Miércoles 14 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 15 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Lars Bjarnø · Código PULEP: JLC408 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Paul Hillier, director Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que dependiendo del programa se permitirá o no el ingreso a la sala una vez iniciado el concierto. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. 1 BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO – 60 AÑOS En 2018, la Biblioteca Luis Ángel Arango está de aniversario. Nuestra biblioteca cumple sesenta años de servicio y de ser uno de los ejes fundamentales del desarrollo de la labor cultural del Banco de la República. Bajo su dirección se desarrolló no solo una labor enfocada en el fortalecimiento de una colección bibliográfica dispuesta para consulta y préstamo sino labores tan apreciadas y fuertes hoy día como son los proyectos de los museos de la Manzana Cultural y la labor musical que se desarrolla desde la Sala de Conciertos. Toda la labor cultural del Banco de la República se irradia a nivel nacional hacia 28 ciudades que reciben el préstamo de libros, conciertos y exposiciones de diferentes índoles. Asimismo, desde las diferentes ciudades, se propende por la recuperación de la memoria local y por gestionar proyectos que después impactan al resto del país. La Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, que desde un principio se propuso presentar a artistas representativos de la música de cámara nacional e internacional, ha evolucionado, junto con la biblioteca, en la manera de entender sus servicios, sus usuarios y su papel en la vida cultural del país. Es así como, con el paso del tiempo, sus criterios de programación han tenido ajustes y su orientación ha dado giros para fortalecer al sector musical nacional, procurando siempre mantener el propósito de celebrar la creatividad y musicalidad local, regional y universal, y servir como punto de encuentro entre diferentes generaciones de músicos y públicos. La Temporada Nacional de Conciertos 2018 continúa una labor iniciada durante la primera expansión de la biblioteca en 1966. Inicia la temporada con Stimmung, una obra escrita por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen en 1968, en la que se reúnen varias de las inquietudes estéticas y, por qué no, espirituales y políticas de la época. De esta forma la sala y la biblioteca continúan con su labor de conectar a Colombia con el mundo y al mundo con nuestro país. En esta sala ha sido interpretada música del siglo XII pasando por los grandes nombres de la música occidental como son Bach, Mozart o Beethoven, pero también artistas colombianos –compositores e intérpretes- que han sido protagonistas estelares del desarrollo de la música en el país como creadores y educadores. La temporada 2018 presenta a artistas muy variados que presentarán música antigua, clásica, moderna y contemporánea, así como jazz y música de diferentes lugares del mundo. Esperamos que nos acompañen en esta celebración que, a lo largo del año, contará con artistas de España, Sur África, Francia, Suiza, Israel, Suecia, Reino Unido, Alemania, Portugal, México, Nueva Zelanda y, desde luego, Colombia. Entre toda esta oferta vale resaltar tres cosas: primero, el énfasis que habrá en el primer semestre en la música vocal con la presentación de los ensambles Theatre of Voices, La main harmonique, Vocalconsort Berlin, Ensamble Villancico y Stile Antico; segundo, el estreno de una obra comisionada por el Banco de la República al compositor nariñense Gustavo Parra –el estreno lo realizará el ensamble mexicano CEPROMUSIC- y; tercero, el homenaje que se le rendirá en octubre al compositor vallecaucano Luis Carlos Figueroa. En 2018 estamos de aniversario y nuestra programación musical es solo una parte de las actividades. Esperamos que puedan aprovechar toda la oferta cultural recogida en esta celebración. ¡Bienvenidos! 2 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Else Torp, soprano Signe Asmussen y Randi Pontoppidan, mezzosopranos Wolodymyr Smiskewych y Jakob Skjoldborg, tenores Jakob Bloch Jespersen, bajo barítono Ian Dearden, diseño sonoro Theatre of Voices fue fundado en California por Paul Hillier, pero su sede principal se encuentra actualmente en Dinamarca. Sus interpretaciones abarcan música de Perotin, Dowland, Carissimi, Buxtehude y Bach, y ha participado en proyectos con varios compositores contemporáneos de Foto: Klaus Holsting 3 renombre como Berio, Pärt, Reich, Cage, Pelle Gudmundsen-Holmgreen y Stockhausen. Theatre of Voices trabaja y graba con la London Sinfonietta y el Cuarteto Kronos. Además, se presenta frecuentemente en el Festival de Edimburgo, el Centro Barbican y el Carnegie Hall, en conciertos con boletería totalmente agotada. En el 2008 abrieron el Festspiele de Berlín con la obra Stimmung, de Stockhausen, a petición del compositor mismo, y participaron en los Proms de la BBC. En los últimos años han hecho giras por Hong Kong, Australia, Suecia, Reino Unido, México, Estados Unidos, Italia, Francia, Polonia, Bélgica, Alemania, Portugal, Luxemburgo y Holanda. Entre sus últimos lanzamientos se cuentan Stimmung, de Stockhausen, The Little Match Girl Passion, de David Lang —por el que el grupo recibió un Premio Grammy en el 2010, el mismo año de su vigésimo aniversario de fundación—, Stories (Berio, Cage, Berberian), The Christmas Story y Creator Spiritus, de Arvo Pärt, todos bajo el sello Harmonia Mundi. También, con el sello Dacapo Records, Theatre of Voices lanzó las Cantatas escandinavas de Buxtehude, el primero de una serie de cinco álbumes. En el 2013 Theatre of Voices fue nominado al Premio de Música del Consejo Nórdico, y en el 2014 la pieza titulada My Heart’s in the Highlands, del álbum Pärt: Creator Spiritus, interpretada por el grupo, fue utilizada en La Grande Bellezza, película de Paolo Sorrentino, que ganó un Óscar. Esta misma pieza apareció en Mojo Magazine como una de las favoritas de la banda Nick Cave and the Bad Seeds. El ensamble también ofrece talleres y trabaja en proyectos cinematográficos. Actualmente trabaja con el documentalista danés Phie Ambo y el compositor islandés nominado al Óscar, Jóhann Jóhannsson (The Farmer and the Universe, Arrival, Mary Magdalene). Theatre of Voices cuenta con el patrocinio del Consejo Danés para las Artes. 