Domingo 5 de marzo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Kike Barona · PULEP: YRM164 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL CRISTIAN GUERRERO (Colombia) flauta BEATRIZ BATISTA (Cuba) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Jonathan Leibovitz • Foto: Kaupo Kikkas Ariel Lanyi • Foto: Kaupo Kikkas Talleres de interpretación de clarinete con Jonathan Leibovitz y de piano con Ariel Lanyi. Lunes 27 de marzo de 2023 • 9:00 a.m. a 12:00 p.m. 1 ACERCA DE LOS ARTISTAS Cristian Guerrero, flauta Inició estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su pregrado bajo la orientación de los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha complementado su formación en talleres y clases magistrales con Gaspar Hoyos, Gabriel Ahumada, Hernando Leal, Huáscar Barradas, Peter-Lukas Graf, János Bálint, Emmanuel Pahud, Paolo Taballione, Michel Debost, William Bennett y Paula Robinson. Se ha desempeñado como primera flauta en la Orquesta Juvenil de las Américas, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y la Banda Sinfónica Nacional de Colombia. Ha sido solista con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, las Orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, de la cual fue también su integrante, la Sinfónica Nacional de Colombia, la Sinfónica de la Universidad de los Andes, la Juvenil de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), la Sinfónica de EAFIT y la Orquesta Sinfónica de vientos de Mannheim, Alemania. Desde 2008 es la primera flauta de la OFB, con la cual ha ejecutado conciertos como solista, entre ellos los de Ibert, Nielsen y Khachaturian. También con esta Orquesta estrenó en Colombia los conciertos de Joaquín Rodrigo y Lowell Liebermann. Entre los directores con quienes ha sido solista se encuentran Gérard Korsten, Rossen Milanov, Olivier Grangean, Leonardo Marulanda y Leonardo Federico Hoyos. Gracias a la comisión de estudios que le otorgó la OFB, finalizó sus estudios de maestría con el maestro Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresde, Alemania, y los estudios de posmaestría, diploma de solista, con el maestro Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim. Simultáneamente, recibió clases con el maestro Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart. Foto: Kike Barona 2 Conozca más acerca de Cristian Guerrero Conozca más acerca de Beatriz Batista Cristian Guerrero Cristian Guerrero Cristian Guerrero Beatriz Batista BEATRIZ BATISTA, piano Pianista cubana graduada de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutela de Mariana Posada. Inició sus primeros pasos como pianista colaborativa en el Teatro Lírico Nacional de Cuba junto al tenor cubano Adolfo Casas. Fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante en el importante concurso de canto de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) en el año 2011. En Colombia ha compartido escenarios con músicos de gran envergadura, tales como Federico Hoyos, Sebastián Cifuentes, Beatriz Mora, Camilo Mendoza y Gloria Casas. En varias ocasiones ha sido la pianista invitada por la Orquesta Sinfónica Nueva Filarmonía y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Participó en el Festival Ópera al Parque en dos ocasiones, siendo la pianista en escena de dos montajes de ópera y zarzuela. Recientemente fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante del concurso de canto de Bogotá, organizado por la OFB. En la actualidad, Beatriz es pianista repetidora en la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. Foto: Kike Barona 3 PROGRAMA Danza y Acuarela Sonata para flauta y piano, H. 306 (1945) Allegro moderato Adagio Allegro poco moderato BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Preludio a la siesta de un fauno, L. 86 (1891-1894) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Original para orquesta Arreglo para flauta y piano de Gustave Samazeuilh (1877-1967) Syrinx, L. 129 (1913) Para flauta sola INTERMEDIO Suite campesina húngara (1914-1918) Canciones populares tristes Rubato Andante Poco rubato Andante Scherzo Danzas antiguas Allegro Allegretto Allegretto L’istesso tempo Assai moderato Allegretto Poco piu vivo Allegro Allegro BÉLA BARTÓK (1881-1945) Original para piano Arreglo para flauta y piano de Paul Arma (1905-1987) Sonata para violín y piano, L. 140 (1917) Allegro vivo Intermède: fantasque et léger Finale: très animé CLAUDE DEBUSSY Arreglo para flauta y piano de Cordula Hacke (s. f.) y Ferdinand Wolfgang Neess (1929-2020) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Bohuslav Martinů Junto con Leos Janáček, Bohuslav Martinů (n.1890) es considerado uno de los mejores compositores checos de la primera mitad del siglo xx. Se inició en el mundo de la música como violinista, y si bien su formación en el Conservatorio de Praga fue un tanto accidentada (alcanzó a ser expulsado por negligente), su deseo de componer se manifestó tempranamente. A la edad de veinte años no solo había esbozado su primer cuarteto para cuerdas, sino que había creado una colección de catorce canciones y una obra para orquesta titulada El ángel de la muerte. Trabajó como violinista de la Orquesta Filarmónica Checa y tomó clases de composición con Joseph Suk. A partir de 1923 y luego de una beca para estudiar composición con Albert Roussel, Martinů se mudó a París y aun cuando continuamente visitó Checoeslovaquia, nunca más volvió a residir en su país natal, aunque su música tradicional y su vida cultural ejercieron una importante influencia sobre su obra. En el periodo entre guerras, Martinů compuso una gran cantidad de piezas concebidas en un espíritu modernista (influenciado por la obra de Stravinsky, de Debussy y del jazz) con un toque nacionalista. Sus conciertos para orquesta e instrumentos solista, como también su música de cámara, gozan de gran popularidad, en especial por la vitalidad rítmica contagiosa de su discurso. Su obra fue influenciada por el estilo melódico de Antonín Dvořák, la complejidad rítmica de Stravinsky, la paleta armónica de Debussy y el cromatismo de Strauss. Luego de mudarse al sur de Francia, pudo salir de la Europa en guerra camino de Lisboa y llegar a Nueva York en 1941. La obra de Martinů es copiosa y dedicó grandes esfuerzos a la composición operática. Entre sus logros más interesantes figura La pasión griega, hecha sobre un texto del escritor Nikos Kazantzakis. Martinů se convirtió en un compositor de renombre internacional y en un ciudadano del mundo. En Estados Unidos, fue profesor de la Universidad de Princeton y de la Mannes School of Music. Sus últimos años los pasó en Suiza, en donde finalmente falleció. La Sonata para flauta y piano data de 1945 y fue escrita en Nueva Inglaterra. En el último movimiento, se escucha el canto de un pájaro de la región. Fue estrenada en Nueva York en 1949. 5 Claude-Achille Debussy El compositor francés Claude-Achille Debussy (1862-1918) vivió sus primeros treinta y ocho años de vida en el ambiente romántico de la segunda mitad del siglo xix y los dieciocho restantes en las movidas primeras décadas del xx. Tal vez, por esta razón, no siempre se asocia su nombre con el concepto del modernismo contestatario de inicios de siglo, pero en verdad sus aportes a la configuración del arte del siglo xx son innegables. Debido a que la música del siglo xx nos invita a pensar en vanguardias y rupturas, evidenciadas las primeras en la obra de Stravinsky y las segundas en Schoenberg, la fluidez del estilo de Debussy parece no entrar en conflicto con la tradición musical centroeuropea. Pero esto es apenas una sensación, una elusiva trampa impresionista, pues Debussy se ingenió la manera de usar la teoría musical tradicional de forma amplia y poco ortodoxa que sirvió de ejemplo global para hacer una música moderna, anclada en lo más relevante de la academia. Ahora bien, Debussy tiene otra faceta interesante de la cual él mismo no estaba muy convencido y es el asocio de su obra con movimientos pictóricos y poéticos. El lenguaje de Debussy hizo posible evocar musicalmente —y no simplemente describir— ideas, objetos o hechos tan disímiles como el sueño, un paisaje, un lugar o una cultura. Aunque se ha generalizado la práctica de definir el estilo de Debussy dentro del marco del Impresionismo, sus composiciones han sido objeto de variados análisis que le han ameritado clasificaciones tan diversas como las de simbolista, puntillista, expresionista, nacionalista, romántico y neoclásico. Algunas de estas corrientes en las cuales se ha querido matricular a Debussy derivan su nombre de la semejanza que puedan tener sus obras con las de ciertas escuelas pictóricas (impresionismo, expresionismo, puntillismo) o tendencias poéticas como el simbolismo que resumen los diversos caminos del arte a comienzos del siglo xx. Ciertamente, no es fácil definir un estilo para la obra completa de Debussy, pues, prácticamente, cada una de ellas merece su propio capítulo dentro de la producción musical de este ingenioso compositor francés. El Preludio a la siesta de un fauno es una libre ilustración de la égloga de Mallarmé titulada L’après-midi d’un faune, de 1876, sin ser necesariamente una síntesis de la misma. En la égloga, se presentan una serie de imágenes que reflejan los sueños y deseos de un fauno en una tarde acalorada. Cansado de sus esfuerzos por alcanzar y seducir escurridizas ninfas imaginarias, sucumbe a un sueño intoxicado en el que realiza sus anhelos. La preocupación musical de Debussy no es la presentación formal de conceptos, sino el impacto de efectos sonoros que deberán evocar imágenes mitológicas y el sopor en que 6 se mueven. Desde un comienzo se escucha una melodía en la flauta que, por su contorno sinuoso y ritmo libre, se viste de una tela vaporosa y sugestiva. El fauno con su característica flauta de pan es el protagonista indiscutible. En 1912 el empresario de los ballets rusos en París, Serguei Diaghilev, produjo una versión coreografiada y bailada por el célebre Nijinsky en una visión erótica de la obra. Entre los aspectos más llamativos de esta sensual partitura está el manejo de la instrumentación: cuerdas con sordina, los enriquecedores glissandi del arpa, la presencia vaporosa de la flauta y hasta el empleo de unos pequeñísimos platillos medioevales. Las melodías basadas en intervalos de tonos enteros y en armonías muy ricas ayudan a establecer este ambiente lejano y exótico. La obra consta de tres secciones formales independientes, entre las cuales Debussy se mueve imperceptiblemente. El retorno al primer tema (aunque a otro nivel tonal) marca una importante recapitulación que hace que la forma resultante sea ternaria y que la obra tenga un discurso interno muy compacto y coherente. Syrinx (Siringa) causó, en su momento, un doble impacto cuando se escuchó por primera vez en una obra teatral de Gabriel Mourey, titulada Psyché, como música incidental para la escena de la muerte de Pan (asociado siempre a las flautas de Pan). El primer impacto recibido fue el de la belleza de la obra y el segundo, el de sus propuestas modernistas. La naturaleza trémula y fresca de la flauta es parte inseparable del discurso melódico. Según Henry Paul Lang, «la predominancia de la melodía sobre el ritmo y la armonía se asemeja a una larga cadenza o una improvisación rapsódica. Ninguna nota aparece por azar. Es remota como un canto llano con tonadas que animan la danza con fuertes cadencias. Una melodía pura, sin texto» (Lang, 1974, p. 7). En sus últimos años de vida, Debussy se dedicó, de manera especial, a la composición de obras para conjunto de cámara. De esta última época datan las sonatas para chelo y piano, la sonata para flauta, viola y arpa, y la sonata para violín y piano que se destaca por ser una de sus postreras piezas completas, escrita bajo el duro peso anímico dejado por la Primera Guerra Mundial. La Sonata para violín y piano se organiza en tres movimientos. El primero de ellos, de carácter tentativo e introductorio, se apega al estilo romántico; el tema melódico predominante es sincopado y descendente, y se complementa con comentarios un poco más movidos, pero siempre enmarcados dentro de la gestualidad amplia del movimiento. El segundo movimiento nos recuerda una serenata fantástica a veces tocada por la ironía, y otras, por un humor un tanto grotesco que se diluye amablemente hacia el final. Para el Finale, Debussy 7 reservó un pasaje de virtuosismo, vivo, ornamentado y melódico, inspirado en melodías napolitanas que se entremezclan con la ornamentación francesa barroca, todo dentro del marco concertante y virtuosístico de fines del siglo xix e inicios del xx. Béla Bartók Con transcripciones de canciones y danzas escritas por el húngaro Béla Bartók (1881-1945), pasamos al mundo de la danza, uno de los componentes principales de la música instrumental. A partir de 1904, año en que Bartók comenzó sus investigaciones en el campo de la música popular y tradicional de su Hungría natal y de culturas aledañas, su estilo de composición se vería profundamente alterado. Bartók se había iniciado en la composición con un lenguaje estilístico de corte posromántico alemán, acorde con la escuela de sus maestros, el ambiente germánico predominante de la cultura húngara y también su temprana admiración por la obra monumental de Richard Strauss. Cuando se desarrolla en Bartók el aprecio por la música tradicional y popular húngara y rumana, nace el músico moderno que cuestiona a fondo el Romanticismo alemán y la tradición académica. Comienza a aportar sus propias soluciones e ideas a la crisis tonal de comienzos del siglo xx, en la que impera la disonancia. Paralelamente, el discurso rítmico adquiere independencia y todos estos nuevos gestos sonoros se convierten en terreno fértil para la innovación. El tratamiento que dio Bartók a esta ‘materia prima musical’ tuvo muchas manifestaciones: desde instrumentaciones y armonizaciones relativamente sencillas, como en el caso de las Canciones y danzas húngaras campesinas y las Danzas populares rumanas, hasta las reelaboraciones más abstractas de sus cuartetos en las que indaga acerca de la naturaleza misma de la afinación. Suite campesina húngara es el título de una colección de quince danzas magiares típicas para piano solo que fueron adaptadas por Paul Arma, alumno de Bartók en Budapest, para dúo de flauta y piano. Para este recital se escogieron obras líricas, enérgicas y con antiguo arraigo tradicional. Referencias Lang, H. (1974). Music in the 20th Century. New York: Norton y Norton. 8 Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Direc-ción de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas del Con-servatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx. 9 Foto: Aline Muller Foto: Kaupo Kikkas Édmar Castañeda (Colombia) arpa llanera Grégoire Maret (Suiza/ Estados Unidos) armónica Domingo 12 de marzo de 2023 11:00 a.m. Édmar y Grégoire también se presentan en Sincelejo y Montería Jonathan Leibovitz (Israel) clarinete Ariel Lanyi (Israel) piano Domingo 26 de marzo de 2023 11:00 a.m. Jonathan y Ariel también se presentan en Ipiales y Pasto 10 Alexander Ullman, piano • Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Jueves 9 de marzo de 2023 · 7:30 p.m. Sincelejo, Teatro Municipal de Sincelejo Viernes 10 de marzo de 2023 · 4:00 p.m. Montería, Auditorio Jorge Alonso Bedoya Vásquez de la Universidad Pontificia Bolivariana Domingo 12 de marzo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Aline Muller · PULEPS: VMI992 - ACP410 - NQN716 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL ÉDMAR CASTAÑEDA (Colombia) arpa llanera GRÉGOIRE MARET (Suiza/Estados Unidos) armónica SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Jonathan Leibovitz • Fotos: Kaupo Kikkas 1 ACERCA DE LOS ARTISTAS Édmar Castañeda, arpa llanera Nació en 1978 en la ciudad de Bogotá. Aprendió a tocar el arpa en su adolescencia interpretando la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el jazz poco después de trasladarse a la ciudad de Nueva York, a dónde se mudó para reunirse con su padre en 1994; inmediatamente se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin un precedente real del arpa en el mundo del jazz, Castañeda estudió trompeta durante el día mientras probaba sus nuevos conocimientos sobre el arpa en conciertos nocturnos en un restaurante de la ciudad. Fue introducido en la comunidad del jazz por Paquito D’Rivera, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera indica sobre él: «[Edmar posee] un talento enorme [...] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana». Castañeda ha conquistado Nueva York y el escenario mundial con la fuerza pura de su dominio virtuoso del arpa, revolucionando la forma en que el público considera un instrumento comúnmente relegado a la categoría ‘inusual’. Ha sido aclamado como un maestro en darse cuenta de las bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico, elaborando hazañas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos del guitarrista flamenco más célebre. «El colombiano toca el arpa como casi nadie en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud de sonido sinfónica totalmente única, un rápido fuego de acordes, equilibrio de figuras melódicas y empuje, servido con ritmos eufóricos latinoamericanos, y la libertad de improvisación de un músico de jazz capacitado. [...] virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo virtuosismo por sí mismo», dice el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung. 2 Conozca más acerca de Édmar Castañeda www.edmarcastaneda.com/ Edmar Castaneda Edmar Castaneda @edmarcastaneda Edmar Castañeda Grégoire Maret, armónica Grégoire se trasladó a Nueva York para estudiar en el departamento de jazz de la New School University tras graduarse del prestigioso Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Hoy en día es uno de los armonicistas más solicitados del mundo y a menudo se le compara con las leyendas Toots Thielemans y Stevie Wonder. Ha tocado con un gran número de músicos famosos, como Youssou N’Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson o Cassandra Wilson, por nombrar algunos. En 2003 fue objeto del documental Sideman, dirigido por el cineasta suizo Frédéric Baillif, que ganó varios premios. En 2005 Grégoire realizó una gira con el Pat Metheny Group, tras la que recibió un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su álbum The Way Up. También ganó el Premio al Músico del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz. Habiendo ganado el Grammy, Maret se embarcó en una gira de dos años con el bajista de talla mundial Marcus Miller y posteriormente se incorporó a la banda de Herbie Hancock. Luego, codirigió el trío de jazz Gaïa con el pianista Federico González Peña y el baterista Gene Lake. También grabó el álbum Scenarios, con Andy Milne en 2007. En 2010 Maret tocó en The Concert for the Rainforest con Elton John y Sting. El 13 de marzo de 2012, publicó su primer álbum como líder contando con invitados tan notables como la vocalista Cassandra Wilson, el bajista Marcus Miller, el guitarrista Raul Midón, Mark Kibble y Alvin Chea de Take 6, y el legendario armonicista Toots Thielemans. 3 Conozca más acerca de Grégoire Maret www.gregoiremaret.com Grégorie Maret @gregoiremaret Gregoire Maret La realización del concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de La realización de este concierto en Montería se presenta en colaboración con 4 PROGRAMA No Fear (2017) ÉDMAR CASTAÑEDA (n. 1978) Hope (2019) GRÉGOIRE MARET (n. 1975) For Jaco (2015) ÉDMAR CASTAÑEDA Acts (2018) Blueserinho (2015) GRÉGOIRE MARET Our Spanish Love Song (1993) CHARLIE HADEN (1937-2014) Santa morena (1954) JACOB PICK BITTENCOURT ‘JACOB DO BANDOLIM’ (1918-1969) 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Sergio Ospina Lejos de toda duda, Édmar Castañeda (n.1978) es el arpista colombiano más reconocido, más galardonado y exitoso de todos los tiempos. Decir que es un virtuoso del arpa y que su nombre es el principal referente de este instrumento en el mundo del jazz —dentro y fuera de los Estados Unidos— no le hace justicia a la magnitud de su talento ni al arsenal de laureles que ha cosechado. No es una sorpresa que se le compare con Yo-Yo Ma o con otros músicos cuya personalidad artística trasciende lo excepcional y que no son otra cosa sino íconos culturales por antonomasia. Tampoco es una exageración lo que con respecto a Édmar expresó el famoso programa norteamericano de radio Fresh Air, amplificado por buena parte del planeta a través de NPR (National Public Radio): «su técnica es lo que realmente asombra. Castañeda hace malabares con melodías, ritmos y acompañamientos en el bajo, usando una gran variedad de ataques suaves y fuertes sobre las cuerdas para darle a cada una de aquellas voces una personalidad distinta —todo ello, sin perder el sabor (groove)—. Su sorprendente técnica ha elevado los estándares para cualquier arpista»1 (2012). En Colombia, el arpa está por lo general asociada exclusivamente con el repertorio de la llamada ‘música llanera’, una tradición musical compartida por Colombia y Venezuela, caracterizada por una gran variedad de estilos o ‘golpes’ y en la que el arpa ha sido por muchos años uno de los instrumentos principales. Si bien la música llanera y la técnica del arpa llanera han jugado un papel central en la formación y la trayectoria de Édmar Castañeda, su carrera como intérprete, compositor y arreglista se ha enriquecido de una gama mucho más amplia de géneros musicales y repertorios. Y se ha enriquecido en la misma medida en que sus intervenciones musicales han servido para ensanchar significativamente el ámbito musical del arpa dentro de la música popular moderna. De allí que a Édmar se le conozca ante todo como un arpista de jazz. Una vez más, sin embargo, el rótulo no le hace justicia a la diversidad de mundos musicales que coexisten en sus grabaciones y conciertos ni a la forma en que todos ellos entran en diálogo con cada una de sus interpretaciones. En la música de Édmar Castañeda conviven la música llanera, el jazz, la música popular latinoamericana y hasta la música clásica. Así que, en cierto modo, 1 Fresh Air (2012). Traducción al español hecha por Sergio Ospina. 6 ideas como ‘fusión’ o ‘hibridad’ pueden servir como punto de partida para pensar su apuesta musical y, aun así, vale la pena ir más allá de las categorías para dar cuenta tanto del espectro de innovaciones musicales e intercambios culturales presentes en su música, como del potencial de su legado para las futuras generaciones de arpistas. La cantidad y el calibre de los músicos con los que Édmar Castañeda ha hecho colaboraciones a lo largo de los años es otro testimonio de la resonancia trasnacional de su agenda musical. Entre ellos se encuentran Paquito D’Rivera, Sting, Hiromi, John Patitucci, Béla Fleck, Pedrito Martínez, John Scofield, Ricki Lee Jones, Marcus Miller, Gonzalo Rubalcaba, Ivan Lins, The Yellowjackets, Laura Lambuley y Paco de Lucía. Uno de sus más recientes cómplices musicales y con quien comparte el escenario en el concierto de hoy es el legendario músico suizo Grégoire Maret (n.1975), un virtuoso de la armónica, y poseedor de un inmenso caudal de premios y reconocimientos de toda índole. Los paralelos entre Édmar y Grégoire saltan a la vista y hacen que su colaboración artística resulte casi un producto del destino y, en cualquier caso, un deleite artístico para todas las audiencias. Los dos han redefinido las posibilidades técnicas e interpretativas de sus respectivos instrumentos; los dos han sido los principales responsables de posicionar dos instrumentos usualmente ausentes en las lides del jazz y de forjar de paso un nuevo horizonte estilístico; y dado que ninguno de los dos es nacido en Estados Unidos, también han sido los artífices de un cuestionamiento renovado no solo con respecto a lo que es y puede ser el jazz, sino al lugar de las tradiciones musicales globales en la gestación y el desarrollo de esta música. Las piezas musicales seleccionadas para el concierto de hoy hacen gala de la creatividad y el virtuosismo de este par de músicos, así como del acopio de perspectivas que trae consigo su colaboración en este proyecto. La mayoría son, justamente, sus propias composiciones. El concierto abre con No Fear, obra de Castañeda, dedicada, en palabras de su compositor, a todas las familias y personas que están lidiando con la incertidumbre de los tiempos difíciles: «sigan fuertes, no dejen que el temor invada su mente; vamos a salir juntos de esto»2. En cierto modo, es una composición cuya arquitectura musical parece estar en sintonía con la complejidad de circunstancias y emociones que supone cualquier adversidad. A pasajes caracterizados al parecer por cierta suerte de estancamiento —a través de patrones rítmicos repetitivos y pedales armónicos sostenidos— le siguen, en cambio, otros definidos por la 2 Traducción al español hecha por Sergio Ospina. 7 movilidad y el tránsito de las frases musicales, en un vaivén que bien podría ser una metáfora musical de la vida misma. Los espacios abiertos para la improvisación parecen reforzar este mosaico de sensaciones al estilo de un escenario lleno de incertidumbre sobre el que, no obstante, una fuerza superior tiene todo bajo control. Un poco en la misma línea afectiva, pero a partir de un despliegue musical totalmente distinto, se encuentra Hope, una composición de Maret. Si la aparente simplicidad del acompañamiento del arpa y la melodía introductoria de la armónica es un vehículo ideal para la introspección, se trata al mismo tiempo de un ambiente armónico suficientemente elaborado como para dar lugar a todo tipo de sorpresas en el momento en el que las improvisaciones se dan. El contraste no podría ser quizás más radical con For Jaco, otra obra de Castañeda, dedicada al famoso bajista norteamericano Jaco Pastorious (1951- 1987) y conocida, entre otras interpretaciones, por la grabación que hizo Édmar con la excepcional pianista japonesa Hiromi. La muerte prematura de Jaco Pastorious, a los 35 años, dejó un vacío irremediable en el mundo de la música. El carácter vibrante de la composición de Castañeda, un llamado inevitable a un despliegue técnico de virtuosismo, es un homenaje de lujo para Jaco, así como un testimonio latente de la vitalidad, la influencia y el legado del bajista. Acts también es una composición de Castañeda y, en la versión que grabó justamente con Maret, la pieza abre con un mensaje hablado superpuesto al despliegue musical; un mensaje inequívocamente asociado con las convicciones espirituales de Édmar: «Sobre ti había escuchado, mas ahora mis ojos te ven. No en la fama, no en las riquezas, tú estás en el niño abandonado, en la mujer que sufre, en el mendigo que llora; tú estás en el que está solo, en la cárcel, en el dolor. Eres un acto de amor, Jesús. Ama a tu prójimo como a ti mismo». Por su parte, el título de Blueserinho, otra joya de Grégoire Maret, parece evocar no solo la idea de un ‘pequeño blues’ — escrito en portugués—, sino la re-creación o re-invención de la que pueden ser susceptibles géneros emblemáticos como el blues cuando músicos de la talla de Maret o Castañeda lo hacen suyo. A la vez que las características más evidentes del blues en términos de forma, armonía y figuras melódicas siguen en cierto modo presentes —pero claramente deconstruidas y reimaginadas— los guiños rítmicos con la samba brasileña sirven para gestar un universo de sentido musical completamente nuevo. El concierto cierra con dos obras de otros compositores: Our Spanish Love Song, original del bajista estadounidense Charlie Haden (1937-2014), y Santa morena, un clásico del compositor y mandolinista brasileño Jacob Pick 8 Bittencourt (1928-1969), conocido y recordado más con el nombre de ‘Jacob do Bandolim’. Mientras el lirismo de la música de Haden resulta exacerbado por la sensibilidad interpretativa de Castañeda y Maret, la vehemencia rítmica del choro encuentra un canal idóneo en la combinación tímbrica del arpa y la armónica. Además, lejos de simplemente evocar la musicalidad brasileña original de la composición de ‘Jacob do Bandolim’, la versión de estos dos grandes artistas ofrece también una excursión musical transnacional al reinscribir la obra dentro del contexto de la música llanera de Colombia y Venezuela. Así las cosas, este concierto bien podría describirse como una ‘proeza’, la traducción más cercana en español de lo que en círculos musicales internacionales suele llamarse un tour de force. Sergio Ospina Romero es profesor en la Universidad de Indiana. Es el autor de dos libros, Dolor que canta y Fonógrafos ambulantes, y de varias publicaciones sobre tecnologías de grabación y jazz que han aparecido en revistas y libros de distintas partes del mundo. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. 9 Foto: Ángel Hurtado • PULEPS: RNM328 - HNI389 - IZF615 Foto: Kaupo Kikkas Jonathan Leibovitz (Israel), clarinete Ariel Lanyi (Israel), piano Domingo 26 de marzo de 2023 11:00 a.m. Jonathan y Ariel también se presentan en Ipiales y Pasto ¡En Abril! Concierto de Guaita (Colombia) Jazz Montería, Auditorio Universidad Pontificia Bolivariana: Jorge Alonso Bedoya Vázquez Miércoles 26 de abril de 2023 Sincelejo, Teatro Municipal de Sincelejo Jueves 27 de abril de 2023 Cartagena, Biblioteca Bartolomé Calvo Viernes 28 de abril de 2023 10 Alexander Ullman, piano. Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Édmar Castañeda, arpa llanera Nació en 1978 en la ciudad de Bogotá. Aprendió a tocar el arpa en su adolescencia interpretando la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el ‘jazz’ poco después de trasladarse a la ciudad de Nueva York, a dónde se mudó para reunirse con su padre en 1994; inmediatamente se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin un precedente real del arpa en el mundo del ‘jazz’, Castañeda estudió trompeta durante el día mientras probaba sus nuevos conocimientos sobre el arpa en conciertos nocturnos en un restaurante de la ciudad. Fue introducido en la comunidad del ‘jazz’ por Paquito D’Rivera, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera indica sobre él: «[Edmar posee] un talento enorme [...] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana». Castañeda ha conquistado Nueva York y el escenario mundial con la fuerza pura de su dominio virtuoso del arpa, revolucionando la forma en que el público considera un instrumento comúnmente relegado a la categoría ‘inusual’. Ha sido aclamado como un maestro en darse cuenta de las bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico, elaborando hazañas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos del guitarrista flamenco más célebre. «El colombiano toca el arpa como casi nadie en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud de sonido sinfónica totalmente única, un rápido fuego de acordes, equilibrio de figuras melódicas y empuje, servido con ritmos eufóricos latinoamericanos, y la libertad de improvisación de un músico de ‘jazz’ capacitado. [...] virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo virtuosismo por sí mismo», dice el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung. Grégoire Maret, armónica Grégoire se trasladó a Nueva York para estudiar en el departamento de ‘jazz’ de la New School University tras graduarse del prestigioso Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Hoy en día es uno de los armonicistas más solicitados del mundo y a menudo se le compara con las leyendas Toots Thielemans y Stevie Wonder. Ha tocado con un gran número de músicos famosos, como Youssou N’Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson o Cassandra Wilson, por nombrar algunos. En 2003 fue objeto del documental ‘Sideman’, dirigido por el cineasta suizo Frédéric Baillif, que ganó varios premios. En 2005 Grégoire realizó una gira con el Pat Metheny Group, tras la que recibió un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su álbum ‘The Way Up’. También ganó el Premio al Músico del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz. Habiendo ganado el Grammy, Maret se embarcó en una gira de dos años con el bajista de talla mundial Marcus Miller y posteriormente se incorporó a la banda de Herbie Hancock. Luego, codirigió el trío de ‘jazz’ Gaïa con el pianista Federico González Peña y el baterista Gene Lake. También grabó el álbum ‘Scenarios’, con Andy Milne en 2007. En 2010 Maret tocó en The Concert for the Rainforest con Elton John y Sting. El 13 de marzo de 2012, publicó su primer álbum como líder contando con invitados tan notables como la vocalista Cassandra Wilson, el bajista Marcus Miller, el guitarrista Raul Midón, Mark Kibble y Alvin Chea de Take 6, y el legendario armonicista Toots Thielemans.

Inició estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su pregrado bajo la orientación de los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha complementado su formación en talleres y clases magistrales con Gaspar Hoyos, Gabriel Ahumada, Hernando Leal, Huáscar Barradas, Peter-Lukas Graf, János Bálint, Emmanuel Pahud, Paolo Taballione, Michel Debost, William Bennett y Paula Robinson. Se ha desempeñado como primera flauta en la Orquesta Juvenil de las Américas, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y la Banda Sinfónica Nacional de Colombia. Ha sido solista con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, las Orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, de la cual fue también su integrante, la Sinfónica Nacional de Colombia, la Sinfónica de la Universidad de los Andes, la Juvenil de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), la Sinfónica de EAFIT y la Orquesta Sinfónica de vientos de Mannheim, Alemania. Desde 2008 es la primera flauta de la OFB, con la cual ha ejecutado conciertos como solista, entre ellos los de Ibert, Nielsen y Khachaturian. También con esta Orquesta estrenó en Colombia los conciertos de Joaquín Rodrigo y Lowell Liebermann. Entre los directores con quienes ha sido solista se encuentran Gérard Korsten, Rossen Milanov, Olivier Grangean, Leonardo Marulanda y Leonardo Federico Hoyos. Gracias a la comisión de estudios que le otorgó la OFB, finalizó sus estudios de maestría con el maestro Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresde, Alemania, y los estudios de posmaestría, diploma de solista, con el maestro Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim. Simultáneamente, recibió clases con el maestro Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart.

Édmar Castañeda, arpa llanera Nació en 1978 en la ciudad de Bogotá. Aprendió a tocar el arpa en su adolescencia interpretando la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el ‘jazz’ poco después de trasladarse a la ciudad de Nueva York, a dónde se mudó para reunirse con su padre en 1994; inmediatamente se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin un precedente real del arpa en el mundo del ‘jazz’, Castañeda estudió trompeta durante el día mientras probaba sus nuevos conocimientos sobre el arpa en conciertos nocturnos en un restaurante de la ciudad. Fue introducido en la comunidad del ‘jazz’ por Paquito D’Rivera, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera indica sobre él: «[Edmar posee] un talento enorme [...] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana». Castañeda ha conquistado Nueva York y el escenario mundial con la fuerza pura de su dominio virtuoso del arpa, revolucionando la forma en que el público considera un instrumento comúnmente relegado a la categoría ‘inusual’. Ha sido aclamado como un maestro en darse cuenta de las bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico, elaborando hazañas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos del guitarrista flamenco más célebre. «El colombiano toca el arpa como casi nadie en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud de sonido sinfónica totalmente única, un rápido fuego de acordes, equilibrio de figuras melódicas y empuje, servido con ritmos eufóricos latinoamericanos, y la libertad de improvisación de un músico de ‘jazz’ capacitado. [...] virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo virtuosismo por sí mismo», dice el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung. Grégoire Maret, armónica Grégoire se trasladó a Nueva York para estudiar en el departamento de ‘jazz’ de la New School University tras graduarse del prestigioso Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Hoy en día es uno de los armonicistas más solicitados del mundo y a menudo se le compara con las leyendas Toots Thielemans y Stevie Wonder. Ha tocado con un gran número de músicos famosos, como Youssou N’Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson o Cassandra Wilson, por nombrar algunos. En 2003 fue objeto del documental ‘Sideman’, dirigido por el cineasta suizo Frédéric Baillif, que ganó varios premios. En 2005 Grégoire realizó una gira con el Pat Metheny Group, tras la que recibió un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su álbum ‘The Way Up’. También ganó el Premio al Músico del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz. Habiendo ganado el Grammy, Maret se embarcó en una gira de dos años con el bajista de talla mundial Marcus Miller y posteriormente se incorporó a la banda de Herbie Hancock. Luego, codirigió el trío de ‘jazz’ Gaïa con el pianista Federico González Peña y el baterista Gene Lake. También grabó el álbum ‘Scenarios’, con Andy Milne en 2007. En 2010 Maret tocó en The Concert for the Rainforest con Elton John y Sting. El 13 de marzo de 2012, publicó su primer álbum como líder contando con invitados tan notables como la vocalista Cassandra Wilson, el bajista Marcus Miller, el guitarrista Raul Midón, Mark Kibble y Alvin Chea de Take 6, y el legendario armonicista Toots Thielemans.

Cristian Guerrero, flauta Inició estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su pregrado bajo la orientación de los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha complementado su formación en talleres y clases magistrales con Gaspar Hoyos, Gabriel Ahumada, Hernando Leal, Huáscar Barradas, Peter-Lukas Graf, János Bálint, Emmanuel Pahud, Paolo Taballione, Michel Debost, William Bennett y Paula Robinson. Se ha desempeñado como primera flauta en la Orquesta Juvenil de las Américas, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y la Banda Sinfónica Nacional de Colombia. Ha sido solista con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, las Orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, de la cual fue también su integrante, la Sinfónica Nacional de Colombia, la Sinfónica de la Universidad de los Andes, la Juvenil de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), la Sinfónica de EAFIT y la Orquesta Sinfónica de vientos de Mannheim, Alemania. Desde 2008 es la primera flauta de la OFB, con la cual ha ejecutado conciertos como solista, entre ellos los de Ibert, Nielsen y Khachaturian. También con esta Orquesta estrenó en Colombia los conciertos de Joaquín Rodrigo y Lowell Liebermann. Entre los directores con quienes ha sido solista se encuentran Gérard Korsten, Rossen Milanov, Olivier Grangean, Leonardo Marulanda y Leonardo Federico Hoyos. Gracias a la comisión de estudios que le otorgó la OFB, finalizó sus estudios de maestría con el maestro Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresde, Alemania, y los estudios de posmaestría, diploma de solista, con el maestro Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim. Simultáneamente, recibió clases con el maestro Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart. Beatriz Batista, piano Pianista cubana graduada de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutela de Mariana Posada. Inició sus primeros pasos como pianista colaborativa en el Teatro Lírico Nacional de Cuba junto al tenor cubano Adolfo Casas. Fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante en el importante concurso de canto de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) en el año 2011. En Colombia ha compartido escenarios con músicos de gran envergadura, tales como Federico Hoyos, Sebastián Cifuentes, Beatriz Mora, Camilo Mendoza y Gloria Casas. En varias ocasiones ha sido la pianista invitada por la Orquesta Sinfónica Nueva Filarmonía y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Participó en el Festival Ópera al Parque en dos ocasiones, siendo la pianista en escena de dos montajes de ópera y zarzuela. Recientemente fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante del concurso de canto de Bogotá, organizado por la OFB. En la actualidad, Beatriz es pianista repetidora en la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia.

CORO FILARMÓNICO INFANTIL (Colombia), ensamble vocal SANDRA PATRICIA RODRÍGUEZ (Colombia), directora Jueves 16 de marzo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Kike Barona · PULEP: UUA865 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales OR Band, jazz • Foto. Henry Castro Rivera 1 ACERCA DEL ENSAMBLE CORO FILARMÓNICO INFANTIL OFB, ensamble vocal El Coro Filarmónico Infantil fue creado en 2014, en el marco del Proyecto de Formación Musical ‘Vamos a la Filarmónica’, de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). El coro está conformado por cien niños, niñas y adolescentes de los Centros Filarmónicos Escolares y los Centros Filarmónicos Locales, bajo la dirección general de Sandra Patricia Rodríguez y de Mario Lo Russo como director asistente. Esta agrupación tiene como base la práctica del canto coral, que busca promover los valores y potencialidades artísticas de cada integrante por medio de la enseñanza de la música, el desarrollo de la voz como instrumento y el movimiento corporal. Desarrolla las habilidades vocales y musicales de sus integrantes con rigor y excelencia, en un ambiente en el que el amor y la disciplina van de la mano, propendiendo por el continuo crecimiento personal. Se busca formar al corista para crecer y desempeñarse con seguridad, gusto, calidad y creatividad dentro de un ámbito musical de alto nivel. Dentro de su actividad, el Coro Filarmónico Infantil ha participado en eventos como el XXI y XXII Festival Ópera al Parque (2018-2019), los conciertos navideños OFB (2016 y 2021), II y III Festival Distrital de Coros de la OFB (2015 y 2019), los conciertos distritales Vamos a la Filarmónica (2016 y 2022), Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (2019 y 2020), y en ‘El concierto más grande del mundo’ realizado en el Parque Simón Bolívar de la ciudad de Bogotá (2022). Asimismo, ha sido invitado especial en la Cumbre de Paz, donde interpretaron Para la guerra nada con reconocidos artistas colombianos, entre ellos, María Mulata, Victoria Sur, Martha Gómez, Manuel Medrano. Ha sido invitado a la grabación de los videos del Himno Nacional de Colombia, el Himno de Bogotá y el Himno de Francia; e invitado especial para la celebración de Santa Lucía con la Embajada de Suecia en Colombia. El Coro ha participado en montajes sinfónico-corales con la OFB, entre los que se destacan el Réquiem de guerra y La condenación de fausto de Benjamin Britten, bajo la batuta de Leonardo Marulanda; Carmina Burana de Carl Orff con Kent Nagano; Las siete trompetas del apocalipsis de Óscar Navarro; la Sinfonía No. 3 de Gustav Malher con Francisco Rettig; la ópera El caballero de la rosa de Richard Strauss; la ópera infantil La princesa y la arveja 2 de Luis Antonio Escobar; el Réquiem de Gabriel Fauré; las Danzas polovtsianas de Aleksandr Borodin; la ópera Gianni Schicchi, y recientemente la ópera Tosca de Giacomo Puccini. Sandra Patricia Rodríguez, directora artística general Directora coral y tallerista en pedagogía coral y vocal, con amplia experiencia y reconocimiento en el país. Su carrera musical comenzó a la edad de diez años como corista, complementando su formación con estudios de violín y de órgano. Es Licenciada en Pedagogía Musical de la Universidad Pedagógica Nacional con énfasis en Canto; Especialista en Dirección de Coros Infantiles y Juveniles en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, Especialista en Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad del Rosario, Especialista en Percepción, Cerebro y Aprendizaje en Contextos Educativos, y Magister en Neurosicología y Educación en la Universidad Internacional de La Rioja, España. Realizó cursos de especialización en Terapia Vocal y Vocal Coach en Comunikarte (Chile) y Cenprovoz (Colombia). Sus estudios de dirección coral y orquestal, pedagogía vocal, coral y canto han sido realizados con maestros nacionales e internacionales, entre quienes sobresalen Carmiña Gallo, Elsa Gutiérrez, Alejandro Zuleta, María Olga Piñeros, Julián Lombana, Josu Elberdin, Guido Minoletti, Alberto Grau, María Guinand, Digna Guerra y Fredy Lafont. En 2015 participó en The Princeton Festival Conducting Master Class con Jan Harrington, en Princeton (Estados Unidos); en 2016, en talleres de perfeccionamiento con Naomi Municata (Brasil), Diana Sáez (Puerto Rico) y Ryan Endris (Estados Unidos); en 2017, con Anthony Trecek-king (Boston), Patrick Freer (Georgia) y Ana María Raga (Venezuela); en 2018, con Germán Gutiérrez (Colombia) y Josep Vila (España); y en 2019, con Sanna Valvanne (Finlandia), y en 2022 con Kirlianit Cortés (Colombia). Ha sido corista y solista de diversos géneros musicales. Integró el Coro Filarmónico de Bogotá, el Coro de la Universidad de los Andes en 2012 y la Sociedad Coral Santa Cecilia desde 1996 hasta 2020. Fue directora en la Fundación Música en los Templos desde el año 2000 hasta 2013 y Coordinadora en 2014. Fue fundadora y directora del Coro Verata e Liberi entre 2005 y 2016. Fue fundadora y directora del Coro Verata e Liberi entre 2005 y 2016, y del Coro Voces de Luz desde 2009, coros con los que ha tenido proyección a nivel nacional e internacional. Desde 2019 es asesora del Coro Voces Yumhu de México y desde julio de 2022 es asesora vocal y artista de la Organización Internacional Voces Indígenas a Coro de México. 3 Desde 2015 es presidente de la Corporación para el Fomento de la Música Coral - CORFOCORAL. A partir de 2016 es líder del Área Coral en el Proyecto de Formación Musical ‘Vamos a la Filarmónica’ de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y directora del Coro Filarmónico Infantil. Mario Lo Russo Henríquez, director asistente Jesús Ortiz, piano Lady Vanessa Sánchez, coach vocal Integrantes Coro Filarmónico Infantil Abigail Espitia Tortosa Ada Violeta Jiménez Sáenz Alejandra Zambrano Vanegas Alison Michele Pinto Osorio Ana Manuela Socha Ríos Anngie Calderón Chacón Ashley Mariana Mesa Bautista Celeste Alarcón Sarmiento Cielo Torres Fonseca Daniela Romero Vergara Danna Cifuentes Hinojoza Eliana Traslaviña Ordóñez Emily Isabella Medina Villarraga Estefanía Calixto Peñaloza Isabella Villarraga Rondón Jade Mariana Barrera Jaimes Juanita Agudelo Ramírez Juliana Suárez Beltrán Julieta Benavides Ortiz Karen Rivera Angarita Karol Peraza Higuera Kristal Gómez González Laura Alejandra Pérez León Laura Fuentes Herrera Laura Mora Hernández Laura Sofía Eugenio Laura Benito Ballén Luciana Montoya Chacón Luisa Ortiz Galindo Luna Sofía León Barrera Luna Moreno Salcedo María de los Ángeles Arias Calvo María de los Ángeles Castillo Calderón María Fernanda Cortés Cortés Mónica Muñoz Nechiza Paula Fernanda Tique Carrión Paula Sofía Castillo Devia Romance Gabriela Melo Velosa Sara Sofía Heredia Rodríguez Sara Sofía Lara Rodríguez Sara Valentina Arenas Prieto Sarah Valentina Melo Puerto Sarah Rodríguez Torres Sofía Rodríguez Ramírez Virginia Elena Carmona Pérez Acompañantes e invitados Lady Vanesa Sánchez Rosas, cantante solista en Wana Baraka María Angélica Mendoza, percusión José Fernando Giraldo, saxofón Luis Eduardo Castellanos, guitarra Simón Andrés Delgado, bajo 4 PROGRAMA Veni Domine de Tres motetes, Op. 39 (1830) FELIX MENDELSSOHN (1809-1847) Original para coro femenino y órgano Transcripción para coro y piano del Coro Filarmónico Infantil Kyrie de Misa para mujeres o niños (s. f.) SERGEY PLESHAK (n. 1970) In Memoriam de Los coristas (2004) BRUNO COULAIS (n. 1954) CHRISTOPHE BARRATIER (n. 1963) Para coro y piano Kyrie de A Little Jazz Mass (2006) BOB CHILCOTT (n. 1955) Original para coro y ensamble Adaptación para coro, saxofón, piano, bajo y percusión del Coro Filarmónico Infantil Un canto a la amistad (s. f.) ANÓNIMO Arreglo del Centro Musical Batuta – Plaza La Hoja (Bogotá, 2018) Adaptación instrumental para saxofón, piano, bajo y percusión del Coro Filarmónico Infantil Ojos de yo no sé qué (s. f.) LUIS ‘LUCHO’ VERGARA (n. 1943) Original para voz, bandola y guitarra Arreglo sobre la versión de Martha Sofía Rivera (s. f.) Adaptado para el proyecto de formación musical ‘Vamos a la Filarmónica’ por Eliana Cristancho Cáceres (n.1981) para coro, guitarra, bajo y percusión Lunita clara (1988) JESÚS ALBERTO REY (1956-2009) Original para voz, bandola y guitarra Arreglo para coro, tiple y guitarra de Eunice Prada Nagay (n. 1974) Debajito de la palma (2006) GERMÁN GERARDO RUIZ MONTENEGRO (n. 1968) Para dos voces iguales, piano y tambora Un lugar (2019) IBIS AMADOR (n. 1987) Para coro, clarinete, guitarra, piano y percusión 5 INTERMEDIO One Candle (2007) ANDY BECK (n. 1986) Para coro y piano Hush! Somebody is Callin’ my Name (s. f.) ESPIRITUAL TRADICIONAL Original para coro Arreglo y textos adicionales de Rollo Dilworth (n. 1970) Adaptación para coro, saxofón, piano, bajo y percusión del Coro Filarmónico Infantil ¡Si en este momento te duermes, querube! (s. f.) ALBERTO GRAU (n. 1937) Para coro y piano Aranya de sostre (s. f.) JOSEP VILA I CASAÑAS (n. 1966) Para coro y piano Cerf-Volant de Los coristas (2004) BRUNO COULAIS CHRISTOPHE BARRATIER Para coro y piano Aiwal (s. f.) Kaipi (s. f.) Seserie (s. f.) TRADICIONAL DE LAS ISLAS DEL ESTRECHO DE TORRES (AUSTRALIA) Transcripción de Ibis Amador para coro y percusión Like a Rainbow (2010) BOB CHILCOTT Original para voces blancas Adaptación para coro, saxofón, piano, bajo y percusión del Coro Filarmónico Infantil Wana Baraka (s. f.) TRADICIONAL DE KENYA Arreglo para coro, solista y percusión de Shawn Kirchner (n. 1970) 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Cultivar las voces de niños y jóvenes no es tarea fácil. Y, sin embargo, ha sido el principal interés de numerosos pedagogos, compositores y directores corales que a lo largo de los años se han especializado en la formación musical de los más pequeños. Muchos de ellos han persistido por un largo lapso de tiempo en esta labor convencidos de que los mejores hábitos musicales se forjan desde la infancia. Las obras que escucharemos a continuación encarnan el esfuerzo de compositores y arreglistas preocupados por dotar a los coros juveniles de un repertorio adaptado a sus necesidades específicas. Cuatro obras en latín dan inicio a este programa. La primera de ellas es el motete Veni Domine de Tres motetes, Op. 39, compuesto por Felix Mendelssohn (1809-1847) en 1830, originalmente para coro femenino y órgano. Cuenta el compositor que cuando se encontraba en Roma escuchó cantar a una comunidad de monjas francesas en la iglesia Trinita dei Monti y que esto lo impulsó a escribir los tres motetes pensando en que pudieran ser interpretados por ellas en distintos momentos del año litúrgico. Veni Domine corresponde al cuarto domingo de adviento, y su texto (Ven señor, no tardes tanto) es una declaración de esperanza ante la venida inminente del Salvador. Continuando con las obras de carácter sacro, escucharemos el Kyrie de la Misa para mujeres o niños del compositor ruso Sergey Pleshak (n. 1970), hoy en día uno de los compositores de música coral infantil más reputados de San Petersburgo. El texto Kyrie eleison (Señor, ten piedad) fue el principal insumo de la obra In Memoriam, compuesta por Bruno Coulais (n.1954) para la banda sonora de la película Los coristas del director Christophe Barratier (n.1963). El film, que fue un éxito mundial en 2004, cuenta la historia de un coro de niños en un sórdido reformatorio juvenil donde la música encarna la esperanza en medio de la represión. La obra superpone el texto Kyrie eleison al del introito de la misa de difuntos Réquiem æternam (Dales, Señor, el descanso eterno) apenas audible bajo la insistente repetición del Kyrie en stacatto, que le da un aire inquietante. Esta música aparece principalmente en la angustiosa escena del incendio. Escucharemos posteriormente Cerf-Volant (Cometa), con letra del director, musicalizada por Coulais y empleada en el film en la escena final, donde los niños lanzan aviones de papel por la ventana para darle el adiós a su profesor de música injustamente despedido. Es una obra de carácter alegre y festivo, un cierre perfecto para una película cargada de emociones. 7 El compositor, cantante y director británico Bob Chilcott (n. 1955) ha puesto su experiencia como intérprete —fue miembro de los King’s Singers— al servicio de sus composiciones corales. Ha desarrollado un estilo de escritura ecléctico con obras que van desde himnos para la iglesia anglicana, hasta adaptaciones de canciones populares africanas, pasando por canciones góspel, obras clásicas, jazz, entre muchas otras. En 2006 escribió la Little Jazz Mass (Pequeña misa jazz) para el festival Crescent City de Nueva Orleans. De esta adaptación de la misa brevis latina, que fue elogiada por la adecuada utilización de los recursos más característicos de este género, escucharemos la primera parte: Kyrie eleison. Escucharemos también, del mismo autor, la canción Like a Rainbow, compuesta en 2010 para el coro Mississauga de Ontario (Canadá). Escrita en lengua aborigen (de la población Guaymi/Ngäbe), habla del significado de la unión de los colores del arcoíris y su relación con el círculo de la naturaleza, tema frecuentemente abordado por el compositor en sus Circle Songs. La segunda parte del programa abordará obras originales de compositores colombianos adaptadas para este formato coral. La primera de ellas es la canción Un canto a la amistad (s. f.), que forma parte del cancionero Batuta volumen 1 del año 2018. Esta es una recopilación de 33 obras para coro con acompañamiento, fruto del proceso de creación colectivo de diferentes centros musicales del país, en este caso el de los estudiantes del Centro Musical Batuta Plaza La Hoja en Teusaquillo, Bogotá. Del maestro caleño Luis ‘Lucho’ Vergara (n. 1943), escucharemos el bambuco Ojos de yo no sé qué (s. f.), dedicado a su hija mayor Claudia. El compositor, intérprete y luthier tiene en su haber más de 500 canciones en las que figuran sobre todo ritmos andinos colombianos, pero también latinoamericanos. Ha sido participante y jurado de los principales festivales musicales del país, entre ellos el del Mono Núñez. La carrera del compositor y pedagogo Jesús Alberto Rey Mariño (1956-2009) estuvo marcada por su voluntad de equilibrar la música académica y la popular. Lideró numerosos proyectos musicales en el país — algunos con población infantil—, experiencia que lo impulsó a componer entre 1979 y 1992 un grupo de 16 canciones para niños, entre las que se encuentra Lunita clara (1988), que escucharemos en esta ocasión en una versión para coro. Acerca de este conjunto de canciones, explican Calderón y Echeverri (2012, p. 66): «Estas piezas musicales muestran como rasgo característico la utilización de acordes y secuencias melódicas poco frecuentes que ayudan a reforzar el texto y por consiguiente el mensaje de las mismas». El currulao Debajito de la palma (2006), del compositor colombiano Germán Gerardo Ruiz Montenegro (n. 1968), fue escogido en 2016 para 8 formar parte del Word Voice Songbook Collection, una compilación de obras infantiles realizada por el programa Word Voice liderado por profesores británicos, y que se lleva a cabo en diferentes países del mundo con el fin de formar a alumnos y maestros en la interpretación del canto coral. Esta iniciativa contó con el apoyo de la fundación Batuta con la que ha trabajado Ruiz en diversas ocasiones. La obra contiene múltiples juegos rítmicos del Pacífico colombiano. Otra arreglista y compositora que se ha desempeñado en el ámbito de la música infantil es la colombiana Ibis Amador (n. 1987), de quien escucharemos la obra Un lugar, compuesta en el año 2019. Una parte importante del repertorio coral infantil consta de arreglos o adaptaciones de canciones populares originarias de diversas culturas, así como de obras originales de autores contemporáneos que se han aventurado a contribuir con este repertorio. Es el caso del compositor y pedagogo americano Andy Beck (n.1986), de quien escucharemos la canción One Candle (2007), representación de una ‘ceremonia de las velas’ en la que alternan la frase latina Dona nobis pacem con el texto del poema en inglés. La obra inicia con un solista que personifica una única vela encendida a la que poco a poco se agregan más y más voces que ‘iluminan’ todo el escenario. Enseguida, escucharemos el espiritual tradicional Hush! Somebody is Callin’ my Name, arreglo del compositor estadounidense Rollo Dilworth (n. 1970) sobre una obra tradicional del repertorio afroamericano. Dilworth es un reconocido pedagogo muy interesado en rescatar el repertorio del góspel americano adecuándolo al lenguaje musical moderno, lo que algunos llamarían hoy ‘el nuevo góspel’. Actualmente, uno de los más importantes compositores y directores de coro del continente suramericano es el venezolano Alberto Grau (n. 1937). Su trabajo como director y pedagogo le llevó a formar en los años noventa, después de un largo recorrido con la Schola Cantorum (también formada por él), el proyecto Los Pequeños Cantores de la Schola, pequeños para quienes empezó a escribir una serie de canciones infantiles. Fue así como escribió ¡Si en este momento te duermes, querube! sobre un texto del poeta venezolano Jesús Rosas Marcano (1930-2001). La propuesta pedagógica de Grau incluye efectos como la percusión corporal (euritmia) para alimentar el espíritu lúdico de los niños. Del compositor catalán Josep Villa I Casañas (n. 1966), escucharemos la obra Aranya de sostre (Araña de techo), que forma parte de una colección de obras para coro infantil compuestas entre 1987 y 1996. Esta obra en particular está basada en un poema del dramaturgo catalán Miquel Desclot (del Bestiolari 9 de la Clara 1994). Villa es actualmente uno de los más reputados directores y compositores catalanes especializado en obras para coro infantil. Seguidamente, escucharemos las melodías Aiwal, Kaipi y Seserie originarias del Estrecho de Torres, un grupo de islas que se encuentran entre Nueva Guinea y Australia, donde se hablan idiomas como el kalaw lagaw Ya, Meriam Mir y el inglés (idioma oficial). La versión que escucharemos fue transcrita por la arreglista Ibis Amador para este formato vocal. Terminando el concierto, el Coro nos presentará la obra popular religiosa Wana Baraka, originaria de Kenia y que fue arreglada por el compositor Shawn Kirchner (n. 1970) después de haberla aprendido de una delegación de asistentes a una conferencia en 1994 cuando estos acababan de llegar de África. Posteriormente, decidió arreglarla para su cuarteto vocal y luego hizo otras adaptaciones. Esta alegre versión rápidamente se convirtió en una de las más conocidas del compositor. La obra alterna las palabras en swahili (idioma original) con la palabra Alleluia sobre la que construyó un divertido juego rítmico. Comienza como un canto lejano sobre el que se superponen progresivamente las demás voces, todas por encima de un ostinato en el bajo. Referencias Calderón, J. y Echeverri, D. (2012). Vida y obra de los compositores Alejandro Villalobos Arenas y Jesús Alberto Rey Mariño. Universidad Autónoma de Bucaramanga, Colombia. Angélica Daza Enciso Maestra en música con énfasis en música antigua, obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora y conferencista de las charlas previas a los conciertos de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 10 Veni Domine de Tres motetes, Op. 39 (1830) FELIX MENDELSSOHN (1809-1847) Veni Domine et noli tardare! Relaxa facinora plebi tuae et revoca dispersos in terram tuam. Excita Domine potentiam tuam et veni, ut salvos nos facias. Ven Señor, no tardes. Perdona los pecados de tu pueblo y reúne a los dispersos en tu tierra. Despliega Señor tu poder y ven a salvarnos. Kyrie de Misa para mujeres o niños (s. f.) SERGEY PLESHAK (n. 1970) Kyrie Kyrie eleison Christe eleison Kyrie Señor Señor ten piedad Cristo ten piedad Señor In Memoriam de Los coristas (2004) BRUNO COULAIS (n. 1954) CHRISTOPHE BARRATIER (n. 1963) Kyrie eleison Kyrie Christe eleison Christe eleison, eleison Señor ten piedad Señor Cristo ten piedad Cristo ten piedad, ten piedad Kyrie de A Little Jazz Mass (2006) BOB CHILCOTT (n. 1955) Kyrie eleison Christe eleison Señor ten piedad Cristo ten piedad Ojos de yo no sé qué (s. f.) LUIS ‘LUCHO’ VERGARA (n. 1943) Ojos de yo no sé qué más lindos que el mismo cielo igual que el tímido velo que forma el amanecer. Llanto que pide ternura cuando no han de obedecer, parecen niña tal vez faroles en noche oscura. El fulgor de tus pupilas no sé por muestra de quien, retazos de mar y cielo lo que iluminan tu niñez. Los ojos de yo no sé qué que Dios hizo a su manera sin pensar que lindos fueran cuando los empezó hacer. 11 Lunita clara (1988) JESÚS ALBERTO REY (n. 1956) La luna lunita clara casi casi se cayó, por ver si el niño dormía cuando ella se asomó. Ay luna lunita clara no te vuelvas a asomar, que el niño ya está dormido si te caes despertará. Ay luna lunita clara no te vuelvas a asomar, que el niño ya está dormido si te caes despertará. Luna, lunita, lunita clara. Debajito de la palma (2006) GERMÁN GERARDO RUIZ MONTENEGRO (n. 1968) Debajito de la palma la lunita se escondió y el solcito enamorado un rayito le entregó. Cerquita a la playa dejó sus nombres grabados y pintó de luces el mar con rayos dorados. Con esencia dulce de coco perfumó una esquela y ballenas blancas cantando canciones de amor. La luna que estaba esquiva sobre la palma asomó y con su traje plateado al solcito enamoró. Besito de coco y canela el sol le ofreció y paseo de brazo en la arena la luna aceptó. Pescadores llevan sus lanchas a la orilla del mar para la pareja de amor joyas de coral. La luna que estaba esquiva sobre la palma asomó y con su traje plateado al solcito enamoró. 12 Un lugar (2019) IBIS AMADOR (n. 1987) Un lugar aparece en mi mente, me acompaña en las noches cuando quiero cantar. Un lugar donde no existe el tiempo, donde juego sin miedo y me pongo a pensar. Pedacitos de mi canción que en silencio tienen su voz y se hace verdad toda ilusión. Tengo un amor a simple vista y un corazón que le da vida. Tengo los mares, tengo los cielos, tengo el afán de mis pensamientos. Tengo un amor a simple vista. Un lugar que muestra la vida de una forma infinita no se puede olvidar, porque allí no se apagan las noches siempre hay muchos colores y se puede escuchar en silencio aquella canción que me acoge en su dulce voz. Tengo un amor a simple vista y un corazón que le da vida. Tengo los mares, tengo los cielos, tengo el afán de mis pensamientos. Tengo un amor a simple vista. One Candle (2007) ANDY BECK (s. f.) One Candle, one light, burning clear throughout the night. One Candle, one symbol of peace. One Candle, plus one, now a glimmer has begun. Two candles, two symbols of peace. Dona nobis, nobis pacem, in te glow of candlelight I see; Dona nobis, pacem, peace for You and me. Three candles, then four, Shining stronger than before. Five candles, six candles burn bright. More candles join in, see a spark of hope begin. Each Candle increasing the light. Dona nobis, nobis pacem, in the glow of candlelight I see; Dona nobis, nobis pacem, peace for you and me. Your Candlelight with mine will radiate and shine, growing stronger, for all the world to see, you and me. Dona nobis nobis pacem, in the glow of candlelight I see; Dona nobis nobis pacem peace for You and me. Peace for You and me, Peace. Una vela, una luz clara encendida durante toda la noche. Una vela un símbolo de paz. Una vela, una más, ahora ha comenzado un rayo. Dos velas, dos símbolos de paz. Danos la paz, un destello de resplandor de la luz que yo veo. Danos la paz para ti y para mí. Tres velas, que cuatro iluminen más fuerte que antes. Cinco velas, seis velas ardiendo brillantes. Más velas se unen para ver cómo comienza una chispa de esperanza. Cada vela aumenta la luz. Danos la paz, un destello de resplandor de la luz que yo veo. Danos la paz para ti y para mí. Tu vela con la mía irradiará y brillará, crecerá fuerte, para que todo el mundo la pueda ver en ti y en mí. Danos la paz, un destello de resplandor de la luz que yo veo. Danos la paz para ti y para mí. Paz para ti y para mí, paz. 13 Hush! Somebody is Callin’ my Name (s. f.) SPIRITUAL TRADICIONAL Arreglo y textos adicionales de Rollo Dilworth (n. 1970) Hush, hush, somebody’s callin’ my name Oh my Lord, oh my Lord, what shall I do? One mornin’ I went to the river to pray. My soul got so happy that I stayed there all day. All I could do is sing and rejoice. And out from the sky above, I could hear a gentle voice singin’ to me. Hush, hush, somebody’s callin’ my name Oh my Lord, oh my Lord, what shall I do? One Jordan is where I laid down my sword. So that I could follow the drinking gourd. All I could see is that fair and bright North Star. I heard my name in melody, it was comin’ from a far singin’ to me. Hush, hush, somebody’s callin’ my name Oh my Lord, oh my Lord, what shall I do? Silencio, alguien está llamando mi nombre oh Señor, ¿qué debo hacer? Una mañana, fui al río para orar, mi alma se puso tan feliz que me quedé ahí todo el día. Todo lo que puedo hacer es cantar y alabar, y desde arriba en el cielo, yo puedo oír una sutil voz, cantándome. Silencio, alguien está llamando mi nombre oh Señor, ¿qué debo hacer? En el Jordán es donde dejé mi espada, para poder seguir, seguir la calabaza para beber. Todo lo que yo puedo ver es esa justa y brillante estrella del norte. Escuché mi nombre en melodía, ella venía de lejos, cantándome. Silencio, alguien está llamando mi nombre oh Señor, ¿qué debo hacer? ¡Si en este momento te duermes, querube! (s. f.) ALBERTO GRAU (n. 1937) Si en este momento te duermes querube tus dos almohadas se volverán nubes te llevará el sueño sobre los colores a medir el jugo que tienen las flores. Y verás el ave dormir con su trino al pichón sin plumas que crece en el nido. Soltarás el hilo de los papagayos que en su ronda el viento enrede en los astros. Y verás el ave dormir con su trino al pichón sin plumas que crece en el nido. Soltarás el hilo de los papagayos que en su ronda el viento enrede en los astros. Y en el mismo sueño tu imaginación paseará entre ondas de televisión. Volverás mañana por estas distancias a instalar un parque en cada galaxia. Si en este momento te duermes querube tus dos almohadas se volverán nubes. 14 Aranya de sostre (s. f.) JOSEP VILA I CASAÑAS (n. 1966) A la biga que fa tres del sostre del dormitori una aranya es fa el dinar sense gaire rebombori. Per primer plat ha caçat un mosquit dels de trompeta que porta el dipòsit ple de sang fresca de poeta. Per segon ha aconseguit una mosca voronera que venia de sucar del femer d´aquí darere. I per postres vol tastar I´ala d´una papallona nit I´ha despertat amb uns crits com de persona. Si no para de menjar aquest munt de proteines, el metge la posará a régim de mandarines! En la tercera viga del techo del dormitorio una araña se hace la comida sin mucho alboroto. Para el primer plato ha cazado un mosquito de los de trompeta que lleva el depósito lleno de sangre fresca de poeta. Para el segundo ha conseguido una mosca que venía de remojarse en el estiércol de aquí detrás. Y para los postres quiere probar el ala de una mariposa nocturna que la ha despertado con unos gritos como de persona. Si no para de comer este mundo de proteínas, ¡el médico le pondrá a régimen de mandarinas! Cerf-Volant (2004) BRUNO COULAIS CHRISTOPHE BARRATIER Cerf-volant, volant au vent Ne t’arrête pas Vers la mer Haut dans les airs Un enfant te voit Voyage insolent Troubles enivrants Amours innocents Suivent ta voie, suivent ta voie, en volant Cerf-volant, volant au vent Ne t’arrête pas Vers la mer Haut dans les airs Un enfant te voit Et dans la tourmente Tes ailes triomphantes N’oublie pas de revenir Vers moi Cometa, volando en el viento no te detengas hacia el mar alto en el aire. Un niño te ve, viaje insolente problemas embriagadores amores inocentes. Sigue tu camino, sigue tu camino, volando. Cometa, volando en el viento no te detengas hacia el mar alto en el aire. Un niño te ve, y en la tormenta, tus alas triunfantes no se olvidan de volver a mí. 15 Kaipi (s. f.)1 TRADICIONAL DE LAS ISLAS DEL ESTRECHO DE TORRES (AUSTRALIA) Kaipi kaipi kaipi Karu Karu Karu Oh kaipi oh Oh Airio Airio Komansi Komansi Seserie (s. f.)2 TRADICIONAL DE LAS ISLAS DEL ESTRECHO DE TORRES (AUSTRALIA) Seserie seserie Na ri na ri na Ropate Ropate marosi amma Te seserie Like a Rainbow (2010) BOB CHILCOTT (n. 1955) Like a rainbow Let My life be like a rainbow whose colours teach us unity; Let me follow the great circle, the roundness of power, the roundness power of power. One with the moon and the sun, and the ripple of the waters, Following the way of honour, a guide to the weak, A rock of strength in my word that shall say no lie, no lie nor deception. Let my life be like a rainbow whose colours teach us unity; Let My life be like a rainbow. Be kind, be kind, be brave, be humble as the earth, and be as radiant as the sunlight! Like a rainbow. Mmmm...... And be as radiant as the sunlight! Like a rainbow, like a rainbow, like a rainbow. Como un arcoíris, deja que la vida sea como un arcoíris cuyos colores nos enseñen la unidad. Déjame seguir el gran círculo, la redondez del poder, la redondez del poder. Uno con la luna y el sol y la ondulación de las aguas, siguiendo el camino del honor y la guía para los débiles, una roca de fuerza en una palabra que dice no hay mentira, ni mentira ni engaño. Deja que la vida sea como un arcoíris cuyos colores nos enseñen la unidad. Deja que la vida sea como un arcoíris. Sé amable, sé amable, sé valiente, sé humilde como la tierra ¡y sé tan radiante como el sol! como un arcoíris. Mmmm… ¡Y sé tan radiante como el sol! como un arcoíris, como un arcoíris, como un arcoíris. 1 No existe traducción conocida 2 No existe traducción conocida 16 Wana Baraka(s. f.) TRADICIONAL DE KENYA Wana Baraka wale waombao, Yesu mwenyewe alisema aleluya, Wana amani wale waombao, Yesu mwenyewe alisema aleluya, Wana furaha wale waombao, Yesu mwenyewe alisema aleluya, Wana uzima wale waombao, Yesu mwenyewe alisema aleluya. Aleluya Bienaventurados los que oran, Jesús mismo dijo aleluya, tienen paz los que oran, Jesús mismo dijo aleluya. Dichosos los que oran, Jesús mismo dijo aleluya, tienen vida, los que oran, Jesús mismo dijo aleluya. Aleluya Traducciones al español realizadas por Sandra Rodríguez Traducción del catalán al español realizada por Julián Navarro 17 Foto: Henry Castro Rivera Foto: Iván Mariño Concierto de OR Band (Colombia) jazz Jueves 23 de marzo de 2023 6:30 p.m. Concierto de Dueto La Mayor y La Menor (Colombia) dueto vocal Jueves 30 de marzo de 2023 6:30 p.m. 18 Alexander Ullman, piano. Foto: Matt Russell TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Domingo 26 de marzo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Miércoles 29 de marzo de 2023 · 7:00 p.m. Ipiales, Auditorio Agencia Cultural Viernes 31 de marzo de 2023 · 7:00 p.m. Pasto, Plazoleta Interna Centro Cultural Leopoldo López Álvarez Foto: Kaupo Kikkas · PULEPS: UCT806, DIV158, IFW480 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL JONATHAN LEIBOVITZ (Israel) clarinete ARIEL LANYI (Israel) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Jonathan Leibovitz • Foto: Kaupo Kikkas Ariel Lanyi • Foto: Kaupo Kikkas Talleres de interpretación de clarinete con Jonathan Leibovitz y de piano con Ariel Lanyi. Lunes 27 de marzo de 2023 • 9:00 a.m. a 12:00 p.m. 1 ACERCA DE LOS ARTISTAS Jonathan Leibovitz, clarinete Comenzó su educación musical con Eva Wasserman y posteriormente con Yevgeny Yehudin en la Escuela de Música Buchmann Mehta en Tel-Aviv, su ciudad natal. En 2022 fue galardonado en las audiciones internacionales YCAT (Londres) y CAG (Nueva York), y posteriormente recibió el prestigioso premio de la Fundación Arthur Waser y de la Orquesta Sinfónica de Lucerna, premio que incluye presentaciones con esta orquesta. Nominado a Estrella Emergente 2022 por Classic FM ese mismo año, las presentaciones más destacadas en esa temporada incluyeron sus interpretaciones como solista con London Mozart Players, la Orquesta Filarmónica Estatal de Košice (Eslovaquia), la Jyväskylä Sinfonia y la Israel Sinfonietta. Como músico de cámara, ha grabado y se ha presentado con Südwestrundfunk en Bruchsaal y ha participado en los festivales de Hauho en Finlandia y en el de Música de Cámara de Bendigo en Australia. También ha tocado como solista con las orquestas Filarmónica de Israel, de Cámara de Israel, Sinfónica de Haifa, de Cámara de Ostrobotnia, de Cámara de Laponia y Sinfónica de Kuopio. Ha ofrecido recitales en Israel, Alemania, Suiza y Finlandia, y ha sido ganador de importantes premios en concursos de Israel y Europa, incluido el primer puesto en el Concurso Crusell de Finlandia. El año pasado, Jonathan completó su maestría en la Hochschule für Musik de Basilea con François Benda. Conozca más acerca de Jonathan Leibovitz www.jonathanleibovitz.com Jonathan Leibovitz @jonathanleibovitz 2 Ariel Lanyi, piano Ariel nació en Jerusalén e inició sus estudios con Lea Agmon y Yuval Cohen. Ofreció recitales por primera vez en la serie Homburger Meisterkonzerte, en Perth Concert Hall (retransmitido por la BBC Radio 3), en el Festival de Menton y en la serie Oxford International Piano, y se presentó como solista con orquestas en el Reino Unido, Israel y Estados Unidos. En 2021, Linn Records publicó su grabación de música de Schubert, que alcanzó gran éxito por parte de la crítica; además, obtuvo el tercer puesto en el Concurso Internacional de Piano de Leeds —la Medalla de Bronce Roslyn Lyons— y fue premiado en las audiciones internacionales de YCAT (Londres) y Concert Artists Guild (Nueva York). Al año siguiente emprendió una gira en solitario por Argentina y regresó al Wigmore Hall como solista y músico de cámara al Festival Internacional de Piano de Miami y al Marlboro Music Festival de Vermont. Durante esta temporada grabará música de Mozart con la Mozarteumorchester de Salzburgo, y ofrecerá recitales en el Kissinger Festsommer, la Fundación Juan March de Madrid, el Wigmore Hall y el Festival Mecklenburg-Vorpommern. Además, participará en el Festival de Música de Cámara de Bendigo (Australia) y dará conciertos en Estados Unidos. Actualmente, Ariel reside en Londres y acaba de terminar sus estudios en la Royal Academy of Music con Hamish Milne e Ian Fountain. Conozca más acerca de Ariel Lanyi www.ariellanyi.com Ariel Lanyi Ariel Lanyi @lanyiariel El concierto en Bogotá cuenta con la colaboración del Festival de Música Religiosa de Popayán. 3 PROGRAMA Primera rapsodia para clarinete en si bemol, L. 116 (1909-1910) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Para clarinete y piano Sonata para clarinete y piano (1962) Allegro tristamente Romanza Allegro con fuoco FRANCIS POULENC (1899-1963) Cuatro piezas, Op.5 (1913) Mässig - Langsam Sehr langsam Sehr rasch Langsam ALBAN BERG (1885-1935) Para clarinete y piano INTERMEDIO Sonata para clarinete y piano, Op.28 (1945) Allegro Allegretto Adagio MIECZYSŁAW WEINBERG (1919-1996) Preludios de danza (1954) Allegro molto Andantino Allegro giocoso Andante Allegro molto WITOLD LUTOSŁAWSKI (1913-1994) Para clarinete y piano 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Claude Debussy Para los exámenes prácticos del Conservatorio de París entre 1909 y 1910, Debussy (1862-1918) compuso una pieza para clarinete y piano titulada Primera rapsodia. La obra tuvo tal éxito que ese mismo año escribió una segunda pieza para clarinete y piano, la Pequeña pieza, y un año después realizó una versión orquestal de la Rapsodia. En esta, Debussy exploró cabalmente las posibilidades que ofrece el clarinete para interpretar pasajes cantados, como también su asombrosa agilidad, para producir así una de sus obras más atractivas. Al uso acertado del instrumento se adicionan características muy propias del compositor: armonías enriquecidas con séptimas y novenas adicionales, ritmos que imitan las inflexiones del francés poético, formas fluidas y sin delimitaciones obvias y el uso de melodías basadas en escalas hasta entonces poco comunes en el repertorio europeo. La obra es breve y, si bien el título describe una narración de forma libre y caprichosa, no obedece a ningún afán descriptivo de un texto poético o de un hecho real. Debussy forjó un nuevo estilo armónico, melódico y rítmico que respondió a los ideales estéticos del impresionismo pictórico francés. Su lenguaje hizo posible evocar musicalmente (no simplemente describir) ideas, objetos o hechos tan disímiles como el sueño, un paisaje, un lugar o una cultura. Aunque se ha generalizado la práctica de definir el estilo de Debussy dentro del marco del impresionismo, sus composiciones han sido objeto de variados análisis que le han ameritado clasificaciones tan diversas como las de simbolista, puntillista, expresionista, nacionalista, romántico y neoclásico. Francis Poulenc Francis Poulenc (1899-1963) formó parte de un grupo de músicos franceses (el grupo de Los Seis), quienes durante una breve época se aunaron en torno al tema de la música popular que se escuchaba en los cafés de París durante los años anteriores a la Primera Guerra Mundial. De esta experiencia, Poulenc 5 conservó rasgos que caracterizaron no solo su obra, sino su personalidad. El compositor se dedicó de lleno al estudio de la música a partir de 1921, con Charles Koechlin, pero su nombre ya estaba asociado al círculo de Los Seis e identificado por un estilo musical ligero. Sin embargo, la muerte de un amigo cercano en 1936 lo llevó a buscar mayor profundidad expresiva en su composición. En medio de todos los cambios musicales que se dieron en Francia a comienzos del siglo xx, Poulenc optó por permanecer fiel a la música con tonalidad y melodías precisas. Aprendió de Stravinsky y del jazz el empleo de ritmos muy vivos y mordaces que dan a su obra un giro a veces humorístico y la sensación de estar frente a un compositor escrupulosamente preciso en la medición del tiempo e irreverente en lo armónico y formal. La Sonata se inicia con un Allegro paradójicamente señalado como tristamente, lo cual no corresponde al uso gramatical del adjetivo ni en italiano ni en francés; el impulso juguetón inicial es interrumpido por un episodio meditativo y calmado, con unos vaivenes ejecutados por el clarinete con la indicación de Poulenc de hacerlo de manera monótona… pero el movimiento termina con un poco más de animación. Sin embargo, el espíritu pausado retorna en la Romanza con un mensaje ‘cantado’ lírico y evocador. La pieza finaliza con un movimiento activo, con intercambios bien logrados entre el piano y el clarinete. Poulenc fue un compositor autodidacta que soñó con la ópera desde la infancia y vio logrado su sueño en 1957 con los Diálogos de las Carmelitas. Admirador de Stravinsky y Debussy, recibió guías del pianista Ricardo Viñes y de Éric Satie. En general, su obra es antirromántica y antiwagneriana y se remonta al Barroco y al siglo xviii para obtener sus rasgos armónicos y motivos más característicos. En lo armónico, Poulenc es un neoclásico humorista al estilo de Prokofiev, y en lo temático, es admirador de la unidad propia del Barroco italiano. Poulenc escribió para las maderas en todas sus etapas de composición: como estudiante, en el ápice de su estilo neoclásico y en los años de madurez. La Sonata que hoy se escucha pertenece a este último grupo: fue concebida un año antes de su muerte y es una obra decantada de profunda belleza y excelencia técnica. Fue dedicada a la memoria de Arthur Honegger y estrenada por Benny Goodman y Leonard Bernstein en Nueva York en 1963. 6 Alban Berg Junto con Anton Webern, Alban Berg (1885-1935) estudió en Viena con Arnold Schoenberg y se contagió de las enseñanzas modernistas de su profesor, que señalaban el reemplazo del sistema tonal —que había imperado en la composición europea desde el siglo xv— por un sistema nuevo llamado atonal. El nuevo sistema se basaba en el reordenamiento de los doce semitonos cromáticos en los cuales se divide la octava occidental, para servir de nueva fuente melódica y armónica. El reordenamiento lo realizaba el compositor para cada obra nueva que escribía. Los tres autores mencionados llegaron a conformar lo que se denominó ‘La escuela de Viena’, la cual llegó a ser uno de los símbolos más importantes y radicales del modernismo musical europeo. Durante su juventud, Berg tuvo muchos más intereses literarios que musicales. A la edad de 15 años comenzó a estudiar música por su cuenta y en 1904 inició su trabajo con Schoenberg. En 1907 escribió su primera obra, un esbozo para una sonata para piano y las Siete canciones tempranas. Berg no solo heredó de su profesor las ideas atonales, sino también importantes nociones acerca de la forma musical vista como la necesidad de derivar la obra de una idea principal y trabajar a partir de la variación desarrollada. La estética que enmarca el trabajo de Berg es la del expresionismo austroalemán, que impacta por su urgencia y fuerza expresiva en medio de la más estricta abstracción. Las Cuatro piezas para clarinete y piano ocupan un lugar muy interesante en la panorámica general de la obra de Berg. Por una parte, fueron escritas sin la supervisión de Schoenberg, quien se había trasladado para entonces a Berlín, y por otra, anteceden a la aparición de su gran ópera Wozzeck. Las piezas fueron trabajadas entre 1913 y 1914, junto con las Tres piezas para orquesta. Las composiciones para clarinete que se escuchan hoy son obras concisas, que ofrecen una gran gama de elaboración del sonido y cuyas formas han sido reducidas a gestos esenciales. Sin embargo, Berg logra presentar temas amplios y contrastados con un intenso trabajo polifónico entre el piano y el clarinete. Mieczysław Weinberg La Sonata para clarinete y piano del compositor ruso Mieczysław Weinberg (1919-1996) es una de sus obras más conocidas y grabadas. Desde el inicio, con un solo lírico del clarinete, la obra se reconoce como una sonata plena de temas y discursos variados. Luego de la introducción se escucha un tema de vals seguido por un episodio en el que se reconoce la influencia de la música 7 temprana de Shostakovich, quien fuera maestro de Weinberg en Moscú. El Allegretto es un segundo movimiento de espíritu amable y ligero, de aires que parecen salir de canciones y en el que el clarinete luce sus dotes de gran instrumento melodista. En estos movimientos se turnan pasajes de técnica y virtuosismo exigentes. Weinberg nació en Polonia, pero durante la Segunda Guerra Mundial se refugió en la Unión Soviética. Realizó estudios musicales en Minsk y se residenció en Moscú. Los años de guerra resultaron difíciles para él, pues fue perseguido y encarcelado por su activismo judío. En 1945, año en que terminó la guerra, el joven compositor ya había sido liberado, y la Sonata para clarinete y piano fue su trabajo artístico para el cierre del conflicto. La obra finaliza con un Adagio a veces dramático y a veces meditativo. La Sonata muestra un compositor tonal que hace uso de escalas modales, gran colorido, disonancia controlada y, en general, un estilo neoclásico. Esta sonata es muy apreciada entre los clarinetistas, ya que expresa toda la gama de posibilidades musicales que le son propias al instrumento . Witold Lutosławski El compositor polaco Witold Lutosławski (1913-1994) heredó de la tradición decimonónica una formación sólida y multifacética que le permitió desempeñarse como violinista, pianista, compositor y director, según las exigencias del momento. Sus primeros años de compositor fueron difíciles y marcados por la Segunda Guerra Mundial y la represión del régimen de corte estalinista impuesto en Polonia. Pero, paulatinamente, sus obras ganaron aceptación tanto en su país como fuera de él. Recibió premios internacionales y ejerció cargos culturales y docentes de importancia, los cuales desempeñó con éxito. Lutosławski pasó su infancia en Moscú en medio de los hechos confusos y violentos de la Revolución Bolchevique. Allí, su padre fue ejecutado por los bolcheviques por supuestas actividades antirrevolucionarias. Regresó a Varsovia en 1919 y adelantó estudios de violín con un pupilo del célebre violinista Joachim, y de composición con un alumno de Rimsky Korsakov. Inició estudios universitarios de matemáticas, pero en 1933 decidió dedicarse por completo a la música. Fue un compositor prolífico: escribió cuatro sinfonías, tres conciertos con solistas, obras vocales y gran cantidad de música de cámara. Su estilo evolucionó mucho a lo largo de los años: se movió por un neotonalismo amplio 8 hasta llegar a la música aleatoria o improvisada, pasando por elaboraciones de música tradicional polaca. La serie de Preludios de danza (unos para piano y clarinete, otros para ensamble de clarinete, arpa, piano, percusión y cuerdas) muestran su manejo de la música tradicional basada en aires de danza. El resultado son unas piezas de gran interés rítmico, colorido melódico y bajos niveles de disonancia. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx. 9 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Foto: Óscar Aquite Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo 6:30 p.m. ¡Agosto en Pasto e Ipiales! Concierto de Santiago Prada (Colombia), saxofón Martes 1º de agosto en Pasto Miércoles 2 de agosto en Ipiales 10 Etnos Ensamble • Foto: Marianna Peruń-Filus TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Jueves 23 de marzo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Henry Castro Rivera · PULEP: ONV556 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES OR BAND (Colombia) jazz SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Lizeth Vega, cantante • Foto. Waiden Olvany Cárdenas Torres - Roots Drums Photo 1 ACERCA DEL ENSAMBLE OR Band, jazz Obed Rojas Luna, dirección, voz y teclados; Flavio Bolaños Martínez, bajo eléctrico; Tomás Estrada Paz, saxofón; Daniel David Becerra, percusión; Jesús Alberto Madera; guitarra eléctrica. Esta propuesta musical de jazz fusión se empezó a consolidar a principios de 2017 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico, alma máter en la que se formaron sus integrantes y que también generó espacios de crecimiento y difusión en los que OR Band participó, entre estos se destacan Atlantijazz (Barranquilla), Martes de Jazz del Teatro Cajamag Pepe Vives Campo (Santa Marta), y Voces del Jazz (Cartagena). Gracias a estos espacios, la agrupación ha logrado una presencia significativa en la región Caribe colombiana. Ha resultado ganadora de distintas convocatorias a nivel local y nacional como Barranquijazz en la categoría local, XII Festival de Jazz de Villa de Leyva y la obtención del segundo lugar en el festival Voces del Jazz en 2022. En 2019 ocuparon el segundo lugar en el Festival Interactivo Uninorte y fueron ganadores del Portafolio de Estímulos Germán Vargas Cantillo, gracias al cual grabaron un trabajo discográfico promocional. Recientemente fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, para presentarse en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2023. Las obras que interpreta OR Band son compuestas por Obed Rojas, inspirándose en distintos referentes que van desde la música clásica, pasando por las músicas populares, hasta las propuestas de artistas de jazz como Richard Bona, Snarky Puppy y Milton Salcedo. Junto con el brillo y Foto: Henry Castro Rivera 2 contraste que aportan las interpretaciones de cada uno de sus integrantes, estas influencias han construido una sonoridad auténtica nutrida de la fusión de diversos conceptos y recursos musicales, que se aplican en diferentes estilos de la música moderna: los ritmos amalgamados, la atonalidad, el contrapunto, la homofonía y la improvisación. Conozca más acerca de OR Band OR Band @orband 3 PROGRAMA Dodecafonismo (2019) OBED ROJAS (n. 1994) Tú eres mi paz (2014) Dulce (2013) Enamorado (2018) Como medicina (2018) Te olvidé (1949) ANTONIO MARÍA PEÑALOZA (1916-2005) Arreglo para saxofón, guitarra, piano, contrabajo y batería de Milton Salcedo (n. 1970) Yatra ta (1981) TÂNIA MARIA (n. 1948) Original para orquesta de jazz Arreglo para saxofón, guitarra, piano, contrabajo y batería de Federico Malaman (n. 1979) Nada podrá separarme (2017) OBED ROJAS Nada me falta (2020) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein El jazz colombiano: centenario de un género (1923–2023) En Colombia es común encontrar aniversarios artísticos de gran relevancia histórica que pasan completamente desapercibidos por los medios de comunicación y los gobiernos de turno. En 2017, por ejemplo, los 130 años del estreno del Himno Nacional del país pocas veces se mencionó en los medios de comunicación, pese a la publicación de un libro a propósito del compositor del Himno realizada por la Universidad de los Andes. Cuatro años después, la siguiente ‘víctima’ de este ciclo de olvido fue el compositor Guillermo Uribe Holguín, fundador del Conservatorio Nacional de Música (actualmente, adscrito a la Universidad Nacional de Colombia)1, cuya muerte cumplió 50 años en medio de un silencio aún más sepulcral que el anterior. Para evitar que este patrón de comportamiento se repita, es necesario resaltar que hay un género musical que hoy está cumpliendo sus primeros cien años de existencia en Colombia: el jazz colombiano. En vista de este silencioso pero importante hito, el concierto de hoy puede tomarse como una oportunidad inédita para celebrarlo de manera espontánea. También será apropiado, por la misma razón, que las notas de este programa inicien con un breve bosquejo histórico de esta versión criolla del género norteamericano. Orígenes, trayectoria y formalización Aunque es imposible hablar de las primeras notas de jazz colombiano que se tocaron en el país, se sabe que el género entró con fuerza en el Caribe durante la década de 1920 vía Panamá, la misma ruta que había marcado la llegada de otros géneros musicales a Colombia, como fue el caso de la ópera italiana en Cartagena de Indias y Bogotá en 1857 y 1858 respectivamente. Durante la década de 1910, ya existían piezas de salón y de conjuntos pequeños de compositores colombianos que exploraban antecesores del jazz, como lo son el ragtime y el fox-trot2. No obstante, existe un consenso en la musicología 1 Fuente de referencia, Muñoz, E. (2007). Jazz en Colombia. Barranquilla: La Iguana Ciega. 2 Como dato relevante, el fox-trot sentó las bases rítmicas para que el jazz se distanciara en su estilo de su antecesor más inmediato, el ragtime. 5 colombiana para señalar 1923 como el año en que apareció la primera banda de jazz colombiano: la Lorduy Jazz Band (o Jazz Band Lorduy)3, fundada por el músico cartagenero Francisco Lorduy (1886–1977). Como puede inferirse, este primer conjunto presentó propuestas musicales de una índole híbrida, en las cuales se identificaban principalmente los ritmos cubanos al lado de los formatos instrumentales que provenían de los Estados Unidos (banjo, saxofones, clarinete, contrabajo, batería, piano y trombón). Al pasar los años, este formato se fue ampliando para crear el de Big Band, cuya popularización en Colombia fue liderada en la década de 1940 por Luis Eduardo ‘Lucho’ Bermúdez (1912–1994). En este sentido, es importante señalar que el jazz en Colombia también se popularizó entre sus clases dominantes como lo hizo en Estados Unidos: mediante una presentación instrumental y escénica en la cual los instrumentos europeos y su correspondiente traje de frac lo convirtieron en un género aceptable para las élites blancas del país. No en vano fue gracias a los arreglos de cumbias y joropos que Bermúdez logró que estos géneros se bailaran en Bogotá, cuando décadas, e incluso siglos antes, eran vistos como un tabú en la capital de Colombia. Al llegar las décadas de 1960, 1970 y 1980, nuevas propuestas surgieron en el país, las cuales llegaron en conjuntos más pequeños, a veces extranjeros, y cargando consigo un aspecto clave del jazz que antes era tímido: la improvisación. De este modo, aparecieron vinilos muy recordados como Luis Rovira – Sexteto (1961, considerado el primer álbum del género en Colombia) y Macumbia (1984), de Francisco Zumaqué. Vale la pena mencionar que casi siempre las innovaciones en el jazz colombiano se han dado en su lugar de origen: el Caribe, un fenómeno que encaja a la perfección con el sello étnico de este estilo musical. A partir de 1990, las propuestas y los nombres de los principales innovadores del jazz en Colombia aumentaron considerablemente y, por ello, son demasiado numerosos para mencionarlos aquí. Basta con decir, sin embargo, que 2001 marcó el primer intento en formalizar académicamente el género como un énfasis en la carrera profesional de música en el nivel universitario. La primera institución en ofrecer este currículo fue la Pontificia Universidad Javeriana, en cuya oferta académica todavía figura (Ochoa, 2011). No deja de ser paradójico, sin embargo, que el jazz goce de una mayor formalización académica en Colombia que los géneros musicales oriundos 3 Fuente de referencia, Ochoa, J. S. (2011). «El canon del jazz en Colombia: una aproximación a través de artículos periodísticos». Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas 6 (1), 81-102. 6 del país, los cuales siguen presentes de manera sincrética en las propuestas de jazz que hoy circulan —incluyendo los sonidos del concierto que ahora nos concierne—. El programa de hoy Dodecafonismo (2014), Obed Rojas (n. 1994) El título de esta primera obra es una referencia a un sistema de composición musical desarrollado a principios del siglo xx por el compositor austriaco Arnold Schönberg (1874–1951). Como su nombre lo indica, el dodecafonismo busca darle protagonismo no a una ni a siete, sino a las doce notas que cubren la octava musical, dando como resultado un discurso rico en disonancias. Según Obed Rojas, la obra busca explorar «tres etapas del desarrollo armónico musical»4, lo cual se hace mezclando escalas musicales propias de la Grecia antigua, escalas y acordes del Clasicismo europeo, y el ya mencionado sistema dodecafónico de Schoenberg. Un dato interesante: esta obra y la mayoría de las otras del programa forman parte de un disco editado con el nombre Dulce en 2019, proyecto ganador del portafolio de estímulos para el desarrollo artístico en Barranquilla. Tú eres mi paz (2014), Obed Rojas Perteneciente a la categoría de jazz espiritual o spiritual jazz, esta composición es una oda cristiana enmarcada en un lenguaje de soul jazz que en ocasiones toca el terreno de la música pop, sin perder su base jazzística, la cual está representada no únicamente por la instrumentación, sino por espacios de improvisación para el saxofón y el teclado. Como dato relevante, el teclado electrónico fue acogido por el jazz en las décadas de 1960 y 1970, fechas que también coincidieron con el auge del jazz funk. Dulce (2013), Obed Rojas Descrita por su compositor como «una canción que muestra la belleza del amor, la sencillez de lo intangible y la intensidad de una expresión de libertad que va mucho más allá de algo que se pueda palpar o entender»5, esta obra también encaja en la categoría del jazz espiritual, esta vez escrita en un estilo 4 Un ejemplo de ello puede verse en Rojas, O. (s. f.). Dulce. Disponible en https://www.youtube. com/watch?v=nw1Ti9tmwws. Consultado el 19/02/2023 5 Ídem. 7 más romántico y suave que juega entre los sonidos del smooth jazz (jazz suave) para desembocar en ritmos más veloces que le dan un punto final contundente. Enamorado (2018), Obed Rojas Siguiendo con la temática del amor, esta obra es presentada por Rojas como «una canción que transmite la ternura y la pasión por medio de melodías, armonías y ritmos que se entrelazan para crear una sonoridad de amor». En este sentido, el compositor aclara que «las palabras se quedan cortas al expresar todos nuestros sentimientos hacia el ser amado»6, por lo cual la obra es instrumental, para que los sonidos se encarguen de expresar lo que ellas no pueden. Como medicina (2018), Obed Rojas Retornando al terreno del jazz con contenido religioso, esta oda al dios cristiano está acompañada de una letra directa que confiesa haber encontrado en la fe una salvación del abismo. En términos musicales, se identifican fusiones con sonidos del rock por medio del uso de una guitarra eléctrica, que divide su protagonismo con generosas improvisaciones del saxofón —el lenguaje y el color instrumental más insigne del jazz—. Te olvidé (1949), Antonio María Peñaloza (1916–2005) En un apropiado contraste, esta conocida obra es de interpretación obligatoria en el Carnaval de Barranquilla, evento en el que incluso ha sido apodada como su himno. Aunque existen decenas de versiones, la más conocida es la de 1954, año en que la canción apareció reseñada en la prensa cartagenera como una revelación de la fiesta currambera. La versión que se escuchará en el concierto de hoy es un arreglo para quinteto de jazz realizado por Milton Salcedo (n. 1970), pianista samario que ha hecho presencia en varios premios Grammy. Yatra ta (1981), Tânia Maria (n. 1948) Proveniente de tierras brasileñas, esta famosa obra dentro del repertorio de jazz latino hace extenso uso de ritmos de samba, bossa y del scat singing, un estilo de canto idiosincrático del jazz que consiste en el uso de sílabas y onomatopeyas que no tienen significado textual alguno, y cuyo propósito es 6 Un ejemplo de ello puede verse en Rojas, O. (s. f.). Dulce. Disponible en https://www.youtube. com/watch?v=nw1Ti9tmwws. Consultado el 19/02/2023 8 convertir la voz humana en un timbre instrumental más del conjunto musical para facilitar la improvisación. Aunque la versión original de esta obra es para orquesta, la que escucharemos hoy es un arreglo para quinteto de Federico Malaman (n. 1979), bajista italiano de prestigio internacional. Nada me falta (2020), Obed Rojas Nada podrá separarme (2017), Obed Rojas Para terminar el programa, las composiciones de Obed Rojas regresan con el fin de ofrecer dos odas al amor y a la fe cristiana, ambas circunscritas en ritmos muy dinámicos que en el caso de la segunda canción traen a la mente el jazz funk, caracterizado por el protagonismo melódico y rítmico del bajo, y la presencia de teclados electrónicos. Si bien el funk en sí está estrechamente vinculado al mundo del baile afroamericano y no tanto al de la religión, su uso por parte de Rojas nos recuerda una vez más que la música, más allá de cualquier credo o ideología, es un lenguaje que apela a las emociones y, como tal, puede ser apropiado para un sinfín de usos, a veces contradictorios, pero siempre humanos. REFERENCIAS Muñoz, E. (2007). Jazz en Colombia. Barranquilla. La Iguana Ciega. Ochoa, J. S. (2011). «El canon del jazz en Colombia: una aproximación a través de artículos periodísticos». Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas 6 (1), 81-102. DISCOGRAFÍA Rojas, O. (2019). Dulce. [Obra musical]. Barranquilla. ABC Records. Alexander Klein es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 9 Foto: Iván Mariño Foto: Iván Mariño Concierto de Holdan Silva (Colombia) contrabajo Jueves 20 de abril de 2023 6:30 p.m. Concierto de Dueto La Mayor y La Menor (Colombia) dueto vocal Jueves 30 de marzo de 2023 6:30 p.m. 10 Jonathan Leibovitz, clarinete. Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

El Coro Filarmónico Infantil fue creado en 2014, en el marco del Proyecto de Formación Musical ‘Vamos a la Filarmónica’, de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). El coro está conformado por cien niños, niñas y adolescentes de los Centros Filarmónicos Escolares y los Centros Filarmónicos Locales, bajo la dirección general de Sandra Patricia Rodríguez y de Mario Lo Russo como director asistente. Esta agrupación tiene como base la práctica del canto coral, que busca promover los valores y potencialidades artísticas de cada integrante por medio de la enseñanza de la música, el desarrollo de la voz como instrumento y el movimiento corporal. Desarrolla las habilidades vocales y musicales de sus integrantes con rigor y excelencia, en un ambiente en el que el amor y la disciplina van de la mano, propendiendo por el continuo crecimiento personal. Se busca formar al corista para crecer y desempeñarse con seguridad, gusto, calidad y creatividad dentro de un ámbito musical de alto nivel. Dentro de su actividad, el Coro Filarmónico Infantil ha participado en eventos como el XXI y XXII Festival Ópera al Parque (2018-2019), los conciertos navideños OFB (2016 y 2021), II y III Festival Distrital de Coros de la OFB (2015 y 2019), los conciertos distritales Vamos a la Filarmónica (2016 y 2022), Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (2019 y 2020), y en ‘El concierto más grande del mundo’ realizado en el Parque Simón Bolívar de la ciudad de Bogotá (2022). Asimismo, ha sido invitado especial en la Cumbre de Paz, donde interpretaron Para la guerra nada con reconocidos artistas colombianos, entre ellos, María Mulata, Victoria Sur, Martha Gómez, Manuel Medrano. Ha sido invitado a la grabación de los videos del Himno Nacional de Colombia, el Himno de Bogotá y el Himno de Francia; e invitado especial para la celebración de Santa Lucía con la Embajada de Suecia en Colombia. El Coro ha participado en montajes sinfónico-corales con la OFB, entre los que se destacan el ‘Réquiem de guerra’ y ‘La condenación de Fausto’ de Benjamin Britten, bajo la batuta de Leonardo Marulanda; ‘Carmina Burana’ de Carl Orff con Kent Nagano; ‘Las siete trompetas del apocalipsis’ de Óscar Navarro; la ‘Sinfonía No. 3’ de Gustav Malher con Francisco Rettig; la ópera ‘El caballero de la rosa’ de Richard Strauss; la ópera infantil ‘La princesa y la arveja’ de Luis Antonio Escobar; el ‘Réquiem’ de Gabriel Fauré; las ‘Danzas polovtsianas’ de Aleksandr Borodin; la ópera ‘Gianni Schicchi’, y recientemente la ópera ‘Tosca’ de Giacomo Puccini.