"Es un enérgico cuarteto de ‘jazz’ colombiano creado en 2019. Tiene como influencias el ‘jazz’, el ‘rock’ y la música de la India, teniendo como eje principal la música tradicional colombiana; a esto lo describen como ‘jazz raizal’. Guaita significa ‘aguante’, palabra que describe el mensaje del proyecto y define su estética. El proyecto cuenta con cuatro músicos: David Jaramillo Vesga (flautas), Juan Pablo Camacho Osorio (bajo), Juan Pablo Rodríguez Rey (guitarra) y Cristian García Martínez (batería). Como sello característico de su sonido, Guaita unifica instrumentos tradicionales como la gaita colombiana (Caribe), la flauta de carrizo (Cauca) y la quena (Los Andes) con la flauta traversa, ampliando sus posibilidades para interactuar como cuarteto. Su debut oficial fue en Popayán, siendo el grupo invitado por la Universidad del Cauca y la Universidad Autónoma del Cauca para participar en el marco de la temporada musical 2019 ‘Unicauca está sonando’. La agrupación ha desarrollado su carrera en Bogotá, presentándose en diferentes espacios de la escena musical y del ‘jazz’ como matik-matik, Teatro Libélula Dorada, San Café Jazz Club y el Bolón de Verde. En 2021 la agrupación participó en el Festival Internacional de Jazz de Santander que se realizó de manera virtual. Ha sido ganadora de convocatorias para festivales como el Festival de Jazz de Teusaquillo (2020), el Festival de Jazz y Blues del Teatro Libélula Dorada (2021), el IV Festival de Músicas del Bolón de Verde y seleccionados para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes (2021). En 2021 lanzaron su primer trabajo discográfico titulado ‘Martha’, inspirado en cuatro tradiciones musicales colombianas —currulao (del Pacífico sur), chirimía caucana, formato de gaitas y música wiwa y arhuaca (de la Sierra Nevada de Santa Marta)—, con la inclusión de técnicas rítmicas de la música carnática (música clásica del sur de India). ‘Martha’ es un trabajo dedicado a la ‘desfronterización’ y descolonización de la música, buscando la eliminación de barreras ideológicas y políticas para lograr un sonido auténtico, sin llegar al límite de la apropiación cultural, además de ser una dedicatoria musical a los seres amados que parten de esta vida. "

"Se graduó como técnico en música del Colegio Salesiano de León XIII en 2013, donde estudió saxofón con Yuber Lambertino Moreno y Cristhian Amado. Ingresó a la carrera de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana en 2014, cursando el énfasis en interpretación-saxofón con César Villamil, y dos años del énfasis en jazz con Ricardo Narváez, graduándose en 2019. Ha participado en las dos primeras versiones del Festival Internacional de Saxofón en Cali como estudiante activo de clases magistrales y concursante en la segunda versión de este festival. Desde 2017 es integrante del Ensamble NPVG dirigido por César Villamil, el cual ha participado en el Festival de Música de Cámara de Cali en 2018, y se ha presentado en el Museo Nacional Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá. Con el ensamble obtuvieron el primer puesto en la primera versión del concurso de música de cámara Camareando 2019 en Tocancipá (Cundinamarca). En 2018 actuó como solista con la Banda Sinfónica Javeriana interpretando la ‘Fantasía para saxofón’ de Heitor Villalobos. En 2019 participó en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali, y fue ganador del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y del primer Concurso Panamericano ‘Roberto Benítez’ en Zacatecas (México). De 2016 a 2020 fue integrante de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá y del quinteto de saxofones SaxOFB, con una gran trayectoria de conciertos y presentaciones en algunos de los teatros y auditorios más importantes de la ciudad de Bogotá, como el Auditorio Fabio Lozano, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Auditorio León de Greiff. En 2022 terminó un periodo de dos años de estudios en el Conservatoire de Bordeaux Jacques Thibaud, donde estudió con Marie-Bernadette Charrier, saxofonista reconocida por heredar la clase de Jean-Marie Londeix y por su trabajo en el campo de la música contemporánea. Este mismo año fue aceptado en la maestría de interpretación en la Hochschule für Musik FHNW / Musik-Akademie Basel, en Suiza, con el saxofonista Marcus Weiss. "

Circular por medio de la cual se solicitan limosnas para ser enviadas por los sacerdotes a la Santa Sede para el mantenimiento de esta.

Foto: Ángel Hurtado Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES GUAITA (Colombia) jazz Jueves 4 de agosto de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: RPJ792 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DE LA AGRUPACIÓN Guaita, jazz Es un enérgico cuarteto de jazz colombiano creado en 2019. Tiene como influencias el jazz, el rock y la música de la India, teniendo como eje principal la música tradicional colombiana; a esto lo describen como ‘jazz raizal’. Guaita significa ‘aguante’, palabra que describe el mensaje del proyecto y define su estética. El proyecto cuenta con cuatro músicos: David Jaramillo Vesga (flautas), Juan Pablo Camacho Osorio (bajo), Juan Pablo Rodríguez Rey (guitarra) y Cristian García Martínez (batería). Como sello característico de su sonido, Guaita unifica instrumentos tradicionales como la gaita colombiana (Caribe), la flauta de carrizo (Cauca) y la quena (Los Andes) con la flauta traversa, ampliando sus posibilidades para interactuar como cuarteto. Su debut oficial fue en Popayán, siendo el grupo invitado por la Universidad del Cauca y la Universidad Autónoma del Cauca para participar en el marco de la temporada musical 2019 ‘Unicauca está sonando’. La agrupación ha desarrollado su carrera en Bogotá, presentándose en diferentes espacios de la escena musical y del jazz como matik-matik, Teatro Libélula Dorada, San Café Jazz Club y el Bolón de Verde. En 2021 la agrupación participó en el Festival Internacional de Jazz de Santander que se realizó de manera virtual. Foto: Ángel Hurtado 3 Ha sido ganadora de convocatorias para festivales como el Festival de Jazz de Teusaquillo (2020), el Festival de Jazz y Blues del Teatro Libélula Dorada (2021), el iv Festival de Músicas del Bolón de Verde y seleccionados para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes (2021). En 2021 lanzaron su primer trabajo discográfico titulado Martha, inspirado en cuatro tradiciones musicales colombianas —currulao (del Pacífico sur), chirimía caucana, formato de gaitas y música wiwa y arhuaca (de la Sierra Nevada de Santa Marta)—, con la inclusión de técnicas rítmicas de la música carnática (música clásica del sur de India). Martha es un trabajo dedicado a la ‘desfronterización’ y descolonización de la música, buscando la eliminación de barreras ideológicas y políticas para lograr un sonido auténtico, sin llegar al límite de la apropiación cultural, además de ser una dedicatoria musical a los seres amados que parten de esta vida. 4 PROGRAMA Los artistas anunciarán el orden de interpretación de las obras durante el concierto. Serpiente de río (2019) JUAN PABLO RODRÍGUEZ (n. 1988) Media noche (2019) CRISTIAN GARCÍA (n. 1997) Vuelo (2018) JUAN PABLO CAMACHO (n. 1994) Tisra (2021) JUAN PABLO RODRÍGUEZ Alabama (1963) JOHN COLTRANE (1926-1967) Río Molino (2018) DAVID JARAMILLO (n. 1994) El curso del tiempo (2019) JUAN PABLO RODRÍGUEZ 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Desde hace más de tres décadas buena parte de la búsqueda estética del jazz en Colombia se ha arraigado en la exploración de algunas músicas tradicionales provenientes del Pacífico, el Caribe y la zona Andina. En menor medida, las sonoridades indígenas —ya sean arhuacas o caucanas, entre otras— han permanecido al margen, y hasta hace muy pocos años han ganado protagonismo en el escenario del jazz local. En este contexto se anida el cuarteto Guaita, cuyos jóvenes integrantes han enclavado su propuesta en una ambigua categoría denominada ‘jazz raizal’. Y decimos ‘ambigua’ pues, aunque el nombre alude directamente a prácticas sonoras enraizadas en lo tradicional, el concepto se extiende más allá de estos contornos. Ellos mismos la explican de la siguiente manera: «El jazz es un concepto universal que no se define tras un estilo de interpretación específico; es, más bien, la coexistencia de diversas variables como la espontaneidad, la escucha viva y la improvisación. Allí surge la intención de explorar el jazz desde todo el espectro musical que nos ha formado como intérpretes y compositores. En ese sentido, lo que nosotros llamamos ‘jazz raizal’ hace referencia a un gran árbol que crece alrededor de rizomas disímiles como la música clásica, las músicas indígenas, el jazz —en todas sus manifestaciones mudables—, el rock, el reggae o la improvisación libre». Para soportar la anterior reflexión, vale la pena retomar las palabras del historiador Rafael Oliver, quien en el corolario del Real Book Colombia define los avatares estilísticos del jazz nacional en los últimos años: «Este último período, la primera década del siglo xxi hasta la actualidad (…) podría pensarse como un momento en el que, en efecto, existe una escena de jazz en Colombia. Se suele citar la fusión como el centro de este prolífico período, y si bien parece haber una prevalencia de discos que encuentran su inspiración o su identidad en las músicas tradicionales, lo cierto es que existe un amplio abanico de sonidos y que se aprecian toda clase de subgéneros: jazz clásico, free, latin, fusión (con ritmos extranjeros y locales) experimental, jazz moderno y contemporáneo, y lugares en el medio o al borde, pues la búsqueda estética de los músicos del jazz en Colombia siempre ha estado presionando los límites mismos de lo que podría definirse como jazz, lo cual genera un proceso que mueve las fronteras de la disciplina constantemente». 6 Consecuente con lo que representa este largo proceso de identidad —que incluye ejercicios de memoria y reivindicación— el nombre del cuarteto no es circunstancial ya que evoca una expresión quechua —muy utilizada por algunas comunidades indígenas locales— que significa aguante. El gesto, tan cargado de simbolismo político, insinúa que, a pesar de todas las formas históricas de exclusión, a través del tiempo se han preservado músicas que hoy inspiran a músicos inmersos en otras realidades. Conformado en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá durante 2019, Guaita se ha escindido de los convencionalismos que pesan sobre la palabra jazz y recoge influencias que van desde 1280 Almas y La Pestilencia, hasta Edson Velandia, Briela Ojeda, Bahía, El León Pardo, Hombre de Barro, Mucho Indio, Cachicamo, Curupira, Pérez Trío y La Gran Resbalosa. Fracciones del anterior inventario aparecen atomizadas en piezas extáticas y enérgicas que, salvo el caso de la emblemática Alabama, han sido creadas por los cuatro miembros de la agrupación. Acerca del repertorio Serpiente de río En la víspera del debut en vivo de Guaita, los integrantes del cuarteto tuvieron una experiencia reveladora. «Allí fuimos a un río donde nuestra intención era oficializar el origen del grupo», cuenta Juan Pablo Rodríguez (n. 1988), su autor. «Fue un bautizo simbólico en el que nadamos y nos sumergimos en el agua. De repente, vimos una serpiente rosada que pasó fugazmente entre nosotros y se escondió dentro de la maleza que había al otro lado del río. Percibimos que estaba asustada y que nosotros estorbábamos su paso. Ese momento tan extraño quedó marcado en nuestras memorias al punto de que escribí una melodía para que David la tocara en la quena. Esto, también porque quería hacer una alusión a Popayán, el lugar donde aconteció el suceso». Medianoche El carácter de esta composición del baterista Cristian García (n. 1997) late en el romanticismo crepuscular de la creación artística. Asimismo, marca el origen del cuarteto. Cuenta García que, al día siguiente de haberla creado, casualmente el guitarrista Juan Pablo Rodríguez lo invitó a una sesión de grabación con el objetivo de ayudar a un ingeniero de sonido, quien tenía como tarea registrar a cuatro músicos simultáneamente. Allí coincidieron 7 con Juan Pablo Camacho y el flautista David Jaramillo Vesga. «¡Nunca habíamos tocado juntos», señala Cristian! Él mismo recuerda que cayó en la cuenta de que tenía las partituras de Medianoche en la maleta y no dudó en compartirla con sus azarosos compañeros. «Fue amor a primer oído», recalca al rememorar una coincidencia que más tarde los unió en Guaita. Vuelo Compuesta en 2018 por Juan Pablo Camacho (n. 1994), Vuelo nació cuando el bajista se hizo una sencilla y emocionante pregunta: ¿Qué se siente volar? Respecto a la sensación que sobrevino en la respuesta, Camacho apunta lo siguiente: «Imaginaba como si fuera un sueño lúcido; sentía cómo me desprendía del suelo. Los movimientos podían ser fluidos y podía virar en cualquier dirección. Me imaginé volando alto, por encima de las montañas, llegando luego a las nubes, sintiendo el viento en mi cara, en mi cuerpo, como si algo debajo soportara mi peso. Fue una emocionante sensación de levedad mezclada con libertad que dibujó una sonrisa en mi rostro. Fue como bailar sin tapujos: soltar y entregarse al festejo». Tisra La música carnática, o música clásica del sur de la India, contiene conceptos melódicos y rítmicos (ragas y talas) que se popularizaron en el jazz a partir de la década de 1960 gracias a las exploraciones de John Coltrane, Yusef Lateef, John McLaughlin o Pat Martino. En Colombia, el caso más recordado es el disco Bunde nebuloso, editado en 2001 por Juan Sebastián Monsalve, quien ha ejercido una poderosa influencia en la historia musical de Guaita. No es fortuito, entonces, que el bajista y compositor haya asesorado el trabajo de grado en el que Juan Pablo Rodríguez creó cinco piezas basadas en técnicas rítmicas de las músicas carnáticas, y su simbiosis con elementos de las tradiciones sonoras colombianas. Una de ellas, en clave de currulao, es Tisra, cuyo nombre significa ‘tres’ en sánscrito. Alabama El domingo 15 de septiembre de 1963, una docena de cartuchos de dinamita explotaron en la Iglesia Baptista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama. El acto, organizado por racistas blancos, tuvo como saldo cuatro niñas asesinadas. En respuesta al brutal ataque, John Coltrane (1926-1967) escribió Alabama, basando las frases del saxofón en la cadencia del discurso leído por Martin 8 Luther King en el funeral. Cincuenta y seis años después, la estremecedora obra de Coltrane sonó en Popayán durante el debut de Guaita que coincidió con las protestas sociales de 2019. Para aquella ocasión David Jaramillo hizo un arreglo que evoca las marchas ceremoniales de la chirimía caucana y evocaron el lamento del saxofonista interpretando la melodía con flautas de carrizo. Río Molino Esta obra apareció originalmente en el álbum epónimo de Los Lindos Payaneses, chirimía de la cual hace parte el flautista David Jaramillo (n. 1994), quien, a propósito del nombre de la pieza, reflexiona: «Se debe a la creencia de renombrar el territorio: en la plaza de mercado Barrio Bolívar de Popayán pasa el río Molino cuyas aguas nacen en los páramos, llevan la memoria de los campos a la ciudad y allí se transforman radicalmente. Es una metáfora de lo que sucede con el bambuco que, en el contexto urbano, inevitablemente suena diferente». En relación con sus aspectos formales, David desglosa minuciosamente su composición, no sin antes aclarar que antes de la academia se hizo músico y flautista en las montañas del Cauca: «Rio Molino es mi primer bambuco. Allí reflejo mis influencias de la música clásica pues tiene una forma de sonata con rasgos de Romanticismo temprano y su progresión armónica está basada en el ‘bajo lamento’ del Renacimiento. Esto último me sirvió para poner en música la sensación que imaginé para el agua que llega del páramo y se enfrenta a la ciudad. También utilicé, particularmente en la introducción, ideas prestadas del tintinnabuli, aquella técnica compositiva inventada por Arvo Pärt. De allí —cuya fuente inicial parte del campanero ruso— me inspiré para hacer una suerte de paisaje sonoro que evoca al centro de Popayán con sus iglesias y sus campanas». El curso del tiempo Desde ‘Pacho’ Galán hasta Francisco Zumaqué, pasando por Antonio Arnedo, Ricardo Gallo y Santiago Botero, por nombrar algunos casos muy relevantes, la cumbia ha sido uno de los motivos musicales recurrentes en el devenir del jazz colombiano. Guaita no ha sido ajeno a dicha tradición como queda demostrado en El curso del tiempo, una pieza original de Juan Pablo Rodríguez, quien la describe así: «Está inspirada en la cumbia colombiana, con una melodía que se podría considerar genérica, pero cuyo valor reside en los cambios rítmicos abruptos, y los elementos armónicos y melódicos más afines 9 al jazz contemporáneo donde prima la inestabilidad y las disonancias. Fue de las primeras composiciones que traje al grupo; nos acercó musicalmente a la identidad que estamos construyendo, basándonos en el concepto del ‘jazz de raíz’». Bibliografía recomendada Smith, Marvin. (2003). John Coltrane. Jazz, racismo y resistencia. Retratos del viejo topo. Mendoza, K. y Sepúlveda, J. (2021). Real Book Colombia. Editorial Pontificia Universidad Javeriana. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Santiago Cañón-Valencia (Colombia), violonchelo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Christine de Lanoë RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA MŪZA RUBACKYTĖ (Lituania/Francia) piano Lunes 8 de agosto de 2022 · 6:00 p.m. Ibagué, Auditorio Mayor de la Música de la Universidad del Tolima PULEP: NFS909 Miércoles 10 de agosto de 2022 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: DNX700 Viernes 12 de agosto de 2022 · 7:00 p.m. Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la Universidad Industrial de Santander PULEP: EHV430 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 EL RETORNO DE LO EFÍMERO La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música. Leonardo da Vinci El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República, y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas sensaciones nuestros sentidos. La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún medio digital. Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte, la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta 2 y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos colombianos. Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno— ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León. Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete, improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas. Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero, a la experiencia de la música en vivo. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 3 ACERCA DE LA ARTISTA Mūza Rubackytė, piano Con elegancia y compromiso la lituana Mūza Rubackytė afronta todos los retos interpretativos, desde los 24 estudios de Liszt hasta los 24 preludios y fugas de Shostakovich, desde los Años de peregrinaje completos de Liszt hasta las obras para piano de Čiurlionis. Mūza nació en Lituania y vive entre París, Vilna y Ginebra. Tras sus estudios en el Conservatorio de Moscú P. I. Tchaikovsky, fue galardonada en el Concurso de toda la Unión, de San Petersburgo, que elegía a los mejores músicos de la Unión Soviética, y en el Concurso Internacional de Piano Liszt- Bartók de Budapest. Miembro de la resistencia lituana, fue privada de su pasaporte hasta 1989; pero luego, tras su llegada a París obtuvo el primer puesto en piano en el concurso internacional Les Grands Maîtres Français de l’Association Triptyque. Su carrera internacional la ha llevado a presentarse en importantes escenarios y festivales de los cinco continentes. Además, durante su trayectoria ha colaborado con reconocidos directores y orquestas de renombre. Penderecki la ha invitado con frecuencia a interpretar su concierto para piano Resurrección, una conmovedora obra en homenaje a las víctimas del 11 de septiembre. A menudo, Mūza actúa como jurado en los concursos musicales más prestigiosos de Utrecht, Weimar y Parma, e imparte clases magistrales en Weimar, Budapest y Pekín. Es presidente de LISZtuania Society, organización lituana enfocada en Liszt. En Lituania ha recibido importantes distinciones, como la de la Legión de Honor, por la promoción de su país en el mundo, y la Gran Cruz de Comendador de la Orden de Vytautas el Grande por los servicios prestados al Estado. El Ministerio de Cultura húngaro le otorgó el Premio Procultura Hungárica. En 2009, Mūza creó el Vilnius Piano Festival, del que hoy es directora artística. Por este logro, la ciudad la honró con su más alta condecoración: el Premio San Cristóbal al mejor evento cultural. En 2020 rindió homenaje, tanto en el escenario como en grabación, a su compatriota el pianista y compositor Leopold Godowsky, con motivo del 150 aniversario de su nacimiento, cerca de Vilna. Godowsky, como muchos litvak (judíos lituanos), vivía en el exilio, y murió en Nueva York en 1938. La grabación de la Sonata Godowski recibió críticas muy positivas de la prensa internacional. 4 El repertorio de Mūza incluye más de cuarenta programas de recitales solista, conciertos con orquesta y música de cámara. Su discografía, que incluye más de treinta y cinco títulos, se enriquece continuamente, como lo muestran Años de peregrinaje y Estudios de concierto, de Liszt (Lyrinx); Veinticuatro preludios y fugas de Shostakovich (Brilliant Classics); conciertos para piano y orquesta de Beethoven, Liszt, Shostakovich, Prokofiev, Schnittke y Saint- Saëns para la serie Great Lithuanian live recordings (Magníficas grabaciones lituanas en vivo) (2015, Doron); el Concierto No. 4 de Beethoven en versión de cámara, y obras para piano solo de Louis Vierne (2015, Doron) y luego con cuarteto de cuerda y voz (2016, Brilliant Classics). En 2017 publicó las sonatas para piano y órgano de Julius Reubke con Olivier Vernet (Ligia), y en 2019 publicó dos nuevos opus: la sexta edición de la serie Great Lithuanian live recordings, dedicada a las obras orquestales de Bartok, Liszt y Schubert/ Liszt (Doron), y luego, con el Cuarteto Mettis, un homenaje a Shostakovich y Weinberg titulado Dramatic Russian Legacy (Ligia). En 2020 reunió a Leopold Godowsky (con su Sonata inmensa y poco común) y Karol Szymanowsky en un álbum para el sello Ligia Digital, que fue muy bien recibido por la prensa internacional (Diapason d’Or, 5 Estrellas de Classica, Télérama ffff). Ferviente admiradora de Liszt, acaba de ganar el 41º Gran Premio de la Sociedad Liszt de Budapest por su álbum De la valse à l’abîme Schubert / Liszt (Lyrinx). Mūza grabó los dos conciertos para piano de Brahms para el sello Doron en la serie Great Lithuanian live recordings, que se publicó en septiembre de 2021. La realización de este concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de La realización de este concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de Conozca más acerca de Mūza Rubackytė www: www.muza.fr/ MUZA Rubackyte MUZA Rubackyte 5 PROGRAMA Sonata para piano (c. 1910-1911) Allegro non troppo, ma appassionato Andante cantabile Allegretto grazioso e dolce Retrospect (Lento mesto. Larghetto lamentoso Maestoso, lugubre: Dies irae. Molto più lento) LEOPOLD GODOWSKY (1870-1938) Versión reducida, en cuatro movimientos INTERMEDIO Fantasía en fa menor, Op. 49 (1841) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Sonata para piano en si bemol menor, Op. 35 (1837) Grave. Doppio movimento Scherzo. Più lento Marche funèbre Finale. Presto 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Godowsky Leopoldo Godowsky (1870-1938) fue un pianista de gran renombre, que desarrolló su carrera en los momentos más difíciles de la historia europea y supo llevar su mensaje musical a un sinnúmero de escenarios mundiales. Nació en la actual Vilna, la capital de Lituania, que en 1870 era parte de la cultura polaca, pero cuyo territorio estaba bajo el dominio ruso. El propio compositor se recuerda a sí mismo tocando el piano a los cinco años, sin haber recibido ningún tipo de instrucción musical; es más, recuerda haber escrito un minué en forma de canon. A los catorce años realizó algunos estudios en Berlín, pero su carrera de pianista concertista despegó muy pronto y se iniciaron sus viajes. Luego de una presentación en Estados Unidos en 1890, decidió quedarse allí y obtener la ciudadanía estadounidense. Se casó con ‘Frieda’ Saxe, a quien está dedicada su Sonata para piano, en mi menor. En 1909, luego de trabajar en docencia en Filadelfia y en Chicago, regresó a Europa para ocupar una posición en la prestigiosa cátedra de piano en la Real Academia de Música de Viena. Allí inició una actividad intensa de composición original y de elaboración de versiones pianísticas complejas, auténticas paráfrasis, de piezas de Chopin. Se hizo célebre por la formulación de una técnica pianística que tiene que ver con la relajación del peso y la economía de movimientos para lograr una forma natural y eficiente de tocar el piano, sin tensión muscular. Sus cuatrocientas obras originales para piano demuestran el ideal de Godowsky acerca de la destreza pianística. Su estilo, aunque original e innovador fue considerado conservador, y por esta razón se ha ido dejando de grabar y escuchar en vivo. Sin embargo, existe aún un instituto dedicado a enseñar su técnica pianística, el International Master Institute of Music ‘Leopold Godowsky’1. El período entre las dos guerras mundiales propinó a Godowsky duros golpes de los cuales no pudo reponerse: un derrame cerebral que acabó con sus presentaciones, el suicido de un hijo, la muerte de su esposa y la quiebra económica. La amenaza de una segunda guerra acabó con sus sueños de 1 Puede visitarse en https://godowsky.com/godowsky 7 realizar un sínodo musical para propiciar la unidad entre las naciones. Falleció en 1938 en Nueva York. La Sonata para piano es una obra que reúne las características más destacadas del estilo del pianista/compositor: gran destreza técnica, recreación de un mundo armónico colorido y amplio, momentos de gran introspección, dominio de las formas del pasado y referencias a la música del presente. La versión reducida que se presentará en esta ocasión está organizada en cuatro movimientos. La sonata se inicia con una grandeza imponente que recuerda el estilo de Rachmaninov. El ímpetu sonoro del primer movimiento termina con un comentario de cierre titulado Epílogo, una breve y tranquila meditación que sirve para preparar el ambiente inicial del segundo movimiento, que crece en urgencia expresiva a medida que avanza. El Allegretto grazioso e dolce se inicia con una disminución en la textura gruesa de acordes que predominó en los primeros movimientos, para desarrollar un vals ligero y gracioso, el mismo que influenció la noción suelta y elegante que tuvo Ravel del popular aire de danza. Retrospect —la retrospectiva— funge las veces de final, es un movimiento largo y mesurado en el que intervienen muchas ideas sueltas del compositor agrupadas en cinco secciones. Se dan cita las grandes construcciones armónicas de acordes y las melodías románticas y evocadoras. Se escucha una fuga sobre el tema de Bach (si bemol, la, do, si natural) seguida de un gesto de marcha construido sobre las primeras notas de la conocida secuencia gregoriana Dies irae. El comentario de cierre es una construcción colorida de sonidos imaginativos y apaciguadores. Chopin Para Frédéric Chopin (1810-1849), la tradición musical clásica austroalemana fue una referencia musical más, un punto de partida, pero nunca una herencia obligatoria. En este sentido, Chopin fue más libre que sus contemporáneos para dar rienda suelta a su propia imaginación creativa. Desde sus primeras obras se sintió inclinado a elaborar la música polaca. Dos de sus tempranas polonesas datan de 1817. A los siete años era considerado un segundo Mozart por su talento musical prodigioso. En 1830 viajó a Viena para nunca volver a Varsovia. Este evento se tradujo en una añoranza permanente del terruño y en una intensificación de la presencia de la música polaca en su obra. Sin proponérselo, Chopin sentó las bases del nacionalismo decimonónico, un importante ingrediente del estilo romántico. El compositor se residenció en París a finales de 1831 y allí vivió de la enseñanza; y si bien su naturaleza tímida no le permitió tocar más de veinte conciertos públicos a lo largo de su 8 vida, continuamente ejecutaba sus composiciones en los salones sociales e intelectuales de la capital francesa. Aunque en la obra de Chopin se reconoce la influencia de Mozart en el tratamiento melódico, tuvo mayor impacto sobre su personalidad musical el estilo brillante de Hummel, Weber, Moscheles y Kalkbrenner, quienes ejercieron gran influencia sobre el virtuosismo pianístico del siglo xix. Con sus Estudios, Chopin logró sentar las bases teóricas de la nueva forma de tocar piano: la técnica, sin importar su nivel de dificultad, debía estar siempre al servicio del mensaje musical. Mazurca, estudio, nocturno, polonesa y vals son los géneros que más asociamos con el nombre de Chopin. A su vez, relacionamos con estos géneros la presencia de un ingrediente lírico ornamentado que Chopin absorbió de la ópera italiana, más precisamente del bel canto en las arias de Vicenzo Bellini. La evolución formal en Chopin tiende a tener un comportamiento predecible. Luego de la identificación de una melodía, siguen las reelaboraciones de estas con lujo de ornamentaciones, redefiniciones armónicas, variaciones sutiles, marcos técnicos de creciente dificultad e intensificación del mensaje anímico. La música de Chopin llega al alma de cada uno de sus oyentes de manera personalizada; cada quien escucha un mensaje afectivo diferente y de allí su éxito rotundo. Chopin murió de ‘consunción’, una manera de describir la lenta evolución de la tuberculosis pulmonar y la consumación del individuo por causa de la enfermedad. Su música se vio teñida por la añoranza permanente de una patria elusiva. En la Fantasía en fa menor, Op. 49, Chopin experimenta con una forma suelta, caprichosa, en la cual se identifican diferentes secciones y diversos temas y motivos. No hay temática de fondo, no se trata de una fantasía sobre temas operáticos ni aires nacionales polacos, si bien hay quienes reconocen en ella alguna raíz nacionalista. Su narrativa musical va desde lo grave, circunspecto y elegíaco hasta lo ligero y complejo en lo pianístico. En medio del discurso surge un momento de melodías descendentes de espíritu marcial, pero, a manera de recapitulación suelta, regresa el momento lírico contemplativo que da paso al final figurado de gran exigencia pianística. La Sonata para piano en si bemol menor, Op. 35 data de la última parte de la breve vida del compositor, marcada por su relación con la novelista George Sand (entre 1837 y 1846). El mecenazgo protector de la célebre y aristocrática novelista (cuyo verdadero nombre era Amandine Dupin, baronesa Dudevant) liberó a Chopin de toda preocupación económica por espacio de nueve años, tiempo que aprovechó para explorar a fondo sus ideas musicales. 9 A esta época pertenecen los preludios, los tres últimos scherzi, las baladas, dos sonatas y un gran número de mazurcas y nocturnos. Sin embargo, estas obras fueron producto del trabajo de un compositor enfermo, consumido por la tuberculosis y con grandes dificultades para mostrar su gran talento e inspiración en presentaciones públicas. Pese a esta circunstancia, la música de Chopin conmovió a todo el mundo occidental. En su obra se escuchan melodías profundamente conmovedoras, aparentemente independientes del acompañamiento, envueltas en complejas texturas y armonías que emergen de un virtuosismo pianístico rutilante. A excepción de unas pocas obras, la producción musical de Chopin estuvo restringida al piano, que, junto con el violín, fue uno de los instrumentos de concierto más populares del siglo xix. La Sonata Op. 35 no es una sonata en el estilo clásico mozartiano o beethoveniano; ya había anotado Schumann que parecía como si Chopin, en esta obra, hubiera juntado ‘cuatro de sus hijos más locos’. Como movimientos sueltos, la Marcha funèbre y el último movimiento no tienen paralelo en la literatura pianística del Romanticismo. En el Doppio movimento aparece un tema pulsante, listo para ser desarrollado; a manera de contraste surge una melodía en re bemol, aparentemente tranquilizante, pero su magnetismo prontamente la conduce a un clímax afiebrado, pleno de acción. El desarrollo es corto y de gran atrevimiento armónico; la recapitulación es muy libre, pero se llega al final con gran claridad en cuanto a nuestras expectativas sicológicas. El Scherzo es un movimiento breve, lúcido y con reminiscencias de música polaca. La primera sección, llena de atrevimientos cromáticos contiene una furia que solo la sección media (trío) apacigua; con el retorno a la primera sección del Scherzo volvemos al mundo del virtuosismo. El tercer movimiento también acusa una forma ternaria: en la Marcha funèbre, Chopin da rienda suelta a los pensamientos lúgubres y mórbidos que cautivaban al público de la época; se descansa en una sección media, una ‘visión de las regiones del más allá’, que desemboca en el Presto, un movimiento agitado con carácter de estudio técnico por el trabajo incesante con los tresillos de corchea. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx. 10 Santiago Cañón-Valencia (Colombia), violonchelo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

"Con elegancia y compromiso la lituana Mūza Rubackytė afronta todos los retos interpretativos, desde los 24 estudios de Liszt hasta los 24 preludios y fugas de Shostakovich, desde los ‘Años de peregrinaje’ completos de Liszt hasta las obras para piano de Čiurlionis. Mūza nació en Lituania y vive entre París, Vilna y Ginebra. Tras sus estudios en el Conservatorio de Moscú P. I. Tchaikovsky, fue galardonada en el Concurso de toda la Unión, de San Petersburgo, que elegía a los mejores músicos de la Unión Soviética, y en el Concurso Internacional de Piano Liszt- Bartók de Budapest. Miembro de la resistencia lituana, fue privada de su pasaporte hasta 1989; pero luego, tras su llegada a París obtuvo el primer puesto en piano en el concurso internacional Les Grands Maîtres Français de l’Association Triptyque. Su carrera internacional la ha llevado a presentarse en importantes escenarios y festivales de los cinco continentes. Además, durante su trayectoria ha colaborado con reconocidos directores y orquestas de renombre. Penderecki la ha invitado con frecuencia a interpretar su concierto para piano ‘Resurrección’, una conmovedora obra en homenaje a las víctimas del 11 de septiembre. A menudo, Mūza actúa como jurado en los concursos musicales más prestigiosos de Utrecht, Weimar y Parma, e imparte clases magistrales en Weimar, Budapest y Pekín. Es presidente de LISZtuania Society, organización lituana enfocada en Liszt. En Lituania ha recibido importantes distinciones, como la de la Legión de Honor, por la promoción de su país en el mundo, y la Gran Cruz de Comendador de la Orden de Vytautas el Grande por los servicios prestados al Estado. El Ministerio de Cultura húngaro le otorgó el Premio Procultura Hungárica. En 2009, Mūza creó el Vilnius Piano Festival, del que hoy es directora artística. Por este logro, la ciudad la honró con su más alta condecoración: el Premio San Cristóbal al mejor evento cultural. En 2020 rindió homenaje, tanto en el escenario como en grabación, a su compatriota el pianista y compositor Leopold Godowsky, con motivo del 150 aniversario de su nacimiento, cerca de Vilna. Godowsky, como muchos ‘litvak’ (judíos lituanos), vivía en el exilio, y murió en Nueva York en 1938. La grabación de la ‘Sonata Godowski’ recibió críticas muy positivas de la prensa internacional. El repertorio de Mūza incluye más de cuarenta programas de recitales solista, conciertos con orquesta y música de cámara. Su discografía, que incluye más de treinta y cinco títulos, se enriquece continuamente, como lo muestran ‘Años de peregrinaje’ y ‘Estudios de concierto’, de Liszt (Lyrinx); ‘Veinticuatro preludios y fugas’ de Shostakovich (Brilliant Classics); conciertos para piano y orquesta de Beethoven, Liszt, Shostakovich, Prokofiev, Schnittke y Saint- Saëns para la serie ‘Great Lithuanian live recordings’ (Magníficas grabaciones lituanas en vivo) (2015, Doron); el ‘Concierto No. 4’ de Beethoven en versión de cámara, y obras para piano solo de Louis Vierne (2015, Doron) y luego con cuarteto de cuerda y voz (2016, Brilliant Classics). En 2017 publicó las sonatas para piano y órgano de Julius Reubke con Olivier Vernet (Ligia), y en 2019 publicó dos nuevos opus: la sexta edición de la serie ‘Great Lithuanian live recordings’, dedicada a las obras orquestales de Bartok, Liszt y Schubert/ Liszt (Doron), y luego, con el Cuarteto Mettis, un homenaje a Shostakovich y Weinberg titulado ‘Dramatic Russian Legacy’ (Ligia). En 2020 reunió a Leopold Godowsky (con su ‘Sonata’ inmensa y poco común) y Karol Szymanowsky en un álbum para el sello Ligia Digital, que fue muy bien recibido por la prensa internacional (Diapasond’Or, 5 Estrellas de Classica, Téléramaffff). Ferviente admiradora de Liszt, acaba de ganar el 41o Gran Premio de la Sociedad Liszt de Budapest por su álbum ‘De la valse à l’abîme Schubert / Liszt’ (Lyrinx). Mūza grabó los dos conciertos para piano de Brahms para el sello Doron en la serie ‘Great Lithuanian live recordings’, que se publicó en septiembre de 2021. "

Foto del concierto de Laura Lambuley Project, jazz (Colombia), realizado el domingo 17 de julio de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Foto del concierto de Laura Lambuley Project, jazz (Colombia), realizado el domingo 17 de julio de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Reseña acerca del concierto de Laura Lambuley Project, jazz (Colombia), realizado el domingo 17 de julio de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.

Foto del concierto de Laura Lambuley Project, jazz (Colombia), realizado el domingo 17 de julio de 2022 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango como parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022.