Desde su fundación, el Ensamble Linea se ha dedicado a promover la democratización de la música contemporánea, enfocándose especialmente en la interacción con el público, la apertura a otras disciplinas artísticas y la implementación de una agenda musical proactiva. Linea se presenta bajo diferentes configuraciones, reuniendo músicos en ensambles de diversos tamaños; es decir, puede presentarse como un acogedor dúo, o como una orquesta vivaz a gran escala. Los músicos traen consigo diversidad cultural y una gran riqueza musical gracias a sus orígenes y su formación en las más reconocidas escuelas de música. La visión artística de Linea va más allá de las tendencias y corrientes musicales actuales. Sus presentaciones abarcan una amplia gama de estéticas que incorporan aspectos tanto del teatro musical como de la música electrónica; tanto de la música occidental como del abundante repertorio asiático y americano. El ensamble ha logrado forjar una reputación de dinamismo, pues cada concierto es una interpretación integral con elementos enérgicos y teatrales, vívidos y animados. Los tres pilares que guían al ensamble son: la creación de música nueva, la difusión de obras musicales y la transmisión del conocimiento musical. Cada año, reconocidos compositorescomponen nuevas obras para el ensamble, para el que la creación de música es un proceso dinámico e interactivo, cuyo núcleo es la personalidad única del compositor. El ensamble ha participado en prestigiosos festivales de música europea, tales como el Festival de Música de Estrasburgo, el ManiFeste IRCAM (París), el Ultraschall (Berlín), o los festivales de Huddersfield, Darmstadt y Zúrich y se ha presentado en diferentes regiones del mundo, incluyendo el Oriente Medio, Rusia y Corea. En los últimos cinco años, ha completado tres giras por América. En el 2014 el ensamble inauguró la academia de verano para intérpretes de música, la cual, hasta el momento, ha completado tres exitosas ediciones. Linea también participa en actividades formativas y talleres de capacitación para compositores.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: FMI890 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Ensemble Linea TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ENSAMBLE LINEA, música contemporánea Keiko Murakami, flauta; Adam Starkie, clarinete; Winnie Huang, violin; Aurélien Ferrette, violonchelo; Reto Staub, piano y Victor Hocquet, percusión Desde su fundación, el Ensamble Linea se ha dedicado a promover la democratización de la música contemporánea, enfocándose especialmente en la interacción con el público, la apertura a otras disciplinas artísticas y la implementación de una agenda musical proactiva. Linea se presenta bajo diferentes configuraciones, reuniendo músicos en ensambles de diversos tamaños; es decir, puede presentarse como un acogedor dúo, o como una orquesta vivaz a gran escala. Los músicos traen consigo diversidad cultural y una gran riqueza musical gracias a sus orígenes y su formación en las más reconocidas escuelas de música. La visión artística de Linea va más allá de las tendencias y corrientes musicales actuales. Sus presentaciones abarcan una amplia gama de estéticas que incorporan aspectos tanto del teatro musical como de la música electrónica; tanto de la música occidental como del abundante repertorio asiático y americano. El ensamble ha logrado forjar una reputación de dinamismo, pues cada concierto es una interpretación integral con elementos enérgicos y teatrales, vívidos y animados. Los tres pilares que guían al ensamble son: la creación de música nueva, la difusión de obras musicales y la transmisión del conocimiento musical. Cada año, reconocidos compositorescomponen nuevas obras para el ensamble, para el que la creación de música es un proceso dinámico e interactivo, cuyo núcleo es la personalidad única del compositor. El ensamble ha participado en prestigiosos festivales de música europea, tales como el Festival de Música de Estrasburgo, el ManiFeste IRCAM (París), el Ultraschall (Berlín), o los festivales de Huddersfield, Darmstadt y Zúrich y se ha presentado en diferentes regiones del mundo, incluyendo el Oriente Medio, Rusia y Corea. En los últimos cinco años, ha completado tres giras por América. En el 2014 el ensamble inauguró la academia de verano para intérpretes de música, la cual, hasta el momento, ha completado tres exitosas ediciones. Linea también participa en actividades formativas y talleres de capacitación para compositores. 2 Jean-Philippe Wurtz, director Jean-Philippe Wurtz estudió en el Conservatorio Nacional de la Región de Estrasburgo donde trabajó de manera cercana con Jean-Louis Haguenauer convirtiéndose posterioremente en su asistente. Continuó su formación en la Hochschule für Musik Karlsruhe. También fue admitido en el Instituto Internacional Eötvös, en donde estudió con Péter Eötvös. En 1998 fundó el Ensamble Linea. Desde 1997 hasta el 2000 fue el director de estudios musicales de las óperas de Montpellier y asistente principal de la Orquesta Languedoc-Roussillon de Montpellier. En el transcurso de su carrera ha dirigido, entre otros, los ensambles Modern, Linea, Plural, Smash, Accroche Note, Intermodulacio, Alternance, oh-ton, Talea, ECCE y el Kammerensemble Neue Musik Berlin, además de diferentes orquestas como la Orchestre National des Pays de Loire, la Orchestre National de Bordeaux- Aquitaine, la Orchestre National de Montpellier y la Philharmonia Orchestra. Es invitado frecuente de diversos festivales de música, así como de los cursos de verano de Darmstadt, June in Buffalo, el Lincoln Center de Nueva York, la Fundación Royaumont (Francia) y la Liga de Compositores Asiáticos (ACL) de Seúl. Su dedicación a la enseñanza de la música lo ha llevado a colaborar con escuelas de música en Alemania, Francia y Hungría. Desde 2015 es el director artístico del programa Voix Nouvelles de la Fundación Royaumont. Este concierto cuenta con el apoyo de El Ensamble Linea cuenta con el apoyo de 3 Dérive 1 (1984) PIERRE BOULEZ (1925-2016) Para flauta, clarinete en la, violín, violonchelo y piano Táctil (2010) VIOLETA CRUZ (n. 1986) Para flauta baja (alternando con flauta en do), violín y piano preparado … à mesure (1996) PHILIPPE HUREL (n. 1955) Para flauta en do (alternando con pícolo), clarinete en sibemol (alternando con clarinete bajo), violín, violonchelo, vibráfono (con crótalo) y piano INTERMEDIO Rokh 1 (2011-2016) RAPHAËL CENDO (n. 1975) Para flauta bajo, violín, violonchelo y piano Talea (1985-1986) GÉRARD GRISEY (1946-1998) Para flauta en do (alternando con flauta contralto, flauta bajo y pícolo), clarinete en sibemol (alternando con clarinete en la y clarinete bajo), violín, violonchelo y piano CONCIERTO No. 10 PROGRAMA 4 NOTAS AL PROGRAMA Por las características del presente programa estas notas están organizadas cronológicamente según la fecha de nacimiento de los compositores. Boulez Nacido en Montbrison, Pierre Boulez (1925-2016) es una figura titánica en la historia de la música francesa de la segunda mitad del siglo xx. Su principal maestro en el conservatorio fue Olivier Messiaen, pero también lo influyó estudiar con René Leibowitz, de quien aprendió la técnica dodecafónica. A partir de ella, Boulez fue uno de los primeros en desarrollar el llamado serialismo integral, en el cual los principios de organización de alturas planteados en el dodecafonismo fueron generalizados para controlar otros parámetros del sonido. En el tránsito de la década de 1950 a 1960, Boulez se interesó en la forma abierta, ofreciendo a sus intérpretes la posibilidad de reordenar libremente ciertos materiales en sus partituras. Otra característica notable de su trabajo compositivo es el concepto de la obra en proceso, que lo llevó a presentar piezas nuevas asumiendo que irían cambiando con el paso de los años, pero también revisando, reorquestando y ampliando obras anteriores sin tapujo alguno. La primera versión de Dérive fue compuesta en 1984 para un tipo de agrupación de cámara al que acostumbramos llamar ‘quinteto pierrot’ (flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano) y al que el compositor sumó un vibráfono1. Aunque está dedicada al gestor inglés William Glock, Boulez retomó el criptograma que utilizó para homenajear al director suizo Paul Sacher en Messagesquisse (1976) y en varias obras posteriores: mibemol-la-do- si-mi-re2. Con este punto de partida, la pieza elabora ricos procesos de serialismo hexatónico3, en los cuales melodía y armonía convergen en una sola idea4 y llegan a sonoridades centelleantes, características de un Boulez 1 El nombre hace referencia a la emblemática obra de Arnold Schoenberg, Pierrot Lunaire (1912). 2 La idea del criptograma en música suele entenderse justo como este caso: el ‘traducir’ un nombre a notación musical para hacer algún homenaje o guiño, sea este explícito o no. 3 La técnica serial que utilizó Boulez para estructurar esta pieza no está basada en la organización de las doce alturas de la octava (dodecafonismo), sino en las seis del criptograma (hexafonismo). 4 Esta idea de que los intervalos melódicos y armónicos sean los mismos ha sido llamada coherencia del espacio sonoro. 5 maduro. La resonancia constante de piano o vibráfono y la coherencia del espacio sonoro permiten crear ricas amalgamas tímbricas que evolucionan en un proceso orgánico de principio a fin. La pieza comienza con una lenta procesión de armonías planteadas por el piano pero elaboradas por los demás en ágiles melodías ornamentales, o sostenidas en trinos y trémolos. Con el crecimiento de los ornamentos, el tiempo se hace cada vez más dúctil y el espacio sonoro, más denso. Tras un clímax, llegamos a una segunda parte en la cual el piano parece caminar con notas cada vez más ornamentadas y —en un gesto extrañamente tradicionalista— los demás instrumentos se van sumando imitativamente. Tras este planeamiento polifónico, la textura parece tornarse heterofónica a medida que se hace más lenta5. Al final, el tempo y el acorde inicial son retomados y la actividad disminuye hasta alcanzar una sensación final de inmovilidad. Grisey Oriundo de Belfort, a Gérard Grisey (1946-1998) suele considerársele la principal figura de la composición francesa posterior a Boulez. Esto se debe a su enorme talento creativo, pero también al profundo impacto que sus propuestas teóricas, técnicas y estéticas tuvieron en sus contemporáneos y seguidores. Su formación parisina se llevó a cabo en el conservatorio y la Escuela Normal Superior, estudiando con Messiaen y Henri Dutilleux. Más adelante complementó su formación con estudios breves pero definitorios bajo la guía de Jean-Etienne Marie, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis y György Ligeti. En 1973 —cuando hacía su residencia en la Villa Medicis— fundó el ensamble L’Itineaire al lado de Tristan Murail, Michaël Levinas, Hugues Dufourt y Roger Tessier; hasta el día de hoy, esta agrupación lleva a cabo una notable labor en el desarrollo de la música en Francia6. Grisey es una de las figuras fundacionales de un movimiento que se dio a conocer desde la década de 1970 y que ha sido llamado espectralismo. En este marco, muchos conceptos de acústica y técnicas de la electroacústica son utilizados metafóricamente para crear una música instrumental pensada desde el timbre. A partir de ello, se plantea como paradigma sintáctico la evolución 5 Mientras que polifonía es la superposición de varias voces independientes, heterofonía es una textura en la cual todos hacen una misma melodía básica, pero simultáneamente la ornamentan de manera diferente. 6 El renombrado Ensemble Intercontemporain fue creado por Boulez en 1976; sus notas biográficas (ver, por ejemplo, los librillos de la serie Compositeurs d’aujourd’hui) han sugerido que fue la primera agrupación en Francia dedicada a la música del siglo xx, pero esto resulta evidentemente discutible. 6 controlada de un metatimbre a otro7, intentando prever la reacción del público a partir de conocimientos de psicoacústica. En general, las primeras obras del espectralismo se caracterizaron por evoluciones rigurosamente lineales que desnudan los procesos estructurales a la escucha, algo que nos recuerda el primer minimalismo estadounidense de una década antes. Compuesta entre 1985 y 1986, Talea (ou la machine et les herbes folles)8 abre un período relativamente nuevo para el compositor, en el cual esta linealidad es parcialmente cuestionada. La pieza se despliega en dos partes continuas de gran plasticidad sonora. En la partitura, Grisey define ‘personajes’ y ‘acciones’, pero no en un sentido narrativo, sino para caracterizar sus materiales musicales y los procesos a los cuales los somete. El primer personaje es un veloz gesto grupal ascendente y su lenta caída, siempre en los registros medio y agudo. Este gesto se desfasa y las velocidades cambian, alcanzando una notable complejidad. Con el paso del tiempo, el material va descendiendo a los registros graves de violonchelo y piano, mientras que la textura se va unificando al entrar en fase, con ritmos periódicos que preparan el paso a la segunda parte. Esta inicia con un martilleo violento en el registro grave del piano, del cual saldrá un campo armónico resonante en los demás instrumentos (esto ejemplifica elocuentemente el concepto de síntesis instrumental, una de las herramientas principales de la técnica espectral). De esa sonoridad flotante brota una tímida acción en los instrumentos melódicos antes de que reaparezca el piano. Este comportamiento ocurre una y otra vez, descendiendo por diferentes armonías hasta llegar a un largo pedal de rebemol sobre el cual se crea una coda. Hurel Proveniente de Domfront, Philippe Hurel (n. 1955) se trasladó a París para estudiar música en el conservatorio con Ivo Malec y Betsy Jolas, e informática musical de manera privada con Murail, aquella otra figura icónica de la música espectral. Su paso de rigor por la Villa Medicis fue entre 1986 y 1988, época en la cual trabajó en el IRCAM9 (entre 1985 y 1990). En 1991 fundó el Ensemble 7 Utilizo el término metatimbre para sugerir ‘un sonido hecho de muchos sonidos’, ya que en este contexto se busca que varios instrumentos actuando al tiempo no signifiquen ‘muchos timbres diferentes’, sino un único timbre construido entre todos. 