Por:
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Fecha:
02/08/2022
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
Foto: Kaupo Kikkas
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
SAMUELE TELARI
(Italia)
acordeón
Viernes 19 de agosto de 2022 · 7:00 p.m.
Cartagena, Centro de Formación de la Cooperación Española
PULEP: RMH305
Domingo 21 de agosto de 2022 · 11:00 a.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: FAV199
Martes 23 de agosto de 2022 · 7:00 p.m.
Honda, Cámara de Comercio de Honda
PULEP: MLR342
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
teléfonos celulares y alarmas de reloj.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
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Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el
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el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
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Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones,
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SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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ACERCA DEL INTÉRPRETE
SAMUELE TELARI, acordeón
En 2019 Samuele fue premiado en las Audiciones
Internacionales de YCAT; y obtuvo el primer puesto
en los concursos de Arrasate-Hiria (España) en
2018 y de Castelfidardo (Italia) en 2013.
Durante la temporada 2021-2022 debutó como
solista con la Haydn Orchestra, dirigida por Kent
Nagano en Italia, regresó al Wigmore Hall y al
Schlern Music Festival, y ofreció también recitales
en Saffron Hall, Deal Festival y Cheltenham Music
Festival. En el último año, Samuele ha dado recitales
en el Snape Maltings Concert Hall, en el Festspiele
Mecklenburg-Vorpommern, en el Festival de
Verbier, en el ciclo Divertimento Ensemble Rondo
de Milán y en el Schlern Music Festival.
Grabó para la BBC Radio 3 con la mezzosoprano
Ema Nikolovska e hizo una colaboración con
Tabea Debus (flauta dulce), y los Cuartetos Esmé
y Simply. Su grabación de las Variaciones Goldberg
de J. S. Bach en el Queens Hall de Edimburgo para
Delphian Records se lanzó en 2021 y obtuvo gran
reconocimiento por la crítica.
Otros momentos destacados de la interpretación del Samuele fueron los
conciertos en directo encargados para su publicación en línea por el Deal
Music & Arts Festival, el London International Festival of Early Music y el
Banco de la República de Colombia.
Samuele nació en Spoleto, Italia, y es profesor en el Conservatorio Statale
di Musica ‘Nicola Sala’ en Benevento.
Foto: Kaupo Kikkas
2
La realización de este concierto en Cartagena cuenta con el apoyo de
La realización de este concierto en Honda cuenta con el apoyo de
Conozca más acerca de Samuele Telari
www.samueletelari.it
www.ycat.co.uk/samuele-telari
Samuele Telari
Samuele Telari
Samuele Telari
@samueletelari
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PROGRAMA
Coral en si menor de Tres corales (1890) CÉSAR FRANCK (1822-1890)
Original para órgano
Arreglo para acordeón de Samuele Telari (n. 1992)
Andante con moto de Cuarteto de cuerdas
en re menor, D. 810 ‘La muerte y la
doncella’ (1824)
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
Original para cuarteto de cuerdas
Transcripción para acordeón de
Domenico Turi (n. 1986)
Tres movimientos de la Suite Holberg,
Op.40 (1884)
Praeludium
Aria
Rigaudon
EDVARD GRIEG (1843-1907)
Original para piano
Arreglo para acordeón de Samuele Telari
INTERMEDIO
8’20” chrono (2007) BRUNO MANTOVANI (n. 1974)
De profundis (1978) SOFIYA GUBAIDÚLINA (n. 1931)
Danza macabra, Op.40 (1874) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921)
Original para orquesta sinfónica
Transcripción para acordeón de Yuri Shishkin (s. f.)
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NOTAS AL PROGRAMA
Por Guillermo Gaviria
El recital de hoy nos ofrece una oportunidad singular: escuchar, en
condiciones acústicas óptimas, un instrumento que aparece con muy poca
frecuencia en las salas de concierto, el acordeón clásico. Fue inventado por
Friedrich Buschmann en 1822, en Berlín, y en 1829, Cyrillus Demian de Viena
creó otra versión del instrumento al que llamó acordeón, debido a la adición
de botones, tocados por la mano izquierda, que producen acordes. Aunque
utilizado frecuentemente en la música popular en Latinoamérica y el mundo,
en el campo de la música clásica su presencia es relativamente reciente, siendo
Sieben neue Spielmusiken, compuesta por Hugo Hermann en 1927, la primera
obra original para acordeón solo.
El programa ofrece obras originales y obras conocidas en transcripción
para acordeón clásico. Es conveniente tener en cuenta que la tarea que establece
una transcripción es, por un lado, traducir una pieza al idioma del nuevo
instrumento, y, por otro, asegurar al mismo tiempo la mayor autenticidad
posible y atención a las intenciones musicales del original. Samuele Telari
oportunamente hace una recomendación a los asistentes:
¡Para entrar en este programa es importante hacerlo con los oídos en blanco!
Significa que, incluso para los compositores y piezas más famosos, como Schubert,
Grieg o Saint-Saëns, los oyentes deben tratar de no encontrar lo que ya saben. Es
como reconocer algo que mantiene el mismo significado y contenido, pero visto
desde otra perspectiva. Eso es lo que siempre hicieron las transcripciones, y por eso
son tan importantes en la cultura musical (Telari, 2022).
Ahora, en cuanto a las obras originales en el programa, el intérprete
también nos comparte su reflexión:
Las piezas contemporáneas, como la mayoría de la música del siglo xx, ya no tienen
un lenguaje común y lo que guía la pieza es el sonido mismo. A los compositores
generalmente les gusta explorar el instrumento, encontrar las regiones extremas, la
frontera entre el ruido y el sonido afinado casi desaparece. Por eso es importante
aquí, también, no pretender buscar una melodía, un tema que nos haga sentir como
en casa, sino considerar cada sonido como un aglomerado de vibraciones que trae
emociones específicas. Como el color para los pintores impresionistas (Telari, 2022).
Los Trois chorals (Tres corales) para órgano de César Franck (1822-1890)
—sus últimas obras— fueron escritos durante sus vacaciones de verano de
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1890, en un periodo de dos meses. El Coral en si menor fue concluido el 17
de septiembre. Franck no pudo enseñar a sus estudiantes estas últimas obras,
sin embargo, las mostró a ellos como lo relata Louis Verne: «(…) los tocó
para nosotros en el piano con [Guillaume] Lekeu tocando el bajo, el martes,
2 de octubre» (Smith, 1997, p. 210). Franck, organista y compositor francés,
falleció el 8 de noviembre.
El Premio Nobel Albert Schweitzer (1875-1965), filósofo, musicólogo,
organista y médico misionero alemán en África, conocido especialmente
por fundar el Hospital Schweitzer, que brindó una atención médica sin
precedentes a los nativos de Lambaréné, en Gabón, expresó en las notas a su
grabación de los Tres corales:
Los Trois Chorals [Tres corales] para órgano tienen un espíritu espontáneo único y
perfección en la forma. Y, adicionalmente a sus otras cualidades, poseen aún otra, la
más grande de todas: un espíritu de dedicación. Las obras de Franck, como las de
Bach, revelan la profunda piedad del artista que las compuso (Smith, 1997, p. 207).
Esa cualidad subrayada por Schweitzer aparece en el espíritu fundamental
del Coral en si menor, imbuido de un profundo misticismo. Se inicia como una
passacaglia1 con la aparición en el registro grave de un bajo ostinato sobre el
que se construirá una serie de variaciones.
El Cuarteto No. 14, D. 810, del compositor vienés Franz Schubert (1797-
1828), fue compuesto en 1824. El segundo movimiento, Andante con moto,
es una serie de cinco variaciones basada en el lied de Schubert Der Tod und
das Mädchen (La muerte y la doncella) de 1817, del cual el compositor cita
los compases iniciales de su introducción y luego los compases 30 a 37 del
acompañamiento de piano. Para su canción, Der Tod und das Mädchen,
musicalizó el poema de Matthias Claudius, que contrasta el terror a la muerte
de la doncella con las promesas consoladoras de la muerte de un sueño largo y
tranquilo. Domenico Turi, acordeonista autor de la transcripción, explica sus
objetivos al transferir la partitura al acordeón, enfatizando la idea de unidad:
Durante la transcripción, traté de renovar la idea de que una obra para cuarteto debe
luchar por la unidad. Esto fue posible mediante el uso del bayan, ya que los fuelles
aseguran la unidad expresiva, mientras que los dos manuales aseguran la autonomía
1 El término passacaglia (español: pasacalle; francés: passacaille; italiano: passacaglia, passacaglio,
passagallo, passacagli, passacaglie) viene del español pasar y calle. La passacaglia fue redefinida
alrededor de 1620 por Girolamo Frescobaldi (1583-1643), quien la empleó como una serie de
variaciones continuas sobre un bajo, que también puede variar, modelo que fue adoptado por
compositores posteriores, entre ellos J. S. Bach, de quien es muy conocida su Passacaglia y fuga en
do menor, BWV 582.
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y diferenciación de las voces. Me mantuve fiel a la obra de Schubert, haciendo la
transcripción lo más instrumental posible, tratando de explorar las posibilidades de
ejecución del propio instrumento y potenciar sus características técnico-expresivas;
por ejemplo, el uso de bajos libres y estándar, el característico “bellow shake”2,
la alternancia de manuales y la igualmente importante indicación de registros
(Cappelletto, 2017).
Por otro lado, el musicólogo Sandro Cappelletto, señala los elementos de
contraste: «Turi sigue el ritmo y la variación temática de la estructura original,
adornándola con una pasión vibrante y dejando que los ecos populares y
desgarradores se destaquen a través del sonido del bayan» (2017).
Edvard Grieg (1843-1907), el más importante compositor noruego del
siglo xix, fue gran impulsor de la música folclórica de su país, que encuentra
un lugar destacado en sus obras. La Suite Holberg, Op. 40, originalmente
llamada Suite al estilo antiguo, es una obra en cinco movimientos basada en
formas de danza del siglo xviii, escrita por Grieg en 1884 para celebrar el
bicentenario del nacimiento del dramaturgo Ludvig Holberg (1684-1754).
Holberg, conocido como ‘el Moliere del norte’, era nativo de la misma ciudad
natal de Grieg, Bergen, y pasó gran parte de su tiempo viajando por Europa
antes de establecerse en Copenhague, y adoptar la lengua y la literatura
danesas. Originalmente, Grieg compuso la Suite para piano, y un año más tarde
la transcribió para orquesta de cuerdas, siendo esta la versión más conocida.
La Suite tiene la forma y el estilo propios de la música del siglo xviii, pero con
el aporte de las armonías del compositor. De acuerdo con Ernst Herttrich, en
su comentario para la edición Henle, «(…) el resultado fue una pieza única
en el que (sic) un estilo barroco, el humor satírico y el lirismo nórdico típico
del compositor se fusionan en una síntesis al más alto nivel artístico» (1989).
De las cinco danzas originales, escucharemos Preludio, que sirve como danza
introductoria; Aria, danza de carácter lírico; y Rigaudon, danza provenzal de
carácter vivaz y ritmo binario, con coreografía de pasos saltados.
Bruno Mantovani (n. 1974), director y compositor, estudió análisis,
estética, orquestación, composición e historia de la música en el Conservatoire
National Supérieur de Musique et de Danse de París, y musicología en la
Universidad de Rouen. Sus obras se han interpretado en el Concertgebouw
d’Amsterdam, la Philharmonie de Cologne, la Scala de Milan, el Carnegie
Hall y el Lincoln Center de Nueva York, la Cité de la Musique y la Salle
2 Expresión utilizada en el acordeón y otros aerófonos libres que utilizan fuelles para indicar el
movimiento rápido de apertura y cierre de los fuelles. Este efecto es similar al trémolo de otros
instrumentos.
7
Pleyel de París, al igual que en el Musikverein de Viena. Bruno Mantovani
también es director de orquesta y dirige regularmente conjuntos de música
contemporánea (Accentus, Alternance, Intercontemporain, Sospeso,
TM+), así como las orquestas de Lille y Capitole de Toulouse. Fue director
del Conservatorio de París (2010-2019). Actualmente, es director del
Conservatoire de Saint-Maur-des-Fossés, Île-de-France en Francia. 8’20”
chrono para acordeón fue comisionada por el acordeonista Pascal Contet,
quien la estrenó el 16 de septiembre de 2007, en el Festival International de
Musique de Besançon Franche-Conté. Con relación a su obra, Mantovani
comenta:
Después de años de tergiversaciones y citas perdidas, decidí en 2007 finalmente
componer una obra para Pascal Contet. Novato en el campo del acordeón,
quise acercarme al instrumento no de manera organológica, sino considerando
una problemática musical que desarrollo regularmente: la superposición de
periodicidades. Después de haber probado este experimento con el piano en el cuarto
estudio que dediqué a este instrumento, quise ver si los dos teclados del acordeón
no eran aún más propicios para esta concepción rítmica, y obviamente encontré
allí el instrumento más adecuado para crear la ilusión de una polifonía rítmica
compleja. Cada uno de los diez dedos toca un ritmo regular, y es la superposición
de los diferentes “patrones” lo que crea la textura general ininterrumpida. Escrita en
pocos días, esta obra virtuosa y estereofónica (ya que es un ping-pong entre los dos
teclados) hace un guiño, por su título, a una famosa serie de televisión cuya tensión
y suspenso me inspiraron especialmente (Mantovani, 2007).
Sofiya Gubaidúlina (n. 1931) nació en Chistopol en la República
Autónoma Socialista Soviética Tártara. Estudió piano y composición con
Grigory Kogan y se graduó en el Conservatorio de Kazan en 1954. Hasta
1959 estudió composición en el Conservatorio de Moscú con Nikolai Peiko,
asistente de Shostakovich y luego hizo un trabajo de posgrado con Vissarion
Shebalin. Ha estado activa como compositora desde 1963.
De profundis, compuesta en 1978, su primera obra para bayan3, se refiere
a la versión latina del famoso Salmo 130: «Desde lo profundo a ti clamo,
oh, Señor». Aunque el contenido del Salmo no se emplea como programa
para la composición, sí permanece simbólicamente presente en la música que
propone una imagen del sufrimiento humano profundo e incluye expresiones
de esperanza, confianza y misericordia.
3 Bayan es el acordeón cromático de botones desarrollado en Rusia a comienzos del siglo xx.
Recibe su nombre de Boyan, un bardo del siglo xi que hizo parte de la corte de Yaroslav el Sabio.
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Al principio, el sonido es un golpe débil, ya que el aire sale del fuelle como un
viento, un soplo, un suspiro, un gemido. La pieza se desarrolla a lo largo de un arco
ininterrumpido, mientras que el espectro de las expresiones más peculiares del bayan
está constantemente al servicio de propósitos expresivos funcionales: tone clusters4 se
alternan con resonancias sintéticas más frías, vibraciones celestiales con estruendos
oscuros. La invocación se alterna con la súplica, y el sufrimiento con la esperanza,
mientras la ansiedad de la espera es sacudida por aceleraciones y hasta explosiones
en la dinámica y variedad de los registros. El predominio perdurable de una estética
visionaria conduce a una ascensión luminosa, después de atravesar las profundidades
del dolor y muchas angustias. El virtuosismo ejecutivo nunca triunfa sobre el control
del proyecto narrativo del autor. Tras un primer tormentoso pico expresivo —como
una despedida de las angustias de la vida— se produce un episodio de silencio y
renovada espera. Se repite el golpe inicial, en adelante cabalgando la bienaventuranza
hacia una reconciliación final con la muerte, revelando la salvación eterna a quien
cree en la resurrección, a través del descanso eterno (Cappelletto, 2017).
La obra fue compuesta con la colaboración del acordeonista Friedrich
Lips, quien la interpretó por primera vez en Moscú en 1980.
Danse macabre (Danza macabra), compuesta en 1874, es el tercero de
los cuatro poemas sinfónicos del compositor francés Camile Saint-Saëns
(1835-1921). Se inicia con el reloj dando la medianoche. Luego la Muerte,
representada por un solo de violín, en la obra original, toca un tritono, un
intervalo que en la Edad Media se creía que pertenecía al diablo y se le llamaba
‘diabolus in musica’. La Danza macabra es una adaptación orquestal de la
canción del mismo nombre que escribió Saint-Saëns en 1872, musicalizando
un poema de Henri Cazalis (cuyo seudónimo es Jean Lahor): «Zig y Zig y
Zag, la cadencia de la muerte / golpeando una tumba con sus talones / la
Muerte, a medianoche, toca una danza / Zig y zig y zag en el violín… se oye
crujir los huesos de los danzarines… / Pero ¡chiss! De repente abandonan el
corro / se empujan, huyen, ha cantado el gallo».
La transcripción para bayan de Yuri Shishkin sigue la parodia y lo grotesco de la
composición de Saint-Saëns. Realza el espíritu de la danza folclórica abrumadora y
festiva, que desempeñó un papel importante en el surgimiento universal de la familia
de instrumentos del acordeón (Cappelletto, 2017).
4 Es un acorde de sonidos adyacentes en una escala. Los clusters típicos se basan en la escala
cromática y están separados por semitonos.
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Referencias
Cappelletto, S. (2017). Samuele Telari, Limes Program Notes. VDM03855035,
VDM Records.
Herttrich, E. (Editor). (1989). From Holberg’s Time op. 40, Suite in the Old
Style. Preface. G. Henle Verlag.
Mantovani, B. (2007). 8‘20 chrono pour accordéon. Nota. Centre National de
Création Musicale. https://www.cirm-manca.org/
Smith, R. (1997). Playing the organ works of César Franck (No. 1). Pendragon
Press.
Telari, S. (2022). “About the Recital at Banco de la República - Bogotá
(Colombia)”. [Entrevista por correo electrónico]. Recibida por Guillermo
Gaviria, 6 de julio de 2022.
Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la
Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director
del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor
y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de
Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad
de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor
de notas al programa y conferencista desde 1986.
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Tierney Sutton (Estados Unidos), jazz
TEMPORADA NACIONAL
DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
Consulte toda la programación en
www.banrepcultural.org/actividad-musical