4 Paul Hillier, director Hillier ha sido el director artístico de Theatre of Voices desde 1990. Director y fundador del Ensamble Hilliard y actual director de la orquesta Ars Nova Copenhagen, su carrera abarca el canto, la dirección y la publicación de múltiples escritos sobre música. Sus libros acerca de Arvo Pärt y Steve Reich, así como varias antologías de música coral, han sido publicados por Oxford University Press. Ha trabajado como profesor en la Universidad de California en Santa Cruz y Davis, y entre 1996 y 2003 fue el director del Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana. En el 2006 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico (OBE) por su contribución a la música coral, y en el 2007 lo fue con la Orden de la Estrella Blanca de Estonia. Ese mismo año recibió el Grammy otorgado a la mejor grabación coral (con el Coro de Cámara de la Filarmónica de Estonia). En el 2008 fue nombrado director artístico y director de orquesta principal del Coro Nacional de Cámara de Irlanda, y en el 2009 fue invitado a formar parte del nuevo coro Casa da Musica, en Oporto, Portugal. Ganó un segundo Grammy en el 2010 con Theatre of Voices y Ars Nova Copenhagen, y en el 2013 recibió la distinción Ridder af Dannebrog (Caballero de la Orden de Dannebrog), otorgado por Su Majestad La Reina de Dinamarca. Foto: Ditte Capion 5 PROGRAMA Stimmung (1968) KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007) CONCIERTOS Nos. 1 y 2 Este concierto no tiene intermedio. Una vez haya iniciado el concierto no se permitirá el ingreso a la sala. 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Karlheinz Stockhausen (1928-2007) es uno de los compositores alemanes de mayor reconocimiento en nuestros días. Su legado artístico fue determinante para el desarrollo de las nuevas corrientes estéticas de la vanguardia europea y, junto a Pierre Boulez, se le considera una de las más importantes influencias pedagógicas para las nacientes generaciones de músicos. Gracias especialmente a su relación con la escuela de Darmstadt y las diferentes escuelas de investigación de París, logró crear nichos artísticos en los que innumerables compositores e intérpretes desarrollarían proyectos de creación y exploración estética fundamentales para el desarrollo intelectual europeo en los años de postguerra y cuyas innovaciones siguen alimentando nuevas tendencias hasta nuestros días. Stockhausen nació en 1928 en Burg Mödrath, cerca de Colonia, y tuvo una formación musical tardía y congestionada por problemas familiares alimentados por los estragos de la guerra. Su madre, recluida desde 1933 en un sanatorio por diversos problemas psiquiátricos, fue asesinada por el régimen nazi cuando Karlheinz tenía catorce años; el padre, un granjero que posteriormente se dedicó a la educación, también murió durante la guerra en 1945. El joven Stockhausen fue llevado a una institución de formación pedagógica en Xanten, en la región de Düsseldorf, donde estuvo trabajando en un hospital militar. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial regresó a Colonia, ingresó a la Rheinische Musikschule en 1947 y obtuvo su título en Educación Musical en 1951, a la edad de veintitrés años. En 1951, Stockhausen asistió por primera vez al Ferienkurse für Neue Musik, en Darmstadt, donde estableció una fuerte amistad con el compositor Karel Goeyvaerts, un antiguo alumno de Messiaen, y en donde adquirió un renovado interés por la composición. En 1952, en su viaje a París para estudiar con Messiaen, conoció a Pierre Boulez, Pierre Schaeffer y otros artistas que progresivamente fueron determinantes en la vanguardia sonora parisina. Desde entonces, la actividad compositiva de Stockhausen creció a tal punto que para 1953 ya era reconocido como uno de los más importantes compositores en las áreas del serialismo y la música electrónica. Stockhausen regresó a la escuela de Darmstadt, donde enseñó con regularidad desde 1956; a partir de entonces, el reconocimiento de la escuela de Darmstadt como foco 7 de creación artística fue en aumento y Stockhausen se estableció como uno de los compositores más visibles en ese medio. Allí fortaleció su actividad como compositor y alimentó su reflexión en la docencia a través de una intensa labor con un colectivo de intérpretes que diseminaron con bastante éxito las nuevas tendencias con las que se identificaría la vanguardia musical europea. Para la década de los sesenta, el reconocimiento internacional de Stockhausen trascendía los círculos de la élite musical europea y era considerado uno de los artistas más influyentes del momento; para entonces los índices de ventas de sus grabaciones para el sello Deutsche Grammophon solo eran superados por las grabaciones de Stravinsky. La aceptación de Stockhausen en la cultura popular se irradió hacia las nuevas generaciones, al punto de que incluso su imagen aparece incluida en la portada del disco de los Beatles Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). El reconocimiento del músico alemán ha estado alimentado asimismo por una reflexión estética y pedagógica determinante para las nuevas tendencias artísticas en los más diversos campos. Si bien en los últimos años de su vida el nombre de Stockhausen estuvo más bien encasillado en los excesos logísticos de su ciclo de óperas Licht y curiosidades de su vida familiar y espiritual, es innegable que su legado estético e intelectual es punto de referencia para definir los avances artísticos de nuestra época. Composición digital por Jacobo Ramírez Vizcaya1. 