Por:
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Fecha:
08/07/2022
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
Foto: Vincy Ng
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
TRÍO SITKOVETSKY
(Alemania)
trío con piano
Jueves 28 de julio de 2022 · 7:00 p.m.
Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
PULEP: QRS637
Viernes 29 de julio de 2022 · 7:00 p.m.
Pereira, Sala Múltiple del Centro Cultural del Banco de la República
PULEP: NEA517
Domingo 31 de julio de 2022 · 11:00 a.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: IES485
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
teléfonos celulares y alarmas de reloj.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
concierto.
Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el
enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en
el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República
ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas
de correo de su preferencia.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones,
quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción,
puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano
o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del
Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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EL RETORNO DE LO EFÍMERO
La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música.
Leonardo da Vinci
El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la
música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República,
y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la
música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan
esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto
la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte
de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan
nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas
sensaciones nuestros sentidos.
La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado
de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas
maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes
medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes
del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia
de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor
y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún
medio digital.
Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en
el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser
humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación
de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty
Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de
guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las
actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte,
la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton
y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de
manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en
nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras
latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de
Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro
jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el
marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta
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y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos
colombianos.
Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno—
ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago
Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco
de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León.
Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete,
improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un
total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor
envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos
retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que
suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una
oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que
han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas.
Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a
la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos
sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan
por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de
primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero,
a la experiencia de la música en vivo.
Sección de Música
Subgerencia Cultural
Banco de la República
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ACERCA DEL ENSAMBLE
Trío Sitkovetsky, trío con piano
El Trío Sitkovetsky se ha consolidado como un
trío con piano excepcional de la actualidad, con
presentaciones sensacionales en las principales
salas de concierto del mundo. A Alexander
Sitkovetsky (violín) y Wu Qian (piano), se les
unió recientemente el violonchelista germano-coreano
Isang Enders, con quien continuaron su
exitosa trayectoria musical. Su enfoque reflexivo
y comprometido ha llevado al conjunto a ser
aclamado por la crítica y a ser invitado a salas de
concierto de renombre en todo el mundo, como
el Concertgebouw de Ámsterdam, la Alte Oper
de Frankfurt, el Palais des Beaux Arts, el Musée
du Louvre, el Auditori de Barcelona, el Wigmore
Hall y el Lincoln Center de Nueva York.
En la temporada 2021/2022, tiene conciertos en los Países Bajos
(Concertgebouw de Ámsterdam, TivoliVredenburg, Haarlem), Italia (Trieste,
Milán y Rimini) y hará una gira por el Reino Unido, Irlanda y América Latina.
También se presentará en varios festivales de primavera y verano en Europa.
Recientemente, el trío regresó al Festival Rheingau Musik y se presentó
por primera vez en el Perth Festival of the Arts, el Konzert Theater Bern, el
Kammermusik Basel, el Mikkeli Festival, el Frederiksvaerk Festival, el Bellerive
Festival y el Festival de Avila. Entre lo más destacado de las temporadas
anteriores se cuenta una residencia en el Hong Kong City Hall, que incluyó
interpretaciones del Triple concierto, Op. 56 de Beethoven con la Hong Kong
Sinfonietta, así como música de cámara. El ensamble también realizó una gira
por Asia, con conciertos en Corea del Sur, Singapur y Japón. En mayo de 2019
los músicos interpretaron el estreno mundial de un nuevo Triple concierto de
Charlotte Bray con la Orquesta Philharmonia.
Adicionalmente, se han presentado en la sala St. George en Bristol,
Beethovenhaus Bonn, Frederiksvaerk y Hindsgavl Festival en Dinamarca, y
han sido invitados a tocar en el Rheingau Musik Festival y con la Chamber
Music Society of Lincoln Center. El trío ha interpretado el Triple concierto de
Foto: Vincy Ng
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Beethoven con la Konzerthausorchester de Berlín, la Filarmónica de los Países
Bajos, la Sinfónica de Múnich y la Anhaltische Philharmonie Dessau.
Destacan también sus actuaciones en los festivales de Music@Menlo
en California, Chamber Music Society of Lincoln Center, Hong Kong
International Chamber Music Festival y el Menuhin Festival de Gstaad, así
como en los festivales de música de Bergen, Rheingau y Cheltenham. Además,
se han embarcado en numerosas giras, incluida una por los Estados Unidos con
conciertos en San Francisco y Washington D.C.; por China con presentaciones
en Beijing, Shangai y Guangzhou, y una exitosa gira por Australia con Música
Viva, recibiendo numerosas críticas elogiosas.
Además de haber ganado el primer puesto en el premio internacional de
música de cámara Commerzbank, obtuvieron el premio de música de cámara
Nordmetall en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern y el premio de música
de cámara Philharmonia-Martin. Por otra parte, se destacan las instituciones
de las que el Trío Sitkovetsky ha recibido apoyo como la Fundación Hattori,
el Fondo de Beneficencia de los Músicos, el Fidelio Trust y la Fundación
Artística Global Suiza.
Lanzaron su primera grabación para BIS Records en 2014, en la que se
incluyeron obras de Smetana, Suk y Dvořák con gran éxito, según la crítica.
Esto condujo a otros lanzamientos de obras de Brahms y Schubert con el Sello
Wigmore Live y a otra grabación para BIS de Tríos de Mendelssohn en 2015.
Grabaron su tercer disco para BIS que incluyeron los Tríos Op. 1 y Op. 70 de
Beethoven, y el Allegretto en si bemol mayor para trío con piano, WoO 39, como
parte de su ciclo completo de Beethoven, que fue publicado —con destacados
resultados— a tiempo para las celebraciones del cumpleaños del compositor
en la primavera de 2020. En junio de 2021 el Trío Sitkovetsky publicó su más
reciente álbum con BIS Records.
Conozca más acerca de Trío Sitkovetsky
www: sitkovetskytrio.com
@SitkovetskyTrio
@sitkovetskytrio
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Piezas de fantasía para violín,
violonchelo y piano, Op. 88 (1842)
Romance
Humoreske
Duett
Finale
ROBERT SCHUMANN (1810-1856)
Trío con piano (1914)
Modéré
Pantoum. Assez vif
Passacaille. Très large
Final. Animé
MAURICE RAVEL (1875-1937)
INTERMEDIO
Trío con piano No. 1 en si mayor,
Op. 8 (1889)
Allegro con brio
Scherzo. Allegro molto
Adagio
Finale. Allegro
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
PROGRAMA
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NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Schumann
El compositor alemán Robert Schumann (1810-1856) ejerció una influencia
decisiva sobre las generaciones de compositores románticos del siglo xix no
solo por su música, sino por su actividad como escritor y crítico, la relación
que buscó entre la música y el mundo literario, su actividad como pianista
concertista, su generosidad como director orquestal, y su vida personal agitada
marcada por la enfermedad y la locura. Luego de una gran cantidad de obras
para piano y canciones, Schumann se embarcó en la composición de música
de cámara, un género que para 1842 alternaba entre la expresión íntima del
compositor y el mundo del concierto público. En un año, Schumann escribió
los tres cuartetos del Opus 41, el Quinteto con piano en mi bemol mayor, el
Cuarteto con piano también en mi bemol mayor, la Fantasía para trío, el Andante
con variaciones para dos pianos, dos violonchelos y corno (publicado como obra
para dos pianos).
En sus escritos Schumann consideró que el cuarteto debía evitar los gestos
sinfónicos y ser una conversación en la cual cada instrumento tuviera algo que
decir. También le parecía importante tener conocimiento íntimo del género
para no imitar a Haydn, Mozart y Beethoven. Del primero de ellos aprendió
el uso de motivos únicos, plenos de potencial para el desarrollo; de Mozart,
la flexibilidad de la forma; y de Beethoven, la unidad temática y tonal. Sobre
Schumann pesó enormemente la herencia de Beethoven, en todo sentido
(formal y técnico); el compositor construyó desde la gran tradición germana
una escuela de técnica imponente y contenido novedoso. Su ilustre antecesor
había sentado las bases para desarrollar grandes formas musicales (de extensa
duración) con base en variaciones, a la vez que daba toques finales y lapidarios
a la evolución de la sonata clásica. Por su parte, Franz Schubert había plasmado
el carácter efímero y etéreo de la pieza romántica, y había trazado el rumbo de
la pieza de carácter, descriptiva y de ejecución virtuosística. Correspondió a
Schumann enmarcar su herencia dentro de las fuertes tendencias literarias y
poéticas del siglo, junto con las demandas de un nuevo público de las ciudades,
ávido de asistir a conciertos públicos.
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La primera pieza (movimiento) de la obra Piezas de fantasía es breve y
pensativa, según las instrucciones del compositor: no muy rápida y con expresión
interna. De entrada, se reconoce la gran influencia de Haydn en el manejo de los
tres instrumentos. Este Romance es un trozo evocador, melancólico y sencillo.
El segundo movimiento hace las veces de scherzo, pasaje de buen humor y
viveza rítmica basado en el tiempo de marcha, motivo rítmico que aparece aún
en las secciones de contraste. En el dueto del tercer movimiento, predomina la
conversación, de gran intensidad melódica, entre las dos cuerdas, mientras el
piano provee un acompañamiento ripioso y discreto. Para el final, el compositor
retorna a la marcha que se combina con episodios contrastantes como el que
incluye cánones imitativos. Una coda plena de energía concluye la obra.
Ravel
Desde 1908 Maurice Ravel (1875-1937) había manifestado interés en escribir
un trío con piano, pero no concretó su proyecto sino hasta 1914 en la localidad de
St. Jean-de-Luz, cerca de su pueblo de origen. Terminó el primer movimiento en
marzo, y para la época de la declaratoria de la Primera Guerra Mundial, en agosto,
aún estaba trabajando en su composición. Según las palabras del compositor, su
obra tenía ‘algo’ de Saint-Saëns. Pese al ambiente bélico, en el año de 1914 Ravel
logró terminar varios trabajos: se estrenaron los Tres poemas, orquestó Carnaval
de Schumann y Las sílfides de Chopin (obras para ser danzadas por Nijinsky en
Londres, en donde también se escuchó Daphnis); compuso las Dos melodías
hebreas e inició la escritura de Le tombeau de Couperin y las Tres canciones. El
Trío se escuchó por primera vez en enero de 1915 y al finalizar las Tres canciones
interrumpió su actividad musical para enlistarse en el ejército francés en calidad
de conductor.
Para Ravel era muy importante el dominio y la redefinición de las formas
clásicas y cuando se comprometía a escribir una de ellas, el ejercicio le resultaba
supremamente exigente, pues debía moverse en estructuras antiguas con
una mirada moderna. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más
importantes: el Cuarteto en fa, las dos sonatas para violín y piano, la Sonata para
violín y violonchelo, y el Trío. El primer movimiento del Trío es sutil y discreto,
en gran parte por el uso de escalas modales antiguas que contribuyen a la
ambigüedad tonal. Se alternan dos secciones claramente diferenciadas por el
ritmo; la primera es de carácter más decidido y la segunda, mucho más vaporosa.
El mismo compositor consideró que tenía un aire vasco evidente en el uso
de ritmos asimétricos al inicio de la obra, similares a los encontrados en los
esbozos para su concierto para piano sobre temas vascos. El título del segundo
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movimiento, Pantoum, hace referencia a un verso malayo en el que las líneas
segunda y cuarta de una cuarteta se convierten en las líneas primera y tercera
de la siguiente. La ornamentación de las melodías, su gracia y ritmo sincopado,
recuerdan la música española empleada por Ravel en otras composiciones.
Las ideas del segundo movimiento se presentan en dos líneas independientes
que se entrecruzan para producir una tercera secuencia lógica. El tema de la
Passacaille es presentado por el piano en primera instancia, luego se escucha en
el chelo y finalmente es entonado por el violín. El tema se ejecuta en diversas
alturas con acompañamientos variados y paulatinamente se construye un
intenso clímax sonoro que se desvanece para crear un gran arco musical. El
final es muy activo y el piano se encarga de crear un telón de fondo arpegiado
sobre el cual las cuerdas trinan y presentan sus melodías mucho más pausadas.
La ambivalencia rítmica que va y viene entre compases asimétricos de 5/4 y
7/4 se remonta a los gestos del primer movimiento.
En este Trío de Ravel se concretan muchos de sus rasgos estilísticos más
sobresalientes: referencias formales y estructurales clásicas, inspiración en
músicas consideradas exóticas, recreación de ambientes armónicos lejanos
y ambiguos que cuestionan el sistema tonal mediante el empleo de escalas
modales medioevales, gran técnica instrumental, recreación de estados
anímicos sutiles y simbolistas, y, finalmente, dardos modernistas certeros en
lo armónico (empleo de la disonancia) y lo rítmico (asimetría y complejidad).
Brahms
Existen dos versiones contrastantes del Trío con piano No. 1 de Johannes
Brahms (1833-1897), la primera escrita en 1854 y la segunda, la revisión en
su época de madurez de 1889. En la primera, el compositor, entonces de 21
años de edad, concibió un ejercicio romántico, lleno de eventos impetuosos y
libres, inspirado en un personaje de E. T. A. Hoffmann. Firmó la obra con el
seudónimo de Kreisler hijo, clara indicación de la relación anímica del Trío con el
carácter variable del personaje literario que también inspiró a Robert Schumann
en su Kresileriana para piano solo. Esta obra de juventud, revisada muchos
años después, revela una faceta compleja de Brahms, cuya música de cámara
se caracteriza por la fidelidad a los ideales clásicos, pero que, en este temprano
intento, se asemeja mucho más al ideal schubertiano. La tonalidad, si mayor, es
poco clásica, como también lo es el discurso anímico en perpetua alteración.
Brahms escribió tres tríos para piano, violín y chelo, y dos tríos para otras
combinaciones (piano, violín y corno, y piano, clarinete y chelo). En los
cinco casos, el piano no desempeña un papel de acompañamiento, sino que
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proporciona elementos sonoros muy importantes para la textura de las obras y
aporta diálogos activos de dimensiones imitativas en todas las obras. Para 1854
Brahms estaba afianzando su estilo original, había rechazado los experimentos
con el poema sinfónico de Liszt y había entablado una amistad cercana con el
célebre violinista Joachim, quien lo alentaría en su carrera. Su originalidad y
genialidad habían sido proclamadas por Robert Schumann. El Trío Op. 8 surge
inmediatamente antes de una larga estadía de Brahms en Düsseldorf, a donde
acudió para acompañar a Clara Schumann luego del intento de suicidio de
Robert Schumann y la desafortunada reclusión del compositor en una clínica
de reposo que precipitó su muerte en 1856.
El primer movimiento responde al diseño tradicional de la forma sonata
clásica. El trabajo en la tonalidad principal con el primer tema es extenso y
se prolonga por sesenta compases antes de introducir el cambio mediante la
modulación. Esta primera idea es una melodía expresiva y de gran intensidad
anímica que se escucha en el registro tenor del piano para luego ser tomada
por el chelo. Brahms introduce la tonalidad menor, a manera de contraste,
junto con la actividad en tresillos que se escuchará a lo largo del movimiento.
El segundo movimiento se enmarca en el concepto beethoveniano del Scherzo
enérgico con un pasaje en quintas que evoca el ambiente de la cacería; la
sección media del movimiento, o trío, ofrece un rico contraste temático y
tonal, con un ambiente ensoñador de ‘canción de cuna’, a la vez que prepara
el retorno del Scherzo con su drama interno y aceleración rítmica. El piano
retoma el último acorde del Scherzo para presentar el tema homogéneo, a
manera de coral en acordes, y del Adagio en el que hace gala de un espléndido
colorido armónico por el que se mueven libremente las melodías entonadas
por las cuerdas. El Allegro final se inicia en si menor y ofrece una rica actividad
rítmica. Un fortissimo anuncia el contraste en re mayor y luego de un desarrollo
variado se construye el cierre de la obra sobre los primeros compases del
movimiento final.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de
Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación,
del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la
Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista
‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del
Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad
Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx.
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Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas
TEMPORADA NACIONAL
DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
Consulte toda la programación en
www.banrepcultural.org/actividad-musical