8 La palabra talea hace referencia a un tipo de estructuración rítmica utilizada en el medioevo; el subtítulo significa (o la máquina y la maleza). 9 El IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica/Música) fue fundado por Boulez en 1970 a petición del presidente Georges Pompidou; se ha sumado a aquella lista de instituciones parisinas de formación y gestión que ejercen gran atracción a nivel internacional. 7 Court-Circuit con el director Pierre-André Valade, agrupación de la cual sigue siendo director artístico. Hurel ha dicho ser parte de una generación a la que le tocó digerir los grandes avances de sus inmediatos antecesores, más que plantear nuevas tendencias. Un ejemplo de esto puede ser la manera en la que el propio Hurel busca crear procesos armónicos continuos de tipo espectral al tiempo que ejecuta técnicas de variación de reminiscencia serial. Para esto, combina el uso de temperamento igual y microtonalismo, logrando así una ambigüedad entre acorde y timbre10, pero siempre dando importancia al contrapunto. Compuesta en 1996, … à mesure11 inicia con un enorme acorde atacado en bloque y luego articulado contrapuntísticamente por piano y vibráfono, mientras que los componentes superiores se elaboran lentamente en vientos y cuerdas12; esta actividad confluye en un ritmo motor sobre una altura, y luego, un gran silencio. Este es el material a partir del cual Hurel hará sus características variaciones. La primera inicia casi igual al modelo, pero termina en una sonoridad suspendida, plásticamente moldeada por glissandi. Tras un nuevo silencio, comienza una extensa segunda variación que recorre ampliamente las posibilidades del material musical. La textura principal es deconstruida y llevada de manera gradual hacia un bucle que es abandonado por un material marcado très “swing”13. Este gesto ‘jazzoso’ es erosionado de nuevo y llevado a un très précis et mécanique (muy preciso y mecánico) que es atrapado en un nuevo bucle. El abandono de este último es señalizado por un descenso en una nota sobreaguda del piano, que lleva a la primera aparición del crótalo. El corte de resonancias y la reactivación del ritmo marca el regreso al material original, a la característica resonancia y a un último silencio. La última variación explora el material del unísono desde una perspectiva espectral, con un desarrollo armónico que nos lleva hacia un re final. Esta meta va siendo presentada por ataques cada vez más comprimidos de crótalo y piano hasta convertirse en el único y último material. 10 El temperamento igual es un sistema de afinación planteado en el siglo xvi, que ha sido predominante en la tradición académica occidental desde el siglo xviii; el microtonalismo implica otro temperamento más fino, y en esta tradición fue desarrollado a partir de los experimentos del mexicano Julián Carrillo en la década de 1920. 11 El título hace referencia al dicho francés ‘au fur et à mesure’ (“poco a poco”), que aquí podría hacer referencia a la técnica de cambio gradual por medio de la variación. 12 Ya aquí escuchamos el contraste entre el temperamento igual de los teclados y el microtonalismo de los demás. 13 La palabra anglosajona para bucle, loop, ha sido utilizada como título por Hurel en varias piezas; su interés en estas repeticiones rítmicamente llamativas parece venir del jazz, al cual alude con la indicación muy “swing”. 8 Cendo El nicense Raphaël Cendo (n. 1975) se formó en la Escuela Normal, el Conservatorio de París y el IRCAM, donde estudió con Allain Gaussin, Brian Ferneyhough, Fausto Romitelli y Philippe Manoury. Una vez más, la biografía nos lleva a la Villa Medicis, esta vez para una residencia entre 2009 y 2011. Cendo hace parte de una generación —junto a Franck Bedrossian y Yann Robin— que en la primera década de nuestro siglo comenzó a plantear un nuevo ‘ismo’ parisino, el llamado saturacionismo. En esta estética, los materiales musicales se caracterizan por un exceso de información que lleva a un fenómeno sonoro denso y complejo. Todo apunta al rechazo del ideal de control absoluto, creando una irrupción en la relación tradicional entre partitura e interpretación. Esto conduce al instrumento a producir un complejo sonoro en el cual desaparece la diferenciación entre los parámetros tradicionales de la música. El gesto, llevado a los límites de la capacidad del intérprete, se convierte en la herramienta primordial del discurso, dando prelación a los movimientos más que a las notas mismas, a la energía más que a la exactitud y la precisión. El título Rokh, pieza de la cual escucharemos el primer movimiento, hace referencia al ruc, una mítica ave de rapiña de gran tamaño que aparece en diversas culturas de Oriente Medio. El compositor la relaciona con la tradición griega del Fénix, y aquella idea de inmortalidad por renovación, pasando una y otra vez por el círculo de vida, muerte y resurrección, se hace fundamental para la pieza. Rokh 1 nos lanza de entrada a una tormenta de sonido, con un piano que es explorado a través de técnicas de string piano14, una flauta que opta por sonidos plenos de aire, y unas cuerdas que son ‘exprimidas’ para extraer de ellas todo tipo de ‘ruido’ imaginable. Una calma gradual nos guía a un dúo de arcos cuyo murmullo no tarda en tomar fuerza con el regreso del cuarteto. Este oleaje de energía nos lleva una y otra vez por estados extremos de intensidad que recuerdan los ciclos vitales del Fénix. En cada situación, Cendo explora nuevas opciones instrumentales, a veces pareciendo entrar microscópicamente en el sonido, siempre en busca de posibilidades sintácticas para su particular estética. 14 El concepto del string piano (“piano de cuerdas”) fue planteado a principios del siglo xx por el estadounidense Henry Cowell, quien describió así una amplia extensión de la técnica pianística que incluyese todo tipo de toques dentro del arpa del piano. 9 Cruz La bogotana Violeta Cruz (n. 1986) inició su formación musical en la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudió con Harold Vásquez y Guillermo Gaviria. Ya desde su formación local se dio un cierto afrancesamiento en sus intereses, no solo por sus estudios regulares con Vásquez, sino también como fruto de las visitas de Manoury y Murail al país. Esto la condujo a instalarse en París, donde estudió con Jean-Luc Hervé, Stefano Gervasoni y Luis Naón; con ellos complementó sus estudios en el IRCAM en 2013. Tres años después, recibió su propio reconocimiento por parte de la Villa Medicis. Como muchos de su generación, Cruz se caracteriza como compositora y artista sonora, mostrando un interés particular por integrar a sus obras aspectos visuales, escénicos y táctiles, sean estas piezas de concierto o instalaciones. Este interés por establecer una relación dialéctica entre lo abstracto y lo concreto encuentra una cierta representación en su trío Táctil, de 2010. Con un estilo bastante austero, la compositora plantea unos materiales que tienden a impedir la diferenciación sonora entre los instrumentos. En el caso del piano, esto se logra a través de su preparación con borradores y masilla adhesiva15, mientras que en las flautas y el violín lo busca con sonidos incisivos y opacos. Táctil se desarrolla en dos partes continuas; la primera se desenvuelve como islotes de sonido que flotan en el silencio circundante, mientras que la segunda —anunciada por unos golpes a la cabeza de la flauta— plantea un sonido continuo en permanente transformación. En la medida en que los sonidos se alargan y resuenan, su timbre se hace más tradicional y, por ende, reconocible. Tras un clímax en piano solo, un breve epílogo cierra la pieza de manera sorprendente. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. 15 La técnica del piano preparado fue desarrollada por el estadounidense John Cage — antiguo alumno de Cowell— desde finales de la década de 1930 e implica insertar cosas entre las cuerdas del piano para alterar significativamente su sonido. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio Cód. PULEP: HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta Cód. PULEP: IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 TABEA DEBUS · Foto: Kaupo Kikkas DECISO DÚO · Foto. Ariel Arango Prada Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Fundado en el 2017 como una iniciativa de la Bogotá Chamber Orchestra (BCO) y como proyecto de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia, el Cuarteto Inbound está conformado por estudiantes de pregrado en música instrumental de la misma universidad, iniciativa que ha estado bajo la tutoría del maestro Jaime Ramírez Castilla. Además de participar en el III Festival de Cuartetos de Cuerda (2018), el cuarteto ha realizado diversos conciertos en el Auditorio Olav Roots y en la Sala Tayrona como parte del programa de Prosperidad Social “La Joven en Acción”. En este concierto interpretará obras representativas del clasicismo austriaco y el romanticismo ruso, al igual que una obra del compositor colombiano Germán Darío Pérez con la participación de Diego Bahamón como tiplista invitado. Este concierto también se presenta en Buenaventura el jueves 21 de febrero de 2019 en el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República

Foto: Richard Puche Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 RICARDO PUCHE contrabajo (Venezuela) Felipe Calle, piano (Colombia) Miércoles 6 de marzo de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Paraninfo Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia Cód. PULEP: FPJ816 Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WQF359 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Ricardo Puche, contrabajo Nacido en Maracaibo, Venezuela, a los nueve años comenzó sus estudios de contrabajo con el Sistema Nacional de Orquestas Sinfónicas de Venezuela, de la mano de Fernando Caicedo y Luis Mora. Ha sido miembro de numerosos ensambles, entre ellos el Ensamble de Percusión del Fuego. Como miembro de la Orquesta Sinfónica Rafael Urdaneta obtuvo el puesto de principal, y con esta representó a Venezuela en varias giras nacionales e internacionales, incluyendo el Festival de la Cultura en Bérgamo (Italia), en el 2011. En el 2015 se radicó en Bogotá, donde adelantó estudios en la Universidad Nacional de Colombia con Jaime Ramírez Castilla. Ricardo ha sido miembro de la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá, agrupación con la que ha realizado montajes orquestales para empresas privadas; de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que representó al país en giras nacionales e internacionales, incluyendo la Gira Europa 2017; Filmex Producciones, donde trabajó como actor ejecutando el contrabajo en la serie de televisión Loquito por ti, de Caracol TV; la Big Band de la Universidad Nacional de Colombia; la Orquesta Filarmónica Nueva Filarmonía; la Big Band Sinfónica de Juan Carlos Coronel, y la Orquesta de las Américas, donde fue principal de fila y director, representando a Colombia y Venezuela –junto con el maestro Dominic Seldis, contrabajista principal de la Orquesta del Concertgebouw de Holanda– en Ucrania, Polonia, Alemania y Escocia. Fue ganador del festival Pirastro Elite Soloist, de la mano del maestro Jeff Bradetich en la University of North Texas en Denton (Estados Unidos). También fue seleccionado para participar en el Festival Internacional de Esmeraldas, en Quito (Ecuador), y en el programa Jóvenes Becarios para el Festival Internacional de Música de Cartagena 2019. Ricardo es endorser de la marca estadounidense de bajos eléctricos Lakland Basses en Colombia. Foto: Richard Puche 2 Felipe Calle, piano Culminó sus estudios con una beca del gobierno colombiano en el Cleveland Institute of Music en Cleveland, Estados Unidos, bajo la tutela de Anita Pontremoli y Elizabeth DeMio. Actualmente reside en Bogotá donde actúa de manera continua en las más importantes salas de la ciudad y del país. Ha participado como pianista acompañante en diferentes eventos como el Vancouver International Art Song Festival en Canadá, el Fórum Internacional de flauta y piano en Luxemburgo, el Instituto Franz Schubert en Viena y el Curso de Verano para jóvenes cantantes liricos en Sant’Angelo in Vado en Italia. Ha recibido clases magistrales con Martin Katz, Elly Ameling, Margo Garrett, Roger Vignoles, Julius Drake, el compositor Jake Heggie y los solistas de la Academia de Música Antigua de Berlín. En Colombia recibió su título de pianista en el Conservatorio de la Universidad Nacional bajo la dirección de Ángela Rodríguez, habiendo adelantado estudios de música de cámara con Robert De Gennaro. Ha actuado como pianista en diferentes certámenes como el Taller Nacional de dirección Coral, el Festival de Música Sacra de Bogotá, el Concurso Nacional de Corno, el Encuentro Latinoamericano de Flauta organizado por la Universidad Nacional y la Academia Nacional de Oboe. Ha sido solista con las Orquestas Sinfónica Juvenil y del Conservatorio de la Universidad Nacional y ha grabado en vivo para diferentes emisoras culturales de Bogotá, así como para la serie monográfica de compositores colombianos del Banco de la Republica en el 2017. Se ha desempeñado como pianista correpetidor de los talleres de Canto Lírico del Teatro Colón y en las Universidades Nacional de Colombia, Central, Javeriana y de los Andes. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de Próximos conciertos en Tunja DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta (Colombia) Juan Carlos de la Pava, piano (Colombia) Jueves 5 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m Auditorio Eduardo Caballero Calderón de la Gobernación de Boyacá TROMBONE UNIT HANNOVER, octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m Teatro Suárez CÓD. PULEP: DVB444. CSM699. 3 PROGRAMA Sonata T. 40 (s. f.) Allegro Moderato Adagio Rondo-Moderato JOHANN MATTHIAS SPERGER (1750-1812) Original para contrabajo y viola Adaptación para contrabajo y piano por Klaus Trumpf (n. 1940) Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ (s. f.) GIOVANNI BOTTESINI (1821-1889) Para contrabajo y piano INTERMEDIO Sonata para el bajísimo, para piano imaginario y contrabajísimo (2015) Andante Adagio Alegre triste SANTIAGO PASCUAL PIANUD (n. 1990) Sonata 1963 (1963) Slow and Peaceful Moderate 4 – Swing Molto adagio Allegro energico FRANK PROTO (n. 1941) Para contrabajo y piano Bass Trip (2003) PĒTERIS VASKS (n. 1946) Para contrabajo solo CONCIERTO No. 9 4 NOTAS AL PROGRAMA El contrabajo es un instrumento que se ha mantenido en constante desarrollo, pese a lo cual hoy día no existe una versión completamente estandarizada del instrumento respecto a su método de afinación, número de cuerdas, tipos de arcos empleados y muchos otros elementos de construcción que sí se han estabilizado en los demás instrumentos de cuerda frotada. A través de la historia, el contrabajo se ha caracterizado por una enorme flexibilidad en relación con los estilos musicales con que puede asociarse: desde ensambles de cámara y de jazz hasta bandas, orquestas y otras agrupaciones vernáculas han incluido al contrabajo como miembro estructural en sus formatos y géneros. Paradójicamente, uno de los instrumentos más grandes y aparatosos en la historia de la música se caracteriza por su marcada adaptabilidad a los diferentes géneros. El concierto que hoy nos convoca reúne tradiciones que vienen desde los inicios del repertorio solista de los siglos XVIII y XIX y se encuentran con las diversas exploraciones del contrabajo en la estética de los siglos XX y XXI. El programa hace un recorrido por cuatro siglos de historia vistos desde la inesperada perspectiva de un contrabajo. Johann Matthias Sperger (1750-1812) · Sonata T. 40 La obra que abre el programa pertenece a uno de los compositores más representativos de la escuela vienesa de contrabajo del siglo XVIII. Johann Matthias Sperger nació en 1750 en Feldsberg (hoy conocida como Valtice, en la República Checa) y murió en la ciudad alemana de Ludwigslust en 1812. Reconocido como un virtuoso instrumentista y prolífico compositor en pleno apogeo del Clasicismo, Sperger inició estudios musicales en su ciudad natal y alrededor de 1767 viajó a Viena para formarse en composición con Johann Georg Albrechtsberger. Después de los primeros años en Viena, su carrera profesional, itinerante y relativamente inestable, lo llevó por diversas ciudades europeas para desempeñarse no solo como contrabajista o compositor, sino también como afinador de pianos, copista y profesor de oboe y fagot. Finalmente se estableció en Ludwigslust en 1789 y, desde entonces, consolidó su producción como compositor y contrabajista. Dejó un legado de cuarenta y cinco sinfonías, más de treinta conciertos (dieciocho de ellos para contrabajo) y varias obras para ensambles de cámara. La Sonata T. 40 fue compuesta inicialmente para contrabajo y viola cuando Sperger, aún radicado en Ludwigslust, viajó a Italia en 1789; por esta razón, en el manuscrito original de la obra el compositor se identifica como Sige. Giovanni Sperger. El investigador y contrabajista Klaus Trumpf consolidó, 5 a finales del siglo XX, la Sociedad Internacional Johann Mathias Sperger y se dedicó a la recuperación y reedición de su obra; por eso, la mayoría de sonatas para contrabajo y piano de Sperger que actualmente se conocen son el resultado de la labor de Trumpf. En el caso particular de estas sonatas, la readaptación no consistió solamente en pasar la parte de la viola acompañante al piano, pues la parte de contrabajo también debía acomodarse a la afinación del contrabajo moderno. En el siglo XVIII, el contrabajo empleado en Viena era más cercano al violone o a la viola da gamba que al contrabajo actual; el empleado por Sperger era un instrumento de cinco cuerdas, con trastes movibles y afinado a la manera vienesa1. Siguiendo el esquema tradicional del género, la Sonata T. 40 está organizada en tres movimientos. El primero es una forma sonata cuyo contraste temático, además de mantener el conflicto y resolución tonal propios de esta forma, presenta cambios de carácter musical que pueden asociarse a diversos personajes de una ópera; el primer tema es imponente y vigoroso, mientras que el segundo se caracteriza por su melodía vocal y bien conectada en los diferentes registros. Las secciones de transición sorprenden a la audiencia con células rítmicas que 1 Como se mencionó anteriormente, el contrabajo es el único instrumento de cuerdas frotadas que ha mantenido vigentes diferentes tipos de afinación. Si bien la afinación por cuartas se considera el sistema más ‘tradicional’ para el instrumento y actualmente se emplea en la mayoría de las orquestas, otros tipos de afinación reaparecen frecuentemente respondiendo a repertorios específicos. A continuación se presentan los tipos de afinación más conocidos para el instrumento: Afinación “tradicional” Afinación vienesa Afinación solista Afinación por quintas Este tipo de afinación coexistió con otros sistemas desde el siglo XVIII y se consolidó desde finales del XIX como el más estable a nivel mundial. Actualmente, la afinación por cuartas es el sistema empleado por las orquestas profesionales. Es un sistema más cercano al violone y se empleó especialmente en Viena durante el siglo XVIII. Con este tipo de afinación se concibieron las obras de Dittersdorf, Vanhal, Sperger e incluso la música orquestal del momento. La idea de afinar el contrabajo un tono arriba a partir del sistema tradicional permite que el instrumento tenga un timbre más brillante. Este sistema fue empelado frecuentemente por Bottesini (aunque en un bajo de tres cuerdas) y en la actualidad la mayor parte del repertorio solista se escribe para este tipo de afinación. Esta afinación se empleó con frecuencia durante el siglo XVIII en toda Europa (excepto en Alemania y Austria), y progresivamente fue reemplazada por la afinación por cuartas. En la actualidad, algunos contrabajistas, como Joel Quarrington, han retornado a este sistema. 6 exploran el registro a través de arpegios, mientras que las secciones de cierre mantienen un estilo ágil y descomplicado. El segundo movimiento presenta una línea melódica que se desenvuelve con naturalidad a medida que responde a los diversos contrastes dinámicos e inflexiones armónicas propuestas por el piano. La sonata cierra con un rondó cuyo estribillo inicial, optimista y brillante, alterna con cada uno de los episodios, que proponen contrastes emocionales al acentuar los cambios tonales de cada parte. A medida que el estribillo reaparece después de cada sección contrastante, se recupera el carácter inicial de manera casi humorística, y con cada repetición parece haber una ligera improvisación en el estilo de la época. Giovanni Bottesini (1821-1889) · Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ La obra de Giovanni Bottesini fue determinante para el desarrollo del contrabajo como instrumento solista. A lo largo del siglo XIX surgieron compositores que propulsaron la escritura idiomática para sus instrumentos, expandiendo hasta el límite las capacidades técnicas de estos. Fue así como la figura de este virtuoso itinerante que deslumbraba a las audiencias con su pirotecnia instrumental se popularizó por todo el mundo. El caso de Bottesini sigue la tendencia marcada por Lizst y Thalberg en el piano, o Paganini y Vieuxtemps en el violín: no en vano recibió el sobrenombre de ‘Paganini del contrabajo’. En este tipo de compositores virtuosos era común recurrir a la popularidad de las más reconocidas óperas del momento para captar rápidamente la atención de las audiencias; mediante las fantasías instrumentales sobre una ópera, el compositor podría desarrollar obras de gran envergadura enlazadas por la familiaridad temática de cada ópera, al tiempo que centraría su atención en una búsqueda irrefrenable de recursos virtuosísticos. La Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ es una obra temprana de Bottesini. Compuesta durante sus últimos años como estudiante en el Conservatorio de Milán e incluida recurrentemente en sus múltiples viajes alrededor del mundo, fue carta de presentación del compositor en la que reflejaba la sinergia creada por la exuberancia melódica del bel canto italiano y el tour de force instrumental característico del repertorio virtuoso del momento. La obra está estructurada en tres secciones que se presentan después de una virtuosa introducción por parte del contrabajo. La primera de ellas se basa en el quinteto D’un pensiero, tomado del final del primer acto de la ópera de Bellini. Posteriormente, luego de un breve interludio del piano se presentan tres variaciones sobre el número final de la ópera, y después de un segundo interludio del piano se alude brevemente a otro material melódico tomado del Acto I de la ópera, para desembocar en la coda. A medida que la obra llega a su final, las exigencias técnicas parecen acumularse con prontitud para cerrar de manera eufórica y triunfal esta fantasía. 7 Santiago Pascual Pianud (n. 1990) · Sonata para el bajísimo La vida itinerante del compositor colombiano Santiago Pascual Pianud le ha permitido reflejar en su obra diversas tradiciones y estilos musicales que cobran vida a través de una propuesta estética muy personal. Pianud nació en 1990 en Cartagena, donde inició su formación musical, y posteriormente viajó a Cuba para continuar sus estudios de piano y, de teoría y contrapunto. En el 2009 ingresó al Conservatorio Superior de Estrasburgo para estudiar composición y piano. Luego de una estadía de tres años regresó a Colombia para radicarse en Bogotá e ingresar, en el 2014, al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia como estudiante de composición. El estilo musical de Pianud es bastante ecléctico y delata una profunda admiración por diversos estilos de música que, al interactuar creativamente, proyectan un lenguaje muy personal caracterizado por la curiosidad, la reflexión y el balance entre la sátira y la sofisticación. En su obra ha explorado diversos géneros que incluyen desde grandes agrupaciones, como la orquesta y la banda sinfónica, hasta ensambles de cámara en varios formatos. En la actualidad ha centrado su interés en la composición para el proyecto Sexteto Pinó Moré, donde se desempeña como director. La Sonata para el bajísimo surgió en el 2015 como un proyecto académico cuyo objetivo era componer una obra para un instrumento de cuerda frotada y piano. Al ver que el formato para contrabajo y piano no había sido tan desarrollado como otras combinaciones disponibles, Pianud asumió el reto de explorar y enriquecer este repertorio; entonces, después de un periodo de investigación sobre el instrumento y las obras escritas para este, se cristalizó la sonata, dispuesta en tres movimientos que exploran diversos estilos musicales y las sinergias tímbricas provenientes de ambos instrumentos. El título de la obra busca despertar la curiosidad de la audiencia y formar un juego de palabras que describen algunos criterios de construcción. Si bien la expresión el bajísimo puede asociarse morbosamente a pasiones profundamente oscuras o prohibidas, progresivamente la obra desarrolla las relaciones tímbricas entre el contrabajísimo y un piano que en ocasiones parece estar casi ausente ‘como un amigo imaginario’, pues su timbre no debe opacar la proyección del contrabajo. Por otra parte, ambos instrumentos se modifican ligeramente para generar nuevas relaciones sonoras: los borradores insertados en el piano permiten emular la agonizante proyección del pizzicato en el contrabajo, mientras que el empleo de un plectro en el contrabajo produce un ataque del sonido particularmente angular. La obra cierra con un Alegre triste que recurre al tradicional virtuosismo de los finales que convergen en el éxtasis de la danza; en este caso, desde una alusión a la cumbia, los instrumentos de forma gradual se desdibujan psicodélicamente 8 para escapar de la tristeza de su despedida. Con un último aliento, la sonata cierra con el satírico retorno de uno de los motivos más empleados en nuestro contexto para finalizar las obras. Frank Proto (n. 1941) · Sonata 1963, para contrabajo y piano Frank Proto nació en Brooklyn, Nueva York. Inició sus estudios de piano a la edad de siete años y solo hasta los dieciséis centró su interés en el contrabajo; posteriormente finalizó su carrera académica en la Manhattan School of Music, bajo la orientación de David Walter. La Sonata 1963 surgió realmente de la necesidad de encontrar una obra para ser incluida en su recital de grado. Fue su primera composición y, de alguna manera, da cuenta de la sinergia de estilos musicales en los que Proto se desenvolvía: durante la década de los sesenta estuvo vinculado a varias orquestas y ensambles de cámara, al tiempo que se movía con facilidad en los principales clubes de jazz de la escena neoyorquina. Desde 1966 se vinculó a la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, donde por más de treinta años pudo dedicarse a profundizar en sus inclinaciones hacia la composición, lo que resultó en un extenso catálogo de obras. La producción de Proto abarca composiciones y arreglos para diversos formatos instrumentales de cámara y orquestales, así como un amplio listado de obras para contrabajo que han gozado de gran difusión internacional; muchas de ellas son consideradas parte fundamental del repertorio contemporáneo para el instrumento. Con la Sonata 1963 Proto buscaba crear una obra que proyectara una identidad típicamente norteamericana y, de manera particular, que reflejara sus propios y más cercanos intereses: la música académica y el jazz. Si bien la obra está organizada en cuatro movimientos, realmente se articula en dos grandes secciones, cada una de las cuales agrupa dos movimientos. Cada sección inicia con un movimiento lento de carácter casi elegíaco, que desemboca en otro movimiento enérgico e intensamente dinámico. La obra finaliza con una propuesta intrincadamente contrapuntística en la que reaparecen diversos elementos que han participado en los movimientos anteriores. Pēteris Vasks (n. 1946) · Bass Trip, para contrabajo solo Pēteris Vasks nació en Aizpute (Letonia), donde inició sus estudios de composición y contrabajo, para continuarlos más adelante en Riga. Allí, rápidamente logró vincularse como contrabajista a varias orquestas profesionales, al tiempo que se mantuvo siempre activo como compositor. En la actualidad, Vasks se desempeña como profesor de composición en Riga y su reconocimiento en esta área ha escalado internacionalmente. Sus obras se caracterizan por el empleo de sonoridades atmosféricas que envuelven a la audiencia en un halo 9 meditativo dentro del cual resuenan de modo intermitente ciertos elementos de la tradición musical letona. A su estilo de composición se asocia un carácter reflexivo en el que sonoridades espiritualmente contemplativas contrastan con disrupciones trágicas que parecen retratar las dicotomías propias de nuestros días. Si bien Vasks posee un conocimiento profundo del contrabajo y se desempeñó profesionalmente como contrabajista por muchos años, su catálogo de composiciones se centra preferiblemente en formatos orquestales, corales y ensambles de cámara. Su listado de obras para contrabajo solo contiene dos títulos: una sonata para contrabajo solo, compuesta en 1986, y Bass Trip, obra que cierra nuestro encuentro. Bass Trip fue comisionada para el concurso musical ARD celebrado en Múnich en el 2003. La obra dura aproximadamente diez minutos y está compuesta en un solo movimiento que se desenvuelve a través de los contrastes entre una sonoridad basada en células melódicas acompañadas casi a manera de coral y elementos angularmente rítmicos que incrementan la tensión progresivamente para preparar vehementes alusiones al material inicial. Bass Trip se desarrolla en forma cíclica acumulando cada vez mayor intensidad, hasta desembocar en una coda caracterizada por un estado de apaciguada introspección, donde el intérprete debe cantar o silbar mientras se acompaña a ritmo de vals desde el contrabajo. En este epílogo, la melodía –que parece haber estado escondida a lo largo de toda la obra– y la sencillez del acompañamiento cierran de forma sublime los contrastes emocionales que propulsaron progresivamente toda la pieza. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. ENSAMBLE LINEA (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio Cód. PULEP: FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali Cód. PULEP: IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 ENSEMBLE LINEA - Foto. (c) Ensemble Linea DECISO DÚO - Foto. Ariel Arango Prada Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en

Foto: Ariel Arango Prada Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DECISO DÚO flauta y guitarra (Colombia) Jueves 14 de marzo de 2019 · 6:30 p.m. Quibdó, Biblioteca Pública Departamental Arnoldo de los Santos Palacios Cód. PULEP: DEK411 Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: IUN286 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 DECISO DÚO Anamaría Oramas, flauta y Juan Camilo Palacino, guitarra Anamaría Oramas y Juan Camilo Palacino realizaron estudios en la Universidad Nacional de Colombia y conformaron Deciso Dúo en el 2013. En años recientes, el dúo ha logrado definirse individualmente y como ensamble gracias a una acertada mezcla de estilos e intereses. Oramas está iniciando una carrera en el jazz y Palacino busca expandir el horizonte de la guitarra a través de la música de cámara; esto los ha orientado en una extensa búsqueda de repertorio alternativo para su formato, con el hallazgo de obras muy interesantes, en su mayoría de compositores contemporáneos de diversos estilos. Han recibido clases con Edwin Guevara y Cecilia Palma, integrantes del Dúo Villa-Lobos; Irene Gómez y Antonio Arnedo; el guitarrista venezolano Aquiles Báez, el guitarrista norteamericano Jason Vieaux, el clarinetista brasileño Nailor ‘Proveta’ Azevedo y los multiinstrumentistas y compositores Itiberê Zwarg (Brasil), Benjamim Taubkin (Brasil) y Guillermo Klein y Carlos Aguirre (Argentina). En el 2015, el dúo participó en el Encuentro Latinoamericano de Músicas de Vanguardia organizado por la Universidad Nacional de Colombia y fue seleccionado por BibloRed para realizar una gira local en Bogotá. En el 2016, ofreció su primera gira nacional como ganador de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. En el 2018, el dúo fue invitado a hacer parte de la franja Colón Acústico del Teatro Colón de Bogotá. Se han presentado en la Sala Otto de Greiff, en el auditorio de Uniandinos, el Auditorio Pedro Nel Gómez en Medellín, el Auditorio León de Greiff, los auditorios Guillermo Uribe Holguín y Olav Roots del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y el foyer del Teatro Colón de Bogotá, entre otros escenarios. El concierto en Quibdó cuenta con el apoyo de Foto: Ariel Arango Prada 2 Traveling Sonata (2007) Bellinzona Mottola Ankara ROLAND DYENS (1955-2016) Barcarola (1973) Reminiscencias (1973) Danza (1973) LUIS CARLOS FIGUEROA (n. 1923) Bambina (2006) GERMÁN DARÍO PÉREZ (n. 1968) INTERMEDIO Bachianas brasileiras No. 5 , W391 (1938-1945) Aria (Cantilena) HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959) Original para ocho violonchelos y soprano Adaptación para flauta y guitarra a partir de la versión para voz y guitarra del mismo compositor Distribuição de flores , W381 (1932) Mitología de las aguas (2009) Nacimiento del Amazonas El lago escondido de los Mayas El Salto del Ángel El Güije, el duende de los ríos de Cuba LEO BROUWER (n. 1939) CONCIERTO No. 11 PROGRAMA 3 NOTAS AL PROGRAMA Deciso Dúo nos presenta un programa de viajes geográficos y temporales con Francia y Latinoamérica como protagonistas, pero con países como Estados Unidos, Italia, Suiza y Turquía aportando al itinerario que hoy se hará patente. Aunque todo el repertorio fue compuesto en el siglo xx, las referencias a sonoridades del pasado no escapan y, a pesar de que la gran mayoría de los compositores son de habla hispana, es inevitable encontrar diálogos, directos e indirectos, con Europa. Para empezar, está la Traveling Sonata del compositor francés Roland Dyens (1955-2016), quien, a pesar de ser un acérrimo divulgador de la música francesa a través de las múltiples publicaciones y grabaciones que dedicó a la chanson française, parte de su poética se debe también a la admiración que profesaba por la música brasilera y, en general, latinoamericana. Sus numerosas interpretaciones de las piezas de Heitor Villa-Lobos, sus 3 saudades y las transcripciones que realizó sobre algunos choros de Pixinguinha son la materialización de tan solo una parte del cariño que sentía por la cultura brasilera. Por otro lado, el Tango en skaï y las transcripciones sobre célebres tangos y zambas, como El choclo y Alfonsina y el mar, dan cuenta de su empatía con la cultura latinoamericana, que se extendía hasta el sur del continente. No obstante lo anterior, si bien la pieza que se escuchará acoge el concepto del viaje como génesis, no la acoge con la poética de la cultura latinoamericana. La Traveling Sonata, es decir la ‘Sonata viajera’, fue compuesta en el 2007 y comisionada por el Diller-Quaile School of Music de Nueva York para Arc Duo, con Bradley Colten en la guitarra y Heather Holden en la flauta; el ensamble estrenó la obra el 11 de abril del siguiente año en dicha escuela. La pieza está conformada por tres movimientos que se refieren a tres ciudades: Bellinzona, en Suiza; Mottola, en Italia, y Ankara, en Turquía. Aunque se trata de la primera composición que realizó Dyens para flauta y guitarra, su resultado muestra una experticia tal en el manejo del conjunto, que oscila entre la rigurosidad en las indicaciones de ejecución e interpretación y un carácter improvisativo que da cuenta de una de las prácticas preferidas del compositor y por las que es mayormente reconocido. Por ejemplo, en el segundo movimiento (Mottola) hay una indicación para la flauta que evidencia la meticulosidad con la que el autor pensó la obra y su relación entre lo visual y 4 lo sonoro, pues se le indica al intérprete que debe hacer parecer que va a tocar una nota fuerte, cuando en realidad debe tocarla suave: * Faites semblant de vouloir jouer le Ré ff avant de le jouer effectivement pp. *Haga como si quisiera tocar el re ff [fortísimo] antes de tocarlo efectivamente pp [pianísimo]1. A pesar de ofrecer indicaciones como esta, el autor explica al inicio que si bien el camino ofrecido es el ideal y es una parte fundamental de la obra, el intérprete tiene la libertad de decidir el nivel de rigurosidad con el que aplicará las direcciones planteadas por el compositor: Como compositor y guitarrista he considerado mi deber el indicar, señalar y resaltar una serie de elementos que, lejos de ser detalles, son, desde mi punto de vista, una parte integral de la composición y deberían, creo yo, merecer su cuidadosa atención (pienso particularmente en las repetidas veces en que pido que se apaguen las cuerdas para minimizar —si no completamente— “chirridos” indeseados en las mismas). Dicho esto, usted es el intérprete. Por tanto, como intérprete es libre, al final, de considerar todo esto no como peticiones incontrovertibles, sino como simples (y siempre amables) sugerencias de mi parte R.D. 2. Continuando con el programa, encontramos las tres piezas para guitarra y flauta del compositor caleño Luis Carlos Figueroa (n. 1923), quien es ya un hito en la historia de la música colombiana y, junto a otras figuras nacionales, como Antonio María Valencia, ha sido bisagra entre el Antiguo y el Nuevo Continente, gracias a los estudios que llevó a cabo en Francia durante su juventud. Desde muy pequeño tuvo contacto con el piano y empezó a tocarlo de manera autodidacta; más adelante, sus tíos Angélica y Tomás Sierra lo impulsaron a continuar con el instrumento tanto en el ámbito popular como en el académico. Cuenta el compositor en una entrevista concedida a la revista Artes, que su relación con la guitarra se dio desde muy temprano y se acrecentó gracias al hecho de que su esposa, Julieta Peña, era una dedicada guitarrista: Bueno, yo toda la vida he adorado la guitarra, porque cuando era niño había muchachos de la casa que iban allá con instrumentos de cuerda (tiple, guitarra) y nos hacían serenatas muy agradables. Yo le ponía mucha atención a la guitarra desde esa época, y cuando estuve en Siena, estaba de profesor de guitarra nadie menos que el maestro Andrés Segovia, a quien, sin ser guitarrista, yo le pedía permiso para asistir al curso que él tenía junto con Alirio Díaz, que era el profesor que le ayudaba, le colaboraba. Un año de esos, durante mi estadía en Siena, me dijo el profesor Frazi: Bueno, hay que escribir algo para la semana cultural. Y pensé en un amigo mío 1 Tomado de Dyens, 2007, p. 28. 2 Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo. 5 venezolano, Rodrigo Riera, guitarrista, y me puse a escribirle las Evocaciones para guitarra, y él estrenó esa obra en Siena (Figueroa, 2006, p. 63). A propósito de las tres piezas para guitarra y flauta que escucharemos hoy, el compositor menciona que inicialmente no fueron concebidas como una pieza en varios movimientos, sino que primero compuso la Barcarola y luego añadió las otras dos para conformar una suite para el ensamble de flauta y guitarra: «(Reminiscencias, Barcarola y Danza), la primera también para una telenovela, Rojo y Negro, que al parecer gustó. Después ideé las otras dos piezas, para tener una especie de suite para esos dos instrumentos» (Figueroa, 2006, p. 63). La siguiente obra que se escuchará fue compuesta en 2006 por Germán Darío Pérez (n. 1968), quien ha entablado un íntimo diálogo con los géneros andinos desde muy temprana edad en un entorno familiar. A los dieciséis años fue merecedor de un galardón nacional con el torbellino Recuerdos, y en 1988 obtuvo el premio a mejor obra inédita instrumental en el Festival Mono Núñez con el bambuco Ancestro, una de sus obras más interpretadas. Como sucesor del escenario que planteó Oriol Rangel y habiendo sido alumno de Ruth Marulanda, Pérez se autodeclara transgresor de la tradición y no se contenta con repetir las formas de sus predecesores, sino que pretende dar cuenta propia de su relación con los géneros andinos, con la música académica europea y con música popular de otras regiones de Latinoamérica. La obra Bambina es un híbrido entre bambuco y guabina, pues la guitarra combina los dos patrones de acompañamiento propios de ambos géneros, y fue ganadora del premio a mejor obra inédita instrumental en el Festival Hatoviejo - Cotrafa. La obra que sigue está escrita originalmente para un ensamble de ocho violonchelos y soprano, se han realizado arreglos para ensambles variopintos, entre ellos el que hizo el mismo compositor para guitarra y voz. Las Bachianas brasileiras de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) son una serie de seis piezas en las que se explora la posible relación entre la poética de Johann Sebastian Bach con las diferentes realidades sonoras del Brasil; no parece coincidencia que los Conciertos de Brandemburgo sean también seis y que, al igual que las Bachianas de Villa-Lobos, cada uno tenga un formato único. La Bachiana brasileira No. 5 es la única que introduce la voz humana y contiene dos grandes partes: Aria (Cantilena), que es la más interpretada individualmente, y Dança (Martelo). El aria, a su vez, se conforma de dos partes: en la primera, la cantante debe cantar con la sílaba ah, y la segunda consta de un recitativo sobre un texto de Ruth Valadares Corréa; luego, como si se tratara de un aria da capo, se repite la primera parte, pero esta vez con la indicación bocca chiusa (boca cerrada). 6 Villa-Lobos pasó la década de 1920 en Francia, por lo que logró empaparse del lenguaje armónico que allí se estaba cultivando, y decidió, como ya estaban haciendo varios compositores franceses, incorporar dicho lenguaje a los parámetros de la música popular de su país. Aunque varias de sus composiciones dejan entrever la música urbana, el brasileño también se interesó en la música rural, cuyo génesis se relaciona con las culturas indígenas y africanas; este es el caso de Distribuição de flores, compuesta para flauta y guitarra. Compuesta en 1932, año en que se le pidió al compositor encargarse de la educación musical de los habitantes de Río de Janeiro, Distribuição de flores muestra el sincretismo presente en la música brasilera, haciendo hincapié en las estructuras de la música indígena, pero refiriéndose también sutilmente a la influencia africana. Un ejemplo de esto es, por un lado, la utilización de la guitarra con las cuerdas al aire y con una construcción meramente percutiva, que podría fácilmente relacionarse con el berimbao, instrumento de cuerda conocido principalmente por acompañar la capoeira; por otro lado, están las melodías sencillas de la flauta con escalas modales y pentatónicas y un carácter improvisativo, que reflejan de manera directa el mundo sonoro de la música indígena en Brasil. Para finalizar, escucharemos una pieza de Leo Brouwer (n. 1939), quien empezó su educación musical en Cuba y más adelante se trasladó a Nueva York. Concluyó sus estudios en la Juilliard School of Music, en donde penetró más profundamente en la sonoridad de la música de la primera mitad del siglo xx gracias a las conferencias impartidas por Leonard Bernstein y Paul Hindemith y a los conciertos de compositores como Igor Stravinsky, quien influenciaría tanto su pensamiento armónico. Su poética está principalmente dedicada al repertorio de guitarra, aunque también es amplio su catálogo para música de cámara y orquesta sinfónica y es conocida su incursión en la música para cine y teatro. La mitología de las aguas es una obra que, como muchas de Brouwer, representa un homenaje no solo a la música, sino también a los paisajes y la geografía latinoamericana. En este caso se trata de reflexiones sonoras sobre las distintas formas de agua que rodean y atraviesan al Brasil (Nacimiento del Amazonas), Centroamérica (El lago escondido de los mayas), Venezuela (El Salto del Ángel) y Cuba (El Güije, duende de los ríos de Cuba). La obra fue compuesta en 2009 para el festival ¡Con Guitarra! y dedicada al compositor y guitarrista Sef Albertz, quien también fue fundador de dicho festival, patrocinado por la sección alemana de la UNESCO. Vale aclarar que la dedicatoria a Albertz no se queda en la portada: Brouwer utiliza algunos símbolos musicales que dan 7 cuenta de esta. Para empezar, la sexta cuerda del instrumento debe afinarse en mi bemol (medio tono por debajo de la afinación estándar), que en alemán se identifica como S, la primera letra del nombre del compositor. Además, el nombre completo de Albertz es traducido a notas musicales e introducido al inicio de la composición: SEF = S (mi bemol), E (mi natural), F (fa natural), pero de manera retrogradada (FES), recurso ya utilizado en varias ocasiones por Johann Sebastian Bach, Dmitri Shostakovich y Pierre Boulez, entre otros. Referencias Dyens, R. (2007). Traveling Sonata. París, Francia: Éditions Henry Lemoine. Rodríguez, L. C. (2006, enero-junio). Entrevista al maestro Luis Carlos Figueroa. Artes, la revista, Universidad de Antioquia, 11 (6). 56-65. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Próximos conciertos en Quibdó Biblioteca Pública Departamental Arnoldo de los Santos Palacios GUSTAVO ADOLFO NIÑO guitarra (Colombia) Jueves 11 de abril de 2019 · 6:30 p.m. Cód. PULEP: SDM450 MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO, música colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES, nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio de 2019 · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón Jueves 18 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá Cód. PULEP:JWE864 . HXW120 . ZZP911 . ZDC824 . TAG250 . HQF982 . OTA770 . XYA267 . CYV981 . IZX751. XCL642. CPF877. LLL233. OAX481 Foto. Juanita Orbegozo MUSGO música contemporánea $6.000 Boletas disponibles en SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá Foto. Kaupo Kikkas TABEA DEBUS $10.000 flauta dulce (Alemania) TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio de 2019 · 11:00 a.m. ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda Cód. PULEP: HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573. BFV997. RNR558 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/jovenes-interpretes Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del viernes 21 de diciembre de 2018 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 29 de julio al viernes 30 de agosto de 2019 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 5 de abril de 2019 2 Son tres pasos sencillos: César Camilo Cipagauta, JI 2018 · Foto: Alfonso Venegas Jóvenes Intérpretes 2020

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 TABEA DEBUS flauta de pico (Alemania) ALEX McCARTNEY, tiorba (Reino Unido) SAM STADLEN, viola da gamba (Reino Unido) Del 29 de marzo al 7 de abril de 2019 Leticia, Bogotá, Florencia, Neiva, Ibagué, Girardot y Popayán MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO Foto: Kaupo Kikkas TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 TABEA DEBUS, flauta de pico (Alemania) Alex McCartney, tiorba (Reino Unido) Sam Stadlen, viola da gamba (Reino Unido) Viernes 29 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. Leticia, Salón Múltiple del Banco de la República Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Martes 2 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Miércoles 3 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Jueves 4 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Ibagué, Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Viernes 5 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Domingo 7 de abril de 2019 · 5:00 p.m. Popayán, Teatro Municipal Guillermo Valencia El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de El concierto en Neiva cuenta con el apoyo de El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de El concierto en Popayán cuenta con el apoyo de PULEP: MSH750. HZJ132. WBU676. NNW138. CLA810. RQB290. YRR195 2 TABEA DEBUS, flauta de pico Según la emisora Classic FM del Reino Unido, Tabea Debus pone a prueba la percepción que se tiene de la flauta de pico o flauta dulce; y no se equivoca, pues lo cierto es que ella explora continuamente los horizontes del repertorio para este instrumento. Debus se ha presentado en varias ocasiones en Europa, así como en Singapur, Japón, Malasia y los Estados Unidos. Sus presentaciones más destacadas incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena en el marco de Resonanzen, el festival de música Schleswig-Holstein, el Festival internacional de Edimburgo, el Brecon Baroque, el Antiqua en Bolzano, el Baroque at the Edge, y los festivales de música antigua de Brighton y York. Ha colaborado con reconocidos artistas como Iestyn Davies, Rachel Podger, Richard Egarr, Lawrence Cummings y Dunedin Consort; también con La Serenissima y The English Concert en Rinaldo de Händel. Como solista, Tabea se ha presentado con la English Chamber Orchestra en Cadogan Hall, con Chartwell Sinfonia en St. John’s Smith Square (Londres), con el WDR Rundfunkchor en WDR Funkhaus (Colonia), y con en la sala de conciertos Tonhalle (Zúrich). En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Upon a Ground (ClassicClips), seguido del álbum Cantata per flauto en el 2016 (TYXart). En el 2018, lanzó su tercer álbum como solista, el cual contiene doce nuevas obras basadas en XXIV Fantasie per il Flauto de Telemann (TYXart). En el mismo año fue seleccionada como beneficiara del Young Classical Artists Trust (YCAT). Con frecuencia actúa como invitada en los programas In Tune o Early Music de la BBC. Sus compromisos para la temporada 2018-2019 incluyen presentaciones como solista con la Oxford Sinfonia y la Orquesta del Festival Malcolm Arnold, con la cual interpretará conciertos de Bach, Telemann, Arnold, y Timothy Bowers. Adicionalmente, hará una gira por Colombia, y presentará recitales en el Reino Unido y Alemania, en donde participará en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern. También ofrecerá conciertos con el Ensamble Voyage de jóvenes artistas de The Orchestra of the Age of Enlightenment. Debus nació en Würzburg (Alemania) en 1991. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (HfMDK) con Michael Schneider y en la Royal Academy of Music de Londres con Pamela Thorby. Se graduó Foto: Kaupo Kikkas 3 de esta última con distinción de honor y recibió el reconocimiento Principal’s Prize por su desempeño académico. Además, fue beneficiaria de una beca Meeker de investigación para la temporada 2016-2017. Formó parte de los jóvenes artistas de St. John’s Smith Square (2015-2016), y participó como artista en el programa de Talentos de la Casa de Händel (2016-2017) y en la Fundación City Music (2016-2018). En el 2016, obtuvo el segundo puesto en el concurso de música Sir Karl Jenkins de The Arts Club. Durante sus estudios, ganó el primer puesto en el concurso internacional Johann Heinrich Schmelzer en el 2014 y el segundo puesto en el concurso internacional Hülsta Woodwinds en el 2011. Junto con Lea Rahel Bader (viola da gamba) y Johannes Lang (clavecín) fundó el ensamble tr!jo, el cual alcanzó el primer puesto en el XVIII Concurso Biagio-Marini (2017) y en el concurso internacional Bach en Berlín (2015). En el 2017 estuvo a cargo del programa titulado ‘El año de la flauta de pico’ patrocinado por el Fondo Jackdaws para la Educación Musical. Actualmente, imparte clases en Wells Cathedral School y en Millfield School en el Reino Unido. También ofrece talleres y seminarios en la Royal Academy of Music de Londres y en la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge. SAM STADLEN, viola da gamba Sam Stadlen es un violadagambista, violonchelista, musicólogo e integrante de la agrupación Fretwork desde el 2015, con la que ha presentado conciertos alrededor del mundo. Tiene un doctorado en música barroca francesa para la viola da gamba con énfasis en la influencia de la poesía y la declamación sobre esta música a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Adicionalmente toca con Chelys, un reconocido consort de violas da gamba, cuyo último álbum de canciones y consorts contó con la participación de Dame Emma Kirkby. También toca en un trío con los canadienses Michael Jarvis (clavecín) y Paul Luchkow (violín), con quienes lanzará dos álbumes en el 2019: uno de música francesa, Stylus Phantasticus; y otro que contendrá la primera grabación de los tríos Op. 30 de Tommaso Giordani, publicados en 1782. Stadlen es profesor de viola da gamba en el Royal College of Music de Londres y ha impartido clases y seminarios en la Universidad de York y en la Royal Academy of Music de Londres. 4 ALEX McCARTNEY, tiorba Alex McCartney tiene una apretada agenda que lo ha llevado a presentarse en salas de conciertos de diferentes partes del mundo. Es artista residente de su propio sello disquero, Veterum Musica. En el 2015 lanzó su primer álbum como solista titulado Mèsangeau’s Experiments, el cual fue muy bien recibido por la crítica: «La interpretación de McCartney de esta música contemplativa es elegante y sublime» (LSA). Su segundo álbum titulado Elizabeth’s Lutes también gozó de gran acogida: «La manera de tocar de McCartney es sensible y musical, y la grabación recoge el sonido del laúd de manera fiel» (Early Music Review). El álbum Toccata: Touched –música de Kapsberger para la tiorba– fue lanzado en el 2017 y sobre este se afirmó: «La riqueza y profundidad de la tiorba, y algunos melismas que ondulan y ruedan, articulados hábilmente por McCartney, hacen de este un programa encantador» (Classical Notes). Alex también ha participado como artista invitado en el programa Introducing de la BBC y a menudo se presenta en la emisora Radio 3 de la BBC. Adicionalmente, se ha presentado como solista con artistas como Iestyn Davies, Libro Primo (Sabine Stoffer), Ensemble Marsyas (Peter Whelan), The Gabrieli Consort, Tabea Debus, Cupid and Death y Poeticall Musicke. Libro Primo lanzó hace poco su primer álbum titulado Fantasia Incantata con obras en stylus phantasticus, el cual fue aclamado por The New Yorker y Early Music Reviews+. Como intérprete de continuo, sus interpretaciones han sido descritas como «vigorosas y sensuales, sin exageración en la ornamentación» (Observer). Se encuentra entre los principales intérpretes de La Nuova Musica y Poeticall Musicke y disfruta sus frecuentes presentaciones con varias de las orquestas barrocas del Reino Unido. McCartney es miembro vitalicio de la Real Sociedad de Músicos. Da clases de laúd en la Universidad de Aberdeen y en su ciudad natal, Glasgow. También creó una tutoría en línea para laúd, que cuenta con más de ciento cincuenta suscriptores. En su tiempo libre, se dedica a construir laúdes. Foto: Jen Martin 5 Sonata en do mayor, TWV41:C2 (1728-1729) Cantabile Allegro Grave Vivace GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para flauta de pico y continuo Fantasía No. 3 para flauta sin bajo, TWV 40:4 (1733) Largo-Vivace-Largo-Vivace *Bendy Broken Telemann No. 3 (2017) Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN / *OLIVER CHRISTOPHE LEITH (n. 1990) *Comisionada por City Music Foundation y dedicada a Tabea Debus Para flauta de pico solo Sonata para flauta, BWV 1034 (c. 1724) Adagio ma non tanto Allegro Andante Allegro JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Para flauta de pico y continuo Fantasía No. 6 para viola bajo, TWV 40:31 (1735) Scherzando Dolce Spirituoso GEORG PHILIPP TELEMANN Para viola da gamba sola Sorge nel petto de la ópera Rinaldo, HWV 7 (1711) / Fa pur Guerra de la ópera Flavius Bertaridus, TWV 21:27 (estrenada en 1729) GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759) / GEORG PHILIPP TELEMANN Original para contralto y orquesta barroca / Original para mezzo-soprano y orquesta barroca Arreglos para flauta de pico, continuo y viola da gamba INTERMEDIO PROGRAMA 6 Sonata en re mayor, HWV 378 (1707) Adagio Allegro Adagio Allegro GEORG FRIEDRICH HÄNDEL Para flauta de pico y continuo Prélude et passacaille (s. f.) / Sonata seconda de Troisième livre de sonates (1740) Andante e spicato Allegro Minueto con variaciones ROBERT DE VISÉE (1660-1732) Para tiorba sola / MICHEL BLAVET (1700-1768) Para flauta de pico solo, continuo y viola da gamba Fantasía No. 2 para flauta sin bajo, TWV 40:3 (1733) Grave Vivace Adagio Allegro *Mirrored Lines (2017) GEORG PHILIPP TELEMANN / *ALASTAIR PENMAN (n. 1988) *Comisionada por City Music Foundation para Tabea Debus Para flauta de pico solo Sonata para flauta de pico, TWV 41:d4 (1739-1740) Affettuoso Presto Grave Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN Para flauta de pico y continuo CONCIERTO No. 12 7 NOTAS AL PROGRAMA En el Barroco, la flauta dulce (también llamada flauta de pico, flûte à neufs trous, flûte d’Angleterre, flauto dolce, blockflöten o recorder) sufrió un progresivo declive ante la creciente popularidad del violín y de otros instrumentos de viento como la flauta traversa y el oboe. Según Rachel Brown, «en el siglo XVIII había una extendida creencia, incluso entre los eruditos y músicos más reputados, de que los instrumentos de viento no podían ni deberían tocar solos, debido a su incapacidad para crear una armonía sostenida» (Brown, 2008, p.15)1. A pesar de esto, algunos compositores –entre ellos Joachim Quantz (1697-1773)–, dedicaron buena parte de su obra al estudio de los instrumentos de viento llegando a ser, en algunos casos, verdaderos virtuosos en su interpretación. En tiempos de Telemann El ingenio compositivo de Georg Philipp Telemann (1681-1767) se manifestó a temprana edad y aunque nada lo predestinaba a seguir esa vía, fue uno de los músicos más prolíficos de su época. En un tiempo de disputas estilísticas entre el gusto francés y el italiano, el compositor alemán logró sintetizar y crear su propia versión de la ‘reunión de los gustos’, logrando una mezcla de estilos y formas presente en la mayor parte de su producción. Escribió para casi todos los instrumentos, muchos de los cuales él mismo interpretaba. Consciente de la necesidad de difundir y promocionar sus obras, creó el periódico musical Der Getreue Musikmeister (El leal maestro de música) que circuló entre el 13 de noviembre de 1728 y el 1° de noviembre de 1729 incluyendo composiciones suyas y de otros compositores, así como lecciones de teoría musical repartidas en veinticinco entregas llamadas ‘Lecciones’. La Sonata en do mayor, TWV 41:C2, para flauta de pico y continuo forma parte de las obras publicadas en este periódico musical. Consta de cuatro movimientos: Cantabile dulce y melodioso, Allegro contrastantemente ágil y brillante, Grave lento y sereno, y Vivace moderadamente rápido. Entre otras obras con vocación didáctica publicadas por Telemann figura la colección Essercizii Musici overo Dodesci soli e Dodeci Trii à diversi stromenti (Ejercicios 1 Esto se expone en contraposición con los instrumentos de cuerda que podían tocar varios sonidos simultáneamente. Es importante anotar que muchas obras instrumentales no tenían una asignación específica a un instrumento y solo gracias a las diferencias idiomáticas (tesitura, tonalidad, presencia de acordes) fue posible atribuirles un origen instrumental. 8 musicales con doce solos y doce tríos para diversos instrumentos) publicada en 1740. Además de las obras para violín, viola da gamba, flauta traversa y oboe, existen dos para flauta dulce. La primera de estas, la Sonata para flauta de pico en re menor, TWV 41:d4, consta de cuatro movimientos: Affetuoso, Presto, Grave y Allegro, respetando la estructura lento-rápido-lento-rápido usual en las sonatas italianas da chiesa2 (en contraposición a las sonatas da camera3). Es una obra con una especial sensibilidad, compuesta en una época relativamente tardía dentro del periodo barroco. Entre 1732 y 1735, Telemann publicó varias colecciones de fantasías para instrumentos solistas: viola da gamba (1735), violín (1735), flauta (1733) y clave (1732-1733). José Rico opina que «en estas fantasías se contemplan en miniatura casi la totalidad de las formas instrumentales de la época» (Rico, 2015, p. 14)4. Cada uno de los grupos de fantasías está escrito en una progresión de tonalidades en forma similar al Clave bien temperado (primer tomo 1722) de J. S. Bach, obra popular en la época por su doble interés pedagógico y teórico. Las fantasías para viola da gamba publicadas en 1735 se consideraron perdidas durante un largo tiempo hasta que un ejemplar fue redescubierto en el 2014 en el palacio de Ledenburg, cerca de Hannover, en la colección de Eleonore von Münster (1734-1794). Este feliz descubrimiento permitió rescatar una obra singular en su tiempo, puesto que el interés por la viola da gamba en el momento de composición de esta obra había disminuido considerablemente5. La atención que Telemann prodigó al instrumento puede explicarse por su admiración hacia la música francesa6 o porque a pesar de su anunciado ocaso, aun había entre los suscriptores de sus publicaciones interés por el instrumento7. La Fantasía No. 6 para viola baja, TWV 40:31 consta de 2 Constituidas en general por una introducción lenta, un allegro (posiblemente una fuga), un andante y un final enérgico, acompañadas por un órgano o laúd. 3 Conformadas por distintos movimientos de danzas (en forma similar a una suite), eran acompañadas principalmente por un clavecín. 4 José Rico realiza una traducción al español del artículo escrito por la flautista Rachel Brown y que está publicado originalmente en la revista Pan, vol. 27 No. 3 de la British Flute Society. Rico, en la traducción, incluye una introducción en la que incluye la opinión aquí presentada. 5 Solo cinco años después, en 1740, Hubert le Blanc publicaba en Paris Défense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les aspiration du violoncelle (Defensa del bajo de viola contra los emprendimientos del violín y las aspiraciones del violoncelo), por lo que sabemos que los defensores del instrumento sentían que su desaparición era inminente frente a las ‘pretensiones’ de la familia del violín. 6 En la que la viola da gamba jugó un papel importante durante el siglo XVII (fue asociada a los nombres de Marin Marais y Antoine Forqueray, entre otros). 7 Telemann desarrolló un sistema de suscripciones por correspondencia en los que ofrecía 9 tres movimientos: Scherzando, Dolce y Spirituoso, y es un ejemplo de ligereza y virtuosismo que demuestra una elevada comprensión de las posibilidades sonoras del instrumento. En el caso de las Fantasías para flauta sin bajo publicadas en Hamburgo en 1733, el manuscrito advierte Fantasia per il violino senza basso, y es uno de los ejemplos en los que la escritura idiomática permitió reconocer su idoneidad para la flauta más que para el violín. Cada una de las fantasías está en una tonalidad distinta entre la mayor y sol menor. La Fantasía No. 2 para flauta sin bajo, TWV 40:3 en la menor consta de cuatro movimientos siguiendo la estructura de la sonata da chiesa. El primero con la precisión Grave, sirve como preludio al segundo movimiento Vivace fugato al interior del cual se presenta una doble fuga. El tercero, Adagio, es el único en esta recopilación en el que los adornos están escritos por Telemann. Termina esta fantasía un movimiento Allegro con el ritmo característico de una bourrée. La Fantasía No. 3 para flauta sin bajo, TWV 40:4 en si menor tiene una estructura particular: se compone de dos movimientos, el primero de los cuales está dividido en cuatro secciones: Largo, Vivace, Largo, Vivace; además, tiene características de tocata italiana (con secciones contrastantes que preparan el siguiente movimiento). El segundo movimiento corresponde por su ritmo a una giga, que es frecuentemente el movimiento de cierre de una suite; debe ser interpretado con grazia. Parte de la importante producción musical de Telemann está dirigida a la música vocal, y entre ella, a la ópera. Compuso cerca de cuarenta de estas piezas para la casa de ópera de Hamburgo, entre las cuales se encuentra la única opera seria que de él se conserva: Flavius Bertaridus, TWV 21:27, estrenada en la Gäsenmarkt Oper de Hamburgo el 23 de noviembre de 1729. Escucharemos el aria allegro ‘Fa pur Guerra’8 del segundo acto, en un arreglo para flauta. Es interpretada originalmente por el personaje de Flavius Bertaridus, rey de Los lombardos que declara la fuerza de su amor (por ello su carácter victorioso). El gusto por la ópera es un aspecto que Telemann compartió entre otros con su colega Georg Friedrich Händel (1685-1759), de quien escucharemos el aria Sorge nel petto de la ópera en tres actos Rinaldo, HWV 7, una de las más populares del compositor alemán radicado en Londres desde 1710. La ópera, estrenada el 24 de febrero de 1711, es su primera ópera londinense y sus publicaciones, algunas veces con descuento. En su lista de suscriptores figuraban editores, compositores e intérpretes, algunos tan conocidos como J. S. Bach y G. F. Händel. 8 Como era usual en la opera de Hamburgo en aquella época, esta obra se caracteriza por alternar textos en alemán e italiano. Esta aria en italiano fue originalmente interpretada por una mezzo soprano. 10 fue fundamental para el éxito del compositor en ese país. Esta aria del final del tercer acto, lenta y expresiva, habla de la alegría del triunfo del amor entre Rinaldo y Almirena. La idea de interpretar obras del repertorio vocal en un instrumento no es ajena a la práctica de la época. La influencia italiana perceptible en la obra operística de Händel también se encuentra en sus obras instrumentales orquestales y de cámara. La ornamentación y la expresividad de las líneas melódicas constituyen la huella de este estilo que Händel dominaba. La Sonata en re mayor, HWV 378 para flauta y continuo fue compuesta en 1707 durante su estadía en Italia, periodo en el que estudió de cerca las obras de Scarlatti y Corelli. La única copia que existe fue atribuida originalmente a otro compositor ( Johann Sigismund Weiss9), pero tras el análisis de la sonata, los musicólogos pudieron reconocer la pluma de Händel a través del uso de temas incluidos en otras obras como la Sonata para flauta, HWV 379 y la Sonata para violín, HWV 371. Está dividida en cuatro movimientos: Adagio, Allegro (tempo spirituoso), Adagio (recitativo) y Allegro, siguiendo el esquema de la sonata da chiesa. Johann Sebastian Bach (1685-1750) no se quedó atrás en la composición de obras para flauta. La Sonata per la flauta traversiere e Basso, BWV 1034 en mi menor, compuesta cerca de 1724 y dedicada al flautista Michael Gabriel Fredersdorff (de acuerdo con el manuscrito copiado por J. P. Kellner), está dividida en cuatro movimientos: Adagio ma non tanto, Allegro, Andante y Allegro, estructura característica de una sonata da chiesa. Se cree que fue compuesta en el periodo de Bach en Cöthen (1717-1723) como buena parte de su música instrumental. En ella reconocemos el ingenio contrapuntístico del Kantor de Leipzig al tratar las líneas melódicas de la flauta y del bajo continuo no solo como una voz con acompañamiento sino como un diálogo con partes elaboradas en cada instrumento. Durante los ocho meses que Telemann pasó en París en 1737, logró dar a conocer su obra a importantes músicos de la capital. Uno de ellos fue el flautista Michel Blavet (1700-1768), gran virtuoso de su tiempo10, brillante intérprete de flauta traversa y fagot. Toco en el Concert Spirituel, en la ópera de París y finalmente fue nombrado en 1736 ordinario de la música de Rey. Blavet formó un cuarteto (flauta, violín, viola da gamba y continuo) para interpretar los Cuartetos de París de Telemann, muestra de la buena acogida que tuvo la música del compositor alemán en los círculos de la capital francesa. Blavet 9 Hermano del laudista Sylvius Leopold Weiss. 10 Famoso también por su forma de tocar la flauta hacia el lado izquierdo. 11 compuso varias sonatas para flauta traversa y bajo continuo, obras cumbre de la escuela francesa de flauta barroca. Del Troisième livre de sonates pour la flûte traversière avec la basse (Tercer libro de sonatas para flauta traversa y bajo) publicado en 1740, escucharemos la Sonata seconda en si menor, que consta de tres movimientos: Andante e spicato, de carácter dulce y ligero; Allegro, virtuoso y enérgico; y finalmente, un Minueto con dos variaciones de elevada dificultad rítmica. En la corte de Luis XIV trabajó el guitarrista, laudista y tiorbista Robert de Visée (1655-1733). Su nombre, así como el de Francesco Corbetta (1615-1681) está asociado al renacimiento de la guitarra en la corte francesa. Fue profesor del rey, que consideraba la guitarra entre sus instrumentos predilectos. Sus composiciones, mayoritariamente dedicadas a la guitarra y al laúd, fueron retomadas frecuentemente por sus contemporáneos, muestra de la popularidad que alcanzaron. Publicó varios libros de piezas y suites para guitarra, pero muchas de sus obras se conservaron en manuscrito, este es el caso del Prélude et passacaille, encontrado en el manuscrito Vaudry de Saizenay11, también llamado ‘de Besançon’. En él se conservan muchas de las obras del compositor francés con tablatura para laúd. Alastair Penman (n. 1988), joven compositor británico, recibió junto a otros doce compositores contemporáneos una comisión de la City Music Foundation de Londres. El proyecto buscaba crear doce obras basadas en cada una de las doce fantasías para flauta de Telemann con el propósito de conmemorar los 250 años de fallecimiento del compositor alemán, uniendo en la misma obra la música antigua y la música contemporánea. La obra de Penman, Mirrored Lines, basada en la Fantasía No. 2, requiere que el intérprete ‘cante dentro de la flauta’, produciendo dos sonidos simultáneos. Otra característica de la obra es el uso del sputatto, que genera una articulación muy precisa y sonora de las notas. En el concierto de hoy, la obra de Penman será interpretada al final de la Fantasía No. 2 de Telemann. La obra de Oliver Christophe Leith (n. 1990) es un caso especial, pues no se encuentra antes o después de la Fantasía No. 3, sino en medio de los dos movimientos que la componen. Este joven compositor británico decidió emplear en la misma obra dos flautas afinadas con medio tono de diferencia, jugando con el efecto que produce la disonancia. El empleo de estas técnicas modernas en la flauta dulce representa un reto considerable para el intérprete. 11 Llamado así por su dueño y copista, Jean-Etienne Vaudry de Saizenay (1688-1742), alumno de Robert de Visée. Referencias Brown, R. (2015). Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración ( José Rico, trad.). Recuperado de: http://www.rachelbrownflute.com/ assets/fantasias-de-telemann.tf-12-espa%C3%B1ol.pdf (Obra original ‘Telemann Fantasias: a feat of ingenuity and inspiration’ publicada en Pan, vol. 27 No. 3, British Flute Society). Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y con la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. PULEP: QKH323. DUK352. ANW460. PULEP: GPV587. QEQ752. PULEP: WZE182. DYY779. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Miércoles 5 de junio · 7:00 p.m. YINETH URQUINA, cantante (Colombia) Miércoles 4 de septiembre · 7:00 p.m. PALO CRUZAO música tradicional colombiana (Colombia) Jueves 13 de junio · 7:00 p.m. YINETH URQUINA, cantante (Colombia) Jueves 5 de septiembre · 7:00 p.m. NEIVA Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República FLORENCIA Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón (Colombia / Austria) Viernes 19 de julio · 7:00 p.m. COMO ERA EN UN PRINCIPIO música antigua (Colombia) Viernes 2 de agosto · 7:00 p.m. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Viernes 18 de octubre · 7:00 p.m. LETICIA Salón Múltiple del Banco de la República MANUEL ARANGO PÉREZ, piano (Colombia) Jueves 18 de julio · 7:00 p.m. URPI BARCO, jazz (Colombia) Jueves 28 de noviembre · 7:00 p.m. IBAGUÉ Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima PULEP: XBV108. VOR808. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 27 de junio · 7:00 p.m. MANUEL ARANGO PÉREZ, piano (Colombia) Miércoles 17 de julio · 7:00 p.m. GIRARDOT Auditorio del Banco de la República POPAYÁN Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República JONATHAN ROSERO, saxofón (Colombia) Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 7 de noviembre · 7:00 p.m. PULEP: SEJ294 PULEP: WSO275. MMN255. Foto. Carole Bellaiche DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón (Colombia / Austria) TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PULEP: FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248 MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali PULEP: JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982 . OTA770. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 SEBASTIÁN CRUZ TRÍO - Foto: Mónica Sánchez MUSGO - Foto: Juanita Obregozo Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Foto: Juanita Orbegozo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MUSGO música contemporánea (Colombia) Sábado 30 de marzo de 2019 · 5:00 p.m. Medellín, Claustro Comfama – Plazuela de San Ignacio PULEP: DTC431 Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: JWE864 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 MUSGO, música contemporánea Rafael García Jaramillo, saxofones; Juan Manuel Jaramillo Lleras, percusión y Mateo Marín Calderón, guitarra eléctrica Musgo se conformó en el 2015 y durante su trayectoria ha incursionado en el terreno de la improvisación libre, la composición para improvisadores y la composición determinista-contemporánea. Su sonido está caracterizado por la arritmia, la yuxtaposición a menudo explosiva de texturas y la riqueza tímbrica. Ha participado en el primer festival de La Vendimia Records, en el tercer festival de El marrano no se vende y en el festival Agatón de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Colombia. El concierto en Medellín cuenta con el apoyo de Foto: Juanita Orbegozo 2 PROGRAMA Invención en mi menor (2018) RAFAEL GARCÍA (n. 1994) JUAN MANUEL JARAMILLO (n. 1994) MATEO MARÍN (n. 1994) Música popular transtiberina (2018) RAFAEL GARCÍA Title subtitle IV (2018) JUAN MANUEL JARAMILLO Guijarro primero (2018) MATEO MARÍN INTERMEDIO Tema y variaciones ininterrumpidas (2018) RAFAEL GARCÍA JUAN MANUEL JARAMILLO MATEO MARÍN Guijarro segundo (2018) MATEO MARÍN Title subtitle V (2018) JUAN MANUEL JARAMILLO El chorizo de oro (2018) RAFAEL GARCÍA CONCIERTO No. 13 3 NOTAS AL PROGRAMA Los integrantes de Musgo hacen parte de una generación que nació a mediados de la década de 1990, un periodo de grandes transformaciones en la educación musical universitaria en nuestro país, que incluyó el abrir las puertas a las músicas populares en la academia y, con esto, el inicio de la formalización de los estudios de jazz. Por tanto, su educación musical es diferente a la de generaciones anteriores en Colombia, antes de los 90, cuando los músicos de jazz se formaban “en la calle”. Sin embargo, la educación de Rafael García, Mateo Marín y Juan Manuel Jaramillo es incluso más amplia que la que ofrecería un énfasis en jazz, dado que abarca una mezcla de elementos de la llamada música erudita con elementos del jazz, las músicas populares y aspectos del folclor nacional. El trío Musgo nace como un laboratorio de improvisación libre, enfocado en la exploración de las técnicas extendidas del saxofón, la guitarra eléctrica y la batería. Un aspecto fundamental para entender el desarrollo del proyecto es el hecho de que sus tres integrantes se desempeñan como intérpretes –especialmente en el área de músicas populares– y también como compositores de música académica. La decisión de llamar Musgo al grupo parecería fruto del azar, pero más que eso, es resultado del gusto por la sonoridad de esta palabra, que viene del latín muscus, que significa ‘espuma’. El musgo es la planta que cubre las zonas húmedas como una capa de espuma, y de cierta manera, es así como el grupo Musgo ocupa el espacio sonoro a partir de la improvisación libre. Cuando se habla de ‘improvisación libre’, es claro que se busca caracterizar un tipo de improvisación. Iniciemos por decir que la palabra ‘improvisación’, de manera general, se refiere a la acción y efecto de improvisar. El verbo ‘improvisar’ viene del término ‘improviso’, que a su vez proviene del latín improvisus: sin previo aviso. La improvisación musical es una práctica que no es exclusiva de un género o un estilo musical y se transforma de acuerdo con su contexto. Según el compositor, improvisador y escritor Wade Matthews (2012), la improvisación es un ‘proceso de creación colectiva’ en tiempo real, a diferencia de la composición, que es un ‘proceso de creación individual’ en tiempo diferido: En la improvisación, el creador comparte su proceso creativo con el público en el acto, está creando la música en ese preciso instante y lugar, y esos tres elementos –el público, el momento y el lugar– tienen mucho que ver en la creación (p. 27). 4 Matthews enfatiza el hecho comunicativo de la improvisación como un valor fundamental en una experiencia musical compartida y como factor poderoso en las decisiones del creador: Todo improvisador sabe que la manera en que le escucha el público tiene una enorme influencia en cómo elabora su obra. La capacidad de escucha, el grado de entendimiento, la duración y la profundidad de la atención son factores determinantes de cómo y hasta qué punto el improvisador establece la comunicación y la intimidad con el público (p. 27). Ahora, en cuanto a la improvisación libre, Matthews la define más por su naturaleza procesual que por su resultado, proponiendo que La libre improvisación, al igual que la composición, es un conjunto de técnicas para crear música: una práctica y no un estilo, con lo que conllevaría este último de identidad sonora. No creo que nadie confunda la composición con un estilo, y está claro que las composiciones, incluso las de una misma época, pueden sonar realmente distintas. […] ¿Por qué, entonces, íbamos a esperar que la libre improvisación tenga un sonido inmediatamente reconocible? Si se reconoce como tal, será más por su proceder que por su contenido sonoro (p. 51). El resultado de la improvisación en Musgo, precisamente, evade la clasificación de lo que Matthews llama ‘improvisación idiomática’ (por ejemplo, la del jazz) y se ubica claramente en el espacio de la improvisación libre, como lo proclaman los integrantes del grupo. No en vano, Juan Manuel Jaramillo menciona la dificultad o la inutilidad de pretender clasificar la música de Musgo en alguna de las categorías reconocidas habitualmente, cuando expresa que las siguientes características –y las problemáticas que surgen de ellas en términos de definiciones y conceptos– caracterizan a Musgo como propuesta musical: Pluralidad, multiplicidad, fragmentación, intertextualidad, saturación, juego, azar, ironía, humor, agresividad, paciencia: estas son algunas características no solo del sonido, sino de la práctica musical del grupo. Sin embargo, es imposible definir una propuesta musical que precisamente busca eludir definiciones e interpretaciones. Si bien se puede considerar como un grupo de música contemporánea y experimental, es inevitable reconocer en su sonido el impulso rítmico y el fraseo del jazz, la energía de músicas extremas como el punk y el metal, la masividad sonora del noise e inclusive elementos melódico-rítmicos de músicas folclóricas ( Jaramillo, J. M., comunicación personal, 25 de enero del 2019). Para Musgo, la improvisación musical va aún más allá del hecho sonoro. El guitarrista Mateo Marín (2018) propone la improvisación como un fenómeno liberador, como una forma de vida: «la música experimental se demuestra así apremiante. Incluso, en su desarrollo a través del estudio y la práctica de la improvisación […] se vislumbran los ideales que emanciparían al hombre 5 perteneciente a una cultura unidimensional y ‘acrítica’» (p. 15). Y para aclarar su posición, cita en su tesis de grado El jazz como fenómeno transcultural al musicólogo, profesor de composición en la Universidad de Columbia y miembro de la AACM (Asociación para el Avance de Músicos Creativos) George E. Lewis: El trabajar como un improvisador en el campo de la música improvisada no sólo enfatiza la forma y la técnica, sino las decisiones individuales de vida, como también las culturales, las étnicas y las de locación personal. En interpretaciones de música improvisada, la posibilidad de interiorizar sistemas de valores alternativos está implícita desde el comienzo. El foco del discurso musical de repente se desplaza del individuo como creador autónomo, hacia el colectivo: el individuo como parte de una humanidad global (Lewis, 2002, p. 234, como se citó en Marín, 2018). El repertorio seleccionado para el concierto de hoy, enteramente original, es en realidad un espacio para la improvisación. Cuenta con dos composiciones de cada intérprete, más otras dos colectivas. El concierto inicia, en cada una de sus dos partes, con las obras colectivas, muy indeterminadas, que cobrarán forma y sentido en el mismo momento de su interpretación y requieren por parte de los intérpretes menor coordinación de acciones precisas. Los siguientes comentarios provienen de Musgo: La Invención en mi menor (2018) y el Tema y variaciones ininterrumpidas (2018) son el par de piezas más indeterministas del programa, es decir que sus acontecimientos no dependen de un proceso causal lineal. Ambas cumplen la función de abrir las dos partes del concierto: el comienzo del recital y después del intermedio. Esto responde al deseo de dar un espacio de atención e interpretación más distensionado y espontáneo a la agrupación, que le permita fundar el discurso musical de acuerdo con la disposición corporal y temperamental del momento. La lectura de la escucha del público, por parte de Musgo, juega acá un rol muy importante (Marín, M., comunicación personal, 24 de enero del 2019). La segunda pieza, del saxofonista Rafael García (n. 1994), contrario a la que inicia el programa, funciona de manera determinada. La Música popular transtiberina (2018) constituye una de las piezas más deterministas del programa, resaltando la amalgama de ritmos complejos entre los instrumentos y el uso de técnicas extendidas específicas –como el slide en la guitarra y el buzz en el saxofón–. La pieza rescata dos herramientas muy elementales de tradición popular jazzística: el uso de un head escrito al que le sigue una sección de improvisación y, por un instante al comienzo de este, una progresión armónica que delimita la colección de notas que utiliza [el] saxofón (Marín, M., comunicación personal, 24 de enero del 2019). García amplía la información a propósito de Música popular transtiberina: 6 Su nombre proviene de la empresa artificial de crear una música folclórica o típica proveniente de esa región, la transtiberina, lugar contiguo a la ciudad de Roma en la época de la primera dinastía de emperadores romanos y que tenía como frontera al río Tíber, del cual se sigue su nombre. En el proceso de factura me di cuenta de que, a la par que le componía música a un lugar cuyas músicas no fueron registradas en la historia, también estaba construyendo un imaginario cultural, el que cabe dentro del reducto común de toda música popular; así pues, soñé con un arte sonoro de características muy distintas a las que se arraigaran en el imperio oficial, en tanto que sus habitantes eran considerados plebe villana y despreciable. Por su parte, Juan Manuel Jaramillo (n. 1994), compositor de Title subtitle IV, habla así acerca de su obra: Presenta líneas melódico-rítmicas de carácter esquizofrénico, que funcionando al tiempo generan una textura polifónica compleja. [El] saxofón y [la] guitarra deben tocar estas líneas que están escritas específicamente en notación tradicional. La parte de batería es libre de improvisar figuras melódico-rítmicas que contribuyan a la textura polifónica y escondan la sensación de pulso regular que generan las líneas del saxofón y la guitarra. La dificultad yace en improvisar figuras que no respondan al pulso de las partes escritas, y, sin embargo, no perder la ubicación dentro de la organización geométrica del tiempo, pues es necesario coincidir en algunos momentos con los otros dos instrumentos. La improvisación está estructurada en distintos ‘bloques de sonido’ en los que se busca explorar uno u otro elemento musical: la dinámica, el formato, la textura, así como relaciones entre los improvisadores: imitación, acompañamiento, sincronía / asincronía ( Jaramillo, 2018, p. 23). Las dos obras de Mateo Marín (n. 1994) implican una mayor coordinación de acciones entre los improvisadores: Guijarro primero (2018) y Guijarro segundo (2018) están englobadas por un mismo sistema de notación. Éste requiere más agudeza en la preparación de los materiales improvisados y en el relacionamiento a través de señales entre los intérpretes. Son un par de obras que arrojan siempre el mismo resultado formal, pero con materiales musicales y texturales distintos entre cada interpretación (Marín, M., comunicación personal, 24 de enero del 2019). La segunda parte del programa se inicia, como se indicó arriba, con Tema y variaciones ininterrumpidas, continúa con Guijarro primero y sigue con Title subtitle V, acerca de la cual dice su autor, Jaramillo: Esta composición busca poner en práctica las posibilidades melódicas de la batería (sobre todo mediante el uso de mallets), así como las posibles texturas suaves y delicadas que ofrece el instrumento (mediante el uso de escobillas, por ejemplo). La intención, de alguna manera, es la de una balada, pues la composición tiene un carácter melódico y ‘delicado’, obviamente sin alejarse de la estética experimental que caracteriza al grupo. Al igual que el tema, la improvisación busca generar texturas 7 de esta misma naturaleza: sonidos sostenidos, suaves, continuos, pero con cierto nivel de complejidad tímbrica. Mi aproximación en la batería consiste en el uso de la fricción y el movimiento circular. Esto es característico del uso de las escobillas en el jazz y otras músicas; en este caso se aplica a otros tipos de elementos como frotar con las manos o con objetos auxiliares, sobre tambores, aros, platillos, superficies, etc. ( Jaramillo, 2018, pp. 24-25). El concierto concluye con una obra de Rafael García, que muestra en su título otra de las facetas de Musgo: el humor. «El chorizo de oro (2018), obra que cierra el programa, explora la notación rítmica espacial y una técnica de relacionamiento llamada trades, con la que se persigue la intervención sucinta, veloz e intercalada entre los intérpretes» (Marín, M., comunicación personal, 24 de enero del 2019). El compositor explica así el origen del nombre y su intención con la pieza: El nombre proviene de un aviso con el que me topé en la carretera al Huila, me divirtió la calificación, en el fondo colonizada (la impresión de que el oro es valioso), de un alimento criollo, que también fue emulado de españoles y, sin embargo, resulta tan diferente. Me divirtió una especie de paradoja y le adjudiqué, cuando decidí nombrar así la pieza, una música compuesta que hacía uso de técnicas rítmicas que responden a mi necesidad, de ese entonces, de modelar el caos. Es decir, de contravenir la idea de que todo caos musical, toda complejidad, se percibe idéntica. Con esa pieza y muchas otras (como la transtiberina) quise reivindicar la posibilidad del ser humano de notar matices en las infinitas formas que puede tomar el caos (García, R., comunicación personal, 4 de febrero del 2019). Para concluir, recojo las siguientes percepciones de Juan Manuel Jaramillo acerca del concierto de hoy –percepciones que seguramente comparten sus amigos compositores-intérpretes de Musgo–: El concierto de Musgo en la BLAA es un evento impredecible y emocionante; ese día [hoy], frente al público que asista, se irá construyendo el sonido de una música que no está predispuesta, pero cuyos creadores sí han desarrollado un sonido y unos métodos característicos. Se presentarán composiciones grupales y composiciones individuales de cada miembro del grupo. Éstas son, en mayor y menor grado, indeterminadas: todas cuentan con espacios para la improvisación y el juego, y es allí donde la música se torna impredecible. Los miembros de Musgo no saben cómo sonará la música que toquen ese día [hoy] en la sala de conciertos de la BLAA; eso los hace a ellos, en cierto sentido, espectadores. Solo saben que responderá a las características del espacio y el público, haciendo que estos, aunque no lo sepan, hagan parte también del proceso creativo. La supuesta separación entre artista y público, que tanto se critica en la música contemporánea, no tiene cabida en la música de Musgo ( Jaramillo, J. M., comunicación personal, 25 de enero del 2019). 8 Glosario1 Buzz: en el saxofón, zumbido producido al forzar el labio inferior, para que tenga menos contacto con la caña. Free: sin reglas. Especialmente, improvisar sin tener en cuenta los cambios de acorde, o sin ningún cambio de acordes. Por lo general, hay una restricción implícita en cuanto a lo ‘libre’, que impide que suene como si se estuvieran utilizando cambios de acordes. Free jazz: estilo de principios y mediados de los sesenta, que involucra el tocar ‘libre’ y un afecto vehemente. Fue originalmente asociado con el nacionalismo cultural negro. Head: primer (y último) coro de una melodía, en el que la canción o la melodía se expresa sin improvisación o con una improvisación mínima. Noise: categoría de música que se caracteriza por el uso expresivo del ruido en un contexto musical. El noise abarca una amplia gama de estilos musicales y prácticas creativas que incluyen el ruido como aspecto principal. Mallet: baqueta que se utiliza para golpear un instrumento de percusión y producir su sonido. Las hay de diversos materiales. Slide: técnica particular para tocar la guitarra, que se usa a menudo en el blues. Consiste en colocar un objeto contra las cuerdas y deslizarlo para crear efectos de glissando y vibratos diversos que hacen que la música sea emocionalmente expresiva. Trades: (también trading fours, trading eights, etc.). Cuando los solistas se turnan para improvisar, tocar para ocho (o cuatro, etc.) compases a la vez. Referencias Jaramillo, J. M. (2018). Cinco composiciones para trío y una para batería: el compositor-intérprete y su papel experimental dentro de las músicas populares. (Proyecto de grado). Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá, Colombia. Lewis, G. E. (2002). Improvised music after 1950: Afrological and eurological perspectives. Black Music Research Journal, 215-246. Marín, M. (2018). El jazz como fenómeno transcultural. (Proyecto de grado). Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá, Colombia. Matthews, W. A. (2012). Improvisando: La libre creación musical. Turner. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 1 Definiciones tomadas del Center for Jazz Studios, Columbia University. http://ccnmtl. columbia.edu/projects/jazzglossary/ Foto. Mariana Reyes URPI BARCO, jazz (Colombia) Martes 23 de abril · 7:00 p.m. Teatro Pablo Tobón Uribe Con el apoyo del Teatro Pablo Tobón Uribe SARA SIERRA, piano (Colombia) Jueves 20 de junio · 6:30 p.m. Paraninfo de la Universidad de Antioquia Con el apoyo de la Universidad de Antioquia y Alianza Cultural por el Centro MARÍA CRISTINA PLATA, cantante (Colombia) Miércoles 26 de junio · 8:00 p.m. Teatro Municipal de Envigado Con el apoyo de Cortiple THIRD COAST PERCUSSION ensamble de percusión (Estados Unidos) Jueves 3 de octubre · 6:30 p.m. Teatro Camilo Torres de la Universidad de Antioquia Con el apoyo de la Universidad de Antioquia PULEP: LTO268. RBN530. DAV737. KLV305 URPI BARCO jazz (Colombia) TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN MEDELLÍN SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto PULEP: FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248 MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo PULEP: HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 SEBASTIÁN CRUZ TRÍO · Foto: Mónica Sánchez MANUELA WANUMEN · Foto: Harrym Ramírez Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Musgo se conformó en el 2015 y durante su trayectoria ha incursionado en el terreno de la improvisación libre, la composición para improvisadores y la composición determinista-contemporánea. Su sonido está caracterizado por la arritmia, la yuxtaposición a menudo explosiva de texturas y la riqueza tímbrica. Ha participado en el primer festival de La Vendimia Records, en el tercer festival de El marrano no se vende y en el festival Agatón de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Colombia.

Anamaría Oramas y Juan Camilo Palacino realizaron estudios en la Universidad Nacional de Colombia y conformaron Deciso Dúo en el 2013. En años recientes, el dúo ha logrado definirse individualmente y como ensamble gracias a una acertada mezcla de estilos e intereses. Oramas está iniciando una carrera en el jazz y Palacino busca expandir el horizonte de la guitarra a través de la música de cámara; esto los ha orientado en una extensa búsqueda de repertorio alternativo para su formato, con el hallazgo de obras muy interesantes, en su mayoría de compositores contemporáneos de diversos estilos. Han recibido clases con Edwin Guevara y Cecilia Palma, integrantes del Dúo Villa-Lobos; Irene Gómez y Antonio Arnedo; el guitarrista venezolano Aquiles Báez, el guitarrista norteamericano Jason Vieaux, el clarinetista brasileño Nailor ‘Proveta’ Azevedo y los multiinstrumentistas y compositores Itiberê Zwarg (Brasil), Benjamim Taubkin (Brasil) y Guillermo Klein y Carlos Aguirre (Argentina). En el 2015, el dúo participó en el Encuentro Latinoamericano de Músicas de Vanguardia organizado por la Universidad Nacional de Colombia y fue seleccionado por BibloRed para realizar una gira local en Bogotá. En el 2016, ofreció su primera gira nacional como ganador de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. En el 2018, el dúo fue invitado a hacer parte de la franja Colón Acústico del Teatro Colón de Bogotá. Se han presentado en la Sala Otto de Greiff, en el auditorio de Uniandinos, el Auditorio Pedro Nel Gómez en Medellín, el Auditorio León de Greiff, los auditorios Guillermo Uribe Holguín y Olav Roots del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y el foyer del Teatro Colón de Bogotá, entre otros escenarios.

Según la emisora Classic FM del Reino Unido, Tabea Debus pone a prueba la percepción que se tiene de la flauta de pico o flauta dulce; y no se equivoca, pues lo cierto es que ella explora continuamente los horizontes del repertorio para este instrumento. Debus se ha presentado en varias ocasiones en Europa, así como en Singapur, Japón, Malasia y los Estados Unidos. Sus presentaciones más destacadas incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena en el marco de Resonanzen, el festival de música Schleswig-Holstein, el Festival internacional de Edimburgo, el Brecon Baroque, el Antiqua en Bolzano, el Baroque at the Edge, y los festivales de música antigua de Brighton y York. Ha colaborado con reconocidos artistas como Iestyn Davies, Rachel Podger, Richard Egarr, Lawrence Cummings y Dunedin Consort; también con La Serenissima y The English Concert en Rinaldo de Händel. Como solista, Tabea se ha presentado con la English Chamber Orchestra en Cadogan Hall, con Chartwell Sinfonia en St. John’s Smith Square (Londres), con el WDR Rundfunkchor en WDR Funkhaus (Colonia), y con en la sala de conciertos Tonhalle (Zúrich). En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Upon a Ground (ClassicClips), seguido del álbum Cantata per flauto en el 2016 (TYXart). En el 2018, lanzó su tercer álbum como solista, el cual contiene doce nuevas obras basadas en XXIV Fantasie per il Flauto de Telemann (TYXart). En el mismo año fue seleccionada como beneficiara del Young Classical Artists Trust (YCAT). Con frecuencia actúa como invitada en los programas In Tune o Early Music de la BBC. Sus compromisos para la temporada 2018-2019 incluyen presentaciones como solista con la Oxford Sinfonia y la Orquesta del Festival Malcolm Arnold, con la cual interpretará conciertos de Bach, Telemann, Arnold, y Timothy Bowers. Adicionalmente, hará una gira por Colombia, y presentará recitales en el Reino Unido y Alemania, en donde participará en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern. También ofrecerá conciertos con el Ensamble Voyage de jóvenes artistas de The Orchestra of the Age of Enlightenment. Debus nació en Würzburg (Alemania) en 1991. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (HfMDK) con Michael Schneider y en la Royal Academy of Music de Londres con Pamela Thorby. Se graduó de esta última con distinción de honor y recibió el reconocimiento Principal’s Prize por su desempeño académico. Además, fue beneficiaria de una beca Meeker de investigación para la temporada 2016-2017. Formó parte de los jóvenes artistas de St. John’s Smith Square (2015-2016), y participó como artista en el programa de Talentos de la Casa de Händel (2016-2017) y en la Fundación City Music (2016-2018). En el 2016, obtuvo el segundo puesto en el concurso de música Sir Karl Jenkins de The Arts Club. Durante sus estudios, ganó el primer puesto en el concurso internacional Johann Heinrich Schmelzer en el 2014 y el segundo puesto en el concurso internacional Hülsta Woodwinds en el 2011. Junto con Lea Rahel Bader (viola da gamba) y Johannes Lang (clavecín) fundó el ensamble tr!jo, el cual alcanzó el primer puesto en el XVIII Concurso Biagio-Marini (2017) y en el concurso internacional Bach en Berlín (2015). En el 2017 estuvo a cargo del programa titulado ‘El año de la flauta de pico’ patrocinado por el Fondo Jackdaws para la Educación Musical. Actualmente, imparte clases en Wells Cathedral School y en Millfield School en el Reino Unido. También ofrece talleres y seminarios en la Royal Academy of Music de Londres y en la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge.