en la obra instrumental de Schubert y Schumann.
Escribió tres cuartetos con piano. El primero en do sostenido menor
apareció en 1855 y fue revisado en 1875, cuando se escuchó como el Opus 60
en do menor. El Cuarteto con piano No. 1, Op. 25 fue terminado en 1861 y dado
a conocer a los Schumann (Robert y Clara) y al célebre violinista Joachim. Es
una obra de discurso clásico y colorido romántico. Inicia de manera pausada con
una introducción integrada al movimiento mismo, el cual toma su tiempo en
develar la estructura compleja y la riqueza de los eventos que la componen. Los
temas melódicos son extensos y construyen lentamente discursos animados y
contrastados. El segundo movimiento tiene el doble papel de ser un Scherzo en lo
formal y un Intermezzo en lo anímico. Se conserva la forma tripartita del Scherzo
pero se agrandan sus intenciones y dimensiones. No es un entretenimiento
entre movimientos serios, sino una pieza importante en el discurso lírico del
compositor. La primera sección con su ritmo insistente da paso una sección
media, menos marcada aunque ligera y sutil, en la que el piano tiene una actividad
permanente de arpegios. El retorno de las ideas iniciales del movimiento marca
su final y el paso al tiempo lento, un Andante con moto que se desarrolla en torno
a melodías sentidas, presentadas de manera pausada y tranquila. Para el final,
Brahms retoma sus intereses en la música gitana contagiada de gestos húngaros
que tan exitosamente empleara en sus obras para piano y en obras para violín
inspiradas por el violinista húngaro Remenyi. La forma del rondó, con el tema
principal recurrente, permite una construcción ligera y entretenida para finalizar
la obra, como también permite hacer algunos aportes de virtuosismo conclusivos.
Los toques ligeros del final hacen que el cuarteto termine con gestos animados
plenos de élan y colorido.
Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad
Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la
Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones
Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación
Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades
de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez
años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación
periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la
Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’,
publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con
la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango
desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos
editados por estas dos organizaciones.
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia)
Domingo 8 de julio · 11:00 a.m.
STEFAN TEMMINGH, flauta dulce
(Sur África / Alemania)
WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania)
Domingo 29 de julio · 11:00 a.m.
BILIANA VOUTCHKOVA, violín
(Bulgaria/Alemania)
ROY CARROLL, electrónica
(Irlanda/Alemania)
Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO CASTALIAN
cuarteto de cuerdas (Reino Unido)
Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO COLOMBIANO
música tradicional colombiana (Colombia)
Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México)
Miércoles 19 de septiembre
6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista
7:30 p.m. · Concierto
CUARTETO LATINOAMERICANO
cuarteto de cuerdas (México)
Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m.
VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE
dúo de pianos (España)
Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m.
SON DE MADERA, son xarocho (México)
Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m.
JAMES JOHNSTONE
clavecín/órgano (Reino Unido)
Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE
LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia)
Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Segundo semestre
Foto: Sarah Thorén
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VÄSEN
música tradicional sueca
(Suecia)
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Programa de mano - Cuarteto Fauré, cuarteto con piano (Alemania)
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El Relato de los contextos históricos, sociales y políticos en las sentencias de la Corte Interamericana
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ANAMARÍA ORAMAS
JAZZ CUARTETO
(Colombia)
Miércoles 18 de abril de 2018 · 6:30 p.m.
Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
Cód. PULEP: XFF807
Jueves 26 de abril de 2018 · 7:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
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Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
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es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la
Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para
que el ingreso sea habilitado.
En Manizales, el Centro Cultural cuenta con acceso para personas con movilidad
reducida desde la puerta principal.
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en
algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará
permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
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ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.
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1
ANAMARÍA ORAMAS JAZZ CUARTETO
Anamaría Oramas Jazz Cuarteto fue conformado por Anamaría Oramas
en el 2016 para interpretar sus composiciones en las que, en búsqueda de
su propio lenguaje, se alimenta de la herencia de las músicas tradicionales
colombianas y de los aportes de las actuales corrientes del jazz. En el
proceso de consolidación e interpretación de cada una de las piezas, los
integrantes de este cuarteto proponen activamente, desde su experiencia
en el jazz, los arreglos de las piezas tanto populares como urbanas. De
esta manera, se contempla la participación de la flauta traversa y su rango
de colores y registro, la guitarra eléctrica con su capacidad de procesar
el sonido y crear timbres a través del uso de pedales, mezclados con
la sonoridad acústica que posibilita un set logrado con elementos de la
batería moderna y la percusión folclórica y el sonido resonante y profundo
del contrabajo. Este cuarteto se consolida hoy como una agrupación activa
de la escena del jazz capitalino.
Anamaría Oramas, flauta traversa
Egresada de la Universidad Nacional de Colombia, Anamaría Oramas
ha desarrollado su carrera artística como intérprete y actualmente como
compositora. En el 2016, junto a su proyecto Deciso Dúo, fue seleccionada
para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la
Foto: Ariel Arango Prada
2
República. Anamaría ha compartido escenario con artistas como Antonio
Arnedo, Teto Ocampo, Oriol Caro, Germán Sandoval; y agrupaciones
como Colectivo Colombia, Orquesta Sinfónica del Conservatorio de
Música de la Universidad Nacional de Colombia y la Fundación Orquesta
Sinfónica de Bogotá (FOSBO). También fue finalista de los premios
Shock 2013 con el grupo Anfibio y ha ganado en convocatorias distritales
como Bibliored y Música con Tempo Colombiano.
Santiago Sandoval, guitarra eléctrica
Egresado de la Universidad Sergio Arboleda y heredero de una tradición
familiar musical. Sandoval fue becario de la Fundación Carolina para
realizar sus estudios de maestría en el Conservatori del Liceu de Barcelona.
Santiago también hace parte del grupo de Antonio Arnedo. Con su reciente
trabajo discográfico y su consolidada trayectoria como intérprete y profesor
universitario, Santiago se ha convertido en un referente importante de la
guitarra jazz en Colombia.
Edgar Marún, contrabajo
Realizó estudios de contrabajo jazz en la Pontificia Universidad Javeriana
e hizo un semestre de intercambio en la Universidad Veracruzana de
México. Edgar ha compartido escenario con grandes maestros del jazz
como Pacho Dávila. Su conocimiento e interés por diferentes expresiones
musicales le ha permitido hacer parte de proyectos de rock, jazz y música
tradicional, entre otros.
Kike Narváez, percusión
Músico huilense dedicado a la percusión y la batería, se graduó de maestro
en Música de la Universidad INCCA. A lo largo de su carrera ha obtenido
diferentes reconocimientos, entre los que se destaca ser ganador del
Concurso Nacional de baterías electrónicas V-drums organizado por
Roland Corporation.
El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de
3
PROGRAMA
Bullerengue de allá (2015) ANAMARÍA ORAMAS (n. 1990)
Breath (2016)
Zamba (2017)
Guajeo criollo (2016)
INTERMEDIO
Ocio (2017)
Fernando (2015)
Viento y vacío (2015)
En el borde (2016)
CONCIERTO No. 21
4
NOTAS AL PROGRAMA
Por Luis Daniel Vega
Una afortunada disyuntiva ha atravesado la carrera musical de la flautista
bogotana Anamaría Oramas. Desde muy temprana edad, estuvo expuesta
al agite y la bohemia en su casa donde era frecuente escuchar, en la misma
sesión, a Claudia Gómez, Jorge Pardo y Bach. De ese ambiente febril pasó
a los rigores académicos: primero en la Fundación Nacional Batuta, luego
en la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, después en el Instituto
Superior de Artes de La Habana y, finalmente, en el Conservatorio de la
Universidad Nacional de Colombia.
En el 2012 tuvo una suerte de epifanía: ingresó a la agrupación Anfibio
con la que exploró y redescubrió los sonidos del Caribe colombiano.
De alguna manera, se liberó de la severidad. A este encuentro con la
espontaneidad y la ingenuidad se sumó su interés por la improvisación y las
diversas estéticas del jazz; quiso, y esto resulta muy revelador, hacer sonar
su flauta como una gaita de cardón. Fue por esa misma época cuando salió
por primera vez a tocar jazz en los bares. En aquel momento, había una
necesidad imperante de romper el cascarón donde había estado encerrada.
El legendario Bolón de Verde, en el barrio La Candelaria de Bogotá, fue
testigo de sus acercamientos tímidos al vértigo del jam. Al mismo tiempo
tocó con Mucho Indio, el proyecto del guitarrista Teto Ocampo, y con
el vibrafonista venezolano Alfredo Naranjo, y así Anamaría consolidó su
vínculo con la salsa y el jazz latino. De alguna manera fue como retornar
de nuevo a casa.
Justo al final de sus estudios en la Universidad Nacional tuvo la
oportunidad de asistir al Encuentro Latinoamericano de Músicas de
Vanguardia que se llevó a cabo en Bogotá en septiembre de 2015. Un
ser dormido despertó en ella al recibir talleres de composición con el
brasileño Itiberê Zwarg y el pianista argentino Guillermo Klein. De esta
experiencia surgen Bullerengue de allá y Viento y vacío, obras que fueron
su estreno como compositora. Con la primera obra podemos imaginar a
Charlie Parker en el Caribe colombiano, improvisando sobre los motivos
rítmicos de un bullerengue, mientras que la segunda obra, entronizada
5
con la tradición afroamericana del jazz, nos remite directamente a Black
Narcissus, la conocida pieza de Joe Henderson.
En el 2015, Anamaría le rindió homenaje a través de un documental a
su padre, el pintor, caricaturista, ilustrador y anarquista Fernando Oramas.
No solo dirigió el documental, sino que escribió la banda sonora que
interpretó junto al saxofonista Antonio Arnedo y el tiplista Oriol Caro.
Con este último grabó Fernando, un bello bambuco en el que la flautista,
inspirada por el universo sonoro de Claudia Gómez, logra captar un
emotivo momento de tristeza y nostalgia, pero también de alegría.
A mediados del 2016 decide conformar el cuarteto que hoy nos
convoca. «Fue en medio de una crisis», dice Oramas, quien se reunió con
tres cómplices de las noches de jazz e improvisación. De esta manera, la
flautista presentó su primera obra para el naciente cuarteto: se trató de
Guajeo criollo, escrita luego de su primera incursión en el festival Petronio
Álvarez en Cali. Con el nacimiento del cuarteto se encontraron nuevas
y viejas influencias que venían desde Gualajo, Ale Kumá, Tumbacatre
y Hugo Candelario. A finales de ese año, el cuarteto tuvo una intensa
actividad creativa y de conciertos, la mayoría de ellos en Casa de Citas,
uno de los lugares más emblemáticos de la movida musical del centro de
Bogotá. Mientras tanto, Oramas siguió su búsqueda. De esos días data En
el borde, un chandé aflamencado influenciado por Jorge Pardo, y Breath,
una composición que nació luego de la audición juiciosa y emocionada de
Angel Song, obra de Kenny Wheeler.
Con un disco a punto de ser editado, Anamaría Oramas y su cuarteto
continúan explorando terrenos inéditos para ellos. Es el caso de Zamba y
Ocio, las dos más recientes composiciones que hoy también tendremos el
gusto de apreciar. Por un lado, la indagación en la zamba argentina llevó
a Oramas a escribir una pieza que tiene tanto de Mercedes Sosa como de
Guillermo Klein. Finalmente, Ocio nos lleva a lugares controvertidos del
jazz contemporáneo. Allí, Oramas se permite experimentar con técnicas
extendidas para su instrumento, se aleja de lo raizal y se enfrenta a rítmicas
novedosas.
Heredera del sonido de Guafa Trío, Puerto Candelaria y Curupira,
entre otros, Anamaría Oramas se declara deudora de estos nuevos sonidos
de la música en Colombia. En la actualidad celebra cinco años de la
existencia de su dueto para flauta y guitarra, con el que explora repertorios
contemporáneos latinoamericanos. Asimismo, Anamaría hace parte del
Colectivo Colombia con el que grabó recientemente un disco al lado
de Hugo Candelario, Antonio Arnedo, José Juvinao, Urián Sarmiento y
Santiago Sandoval.
Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en
Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y
Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal
Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia.
Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika,
Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe
notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel
Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace
parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó
el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa
Cultural en Radio.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN MANIZALES
En el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia)
RAÚL MESA, piano (Colombia)
Viernes 4 de mayo · 6:30 p.m.
Cód. PULEP: NDO779
CUARTETO COLOMBIANO
música tradicional colombiana (Colombia)
Miércoles 22 de agosto · 6:30 p.m.
Cód. PULEP: NSF863
MAURICIO ARIAS, piano (Colombia)
Miércoles 12 de septiembre · 6:30 p.m.
Cód. PULEP: JJI591
VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE, dúo de pianos (España)
Jueves 4 de octubre · 6:30 p.m.
Cód. PULEP: XXV671
JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia)
Miércoles 14 de noviembre · 6:30 p.m.
Cód. PULEP: IBH281
TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS 2018
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Primer semestre
Foto: Foto: Mat Hennek Foto: Carlos Romero Gabo&Mafe Fotografía
VIVIANA SALCEDO
oboe/corno inglés (Colombia)
RAÚL MESA, piano (Colombia)
Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m.
Cód. PULEP: KLV575
MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico / jazz (Portugal)
Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões
Cód. PULEP: INW719
CUARTETO FAURÉ
cuarteto con piano (Alemania)
Jueves 7 de junio · 7:30 p.m.
Cód. PULEP: VVS998
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Boletas: Síganos en
Serie profesional: $10.000
Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000
Aplican descuentos
Mayor información en
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Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la
República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
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VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia)
Domingo 8 de julio · 11:00 a.m.
STEFAN TEMMINGH, flauta dulce
(Sur África / Alemania)
WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania)
Domingo 29 de julio · 11:00 a.m.
BILIANA VOUTCHKOVA, violín
(Bulgaria/Alemania)
ROY CARROLL, electrónica
(Irlanda/Alemania)
Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO CASTALIAN
cuarteto de cuerdas (Reino Unido)
Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO COLOMBIANO
música tradicional colombiana (Colombia)
Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México)
Miércoles 19 de septiembre
6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista
7:30 p.m. · Concierto
CUARTETO LATINOAMERICANO
cuarteto de cuerdas (México)
Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m.
VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE
dúo de pianos (España)
Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m.
SON DE MADERA, son xarocho (México)
Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m.
JAMES JOHNSTONE
clavecín/órgano (Reino Unido)
Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE
LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia)
Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Segundo semestre
Foto: Sarah Thorén
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VÄSEN
música tradicional sueca
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Las garantías procesales de las víctimas en la normatividad de la Unión Europea
Foto: Ackermann Foto
SANTIAGO
TORRES
CARVAJAL guitarra (Colombia)
Jueves 12 de abril de 2018 · 7:00 p.m.
Cali, Auditorio Nelson Garcés Vernaza del Centro Cultural Comfandi
Cód. PULEP: SPW534
Jueves 19 de abril de 2018 · 7:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Cód. PULEP: EOB549
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
TOME NOTA
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caminando es por la calle 8 donde se encuentran gradas y rampa de acceso. El personal
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Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el
programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto
con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le
indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones
dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos,
debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a
la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto,
con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.
Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos,
incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un
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Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido
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reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar
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Luis Ángel Arango
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1
SANTIAGO TORRES CARVAJAL, guitarra
Nació el tres de agosto de 1993 en Santiago de Cali. Se interesó por la música
a temprana edad e ingresó al Conservatorio Antonio María Valencia al
programa de Formación Básica Musical. Inició sus estudios en guitarra clásica
con los maestros Martha Lucía Vargas y Javier Mauricio Cruz. Recientemente
finalizó el programa de música de la Universidad del Valle bajo la dirección del
maestro Héctor González. Durante su carrera fue acreedor por nueve semestres
consecutivos del Estímulo académico, beca otorgada por tener un alto promedio
en la carrera.
Ha participado como alumno activo en el II Seminario Internacional
de Guitarra de Cali, en calidad de artista invitado en el VIII Seminario
Iberoamericano de Guitarra de Ibagué en el 2013; y como estudiante becario
en el X Cartagena Festival Internacional de Música en enero de 2016, donde
recibió clases magistrales con el maestro Jason Vieaux (Estados Unidos). En
2016 participó en el Taller de música de cámara, dirigido por los maestros Olena
Sokolovska (Ucrania/Portugal) y Pedro Ospina (Colombia/Portugal), en el
cual actuó como solista junto a la orquesta de cámara.
En el 2017 presentó su recital de grado universitario, al que se le otorgó
mención meritoria por demostrar cabal comprensión de todos los aspectos
relacionados con el lenguaje musical, sumado a una depurada técnica y
solvencia instrumental. Actualmente conforma, junto con su hermano David
Torres Carvajal (violinista), el Aquarela Dúo, un ensamble de cámara que abarca
repertorios de la música clásica occidental y latinoamericana para el formato de
violín y guitarra.
Su formación ha sido complementada por clases magistrales con los
maestros Ricardo Cobo (Colombia/Estados Unidos), Judicaël Perroy (Francia),
José Antonio Escobar (Chile), Petr Vit (República Checa), Wladimir Carrasco
(Chile), Stephen Marchionda (Estados Unidos), Marc Jean-Bernard (Francia) y
por los integrantes de The Dublin Guitar Quartet (Irlanda), entre otros. También
ha participado como observador en conferencias con Joaquín Clerk (Cuba) y en
clases con Carlos Eugenio Santi (Argentina).
El concierto en Cali se
realiza en el marco de
y cuenta con
el apoyo de
2
PROGRAMA
Suite en mi mayor para laúd, BWV 1006a
(1736-1737)
Prélude
Loure
Gavotte en Rondeau
Menuett I
Menuett II
Bourrée
Gigue
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
Transcripción para laúd de la Partita en mi mayor
para violín, BWV 1006 por J. S. Bach
Versión para guitarra de Tilman Hoppstock (n. 1961)
Rossiniana No. 1, Op. 119 (1828) MAURO GIULIANI (1781-1829)
INTERMEDIO
Sonata para guitarra (1990)
Fandangos y boleros
La sarabanda de Scriabin
La toccata de Pasquini
LEO BROUWER (n. 1939)
Suite colombiana No. 2 (2002)
El margariteño
Guabina viajera
Bambuco
Porro
GENTIL MONTAÑA (1942-2011)
CONCIERTO No. 18
3
NOTAS AL PROGRAMA
Daniela Peña
El guitarrista Santiago Torres nos presenta hoy un programa con una estructura
palindrómica, iniciando y finalizando con música para danza, e interpretando
en el medio dos piezas en las que el discurso se erige a partir del contraste y
la variación de un elemento generador. Análoga a los procesos poéticos de la
mayoría de los períodos de la historia de la música, dicha estructura nos ofrece
ejemplares de algunos compositores que, en la actualidad, son indispensables
para el conocimiento del lenguaje de los siglos XVIII, XIX y XX en Europa y
América: Johann Sebastian Bach (1685-1750), Mauro Giuliani (1781-1829),
Leo Brouwer (n. 1939) y Gentil Montaña (1942-2011).
La Suite en mi mayor para laúd, BWV 1006a (1736-1737) de Johann
Sebastian Bach consiste en una transcripción, realizada por el mismo
compositor, de su Partita en mi mayor, BWV 1006 (1720). Cronológicamente
hablando, la primera hace parte de una serie de partitas y sonatas para violín
solo (BWV 1001-1006), finalizadas hacia 1720 cuando el compositor estaba
empleado como maestro de capilla en Köthen. De la segunda, realizada entre
1736 y 1737, existe la versión autógrafa y se inserta en el periodo de tiempo en el
que Bach dirigió el collegium musicum, fundado por Georg Philipp Telleman en
1720. Se sabe que en dicho establecimiento se realizaban conciertos, entre cuyos
asiduos participantes se encontraban Johann Adolf Hasse, Carl Heinrich Graun
y Sylvius Leopold Weiss; el último laudista de la corte de Sajonia en Dresde, para
quien, probablemente, escribió sus últimas obras para laúd.
La relación de J. S. Bach con el laúd es efímera, pero no por eso desdeñable,
y se reduce a conexiones profesionales con laudistas como S. L. Weiss, Johann
Kropffgangs o Christian Weyrauch, también abogado y responsable de las
tablaturas que contienen la Fuga BWV 1000 y la muy reconocida Suite BWV
997. Se conoce también el contacto que tuvo el compositor con un instrumento
llamado lautenwerck, o clave-laúd, ya que en el inventario realizado en Leipzig
tras su muerte, se identificaron dos ejemplares, descritos por Johann Friedrich
Agricola en sus comentarios sobre el tratado Musica mechanica organoedi (1768)
de Jakob Adlung. Su descripción nos permite entender que se trataba de un
instrumento de teclado con cuerdas de tripa, que emulaba el sonido del laúd, o
de la tiorba, y cuyo sonido podía incluso despistar a los laudistas profesionales
(Agricola, citado por Ripin & Wraight) 1.
1 Ripin, Wraight.
4
De todos modos, solo hay una de las siete composiciones para laúd de
J.S. Bach que tiene indicaciones para ser tocada con este instrumento; se trata
de la Suite BWV 996, cuyo autógrafo no se conserva, pero sí un manuscrito
contemporáneo realizado por J. L. Krebs, cuyo título indica: Preludio con la Svite
/ da / Gio: Bast. Bach / aufs Lauten Werck (Preludio con la suite de J. S. Bach [para
ser tocado] en el lautenwerk). No se puede saber si otras de las piezas para laúd,
originales o transcritas, se ejecutaron en dicho instrumento, pero queda claro
que era una búsqueda por la delicadeza del timbre de los instrumentos de cuerda
pulsada, con las posibilidades polifónicas de los instrumentos de teclado.
Algunos fantasean también con la posibilidad de añadir el laúd, o
un instrumento similar, a la lista de instrumentos que Bach interpretaba
magistralmente. El guitarrista Eduardo Fernández lo cuenta de esta manera:
Claro que hay quien sostiene que Bach tocaba el laúd como un virtuoso, y
que las obras en realidad fueron compuestas para un supuesto instrumento
llamado ‘la Luth’, el cual además de estar afinado de un modo diferente al laúd
barroco, utilizaría un capotasto móvil y palancas especiales movibles por medio
de la mano izquierda. Y en realidad, si tal instrumento hubiera existido, sería
perfectamente capaz de presentar todas estas obras. El problema es que no hay
por ningún lugar pruebas documentales de que existió y mucho menos del
supuesto virtuosismo de Bach en el laúd (Fernández, s.f, p. 14).
Como lo indica Fernández, no existe la posibilidad de saber si esto es verdad,
pero los historiadores de los siglos XIX y XX siempre prefirieron presentar una
gran historia a dañarla con los hechos. Lo que sí se sabe es que toda la obra para
laúd de J. S. Bach supone un inmenso reto para los guitarristas actuales que
quieren revivir su obra, ya que el instrumento para el que esta fue compuesta
o bien era un instrumento de teclado o uno de cuerda pulsada, como el ahora
llamado laúd barroco, utilizado en el siglo XVIII con una afinación ´en re menor`
bastante alejada de aquella de la guitarra moderna, la cual se asimila mucho más,
en términos de afinación, al laúd utilizado en el siglo XVI y principios del XVII.
Por lo demás, cabe agregar que dicha pieza no se rige por la estructura
convencional de la partita o suite ‘clásica’ del siglo XVIII, cuyas danzas básicas son
la allemande, la sarabande, la courante y la gigue. Por el contrario, los movimientos
lentos, i.e. alemanda y sarabanda, son reemplazados por un movimiento ternario
lento como el loure, y se incluyen danzas como la gavotte y la bourée que, si bien no
son extrañas a este tipo de composición, no aparecen de manera tan recurrente
como el primer grupo de danzas mencionadas en las piezas para instrumento
solo del compositor.
El cierre de la primera parte del concierto se hará con una de las obras más
tardías del compositor Mauro Giuliani, la Rossiniana No. 1, Op. 119, que se
5
puede entender como uno de los frutos de su estrecha relación con otros dos
virtuosos contemporáneos: Niccolò Paganini y Gioachino Rossini. Como indica
Giancarlo Conestabile en su biografía acerca de la vida del violinista: «Giuliani y
Paganini; uno en la guitarra; el otro en el violín, dos de los más grandes músicos
de Italia, mantuvieron contacto frecuente y cercano con el genio de Pésaro,
Rossini.»2.
Esta pieza, según lo expuesto por Giuliani en una carta al impresor Giovanni
Ricordi, está escrita en un ‘estilo desconocido’ (1821). En ella, el compositor no
se limita a transcribir un fragmento de una ópera, como era común en la literatura
contemporánea para la guitarra, sino que logra un diálogo activo entre su propio
ingenio y el material prestado por su colega Rossini, que funciona como elemento
generador del discurso musical. De ahí que la pieza no tenga un título de Fantasía
sobre el aria [nombre de un aria existente] de G. Rossini sino Le Rossiniane, un
homenaje a uno de los genios del bel canto en el lenguaje guitarrístico.
Para cuando esta pieza fue escrita, Mauro Giuliani ya había sido en buena
medida responsable de expandir el espectro social dentro del cual tenía parte la
guitarra, pasando de ser un instrumento meramente doméstico a competir con el
piano en la escena del virtuosismo musical en el siglo XIX. Los tres conciertos para
guitarra sola y orquesta del compositor ya habían sido publicados y solamente un
año después de la publicación de la Rossiniana No. 1, Op. 119, Charles Marescot
publicó La guitaromanie (1829) que, además de incluir algunas piezas para el
instrumento, contiene unas ilustraciones que dan cuenta de la vida social de la
guitarra, particularmente en Francia.
La siguiente ilustración, llamada
La guitaromanie: Discussion entre les
Carulistes et les Moulinistes, muestra
que la técnica guitarrística era ya un
elemento de disputa entre intérpretes,
lo que corrobora el hecho de que
ya no se tratara de un instrumento
puramente doméstico y de reputación
ligera.
Así, en la pieza que interpretará
Santiago Torres, el compositor da
cuenta de un lenguaje muy elaborado
2 Giuliani and Paganini, the one on the guitar; the other on the violin, two of Italy’s greatest
musicians, they maintained frequent and close contact with the genius from Pesaro, Rossini.
(Conestabile, 1851, traducción de Daniela Peña Jaramillo sobre la traducción al inglés
de Zigante).
Figura 1. La guitaromanie: Discussion entre les
Carulistes et les Moulinistes
Charles Marescot –, 1829.
6
y técnicamente complejo pero, como era característico del lenguaje guitarrístico
decimonónico, agradecidamente idiomático; es decir, que la altísima dificultad
técnica nunca logra desdibujar el discurso musical, adaptado de manera
concienzuda y sensible a todas las posibilidades que el instrumento proporciona.
Además, logra incorporar la sutilidad del bel canto en un lenguaje simplemente
instrumental, exigiendo del guitarrista la misma versatilidad que se exige de un
cantante rossiniano; arias como Languir per una bella y Assisa a piè d’un salice,
de las óperas Otello (1816) y L’italiana in Alegeri (1813) respectivamente, son
citadas por Giuliani e intercaladas con secciones construidas a partir de escalas y
arpegios en valores muy cortos, pequeños trémolos y también melodías originales
inspiradas en el lenguaje belcantista, pero que exploran las posibilidades físicas y
tímbricas del instrumento.
La segunda parte del concierto iniciará con la Sonata para guitarra del
compositor cubano Leo Brouwer, compuesta para el guitarrista Julian Bream en
1990, quien la estrenó en enero de 1991 en el Wigmore Hall de Londres. En esta
se distingue la intención de homenajear a diferentes compositores de estilos tan
variopintos como Alexander Scriabin (1782-1815), Bernardo Pasquini (1637-
1710), Ludwig van Beethoven (1770-1827) y el Padre Soler (1729-1783). La
obra está construida a partir de la variación; transformación; y expansión rítmica,
melódica, de carácter y tímbrica de pequeños motivos, cuyo germen se puede
identificar desde las cinco notas del ´preámbulo`: si-do-fa-sib-sol.
El autor refleja la clara tendencia que tuvieron los compositores del siglo XX
de recuperar el pasado musical, ya fuera a partir de citas directas o de alusión
a diferentes estilos3, insertando, en el caso de Brouwer, elementos propios del
folclore cubano como se ve en la “Danza” (Allegretto) del primer movimiento.
Por otro lado, en la coda, el compositor toma un fragmento de la Sinfonía No. 6
‘Pastorale’ de Beethoven, luego de una inscripción en la que indica: “Beethoven
visita al Padre Soler”. Brouwer describe este primer movimiento como una
especie de rompecabezas en el que los colores son recompuestos y redistribuidos
como en la serie de Cuadrados Mágicos del artista Paul Klee (Devine, 2003).
En el segundo movimiento, La sarabanda de Scriabin, a pesar de evocar el
ambiente místico y romántico de la obra del compositor ruso, también se hace
referencia clara a la danza de la sarabanda y a su característico énfasis en el
segundo tiempo de un compás de ¾. En el tercer movimiento se realiza también
una cita del compositor Bernardo Pasquini que lleva el título de la sección, la
Toccata con lo scherzo del cucco.
3 Para mayor información acerca del tema, revisar el artículo de Alfred Schnitke de 1971,
Polystilistic tendencies in modern music, en el cual se menciona concretamente el principio
de alusión y el principio de cita o citación.
7
La suite en el siglo XVI se refería a una agrupación de branles; un tipo de
danza que hacía parte de la cultura cortesana en Francia, para cuya ejecución
hay bastantes aportes de compositores como Claude Gervaise (1525-1583),
e impresores como Tielman Susato y Pierre Attaignant. Ya en el siglo XVII el
término suite se va perfilando hacia su significado actual y en 1676, Thomas Mace
en su Music’s Monument describe una suite como un preludio, seguido de una
alemanda un ayre, una courante y una sarabanda, unidas por una misma tónica
y con una especie de similitud en sus naturalezas y humores (Mace, citado
por Fuller, 1676). No obstante, se sabe también que la sucesión de alemandas,
sarabandas y courantes era utilizada ya por los laudistas franceses (los mismos
que realizaron experimentos con la afinación de laúd renacentista, cuyo resultado
fue la afinación en re menor para la cual probablemente compuso Bach algunas
de sus piezas para el instrumento).
Durante los siglos XVI, XVII y XVIII, compositores de diversas
nacionalidades escribían danzas sin importar su proveniencia geográfica y,
específicamente, para el siglo XVIII, el objetivo de la suite no era ya ser bailada,
sino mostrar las posibilidades técnicas de los instrumentos solistas, a partir de
la abstracción de los patrones rítmicos propios de las danzas mencionadas. Al
llegar el siglo XX, y dentro del ánimo neo-nacionalista, algunos compositores
quisieron incorporar el folclore y las danzas de carácter popular en este tipo de
composición, que pertenecía a la tradición de la formación clásica de los músicos
de dicho siglo. Heitor Villa-Lobos con su Suite popular brasilera, Astor Piazzolla
con la Tango suite, Isaac Albéniz con la Suite Iberia y Mario Gangi con la Suite
italiana son algunos de los compositores que conforman la lista a la que se une el
maestro Gentil Montaña con sus Suites colombianas.
La Suite colombiana No. 2 (2002) es uno de los eslabones que crea el
tolimense para unir la música de concierto con la música popular colombiana4 de
la zona andina con el pasillo (I), el bambuco (II) y la guabina (III); y la costa del
Pacífico, con el porro (IV). Habiendo tenido la oportunidad de estudiar tanto en
Colombia como en Europa, Gentil Montaña logra el sincretismo entre el lenguaje
de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso, en el
caso de esta suite, del jazz. En palabras del compositor: «A pesar de que me formé
oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo XX, las influencias externas me
han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular
‘fusión’» (Montaña, 2011).
Además, la Suite colombiana No. 2 es muestra de la nostalgia que le produjeron
sus viajes al antiguo continente, por ejemplo, en la Guabina viajera, compuesta
4 https://www.youtube.com/watch?v=Yl8ilf19oBQ
8
entre Colombia, España, París y Grecia, se unen los diferentes mundos musicales
a los que el compositor se vio expuesto5. La ligereza y sencillez del carácter
cantabile del pasillo, el bambuco y la guabina, junto con la claridad de los patrones
rítmicos propios de cada una de las danzas que conforman la suite, contrastan de
alguna manera con la complejidad técnica y la meticulosidad que se hace patente
en indicaciones como: metálico, cerca de puente, con las uñas; contraste, sobre la
boca, con la yema del pulgar; metálico; etc. En palabras de Montaña:
La riqueza musical de nuestro país es enorme. En cuanto a mi especialidad, la
andina, se caracteriza por su sencillez, naturalidad y porque es un llamado a
querer nuestra tierra. Hay que viajar lejos y por un buen tiempo para que un
bambuco le conmueva a uno hasta la médula (2011).
Bibliografía
Fuller, David. (s. f.). Suite. Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University
Press. Recuperado de http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/
grove/music/27091.
Devine, G.A. 2003. Leo Brouwer, guitar music, Vol. 3. Ontario: HNH International Ltd.
Marescot, C. 1829. La guitaromanie. Recuperado de: http://guitarromania.blogspot.
com.co/2011/01/la-guitaromanie.html
Ripin, E. & Wraight, D. (2017). Lute-harpsichord. Grove Music Online. Oxford Music
Online. Oxford University Press. Recuperado de http://www.oxfordmusiconline.
com/subscriber/article/grove/music/17215
Redacción, El Tiempo. Gentil Montaña: “la música andina colombiana es de uno”
(29 de septiembre 2011) Periódico El Tiempo. Recuperado de: http://www.
eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665
Segre, E. 1993. Giuliani, Rossini, Paganini [CD]. Thun: Claves Records.
Tampalini, G. 2007. Mauro Giuliani: Rossiniane. pp. 119-124, Variazioni op. 45e107,
Grand Ouverture op. 61. Vicenza: Musicmedia Edizioni.
Zigante, F. 1996. Mauro Giuliani: Le Rossiniane, No. 1 Op. 119, No. 2 Op. 120, No.
3 Op. 121, No. 4 Op. 122. Ivrea: Arts Music GMBH.
Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde
cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro
César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de
investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central
(UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los
maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson
Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en
estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales
de dicha institución.
5 https://www.youtube.com/watch?v=Yl8ilf19oBQ
RICARDO GALLO CUARTETO
jazz (Colombia)
Domingo 22 de abril · 11:00 a.m.
JOSEPH-MAURICE WEDER
piano (Suiza)
Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m.
Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia
VIVIANA SALCEDO
oboe/corno inglés (Colombia)
RAÚL MESA, piano (Colombia)
Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m.
MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)
Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões
CUARTETO FAURÉ
cuarteto con piano (Alemania)
Jueves 7 de junio · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Primer semestre
Foto: Catalina Villamizar
Cód. PULEP: VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988.
RICARDO GALLO CUARTETO
jazz (Colombia)
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Boletas: Síganos en
Serie profesional: $10.000
Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000
Aplican descuentos
Mayor información en
www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical
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República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
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VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia)
Domingo 8 de julio · 11:00 a.m.
STEFAN TEMMINGH, flauta dulce
(Sur África / Alemania)
WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania)
Domingo 29 de julio · 11:00 a.m.
BILIANA VOUTCHKOVA, violín
(Bulgaria/Alemania)
ROY CARROLL, electrónica
(Irlanda/Alemania)
Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO CASTALIAN
cuarteto de cuerdas (Reino Unido)
Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m.
CUARTETO COLOMBIANO
música tradicional colombiana (Colombia)
Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México)
Miércoles 19 de septiembre
6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista
7:30 p.m. · Concierto
CUARTETO LATINOAMERICANO
cuarteto de cuerdas (México)
Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m.
VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE
dúo de pianos (España)
Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m.
SON DE MADERA, son xarocho (México)
Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m.
JAMES JOHNSTONE
clavecín/órgano (Reino Unido)
Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m.
LA MÚSICA DE
LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia)
Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Segundo semestre
Foto: Sarah Thorén
Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383.
VÄSEN
música tradicional sueca
(Suecia)
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Programa de mano - Santiago Torres Carvajal, guitarra (Colombia)
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Traducción del Caso de la Corte Internacional de Justicia, proferida el 1 de octubre de 2018, relativa a la “Obligación de negociar un acceso al Océano Pacífico” (Bolivia c. Chile). Decisión sobre el Fondo
Foto. Balazs Borocz
CAROLINA CALVACHE
CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos)
Viernes 9 de marzo de 2018 · 7:00 p.m.
Girardot, Auditorio del Banco de la República
Cód. PULEP: XSH311
Sábado 10 de marzo de 2018 · 6:00 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Cód. PULEP: CXV576
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018
MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO
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Sala de Conciertos
Luis Ángel Arango
En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad
reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel
Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de
seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado.
En Girardot, el ingreso al Auditorio del Banco de la República para personas
con movilidad reducida es por la carrera 12, calle 17, esquina. Es necesario
dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso por las plataformas
mecánicas sea habilitado.
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de
prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le
permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del
auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo
con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en
cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos
de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto
haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante
el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el
público como para los artistas.
Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos
electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de
reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante
el concierto.
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1
Foto: Emra_Islek
CAROLINA CALVACHE CUARTETO
Carolina Calvache, piano
John Ellis, saxofón
Ricardo Rodríguez, contrabajo
Ronen Itzik, batería
El cuarteto de Carolina Calvache ha llevado su música a importantes
escenarios de Nueva York, Texas y Washington D.C. (Estados Unidos),
tales como Jazz at Lincoln Center, el Jazz Gallery y el Vermont Jazz Center,
con presentaciones que dan cuenta de la excelente formación académica y
habilidad interpretativa de sus integrantes.
Carolina Calvache
piano
Carolina inició sus estudios de piano y música
clásica a los seis años en el Conservatorio Antonio
María Valencia de Cali. Terminó su pregrado en
la Universidad del Valle y posteriormente viajó a
Estados Unidos gracias a una beca que le otorgó la
Universidad de North Texas, para hacer su maestría
en jazz y composición. En el 2011 se estableció en
la ciudad de Nueva York y desde entonces ha llevado
una activa carrera como compositora, produciendo
música para big band, para piano solo y para su
grupo de cámara, Poems & Strings, con el que ha
experimentado la fusión de sonidos de música
clásica con jazz. Ha hecho colaboraciones con
cantantes de la escena de Nueva York, como Henry
Cole, Jorge Roeder, David Binney, Samuel Torres,
Tivon Pennicott, Uri Gurvich, E.J. Strickland, Ricky
Rodríguez, Jaleel Shaw, Ronen Itzik, Rodney Green
y John Ellis.
En el 2013, Carolina hizo parte de la banda del músico y actor
norteamericano Hal Linden, con quien tuvo la oportunidad viajar por
2
todo Estados Unidos. Al año siguiente reafirmó su carrera como pianista y
compositora de jazz en ese país con el estreno de su álbum Sotareño, lanzado
bajo el prestigioso sello discográfico Sunnyside Records. El álbum contiene
una colección de piezas en las que mezcla sus raíces colombianas con
elementos de la tradición del jazz. Sotareño fue grabado en Nueva York por
el saxofonista Jaleel Shaw, el trompetista Michael Rodríguez, el bajista Hans
Glawischnig, el baterista Ludwig Afonso y el ganador del Grammy Antonio
Sánchez, baterista de la banda de Pat Metheny. El blog del sitio Latin Jazz
Network describe Sotareño como uno de los mejores diez álbumes del 2014
en los Estados Unidos.
En el 2014, Carolina debutó en Colombia con su cuarteto de jazz y
participó en los festivales nacionales Jazz al Parque y Pasto Jazz, en los que
tuvo la oportunidad de tocar y de dirigir talleres en la Universidad El Bosque
(Bogotá) y en el Banco de la República (Pasto). En el 2015 viajó a la India
como invitada para tocar en varios festivales —entre ellos el Bangalore Jazz
Festival— y tuvo la oportunidad de grabar para un programa de televisión en
el canal Kappatv, y de ser parte de la facultad de músicos internacionales de la
Swarnabhoomi Academy of Music, en Tamil.
Calvache ha participado en diferentes festivales de jazz, como el Denton
Arts Festival, el Crested Butte Music Festival, el Mary Lou Williams Jazz
Festival, el Encuentro de músicos colombianos en Nueva York, el Women
in Jazz Festival, el Madison Music Festival y el Thelonious Monk Festival at
Jazz at Lincoln Center y Vermont Jazz Center, al que fue invitada como artista
emergente.
Como compositora, Carolina Calvache ha sido parte del BMI Jazz
Workshop (Taller de jazz BMI), en el que ha presentado sus composiciones
para big band y colaborado con otros compositores. También tuvo la
oportunidad de publicar su pieza Te agradezco en el libro Antología de
compositores vallecaucanos, obras para piano, publicado por la Universidad del
Valle en el 2013. En el 2017 trabajó en colaboración con el trombonista del
legendario quinteto Canadian Brass, Achilles Liarmakopoulos, con dos obras
de su autoría: Trombonsillo y Ethereal, esta última convertida en el título de su
último álbum. Para el 2018, Calvache tiene múltiples comisiones, entre ellas
una pieza a dúo que será estrenada en el International Trombone Festival de
Estados Unidos.
3
John Ellis
saxofón
Este talentoso y versátil saxofonista, clarinetista y compositor ocupa un
espacio imaginario justo entre el espíritu festivo y acogedor de Nueva Orleans
y las calles inquietas y frenéticas de Nueva York. Como líder de sus propios
proyectos eclécticos y como acompañante en demanda de una cantidad
alucinante y variada de artistas, Ellis expresa intelecto agudo y virtuosismo
fácil.
En 1993, Ellis se mudó a Nueva Orleans para estudiar con el famoso
patriarca de la familia del jazz, Ellis Marsalis. Lanzó su álbum The Language
of Love en 1996, y un año después se trasladó a Nueva York. En el 2005 lanzó
One Foot in the Swamp, en el que captura sus lazos con el bayou y donde
brilla a través del estilo funk con acento sureño y teñido de góspel. Ellis ha
lanzado nueve álbumes como líder, tres de ellos con su banda Double-Wide,
agrupación que ha realizado giras extensas y se presentó en el escenario
principal del 2012 Newport Jazz Festival.
Su discografía incluye más de cien álbumes como acompañante, con más
de una docena lanzados solo en el 2014, incluidos los aclamados álbumes de
Miguel Zenón, el baterista Otis Brown III, los pianistas Helen Sung y Edward
Simon, y el trío de blues/gospel/soul The Holmes Brothers.
Ricardo Rodríguez
contrabajo
Ricardo Rodríguez nació en Ponce, Puerto Rico, en 1978. A la edad de diez
años comenzó a estudiar bajo eléctrico y bajo acústico con el profesor Irving
Cancel en la Escuela de Música Juan Morell Campos, en su ciudad natal.
Durante sus estudios recibió el Premio Fernando Méndez Molina; el premio
al Músico destacado en Berklee, en Puerto Rico; el Premio a la Excelencia
de la Música Ernesto Ramos Antonini; y el Premio al talento The New Jazz,
en Puerto Rico. En su país tuvo la oportunidad de tocar con algunos de los
gigantes en la escena latina de hoy en presentaciones con Ray Barreto, Endel
Dueno, Giovanni Hidalgo y Jerry González.
En el invierno del 2004 Ricardo se mudó a Nueva York e inició una
carrera de alto nivel, tocando con diferentes agrupaciones, como la Ninety
4
Miles Band, conformada por Stefon Harris, Nicholas Payton y David
Sánchez; Joe Locke Group; Miguel Zenón Quartet; David Sánchez Quartet;
Wayne Escoffery Quintet, y Henry Cole & The Afrobeat Collective. Ricardo
ha tocado también con Branford Marsalis, Danilo Pérez, Ignacio Berro, el
trío Donny McCaslin, el quinteto Michele Rosewoman, Carolina Calvache,
Lionel Loueke, el trío Aaron Goldberg, Billy Drummond, Dave Binney,
Dave Schnitter, Janis Siegel, Pedrito Martínez, The Rodriguez Brothers, el
trío Osmany Paredes Trio, Papo Vázquez, y recientemente el trío del pianista
Michel Camilo.
Ronen Itzik
batería
Nacido en Jerusalén, Israel, en 1976, Ronen Itzik tuvo la suerte de crecer en
un ambiente que fomentó sus sueños de convertirse en músico, y su creciente
interés en la música lo hizo decidirse a seguir su carrera profesional. En 1999
se unió a la Escuela de Música Rimon, en Ramat Hasharon, donde comenzó
su camino en la educación superior. Dos años después decidió mudarse a los
Estados Unidos para continuar su formación y se licenció en la prestigiosa
Berklee College of Music en Boston, a la que asistió gracias a una beca. En
el 2003 se graduó summa cum laude y recibió su licenciatura en música con
énfasis en interpretación. Después de la graduación pasó a la Escuela de
Música de la Universidad Estatal de Florida y obtuvo su maestría en música.
Ronen ha tocado y grabado con grandes del jazz, como Lee Konitz,
Gary Burton, Kenny Werner, Roy Hargrove, Joe Lovano, Marcus Roberts,
Anat Cohen, Ben Monder, Hiromi Uehara, Arnie Lawrence, Alon Yavnai,
Frank London, Wayne Escofferey, Billy Drewes, Johannes Weindermuller,
Matt Penman, Francois Moutin, Tim Miller, Jon Cowherd, Marcus Printup,
Vincent Gardner, Rich Perry, Harry Whitaker, Vardan Ovsepian, Longineu
Parsons y el Vadim Neselovskyi’s Agricultural Dreams Trio.
5
PROGRAMA
Dream Maker (s. f.) CAROLINA CALVACHE (n. 1985)
Hay amores (s. f.) SHAKIRA
Río Cali (s. f.) SEBASTIÁN SOLARI (s. f)
Stella (s. f.)
Hope (s. f.)
Too Soon (s. f.)
CAROLINA CALVACHE (n. 1985)
Sotareño (1928) FRANCISCO DIAGO (1867-1945)
Melodía triste (1990) ‘LEÓN’ CARDONA (n. 1927)
Swarnabhoomi (s. f.) CAROLINA CALVACHE (n. 1985)
CONCIERTO No. 9
Este concierto no tiene intermedio.
6
NOTAS AL PROGRAMA
Por Luis Daniel Vega
Junto a Tatiana Castro, Francy Montalvo, Lina Lomanto, Melissa Pinto
y Andrea Hoyos, entre otras pocas, Carolina Calvache es una caleña que
engrosa las filas de la incipiente lista de pianistas colombianas que en la
actualidad dedican su oficio musical al jazz. A pesar de ser una intérprete que
goza de buena reputación en la escena del jazz de Nueva York —y de haber
brillado hace un par de años por su participación en los festivales de Pasto,
Cali y Bogotá—, infortunadamente, por lo menos en Colombia, su nombre
suele pasar desapercibido.
Formada en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, Calvache
vive actualmente en Nueva York, donde se ha involucrado de lleno en los
terrenos del jazz latino, al lado de músicos como Michael Rodríguez, Jaleel
Shaw y Ludwig Alfonso, quienes, a propósito, la acompañaron en Sotareño
(2014), su poderoso debut para el flamante sello Sunnyside. Entre el
recuerdo vivo de tonadas tradicionales caucanas —una de ellas le da título
a su grabación—, los pasillos y los entuertos del jazz latino moderno, la
pianista se aleja de la experimentación y se alinea con tendencias más cercanas
al trabajo de Samuel Torres, Luis Perdomo y Antonio Sánchez. Parte del
repertorio incluido originalmente en el mencionado disco —Dream Maker,
Stella, Too Soon, Sotareño y Melodía triste— será interpretado por Calvache
esta noche. El resto del repertorio escogido para el disco permanece inédito y
será publicado solo hasta principios del 2019 en Vida profunda, un proyecto
vinculado a la poesía y las canciones. Basada en reflexiones más líricas que
musicales, la nueva propuesta de Carolina Calvache musicaliza piezas
narrativas de Pablo Neruda, Gabriel García Márquez y Porfirio Barba Jacob.
Contará con la presencia de cantantes como Sofía Ribeiro, Sara Serpa, Lara
Bello, Luba Mason, Marta Gómez y Claudia Acuña.
Dream Maker - Carolina Calvache
Del disco Sotareño (2014)
Dream Maker es una pieza breve que Carolina Calvache le dedicó a su padre.
Aunque aparenta cierta complejidad natural del jazz contemporáneo, tras
ella hay una fórmula armónica llena de simpleza. Su esquema permite el
lucimiento conciso del piano y la batería.
7
Stella - Carolina Calvache
Del disco Sotareño (2014)
Mientras se encontraba vacacionando en New Jersey, Carolina quiso darle
un regalo de cumpleaños a su madre. La lejanía determinó el obsequio, que
terminó siendo una canción titulada escuetamente Stella. Hay cierta nostalgia
en esta composición que transmite sensaciones ligadas a la ausencia; sin
embargo, hay alborozo, juego y plenitud.
Too Soon - Carolina Calvache
Del disco Sotareño (2014)
Una de las principales fuentes de inspiración de Carolina Calvache ha sido
el trombonista, pianista y compositor estadounidense Bob Brookmayer. En
el 2011, cuando la pianista se mudó definitivamente a Nueva York, uno de
sus deseos fue conocerlo. Justo ese mismo año Brookmeyer murió, el 16 de
diciembre. El desengaño por la mala jugada del destino es el motivo de esta
delicada balada.
Río Cali - Sebastián Solari
Sin publicar
En los años cincuenta, la orquesta del arreglista y director francés Sebastián
Solari era una de las más reconocidas en el ambiente musical caleño. Entre
los apadrinados que se formaron en ella podemos nombrar a dos leyendas
de la música en Colombia: el cantante Mario Gareña y el saxofonista
Antonio ‘El pollo’ Burbano. Como era habitual, estas grandes orquestas
dividían su repertorio en sonidos antillanos, otros del Caribe colombiano
y algunos entronizados con los aires andinos. De esa cosecha es Río Cali,
una popular composición de Solari. Allí, por muy extraño que parezca, se
engranan elementos del jazz moderno y el pasillo. Es una suerte de estándar
interpretado indistintamente por tríos andinos de cuerda y pianistas.
Sotareño - Francisco Diago
Del disco Sotareño (2014)
Compuesto en 1928 por el abogado payanés Francisco Eduardo Diago, El
sotareño es el bambuco más tocado por las bandas de chirimías caucanas.
El título hace referencia a los habitantes de Sotará, un pequeño municipio
enclavado en las montañas que coronan la cuenca del río Patía. De esa región
proviene parte de la familia de Calvache, quien arregla la popular cantinela
respetando en todo momento el elemento rítmico esencial del bambuco.
8
Melodía triste - ‘León’ Cardona
Del disco Sotareño (2014)
Leonel Cardona García, mejor conocido como ‘León’, es una leyenda viva
de la música en Colombia. Nacido en Yolombó, Antioquia, el 10 de agosto
de 1927, Cardona es uno de los cantautores más prolíficos en el ámbito
de la música andina colombiana. Melodía triste es un pasillo instrumental
compuesto en 1990. La versión de Carolina Calvache se aleja sutilmente del
pasillo y nos conecta con el vals.
Discografía recomendada
Calvache, Carolina (2014) Sotareño. Sunnyside Records
9
Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en
Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia
y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de
Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de
Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia,
Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En
Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la
Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor
artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas
Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo
Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio.
Temporada Nacional de Conciertos 2018
Próximos conciertos en GIRARDOT
SCHOLA GREGORIANA DE BOGOTÁ, música antigua (Colombia)
Jueves 12 de abril de 2018 · 7:00 p.m.
Auditorio del Banco de la República
Cód. PULEP: SEN833
GEOMETRÍA ARDIENTE, jazz (Colombia)
Miércoles 25 de julio de 2018 · 7:00 p.m.
Auditorio del Banco de la República
Cód. PULEP: ZOV326
JUAN MENDOZA DÍAZ, viola (Colombia)
Daniel Muñoz, piano (Colombia
Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m.
Auditorio del Banco de la República
Cód. PULEP: AGD183
Sala de Conciertos @Banrepcultural
Luis Ángel Arango
Boletas: Síganos en
Serie profesional: $10.000
Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000
Aplican descuentos
Mayor información en
www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical
LA MAIN HARMONIQUE
ensamble vocal (Francia)
Frédéric Bétous, director
Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Francia,
la Alianza Francesa y el Institut français
VOCALCONSORT BERLIN
ensamble vocal (Alemania)
Martes 27 de marzo · 7:30 p.m.
Con el apoyo de Goethe-Institut
ENSAMBLE VILLANCICO
ensamble vocal (Suecia)
Peter Pontvik, director
Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m.
Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia
y la familia Karlsson Játiva
CEPROMUSIC
música contemporánea (México)
José Luis Castillo, director*
Miércoles 4 de abril
6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra
7:30 p.m. · Concierto
* Entrevista abierta con José Luis Castillo
Martes 3 de abril · 6:00 p.m.
Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia
en el marco del Año México-Colombia 2017-2018
STILE ANTICO
ensamble vocal (Reino Unido)
Domingo 15 de abril · 11:00 a.m.
RICARDO GALLO CUARTETO
jazz (Colombia)
Domingo 22 de abril · 11:00 a.m.
JOSEPH-MAURICE WEDER
piano (Suiza)
Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m.
Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia
VIVIANA SALCEDO
oboe/corno inglés (Colombia)
RAÚL MESA, piano (Colombia)
Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m.
MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER
dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)
Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m.
Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões
CUARTETO FAURÉ
cuarteto con piano (Alemania)
Jueves 7 de junio · 7:30 p.m.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
EN BOGOTÁ
Serie profesional
Primer semestre
Foto: Thomas Millet
Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988.
LA MAIN HARMONIQUE
ensamble vocal (Francia)
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la
República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo
NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco
de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de
mano. Esta versión digital contiene actualización del listado de obras que
fueron interpretadas —página 5—, y corrección de la información sobre
éstas a lo largo de las notas al programa. Asimismo, contiene retoque en la
diagramación del contenido a lo largo del documento.
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Programa de mano - Carolina Calvache Cuarteto, jazz (Colombia / Estados Unidos)
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Observatorio de Derecho Internacional: actividad Internacional 2017
Foto: Marco Borggreve
STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido)
Miércoles 11 de abril de 2018 · 7:00 p.m.
Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia
Cód. PULEP: BBL937
Viernes 13 de abril de 2018 · 7:20 p.m.
San Andrés, Auditorio del Centro cultural del Banco de la República
Cód. PULEP: KWJ885
Domingo 15 de abril de 2018 · 11:00 a.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Cód. PULEP: KLV575
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018
MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO
SÍGANOS EN
TOME NOTA
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por
la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 #
4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea
habilitado.
En Florencia, el ingreso al Auditorio Ángel Cuniberti para personas con movilidad reducida
es por la entrada principal, frente al parqueadero. Es necesario dar aviso al personal de la
agencia cultural para su ubicación en las primeras filas de la parte superior.
En San Andrés, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es
por la entrada principal del Centro Cultural. Es necesario dar aviso al personal de seguridad
de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado.
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el
programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto
con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará
el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas
por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al
programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una
vez el concierto haya iniciado.
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incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un
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República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos
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1
STILE ANTICO
Kate Ashby, Helen Ashby y Rebecca Hickey, sopranos.
Emma Ashby, Eleanor Harries y Katie Schofield, contraltos.
Andrew Griffiths, Benedict Hymas y Thomas Kelly, tenores.
William Dawes, Nick Ashby y James Hugh Arthur, bajos.
Stile Antico se ha establecido
como uno de los ensambles
vocales más distinguidos e
innovadores del mundo. Aunque
no cuentan con un director, los
doce integrantes del ensamble han
logrado cautivar audiencias en toda
Europa y Norteamérica con sus
interpretaciones frescas, dinámicas
y conmovedoras de la polifonía
renacentista. Sus grabaciones con
el sello Harmonia Mundi han sido
un éxito de ventas y han logrado
grandes reconocimientos, entre
los que se cuentan el Premio
Gramophone para Música Antigua, el Diapason d’Or de l’Année, el Premio
Edison Klassiek y el Premio de la Crítica Discográfica Alemana; además, han
sido nominados tres veces a los premios Grammy.
Stile Antico, cuya sede principal es Londres, se ha presentado en varios de
los festivales y salas de concierto más prestigiosos del mundo. La agrupación
goza de una relación cercana con el Wigmore Hall en Londres y el Palacio de
Bellas Artes en Bruselas, y se ha presentado en los Proms de la BBC, el Palacio de
Buckingham, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Cité de la Musique de París,
la Filarmónica de Luxemburgo y la Gewandhaus de Leipzig. También ha sido
invitada a participar en los principales festivales de música de Europa, como el
Festival de Pascua de Lucerna, los festivales de música de Rheingau, Schleswig-
Holstein y Breslavia y los festivales de música antigua de Amberes, Barcelona,
Brujas, Granada, Utrecht y York.
Desde su debut en Norteamérica en el Festival de Música Antigua de
Boston, en el 2009, Stile Antico ha realizado varias giras por los Estados Unidos
y Canadá. El ensamble se presenta con regularidad en Boston, en el Teatro Miller
y en el Music Before 1800, en Nueva York. Adicionalmente, se ha presentado en
la Catedral Nacional y en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en
Foto: Marco Borggreve
2
Washington, en el Centro Chan de Vancouver, en el Festival de Música Sacra de
Quebec, en las universidades de Duke, Michigan y Yale, y en diferentes ciclos de
conciertos en veintidós estados de los Estados Unidos. En el 2010 Stile Antico se
presentó por primera vez en el Festival Cervantino de México.
La agrupación se destaca por la dedicación y expresividad que salen a relucir
en sus presentaciones y que son consecuencia de su particular dinámica de
grupo: los integrantes ensayan y se presentan como músicos de cámara, y cada
uno contribuye de manera artística al logro de excelentes resultados musicales. El
grupo también se destaca por su audaz programación, en la que establece vínculos
entre diferentes obras para darle un nuevo enfoque a la música renacentista.
Además de su repertorio central, Stile Antico ha estrenado obras de
compositores mundialmente reconocidos, entre ellos John McCabe, Huw
Watkins y, más recientemente, Nico Muhly, cuya coral Gentle Sleep fue creada
para celebrar el décimo aniversario del ensamble. Asimismo ha colaborado con
importantes grupos y artistas, como Fretwork, el Folger Consort of Viols, el
pianista Marino Fomenti, Sting y la Orquesta B’Rock.
Además, la agrupación dicta clases en la Escuela Internacional de Verano
de Dartington, ha sido residente en Zenobia Música y constantemente recibe
invitaciones para participar en proyectos musicales en diferentes universidades,
festivales y foros de música antigua. Gracias al apoyo de la Fundación Stile
Antico, el grupo ha logrado incrementar sus iniciativas pedagógicas en diferentes
centros educativos y ofrecer becas anuales a muchos jóvenes cantantes.
El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de
3
PROGRAMA
With the Voice of Melody
Vigilate (s. f.) WILLIAM BYRD (c. 1540-1623)
Sleep, fleshly birth (1612) ROBERT RAMSEY (c. 1590-1644)
O clap your hands together (1622) ORLANDO GIBBONS (1583-1625)
Jubilate Deo (1538) CRISTÓBAL DE MORALES (1500-1553)
O Vos Omnes (s. f.) TOMÁS LUIS DE VICTORIA (1548-1611)
Woefully arrayed (2009) JOHN McCABE (1939-2015)
INTERMEDIO
Gloria in excelsis Deo
de la misa Puer natus est (s. f.)
THOMAS TALLIS (c. 1505-1585)
Veni, dilecte mi (s. f.) SEBASTIÁN DE VIVANCO
(c. 1551-1622)
Ego flos campi
del libro Song and Songs (s. f.)
JACOBUS CLEMENS NON PAPA
(c. 1510-1555)
Ecce Virgo Concipiet (1605) WILLIAM BYRD
In pace, in idipsum (s. f.) THOMAS TALLIS
The Phoenix and the Turtle (2014) HUW WATKINS (n. 1976)
O Praise the Lord (1668) THOMAS TOMKINS (1572-1656)
CONCIERTO No. 17
4
NOTAS AL PROGRAMA
Por Angélica Daza
El arte de la escritura
En el paso de la Edad Media al Renacimiento, el panorama musical europeo
se caracterizó por un constante refinamiento de la escritura polifónica, que
alcanzó su mayor esplendor en el siglo xvi. Música y poesía confluyeron dando
curso a diversos estilos y técnicas compositivas que condujeron al desarrollo
de formas como el motete, el villancico, el madrigal y la chanson, entre otros;
estilos que, trascendiendo las fronteras políticas, se adaptaron a los diversos
entornos y realidades sociológicas características del período conocido hoy
como Renacimiento.
Bajo la pluma de compositores franco-flamencos, españoles, italianos,
ingleses y alemanes, los textos de grandes poetas se incorporaron a nuevas
formas de expresión dentro de la refinada escritura musical. Mediante el empleo
de recursos como la homofonía, la polifonía imitativa y el uso de melismas,
intervalos y un contrapunto exquisito, las palabras y las ideas cobraban vida en
un contexto en el que, rivalizando en ingenio, los compositores se esforzaban
por dar expresión musical al mensaje e intenciones del texto, fuese este sacro o
profano.
En el estilo de la polifonía renacentista convivían la proporción, el orden
y el drama, lo que daba por resultado una relación música–texto que llevaría,
a comienzos del Barroco, al nacimiento de un nuevo género. En medio de las
convulsiones políticas y sociales del siglo xvi, como las suscitadas por la Reforma
protestante y la posterior Contrarreforma Católica, la música sacra tuvo que
adaptarse a nuevos conceptos filosóficos y teológicos que entendían de manera
diferente la relación del hombre con Dios y el papel de la música como vehículo
en esa relación.
El programa que hoy presenta el ensamble Stile Antico contiene obras
escritas en Inglaterra durante el Renacimiento y algunas de otros autores del
continente europeo, en las que podremos apreciar la finura del arte de la escritura
polifónica. Dos obras del siglo xx compuestas para el coro muestran, además, la
versatilidad interpretativa de estos cantantes.
Acerca del concierto
Entre las monarquías europeas del Renacimiento, el reinado de Isabel I, la ‘Reina
virgen’ (1558-1603), merece especial atención. Durante este periodo, las artes,
5
en especial la música y la literatura, tuvieron un gran florecimiento. El rey Enrique
VIII (1491-1547), padre de Isabel, había declarado su decisión de convertirse
en la máxima autoridad de la Iglesia Anglicana al separarse de Roma en 1533.
Cuando Isabel llega al trono, un cuarto de siglo más tarde, Inglaterra ya había
conocido un breve retorno al catolicismo, entre 1553 y 1558, bajo el efímero
reinado de su media hermana María I. Isabel había restaurado el protestantismo
y heredado un país en el que los conflictos religiosos eran constantes, como
ocurría también en el continente tras la Reforma de Lutero en 1517.
En este contexto se desempeñó Thomas Tallis (c. 1505-1585), músico de la
corte que tuvo que adaptar su escritura a los preceptos de la religión protestante
desde el comienzo de la Reforma, siendo uno de los primeros en escribir en
lengua inglesa. Sirvió en la corte hasta su muerte y dejó un gran legado de obras
sacras, entre ellas el Gloria in excelsis Deo de la misa Puer natus est, basada en el
cantus firmus1 gregoriano del introito de la misa del día de Navidad. Esta obra fue
compuesta durante el reinado católico de María I y se cree que fue inspirada por
la sospecha del embarazo de la reina2. También escucharemos In pace, in idipsum
a cuatro voces, un responsorio cantado del oficio de completas de la Semana
Santa en el rito de Sarum3. De carácter más sombrío (se canta en la noche), el
texto viene de los salmos 4 y 131, que convocan a la paz y al descanso.
William Byrd (c. 1540-1623), alumno y amigo de Tallis, compartió con él
el monopolio de la impresión musical por veinte años. Sin embargo, su estilo
compositivo llegó a ser más elaborado, característica que lo convertiría en uno
de los músicos más importantes de la corte de la reina Isabel. Declaradamente
católico, su religión no fue un obstáculo en su trabajo, como sí llegó a serlo en
otros aspectos. Compuso en distintas formas y estilos: instrumental, voz con
acompañamiento, motetes, misas y anthems. El motete Vigilate, a cinco voces,
es una exhortación a estar alerta ante la inminente llegada del Señor (cf. Mc
13:35); aquí, Byrd emplea una forma de escritura musical que realza las palabras
(madrigalismos4) y le da un efecto más dramático al texto. Este es también el caso
1 El cantus firmus es una melodía que proviene, en general, del canto gregoriano y es la
base de muchas composiciones de polifonía sacra en el Renacimiento. Suele encontrarse
en la voz del tenor en notas largas sobre las que se tejen las demás voces.
2 El hecho de que la reina pudiera estar embarazada causaba gran ilusión, pues habría
significado un heredero católico al trono. La reina murió sin sucesión, y al subir Isabel al
trono, el país volvió al protestantismo.
3 Variante del rito romano de la Iglesia católica, originado en la diócesis de Salisbury antes
de la Reforma y reinstaurado bajo el reinado de María I de Inglaterra.
4 El madrigalismo es la forma de ‘pintar’ con recursos musicales las palabras, lo que les
otorga mucho más dramatismo. Por ejemplo, notas cortas y rápidas para describir la risa,
al decir descender las notas descienden, etc. La técnica fue especialmente usada en los
madrigales y por ello recibió este nombre.
6
de Ecce Virgo Concipiet —motete a cinco voces contenido en el libro Gradualia
(1605)—, que forma parte del repertorio del Adviento y en el que se destaca la
misma técnica de ‘pintar las palabras’ musicalmente. Aunque Byrd no compuso
madrigales, fue uno de los precursores de esta técnica, que sería perfeccionada
más tarde por sus sucesores en Inglaterra.
Uno de estos sucesores fue Thomas Tomkins (1572-1656), importante
representante de la escuela de madrigalistas ingleses. Organista y compositor,
publicó varias obras de música instrumental y litúrgica. Era musicalmente
conservador, fiel a la escritura polifónica renacentista, sin hacer mucho caso a la
influencia italiana que venía del continente. Escucharemos del libro Musica Deo
Sacra et Ecclesiæ Anglicanæ (1668), publicada póstumamente por su hijo, el himno
O Praise the Lord, traducción del salmo 117. Es una obra festiva, compuesta para
12 voces, con un denso y refinado tejido polifónico que intensifica la sensación
de multitud implícita en el texto: «(…) todas las naciones, todos los pueblos,
alábenlo» (Sal 117:1-2).
Orlando Gibbons (1583-1625) trabajó en la corte de Jacobo I como
organista y compositor. Escribió himnos para el servicio litúrgico anglicano, pero
también música instrumental y un libro de madrigales llamado The Silver Swan.
Es el autor del himno a ocho voces O clap your hands together, traducción del
salmo 47, de carácter festivo, que solía cantarse en la fiesta de la Ascensión; el
himno fue estrenado en Oxford en 1622, cuando Gibbons recibió su doctorado
en música. La composición de este himno fue requisito para obtener el título.
Cuando Jacobo VI de Escocia llegó a ocupar el trono de Isabel después de
su muerte en 1603, tomó el nombre de Jacobo I de Inglaterra y trajo consigo
a la corte algunos artistas, músicos e intérpretes, entre ellos a Robert Ramsey
(1590-1644), proveniente de una familia escocesa de músicos. De él se conoce
poca producción, entre la que figura el madrigal Sleep, fleshy birth, compuesto en
1612, cuando murió el príncipe Henry Frederick, primogénito del rey, a los 18
años. Es una obra a seis voces, de tono triste y melancólico.
Tres obras de los más importantes músicos españoles de la época forman
también parte del programa de este concierto. El primero de ellos, Cristóbal
de Morales (1500-1553), fue músico y sacerdote. Su obra sacra se hizo muy
popular en el continente y lo convirtió en el primer músico español con fama
internacional. En 1535 llegó a estudiar a Roma y allí empezó a cantar en el coro
del papa Pablo III, quien le encargó, en 1538, una obra para celebrar la firma del
tratado de paz entre el emperador Carlos V y Francisco I de Francia. Jubilate Deo
es un motete a seis voces que conmemora este evento. Estructurada en torno al
cantus firmus gregoriano Gaudeamus, que solía cantarse en grandes celebraciones
7
y conmemoraciones, esta obra fue parodiada más tarde por Tomás Luis de
Victoria en la misa Gaudeamus.
La siguiente pieza es autoría de Tomás Luis de Victoria (1548-1611),
también músico y sacerdote español, que llegó a Roma a la temprana edad de
19 años para perfeccionar sus conocimientos musicales y afirmar su vocación.
Fue alumno de Palestrina y se convirtió, después de él, en uno de los mejores
exponentes de la polifonía sacra de finales del siglo xvi y comienzos del xvii. O
Vos Omnes forma parte de los responsorios cantados en el oficio de tinieblas del
Sábado Santo. El texto viene de las lamentaciones de Jeremías y habla de dolor
y desolación «(…) atended y mirad si hay un dolor semejante al mío» (Lam
1:12). Este motete a cuatro voces está construido con suma delicadeza, lo que
resalta la profundidad del texto.
El último de estos autores españoles es Sebastián de Vivanco (c. 1551-
1622). Al igual que De Victoria, fue sacerdote y músico abulense, además de
maestro de capilla y profesor. De entre su obra sacra se rescatan 93 motetes. De
él escucharemos Veni, dilecte mi, del archivo de la catedral de Salamanca, donde
el músico fue maestro de capilla. El texto viene del Cantar de los cantares, fuente
de inspiración permanente para los compositores debido a sus textos, que, más
que religiosos, son amorosos y recrean diálogos entre amantes, y que se han
interpretado como la relación entre Cristo y su Iglesia. En este caso se trata de la
réplica de la amada que espera a su amado: «Ven, amado mío, salgamos al campo
(…) y allí te entregaré mis amores» (Ct 7:11-14). El tema principal es el amor
plenamente compartido.
También del Cantar de los cantares es la obra de Jacobus Clemens non
Papa (c. 1510-1555), autor flamenco de comienzos del Renacimiento, entre
cuyas obras se cuentan 233 motetes. En 1550 se encontraba trabajando para la
Onze Lieve Vrouwe Broederschap (Fraternidad de Nuestra Amada Señora) en
Bolduque, Bélgica, cuyo lema era ‘Sicut lilium inter spinas’, alusión medieval a la
Virgen María. El motete Ego flos campi contiene esta frase, que el autor resalta
empleando la homofonía para hacer énfasis en estas palabras. El texto habla
al final de «los pozos de aguas vivas que vienen del Líbano» (Ct 4:15) y al
mencionar las aguas, las voces ondulan en lo que sería caracterizado como un
‘madrigalismo temprano’.
Completan el programa dos piezas modernas, la primera de ellas de John
McCabe (1939-2015), pianista y compositor inglés que se inició tempranamente
en la música y compuso para casi todos los géneros. El motete Woefully arrayed
se basa en el texto del motete del mismo nombre escrito por William Cornysh
(1465-1523), revisado y actualizado por McCabe. El texto habla de la pasión de
8
Cristo en primera persona y describe musicalmente la dolorosa escena. La obra,
escrita para doce voces, fue estrenada por el ensamble Stile Antico en el 2009.
De Huw Watkins (n. 1976), también pianista y compositor inglés,
escucharemos The Phoenix and the Turtle, para doce voces, sobre un poema de
William Shakespeare publicado en 1601. Se trata de la descripción del funeral de
un pájaro, que sirve de metáfora para hablar de la muerte de un amor idealizado.
Esta obra fue comisionada por el ensamble Stile Antico y estrenada en el 2014.
Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua.
Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París.
Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y
tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado
como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la
orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango
realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional
de Conciertos del Banco de la República.
9
With the Voice of Melody
Vigilate (s. f.)
William Byrd (c. 1540-1623)
Texto: Marcos 13: 35-37
Vigilate,
nescitis enim quando
dominus domus veniat sero,
an media nocte,
an gallicantu, an mane.
Vigilate ergo,
ne cum venerit repente,
inveniat vos dormientes.
Quod autem dico vobis, ómnibus dico:
vigilate.
Estad vigilantes
porque no sabéis
si el señor de la casa vendrá en la tarde,
a la medianoche,
a la madrugada o en la mañana.
Por lo tanto, estad atentos
no sea que si llega de repente,
os encuentre durmiendo.
Lo que os digo lo digo a todos:
estad vigilantes.
Sleep, fleshly birth (1612)
Robert Ramsey (c. 1590-1644)
Texto: anónimo
Sleep, fleshly birth,
in peaceful earth,
and let thine ears list to the music
of the spheres,
while we around this fairy ground
thy doleful obit keeping,
make marble melt with weeping.
With num’rous feet
we’ll part and meet.
Then chorus-like
in a ring thy praises sing,
while show’rs of flow’rs bestrew thee,
we’ll thus with tears bedew thee.
Rest in soft peace, sweet youth,
and there remain till soul and body
meet to join again
Duerme, carne nacida,
en la tierra pacífica,
y escucha la música
de las esferas,
mientras en este suelo encantado
orbitamos a tu alrededor,
fundiendo el mármol con nuestro llanto.
Con numerosos pies
partiremos y nos reuniremos.
Después te alabaremos
cantando en coro,
mientras te bañamos con flores
y te rociamos con lágrimas.
Descansa en paz, dulce joven
y permanece allí mientras cuerpo y alma
se encuentran para unirse otra vez.
Para una mejor audición, recomendamos pasar
la página una vez haya finalizado la obra.
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O clap your hands together (1622)
Orlando Gibbons (1582-1625)
Texto: Salmo 47
O clap your hands together,
all ye people;
O sing unto God
with the voice of melody.
For the Lord is high and to be feared;
he is the great king upon all the earth.
He shall subdue the people under us,
and the nations under our feet.
He shall choose out a heritage for us,
even the worship of Jacob,
whom he loved.
God is gone up with a merry noise,
and the Lord
with the sound of the trumpet.
O sing praises,
sing praises unto our God;
O sing praises
sing praises unto our king.
For God is the king of all the earth;
sing ye praises
with the understanding.
God reigneth over the heathen;
God sitteth upon his holy seat.
For God, which is highly exalted,
doth defend the earth
as it were with a shield.
Glory be to the Father, and to the Son,
and to the Holy Ghost;
as it was in the beginning is now
and ever shall be, world without end.
Amen.
Oh, aplaudid con vuestras manos,
todos vosotros;
Oh, cantad a Dios
con la voz de la melodía.
Porque el Señor es grande y temible;
Él es el gran Rey de la tierra.
Él someterá a los pueblos a nosotros,
pondrá las naciones a nuestros pies.
Elegirá una heredad para nosotros,
por la adoración de Jacob,
a quien amó.
Dios se elevó con un sonido alegre,
y el Señor
con sones de trompeta.
Oh, cantad alabanzas,
cantad alabanzas a nuestro Dios;
Oh, cantad alabanzas,
cantad alabanzas a nuestro Rey.
Porque Dios es el rey de toda la tierra;
cantad alabanzas
con quienes comprenden.
Dios reinó sobre los impíos,
Dios se sentó en su sagrado trono.
Porque Dios, que es excelso,
defiende la tierra
como si fuera un escudo.
Gloria al Padre al Hijo
y al Espíritu Santo;
como era en el principio,
ahora y siempre, por la eternidad.
Amén.
11
Jubilate Deo (1538)
Cristóbal de Morales (1500-1553)
Texto: en torno al cantus firmus gregoriano Gaudeamus
Jubilate Deo omnis terra,
cantate omnes,
jubilate et psallite,
quoniam suadente
Paulo, Carolus et Franciscus,
principes terrae, convenerunt in unum
et pax de caelo descendit.
O felix aetas, O felix Paule,
O vos felices principes
qui christiano populo
pacem tradidistis.
Vivat Paulus! Vivat Carolus!
Vivat Franciscus! vivant simul,
et pacem nobis donent in aeternum!
Alegraos en el Señor, naciones todas
cantad todos,
alegraos y tocad los salterios,
porque, persuadidos por
Pablo, Carlos y Francisco,
se han unido los príncipes de la tierra
y la paz ha bajado del cielo.
¡Oh edad feliz! ¡Oh dichoso Pablo!
¡Oh príncipes felices
que han traído la paz
a los pueblos cristianos!
¡Viva Pablo! ¡Viva Carlos!
¡Viva Francisco! ¡Vivan todos muchos años
y nos den paz para siempre!
O Vos Omnes (s. f.)
Tomás Luis De Victoria (1548-1611)
Texto: Lamentaciones 1:12
O vos omnes qui transitis per viam, attendite
et videte si est dolor sicut dolor meus.
Attendite, universi populi,
et videte dolorem meum,
si est dolor similis sicut dolor meus.
Oh vosotros que pasáis por la vía,
mirad y ved si hay un dolor como el mío.
Atended todos,
mirad mi pena
y ved si hay pena como la mía.
Para una mejor audición, recomendamos pasar
la página una vez haya finalizado la obra.
12
Woefully arrayed (2009)
John McCabe (1939-2015)
Texto: William Cornysh (1465-1523)
Woefully arrayed,
my blood, man,
for thee ran it may not be denied.
My body, blue and wan,
woefully arrayed.
Behold me, I pray thee,
with all thy whole reason,
for this enchosen:
that I for thy soul’s sake was slain,
in good season,
beguiled and betrayed
by Judas’ false treason,
unkindly, harshly treated,
with whips sore fretted,
the mob threatened me
they grimaced, they grinned,
they scorned me,
condemned to death
as thou may’st see.
Woefully arrayed.
Thus naked am I nailed, O man,
for thy sake.
I love thee, so love me.
Why do you sleep?
Awake!
Awake!
Remember my tender heart-root
is broken for you,
with pains my veins are forced to crack,
thus tugged to and fro,
thus wrapped up in woe,
never was man treated with such cruelty,
was like a lamb offered in sacrifice.
Woefully Arrayed.
Of sharp thorns I have worn a crown
on my head,
so pained, so bruised, so sad,
so red with blood.
Thus struck with fists, thus robbed,
and for love of you dead.
Truly, freely shedding
my blood for thee.
Penosamente ataviado,
mi sangre, hombre,
corrió por ti, no puede negarse.
Mi cuerpo, azul y pálido,
penosamente ataviado.
Te lo pido:
contémplame con toda tu razón,
elegido para esto:
en la plenitud fui sacrificado por tu alma,
con justa razón,
engañado y traicionado
por la falsedad de Judas,
dura y cruelmente tratado,
azotado,
amenazado por la multitud
que se burló,
me insultó
y me condenó a muerte,
como lo pudiste ver.
Penosamente ataviado.
Así, desnudo, me clavaron ¡oh hombre!,
por tu causa.
Te amo, por tanto, ámame.
¿Por qué duermes?
¡Despierta!
¡Despierta!
Recuerda que la tierna raíz de mi corazón
se rompió por ti,
con dolores mis venas se quebraron,
y así, llevado de un lado a otro,
envuelto en miserias,
tratado con más crueldad que ningún hombre,
era como un cordero ofrecido en sacrificio.
Penosamente ataviado.
Llevé una corona de afiladas espinas
en la cabeza,
tan adolorida, tan lastimada, tan triste,
tan ensangrentada.
Así golpeado a puñetazos,
así robado y muerto por tu amor.
En verdad y generosamente derramando
mi sangre por ti.
13
My sore feet
and hands bore the thick nails;
what more could I suffer,
than I have done,
O man, for you?
Come when you hear,
Welcome to me!
Mis adoloridos pies
y manos tuvieron gruesos clavos.
¿Qué más podría sufrir,
que lo que he sufrido
oh hombre, por ti?
Acude cuando oigas esto,
¡acógeme!
Gloria in excelsis Deo de la misa Puer natus est nobis (s. f.)
Thomas Tallis (c. 1505-1585)
Texto: basado en el cantus firmus gregoriano
del introito de la misa del día de Navidad
Gloria in excelsis Deo.
Et in terra pax hominibus
bonae voluntatis.
Laudamus te. Benedicimus te.
Adoramus te. Glorificamus te.
Gratias agimus tibi
propter magnam gloriam tuam.
Domine Deus, Rex caelestis,
Deus Pater omnipotens.
Domine Fili unigenite, Iesu Christe.
Domine Deus, Agnus Dei, Filius Patris.
Qui tollis peccata mundi,
miserere nobis.
Qui tollis peccata mundi,
suscipe deprecationem nostram.
Qui sedes ad dexteram Patris,
miserere nobis.
Quoniam tu solus Sanctus;
tu solus Dominus;
tu solus Altissimus, Iesu Christe,
cum Sancto Spiritu,
in gloria Dei Patris.
Amen.
Gloria a Dios en las alturas
y en la tierra paz a los hombres
de buena voluntad.
Te alabamos, te bendecimos,
te adoramos, te glorificamos,
te damos gracias
por tu inmensa gloria,
Señor Dios, Rey de los cielos,
Dios padre todopoderoso.
Señor hijo único Jesucristo;
Señor Dios, cordero de Dios, hijo del padre.
Tú que quitas el pecado del mundo,
ten piedad de nosotros.
Tú que quitas el pecado del mundo,
atiende nuestras súplicas.
Tú que estás sentado a la derecha del Padre,
ten piedad de nosotros.
Porque sólo tú eres santo,
sólo tu Señor,
sólo tú altísimo Jesucristo,
con el Espíritu Santo
en la gloria de Dios Padre.
Amén.
Para una mejor audición, recomendamos pasar
la página una vez haya finalizado la obra.
14
Veni, dilecte mi (s. f.)
Sebastián de Vivanco (c. 1551-1622)
Archivo de la catedral de Salamanca
Texto: Cantar de los cantares 7:11-12
Veni, dilecte mi, egrediamur in agrum,
commoremur in villis.
Mane surgamus ad vineas.
Videamus si floruit vinea,
si flores fructus parturiunt,
si floruerunt mala punica:
ibi dabo tibi ubera mea.
Ven, amado mío, vayamos al campo,
alojémonos en las villas.
Levantémonos temprano y vayamos a los viñedos.
Miremos si florecieron las vides,
si las flores produjeron frutos,
si la granada está en sazón;
allí te daré mis pechos.
Ego flos campi del libro Song and Songs (s. f.)
Jacobus Clemens non Papa (c. 1510-1555)
Texto: Cantar de los cantares 2:1-2, 4:15
Ego flos campi et lilium convalium;
sicut lilium inter spinas,
sic amica mea inter filias:
fons hortorum et puteus
aquarum viventium;
quæ fluunt impetus de Libano.
Soy flor del campo y lirio del valle;
como lirio entre zarzas
es mi amada entre las jóvenes:
una fuente del huerto,
pozo de agua viva;
arroyos que fluyen desde el Líbano.
Ecce Virgo Concipiet (1605)
William Byrd (c. 1540-1623)
Texto: del libro Gradualia, repertorio del Adviento
Ecce Virgo concipiet
et pariet filium:
et vocabitur nomen eius Emmanuel.
He aquí que una virgen concebirá
y dará a luz un hijo
y le pondrá por nombre Emmanuel.
In pace (s. f.)
Thomas Tallis (c. 1505-1585)
Texto: del libro Musica Deo Sacra et Ecclesiæ Anglicanæ
In pace in idipsum.
In pace in idipsum dormiam
et requiescam.
Si dedero somnum oculis meis
et palpebris meis dormitationem,
in idipsum dormiam et requiescam.
Gloria Patri et Filio et
Spiritui Sancto.
En paz, en la propia paz.
En paz, en la propia paz dormiré
y descansaré.
Si diera sueño a mis ojos
y se adormecen mis párpados,
dormiré y descansaré en paz.
Gloria al Padre al Hijo y
al Espíritu Santo.
15
The Phoenix and the Turtle (2014)
Huw Watkins (n. 1976)
Texto: William Shakespeare (1564-1616)
Let the bird of loudest lay,
On the sole Arabian tree,
Herald sad and trumpet be,
To whose sound chaste wings obey.
But thou shrieking harbinger,
Foul procurer of the fiend,
Augur of the fever’s end,
To this troop come thou not near.
From this session interdict
Every fowl of tyrant wing,
Save the eagle, feather’d King:
Keep the obsequy so strict.
Let the priest in surplice white,
That defunctive music can,
Be the death-divining swan,
Lest the requiem lack his right.
And thou, treble-dated crow
That thy sable gender makest
With the breath thou givest and takest,
Mongst our mourners shalt thou go.
Here the anthem doth commence:
Love and constancy is dead;
Phoenix and the turtle fled
In a mutual flame from hence.
So they loved,
as love in twain
Had the essence but in one;
Two distincts, division none:
Number there in love was slain.
Hearts remote, yet not asunder;
Distance, and no space was seen
Twixt the turtle and his queen:
But in them it were a wonder.
So between them love did shine,
That the turtle saw his right
Flaming in the phoenix’ sight;
Either was the other’s mine.
Property was thus appalled,
That the self was not the same;
Single nature’s double name
Neither two nor one was called.
Que cante el ave más sonora
En el único árbol de Arabia
Cual triste heraldo trompetero,
Y castas alas acaten su sonido.
Pero tú, emisario ruidoso
Sucio proxeneta del demonio,
Agorero del fin de la fiebre,
A esta tropa no te acerques.
Expulsada fue de esta función
Toda ave de alas tiranas,
Excepto el águila, emplumado rey:
Respetemos el mandato con rigor.
Que el sacerdote en blanca casulla,
Cantor de sones funerarios,
Sea el cisne visionario de la muerte,
No sea que haga falta un réquiem.
Y tú cuervo, anciano de tres eras,
Hacedor de razas azabaches,
Con el aliento que das o que tomas
Entre nuestros dolientes has de ir.
Ahora el himno ha comenzado:
Muertos son el amor y la constancia;
De aquí volaron [la] fénix y el tórtolo
Envueltos en común hoguera.
Así se amaron,
como si el amor en pares
Tuviera su única esencia;
Dos diferencias sin ninguna división:
El número desaparece en el amor.
Corazones lejanos, no separados;
Distancia mas no espacio había
Entre el tórtolo y su reina:
Pero en ellos había una maravilla.
Así entre ellos brillaba el amor,
Hasta que el tórtolo vio su costado
Ardiendo en la mirada de [la] fénix;
Cada uno lo mejor del otro.
La propiedad sintió como derrota
Que lo propio no fuera lo interno;
Un solo ser con doble nombre
Que no se podía llamar ni dos ni uno.
Para una mejor audición de la obra
recomendamos pasar la página con cuidado.
16
Reason, in itself confounded,
Saw division grow together,
To themselves yet either neither,
Simple were so well compounded,
That it cried, How true a twain
Seemeth this concordant one!
Love hath reason, reason none,
If what parts can so remain.
Whereupon it made this threne
To the phoenix and the dove,
Co-supremes and stars of love,
As chorus to their tragic scene.
Threnos
Beauty, truth, and rarity,
Grace in all simplicity,
Here enclosed in cinders lie.
Death is now the phoenix’ nest;
And the turtles loyal breast
To eternity doth rest,
Leaving no posterity:
Twas not their infirmity,
It was married chastity.
Truth may seem,
but cannot be;
Beauty brag,
but ‘tis not she;
Truth and beauty buried be.
To this urn let those repair
That are either true or fair;
For these dead birds sigh a prayer.
La razón, igual de confundida,
Veía que la división los acercaba,
Entre ellos ninguno era el otro,
Elementales y tan bien compuestos,
Y exclamó: ¡qué pareja tan fiel,
¡Parecen ser uno en su concierto!
Amor tenía razón, no la razón,
Si lo que se aparta permanece.
Y compuso este himno funerario
Al ave fénix y al palomo,
Comandantes y estrellas del amor,
Como coro de su escena trágica.
Treno
Belleza y fidelidad insólitas,
Gracia plena de simplicidad,
Yacen aquí envueltas en cenizas.
La muerte es ahora nido para [la] fénix,
Y el pecho fiel del tórtolo
Descansa por la eternidad,
Sin dejar herederos:
No por debilidad suya,
Pues era casto matrimonio.
La fidelidad aparenta,
pero no puede ser,
La belleza presume,
pero ella no es;
Belleza y fe están enterradas.
Vuélvanse hacia esta urna todos
Quienes fieles o bellos creen ser;
Una plegaria por estas aves suspirad.
O Praise the Lord (1668)
Thomas Tallis (c. 1505-1585)
Texto: Salmo 117
O Praise the Lord,
all ye heathen,
praise him, all ye nations:
for his merciful kindness
is ever more and more towards us,
and the truth of the Lord
endureth for ever and ever.
Praise ye the Lord,
O praise ye the Lord our God.
Oh alabad al Señor,
vosotros, los impíos,
alabadle, todas las naciones:
porque su bondad misericordiosa
siempre está con nosotros,
y la verdad del Señor
permanece por siempre jamás.
Alabad al Señor,
oh, alabad al Señor nuestro Dios.
Textos traducidos por Alberto de Brigard.
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Segundo semestre
Foto: Sarah Thorén
Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383.
VÄSEN
música tradicional sueca
(Suecia)
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Programa de mano - Stile Antico, ensamble vocal (Reino Unido)
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Preliminares
El Ensamble Sinsonte es un laboratorio creado con la intención de experimentar con las músicas de los Llanos colombo–venezolanos. La agrupación nació en marzo de 2001 y desde su aparición los buenos comentarios y la acogida del público no se han hecho esperar. Su propuesta se centra en expresiones musicales derivadas de corrientes urbanas, buscando fundir lo popular con tendencias académicas. El repertorio comprende composiciones de sus integrantes, adaptaciones de grupos similares y arreglos basados en sonoridades características de diferentes zonas de Colombia, Venezuela y, ¿por qué no?, del mundo.
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Ensamble Sinsonte, música tradicional colombiana (Colombia)
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Editorial Volumen 12
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Editorial Volumen 12
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Sara Sierra, piano (Colombia)
Sara Sierra es una pianista de la ciudad de Medellín, que después de realizar su pregrado en música en la Universidad EAFIT con los maestros Andrés Gómez Bravo y Blanca Uribe Espitia, y recibir la mención honorífica por su desempeño académico, se hizo acreedora de una beca para realizar la maestría en la misma universidad bajo la enseñanza de la maestra Blanca Uribe. Ha participado en diferentes festivales como el Rebecca Penneys Piano Festival en Tampa (Florida), el Piano Festival of the Americas, el Festival Universitario Adventista, el Festival SESC de Música en Brasil, el Festival Chopin en Medellín y el Festival Internacional de Piano de Gijón, España. Ha recibido clases magistrales con profesores de muy alto
nivel, entre los que se encuentran Julian Martin, Robert McDonald, Rebecca Penneys y Luca Hiantore. Se presentó en el I Concurso Pianissimo en Medellín, del cual obtuvo el primer puesto. A finales del 2015 participó en el III Concurso Internacional Federico Chopin realizado en la ciudad de Lima, Perú; allí recibió una mención de honor y, junto con los demás ganadores, dio un recital en el Gran Teatro Nacional de Lima. En varias ocasiones se ha presentado en el Concurso de Pregrado de la Universidad EAFIT, del cual ha sido galardonada con el primer puesto en las categorías de solista y música de cámara. Ha tenido la oportunidad de tocar con diferentes orquestas y agrupaciones como la Iberacademy, la Banda Departamental de Antioquia, la Filarmónica de Medellín, la Sinfónica EAFIT y la Orquesta del Festival SESC de Música en la ciudad de Pelotas, Brasil.
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Sara Sierra, piano (Colombia)