Foto: DeMente Fotográfica Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA BLANCA URIBE piano (Colombia) Martes 12 de febrero de 2019 · 7:00 p.m. Pereira, Sala Múltiple de la Agencia Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: MVU892 Miércoles 13 de febrero de 2019 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: MJV547 Viernes 15 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: JDX207 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 BLANCA URIBE piano Blanca Uribe es descendiente de una familia musical antioqueña aunque nació en Bogotá, donde realizó sus primeros estudios con su abuela materna. Posteriormente, continuó su formación en Medellín con la profesora italiana Luisa Manighetti. El mecenas antioqueño don Diego Echavarría Misas la becó a los trece años para que continuara sus estudios en Estados Unidos con el profesor polaco Wiktor Łabuński, y en la Academia de Música y Arte Dramático de Viena, donde recibió su grado magna cum laude con el profesor austríaco Richard Hauser. Becada por la Organización de Estados Americanos y por The Juilliard School, realizó estudios de posgrado en esta institución bajo la guía de la profesora rusa Rosina Lhévinne y del profesor Martin Canin. Desde su presentación a los once años con la Orquesta Sinfónica de Colombia, Uribe ha actuado en los principales escenarios de Estados Unidos, Latinoamérica y Europa, tales como la Sala Brahms y la Sala Dorada de la Musikverein en Viena; el Royal Festival Hall, el Queen Elizabeth Hall y el Wigmore Hall en Londres; el Weill Hall del Carnegie Hall, el Avery Fisher Hall y el Alice Tully Hall del Lincoln Center en Nueva York; la Sala Hércules en Múnich; la Sala de Bellas Artes en Berlín; el Teatro de Bellas Artes de México; la Sala de la Fundación Chopin en Varsovia; y la Sala Smetana de Praga. Ha actuado como solista con las orquestas sinfónicas de Berlín, Praga y Viena, la Nacional de Washington, la American Symphony, la Kansas City Philharmonic, la Residentie Orkest de la Haya, la Nueva Filarmonía de Londres, la Orquesta de Castilla y León, la Orquesta del Estado de México, la Orquesta de Filadelfia y con las principales orquestas de Colombia, entre muchas otras. Desde 1969 hasta el 2005, Uribe fue profesora en el Vassar College de Nueva York, donde recibió una distinción con el título ‘George Sherman Dickinson Chair’. En 1986 fue profesora invitada en la Escuela de Música Eastman de la Universidad de Rochester y en la Universidad de Nueva York. Ha sido miembro del jurado en los concursos internacionales William Kapell, Foto: DeMente Fotográfica 2 Gina Bachauer, Cleveland y Van Cliburn en Texas, Estados Unidos; Esther Honens y Montreal en Canadá; Axa en Dublin, Irlanda; Beethoven en Viena; Ferrucio Busoni y Bolzano en Italia; y Santander y Jaén en España. Ha impartido cursos y clases magistrales en las principales universidades y conservatorios de Colombia, Venezuela, Puerto Rico, España, Estados Unidos, Canadá y la República de Corea. Actualmente, Uribe es profesora en la Universidad EAFIT de Medellín. El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata en si menor, Hob. XVI:32 (c. 1774-1776) Allegro moderato Minuet - Trio Finale. Presto FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809) 33 variaciones sobre un vals de Anton Diabelli, Op. 120 (1819-1823) Tema. Vivace Variación 1. Alla marcia maestoso Variación 2. Poco allegro Variación 3. L’istesso tempo Variación 4. Un poco più vivace Variación 5. Allegro vivace Variación 6. Allegro ma non troppo e serioso Variación 7. Un poco più allegro Variación 8. Poco vivace Variación 9. Allegro pesante e risoluto Variación 10. Presto Variación 11. Allegretto Variación 12. Un poco più moto Variación 13. Vivace Variación 14. Grave e maestoso Variación 15. Presto scherzando Variación 16. Allegro Variación 17. [Allegro] Variación 18. Poco moderato Variación 19. Presto Variación 20. Andante Variación 21. Allegro con brio - Meno allegro Variación 22. Allegro molto, alla ‘Notte e giorno faticar’ di Mozart Variación 23. Allegro assai Variación 24. Fughetta. Andante Variación 25. Allegro Variación 26. Piacevole Variación 27. Vivace Variación 28. Allegro Variación 29. Adagio ma non troppo Variación 30. Andante, sempre cantabile Variación 31. Largo, molto espressivo Variación 32. Fugue. Allegro Variación 33. Tempo di minuet moderato LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) CONCIERTO No. 1 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso a la Sala únicamente entre las dos obras del programa. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Franz Joseph Haydn (1732-1809) El fruto más importante del ejercicio de composición constante y prolífico practicado por el austriaco Franz Joseph Haydn a lo largo de su carrera musical fue la consolidación misma del estilo y las formas del clasicismo musical de la segunda mitad del siglo XVIII. Desde el aislamiento relativo de la corte de Esterháza, Haydn sentó las bases de la sinfonía y del cuarteto para cuerdas, entre otros géneros, difundiendo por toda Europa un discurso musical pleno de retórica expresiva y diálogo musical inteligente. Luego de servir a los príncipes de la corte de Esterháza de manera exclusiva durante casi dos décadas, se le permitió al compositor, a partir de 1779, recibir comisiones de otras localidades y otros mecenas. En general, desde 1761 hasta 1791, la actividad profesional de Haydn se circunscribió a Esterháza, Eisenstadt y Viena, de acuerdo con los viajes y las estadías previstas por las cuatro generaciones de príncipes de Esterházy a quienes sirvió. Pese a las restricciones contractuales de exclusividad con los Esterházy, la obra de Haydn se diseminó rápidamente por Europa. Sus sinfonías, por ejemplo, eran codiciadas por muchas sociedades de conciertos europeas y varias aparecieron en ‘ediciones piratas’ en lo que hoy es Austria, Alemania, Francia e Inglaterra. A partir de 1791, se retiró del servicio de la corte y recibió una suma decorosa de dinero ‘a manera de pensión’, y aunque se mantuvo en el cargo de maestro de capilla de los Esterházy en Viena, obtuvo la libertad necesaria para realizar giras de conciertos por el continente e Inglaterra. Uno de los grandes aportes de Haydn a la historia de la música occidental, exceptuando el valor estético de sus propias creaciones, fue la consolidación de gran parte del estilo denominado clásico, que surgió en la segunda mitad del siglo XVIII. Haydn, un trabajador incansable, no era consciente de los cambios que sus composiciones estaban causando en el gusto de la época. En su momento, no se usó el término ‘clásico’ para denotar los giros estilísticos de su lenguaje musical y más bien, era celebrado como romántico por sus contemporáneos, debido a la fuerza descriptiva y evocadora de su obra. Haydn demostró las bondades de todos los nuevos procesos formales y géneros que emergieron durante su tiempo (sonata, ópera cómica, sinfonía, cuarteto, etc.) al escribir obras valiosas en estos nuevos moldes de pensamiento musical. De 5 hecho, ha sido declarado ‘el padre de la sinfonía’ y, en opinión de muchos, bien podría ser considerado también ‘el padre del cuarteto’. El término ‘clásico’, para caracterizar la obra de Haydn y Mozart, no se empleó sino hasta la segunda parte del siglo XIX, cuando la distancia de los años permitió ver claramente las diferencias entre el estilo Barroco y el estilo musical de los dos compositores en mención y sus contemporáneos. La Sonata en si menor, Hob.XVI:32 es un trozo muy atractivo por varias razones. Aunque se adapta perfectamente al nuevo pianoforte, también puede ser ejecutada en clavecín. En el piano hay mucha más posibilidad de hacer contrastes dinámicos que en el clavecín, la vivacidad de la obra se resalta con pasajes velocísimos en semicorcheas y una plétora de adornos. Componer en si menor, una tonalidad austera, implicaba la inmersión en un estado anímico un tanto turbulento, pero muy apropiado para ilustrar el movimiento poético del Sturm und Drang (Tormenta y presión). Esta preocupación por transmitir estados de ánimo evidentes y contrastantes también fue la base del Empfindsamer Stil (Estilo sensible). El contraste en los afectos evocados por la música se lograba mediante cambios armónicos y rítmicos. El primer movimiento, un Allegro, no solo presenta temas y motivos contrastantes, sino que va de si menor a re mayor y luego, para terminar, cuando recapitula el inicio de la obra, permanece en mayor. El Minuet, inspirado en la danza del mismo nombre, nos remonta inicialmente al mundo cortesano galante, pero en el medio, plantea el lado oscuro de la tonalidad menor. Para terminar la sonata, Haydn elige un Presto agitado y lleno de silencios expectantes. Una gran presencia rítmica reviste este tercer tiempo (en forma sonata, al igual que el primero) con un ingrediente adicional: el virtuosismo en la ejecución. En 1776, Haydn escogió un grupo de seis sonatas para publicarlas a partir de su propio manuscrito. Seguramente, la impresión logró que el conjunto de sonatas se diera a conocer en muchos otros lugares fuera del ámbito de Esterháza. Ludwig van Beethoven (1770-1827) El tema con variaciones, como proceso de desarrollo y como forma musical, ocupó a Beethoven a lo largo de toda su vida. Como proceso, se trata de una de las herramientas más importantes que tiene a su alcance un compositor para adelantar el discurso musical, una vez enunciado un tema melódico y rítmico. Como forma, se trata de una obra que puede ser independiente o hacer parte de una obra más grande, a manera de movimiento. Es decir, puede ser una obra sola, como es el caso de las 33 variaciones sobre un vals de Anton Diabelli, Op. 120 que hoy nos ocupan, o puede ser un movimiento dentro 6 de otra pieza, sonata, sinfonía, cuarteto, etc.; la reconocida Quinta sinfonía de Beethoven sirve de buen ejemplo. El tema inicial del primer movimiento, harto conocido por todos, es prácticamente telegráfico en su estructura, pero, el discurso musical se va construyendo mediante la repetición del motivo, la presentación de un tema nuevo contrastante y la variación de las ideas presentadas. Repetición, contraste y variación son los tres mantras de la generación de forma musical. El conocido tema se recorta aún más, cambia de color a medida que se desplaza por todos los instrumentos de la orquesta, pasa de protagonista a ser acompañamiento, se le escucha en una variedad de armonías, es truncado, se invierte su contorno melódico y sufre un sinnúmero de transformaciones o variaciones. Sin embargo, ese primer movimiento no es un conjunto de tema y variaciones, es una forma sonata. El segundo movimiento de la sinfonía está escrito en la forma tema con variaciones, en las cuales el tema presentado por los violonchelos es ornamentado de manera lujosa en cada una de sus presentaciones. En noviembre de 1792, cuando Beethoven (venido desde su nativa Bonn) se instaló definitivamente en Viena, no solo estaba en busca de un buen maestro de composición (en años anteriores había pensado en acercarse a Mozart, pero su temprana muerte el año anterior lo llevó a buscar indicaciones de Haydn y, finalmente, de Albrechtsberger, quien lo guio por los intríngulis del contrapunto), sino que quería triunfar como pianista en una ciudad cortesana en la que vivían unos tres mil pianistas aspirantes a ser los concertistas cotizados del momento. Para destacarse, estos pianistas ofrecían recitales que remataban con la improvisación de variaciones sobre temas aportados a veces por el público y usualmente sobre arias operáticas conocidas. La usanza era realizar unas seis variaciones en las que paulatinamente se acrecentaba el ritmo del tema inicial, se intensificaba la dificultad de cada variación, se pasaba por una tonalidad contrastante y se finalizaba con una última variación llena de despliegues de virtuosismo con algún tipo de coda. A Beethoven le fue muy bien en este tipo de competencias y no dejó de escribir variaciones desde los diez años de edad hasta su madurez, cuando creó sus últimos cuartetos. Si bien en ese momento se trataba de un género efímero, creado en el momento, muchos de los temas con variaciones de Beethoven fueron editados e imprimidos por su gran calidad, aceptación y popularidad. Evidentemente, el tema con variaciones de fines del siglo XVIII se había alejado considerablemente de la forma que había permitido que Bach escribiera las Variaciones Goldberg, BWV 988. Muy pronto Beethoven abandonó el conjunto de seis variaciones, y aumentó el número y complejidad 7 de las reelaboraciones. En las Nueve variaciones sobre una Marcha de Dressler, WoO 63 (1782) ya se estaba alejando del patrón usual. En sus manos, esta forma musical, la mayoría de las veces ligera, se fue profundizando. De hecho, la envergadura de la variación beethoveniana es una de las principales razones por la cual la variación se convierte en el proceso formal por excelencia del silgo XIX. En la obra de Liszt se habla de la transformación temática; Berlioz trajina la ideé fixe; Wagner, el leitmotiv; y los franceses, en especial César Franck, desarrollan la noción de la obra cíclica en la que se comparten temas en todos los movimientos con tratamientos muy diferentes. La vida musical en la pequeña Viena de fines del siglo XVIII e inicios del siglo XIX llegó a ser tan intensa que el número de casas editoras de música ascendió prácticamente a la centena. En 1819, el pianista Anton Diabelli (1781-1858), quien trabajaba con la editora Steiner y Compañía, tuvo la idea de solicitar a cincuenta compositores variaciones sobre un vals de su propia autoría con el fin de hacer una publicación única. El resultado fueron cincuenta piezas, entre estas, composiciones de Schubert, Liszt y Czerny, publicadas en dos volúmenes bajo el título de Vaterländischer Künstlerverein (Sociedad artística patriótica). Beethoven, sin embargo, escribió algo tan novedoso y extenso, que negoció con Diabelli la publicación de su obra por separado. En 1823 apareció impresa, editada por otra casa, la de Diabelli & Cappi, con una dedicatoria a Antonie von Brentano (una de las posibles figuras femeninas candidata a ser la enigmática Amada inmortal). Todo el proceso creativo de las variaciones está bien reseñado en diccionarios, enciclopedias musicales y notas de discos. En suma, le tomó unos cuatro años completarlas y al cabo de este espacio de tiempo apareció una obra asombrosa, formulada durante la misma época de la composición de la Missa solemnis. Entre las características más importantes de las Variaciones Diabelli hay que señalar que la forma pierde su intención ornamental y ligera (descrita por el mismo Diabelli como un ‘mosaico de carpintero’, Schusterfleck), las dificultades técnicas de la partitura y el virtuosismo ya no son el fin primordial de las variaciones, pues el contenido musical es el principal protagonista. Lo que Beethoven propone, desde la primera variación, es develar la esencia de los temas y motivos del vals original de tal forma que lo desnuda en lugar de vestirlo como era la costumbre. Se escuchan variaciones sobre un intervalo, una appoggiatura, un mordente, un trino, un contorno melódico, una dinámica o un gesto cualquiera del sencillo original. Y a su vez, esas variaciones se convierten en fuga, marcha, coral, catálogo rítmico salido de un ¾, intenciones de ejecución (como el staccato y el sforzando) y estados anímicos específicos, 8 fugaces y contrastantes. En resumen, del original se varían métrica, ritmo, velocidad, carácter, textura, colorido armónico, diseño melódico, extensión del tema y hasta matices expresivos. En general, este caleidoscopio de pasajes consta de momentos sueltos y contrastantes. Sin embargo, es posible entender y escuchar algunos grupos de variaciones como emparentadas entre sí. Las Variaciones 9 y 11 trabajan sobre las cuatro primeras notas del tema, mientras que la Variación 10 es un puente (un relámpago de actividad) entre las dos. Por otra parte, las variaciones en do menor números 20, 30 y 31 constituyen un momento de reflexión que parte de lo fúnebre, pasa por un andante reconciliador y remata con un pasaje cantabile de grandes gestos. La Variación 20 es un andante religioso en el que se cambia la armonía con cada acorde. La cita de Mozart que aparece en la Variación 22 es inevitable, pues uno de los intervalos del vals de Diabelli nos remonta al aria de Leporello, Notte e giorno faticar (Noche y día fatigar) de Don Giovanni. Aunque también están presentes Mozart y los paradigmas del estilo clásico en el Tempo de minuet moderato final. Handel y Bach son evocados en las fugas magistrales que surgen en la Variación 24, una fughetta, y en la Variación 32, en la que el gran cierre de la obra se plantea desde la complejidad de una doble fuga a cuatro voces en la lejana tonalidad de mi bemol mayor. Al final de esta variación, se transita por un breve vericueto hasta sol mayor y se escuchan los comentarios finales conciliatorios, graciosos y dulces, según la indicación del mismo compositor. Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista Ensayos. Historia y teoría del arte, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de Compositores colombianos, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y con la Sección de Música del Banco de la República desde 1978 en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de varios discos editados por estas dos organizaciones. Foto. Harrym Ramírez Foto. Jorge Andrés Estayo DIEGO LARGO bandola (Colombia) MANUELA WANUMEN violín (Colombia) URPI BARCO, jazz (Colombia) Jueves 25 de abril de 2019 · 7:00 p.m. DIEGO LARGO, bandola (Colombia) Stewart Jaramillo, bandola; Luisa Mañunga, bajo Julián Castro, guitarra; Daniel Bañol, percusión Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. MARÍA CRISTINA PLATA, cantante (Colombia) Jueves 13 de junio de 2019 · 7:00 p.m. CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Jueves 22 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: YZM615. KVU167. WKO183. ZQJ817 MANUELA WANUMEN, violín (Colombia) Leonardo Cáceres, piano Óscar Moyano, guitarra Jueves 28 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Miércoles 21 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Martes 8 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: HYJ598. IFP763. OLS648. Próximos conciertos en Pereira Sala Múltiple de la Agencia Cultural del Banco de la República Próximos conciertos en Manizales Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Quibdó y San Andrés CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) ALEX McCARTNEY, tiorba (Reino Unido) SAM STADLEN, viola da gamba (Reino Unido) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) ALEJANDRO ROCA, piano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá Cód. PULEP: VZU528. GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573. Foto. Carole Bellaiche CUARTETO ÉCLISSES cuarteto $10.000 de guitarras (Francia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos.

El Cuarteto Inbound está conformado por estudiantes de pregrado en música instrumental del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Sus integrantes son estudiantes de las cátedras de los maestros Juan Carlos Higuita (violín), Sandra Arango (viola), Diego García (violonchelo) y Camilo Guevara (violín). El cuarteto surgió en el 2017 como iniciativa de la Bogotá Chamber Orchestra (BCO) y como proyecto de música de cámara del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, universidad en la que el ensamble ha estado bajo la tutoría del maestro Jaime Ramírez Castilla, profesor de contrabajo y música de cámara. El cuarteto participó en el III Festival de Cuartetos de Cuerda organizado por el Cuarteto Q-Arte en el 2018, donde recibió clases magistrales con el maestro Saúl Bitrán, primer violín del Cuarteto Latinoamericano. Ha realizado conciertos en el Auditorio Olav Roots y en la Sala Tayrona, como parte del programa La Joven en Acción. Sus integrantes han sido miembros de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música, de la Bogotá Chamber Orchestra y de la Filarmónica Joven de Colombia.

Foto: María Paula Suescún Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal (Colombia) Barbara de Martiis, directora (Colombia) Domingo 17 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: RLM699 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá es una manifestación cultural del humanismo cristiano gracias a su formación en el ámbito de la música sacra. Fue fundada por el cardenal Rubén Salazar Gómez, arzobispo de Bogotá, en el 2011. Es una experiencia pedagógica que acoge a niños y adolescentes en un proceso orientado a su madurez social desde la perspectiva de las artes relacionadas con la liturgia de la Iglesia. Durante siete años de actividad ininterrumpida, la Schola Cantorum se ha insertado en la dinámica artística de la ciudad, distinguiéndose por la transparencia de sonido, la expresividad y la versatilidad para abordar repertorios de diversas épocas y estilos. En el 2016 participó en la presentación del Réquiem de guerra de Benjamin Britten con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Olivier Grangean. En el Quinto Festival de Música Sacra de Bogotá presentó el Stabat Mater de Pergolesi con la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara bajo la dirección de Gorka Sierra. Durante cuatro años consecutivos ha sido elegida por un jurado especializado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, ofreciendo conciertos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En el 2017 participó en el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri Cantores en Río de Janeiro, siendo uno de los coros elegidos para participar en el concierto de gala que tuvo lugar en el auditorio Cecília Meireles. Ese mismo año tuvo la oportunidad de cantar en la misa que el Santo Padre Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. En el 2018, con un concierto realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, la Schola Cantorum presentó su primer disco compacto, Canticum Novum, que reúne algunas de las más representativas obras sacras para voces blancas y órgano. 2 Barbara de Martiis, directora Es Maestra en Música de la Pontificia Universidad Javeriana con énfasis en Dirección Coral, fue directora asistente de la Sociedad Coral Santa Cecilia desde su fundación hasta el 2015. Luego de la muerte de Alejandro Zuleta, su colega y esposo, asumió la dirección de dicha agrupación coral. Desde ese momento ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Bogotá el Réquiem de Mozart, el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, la cantata Carmina Burana de Carl Orff, La creación de Haydn y la música del ballet Zorba, el griego de Mikis Theodorakis, que se presentó en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con el Ballet de Santiago de Chile. De Marttis es la directora artística de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá desde su conformación en el 2011. Vincent Heitzer, órgano Estudió en la Universidad Católica de Música Eclesiástica St. Gregorius, en Aachen. Durante su formación universitaria asistió a la Academia Internacional de Órgano para Improvisación en la Catedral de Altenberg y a un curso para maestros con el compositor noruego Knut Nystedt. Desde el 2010 hasta el 2013 complementó su formación con un máster en música eclesiástica católica. Ha actuado en la Sala Simón Bolívar en Caracas, el Royal Festival Hall en Londres, el Lincoln Center en Nueva York y el Centro Cultural Kirchner en la ciudad de Buenos Aires. Del 2015 al 2018 fue kantor en la Basílica de los Santos Apóstoles en Colonia con uno de los órganos más grandes de Alemania. Desde el 2018, es organista titular de la Catedral Primada de Bogotá y profesor de órgano en la Universidad de los Andes. Miguel Leonardo Pinzón, piano Es egresado de la cátedra de composición de Jorge Pinzón en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, donde realizó de manera simultánea el programa de Área Menor en Piano bajo la dirección de la maestra Pilar Leyva y el maestro Javier Camacho. Como pianista ha realizado trabajos en acompañamiento y música de cámara, abarcando repertorios de diversos estilos con múltiples instrumentos y diferentes formatos. En varias ocasiones ha estrenado obras de jóvenes compositores colombianos. 3 Integrantes María Juanita Álvarez Valentina Ávila Juan David Calceto Juanita Calceto Juliana Calceto Lorena Carrillo Chiara Castaño Ángela Chuquín Catalina Díaz Juan José González María Alejandra Hidalgo Mariana Hidalgo Isabel López-Torrijos Laura Malpica Sara Valentina Peñuela Juan David Pedraza Anya Ramírez Sara Tolosa Brayan Sánchez Eliana Vanegas Isabel Zuleta Manuela Zuleta Aprendices Samuel Álvarez María Angélica Álvarez Laura Sofía Giraldo Gabriel León Alejandra Mendoza Laura Camila Ortiz Violetta Poveda 4 PROGRAMA Ave Maria (s. f.) CANTO GREGORIANO Para coro y órgano Ave Maria (s. f.) TOMÁS LUIS DE VICTORIA (1548-1611) Para coro Arreglo para voces blancas por Russell L. Robinson (s. f.) Ave Maria (s. f.) JOHANN MELCHIOR GLETLE (1626-1683) Para coro y órgano Ave Maria (c. 1859) Meditación sobre el Preludio No. 1 del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach CHARLES GOUNOD (1818-1893) Para coro con acompañamiento Ave Maria, K554 (1788) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Para coro Ave Maria! Jungfrau mild, D. 839, Op. 54 No. 6 (1825) FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Para coro y piano Horch, der Abendglocke Ton! de la ópera Loreley, Op. 98 (1847) FELIX MENDELSSOHN (1809-1847) Para coro y piano Ave Maria de la ópera Otello (1887) GIUSEPPE VERDI (1813-1901) Para coro y piano INTERMEDIO 5 Ave Maria, FWV 62 (1863) CÉSAR FRANCK (1822-1890) Para coro y órgano Ave Maria, Op. 19B (1877) ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Para coro y órgano Ave Maria, EHWV 116 (1900-1901) ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921) Para coro Богородице Дево (Ave María) de la Misa de Vísperas, Op. 37 (c. 1915) SERGEI RACHMÁNINOV (1873-1943) Para coro Ave Maria (1935) ZOLTÁN KODÁLY (1882-1967) Para coro CONCIERTO No. 2 6 BENDITA ENTRE LAS MUJERES Un pequeño recorrido por la historia de la música mediante el Ave María La conocida y familiar oración del Ave María es el hilo conductor de nuestro concierto de hoy, apareciendo una y otra vez, a modo de ‘pequeña historia de la música’ en los más diversos estilos y en los más variados contextos. Este recorrido, de la mano del texto probablemente más musicalizado de la historia, ha sido una hermosa oportunidad para los miembros de la Schola de entender, desde la experiencia musical, la relación con las otras artes –pintura, escultura, arquitectura–, y también con el contexto histórico que nutre al arte a la vez que se nutre de él. Los invitamos a recorrer con nosotros este camino como una oración que atraviesa los siglos, las culturas, los estilos, los lenguajes, las diversas manifestaciones de la fe (De Martiis, B., Bogotá, 2018). El Ave María1 se relaciona directamente con los fundamentos de la tradición cristiana en la medida en que trasciende el reconocimiento de la santidad de la Virgen María para generar un vínculo directo con la Solemnidad de la Anunciación. De las Solemnidades Marianas2, la Anunciación tiene un carácter especial ya que conmemora la confluencia de varios aspectos determinantes para la fe cristiana: la Anunciación corresponde al encuentro del Arcángel Gabriel con la Virgen María para informarle que ha sido escogida por Dios como la madre de Jesús; para la tradición cristiana este momento señala la concepción de Jesús en el vientre de la Virgen María por obra y gracia del Espíritu Santo, cumpliendo así las profecías consignadas en el Antiguo Testamento sobre la llegada del Mesías y convirtiéndose en el primer momento en que Dios se hace hombre en la tierra (Et homo factus est). 1 A lo largo de las notas al programa se usa Ave María [con tilde] para referirse a la oración en español y Ave Maria [sin tilde] para referirse a los nombres de cada una de las obras en latín. 2 Dentro de las festividades propias de la tradición cristiana la conmemoración de fechas y eventos de mayor importancia son reconocidas como ‘solemnidades’. Aquellas solemnidades que celebran la presencia o virtudes específicas de la Virgen María son llamadas ‘Solemnidades Marianas’; las cuatro principales ‘Solemnidades Marianas’ son: María Madre de Dios (1° de enero), la Anunciación (25 de marzo), la Asunción (15 de agosto) y la Inmaculada Concepción de María (8 de diciembre). Vale la pena indicar un error comúnmente asimilado en nuestro medio al confundir la ‘Inmaculada Concepción de María’ con la ‘Inmaculada Concepción de Jesús’; el 8 de diciembre (llamado en Latinoamérica ‘el día de las Velitas’) corresponde a la ‘Inmaculada Concepción de María’ mientras que en la festividad de la Anunciación se conmemora la encarnación de Jesús. 7 Debido a la gran importancia de la Anunciación para la tradición cristiana, las representaciones iconográficas y arquitectónicas que conmemoran esta festividad son abundantes; en templos de Occidente y de Oriente (incluyendo aquellos asociados a la tradición bizantina) las referencias a la Anunciación denotan un alto nivel de elaboración artística que corresponden a la importancia atribuida a esta festividad. Paradójicamente, el número de obras musicales que conmemoran la Anunciación no son tan abundantes, en razón a que la fecha de dicha festividad (25 de marzo) queda enmarcada por la temporada de Cuaresma y Semana Santa. Durante la Cuaresma, el recogimiento y austeridad característicos mantienen la atención centrada sobre los rituales asociados con la Semana Santa; este cruce en las fechas impide que la Anunciación sea celebrada mediante rituales musicalmente exuberantes que puedan exaltar el carácter majestuoso que implicaría dicha solemnidad. Sin embargo, la importancia de esta fecha es tan profunda en la tradición cristiana que se conmemora de innumerables maneras durante el año mediante prácticas religiosas y musicales que pueden ser tanto privadas (caracterizadas por un profundo fervor religioso) como congregacionales. De manera particular, desde finales de la Edad Media, la devoción a la Virgen María fue fortaleciéndose progresivamente; a partir de la relación inicial creada desde la Anunciación, el interés por la vida de la Virgen María y sus diferentes virtudes manifestadas a lo largo de la naciente historia del cristianismo se cristalizó en ritos y fórmulas de oración que hicieron parte de las prácticas constantes de la vida monástica. Desde la Edad Media, se formalizaron oraciones en torno a la Virgen María que fueron parte fundamental de la Liturgia de las Horas3; de esta práctica el Ave María y el Salve Regina son las oraciones que hasta nuestros días se han mantenido con especial devoción y se han insertado en diversos momentos de plegaria y alabanza. La oración del Ave María surge de la unión de dos saludos a la Virgen María consignados en el primer capítulo del Evangelio según San Lucas junto con una petición final que fue oficialmente aceptada en el Concilio de Trento (1566). La primera parte de la oración corresponde al saludo del Arcángel 3 La Liturgia de las Horas corresponde a la práctica de oración constante a lo largo del día que se estableció de manera adicional a la celebración diaria de la misa. Especialmente en la vida monástica medieval, esta práctica consagraría con oración cada una de las horas canónicas en torno a la lectura de textos sacros, cantos congregacionales y antifonales así como la práctica constante de oraciones como el Ave María que bien podría ser cantada o recitada. 8 Gabriel durante la Anunciación: Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum (Dios te salve María, llena eres de gracia, el Señor es contigo). El segundo saludo conmemora la visita de María a su prima Isabel (madre de Juan, el Bautista): Benedicta tu in mulieribus. Et benedictus fructus ventris tui (Bendita eres entre las mujeres y bendito es el fruto de tu vientre). La sección final de la oración como se conoce actualmente: Sancta Maria, Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus, nunc et in hora mortis nostrae. Amen. (Santa María, madre de Dios, ora por nosotros pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén.), se empleó de manera generalizada por todo Europa desde finales del Siglo XV y su inserción en el catecismo católico fue oficializada en el Concilio de Trento. Asimismo, el Ave María también se rezó con marcada regularidad tanto en la tradición ortodoxa como en la tradición anglicana; en cada caso la oración mantiene bastante cercanía a los saludos tomados del evangelio pero cambia o inserta las secciones de cierre de acuerdo con cada tradición. El programa que hoy nos convoca hace un recorrido por las diversas adaptaciones que el Ave María ha tenido a través de la historia; las selecciones dan cuenta de diversas tradiciones en las que resuenan las primeras prácticas monásticas que progresivamente adoptan cambios estéticos propios de cada época, pasando por momentos de reflexión devocional separados de la práctica litúrgica, pero caracterizados por una intensa carga emocional hasta llegar a contextos mucho más cercanos a nuestra cotidianidad. Las primeras tres obras que abren este concierto presentan los inicios de la práctica litúrgica a partir del Ave María. Comenzando con la antífona gregoriana, en la cual la congregación sigue el texto de manera monódica, se puede apreciar cómo este canto inicial es adoptado posteriormente por los maestros del contrapunto modal para generar intrincados tejidos polifónicos; uno de los ejemplos más claros de estas elaboraciones contrapuntísticas corresponde al Ave Maria inicialmente atribuido a Tomás Luis de Victoria (1548-1611) bajo el arreglo para voces blancas de Russell L. Robinson que se incluye en el programa. La obra de Johann Melchior Gletle (1626- 1683), tercera obra del programa, presenta una aproximación litúrgica desde una perspectiva barroca: diferentes terrazas sonoras interactúan sobre el acompañamiento instrumental enfatizando en las secciones más importantes del texto mediante melismas vocales. En este tipo de escritura se asume que la liturgia en torno al Ave María ya no es una práctica congregacional; la complejidad de las líneas melódicas requiere que la interpretación de la obra esté a cargo de músicos seleccionados entretanto la congregación religiosa acompaña absorta la obra en oración silenciosa. 9 Las siguientes tres selecciones del Ave María para este programa presentan una aproximación desde una perspectiva alejada de la liturgia. Una de las prácticas musicales relacionadas con el ejercicio de la meditación personal como antesala a los oficios religiosos consiste en el empleo de preludios instrumentales que de manera casi improvisada hacían alusiones a cantos litúrgicos y corales que podrían inspirar a la comunidad a entrar en un estado de meditación devocional muy personal. Hacia finales del Barroco, el preludio instrumental se asociaría con una exploración libre de los afectos que prepararían a la audiencia o al intérprete para obras o eventos de mayor envergadura. En el caso del Ave Maria de Charles Gounod (1818-1893), se rescata este carácter de exploración personal a partir de un preludio. En esta obra, Gounod proporcionó una improvisación melódica sobre el primer preludio del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach; esta melodía vocal mantiene la línea de ‘largo suspiro’, característica en la escritura de Gounod. Esta obra fue inicialmente publicada en 1853 como una obra exclusivamente instrumental y solo hasta 1859 fue publicada con el texto en latín del Ave María y transpuesta a una tonalidad más cómoda para ser cantada. De manera similar, el Ave Maria de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) corresponde más a un ejercicio de composición y exploración personal que a una obra de carácter estrictamente litúrgico; este canon compuesto en 1788 está organizado a cuatro voces que desarrollan únicamente las palabras ‘Ave Maria’ a lo largo de toda la obra, la cual mantiene la claridad cristalina de la filigrana melódica mozartiana. En 1810, Sir Walter Scott publicó un poema narrativo llamado La dama del lago; esta obra fue recibida con gran aceptación en toda Europa y renovó una fascinación por las tradiciones escocesas. La obra fue traducida al alemán en 1819 por Adam Storck y en 1825 Franz Schubert (1797-1828) publicó la adaptación de siete de estos poemas; en esta selección se incluyen tres canciones en la voz de Ellen Douglas, una de las protagonistas del poema. La tercera canción de Ellen consiste en una plegaria a la Virgen María en el momento en que las tropas locales se disponen a defender sus tierras del ataque de las fuerzas imperiales. Si bien el Ave Maria de Schubert mantiene una profunda devoción mariana y gozó de marcada popularidad en diversos contextos, su intención original no estaba relacionada con la liturgia tradicional; de manera similar a lo ocurrido con la obra de Gounod, el texto en latín del Ave María se adoptó posteriormente. Las dos obras que cierran la primera parte del programa se caracterizan por ser excursiones del Ave María en el campo operático. Loreley, Op. 98 de 10 Felix Mendelssohn (1809-1847) está basada en la leyenda asociada a la montaña Lorelei a las orillas del río Rin, donde se hablaba de la presencia de una mujer, quien, de manera similar a las sirenas, distraía a los navegantes con su canto. La ópera de Mendelssohn quedó inconclusa y solamente sobrevivieron tres números que fueron publicados póstumamente. El segundo número corresponde a una plegaria que contiene las palabras ‘Ave Maria’, pero que no se adapta al texto en latín tradicionalmente asociado a la oración. A su vez en la ópera Otello, Giuseppe Verdi (1813-1901) explora diversos elementos de la tradición cristiana para adaptarlos al hilo dramático de su obra; en el último acto, Desdémona (esposa de Otello en la ópera) eleva una última plegaria como una aproximación muy personal al Ave María antes de dormir víctima de los celos de Otello. En estas dos aproximaciones desde la ópera, se puede percibir la concepción del Ave María como un acto devocional cargado de meditación profunda mediante un fervor muy personal para cada personaje. La segunda parte del concierto retoma versiones del Ave María desde su contexto litúrgico. La obra de César Franck (1822-1890) fue escrita en 1863 y mantiene una fuerte conexión con la sonoridad de Gounod, cuya textura vocal queda sostenida por una densa atmósfera que se desborda desde el órgano a medida que las voces florecen gradualmente. De forma similar, el Ave Maria Op. 19B de Antonín Dvořák, compuesta en 1877, mantiene la misma sonoridad, en la cual la descomplicada línea vocal es suavemente sostenida por el órgano que cierra progresivamente la obra después de discretos melismas al final de la oración. De manera contrastante, en la sonoridad la obra de Engelbert Humperdinck (1854-1921) abandona el acompañamiento del órgano para buscar desde un intrincado tejido contrapuntístico en el coro las alusiones que evocan una imagen casi renacentista; la impresión estética de esta obra funciona como un retorno a los inicios polifónicos asociados al empleo del Ave María en la liturgia. Posteriormente, Bogoroditse Dyevo de Sergei Rachmáninov (1873-1943) muestra el empleo del Ave María en la tradición ortodoxa; la obra está contenida en la Misa de las Vísperas, Op. 37, la cual fue estrenada en Moscú en 1915. En los textos ortodoxos para esta plegaria se mantienen los mismos saludos a la Virgen María tomados del Evangelio de San Lucas pero se adiciona un final en el que se reconoce a María como la madre de Jesús y también se reconoce a Jesús como el liberador de nuestras almas. A pesar de ser una composición temprana en la obra de Sergei Rachmáninov, la 11 Misa de las Vísperas tuvo constantemente una recepción muy positiva por las audiencias y siempre gozó de una estima especial por parte del compositor. Continuando con las obras a capella que cierran el programa de hoy, el Ave Maria de Zoltán Kodály (1882-1967), compuesto en 1935, presenta también un retorno a los cantos congregacionales que parecen buscar su origen en las antífonas gregorianas; si bien las sonoridades resultantes proyectan una modernidad característica, cada línea melódica mantiene una conexión entonativa muy clara de las curvas vocales del canto llano. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 12 Ave Maria* Primer capítulo del Evangelio según San Lucas Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum; benedicta tu in mulieribus; et benedictus fructus ventris tui, Jesus. Sancta Maria, Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus nunc et in hora mortis nostrae. Amen. Dios te salve María, llena eres de gracia; el Señor es contigo; bendita Tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre, Jesús. Santa María, Madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén. * Texto utilizado en la primera obra del programa —canto gregoriano— y en las composiciones de Tomás Luis de Victoria, Johann Melchior Gletle, César Franck, Antonín Dvořák, Engelbert Humperdinck y Zoltán Kodály. Ave Maria! Jungfrau mild, D. 839, Op. 54 No. 6 Franz Schubert (1797-1828) Ave Maria! Jungfrau mild, Erhöre einer Jungfrau Flehen, Aus diesem Felsen starr und wild Soll mein Gebet zu dir hinwehen. Wir schlafen sicher bis zum Morgen, Ob Menschen noch so grausam sind. O Jungfrau, sieh der Jungfrau Sorgen, O Mutter, hör ein bittend Kind! Ave Maria! Ave Maria! Reine Magd! Der Erde und der Luft Dämonen Von deines Auges Huld verjagt, Sie können hier nicht bei uns wohnen. Wir woll’n uns still dem Schicksal beugen, Da uns dein heil’ger Trost anweht; Der Jungfrau wolle hold dich neigen, Dem Kind, das für den Vater fleht. Ave Maria! ¡Ave María! Virgen piadosa, ¡Escucha el ruego de una doncella! Desde esta roca rígida y salvaje, deberá volar mi oración hacia ti. Dormiremos protegidos hasta la mañana, aun si los hombres son tan crueles. Oh Virgen, mira las penas de una doncella, ¡Oh Madre, escucha una hija suplicante! ¡Ave María! ¡Ave María! ¡Virgen pura! Los demonios de la tierra y el aire huyen por la benevolencia de tus ojos, no pueden vivir aquí con nosotros. Nos queremos someter tranquilos al destino, porque tu consuelo sagrado sopla sobre nosotros; esta doncella a ti piadosa se inclina, la niña, que suplica por su padre. ¡Ave María! 13 Horch, der Abendglocke Ton! de la ópera Loreley, Op. 98 Felix Mendelssohn (1809-1847) Chor Horch der Abendglocke Ton! Ave Maria. Im Nachen kniet der Schiffer schon. Ave Maria: Durchs Spätroth Hallte es weit und breit. Gegrüsset seist du, reine Maid! Ave Maria. Solo - Soprano Die du thronst in Wolkenglut, Ave Maria, nimm unsre Lieb in deine Hut Ave Maria: o lass wie dieses AbendsSchein sie heiter und voll Frieden sein! Ave Maria! Ave Maria! Coro ¡Escucha el tono de la campana de la noche! Ave María. El navegante ya está arrodillado en el bote. Ave María: A través de rojo de la tarde resuena por todas partes. ¡Sé saludada, doncella pura! Ave María. Soprano solo Tú, la que estás entronizada en el resplandor de las nubes, Ave María, toma nuestro amor a tu cuidado Ave María: Oh, ¡que sea alegre y lleno de paz, como esta luz de la tarde! ¡Ave María! ¡Ave María! 14 Ave Maria de la ópera Otello Giuseppe Verdi (1813-1901) Ave Maria piena de grazia, eletta fra le spose e le vergini sei tu, sia benedetto il frutto, o benedetta, Di tue materne viscere, Gesù. Prega, per chi adorando a te si prostra, prega nel peccator, per l’innocente, e pel debole oppresso e pel possente, misero anch’esso, tua pietà dimostra. Prega per chi sotto l’oltraggio piega la fronte e sotto la malvagia sorte; per noi, per noi tu prega, prega sempre e nell’ora della morte nostra. prega per noi, prega per noi, prega Ave Maria.... Nell’ora della morte. Ave! Amen. Ave María, llena de gracia, elegida entre las esposas y las vírgenes, eres tú, ea bendito el fruto, oh bendita, de tus entrañas maternas, Jesús. Ora, por quien, adorando, se postra ante ti, ora por el pecador, por el inocente, y por el débil oprimido, y por el poderoso, mísero también, demuestra tu piedad. Ora por quien baja la frente ante el ultraje y la maldad por nosotros, ora por nosotros, ora siempre y en la ora de nuestra muerte. Ora por nosotros, ora por nosotros, ora Ave María… en la hora de nuestra muerte. ¡Ave! Amén. Bogoroditse Devo de la Misa de Vísperas, Op. 37 Sergei Rachmáninov (1873-1943) Богородице Дево, радуйся, благодатная Марие, Господь с тобою. Благословена ты в женах, и благословен плод чрева твоего, яко Спаса родила еси душ наших. Virgen, Madre de Dios ¡Alégrate! Santa María, el Señor está contigo. Bendita entre las mujeres, y bendito el fruto de tu vientre, porque has dado a luz al Salvador de nuestras almas. Textos traducidos al español por Barbara de Martiis Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/jovenes-interpretes Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del viernes 21 de diciembre de 2018 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 29 de julio al viernes 30 de agosto de 2019 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 5 de abril de 2019 2 Son tres pasos sencillos: César Camilo Cipagauta, JI 2018 · Foto: Alfonso Venegas Jóvenes Intérpretes 2020 ALEJANDRO DÍAZ, arpa clásica Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Honda CUARTETO INBOUND, cuarteto de cuerdas Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO, música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES, nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio de 2019 · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá Cód. PULEP: WUW418 . LKX467 . WQF359 . IUN286 . JWE864 . HXW120 . ZZP911 . ZDC824 . TAG250 . HQF982 . OTA770 . XYA267 . CYV981 . IZX751 Foto. Catalina Giraldo ALEJANDRO DÍAZ $6.000 arpa clásica Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Foto. Carole Bellaiche CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Quibdó y San Andrés CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto CÓD. PULEP: VZU528. GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573.

Foto: David Castañeda Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 PÁRAMO quinteto de jazz (Colombia) Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:00 p.m. Pasto, Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: ZDW253 Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ADF704 Domingo 1° de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas Cód. PULEP: QHU878 Viernes 13 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Barranquilla, en el marco de Barranquijazz Cód. PULEP: JLM766 Martes 8 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: OLS648 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 PÁRAMO, quinteto de jazz El quinteto de Ricardo Narváez se conformó en el 2011 y se dio a conocer a nivel nacional gracias a Esperando, su primera producción discográfica que se lanzó en numerosos conciertos en Bogotá y Manizales. En el 2013, tras el regreso de Narváez a Colombia, la agrupación fue ganadora de la convocatoria de IDARTES para participar en el festival Jazz al Parque. Ese mismo año participó en el concurso internacional Festival Voces del Jazz, en Cartagena, en el que obtuvo el primer lugar. En el 2014 la agrupación fue invitada al Mompox Jazz Festival en donde recibió una gran acogida por parte del público. Su segunda producción discografía Almusik, publicada en el 2015, fue seleccionada para participar en la segunda versión de ConfaJazz que se realiza en Manizales. Ese mismo año, con el nombre Ricardo Narváez Quinteto, la agrupación ganó la convocatoria de IDARTES para participar en el festival Jazz al Parque y fue seleccionada para participar en el III Encuentro Capital de Jazz en Bogotá. En el 2017, la agrupación –bajo el nombre Páramo– grabó el disco El ángel exterminador. Ricardo Narváez, saxofón Inició sus estudios de música en la banda sinfónica del Colegio Seminario Redentorista de Manizales en 1991. En el 2000 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, para estudiar saxofón clásico. Al año siguiente inició estudios de saxofón jazz en la misma universidad, donde Foto: David Castañeda 2 obtuvo el título de Maestro en Música con énfasis en saxofón jazz en el 2007. Participó en la primera versión del concurso nacional de saxofón de Selmer Paris en el 2005, obteniendo el segundo lugar en la categoría especial. Tres años más tarde participó en el I Concurso Panamericano de Saxofón Jazz Cannonball, en Ciudad de México, donde obtuvo el primer lugar. En el 2009 fue beneficiario de la beca DAAD para viajar a Alemania y realizar estudios de Meisterklasse–Fortbildungklasse en el Hochschule für Musik en Núremberg. Durante su estadía en Alemania grabó su primera producción discográfica, Esperando, en el 2011 y, al año siguiente, obtuvo el título de Master of Music con énfasis en saxofón jazz y regresó a Colombia. Adicional a sus participaciones en numerosos festivales con la agrupación Ricardo Narváez Quinteto, participó en el Bolivia Festijazz Internacional en el 2015 junto a la cantante Urpi Barco. Es miembro activo de la Big Band Bogotá, agrupación con la que ha participado en varias versiones del festival Jazz al Parque en Bogotá. En el 2017, como integrante de la agrupación Sanalejo, fue nominado al Grammy. En el 2018 obtuvo una beca del DAAD para viajar a Alemania a realizar estudios de Dirección de Big Band de jazz. Actualmente es docente y coordinador del énfasis de jazz de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y de la Universidad Sergio Arboleda. Pavel Zuzaeta López, trompeta Trompetista cubano graduado en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana. Cuenta con una amplia carrera profesional con presentaciones en Italia, Francia, Canadá y España. Participó durante tres años en el Cabaret del Gran Casino de Montecarlo en el Principado de Mónaco, donde hizo parte de varios espectáculos. En la misma ciudad actuó como integrante de la orquesta del Sporting Club de Montecarlo. Actualmente está radicado en Bogotá donde realiza presentaciones en diferentes escenarios y festivales entre los que se destacan el festival Jazz al Parque en Bogotá, el festival Barranquijazz y el festival Ajazzgo. Fue ganador del festival Voces del Jazz de Cartagena con las agrupaciones Ricardo Narváez Quinteto y Nowhere Jazz Quintet. Actualmente es profesor de trompeta jazz en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Holman Álvarez, piano Nació en Barranquilla en 1981. Su aprendizaje musical comenzó a la edad de trece años en la Academia Musical Amadeus en Cali. Empezó a tocar en orquestas de salsa y música popular como el grupo Farallones de Cali desde los quince años. Durante este periodo recibió clases de armonía y piano. En el 2006 recibió su grado de música con énfasis en composición en la Universidad 3 del Valle. Ese mismo año viajó a Buenos Aires, Argentina, para realizar estudios en la Escuela de Música Contemporánea y en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla en la carrera de jazz. Se ha presentado en festivales como Jazz al Parque en Bogotá, Ajazzgo en Cali, Barranquijazz, Pasto Jazz, Festival de Jazz de Ibagué, Voces del Jazz en Cartagena, el Festival de Jazz de Buenos Aires y el Mar del Plata Jazz. En el 2012 lanzó su primer disco solista titulado Yegua de la noche, editado por el sello Festina Lente Discos, el cual presentó en el Festival de Jazz de Buenos Aires. En el 2013, con el sello MDF, lanzó su disco Geometría ardiente en el que toca en dúo con el baterista colombiano Jorge Sepúlveda . En el 2014 lanzó el disco Los hijos de mercurio con el sello LOCUS, un experimento de improvisación libre junto a Kike Mendoza, Juan Ignacio Arbaiza, Néstor Vivas y Ramón Berrocal. Ha sido docente en las escuelas de música EMMAT y Fernando Sor en Bogotá, así como en la Universidad de Cundinamarca. Actualmente es profesor en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Kike Harker, contrabajo Comenzó sus estudios de bajo eléctrico en 1999 en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor en Bogotá. Posteriormente ingresó a la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia donde recibió por dos años clases de contrabajo con Mauricio Daza. En el 2002 ingresó a la Universidad Pedagógica de Colombia donde hizo parte del quinteto de jazz Kinder Jazz, agrupación con la que realizó varias presentaciones en el Festival de Jazz del Club El Nogal, en el ciclo de conciertos de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en el Auditorio Oriol Rangel y en la décima edición del festival Jazz al Parque. En el 2006 participó en el taller de jazz y música moderna organizado por la Escuela Fernando Sor, donde recibió una beca para estudiar por un año en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires, Argentina, en donde recibió clases de bajo con Mariano Otero y Willy González, y clases particulares de contrabajo con Jerónimo Carmona. Se ha presentado con diferentes agrupaciones de la escena nacional como Antonio Arnedo Cuarteto, Tico Arnedo Cuarteto, Kike Mendoza y el trío Tres Butacas y Suricato. También es integrante del Quinteto Escuela Leopoldo Federico, quinteto de tango liderado por el bandoneonista colombiano Giovanni Parra. Ramón Berrocal, batería Baterista bogotano especializado en música improvisada. Estudió en el programa juvenil de la escuela de música Francisco Cristancho en Bogotá y posteriormente ingresó a la Escuela de Música y Audio Fernando Sor. En 4 el 2009 viajó a Nueva York para estudiar en The Collective School of Music en donde tuvo la oportunidad de recibir clases de músicos como Wayne Krantz, Jacob Sacks, Mark Guiliana, Peter Retzlaff, Ian Froman y Sean Conly. Allí también trabajó como músico acompañante para los programas de bajo, piano y guitarra, y obtuvo una beca para realizar un programa personalizado enfocado en jazz y música improvisada. Berrocal también domina estilos como R&B, Hip-Hop, góspel, música electrónica, rock y funk. Tras su regreso a Colombia en el 2013, participó en el concurso internacional Voces del Jazz en Cartagena donde resultó ganador en primer lugar con el quinteto de Ricardo Narváez. Ha sido ganador de la convocatoria del festival Jazz al Parque de Bogotá con las agrupaciones Ricardo Narváez Quinteto, Andrew Urbina Cuarteto y Sistematik. Ha trabajado con importantes músicos locales como Antonio Arnedo y Tico Arnedo, Gina Savino, Zaperoco, Holman Álvarez, Pacho Dávila y Gianni Bardaro. Actualmente trabaja como docente en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor y fue nombrado representante regional para el Drummers Collective en Colombia. El concierto en Barranquilla se realiza en el marco de la programación del Festival Barranquijazz 2019 El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 5 El ángel exterminador (2018) HOLMAN ÁLVAREZ (n. 1981) Pal monte blanco (2018) ‘KIKE’ HARKER (n. 1979) Kaputt (2018) RICARDO NARVÁEZ (n. 1982) El veneno de las princesas (2018) Woodysheando (2018) PAVEL ZUZAETA (n. 1977) Filburt (2018) RAMÓN BERROCAL (n. 1987) Páramo (2018) HOLMAN ÁLVAREZ CONCIERTO No. 23 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso a la sala de acuerdo con las indicaciones que para ello brinden los artistas. PROGRAMA 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Acerca de Páramo Luego de varios años en Núremberg, Alemania, el saxofonista manizalita Ricardo Narváez regresó a Colombia en el 2012. Muchas de sus inquietudes estéticas giraban en torno a la experimentación armónica de ciertas músicas populares colombianas del complejo sonoro andino. Algo de esta exploración se reveló tímidamente en Esperando (2011) y Almusik (2012), dos discos grabados durante su temporada alemana. No pasó mucho tiempo antes de que Narváez, afincado definitivamente en Bogotá, convocara a cuatro músicos que hicieron volar en mil pedazos sus primeras intuiciones. Del genérico Ricardo Narváez Quinteto pasaron a llamarse Páramo pues pronto se dieron cuenta de que no eran la banda que acompañaba al saxofonista, era una colectividad en la que cada cual no solo aportaba su cuota interpretativa. Cruce de personalidades variopintas, la búsqueda de Páramo sienta sus bases en el jazz moderno, explora con juicio la tradición del hard bop, coquetea con la música de cámara y alude con cierta ironía y buen sentido del humor al jazz latino y la salsa. El ángel exterminador (2018) está compuesto por siete piezas que ustedes tendrán la oportunidad de disfrutar en este concierto. El debut discográfico de Páramo es un referente muy refrescante dentro de la actualidad del jazz colombiano. Notas al repertorio El ángel exterminador · Holman Álvarez La pieza que da título al disco de Páramo toma su nombre de la película dirigida en 1962 por Luis Buñuel. Más allá de la atmósfera surrealista y angustiante que se respira en el filme, lo que hizo Álvarez fue retomar el nombre por una simple razón: le sonaba poderoso y apocalíptico. Basada en una enrevesada clave rítmica propuesta por el baterista Ramón Berrocal, la composición se desarrolla como si fuera una pequeña pieza de música clásica en la que contrastan melodías dramáticas y otras latinas en las que el pianista quiso citar a su manera a los Hermanos Lebrón. 7 Pal monte blanco · ‘Kike’ Harker Cuando fue convocado por Ricardo Narváez para hacer parte de Páramo, el contrabajista Kike Harker se encontraba en Chambéry, Francia. En esos días subió a una montaña nevada desde donde podía apreciar en todo su esplendor el Mont Blanc. Esa visión, sumada al anhelo de caminar hasta ese monte, se materializó en una pieza influenciada por las exploraciones rítmicas de Avishai Cohen. Pensada para destacar lo mejor de cada músico, la primera sección deja a Holman Álvarez y a Ricardo Narváez resolver estáticamente la melodía, mientras que en la segunda el trompetista cubano Pavel Zuzaeta remata con un solo agresivo sintonizado con el hard bop. Las métricas irregulares dejan volar con soltura a Ramón Berrocal. Kaputt y El veneno de las princesas · Ricardo Narváez Las dos piezas que Ricardo Narváez aporta para la grabación son más bien contrastantes. Por un lado, Kaputt es una juguetona composición con un swing bastante irregular que obliga a los solistas a improvisar sin utilizar los trucos habituales. En otra esquina se encuentra El veneno de la princesa, una suerte de canon melancólico en la que los solistas no son forzados a nada. Al contrario, la invitación es a que cada uno de ellos lleve su discurso sonoro hasta el límite de las consecuencias. Woodysheando · Pavel Zuzaeta De los experimentos modales al clasicismo y el post-bop, el trompetista Woody Shaw fue una de las figuras más reputadas del jazz tradicional contemporáneo entre mediados de la década de los años sesenta y finales de los ochenta cuando murió de manera trágica. La libertad rítmica, la plenitud y aun la suavidad es lo que el trompetista Pavel Zuzaeta extrae de la figura mítica de Shaw para rendirle homenaje con este, un swing vibrante y polimorfo. Filburt · Ramón Berrocal El neurótico e hipocondriaco tortugo Filiburt es uno de los personajes principales de la serie animada Rocko’s Modern Life. No sin cierta premeditada ironía en la que hace gala de un sentido del humor incisivo, el baterista Ramón Berrocal se inspira en la sicología de este simpático sujeto para proponerle a la banda un ejercicio rítmico basado en una premisa que bien parece haber sido pronunciada por el quelonio neurasténico: “Algo simple sobre lo que se puede meditar mucho”. 8 Páramo · Holman Álvarez Dirigida en 2012 por Jaime Osorio, Páramo es una siniestra película de terror que transcurre en un ambiente natural enrarecido. La aridez húmeda, la sensación de que puede ser un paisaje de otro planeta, el halo de misterio que emana de sus profundidades y, por supuesto, la referencia al filme de Osorio inspiraron a Holman Álvarez a escribir esta pieza que vacila entre lo estresante y lo nebuloso. La inquietante melodía, según el pianista, está construida desde ese anhelo. Acerca de la portada del disco El devenir del collage en Colombia es difuso. En el libro Fisuras del arte moderno en Colombia, Carmen María Jaramillo analiza el estupendo y divertido trabajo que entre la década de los sesenta y los setenta hicieron Juan Camilo Uribe, Carlos Rojas, Beatriz Daza, Guillermo Wiedemann y Álvaro Herrán. Sin embargo, son casos aislados que no precisan una directriz y mucho menos un canon estético. Llama la atención que los entendidos coincidan –no sin cierto dejo humorístico– en nombrar a Pedro Manrique Figueroa como precursor. El dato pasaría desapercibido si no fuera por un asunto curioso: Manrique Figueroa es un personaje ficticio inventado en 1995 por Lucas Ospina, François Bucher y Bernardo Ortiz. En el ámbito discográfico colombiano, la técnica del collage no ha sido explorada sistemáticamente salvo en los casos excepcionales del barranquillero Humberto Aleán –recordemos su atípicas portadas a mediados de los setenta para el sello Machuca-, la artista plástica bogotana Alma Sarmiento –quien diseñó las portadas de los discos Paisaje abierto (2011) y Muerte en Pereira (2010) de Bituin–, y Glenda Torrado, ilustradora bumanguesa que hace su aporte con la tapa del disco El ángel exterminador. Conocida por su imaginería macabra y grotesca en la que el humor surrealista cabe dentro del drama cotidiano, Torrado ha ilustrado varios discos del ámbito del jazz en Colombia: Yegua de la noche (2012), Geometría ardiente (2013) y Los hijos del mercurio (2014) de Holman Álvarez; Oí na ma (2014) y Familia Caribe (2017) de la pianista cartagenera Melissa Pinto; Ambivalencia (2017) del también pianista Juan Pablo Cediel, y Diciendo el murmullo (2017) y Otro swing (2017) del guitarrista caleño Luis Ardila. En el caso particular de 9 la ópera prima del quinteto Páramo, Torrado construye un paisaje extraño con un collage conformado por recortes de El jardín de las delicias, fotogramas de la película 2001: Odisea del espacio y la serie de televisión La mujer maravilla. El paisaje sombrío, de colores fríos y secos, hace alusión a ese extraño páramo que no parece de este planeta. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Próximos conciertos en Pasto Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República PAUL BROCK BAND, música tradicional irlandesa (Irlanda) Lunes 10 de junio de 2019 · 7:00 p.m. ALEXA CAPERA RIVEROS, corno francés (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: LCW 664 . SQH617 Próximos conciertos en Villavicencio Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Viernes 1° de noviembre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: YMS104 Próximos conciertos en Barranquilla Auditorio Mario Santo Domingo CUARTETO PRISM, cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Viernes 18 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: AJA640 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD, piano (Francia) Miércoles 19 de junio de 2019 · 7:30 p.m. PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio ENSAMBLE SINSONTE música llanera (Colombia) Domingo 14 de julio de 2019 · 11:00 a.m. ALEXIS DESCHARMES Y ALEXANDRA GREFFIN-KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda Cód. PULEP: RXM248 . QGI573 . TSH296 . RBP923 . BFV997 . RNR558 COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES, nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio de 2019 · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón Jueves 18 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué Cód. PULEP: OTA770 . XYA267 . CYV981 . IZX751 . XCL642 . CPF877 . LLL233 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 OSCARYVAN GARZON TRÍO - Foto. Pedro P. Pachón COLORÍN COLORADO - Foto. Axel Moncada

A veces sensibles y suaves, a veces traviesas e incisivas, las veinticuatro cuerdas de este cuarteto atípico siguen haciéndonos vibrar con sus arreglos ambiciosos. Éclisses nos revela la guitarra, un instrumento clásico de la más grande nobleza. Complicidad, originalidad, sutileza… El Cuarteto Éclisses forma parte del paisaje musical francés desde el 2012. Estos cuatro guitarristas dan un nuevo aliento a la guitarra clásica al proponer redescubrir este instrumento, especialmente mediante transcripciones ambiciosas e innovadoras del gran repertorio para piano u orquesta. En el 2013 ganaron el Primer premio del Concurso Europeo de Música de Cámara de la FNAPEC, sucediendo así al Trio Wanderer y al Cuarteto Ysaÿe, ganadores en 1989 y 1987, respectivamente, y en el 2014 fueron galardonados por la Fundación Banque Populaire. Su nuevo álbum, Pulse, homenaje virtuoso a la danza, es una joya de la modernidad musical que propone, entre otras, dos creaciones de maestros de la música contemporánea: Karol Beffa y Sérgio Assad. El álbum se realizó con el sello discográfico Ad Vitam Records. En este, su tercer disco, Éclisses nos entrega su visión de la danza: popular, fantástica, moderna y pop. La Pavana para una infanta difunta de Ravel, las Danzas populares rumanas de Bartók y las Danzas fantásticas de Turina son las obras maestras del disco, transcritas con brío por los cuatro guitarristas. La modernidad del álbum reside también en la pieza del ya mencionado maestro Karol Beffa, Las Meteoras; y la composición de Sérgio Assad dedicada al Cuarteto Éclisses, One 4 all 4 one, la cual recoge la personalidad de cada uno de los cuatro guitarristas — ¿podrán reconocerlos?—. La obra de Ginastera incluida en el álbum concluye con fogosidad y poesía la epopeya desconcertante de cincuenta y seis minutos que les dará ganas de escucharlo una y otra vez porque, a la manera de una danza ritual frenética, Pulse los lleva en un viaje musical con una frescura y un virtuosismo majestuosos.

Foto: Valentina Martínez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CUARTETO INBOUND cuarteto de cuerdas (Colombia) Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Buenaventura, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: ESF544 Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: LKX467 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 Cuarteto Inbound, cuarteto de cuerdas José Luis Martínez y Stefanía Osorio, violines María Alejandra Martínez, viola María Alejandra Sanabria, violonchelo El Cuarteto Inbound está conformado por estudiantes de pregrado en música instrumental del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Sus integrantes son estudiantes de las cátedras de los maestros Juan Carlos Higuita (violín), Sandra Arango (viola), Diego García (violonchelo) y Camilo Guevara (violín). El cuarteto surgió en el 2017 como iniciativa de la Bogotá Chamber Orchestra (BCO) y como proyecto de música de cámara del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, universidad en la que el ensamble ha estado bajo la tutoría del maestro Jaime Ramírez Castilla, profesor de contrabajo y música de cámara. El cuarteto participó en el III Festival de Cuartetos de Cuerda organizado por el Cuarteto Q-Arte en el 2018, donde recibió clases magistrales con el maestro Saúl Bitrán, primer violín del Cuarteto Latinoamericano. Ha realizado conciertos en el Auditorio Olav Roots y en la Sala Tayrona, como parte del programa La Joven en Acción. Sus integrantes han sido miembros de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música, de la Bogotá Chamber Orchestra y de la Filarmónica Joven de Colombia. Diego Bahamón, tiplista invitado Diego Bahamón es egresado de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas en donde estudió música con énfasis en interpretación del tiple. Actualmente es estudiante de la maestría con énfasis en tiple colombiano de la Pontificia Universidad Javeriana bajo la guía del maestro Lucas Saboya. Ha sido ganador del Festival Mono Núñez (2011, 2014 y 2015), del Festival Hatoviejo Cotrafa (2008, 2012 y 2015), de la Bienal de Música Colombiana (2012) y del Festival Nacional del Pasillo Colombiano (2011 y 2016). Ha sido seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (2010, 2012 y 2014), fue ganador del concurso de interpretación Ciudad de Bogotá (2011) y de la convocatoria Música con Tempo Colombiano del Ministerio de Cultura. En el 2016 fue seleccionado entre más de tres mil músicos de todo el mundo para ser parte de OneBeat, programa con el cual realizó conciertos en Orlando, Nueva Orleans y Chicago. Actualmente pertenece al grupo Itinerante junto a Mateo Patiño (bandola) y Sebastián Martínez (guitarra). 2 PROGRAMA Cuarteto de cuerdas No. 2 (1881) Allegro moderato Scherzo. Alegro Notturno. Andante Finale: Andante – Vivace ALEXANDER BORODIN (1833-1887) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas Op. 76, No. 2 ‘Quinten’ (1796-1797) Allegro Andante o più tosto allegretto Menuetto - Trio Finale. Vivace assai FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809) Guabina y caña (2006) GERMÁN DARIO PÉREZ (n. 1968) Para cuarteto de cuerdas y tiple CONCIERTO No. 5 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez A medida que el cuarteto de cuerdas se fue alejando de predecesores como el divertimento y el trío sonata, dejó de ser un elemento social de entretención privada para transformarse en un modelo de interacción dramática en el que la música supliría todas las necesidades sintácticas de cualquier libreto. La evolución de la estética musical del momento permitió encontrar en el cuarteto la posibilidad de experimentar con un lenguaje musical y una técnica instrumental cada vez más sofisticados, hasta cristalizarse como uno de los géneros instrumentales más relevantes del siglo xviii europeo. El concierto que hoy nos convoca, reúne una selección de obras relacionadas por este carácter de exploración; desde estéticas y tiempos muy distantes, cada compositor encontró a través del cuarteto de cuerdas la posibilidad de revitalizar un lenguaje musical que se adapta orgánicamente a cada época conectando y resonando con diversas tradiciones. Alexander Borodin (1833-1887) Cuarteto de cuerdas No. 2 En Rusia, hasta finales del siglo xviii, la vida musical dependía en gran parte de músicos provenientes de Alemania, Francia e Italia, o del intercambio cultural de músicos nacionales que visitaban regiones extranjeras. Solo desde los inicios del siglo xix, y particularmente fortalecida por los recientemente fundados conservatorios de San Petersburgo y Moscú, la vida musical rusa inició un proceso de especial arraigamiento en sus propias tradiciones musicales y de relación con influencias provenientes del exterior. Asimismo, a mediados del xix, en San Petersburgo se consolidó un conjunto de compositores conocido como ‘El Grupo de los Cinco’1, quienes encontraron en su folclor, casi de manera reaccionaria contra el dogmatismo alemán, un punto de referencia para asentar su propia postura estética. Consecuentemente, Los Cinco mantuvieron una inclinación más marcada hacia la música programática en 1 El Grupo de los Cinco estaba conformado por Mily Balakirev, Modesto Mussorgsky, César Cui, Nikolay Rimsky-Korsakov y Alexander Borodin. En este grupo, solamente Balakirev, quien de alguna manera fue el mentor musical del grupo, había recibido un entrenamiento formal como músico; para el resto de los integrantes la formación musical habría sido tangencial o tardía, en la medida en que ya habrían desarrollado otras profesiones. 4 la composición para ensambles exclusivamente instrumentales. Alexander Borodin mantuvo alguna independencia respecto a esta postura, y sus dos cuartetos de cuerda, junto con los cuartetos de Tchaikovsky —quien no pertenecía al grupo de Los Cinco—, son considerados las más representativas de este género en la Rusia del siglo xix. El programa de hoy abre con el Cuarteto de cuerdas No. 2 de Borodin, quien, antes de ser conocido como compositor, fue un reconocido científico de su tiempo. Debido a sus compromisos académicos en el área de la química, viajó en varias ocasiones a Alemania e Italia. Mientras adelantaba sus estudios de posgrado en Alemania, conoció a la pianista Ekaterina Protopopova, de quien se enamoró y con quien vivió tanto en Alemania como en Italia. A su retorno a Rusia contrajeron matrimonio y se mantuvieron unidos a pesar de algunas recaídas pasionales del compositor. Borodin había estudiado violonchelo en su juventud y sentía un aprecio especial por la música de cámara. A lo largo del Cuarteto de cuerdas No. 2, que fue concebido como un regalo de aniversario para su esposa, se puede apreciar el idilio melódico que el violonchelo sostiene con los demás instrumentos del ensamble, explorando diferentes emociones a medida que avanza la obra. El primer movimiento está estructurado como una forma sonata donde el violonchelo expone los materiales melódicos que progresivamente son absorbidos por los demás instrumentos. El segundo movimiento es un scherzo caracterizado por una brillante jovialidad en los violines, donde sorpresivos contrastes en la dinámica permiten que la línea melódica mantenga una ligereza constante. Aunque el material contrastante en este movimiento es apasionadamente denso, el motivo original del inicio insiste en reaparecer en diversos instrumentos para conectar varias secciones. En el tercer movimiento, desde la intimidad propia del nocturno, el violonchelo presenta una melodía intensamente lírica que, al apropiarse de ella los diversos miembros del cuarteto, cobra una vitalidad irrefrenable. El movimiento se expande expresivamente explorando diversas tonalidades, hasta que finalmente las células melódicas de cada instrumento parecen deshacerse con el mismo sosiego que dio inicio al movimiento. El último movimiento del cuarteto inicia con una misteriosa conversación entre los estratos extremos del cuarteto; luego, sobre un ostinato rítmico se desenvuelve una filigrana melódica que conduce la obra a un final victorioso. 5 Franz Joseph Haydn (1732-1809) Cuarteto de cuerdas, Op. 76, No. 2 ‘Quinten’ Si bien Franz Joseph Haydn no es considerado el ‘creador’ de ninguno de los géneros más representativos del Clasicismo, su importancia para el desarrollo del estilo musical del siglo xviii y su influencia sobre sus contemporáneos y sucesores es innegable. La obra de Haydn, especialmente su música instrumental, fue determinante para definir las bases estéticas del estilo que posteriormente, junto a la obra de Mozart y gran parte de la de Beethoven, se reconocería como la Primera Escuela de Viena. El desarrollo de Haydn como compositor está asociado al desarrollo de los géneros instrumentales de su época: progresivamente, la sinfonía y el cuarteto de cuerdas se cristalizaron como algunas de las manifestaciones más relevantes de una cultura musical que marcó la herencia de Occidente. Como se mencionó anteriormente, el cuarteto de cuerdas evolucionó como género musical a partir de diversas expresiones musicales asociadas con la experimentación estética de estratos privilegiados en espacios de selecto esparcimiento social. Las primeras aproximaciones de Haydn al cuarteto de cuerdas respondieron a la invitación que Karl Joseph von Fürnberg (1742- 1799) le hiciera en 1755 para participar como compositor y líder instrumental en las actividades musicales veraniegas de su castillo en Weinzierl2. Los cuartetos del Op. 1 y Op. 2 fueron compuestos para los encuentros en Weinzierl y son considerados los inicios de Haydn en este género. Cada colección reúne seis cuartetos, con cuatro o cinco movimientos cada uno, que se caracterizan por su sencillez instrumental, su estilo descomplicado y la brevedad en sus formas. A medida que Haydn incursionó en la composición de cuartetos de cuerda, exploró también las diversas posibilidades instrumentales del ensamble y refinó diferentes artilugios retóricos en su lenguaje compositivo. Con cada colección de cuartetos, Haydn ensayó gran variedad de herramientas a fin de renovar su propio lenguaje musical, lo que le permitió establecer interesantes 2 El origen de los cuartetos de Haydn a partir de su contacto con Karl Joseph von Fürnberg fue inicialmente descrito por Georg August Griesinger, diplomático cercano al compositor, quien escribió la primera biografía de Haydn poco después de su muerte. Algunos de los datos cronológicos de su biografía están enriquecidos de manera idílica y por esto debe admitirse cierta flexibilidad que progresivamente ha sido rectificada por otros autores. Al respecto, véase The origins of the quartet en The Cambridge Companion to the String Quartet (pp. 177-178). Nueva York: Cambridge University Press. Sobre los inicios de los cuartetos de Haydn y los problemas en su numeración, también véase Music in the Classic Period (pp. 160-166). 6 conexiones con otros compositores de su época; por ejemplo, a partir de sus Cuartetos Op. 33 (1781) inició una conversación musical con Mozart quien, inspirado en dicha colección, compuso los Cuartetos Op. 10, conocidos actualmente como Los cuartetos ‘Haydn’. Es bien sabido que Mozart y Haydn se reunían para tocar juntos cuartetos de cuerda, muchas veces acompañados por eminentes compositores del momento como Dittersdorf y Vanhal. Para Haydn, así como para los más importantes músicos y mecenas artísticos de su época, el cuarteto de cuerdas representó la oportunidad de explorar un género nuevo cuya delicadeza y sofisticación fueron fuente de gran inspiración y creatividad. Los Cuartetos Op. 76 pertenecen al grupo de sus últimos cuartetos de cuerda3. Esta colección reúne seis cuartetos finalizados en 1797 y dedicados al conde húngaro Joseph Georg von Erdödy. Para entonces, Haydn ya gozaba de relativa independencia de la familia Esterházy y tenía un ímpetu creativo renovado gracias a sus dos exitosas estadías en Londres. En sus obras de este período, Haydn entrelaza diversas experimentaciones formales con refinadas filigranas contrapuntísticas y rescata diferentes estilos de composición de la época, en los que las alusiones a tradiciones musicales generaban un gran impacto tanto en las audiencias como en los intérpretes. El Op. 76 No. 2 debe su título ‘Quinten’ al motivo que abre el primer movimiento en el primer violín; las primeras cuatro notas están articuladas por dos intervalos de quinta (la-re, mi-la), los cuales se convierten en la célula germinal del material motívico de todo el movimiento. A medida que avanza la obra, cada instrumento desarrolla esta célula motívica de maneras cada vez más diversas, haciendo que el discurso musical gane intensidad progresivamente hasta desembocar en la coda, que cierra el movimiento de manera magistral. En el segundo movimiento, Haydn alude al estilo Empfindsamer, caracterizado por una sencillez melódica de gran sensibilidad, que conduce a sorpresivos contrastes dinámicos e inflexiones armónicas. En este tipo de escritura, las variaciones melódicas permiten desarrollar la textura con impresionante naturalidad y manteniendo su intensidad expresiva. Para el Menuetto del tercer movimiento se retorna a las texturas estrictas del contrapunto a través de un canon a dos voces entre los violines, que son imitados por la viola y el 3 Los últimos cuartetos de Haydn corresponden a los Opp. 71 y 74 —cada colección contiene tres cuartetos y fueron compuestos en 1793—; el Op. 76, colección de seis cuartetos compuestos en 1797; el Op. 77, que contiene dos cuartetos compuestos en 1799, y finalmente, el cuarteto de dos movimientos Op. 103 de 1803. Véase A History of Western Music (pp. 481-483). 7 violonchelo. El carácter cortesano de esta danza parece estar enrarecido por una sonoridad ciertamente rudimentaria; si bien varios autores describen este movimiento como un ‘minueto de brujas’ (Hexenmenuett), este movimiento también expone el humor característico de Haydn y se asume que bien puede representar a una pareja de cortesanos que, debido a los efectos del alcohol, no logran coordinar simultáneamente los pasos de su danza4. El cuarteto cierra con una vivaz alusión a ritmos tradicionales, caracterizados por síncopas que ocasionalmente son acompañadas por resonantes pedales que se asocian a las rudimentarias sonoridades de las gaitas, mientras algunos de los motivos de los movimientos anteriores retornan con discreción para cerrar eufóricamente toda la obra. Germán Darío Pérez (n. 1968) Guabina y caña, para cuarteto de cuerdas y tiple El programa de hoy finaliza con la obra del colombiano Germán Darío Pérez quien, gracias a su amplia trayectoria como compositor y pianista, ha forjado una carrera plena en admiración y reconocimientos tanto por parte de las audiencias como de importantes representantes del medio artístico nacional e internacional. Las obras de Pérez han sido programadas con familiar frecuencia en los repertorios de diversas salas de concierto. Su versatilidad como compositor ha renovado la aproximación a la música colombiana al generar sinergias entre diversas tradiciones tanto populares como académicas. El lenguaje musical de Pérez parte del conocimiento y respeto a las tradiciones musicales y, a la vez, de la constante interacción de dichas tradiciones en nuestra cotidianidad. Para muchos, la posición estética de Pérez respecto a la música colombiana es similar a la renovación musical del tango hecha por Astor Piazzolla a finales del siglo xx. La propuesta musical de Pérez ha permitido experimentar la música colombiana desde una perspectiva de constante vitalidad y ha abierto las puertas a nuevas generaciones de músicos a fin de mantener vigente un patrimonio cultural. Pérez compuso Guabina y caña para una convocatoria distrital que estimulaba la creación de obras para tiple y conjunto de cámara. Posteriormente, la pieza fue incluida en la grabación de Cinco obras de cámara de Germán Darío Pérez Salazar, producción que fue resultado de otra convocatoria de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y cuya grabación se realizó en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En aquella ocasión, los intérpretes fueron el Cuarteto Q-Arte y Lucas Saboya en el tiple. Para la 4 Grout y Palisca, 483. 8 composición de la obra, Pérez buscó dos tipos de danza tradicional que no hubieran sido muy exploradas desde la música exclusivamente instrumental, pues si bien la guabina y la caña son dos ritmos bastante arraigados en la tradición colombiana, las obras más reconocidas en estos estilos corresponden a composiciones para voz con acompañamiento instrumental. La obra está estructurada orgánicamente en dos movimientos donde se busca un lenguaje eminentemente camerístico proporcionando igual relevancia melódica a todos los miembros del ensamble; la obra plantea un diálogo constante entre los cinco instrumentos donde la música genera un hilo conductor continuo hacia la audiencia. En el concierto que hoy nos reúne vemos cómo este legado cultural se revitaliza al pasar a manos de nuevas generaciones. Actualmente, los miembros del Cuarteto Inbound son alumnos de los integrantes del cuarteto que en su momento estrenó esta obra y, a su vez, Diego Bahamón es discípulo de Lucas Saboya. Guabina y caña retorna a la Sala de Conciertos para continuar su recorrido como patrimonio musical junto a grandes obras de la música de cámara de los siglos xviii y xix, gracias a las nuevas propuestas de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Referencias Wyn Jones, D. (2003). The origins of the quartet. En Stowell, Robin, The Cambridge Companion to the String Quartet (pp. 177-8). Nueva York: Cambridge University Press. Donald J. Grout y Claude J. Palisca. (2001). A History of Western Music, 6a ed. Nueva York: W. W. Norton. Reinhard G. Pauly. (2000). Music in the Classic Period, 4a ed. Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. ALEXIS DESCHARMES Y ALEXANDRA GREFFIN-KLEIN violonchelo y violín (Francia) Miércoles 21 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: YYM707. FGA288. MSB520 ALEXIS DESCHARMES Y ALEXANDRA GREFFIN-KLEIN violonchelo y violín (Francia) Próximos conciertos en Buenaventura Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República $3.200 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Cód. PULEP: GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197 RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán Cód. PULEP: WQF359 . IUN286 . JWE864 . HXW120 . ZZP911 . ZDC824 . TAG250 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO DIOTIMA - Foto. Jérémie Mazenq RICARDO PUCHE - Foto. Richard Puche

Foto: Catalina Giraldo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 ALEJANDRO DÍAZ arpa clásica (Colombia) Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WUW418 Jueves 21 marzo de 2019 · 7:00 p.m. Honda, Auditorio Hernando Parra Casas de la Cámara de Comercio Cód. PULEP: DDB415 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES 2 Alejandro Díaz Hernández, arpa clásica Foto: Catalina Giraldo Alejandro Díaz Hernández inició sus estudios musicales en el 2012 con la maestra Martha Bonilla en el Programa Infantil y Juvenil de la Universidad Javeriana, donde ha sido seleccionado como ‘Solista destacado’ en los últimos cuatro años. Ha participado en cátedras internacionales de arpa con Maricela Gonzáles en Venezuela, Isabelle Moretti (Francia) en Perú y, en Colombia, con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen en las ediciones x a xvi de la Cátedra Salvi de Arpa en Bogotá. Participó activamente en el Primer y Segundo Encuentros de Arpa (2013 y 2015) en Bogotá, bajo la dirección de la maestra Martha Bonilla; fue finalista del Concurso para Solistas con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Javeriana; obtuvo el segundo puesto en el Mexico International Harp Competition and Festival 2017; y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2019. Actualmente forma parte de la Orquesta Filarmónica Prejuvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El concierto en Honda cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA La source, Op. 44 (1898) ALPHONSE HASSELMANS (1845-1912) Sonatina en fa mayor No. 3, C. 90 de Seis sonatinas para piano, Op. 19 (1793) Andantino poco allegretto Allegro non tanto JAN LADISLAV DUSSEK (1760-1812) Transcripción para arpa Sonata en do menor de Tres sonatas para arpa, Op. 2 (c. 1800) Allegro Andantino Rondo allegro SOPHIA DUSSEK (1775-1847) Romance de Piezas fáciles para arpa, Op. 19 EDMUND SCHUËCKER (1860-1911) INTERMEDIO Fantasía para arpa, Op. 95 (1893) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921) Toccata No. 3 (1980) MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949) Automne (1927) MARCEL GRANDJANY (1891-1975) Épices pour harpe (1992) Muscade Vanille Pistache Paprika Safran Cannelle Kola Gingembre BERNARD ANDRÈS (n. 1941) CONCIERTO No. 3 4 NOTAS AL PROGRAMA Apreciado lector: contrario a lo que habitualmente corresponde al estilo de unas notas al programa para un concierto, la pretensión de este escrito es ser una guía para acompañar el ejercicio de escucha del recital programado para hoy, más que para entenderlo. Surge de las evocaciones que tanto el instrumento protagonista como el repertorio escogido causaron en el autor de estas palabras. Contiene referencias a asuntos extramusicales, pero todos estos asociados al ámbito de las artes, para responder así al espíritu interdisciplinar propio de nuestra época y situar al arpa en un contexto más amplio, pues así lo merece. Presentando excusas al joven intérprete por desviar quizás la atención del oyente, se sugiere leer los versos aquí citados durante la ejecución de la música. Ralph Waldo Emerson (1803-1882) se destaca en la historia intelectual de los Estados Unidos como un agudo ensayista, poeta y filósofo, líder del movimiento conocido como Trascendentalismo, e influencia fundamental en el florecimiento del Renacimiento estadounidense en la literatura. Como uno de los principales expositores de la corriente individualista, Emerson confiaba en la virtud del hombre al margen del establecimiento, y en su obra filosófica defendía la inocencia intuitiva, a la vez que promovía la independencia de pensamiento y acción. Como todo poeta, a Emerson no le era ajena la música, al compartir ambas artes el sentido del ritmo, la acentuación y el lirismo de la palabra. Y aunque padecía de amusia —coloquialmente diríamos que era musicalmente “sordo”—, este hombre de letras recurrió constantemente en sus escritos a la evocación del arpa como conector entre la naturaleza, lo humano y lo divino. Era incapaz de imitar o reproducir los movimientos melódicos, armónicos y rítmicos de la música, pero supo reconocer el arte en el sonido y en la sencillez del arpa — que no es más que una caja de resonancia y un atado de cuerdas— y en su tan esperado canto encontró inspiración para anotar versos y prosa. La suya, un arpa eólica, que habla o calla al depender del viento que la acaricie, es un artefacto que enlaza al hombre con la materia y el espíritu1. Es la expresión de lo que llamó ‘superalma’, el espíritu unificador que se resiste, incólume, a las impurezas del hombre, y que canta: 1 El arpa eólica es un instrumento que no depende de la acción humana para producir sonido. Llamada así en honor a Eolo, dios griego del viento, suena cuando corrientes de aire hacen vibrar sus cuerdas. Distintos poetas a lo largo de la historia de Occidente han recurrido al símil del arpa eólica para identificarla con su voz propia, a su música con los versos y al viento con la inspiración. Por supuesto, este no es el tipo de arpa que escucharemos en el concierto de hoy. 5 Sean tus labios o tus dedos a la flauta o la espineta; yo espero delicada caricia y pido mucho o quizás poco: entrégame a la brisa. Maiden Song of the Aeolian Harp (fragmento) (Emerson en Cavanaugh, trad. Bernal, 2002, p.26) Pero el reconocimiento que hace Emerson del arpa no es más que un lugar común entre los poetas de Occidente desde los tiempos de la Antigua Grecia. Es una remembranza, una delicada alusión a un sistema de símbolos y mitos fundacionales de toda una civilización. Llegada del Medio Oriente a Occidente, quizás de Egipto, hacia el segundo milenio antes de Cristo, el arpa, llamada lira por los griegos, no tardó en adquirir significado poético2. A Homero se le atribuye el Himno a Hermes, donde narra la historia de este dios heraldo, hijo de Zeus, que sedujo a su medio hermano Apolo con las notas de su lira para evitar el castigo por haber robado su ganado. Apolo, embriagado por la música del bello instrumento, lo adoptó para convertirse en el dios de las artes. En una escena de la Ilíada, Homero retrata el poder apaciguador de la lira (forminge) de Apolo, que resuena en el Olimpo: «Así entonces durante todo el día hasta la puesta del sol participaron del festín, y nadie careció de equitativa porción ni tampoco de la muy bella forminge, que mantenía Apolo, ni de las Musas, que cantaban alternándose con bella voz» (Homero, trad. 2006, 601). Además del arpa como símbolo-mito del arte en Homero, otros poetas griegos se refirieron a ella en relación con distintos sentires y anhelos. La poetisa Safo la menciona como voz de las musas, las eternas inspiradoras de las artes: Descended, dulces Musas, venid, suaves gracias, las de rosados brazos, Vos, Pierias bien trenzadas: ea, divina lira, tus dulces voces alza. XXVI (fragmento) (Safo, trad. Baráibar et al, 1884, p.305) Pero es Anacreonte quien recurrentemente la toma para situarla en diferentes esferas de la vida. Así, del vibrar de sus cuerdas casi solo desprende amor, dando la espalda al mito: 2 La poesía lírica es un género literario griego que expresa la intensidad de los sentimientos y las reflexiones profundas. 6 Héroes, preciso es daros eterna despedida; que de dulces amores canta solo mi lira. A su lira (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.121) Y deja espacio, también, para el erotismo y los placeres de la carne, ligando la lira a las rosas: De ellas ceñido, en tu templo al son de mi lira, oh Baco, bailaré con una moza bella y de seno abultado. De la rosa (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.127) E insiste en los anteriores dos puntos, haciendo una oda a la embriaguez y rechazando la violenta escena en la que Odiseo le taladra el ojo al cíclope Polifemo: Dame la lira de Homero, mas sin las cuerdas sangrientas, tráeme los vasos legales para que con regla beba. Así saltaré beodo, y, sin perder la prudencia, cantaré al son de la lira las báquicas cantilenas. Beber y cantar (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.181) Finalmente, en una posición ambigua ante la sed de la riqueza que se le escapa constantemente, le dice al oro: Huyo del fugitivo; mis penas doy al viento; tomo la dulce lira, canto amorosos versos. Mas si aquel enemigo, sintiendo mi desprecio, con la embriaguez insana vuelve de sus deseos, y quiere que mi lira yo deje en el silencio: —aparta, yo le digo; aparta, oro perverso; tus insidias son vanas, tus tesoros no quiero, sino mi dulce lira y mis cantares tiernos. Al oro (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.209) Quizás una de las historias más conocidas de la mitología griega en relación con el arpa es aquella de Orfeo. Narra las desgracias de este hijo de Apolo (como se dijo, dios de las artes) y Calíope (musa de la poesía). Orfeo, virtuoso intérprete de la lira, baja a los infiernos para revivir a su amada Eurídice, muerta por la mordedura de una serpiente. Armado únicamente de su instrumento, logra 7 adormecer con sus dulces notas a Cerbero, perro de tres cabezas que vigila las puertas del Hades, y sortea todos los problemas que encuentra en el mundo de las tinieblas3. La trascendencia de la historia de Orfeo en la cultura y las artes de Occidente es innegable. El propio Emerson se apoya en el héroe y su arpa cuando profundiza en el quid de su propuesta filosófica: el instrumento liga al poeta órfico con la superalma. Así, como todo ser humano es hermoso y virtuoso, como posee un alma que puede ser una con el alma del mundo, como tiene los dones de la autoconciencia y la intuición y como observa e interactúa con la naturaleza —sin mediadores religiosos—, es inmortal e infinito en Dios. ¿Qué tenemos, pues, hasta acá en relación con el recital? Un instrumento-mito; un símbolo esencial del arte musical; un conector entre sonido, pensamiento y palabra; un artefacto que en toda su divinidad nos lleva a lo eterno. Como se dijo antes, se escogieron, en una mezcla de deliberación y azar, los siguientes versos para acompañar algunas de las piezas que nuestro poeta de hoy interpretará en su arpa. Los espacios en blanco serán como un arpa eólica: el viento que llegue determinará el canto. La source, Op. 44 (La fuente) Del salón en el ángulo oscuro, de su dueña tal vez olvidada, silenciosa y cubierta de polvo veíase el arpa. ¡Cuánta nota dormía en sus cuerdas como el pájaro duerme en las ramas, esperando la mano de nieve que sabe arrancarlas! Rima VII (fragmento) (Béquer en González-Serna, 2002) Sonatina en fa mayor No. 3, C. 90 Y esa humilde arpa —óyela— en su lejano estuche, acariciada por la simple brisa cual tímida doncella ante el amante es tan dulce reproche que me invita a repetir la falta. Ya sus cuerdas, suavemente tañidas, nos ofrecen oleadas de notas que recuerdan el embrujo sonoro que los elfos pronuncian por la tarde, cuando viajan con la brisa que llega de las hadas, donde la música ronda las flores. ¡Flotando en su ala indómita, sin pausa! ¡La vida dentro y fuera de nosotros, que anima el movimiento y es su alma, luz en sonido, sonido en la luz, ritmo en el pensamiento y alegría en todo! Cómo no amarlo todo en un mundo tan pleno, donde canta la brisa y el aire aquietado es música dormida en ese tácito instrumento. El arpa eólica (fragmento I) (Taylor en Insausti, 2004, p.63-93) 3 Las óperas de Claudio Monteverdi y Christoph Willibald von Gluck sobre Orfeo son obras maestras de la música. En ambas se hace explícito el poder del arpa. 8 Sonata en do menor de Tres sonatas para arpa, Op. 2 Así, mi amor, mientras al mediodía paseo por las próximas colinas con ojos entornados y contemplo la danza de la luz como diamantes, medito sosegado en el sosiego; cruzan por mi cerebro, así, indolente, pensamientos que él mismo no convoca, y revuelos de ociosas fantasías, diversas y salvajes cual tormentas, que crecen y se agitan sobre el arpa. Y ¿No serán los seres animados arpas dispuestas de diverso modo, que se hacen pensamiento cuando sopla, viva y vasta, una brisa intelectual, de cada una el alma, Dios de todas? El arpa eólica (fragmento II) (Taylor en Insausti, 2004, 102). Romance de Piezas fáciles para arpa, Op. 19 Quiero cantar de Cadmo, cantar de los Atridas; pero dulces amores suena solo mi lira. Mudo todas las cuerdas, mudo la lira misma; canto trabajos de Hércules, y ella de amores vibra A su lira (frangmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.121) Fantasía para arpa, Op. 95 Va la brisa por valles y collados y cargada de aromas y silencio no lleva entre sus alas invisibles, ni una voz —ni una música— ni un eco. Pero en oscuro bosque retirado, patria de las dríadas y los genios, en alto tronco suspendida encuentra arpa eolia de místicos acentos, al pasar vibra en las sonoras cuerdas del dulce y melancólico instrumento y van sus sosegadas armonías a perderse a lo lejos. Las arpas (fragmento) (Silva en McGrady, 1968, p.57) Toccata No. 3 (Arpa eólica) Automne (Otoño) Voy a tañer la lira. No hay certamen propuesto, pero de todo vate se halla en el pensamiento. Cual cisne de Caistro, que embelesa los ecos al compás de las alas dando su voz al Céfiro, yo con sonora lira y con ebúrneo plectro en los ritmos Frigienses cantaré tus dulces versos. Á Apolo (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.211) 9 Épices pour harpe (Especias, para arpa) Muscade (Nuez moscada) Ahora el pan a mi amo le robo de los dedos; y me ofrece la copa donde él bebió primero. Después que estoy bebida con brincos le festejo, y con mis tiernas alas doy sombra a sus cabellos, y al fin sobre su lira me poso y me adormezco. A una paloma (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.133) Vanille (Vainilla) Y ahora de mi lira las blandas cuerdas vibro, cantando a la muchacha por quien de amor suspiro. Oda LXXVII (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.205) Pistache (Pistacho) Y los que erraban en el valle, por dos ventanas luminosas a los espíritus veían danzar al ritmo de los laúdes, en torno al trono donde (¡porfirogéneto!) envuelto en merecida pompa sentábase el señor del reino. El palacio encantado (fragmento) (Poe, trad. Cortázar, 1970, p.177) Paprika (Paprika) Tus alitas resuenan imitando el sonido de la suave lira, y nadie te lo ha dicho. cántame un dulce tono bullicioso y festivo, agitando tus alas y tus pies tiernecitos; Y si mis crudos males y los amores míos con blando sueño curas y das al dulce olvido, en pago te prometo el más dulce rocío que la rosada Aurora en flores ha vestido. Oda al grillo (fragmento) (Meleandro, trad. de Baráibar, 1884, p.435) Safran (Azafrán) Música del Japón. Avaramente de la clepsidra se desprenden gotas de lenta miel o de invisible oro que en el tiempo repiten una trama eterna y frágil, misteriosa y clara. Temo que cada una sea la última. Son un ayer que vuelve. Caja de música (fragmento) (Borges, 1977, p.3) 10 Canelle (Canela) Una vez sentí el ansia De una sed infinita. Dije al hada amorosa: —Quiero en el alma mía Tener la inspiración honda, profunda, Inmensa: luz, calor, aroma, vida. Ella me dijo: —¡Ven!— con el acento Con que hablaría un arpa. En él había Un divino idioma de esperanza. ¡Oh, sed del ideal! Autumnal (fragmento) (‘Rubén Darío’, rec. 2019) Kola (Cola) Ahora el pan a mi amo Le robo de los dedos; Y me ofrece la copa Donde él bebió primero. Después que estoy bebida Con brincos le festejo, Y con mis tiernas alas Doy sombra a sus cabellos, Y al fin sobre su lira Me poso y me adormezco. A una la paloma (fragmento) (Anacreonte, trad. Baráibar et al, 1884, p.133) Gingembre (Jengibre) Si de mi baja lira Tanto pudiese el son, que en un momento Aplacase la ira Del animoso viento, Y la furia del mar y el movimiento; No quieras tú, señora, De Némesis airada las saetas Probar, por Dios, ahora; Baste que tus perfectas Obras y hermosura a los poetas Den inmortal materia, Sino que también en verso lamentable Celebren la miseria De algún caso notable Que por ti pase triste y miserable. Si de mi baja lira (fragmento) (De la Vega, rec. 2019) Bibliografía Anacreonte [selecciones]. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl.mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Borges, Jorge Luis. (1977). Historia de la noche. Buenos Aires: Emecé. Cavanaugh, Cynthia A. (2002). “The Aeolian Harp: Beauty and Unity in the Poetry and Prose of Ralph Waldo Emerson”. Rocky Mountain Review of Language and Literature 56, No. 1, 25-35. De la Vega, Garcilaso. (s. d.) Si de mi alma baja lira, recuperado del Centro Virtual Cervantes, consultado el 19 de enero de 2019. https://cvc.cervantes.es/ actcult/garcilaso/versos/cancion03.htm 11 González-Serna Sánchez, José María. (2002). “La Poesía”. Aula de Letras. Consultado, enero 9 de 2019. http://www.colegiolapiedad.com/Archivos/ Adjuntos/Contenidos/rimas.pdf Homero. (2006). “Ilíada”. Traducción de Emilio Crespo Güemes. Madrid: Gredos. Insausti, Gabriel. (2004). “El arpa y el ave: dos símbolos románticos de la poesía del exilio de Cernuda”. Rilce: Revista de filología hispánica, Vol. 20, No. 1. Matteson, Robert S. (1963). “Emerson and the Aeolian Harp”. The South Central Bulletin 23, No. 4, 4-9. McGrady, Donald. (1968). Diez poesías olvidadas de José Asunción Silva en Thesaurus, tomo XXIII, No. 1, 57. Consultado el 9 de enero de 2019. https:// cvc.cervantes.es/lengua/thesaurus/pdf/23/TH_23_001_048_0.pdf Meleandro. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl. mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Poe, Edgar Allan. (1970). Cuentos. Traducción de Julio Cortázar. Madrid: Alianza. Consultado, 18 de enero de 2019. http://recursosbiblio.url.edu.gt/ publilppm/Libros/2015/edgar-cuentos.pdf ‘Rubén Darío’. (s. d.) Autumnal. Recuperado del repositorio virtual de la Universidad de Navarra (España), consultado el 18 de enero de 2019. https://alojamientos.uva.es/guia_docente/uploads/2013/441/41777/1/ Documento16.pdf Safo. (ed. 1884). Poetas líricos griegos. Trad. de Baráibar, Menéndez Pelayo, Conde, Canga-Argüelles y Castillo y Ayensa, citado por Luis Navarro. Madrid: Imprenta Central. Consultado el 9 de enero de 2019. http://cdigital.dgb.uanl. mx/la/1080021800/1080021800_MA.PDF Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en relaciones internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un postgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Quibdó y San Andrés CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA, (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo Cód. PULEP: VZU528. GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. CUARTETO INBOUND, cuarteto de cuerdas Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán Cód. PULEP: LKX467. WQF359. IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO ÉCLISSES - Foto. Carole Bellaiche CUARTETO INBOUND - Foto. Valentina Martínez Boletas disponibles en

Foto: Juan Camilo Montañez Riveros Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CICLO DE CUARTETOS DE CUERDA DE BÉLA BARTÓK Y CAROLINA NOGUERA CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3, miércoles 6 y domingo 10 de marzo de 2019 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: GEM362 Jueves 7 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Cali, Auditorio del Centro Cultural Comfandi Cód. PULEP: DPL817 Viernes 8 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. Armenia, Salón Colombia del Armenia Hotel Cód. PULEP: INF279 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: dominio público TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Comisión de obras del Banco de la República Por medio del programa de comisión de obras a compositores colombianos, el Banco de la República busca dinamizar la creación de nueva música, estimular el intercambio de Colombia con el mundo y generar el encuentro del público con el ingenio e inspiración de compositores e intérpretes. En el 2019 el Cuarteto Diotima estrenará Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3, una obra comisionada a la compositora vallecaucana Carolina Noguera (n. 1978), que quedará plasmada en el quinto volumen de la serie discográfica Compositores de nuestro tiempo. Adicionalmente, el Cuarteto Diotima, en su visita a Colombia, interpretará los otros dos cuartetos de la compositora y los seis cuartetos del compositor húngaro Béla Bartók (1881-1945) en una serie de tres conciertos. Con el estreno mundial de Noche de reyes sin corona, el Banco completa un total de diecisiete obras comisionadas que hoy hacen parte del patrimonio musical colombiano. • Fabio González Zuleta (1920-2011). Obertura de inauguración, para órgano solo. Comisionada en 1965. Estrenada el 25 de febrero de 1966 a cargo del organista Carl Weinrich (Estados Unidos).* • Luis Antonio Escobar (1925-1993). Segunda suite de Bambuquerías para piano. Comisionada en 1980. Estrenada el 10 de diciembre de 1980 a cargo del pianista Regis Benoit (Estados Unidos).* • Luis Antonio Escobar (1925-1993). Concierto para clarinete y orquesta. Comisionada en 1980. Estrenada el 26 de noviembre de 1997 en Manizales a cargo del clarinetista Christopher Jepperson (Estados Unidos) y la Orquesta Sinfónica de Colombia dirigida por Dimitri Manolov (Bulgaria). • Germán Borda Camacho (n. 1935). Concerto grosso. Comisionada en 1981. Estrenada el 30 de noviembre de 1983 a cargo de la Orquesta de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, dirigida por Georgi Notev.* • Blas Emilio Atehortúa (n. 1943). Cuarteto para cuerdas No. 5, Op. 198. Comisionada en 1997. Estrenada el 3 de junio de 1998 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México).* • Alba Lucía Potes (n. 1954). Entre arrullos y madrigales, con textos de Aurelio Arturo. Comisionada en el 2001. Estrenada el 11 de septiembre de 2002 a cargo del New York New Music Ensemble y la soprano Susan Narucki (Estados Unidos).* • Sergio Mesa (n. 1943). Cuarteto de cuerdas. Comisionada en el 2003. Estrenada el 14 de abril de 2004 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México).* 2 • Jesús Pinzón Urrea (1928-2016). Visiones, para soprano, piano y percusión. Comisionada en el 2005. Estrenada el 20 de septiembre de 2006 a cargo del pianista Sergei Sichkov (Rusia), el percusionista Ricardo Gallardo (México) y la soprano Beatriz Elena Martínez (Colombia).* • Amparo Ángel (n. 1942). Trío, Op. 32, para violín, violonchelo y piano. Comisionada en el 2007. Estrenada el 25 de septiembre de 2009 en Popayán a cargo de Swiss Piano Trio (Suiza). • Diego Vega (n. 1968). Sinfoniæ Profanæ, para órgano y quinteto de cobres. Comisionada en el 2009. Estrenada el 19 de julio de 2010 en Medellín, a cargo de Pascal Marsault y Collectiv Cuivres (Francia). • Guillermo Carbó (n. 1963). ADAS, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en el 2011. Estrenada el 22 de octubre de 2013 a cargo del Cuarteto Amernet (Estados Unidos).* • Andrés Posada (n. 1954). Oración. Tres canciones para soprano y piano, sobre poemas de Piedad Bonnett. Comisionada en el 2012. Estrenada el 18 de julio de 2014 en Santa Marta a cargo de Juanita Lascarro y José Alejandro Roca (Colombia). • Juan Antonio Cuéllar (n. 1966). Conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32. Comisionada en el 2014. Estrenada el 12 de agosto de 2015 a cargo de Lincoln Trio (Estados Unidos).* • Jorge Humberto Pinzón (n. 1968). Cygnus, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en el 2015. Estrenada en Tunja el 1º de noviembre de 2016 a cargo del Cuarteto Diotima (Francia). • Juan Pablo Carreño (n. 1978). Pasillo Emilio, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en el 2016. Estrenada en Bucaramanga el 10 de mayo de 2017 a cargo del Cuarteto Tana (Francia). • Gustavo Parra (n. 1963). Aspic, para ensamble de cámara. Comisionada en el 2017. Estrenada el 4 de abril de 2018 a cargo del ensamble Cepromusic (México) bajo la dirección de José Luis Castillo (España).* • Carolina Noguera Palau (n. 1978). Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3. Comisionada en el 2018. Estreno el 6 de marzo del 2019 a cargo del Cuarteto Diotima (Francia).* *Estrenada en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá 3 CUARTETO DIOTIMA Yun-Peng Zhao y Leo Marillier, violines* Franck Chevalier, viola Pierre Morlet, violonchelo *La violinista Constance Ronzatti, integrante del Cuarteto Diotima, no podrá presentarse en el ciclo de conciertos ofrecidos en Colombia. En su remplazo, se presentará Leo Marillier. En 1996 unos destacados exalumnos del Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París fundaron el Cuarteto Diotima; este cuarteto es hoy uno de los ensambles más cotizados a nivel mundial. Su nombre refleja la doble identidad musical de la agrupación: la palabra ‘diotima’ está estrechamente ligada al romanticismo alemán –Friedrich Hölderlin dio este nombre al amor de su vida en la novela Hyperion– y también es un guiño a la música de nuestros tiempos, ya que evoca la obra Fragmente-Stille, an Diotima de Luigi Nono. El Cuarteto Diotima ha tenido la fortuna de colaborar con varios de los compositores actuales más reconocidos, entre ellos, Helmut Lachenmann, Brian Ferneyhough y Toshio Hosokawa. Adicionalmente, ha recibido la comisión de obras nuevas de talentosos compositores como Tristan Murail, Alberto Posadas, Gérard Pesson, Rebecca Saunders y Enno Poppe. A pesar de que su enfoque principal es la música contemporánea, el cuarteto no se limita exclusivamente a este repertorio. Diotima organiza la programación de sus conciertos de tal modo que las más reconocidas obras clásicas se yuxtaponen a las nuevas creaciones musicales, logrando así presentar una perspectiva Foto: Foto. Jérémie Mazenq 4 original de la obra de grandes compositores como Bartók, Debussy, Ravel, los últimos cuartetos de Schubert, Beethoven, compositores de la Escuela de Viena y Janáček. El Cuarteto Diotima se presenta con frecuencia en la escena internacional, así como en los principales festivales y series de conciertos en Europa (Filarmónica de Berlín y Konzerthaus Berlin; Reina Sofía, Madrid; Cité de la Musique, París; Centro Southbank y Wigmore Hall, Londres; Sala de Conciertos de Viena). Además de sus giras frecuentes por los Estados Unidos de América, Asia y Sudamérica, fueron artistas en residencia del Théâtre des Bouffes du Nord de París entre los años 2012 y 2016. La crítica internacional los ha aclamado, incluyendo los medios alemanes, quienes alabaron su interpretación del Concierto para cuarteto y orquesta de Schoenberg. También lograron conquistar al público en España y en Francia, en donde su discografía fue galardonada con cinco Diapason d’Or: ganaron dos veces el Diapason d’Or de l’Année por sus grabaciones de algunas de las obras de Lachenmann y Nono en el 2004, y por obras de los compositores americanos Crumb, Reich y Barber en el 2011. El álbum de los cuartetos de Onslow, cuyo lanzamiento tuvo lugar en el 2009, bajo el sello Naïve, ganó un Diapason d’Or y apareció como ‘Evento del mes’ en la revista Diapason y como ‘Álbum excepcional’ en la revista Scherzo. El éxito ante la crítica y el público que generó este lanzamiento sentó las bases de la relación exclusiva entre el ensamble y el sello disquero, dando inicio a una colaboración que se ha convertido en un proyecto altamente exitoso y a largo plazo. Adicionalmente, en el 2015, bajo el sello Megadisc, el cuarteto lanzó la grabación de la reedición de Livre Pour Quatuor, de Pierre Boulez, que fue muy bien recibida por el público y gracias a la cual obtuvo el reconocimiento ffff de Télérama y el Choc de l’anée de la revista Classica. En el 2016 para celebrar el vigésimo aniversario del cuarteto, lanzaron dos grabaciones: un cofre de discos dedicados al repertorio completo para cuarteto de cuerdas de la Escuela de Viena y una nueva serie de retratos de compositores contemporáneos. Con la colaboración de WDR Kultur, dedicaron el primer retrato a la obra de Miroslav Srnka; lo siguen los retratos de Alberto Posadas, Gérard Pesson y Enno Poppe. La próxima temporada traerá importantes compromisos para el cuarteto, incluyendo un ciclo de Beethoven-Schoenberg-Boulez en la sala de conciertos Muziekgebouw en Ámsterdam, y varios conciertos en torno al estreno mundial de la nueva obra para cuarteto de cuerdas de Rebecca Saunders (en el Wigmore Hall en Londres, el Festival ECLAT en Stuttgart, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en Washington, el Festival de Música en Estrasburgo 5 y el Festival Rainy Days en Luxemburgo). Adicionalmente, presentará el estreno mundial de la nueva obra para cuarteto de cuerdas de Miroslav Srnka (en la Philharmonie de Paris, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y el Festival Primaveral de Cuartetos de Cuerdas en Heidelberg). Gracias a su colaboración cercana con Pierre Boulez, el Cuarteto Diotima tuvo el honor de presentar el estreno mundial del cuarto movimiento del ya mencionado Livre Pour Quatuor en el 2018, dentro del marco de la interpretación completa hecha por Philippe Manoury en la Philharmonie de Paris. El Cuarteto Diotima espera con ansias los próximos estrenos en la sala de conciertos para música de cámara de la Filarmónica de Elba, La Seine Musicale, los Días de Música de Badenweiler, la Serie de música de cámara de la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool, el Festival Musikprotokoll en Graz, el Festival de otoño de Varsovia y el Festival Enescu de Bucarest. El cuarteto hará también una gira por el Reino Unido, España, Rusia, Estados Unidos, Corea del Sur y Japón. La larga colaboración que ha mantenido con el Teatro de Orléans continuó en la temporada 2017-2018. Es relevante mencionar que en este último año el Cuarteto Diotima recibió, adicionalmente, un reconocimiento como Patrimonio Cultural Europeo otorgado por el Ministerio de Cultura de Francia. Justamente en ese país, el Cuarteto Diotima recibe el apoyo de la DRAC (Direction Régionale des Affaires Culturelles) y de la Région Centre-Val de Loire, además de ayudas periódicas del Instituto Francés, Spedidam, Musique Nouvelle en Liberté, el Fondo para la Creación Musical, la Sociedad Adami y de mecenas privados. El concierto en Cali cuenta con el apoyo de El concierto en Armenia cuenta con el apoyo de 6 PROGRAMA PROGRAMA No. 1 Bogotá, domingo 3 de marzo del 2019 Cuarteto de cuerdas No. 3, Sz. 85 (1927) Prima parte: Moderato-attacca Seconda parte: Allegro-attacca Ricapitulazione della prima parte: Moderato Coda: Allegro molto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Quattuor verba, cuarteto de cuerdas No. 1 (2006) De profundis clamavi Pleni sunt caeli et terra tua Pax Sine Deo CAROLINA NOGUERA PALAU (n. 1978) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 1, Sz. 40 (1908-1909) Lento Allegretto Allegro vivace BÉLA BARTÓK CONCIERTO No. 6 7 PROGRAMA No. 2 Bogotá, miércoles 6 de marzo del 2019 Cuarteto de cuerdas No. 2, Sz. 67 (1915-1917) Moderato Allegro molto capriccioso Lento BÉLA BARTÓK (1881-1945) Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3 (2018) Plegarias circulares Ofrenda Danza Cantos de arrullo Ostinato abismal CAROLINA NOGUERA PALAU (n. 1978) Obra comisionada por el Banco de la República Estreno mundial INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 4, Sz.91 (1928) Allegro Prestissimo, con sordino Non troppo lento Allegretto pizzicato Allegro molto BÉLA BARTÓK CONCIERTO No. 7 8 PROGRAMA No. 3 Cali, jueves 7 de marzo del 2019 Armenia, viernes 8 de marzo del 2019 Cuarteto de cuerdas No. 3, Sz. 85 (1927) Prima parte: Moderato-attacca Seconda parte: Allegro-attacca Ricapitulazione della prima parte: Moderato Coda: Allegro molto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3 (2018) Plegarias circulares Ofrenda Danza Cantos de arrullo Ostinato abismal CAROLINA NOGUERA PALAU (n. 1978) Obra comisionada por el Banco de la República Estreno en Cali y Armenia INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 1, Sz. 40 (1908-1909) Lento Allegretto Allegro vivace BÉLA BARTÓK 9 PROGRAMA No. 4 Bogotá, domingo 10 de marzo del 2019 Cuarteto de cuerdas No. 6, Sz. 114 (1939) Mesto-Piú mosso, pesante-Vivace Mesto-Marcia Mesto-Burletta Mesto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto palenquero, cuarteto de cuerdas No. 2 (2010, rev. 2015) Bordón y requinta Intemperies Etelvina Maldonado CAROLINA NOGUERA PALAU (n. 1978) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 5, Sz. 102 (1934) Allegro Adagio molto Scherzo. Alla bulgarese Andante Finale. Allegro vivace-Presto BÉLA BARTÓK CONCIERTO No. 8 10 NOTAS AL PROGRAMA Introducción En la Europa de la segunda mitad del siglo XVIII, particularmente en Viena, la composición para cuarteto de cuerdas (dos violines, viola y violonchelo) pareció convertirse en un reto inescapable para el compositor de tradición académica occidental. Si bien no fue el primero en escribir para este formato, el austrohúngaro Franz Joseph Haydn fue el responsable de darle aquel estatus a través de las casi setenta obras que le dedicó, transformándolo de un simple formato instrumental a todo un género bien definido. Sus célebres continuadores Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert aportaron lo suyo, aunque en números dicientemente decrecientes, con veintitrés, dieciséis y quince obras respectivamente. El transcurso del siglo XIX en Europa confirmó el decaimiento del cuarteto de cuerdas como medio creativo, no sólo en términos estadísticos, sino también en cuanto a la importancia que las comparativamente pocas obras producidas tienen dentro de los catálogos de sus compositores. A su vez, la América decimonónica nunca pareció tierra muy fértil para la composición de cuartetos de cuerda; aunque existía el formato, su función era más la de interpretación del viejo repertorio europeo o de reducciones de música orquestal, pero poco se creaba para él. Así como ocurrió en el mal llamado ‘Viejo Continente’ con el húngaro Béla Bartók, en América tocó aguardar a la generación nacionalista nacida en la década de 1880 para volver a tener grandes ciclos para cuarteto. A nivel regional, esto se ve representado por las quince obras del brasileño Heitor Villa-Lobos y, a nivel nacional, por las diez de Guillermo Uribe Holguín. Así, el siglo XX se desenvolvió y dio paso al XXI con un marcado renacimiento de la creación para cuarteto de cuerdas, produciendo ciclos tan importantes como aquellos del estadounidense Elliott Carter, el argentino Alberto Ginastera o el británico Brian Ferneyhough. Los conciertos que en esta temporada nos ofrece el Cuarteto Diotima resultan de gran interés, ya que brindan la oportunidad de escuchar cómo en dos períodos separados por un siglo el formato de cuarteto fue replanteado. Aunque haya muchos elementos novedosos respecto a lo técnico y lo estético, la reinvención más interesante, desde mi perspectiva, es cómo el cuarteto (y la práctica musical académica de la cual surgió) ha logrado desprenderse de sus vínculos jerárquicos con Europa central y occidental para ofrecer a la periferia política y económica de un mundo (neo) colonial la posibilidad de pensarse 11 y expresarse con algún grado de independencia. Por esto, el doble ciclo de cuartetos que escucharemos promete un diálogo enriquecedor entre épocas (primera mitad del siglo XX y primera mitad del siglo XXI), entre regiones (oriente de Europa y América Latina) y entre géneros (hombre y mujer). Este intercambio deberá suscitar reflexiones trascendentales acerca de nuestro aquí y ahora, y de cómo podemos globalizar nuestras ideas sin tener que negar nuestras particularidades. Béla Bartók (1881-1945) Nacido en el Imperio austrohúngaro, en la ciudad de Nagyszentmiklós (hoy Sânnicolau Mare, en Rumania), Béla Bartók tuvo una infancia itinerante, la cual lo llevó a viajar ampliamente por el oriente europeo hasta que decidió radicarse en Budapest en 1899. Allí se matriculó en la Academia Real de Música, donde estudió composición con Hans von (o János) Koessler y piano con István Thomán, antiguo discípulo de Franz Liszt. En 1902 conoció a Richard Strauss, quien estaba en Budapest para el estreno local de su Also sprach Zarathustra, encuentro que impulsó al joven Bartók a enfrentar la composición con seriedad. Dos años después, durante un viaje a Transilvania, escuchó a una empleada del servicio, llamada Lidi Dósa, cantar canciones campesinas y quedó para siempre embelesado con la riqueza de estas prácticas tradicionales. El descubrimiento de estas músicas del oriente del Imperio puso en evidencia el camino derivativo que venía recorriendo como compositor. A partir de ese momento, Bartók comenzó un trabajo de recolección y análisis, estableciendo una relación simbiótica entre su trabajo musicológico y el compositivo, la cual duró el resto de su vida. El ciclo de cuartetos de cuerdas de Bartók es ampliamente reconocido como columna vertebral de su obra e igualmente como una adición fundamental al repertorio de este formato en el siglo XX. Las seis obras que conforman este ciclo son obviamente diferentes entre sí y ameritan comentarios extensos; sin embargo, me limitaré aquí a hacer algunos comentarios generales, contextualizaciones y observaciones mínimas respecto a cada obra. Bartók comenzó su carrera justo cuando a ambos lados del Atlántico el antiguo sistema de armonía tonal funcional recibía golpes de gracia que confirmaban su llamada ‘muerte’, anunciada ya en la música de avanzada del último cuarto del siglo XIX. Desde la primera década del XX, un compositor que se considerase propositivo debía negar la tonalidad (la esencia de los atonalismos) o utilizar nociones de lo tonal de maneras diferentes a la tradicional. Este último es el caso de la neotonalidad de Bartók. Aun cuando 12 la idea general de la centralidad jerárquica de una altura exista, la construcción de acordes con intervalos no tradicionales y el uso de modos hipercromáticos hacen que una verdadera tonalidad funcional nunca eche raíces. Buena parte de su música utiliza polifonía, bien sea libre o imitativa, elaborada por una rica metamorfosis melódica, aparentemente inspirada en Liszt. Esto implica que nuevas ideas melódicas aparecen de manera tan orgánica que con frecuencia resulta ambiguo si algo es una idea nueva, un desarrollo de lo anterior o ambas cosas. Esta característica, junto con la no-funcionalidad de su armonía, dificulta nuestra comprensión formal que, con frecuencia, resolvemos por medio de contrastes de tempo, timbre o textura. Hecho eso, normalmente encontramos que las formas utilizadas por Bartók son elaboraciones complejas de las tradicionales, sobre todo formas sonata, tripartita o rondó. Otro campo ricamente cultivado por Bartók tiene que ver con el parámetro duracional, desde lo más evidente, que sería su uso de inusuales ritmos derivados de tradiciones balcánicas, hasta lo menos obvio, como lo es su dúctil tratamiento del tempo. En lo que concierne al timbre, los cuartetos son particularmente llamativos, dado que el mundo homogéneo de los instrumentos de arco se convierte en un laboratorio de radical exploración, particularmente en los cuartetos 3 y 4. Muchos comentaristas, por cierto, se han confesado sorprendidos por la sofisticación de la escritura para cuerdas del compositor, puesto que su formación y fama inicial fueron como pianista. Hacia 1906, no obstante, la carrera de Bartók como concertista sufrió un notable decaimiento hasta prácticamente desaparecer, lo cual lo llevó a buscar una estabilidad laboral y económica en la docencia. Ese año reemplazó a su antiguo maestro Thomán como profesor en la academia, trabajo que consolidó en los siguientes años y mantuvo hasta 1934. Con este reenfoque de su cotidianidad, Bartók pudo concentrarse y llevar su trabajo compositivo a un nuevo nivel, el cual se hace evidente en su Cuarteto de cuerdas No. 1, una obra de inequívoca transición creativa, generalmente considerada su primera obra de madurez. Cuarteto de cuerdas No. 1, Sz. 40 (1908-1909) Bartók inició su ciclo haciendo ya un experimento formal, planteando la obra en tres movimientos que se suceden de manera continua, sin pausa alguna. El mismo compositor describió como un canto fúnebre al Lento inicial, el cual abre con un lúgubre gesto descendente en violines y se ramifica en una densa polifonía imitativa, altamente cromática y al borde mismo de la tonalidad. Tras desenvolverse en forma ternaria, un puente en aceleración 13 gradual nos lleva al segundo movimiento, un Allegretto que juega siempre con la ambigüedad entre métrica binaria y la ternaria que esperaríamos. Como una danza fantasmagórica, se mueve en un vaivén de aceleraciones y retardos, pero eventualmente nos lleva a una introducción crecientemente agitada para el tercer movimiento. Este Allegro vivace suena más al Bartók que todos conocemos, dejando atrás el romanticismo tardío del inicio. Aquí, la escritura se hace más austera, percusiva y rítmicamente irregular, con melodías pentáfonas que sugieren las músicas campesinas, objeto de estudio del compositor. En lo meramente anecdótico y extramusical, el gran Zoltan Kodály, colega y cercano amigo de Bartók, describió este proceso macroformal –llevarnos de lo sombrío a lo alegre– como un regreso a la vida de su compañero, ya al otro lado del desamor que padeció con la violinista Stefi Geyer. Como lo demuestra el cierre del primer cuarteto, el interés de Bartók no era ya solamente el de hacer armonizaciones o arreglos de las melodías que encontraba y registraba en sus viajes. Más bien, el estudio y análisis de estas lo llevaron a un verdadero aprendizaje, el cual le permitió abstraer elementos musicales que podían convertirse en principios de estructuración para sus propias composiciones. Así, identificó diversos tipos de modos, siempre en contraposición a las escalas mayores y menores del mundo tonal. En cuanto a ritmos y métricas, encontró estilos contrastantes, unos basados en danzas, los cuales subrayó con la indicación ‘tempo giusto’; otros, en cambio, parecían estar vinculados a la prosodia del magiar (o húngaro) hablado, y que describió como un estilo ‘parlando, poco rubato’. El compositor incluso derivó principios formales de sus estudios, agrupando unas formas como lineales y libres de vínculos con la morfología de la música de tradición académica occidental, mientras que otras sí coincidían con aquella tradición al tener secciones recurrentes1. Todo este trabajo sistemático llevó a Bartók a entender cada vez con mayor consciencia la posibilidad de crear un nacionalismo modernista y es en ello que radica su trascendencia como compositor. Durante la década de 1910 comenzó a ampliar el marco de sus viajes, recorriendo otras zonas del Imperio austrohúngaro, actualmente parte de Rumania, Eslovaquia y Ucrania, así como zonas del norte de África y Escandinavia. Este impulso se vio cortado por el inicio de la Primera Guerra Mundial, contienda que no solo dificultó sus investigaciones, sino que acabó con el Imperio mismo. Lo más grave es que tras el colapso del estado anterior 1 Por dar un par de ejemplos de forma tripartita, una versión de forma lineal podría ser ABC, mientras que una recurrente podría ser ABA. 14 se generó la creación de numerosos estados-nación que justamente pretendían ser étnicamente unificados, dando pie a nacionalismos racistas que atentaban contra la unidad de los pueblos de la cuenca del Danubio. Estos procesos mostraron un lado nefasto del nacionalismo y aunque continuó sus estudios el resto de vida, la meta de Bartók giró más hacia encontrar elementos comunes que permitiesen soñar con un panhumanismo, que a subrayar diferencias entre pueblos. Por eso puede resultar un triste error el que frecuentemente etiquetemos a Bartók como ‘el gran nacionalista húngaro’. Cuarteto de cuerdas No. 2, Sz. 67 (1915-1917) Compuesto durante la Primera Guerra Mundial, el Cuarteto de cuerdas No. 2 retoma el esquema de tres movimientos, esta vez con pausas entre ellos y una curva de tempo lento-rápido-lento. El Moderato inicial plantea un primer motivo ascendente de contorno bien definido, al cual se le hacen innumerables transformaciones, generando materiales secundarios y permanentes desarrollos hasta crear una especie de forma sonata de gran complejidad. A su vez, el ágil y fluctuante segundo movimiento –Allegro molto capriccioso– juega con la idea de una forma rondó, una vez más, de ambigua percepción. En él, un elaborado diseño melódico y el carácter percusivo del acompañamiento sugieren la influencia de músicas argelinas. El Lento final, cuyo ambiente desolado parece sugerir el contexto político de la composición, retoma en este nuevo tempo el primer motivo de la obra; otro, de gesto descendente, lo contrarresta y ambos se transforman sin cesar por procesos de mutación interválica, rearmonización, etc. Muchas características de este cuarteto, como la sutileza con la cual trabaja el timbre, evidencian la creciente inclinación vanguardista del compositor. Los complejos experimentos armónicos que lleva a cabo, por ejemplo, parecen ser el punto de partida para obras posteriores de mayor envergadura, como su ballet El mandarín maravilloso. El optimismo modernista de la década de 1920 creó un ambiente en el cual la música de Bartók –cada vez más propositiva– logró una mejor recepción. Por una parte, este volvió a activar su carrera como concertista, mientras por otra, sus composiciones empezaron a ser reconocidas y programadas más ampliamente. Desde el año mismo de 1920, Bartók clamaba ya por la igualdad de los doce tonos, haciendo eco a Arnold Schoenberg, cuyas revolucionarias consignas atonalistas frecuentemente estaban cargadas de referencias políticas democratizantes. En el caso del húngaro, sin embargo, hubo siempre una cierta incoherencia estructural, ya que creía en un modernismo basado en tradiciones populares. Estas, inevitablemente, exhibían algún tipo de centralidad tónica, reconfirmando las jerarquías que el atonalismo justamente cuestiona. De 15 esta tensión dialéctica surgió el Cuarteto de cuerdas No. 3 de Bártok en 1927. Especie de annus mirabilis para los arcos… vale la pena recordar que ese mismo año Schoenberg compuso su propio Cuarteto No. 3, Op. 30; Anton Webern su Trío, Op. 20; y Alban Berg estrenó su Suite lírica. Estas obras vienesas representan hitos en el desarrollo de la técnica dodecafónica y así, encarnan parte importante de la música de avanzada en Europa. Cuatro años antes, además, Bartók conoció al gran experimentalista estadounidense Henry Cowell, cuyo complejo mundo sonoro –con sus densos clusters, sus ritmos de gran complejidad y su radical inventiva tímbrica– parece haber ejercido una influencia poco comentada sobre el húngaro. Todo este caldo de cultivo de renovación musical puede oírse reflejado en el nuevo cuarteto del ciclo bartókiano. Cuarteto de cuerdas No. 3, Sz. 85 (1927) Sin duda, es el más osado de su composición en cuanto al modernismo de su lenguaje musical; el Cuarteto de cuerdas No. 3 elabora los materiales folclóricos hasta un nivel máximo de abstracción estructural, evitando citas o paráfrasis. La organización tónica se aleja más que nunca de cualquier sensación de tonalidad, mientras que la gama técnica de su escritura instrumental llega al extremo de sofisticación, cuestionando la idea ingenua de que estas técnicas instrumentales sean ‘efectos’. Morfológicamente, se retoma el pensamiento de continuidad orgánica, atando cuatro partes a la manera de Liszt, en una forma multimovimiento dentro de un único movimiento, el cual se llega a percibir como una especie de forma sonata. La llegada de la segunda parte es señalada por un amplio uso del pizzicato, particularmente llamativo en los instrumentos graves. La recapitulación es más un regreso a materiales abstractos ya elaborados, que una repetición en el sentido clásico, mientras que la coda es una ágil y emocionante reelaboración de materiales de la segunda parte. Cuarteto de cuerdas No. 4, Sz. 91 (1928) Solo un año separa al fantástico Cuarto de cuerdas No. 4 de su antecesor y, predeciblemente, hay cosas que los emparentan, en particular sus búsquedas vanguardistas; entre las diferencias, la más obvia es la metaforma. En este caso, tenemos por primera vez en el ciclo (aunque no en su música) un despliegue en cinco movimientos, planteados como un arco simétrico en el cual los movimientos primero y quinto están emparentados, así como también lo están el primero y el cuarto, mientras que el tercero funciona como eje central. Este Non troppo lento es un ejemplo emblemático de la llamada ‘música nocturna’ de Bartók, con acordes estáticos en cuerdas superiores bajo los cuales el 16 violonchelo parece improvisar un canto altamente ornamentado. De este tema los demás instrumentos extraen fragmentos cuyos simples gestos sugieren sonidos de pájaros e insectos. A lado y lado de este movimiento son sobre todo tempo y timbre los que generan unidad; tanto el segundo como el cuarto son movimientos velocísimos, tipificados por el recurso instrumental descrito en su nombre. El tenebroso Prestissimo crea una bruma de susurros optimizados por la omnipresencia de sordinas, no sin que repentinas explosiones nos sorprendan. El Allegretto, a su vez, se concentra en el pizzicato, explorando una diversidad tal de ataques que se convierte en un verdadero tratado de la técnica. Abriendo y cerrando la obra encontramos movimientos en Allegro conectados por sus materiales melódicos, pero es sobre todo el carácter intenso y agresivo el que da cohesión, llegando a una verdadera brutalidad en el movimiento final. En 1934 Ernö (o Ernst von) Dohnányi fue nombrado director de la Academia de Música de Budapest, ya para ese entonces llamada Academia Liszt. Tal vez por su larga amistad, este le permitió a su antiguo compañero de estudios, Bartók, ser trasladado a la Academia de Ciencias para asumir un trabajo de tiempo completo como etnomusicólogo. Allí retomó, ya con más comodidad e infraestructura, los trabajos de investigación que desde hacía décadas realizaba con Kodály. Los estudiosos de la obra de Bartók concuerdan en que a partir de este momento y hasta 1940 es el período de oro del compositor, pues crea una serie de obras maestras como Música para cuerdas, percusión y celesta, la Sonata para dos pianos y percusión o Contrastes, entre otras. Justamente los dos últimos cuartetos de cuerdas enmarcan este período. Cuarteto de cuerdas No. 5, Sz. 102 (1934) El Cuarteto de cuerdas No. 5 retoma el plan formal de su predecesor: un arco en cinco movimientos, con el tercero como eje simétrico; en este caso, en cambio, es el ágil Scherzo el que funge como pivote central y lo lento se duplica en los movimientos segundo y cuarto. La preocupación por simetría formal se refleja también al interior de los movimientos, cada uno de los cuales lo expresa de manera diferente. Este parece ser el más tradicional de los cuartetos de Bartók, ya que los materiales constructivos son claramente más motívicos y fáciles de seguir; sus construcciones acórdicas y direcciones tonales, las más previsibles, etc. Los movimientos externos sugieren formas híbridas tipo sonata-rondó, de nuevo con materiales compartidos que se desarrollan de maneras diferentes, y el Finale se hace desequilibrado por una inesperada y cómica referencia a un organillo. El Adagio molto es evidentemente un espejo mientras que el Andante 17 apenas lo sugiere. La forma ternaria del Scherzo retoma la idea de lo simétrico, pero la cuestiona de manera interesante a nivel microformal, explotando la irregularidad métrica de los ritmos búlgaros tan apreciados por Bartók. Con el paso de la década de 1930, el agudizamiento de la crisis económica internacional y el creciente resentimiento húngaro por la pérdida de territorios tras la firma del Tratado de Trianón estimularon el surgimiento de movimientos políticos de extrema derecha. El fortalecimiento de la Italia fascista y la Alemania nazi, así como su oposición a las políticas de final de la Primera Guerra Mundial, hicieron de esos estados los aliados naturales para Hungría. Este alineamiento con el Eje, el racismo contra otras etnias de la región, el antisemitismo institucionalizado y la inminencia de la Segunda Guerra Mundial fueron todos elementos que entristecieron cada vez más a Bartók, llevándolo a planear su migración. Esta se dio finalmente en 1940 tras la muerte de la madre del compositor y llevó a Bartók a un triste exilio estadounidense del cual nunca regresó. La última obra que logró terminar en Europa fue justamente el sexto y último de sus cuartetos. Cuarteto de cuerdas No. 6, Sz. 114 (1939) El Cuarteto de cuerdas No. 6 es el único que Bartók compuso en el número tradicional de movimientos: cuatro. No obstante, su planteamiento morfológico vuelve a ser inusual, en tanto que al margen del carácter principal de sus primeros tres movimientos, todo gravita hacia el Mesto (triste) del final. La obra inicia con esta indicación adjudicada a un melancólico solo de viola de apenas 13 compases; sin estar del todo desconectado, el cuerpo principal del primer movimiento establece un marcado contraste de carácter en la forma sonata más tradicional de todo el ciclo. El Mesto regresa al inicio del segundo movimiento, esta vez expandido a 17 compases y con el tema en violonchelo, acompañado por sus compañeros asordinados. De nuevo, una conexión estructural, pero también un contraste expresivo, nos llevan a una marcha tripartita que podría hacer referencia al creciente militarismo de la época. Para el tercer movimiento, el Mesto aparece alargado a 20 compases y con un mayor desarrollo expresivo, pero en todo caso como introducción, esta vez a una extraña Burletta. Finalmente, el cuarto movimiento permite que el tono triste se convierta en el discurso completo, en cierto sentido regresando al romanticismo tardío que habíamos escuchado en el primer movimiento del primer cuarteto. sin quererlo, otro canto fúnebre cerraría el ciclo completo, de nuevo ad portas de la pérdida de una mujer amada y al borde de otra guerra que cambiaría su mundo. 18 Carolina Noguera Palau (n. 1978) Tuvo una formación inicial como pianista en el Conservatorio Antonio María Valencia de su ciudad natal, donde estudió con maestras como Marjorie Tanaka. Su formación pregradual como compositora se llevó a cabo en Bogotá, bajo la guía de Guillermo Gaviria en el Departamento de Música de la Universidad Javeriana, institución donde Noguera se desempeña hoy como Coordinadora del Área de Composición. Posteriormente se trasladó a Inglaterra para realizar estudios posgraduales en el Conservatorio Real de Birmingham, donde contó con Richard Causton y Lamberto Coccioli como sus principales maestros de composición, y estudió de manera ocasional con figuras como Edwin Roxbourgh, Howard Skempton y Rebecca Saunders. El catálogo de Noguera incluye piezas solistas, para ensambles grandes y para diversas agrupaciones de cámara, entre las cuales se incluyen, a su vez, tres visitas al formato de cuarteto de cuerdas. Su música se ha presentado en Europa, Norte y Sur América, recibiendo reconocimientos en ambos lados del Atlántico. Cito textualmente el siguiente fragmento de su reseña biográfica, ya Foto: Juan Camilo Montañez Riveros 19 que ella misma plantea allí una especie de manifiesto de gran relevancia para nuestra apreciación de su trabajo compositivo: Como creadora e investigadora, a Noguera Palau le interesa resignificar materiales musicales preexistentes provenientes de músicas tradicionales colombianas, los cuales estudia y reelabora con un interés particular en la textura y el timbre. A lo largo de los años su reflexión estética y su obra se han ido basando en migraciones y extracciones de sonidos de todo tipo de su contexto habitual para buscar en ellos una vida y un significado distinto y especial. Una vez más, confesaré que Carolina Noguera es uno de los creadores colombianos cuya música más disfruto y cuyo pensamiento más valoro. En un entorno compositivo caracterizado por la falta de discusión, la constante reflexión que hace ella acerca de sí misma, sus orígenes y sus recuerdos resulta estimulante, así personalmente sus hallazgos me resulten lejanos. Como se lo he expresado al Banco y a la misma Carolina, creo que haber planteado este doble ciclo de cuartetos entretejidos es particularmente acertado, pues 1987 Inició sus estudios de piano en Cali con Alba Estrada. 1988-1996 Continuó sus estudios de piano en el Conservatorio Antonio María Valencia con Marjorie Tanaka, Svetlana Korjenko y Verónica Ramírez. 1997-2003 Ingresó al pregrado de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana, primero al énfasis de piano con Radostina Petkova y posteriormente al de composición con Guillermo Gaviria. 20 siento que una de las influencias más importantes en la música de nuestra compositora es aquella de Bartók2. La oportunidad de escuchar a estos dos compositores en un diálogo tan intenso no puede ser sobrevalorada y como colombiano interesado en mi patrimonio cultural, debo agradecerla. Quattuor verba, cuarteto de cuerdas No. 1 (2006) Noguera comenzó su ciclo de cuartetos en el 2006 con esta obra, subtitulada Quattour verba (Cuatro palabras), justo cuando se fue por primera vez a Inglaterra. No sorprendentemente, la obra cierra una primera etapa compositiva y deja entrever algunas características que comenzarían a florecer en su producción de años venideros. El primer movimiento porta un nombre tomado del salmo 130 (129): De profundis clamavi (De lo más profundo grito). Con gruñidos del arco presionado, gemidos con glissandi, y los gritos de 2 Curiosamente, otras dos grandes influencias que en el pasado he identificado en la música de Noguera son Iannis Xenakis y György Ligeti, ambos nacidos, al igual que Bartók, en la actual Rumania. 2005 Obtuvo la Beca de creación del Ministerio de Cultura de Colombia, producto de la cual son las Tres suites para banda compuestas bajo la tutoría de Juan Antonio Cuéllar. 2006 Obtuvo el primer premio en el X Premio Nacional de Composición del Instituto Distrital de Cultura y Turismo con la obra En luz y sombra, disertaciones para tuba y ensamble. 21 pizzicati agudos, Noguera retrata el encierro en un espacio agobiante desde el cual se clama por una deidad que nunca aparece. El segundo movimiento, en cambio, es bautizado deformando un verso del Santo del ordinario de la misa católica: Pleni sunt caeli et terra tua (así, sin el ‘gloria’ del original, podría significar Los cielos y tu tierra están llenos). Aquí, los glissandi se transforman en pequeños giros melódicos esperanzadores, rodeados por barridos de armónicos que parecen brotar y florecer hasta llenar el espacio sonoro. Las fundamentales de las diferentes series armónicas superpuestas sugieren una tríada de la menor (la, do y mi), pero el gesto final las reúne en la serie de la cuerda de re. La notación alfabética de esta (D) podría sugerir la presencia de Dios, así como el hecho de que las clases tónicas re, la, do y mi están reunidas en los primeros nueve (número místico del cristianismo) parciales de la serie armónica de re. La felicidad extática del segundo movimiento nos lleva a lo que la compositora describe como la «paz inmaculada» del tercero. Aquí, los anteriores gestos melódicos dan a luz a un inocente canto modal en la viola, 2006-2007 Como beneficiaria del programa de estudios en el exterior del Banco de la República cursó la Maestría en Composición en el Royal Birmingham Conservatoire (Reino Unido), siendo merecedora del MMus Course Prize 2006-2007 por su excelencia académica. Estudió con Richard Causton, Lamberto Coccioli y John Woolrich. 2008-2011 Cursó el Doctorado en Composición en el Royal Birmingham Conservatoire (Reino Unido) como becaria de Colfuturo y de Overseas Research Students Awards Scheme. Estudió con Edwin Roxburgh, Richard Causton, Lamberto Coccioli y Peter Johnson. 22 flotando sobre un bordón de violonchelo y articulado por referencias a campanas en violines. Sine Deo (Sin Dios) cierra la obra con indicaciones como Alla burlesca y Wobbling: irregular and free (Bamboleante: irregular y libre), aparentemente alegrándose por la erradicación de la deidad. Elementos musicales que luego se harán característicos en la música de Noguera aparecen en este movimiento, el más evidente de ellos siendo la referencia a danzas populares latinoamericanas, sugeridas con la típica sesquialtera 3/4-6/8 y el referente general de lo festivo. Por otra parte, elementos ‘ruidosos’, como el arco presionado del primer movimiento, son retomados y resignificados, ya no comportándose como simples efectos sugerentes de un ambiente extramusical, sino como un elemento de estructuración propiamente musical. Cuarteto palenquero, cuarteto de cuerdas No. 2 (2010, rev. 2015) Compuesta durante su residencia inglesa y revisada tras su regreso a Colombia, esta pieza lleva el nombre de Cuarteto palenquero. Abre con Bordón y Requinta, haciendo referencia a la marimba de chonta, instrumento principal del 2011 Se vinculó al Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana donde actualmente se desempaña como coordinadora del área de composición. 2014 Nació su hijo Leopoldo Peickner Noguera a quien le dedica Latidos de lo oscuro. Esta obra fue estrenada por la arpista María Clara Alarcón en la Sala Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional de Colombia. 23 currulao, para muchos la danza más importante del Pacífico Sur colombiano. Bordón se refiere al registro grave del instrumento y a su rol acompañante, mientras que Requinta lo hace al agudo, la melodía principal. Estos roles/ registros son recreados por Noguera con enorme detalle rítmico y tímbrico, reelaborando permanentemente las variaciones mínimas que caracterizan estas músicas. La marimba de chonta encarna un paradigma sonoro diferente a aquel de ‘sonido puro’ que suelen buscar los instrumentos europeos, reemplazándolo por el de un ‘complejo sonoro’, descrito por algunos como un sonido roto o multifónico. Noguera ya parecía haber intuido el potencial de este cambio de paradigma desde el primer compás de su primer cuarteto, pero hasta su segundo período creativo logró cristalizarlo. Tal vez a esto –así como al carácter rítmico de la música– se refiere con la indicación inicial de la partitura: Cracked but danceable (Rajado, pero bailable). 2016 Lanzó dos producciones discográficas, Formas de recuerdo sin territorio (con el apoyo de la Vicerrectoría de Investigación de la Pontificia Universidad Javeriana) y Linos Trío – Tres Compositores. Varias de las obras que hacen parte de estos discos fueron interpretadas en el marco de un concierto monográfico realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Obtuvo el Premio Bienal a la Creación Artística Javeriana con su obra Furias, para violín y piano, en el marco del II Encuentro de Arte y Creatividad organizado por la Vicerrectoría de Investigación de la Pontificia Universidad Javeriana. 24 Intemperies es atacado sin pausa, haciéndonos creer que es continuación del primer movimiento3. Aquel currulao parece derretirse tras la entrada sorpresiva de un material violento, explicado por el título del movimiento como la aspereza de la selva tropical. Este movimiento sería una metáfora del paisaje sonoro del entorno originario del currulao e incluye referentes como el sonido de insectos. Poco a poco, el ambiente agresivo cede y lo lírico aparece tímidamente. Estas semillas melódicas cobran vida plena a manera de cita en el tercer movimiento, Etelvina Maldonado, al cual llegamos de nuevo de manera ininterrumpida y ambigua. Estaríamos ante un homenaje póstumo a Maldonado, quien murió en el 2010, pero sorprende que la canción citada no es un bullerengue (género del Caribe colombiano del cual Maldonado fue intérprete); la melodía es del bolero Adiós en el puerto, del chiapaneco Ernesto Domínguez, cuya letra dice: 3 Esto es algo característico de Noguera desde sus primeras obras y no es precisamente común en la música contemporánea: componer obras multimovimientos, pero esconder el contraste entre los movimientos evitando pausas y haciendo empalmes. 2017 Su obra Canto del ave negra, para acordeón, escrita para Eva Zöllner, fue estrenada en el Aula Múltiple del Edificio Gerardo Arango de la Pontificia Universidad Javeriana en el marco de la Academia de Acordeón, en colaboración con el Goethe-Institut y la Universidad de los Andes. 25 Junto al mar dame el último adiós porque lejos yo me voy, lejos de aquí. Pero yo, ¡ay que triste me voy!, porque solo sabe Dios si volveré. Coherente con la letra, la cita se diluye gradualmente, sumiéndose en un ruido blanco que nos recuerda el mar y el viento de las dos costas visitadas, así como su símil capitalino, el murmullo del tráfico urbano, filtrado por las paredes de nuestros hogares y salas de concierto. Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3 (2018) La portada de este cuarteto, subtitulado Noche de reyes sin corona, retrata a un hombre negro, con sombrero, tocando violín mientras en el fondo, a través de la bruma, se vislumbran un río y una cordillera en la lejanía. Así, la compositora plantea un marco en el cual la tradición de violín caucano es objeto de contemplación. En un mensaje, la misma Carolina me dice que cita estas músicas tratando de acercarse a ellas y agrega que «su carácter extranjero 2018 Lanzó el séptimo volumen de la serie Compositores Javerianos con la colaboración del Ensamble Cuprum y Luis Guillermo Vicaría en la dirección musical. Este disco incluye su obra El brujo, para quinteto de cobres y percusión. Su artículo Formas de recuerdo sin territorio obtuvo el ‘Premio de investigación – La música académica, sinfónica y el canto lírico’ de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. 26 en mi cultura es análogo a la visita de los reyes de oriente. Pero en vez de tener presencia con riquezas materiales, lo hacen con riquezas musicales (tímbricas, rítmicas, sin recursos económicos)». Plegarias circulares, inicia en un estatismo meditativo sobre do, pero coloreado por la riqueza tímbrica y microtonal de aquel paradigma del complejo sonoro antes mencionado. Tras varios minutos comienzan a aparecer retazos melódicos que la compositora describe como «recuerdos intempestivos de una Juga, que alguna vez escuché interpretar a violinistas campesinos del Norte del Cauca en las Fiestas de la Natividad». La juga o fuga es uno de los géneros principales de esta música caucana y su nombre supuestamente hace referencia a fugas de esclavos en la región. Algunas fugas meramente temporales en apariencia eran comunes cuando al final de la temporada navideña, tras la Fiesta de Reyes del 6 de enero, los esclavos recibían la orden de guardar las decoraciones. Ante esta oportunidad, se robaban imágenes de Jesús recién nacido para hacer sus propios rituales de alabanza; de allí vienen las famosas Adoraciones del Niño Dios. El mismo do que sirvió como inicio resuena ahora en el registro agudo para servir 2019 Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3, obra comisionada por el Banco de la República, se estrena en el mes de marzo en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. El concierto es ofrecido por el Cuarteto Diotima de Francia. 27 como puente al segundo movimiento, Ofrenda. Entre sonidos de viento y percusiones, otra cita aparece, según nos dice la compositora, un torbellino de este mismo repertorio violinístico. Gradualmente, otros instrumentos se suman a manera de un fugato a tres partes, del cual eventualmente nos saca el violonchelo hacia la neblina de una textura de armónicos con ecos fragmentarios, como un recuerdo que se disipa. Los gestos percusivos del movimiento anterior parecen resucitar en Danza, tomando fuerza en el violonchelo y llamando a rasgueos festivos de la viola. Sutilmente, los violines van recordando la juga inicial antes de que otro empalme, esta vez de viento, nos lleve a Cantos de arrullo. Aquí, un acompañamiento cristalino invoca una sencilla melodía en violines, la cual es elaborada polifónicamente hasta perderse en las cuerdas graves. A pesar de que nuestras tradiciones populares están llenas de arrullos, Noguera evita citarlas aquí y al respecto dice: «Intento extraer el tema de la natividad de las asociaciones y festividades religiosas, como un tema más serio y trascendental». Recordando que la compositora es madre, puede ser que la CATÁLOGO DE OBRAS DE CAROLINA NOGUERA 2000 Mioclonía, para piano solo 2003 aTóMik, para quinteto de metales y percusión Mecanismos, para violonchelo y piano 2005 Tres suites para banda 2006 En luz y sombra: disertaciones para tuba y ensamble Quattuor verba, cuarteto de cuerdas No. 1 2007 Alborada, para ensamble Hipotenusa, para trío de cuerdas Missa, para barítono, percusión y electrónica 2008 Pedazos de chonta, para cuarteto con piano 2009 Chirimías metálicas, para flauta sola Elegía errante, para viola sola My lonely Cumbia, para pequeño ensamble Nocturno, para ensamble 28 natividad, en este caso, se refiera más a la maternidad y así, a la trascendencia de nuestra cotidianidad. El Ostinato abismal que cierra la obra está construido sobre un fragmento del torbellino del segundo movimiento y el giro que aquí le da Noguera, cada vez más intenso y brusco, sorprendentemente termina convirtiéndolo en una paráfrasis del final de Quattuor verba. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. 2010 Autumn Whisperings, para orquesta Cuarteto palenquero, cuarteto de cuerdas No. 2 (rev. 2015) Giros y rostros, para cuatro instrumentos Masks, para mezzosoprano y clarinete en si bemol. Basado en un poema de Oz Hardwick. Murmullos atómicos, para ensamble 2011 Furias, para violín y piano Porro azul, para banda de vientos 2013 Fiestas de Pubenza, para quinteto Desórbitas, para dos pianos y dos sets de multipercusión 2014 Latidos de lo oscuro, para arpa sola 2015 Doble doble, para violín solo 2017 Canto del ave negra, para acordeón solo El brujo, para quinteto de cobres y percusión 2018 Noche de reyes sin corona, cuarteto de cuerdas No. 3 CATÁLOGO DE OBRAS DE CAROLINA NOGUERA Foto. Axel Moncada COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Sábado 18 de mayo de 2019 · 4:00 p.m. MARÍA CRISTINA PLATA cantante (Colombia) Viernes 14 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Cód. PULEP: DXD705. MTX389 COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Teatro de la Casa de la Cultura de Calarcá AMARETTO ENSAMBLE música tradicional (Colombia) Miércoles 5 de junio de 2019 · 7:00 p.m. Salón Colombia del Armenia Hotel Cód. PULEP: OBR115. ZBQ202 Próximos conciertos en Cali Auditorio del Centro Cultural Comfandi Próximos conciertos en Armenia COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana ENSAMBLE LINEA (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio Cód. PULEP: FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta Cód. PULEP: WQF359. IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982 . SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 ENSEMBLE LINEA - Foto. (c) Ensemble Linea RICARDO PUCHE - Foto. Richard Puche Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en

Con más de siete producciones discográficas, múltiples galardones nacionales e internacionales, y más de sesenta años de experiencia en el medio musical, Blanca Uribe ocupa hoy el lugar de una de las pianistas más importantes en la historia de Colombia. Su trayectoria como concertista la ha llevado a múltiples festivales, concursos y recitales en el mundo, incluyendo paradas en Austria, Brasil, España, Estados Unidos y Polonia, entre muchos otros países. En la actualidad, Uribe divide su tiempo como profesora de la maestría de piano de la Universidad EAFIT, en Medellín, y como concertista en varios de los auditorios más prestigiosos de Colombia. Este concierto también se presenta en: - Pereira el martes 12 de febrero de 2019 en la Sala Múltiple de la Agencia Cultural del Banco de la República - Manizales el miércoles 13 de febrero de 2019 en el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República con el apoyo de Radio Nacional de Colombia, Caldas FM y Quhacer.co

Dirigida por Barbara de Martiis y fundada en el año 2011 por el cardenal Rubén Salazar Gómez, la Schola Cantorum es una valiosa iniciativa cultural que en los últimos siete años de actividad ininterrumpida ha rescatado y divulgado el repertorio litúrgico coral de múltiples y variadas estéticas. La transparencia de su sonido, su expresividad y versatilidad la ha llevado a representar a Colombia en eventos como el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri Cantores (Río de Janeiro), y a cantar la misa que el Papa Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. En este concierto, el ensamble hará un recorrido por más de cinco siglos de repertorio musical occidental, desde el canto gregoriano hasta el siglo XXI.