1 Composición digital a partir de imágenes de dominio público (imagen del LP de los Beatles) y de página del web de la fundación de Stockhausen para la nueva música (firma y símbolo del compositor). 8 Stimmung: una realización estética de la modulación del carácter a través de la transformación tímbrica «Cuando escuchamos sonidos somos transformados; dejamos de ser lo mismo después de escuchar ciertos sonidos. Esto se maximiza cuando escuchamos sonidos organizados, sonidos organizados por otro ser humano: música.» Karlheinz Stockhausen2 Si bien la reflexión anterior puede ser una afirmación bastante abierta y corre el riesgo de tomarse con ligereza, plantea al mismo tiempo una idea germinal sobre nuestra capacidad para resonar con el poder transformador de la música en sus más extensas y variadas manifestaciones. Asimismo, se relaciona directamente con la concepción de Stimmung y la manera en que la obra se desenvuelve en el tiempo. El término stimmung tiene un significado abierto a reconsideraciones que expanden su traducción literal. En el ámbito musical se traduce como ‘afinación’ o ‘entonación’. Corresponde al verbo stimmen, que también significa ‘armonizar’ o ‘concordar’, y se relaciona directamente con la palabra stimme, que se traduce como ‘voz’. En un contexto más amplio, la expresión stimmung se puede emplear para indicar que dos personas están de acuerdo respecto a algo o incluso que se encuentran de buen humor y ‘resuenan’ emocionalmente. Si bien es evidente que stimmung es un título apropiado para una obra escrita para un sexteto vocal cuyos integrantes afinan armónicamente, la ambivalencia de la expresión es fundamental para entender cómo la obra evoluciona a medida que cada miembro del ensamble transforma su respuesta musical para acomodarse al estado emocional característico de cada módulo de la forma musical. Es así como Stimmung se constituye en una exploración de transformación sonora (y emocional) constante. La obra crece progresivamente a través de la pronunciación de diversos fonemas, sílabas, palabras desarticuladas e incluso nombres con implicaciones místicas. Stimmung está organizada en cincuenta y un módulos o secciones, cada una de las cuales está dirigida por 2 Tomado de un fragmento de las conferencias ofrecidas por el compositor en Inglaterra entre 1972 y 1973 y grabadas por Allied Artists. Los fragmentos de las conferencias están disponibles en el sitio web de la Fundación Stockhausen para la Música (http:// www.karlheinzstockhausen.org). Stimmung fue compuesta en 1968; de alguna manera representa parte de las propuestas estéticas cuyos conceptos se cristalizaron teóricamente a través de las conferencias presentadas por el compositor a inicios de la década de los setenta. 9 un cantante ‘líder’ que abre su módulo y que determina qué cantantes deben entrar en estas secciones particulares, así como su manera de interactuar con él. Cada voz femenina lidera un módulo ocho veces y cada voz masculina lidera un módulo nueve veces. Estas secciones crecen acústicamente a través de repeticiones a medida que sus textos generan pulsaciones que reverberan orgánicamente, acomodándose a las transformaciones tímbricas que se desenvuelven en el tiempo. Una vez que el líder de cada módulo determina que el carácter emocional de su sección ha sido alcanzado o transformado suficientemente, define la salida hacia el siguiente módulo y asimismo hacia una nueva transformación, es decir, hacia un nuevo stimmung. El orden de estos módulos queda a discreción de los intérpretes, así como la organización de los textos junto con algunos modelos de variación. Por esta razón, el desarrollo formal de la obra se convierte en una transformación única que crece orgánica e irrepetiblemente para cada interpretación. Mediante este método de composición, Stockhausen mantiene su inclinación hacia el indeterminismo asociado a las ‘composiciones procesuales’, en las que los intérpretes participan activamente tomando decisiones compositivas que afectan el resultado final de cada interpretación. La manera en que los timbres se desenvuelven atmosféricamente en el tiempo constituyó una influencia determinante en su época, por lo cual Stimmung se considera un punto de referencia e inspiración para el estilo de ‘composición espectral’ que se desarrolló principalmente en París durante los años setenta. La manipulación de los timbres y su ámbito armónico son también elementos determinantes para Stimmung. Toda la obra deriva inicialmente sus alturas a partir de los primeros ocho parciales la serie armónica3 de la nota si bemol. A lo largo de la obra, los intérpretes manipulan 3 La serie armónica es un fenómeno acústico por el cual cada sonido (o altura) es acompañado por frecuencias adicionales que reverberan con mayor o menor intensidad. El sonido inicial para cada serie es llamado ‘fundamental’ y las frecuencias acompañantes son llamadas ‘armónicos’ o ‘parciales’; el tipo y cantidad de armónicos que acompañan cada sonido son elementos determinantes para el timbre de cada instrumento o incluso para cada cuerpo emisor de sonido. En la gráfica se presenta la serie armónica de la nota si bemol, cuyos primeros armónicos, junto con su fundamental, son empleados en Stimmung. 10 una atmósfera acústica a través de la exploración de diferentes segmentos de la serie armónica, generando armónicos con la voz que, al entrar en reverberación con otras sílabas, se transforman en diversas pulsaciones sonoras que invaden el escenario expansivamente al amplificarse por medios electrónicos. En julio de 1982, Stockhausen explicaba en su correspondencia al director Gregory Rose las circunstancias que lo condujeron a componer empleando exclusivamente armónicos generados por la voz; esta determinación técnica, revolucionaria para la música occidental de la época (Stimmung fue compuesta en 1968), fue concebida como método de composición por razones puramente pragmáticas: Regresaba de un tour por México (muy caliente) a una pequeña casa sobre la bahía en Madison (Connecticut) que mi esposa Mary había arrendado. Ella vivía allí con nuestros dos pequeños niños. Yo empecé a componer esta obra con muchas melodías, cantando en voz alta todo el tiempo. Pero después de pocos días, mi trabajo solo era posible durante la noche (la bahía estaba congelada, todo era hielo y nieve y terriblemente frío). Los niños necesitaban silencio también durante el día (Simón acababa de nacer). Así que empecé a murmurar, no canté en voz alta de nuevo, empecé a escuchar cómo mi cráneo vibraba, dejé de escribir melodías con fundamentales, me centré en el si bemol bajo, empecé nuevamente y escribí Stimmung probando todo personalmente, murmurando las melodías con armónicos. No hay nada oriental, nada filosófico: solo dos bebés, una casa pequeña, silencio, soledad, noche, nieve, hielo (también la naturaleza dormía): ¡un milagro!4. Como Stockhausen indica en el fragmento anterior, la composición de la obra inició después de una prolongada temporada de viajes, en los que pasó por California, Hawái y varias ciudades mexicanas. De manera especial su estadía en México se caracterizó por la visita a diversas ruinas de templos y culturas precolombinas; allí el compositor se sentaba por horas en constante contemplación, reviviendo en su imaginación los rituales que habrían tenido lugar en los antiguos templos, hasta el punto de resonar emocionalmente con cada cultura. Las impresiones generadas en Stockhausen durante el viaje fueron decisivas, no solo por el acercamiento a los rituales y legados de culturas ancestrales, sino también por la capacidad de empatía emocional generada a partir de las transformaciones y los contrastes tanto de las estructuras con el paisaje como de las personas con su entorno. 4 Fragmento de una carta de Stockhausen al director Gregory Rose, escrita el 24 de julio de 1982. Citado por Gregory Rose y Helen Ireland en las notas a la grabación de Stimmung, a cargo de Singcircle, bajo la dirección de Gregory Rose, para el sello Hyperion (CDA66115, 1986). Traducción del texto: Jaime Ramírez Castilla. 11 De esta manera, y casi paradójicamente, la obra no está concebida exclusivamente como una obra meditativa, sino también como una exploración de transformación acústica. Los textos incorporan diversos nombres de entidades místicas de diferentes culturas, pero también palabras de uso común, como los nombres de los días de la semana en varios idiomas y diferentes efectos vocales; asimismo, el texto incorpora tres breves poemas escritos por Stockhausen en 1967, que se caracterizan por sus juegos de palabras y sus implicaciones eróticas. A medida que avanza la obra, las palabras se desprenden de sus significados. Así como los intérpretes determinan en gran parte el orden de las secciones, son también los intérpretes quienes deciden qué nombres místicos incorporan. Stockhausen indica cuándo incorporar los nombres místicos y algunas variaciones tímbricas; en veintinueve de las cincuenta y un secciones, los intérpretes deben incorporar estos nombres, pero cada cantante tiene once nombres de dónde escoger. Por esto, no todos los nombres se emplean en una misma interpretación y no siempre se emplean los mismos nombres; de acuerdo con las indicaciones del compositor, cada integrante presenta las palabras hasta que, mediante repeticiones, se integran a la sección asimilando el carácter que prevalece por la atmósfera sonora de ese momento. Nombres mágicos presentes en Stimmung5 Abassi-Abumo: Creador del cielo (Nigeria, África) Aeolus: Dios del viento (Grecia) Ahura mazda: Dios de la sabiduría, dios supremo (Persia) Allah: Creador todopoderoso (Islam) Atum-Ra: Dios sol (Egipto) Chalchihuitlicue: Dios del mar y el agua salada (cultura azteca) Chang ti (también llamado Shangdi): Gobernante del cosmos (budismo chino) Chronos: Dios del tiempo (Grecia) Diana: Diosa de la luna, la cacería y la natividad (Grecia) Dionysos: Dios de la fertilidad y del vino (Grecia) Elohim: Deidad (cultura hebrea) Elyon: Dios celestial (cultura hebrea) Gaia: Diosa de la tierra (Grecia) Geb: Dios de la tierra (Egipto) Grogoragally: Dios sol (Australia) 5 Parte considerable de este listado fue generosamente proporcionada por Paul Hillier para la elaboración de estas notas. Otra parte proviene de la versión de Gregory Rose, citada en la nota anterior. 12 Halakwulup: Ancestro de la tierra y también nombre de la población y su lenguaje (Tierra del Fuego) Hera: Protectora de las mujeres y del matrimonio (Grecia) Hina-a-tuatua-a-kakai: Dios del brillo de la luna (Hawái, Polinesia) Indra: Dios de la sabiduría, lucha, dios de la creación (India) Isis: Diosa maternal (Egipto) Kala: Madre tierra (India) Luminut: Dios terrenal (Sulawesi, Indonesia) Mulugu: Creador celestial (etnia kikuyu, África) Munganagana: Dios del viento (Australia) Nazami: Creador celestial (África) Nut: Diosa del cielo (Egipto) Osiris: Dios de la fertilidad y la muerte (Egipto) Poseidón: Dios de los mares (Grecia) Quetzalcoatl: Dios de los dioses, dios de los sacerdotes (culturas tolteca y azteca) Rhea: Diosa de la fertilidad y madre de Zeus (Grecia) Rangi: Dios del cielo (etnia maorí, Polinesia) Shiva: Dios de la destrucción (India) Sedna: Diosa del mar y los animales marinos (cultura inuit, Alaska y Canadá) Singbonga: Dios sol bengalí Sussistinako: Dios del cielo (cultura amerindia sia) Tamoi: Dios celestial guaraní (Paraguay) Tangaroa: Dios sol, creador (etnia maorí, Polinesia) Teteoinnan: Madre de los dioses (cultura azteca) Tlaloc: Dios de la lluvia (cultura azteca) Tochi: Abuela de los dioses (cultura azteca) Ueueteotl: Dios del fuego (cultura azteca) Uitzilopochtili: Dios de la guerra, el sol y los sacrificios humanos, regente de Tenochtitlan (México) Uranos: Dios de los cielos (Grecia) Usi Afu: Dios de la tierra (Timor, Indonesia) Usi Neno: Dios del sol (Timor, Indonesia) Uwoluwu: Creador celestial (etnia akposo, Ghana, África) Varuna: Diosa de la ley y sabiduría (India) Venus: Diosa del amor (Roma) Viracocha: Dios de la civilización quechua (Perú) Vishnu: Dios superior y dios de protección (hinduismo) Wakantanka: Dios del trueno (tribu amerindia sioux) 13 Xochipili: Dios de las flores, las artes y la comodidad: (cultura azteca) Yah-Weh: Dios de Israel (cultura hebrea) Yadilqil: Hombre celestial (pueblo amerindio navajo) Yoni: La mujer eterna (India) Zeus: Dios celestial y rey del Olimpo (Grecia) Primeras versiones de Stimmung y su conexión con la versión actual Stimmung fue comisionada a Stockhausen por la agrupación Collegium Vocale de Colonia, ensamble que estaba conformado por jóvenes recientemente graduados de la Rheinische Musikschule, donde el mismo Stockhausen había sido estudiante. Para marzo de 1968, el compositor se encontraba de regreso en Alemania y se reunió con el Collegium Vocale para poner en marcha el estreno de Stimmung después de varios meses de ensayos. La obra se estrenó en París en diciembre de ese año y el ensamble continuó interpretándola en más de un centenar de presentaciones. Para la década de los setenta, la versión del Collegium Vocale se estableció tan sólidamente que pronto se consideró la ‘versión oficial’ y fue grabada bajo la cercana supervisión del mismo compositor; se le conoce actualmente como la ‘versión París’, sobre la cual Stockhausen posteriormente publicó las ‘partituras’ con todas las indicaciones técnicas implementadas para esta versión en particular. A mediados de la década de los setenta, el director británico Gregory Rose se embarcó en la nueva producción de Stimmung junto a su ensamble Singcircle. Esta nueva versión tuvo gran acogida en todo el Reino Unido y fue posteriormente grabada para el sello Hyperion en 1983. En esta ocasión, Stockhausen también participó directamente: interactuó con el ensamble, mantuvo correspondencia directa con Rose e incluso fungió como ingeniero de sonido en una de las presentaciones de la obra en el Barbican Center de Londres. En esta nueva producción de Stimmung, Paul Hillier fue uno de los integrantes del ensamble Singcircle y trabajó bajo la dirección de Gregory Rose y la supervisión de Stockhausen. Hasta el momento, las grabaciones de Stimmung por Collegium Vocale en la década de los setenta y por Singcircle en la década de los 80 han sido consideradas las mejores de la época al atestiguar una relación directa con el compositor. Años después, Paul Hillier asumió la dirección del ensamble Theatre of Voices que nos acompaña en esta oportunidad. Con ánimos renovados, Hillier se dio a la empresa de crear una nueva producción de la obra; habiendo 14 trabajado anteriormente con Stockhausen y bajo la dirección de Gregory Rose, Hillier conocía de cerca la obra y las minucias interpretativas requeridas por el compositor. Para la versión de Theatre of Voices, Hillier reanudó la colaboración directa de Stockhausen, quien aconsejaba tanto elementos musicales como logísticos (atuendos, iluminación, mobiliario, etc.), pero se aseguró de que no se perdieran las libertades interpretativas que la obra brindaba al ensamble. La versión que hoy nos convoca atestigua el desarrollo de un legado artístico que desde sus primeras interpretaciones cuenta con el aval oficial del compositor, en una sinergia creativa que responde a la renovación estética que ha vivido a través de los años. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 15 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 ROY ASSAF TRÍO, jazz (Estados Unidos) Domingo 18 de febrero · 11:00 a.m. BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRÍO jazz (Estados Unidos) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene una corrección realizada en el primer párrafo del texto introductorio incluido en la primera página. Asimismo, contiene un retoque en la diagramación del contenido en la página dos y una corrección ortográfica en la última página de divulgación de próximos conciertos.

Foto: Sonia Hernández Muñoz Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN FELIPE SALAZAR órgano (Colombia) Jueves 17 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WSD890 TOME NOTA El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. El servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. Transcurridas las 4 horas se cobra tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y, para acceder a esta tarifa, se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. P 1 JUAN FELIPE SALAZAR órgano Pianista egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Cursó la carrera de Música instrumental en la cátedra de la maestra Ángela Rodríguez Piñeros. Comenzó sus estudios de piano con la maestra Blanca Bernal en la escuela de música La Clave. Posteriormente, en el 2011, se graduó como bachiller técnico en la especialidad de música en el Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco. Ese mismo año ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad Nacional, donde dos años más tarde fue admitido al programa de pregrado. A lo largo de su carrera y como parte del currículo, su formación pianística se vio complementada con los componentes de libre elección dedicados al órgano. Dentro de estas asignaturas estudió bajo la guía del maestro Mauricio Nasi, con quien emprendió una perpetua adquisición de conocimientos para dominar el aerófono con teclados. Paralelamente ha participado activamente en talleres y cursos de órgano en la Biblioteca Luis Ángel Arango con Esteban Elizondo y Pascal Marsault; de piano con Ludmila Weber, de improvisación con Rudolf Lutz, de clavecín con Carole Cesari y de acompañamiento con Philippe Raskin. También, en el marco del ciclo de conciertos Bach en Bogotá de la Catedral Primada, ha tomado parte en las clases impartidas por Pavel Svoboda, Cristina García y Matthias Havinga. Con la puesta en práctica de todos estos saberes, ha realizado numerosas presentaciones que incluyen conciertos con orquesta y recitales como solista, acompañante y en grupos de cámara, en emblemáticos templos de Bogotá y Cundinamarca, como la Iglesia de Nuestra Señora de la Candelaria, la capilla de los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, la Iglesia evangélica luterana San Mateo, la Capilla del Seminario Mayor de Bogotá, el Monasterio San Benito en El Rosal y la Iglesia de los Santos Ángeles Custodios. Durante su paso por la Universidad Nacional fue solista en el ensamble barroco de música antigua, con el que se presentó en el Auditorio Olav Roots en el 2015. Al año siguiente actuó bajo la dirección del maestro Fernando Parra con el órgano de la capilla Cristo Maestro de la misma universidad, en la interpretación del Gloria de John Rutter, junto con el conjunto de cobres del conservatorio de música y los coros de las maestras Beatriz de Calle y Sandra Patricia Rodríguez. Actualmente adelanta estudios de filología en alemán en el Departamento de Lenguas Extranjeras de la Universidad Nacional de Colombia. 2 PROGRAMA Corrente italiana (s. f.) JUAN BAUTISTA JOSÉ CABANILLES (1644-1712) Aria Sebaldina en fa menor, P.198 (1699) JOHANN PACHELBEL (1653-1706) Fantasía y fuga en la menor, BWV 904 (c. 1725) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) INTERMEDIO Lied en la bemol mayor Coral en sol menor LOUIS VIERNE (1870-1937) Dos obras del segundo libro de 24 piezas en estilo libre, Op. 31 (1914) Concierto para órgano solo, Op.153a (adap. 2017) Andante maestoso Quasi adagio Allegro - Toccata MAURICIO NASI LIGNAROLO (n. 1949) JUAN FELIPE SALAZAR (n. 1995) Adaptación del Concierto para órgano y orquesta, Op.153 (2016) de MAURICIO NASI LIGNAROLO CONCIERTO No. 24 3 LA INMENSIDAD DEL SONIDO Por Angélica Daza «El órgano es, todavía, a mis ojos y a mis oídos, el rey de todos los instrumentos.»1 W. A. Mozart Así respondió el famoso músico austriaco cuando uno de sus contemporáneos se sorprendió al enterarse de su interés por interpretar el instrumento: «¡Cómo! ¿Un hombre como usted, tan buen pianista, quiere tocar un instrumento en el que no hay suavidad ni expresión, ni piano, ni forte, sino que es siempre el mismo?»2 (Curzon, 1888, 105). Esta frase resume la opinión que en muchos medios se tuvo del órgano durante el clasicismo, época en la que, en comparación con el Barroco, el instrumento entró en decadencia. El abandono del bajo continuo en la música clásica y la invención del piano, instrumento más sencillo de manejar y que podía producir nuevos matices, contribuyeron a este olvido progresivo. El órgano tendría que esperar al post-romanticismo y al siglo xx para renacer de las cenizas. El ‘rey de los instrumentos’ es muy antiguo: su origen se remonta al siglo III a. C., y desde entonces ha sufrido adaptaciones y evolucionado en distintos contextos y lugares, para mejorar y ampliar sus capacidades sonoras. Más que un instrumento, es una increíble obra de ingeniería, compleja y sofisticada, que puede alcanzar proporciones gigantes. Los órganos de iglesia más grandes forman parte estructural y estética de los edificios a los que pertenecen. Los órganos de la Edad Media y el Renacimiento eran mucho más pequeños y algunos estaban dotados de mecanismos hidráulicos variados y complejos. Se dividían básicamente en positivos (los que se emplazaban en un lugar) y portativos (los que se podían transportar). Los positivos, aunque más grandes que los portativos, podían desplazarse y no estaban fijos en algún lugar de la iglesia ni integrados a su arquitectura. Williams (1984, 854), en The Grove Dictionary of Musical Instruments, menciona que el órgano fue un instrumento exclusivamente 1 «L’orgue est pourtant à mes yeux et pour mes oreilles le roi des instruments». Extraído de la carta escrita por Mozart a su padre el 17 de octubre de 1777 desde Augsburgo. Traducción por A. Daza. 2 «Comment! Un homme comme vous, un si grand pianiste veut jouer d’un instrument où il n’y a ni douceur, ni expression, ni piano ni forte, mais qui est toujours le même». Mozart, en la carta a su padre del 17 de octubre de 1777, transcribió este comentario hecho por M. Stein. Traducción por A. Daza. 4 eclesiástico entre los años 900 y 1200 d. C.. El nacimiento de la polifonía y de las catedrales góticas produjo importantes avances estructurales en su mecanismo, tamaño y técnica. En rasgos generales, un órgano está conformado por: • Una fuente de alimentación de aire o fuelles: Anteriormente, estos eran activados por personas, y más recientemente, por un motor. El aire es llevado por conductos de alimentación hasta los fuelles de compresión y los secretos. • Mecanismo de compresión de aire: La presión del aire en un órgano es tan importante como en cualquier otro aerófono, pues es lo que asegura la afinación. En los instrumentos modernos este mecanismo es eléctrico. • Secreto: Es la estructura en donde se organizan los tubos y se ubican las válvulas que permiten o no el paso del aire. • Tubos: Organizados en juegos, como una familia de instrumentos, van de los más graves a los más agudos y pueden medir desde algunos milímetros hasta varios metros. Tienen distintas formas (cilíndricos, cónicos, tapados, destapados, etc.) y son fabricados en diversos materiales. • Mueble externo o consola: Es el lugar donde se encuentran los teclados manuales y el pedalero, donde se activan los sonidos. Allí también se encuentran la caja de expresión y las palancas que accionan los registros. • Teclados: Los que se tocan con las manos (manuales), están superpuestos unos a otros y pueden ser entre 2 y 5, según el tamaño del instrumento, pudiendo llegar a cubrir un máximo de 10 octavas. El pedalero es un teclado más grande, de madera, que se toca con los pies, y es el que activa los sonidos más graves. • Registros: Accionados desde la consola por palancas o botones, permiten que se activen ciertos tubos o familias de tubos a voluntad del intérprete. La complejidad y belleza del instrumento radica, entre otros aspectos, en la diversidad de timbres que produce. Algunos tubos tienen biseles o lengüetas, detalles que influyen en el sonido tanto como el material o el tamaño de los tubos. La caja de expresión es un juego de tubos ubicados en el interior de una caja que se abre o se cierra para modular la intensidad del sonido; al igual que la técnica de acoplar los teclados, que permite duplicar los sonidos, la caja de expresión fue ideada en un intento por dotar al órgano de mayor expresividad. La belleza arquitectónica de estos instrumentos salta a la vista, y tal es el caso del órgano que escucharemos en el concierto de hoy. Fue construido para la inauguración de la sala de conciertos —que se llevó a cabo el 25 de febrero 5 de 1966— por el alemán Oskar Binder3 (1911-1990), representante de la casa Walcker. Consta de tres teclados manuales (concertino, positivo y gran órgano), un pedalero y 2436 flautas que miden desde 7 milímetros hasta 5,5 metros4. Según Juliana Pérez, «este nuevo recinto nació con un órgano tubular, fue el primero en Colombia y sigue siendo el único en su clase que cuenta con un órgano» (Pérez, 2009, 34). Dotar a la sala de conciertos con un órgano tubular contribuyó de forma importante a promover el repertorio del instrumento más allá del recinto eclesiástico. El recital de esta noche está compuesto por obras de comienzos de los siglos xx y xxi y por algunas obras del periodo barroco, uno de los más ricos en la historia del órgano. En los siglos xvi y xvii, la técnica de construcción de los órganos se perfeccionó independientemente en cada país de Europa. Por ejemplo, el órgano español en el que compuso Juan Bautista José Cabanilles (1644- 1712) se distinguía de los demás por la disposición horizontal de algunos tubos (trompeterías o lengüeterías) que producían un sonido más brillante y majestuoso. Los órganos españoles no tenían pedaleros o estos eran pequeños. Cabanilles representó la cúspide de la escuela organística española iniciada por Antonio de Cabezón (1510-1566) en el Renacimiento. Su especialidad eran los tientos, forma instrumental hispano-portuguesa, de la que fue prolífico compositor. Según Climent (1999, 828), «hay que pensar, sobre todo, que la música de Cabanilles es típicamente española», pues parece no haber estado en contacto con otros estilos de escritura, o por lo menos, asegura él, no existen pruebas de ello. Bernal (2015) considera que existen varias razones para dudar sobre la autoría de Corrente italiana, obra que escucharemos hoy y que recuerda el estilo italiano de la época (melodía con acompañamiento), ya que no hay una mención explícita a Cabanilles. Dicha consideración abre un debate que debe ser explorado o resuelto antes de retirarle la atribución al compositor español. Por su parte, el órgano barroco alemán, sobre todo el del norte, fue notablemente más perfeccionado: varios teclados superpuestos, pedalero y juegos de tubos independientes separados por los secretos fueron avances que contribuyeron a la creación de una escuela nacional alemana. 3 A Binder también se debe la construcción de otros órganos en Colombia, como el de la iglesia de Nuestra Señora de Lourdes, el de la catedral metropolitana de Medellín, el del conservatorio de la Universidad Nacional y el del Gimnasio Moderno, entre otros. 4 Según palabras del mismo Oskar Binder, quien describió las características de este órgano (ver artículo sobre los instrumentos musicales de la Sala de Conciertos en el portal cultural del Banco de la República). 6 Uno de los más importantes representantes de la escuela del sur de Alemania fue Johann Pachelbel (1653-1706), notable organista, famoso por la composición de fugas, chaconas, tocatas, preludios corales y música litúrgica. Después de trabajar en distintas ciudades, llegó a Núremberg, donde publicó en 1699 una de sus obras más célebres, el Hexachordum Apollinis (Las seis cuerdas de Apolo) para órgano o clavecín5. Está compuesta por seis arias, cada una con cinco o seis variaciones. De esta colección escucharemos la sexta y última, el Aria Sebaldina. Se diferencia de las demás en que es la única que está escrita en ritmo ternario y tiene el mayor número de variaciones, ocho en este caso. Lleva el nombre del patrono de la iglesia en la que trabajaba Pachelbel en Núremberg, San Sebaldo. Es posible que hoy escuchemos, además, una novena variación preparada por el intérprete, en la que expondrá otras diferencias melódicas y armónicas del tema principal. El mayor representante de la escuela del norte de Alemania fue también uno de los organistas más importantes de la época: Johann Sebastian Bach (1685-1750). Nació en una familia de músicos en la que el órgano jugó un papel fundamental. Siendo joven aún, comenzó a estudiarlo bajo la tutela de su hermano mayor, Johann Christoph, reconocido organista. Johann Sebastian fue un prolífico compositor de cantatas, oratorios, conciertos y música de cámara, y sus composiciones para órgano, de las que se cuentan cerca de 227, no son menos importantes. Bach fue una autoridad en la técnica de interpretación y composición para el instrumento. La obra que escucharemos hoy, Fantasía y fuga en la menor, BWV 904, fue escrita originalmente para clavecín (está indexada en las obras escritas para este instrumento), pero, como muchas de las obras para teclado de Bach, es frecuentemente interpretada en el órgano. Compuesta entre 1723 y 1725, al comienzo de su época en Leipzig, donde Bach trabajaría los últimos años de su vida, la fantasía contiene varios pasajes en contrapunto libre que dan material a la posterior doble fuga; en esta, dos temas disímiles se entretejen gracias al ingenio del músico, a quien se atribuye el perfeccionamiento de esta técnica compositiva. El órgano francés que conoció Louis Vierne (1870-1937) gozaba ya de numerosas ventajas tecnológicas y mejoras técnicas en comparación con aquellos que pudieron conocer Cabanille, Pachelbel o Bach. Vierne fue discípulo de César Frank y Charles-Marie Widor, y continuó después de ellos la tradición del órgano francés. Mucho se ha dicho de la vida de este músico que parece no haber nacido con buena estrella: casi completamente ciego de nacimiento, estudió en el Instituto de Jóvenes Ciegos, en donde conoció a César Frank; estudió y trabajó en el conservatorio sin lograr jamás el título de profesor. 5 En la época no era común atribuir una composición a un solo instrumento. 7 Divorciado, perdió a sus dos hijos en la Primera Guerra Mundial y, finalmente, una fractura en la pierna izquierda lo obligó, a mitad de su carrera, a reestudiar su técnica en el pedal. A pesar de ello, en 1900 ganó el concurso que lo convertiría en el organista oficial de la catedral de Notre Dame de París, en donde trabajó hasta su muerte, acaecida el 2 de junio de 1937 mientras tocaba su concierto de despedida, el número 1750 de su carrera, en medio del cual sufrió un ataque fulminante al corazón. Reconocido improvisador, desarrolló un lenguaje único y libre. Entre sus obras más importantes están las 24 piezas en estilo libre, Op. 31 para órgano, divididas en dos libros (1913-1914), que recuerdan El clave bien temperado de Bach por la disposición de tonalidades mayores con sus paralelas menores, aunque, contrariamente a este, las diferentes ‘piezas’ son mucho más sencillas. En palabras del compositor, «Las obras del presente libro son calculadas de manera que puedan ser interpretadas a lo largo de la duración normal de un ofertorio»6 (Vierne, s. f., 4). Del segundo libro escucharemos Coral en sol menor y Lied en la bemol mayor, de naturaleza íntima y fantasiosa. El compositor colombiano Mauricio Nasi Lignarolo (n. 1949) tiene un estilo que, según su propio alumno, Juan Felipe Salazar, puede calificarse de neoclásico con una fuerte tendencia modal. Estudió piano, arpa y biología, y se ha desempeñado por muchos años como organista y profesor. Nos refiere el intérprete que, con frecuencia, Nasi retoma obras suyas y las adapta a otro formato. Este es el caso de la obra que escucharemos hoy, el Concierto para órgano solo, Op. 153a (2017). La original, el Concierto para órgano y orquesta, Op. 153 (obra inédita escrita en el 2016), fue transcrita por profesor y alumno con el fin de que pudiera ser interpretada únicamente en el órgano. Está articulada en torno a otra obra del autor, la Toccata No. 23, Op. 117 (2009), para órgano solista, que constituye el tercer movimiento del Op. 153a. El primer movimiento, Andante maestoso, contiene una fuga cuyo tema viene también de la Toccata. La cadencia de ese movimiento está inspirada en otra obra del autor, el Fandango virtuoso para pedalero de órgano, Op. 147 (2015). El segundo movimiento, Quasi adagio, es más íntimo y es una transcripción de la obra original. «La parte de la orquesta en esta obra fue reducida para ser interpretada por el órgano, con algunos retoques estilísticos para crear una textura idiomática más apropiada al instrumento», explica el intérprete. 6 «Les pièces du présent recueil sont calculées de façon à pouvoir être exécutées pendant la durée normale d’un offertoire». Traducción por A. Daza (Véanse las referencias). 8 Referencias Bernal, M. (2009). La Batalla Imperial y la Corrente Italiana. Razones para dudar de la atribución a Cabanilles. Recuperado de https://miguelbernalripoll. files.wordpress.com/2015/09/sobre-la-autoria-de-la-batalla-imperial-y-la-corrente- italiana1.pdf Binder, O. El órgano tubular: Historia y aspectos técnicos. Recuperado de http:// www.banrepcultural.org/actividad-musical/la-sala/los-instrumentos Climent, J. (1999). Juan Cabanilles. En Casares Rodicio, E. (Dir.). Diccionario de la música española e hispanoamericana. España: Sociedad General de autores y editores. Curzon, H. (1888). Lettres de W.A. Mozart, traduction complète. Paris: Librairie Hachette & compagnie. Recuperado de http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k96320q/f10.image.r=lettres%20de%20Mozart%201777 Pérez, J. (2009). Cita con el órgano, una mirada a la historia del órgano. Bogotá: Banco de la República. Williams, P., & Owen, B. (1984). Organ. En Sadie, S. (Dir.) The New Grove Dictionary of Musical Instruments, (vol. 2). London: Macmillian Press Limited. Vierne, L. (s. f.). 24 pièces en style libre pour orgue ou harmonium. Paris: A. Durand et fils, éditeurs. Recuperado de file:///C:/Users/ANGELICA/ Downloads/39087012036754pieces.pdf Bibliografía Houlihan, Ch. (2012). Famous Last Notes: The Epic Death of Louis Vierne. Recuperado de https://www.huffingtonpost.com/christopher-houlihan/ louis-vierne-concert-organist-tribute_b_1559222.html Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Carlos Romero Cód. PULEP: INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal)