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Programa de mano - Cristian Guerrero, flauta (Colombia); Beatriz Batista, piano (Cuba)

Por: | Fecha: 21/02/2023

Domingo 5 de marzo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Kike Barona · PULEP: YRM164 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL CRISTIAN GUERRERO (Colombia) flauta BEATRIZ BATISTA (Cuba) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Jonathan Leibovitz • Foto: Kaupo Kikkas Ariel Lanyi • Foto: Kaupo Kikkas Talleres de interpretación de clarinete con Jonathan Leibovitz y de piano con Ariel Lanyi. Lunes 27 de marzo de 2023 • 9:00 a.m. a 12:00 p.m. 1 ACERCA DE LOS ARTISTAS Cristian Guerrero, flauta Inició estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su pregrado bajo la orientación de los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha complementado su formación en talleres y clases magistrales con Gaspar Hoyos, Gabriel Ahumada, Hernando Leal, Huáscar Barradas, Peter-Lukas Graf, János Bálint, Emmanuel Pahud, Paolo Taballione, Michel Debost, William Bennett y Paula Robinson. Se ha desempeñado como primera flauta en la Orquesta Juvenil de las Américas, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y la Banda Sinfónica Nacional de Colombia. Ha sido solista con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, las Orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, de la cual fue también su integrante, la Sinfónica Nacional de Colombia, la Sinfónica de la Universidad de los Andes, la Juvenil de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), la Sinfónica de EAFIT y la Orquesta Sinfónica de vientos de Mannheim, Alemania. Desde 2008 es la primera flauta de la OFB, con la cual ha ejecutado conciertos como solista, entre ellos los de Ibert, Nielsen y Khachaturian. También con esta Orquesta estrenó en Colombia los conciertos de Joaquín Rodrigo y Lowell Liebermann. Entre los directores con quienes ha sido solista se encuentran Gérard Korsten, Rossen Milanov, Olivier Grangean, Leonardo Marulanda y Leonardo Federico Hoyos. Gracias a la comisión de estudios que le otorgó la OFB, finalizó sus estudios de maestría con el maestro Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresde, Alemania, y los estudios de posmaestría, diploma de solista, con el maestro Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim. Simultáneamente, recibió clases con el maestro Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart. Foto: Kike Barona 2 Conozca más acerca de Cristian Guerrero Conozca más acerca de Beatriz Batista Cristian Guerrero Cristian Guerrero Cristian Guerrero Beatriz Batista BEATRIZ BATISTA, piano Pianista cubana graduada de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutela de Mariana Posada. Inició sus primeros pasos como pianista colaborativa en el Teatro Lírico Nacional de Cuba junto al tenor cubano Adolfo Casas. Fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante en el importante concurso de canto de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) en el año 2011. En Colombia ha compartido escenarios con músicos de gran envergadura, tales como Federico Hoyos, Sebastián Cifuentes, Beatriz Mora, Camilo Mendoza y Gloria Casas. En varias ocasiones ha sido la pianista invitada por la Orquesta Sinfónica Nueva Filarmonía y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Participó en el Festival Ópera al Parque en dos ocasiones, siendo la pianista en escena de dos montajes de ópera y zarzuela. Recientemente fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante del concurso de canto de Bogotá, organizado por la OFB. En la actualidad, Beatriz es pianista repetidora en la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. Foto: Kike Barona 3 PROGRAMA Danza y Acuarela Sonata para flauta y piano, H. 306 (1945) Allegro moderato Adagio Allegro poco moderato BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Preludio a la siesta de un fauno, L. 86 (1891-1894) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Original para orquesta Arreglo para flauta y piano de Gustave Samazeuilh (1877-1967) Syrinx, L. 129 (1913) Para flauta sola INTERMEDIO Suite campesina húngara (1914-1918) Canciones populares tristes Rubato Andante Poco rubato Andante Scherzo Danzas antiguas Allegro Allegretto Allegretto L’istesso tempo Assai moderato Allegretto Poco piu vivo Allegro Allegro BÉLA BARTÓK (1881-1945) Original para piano Arreglo para flauta y piano de Paul Arma (1905-1987) Sonata para violín y piano, L. 140 (1917) Allegro vivo Intermède: fantasque et léger Finale: très animé CLAUDE DEBUSSY Arreglo para flauta y piano de Cordula Hacke (s. f.) y Ferdinand Wolfgang Neess (1929-2020) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Bohuslav Martinů Junto con Leos Janáček, Bohuslav Martinů (n.1890) es considerado uno de los mejores compositores checos de la primera mitad del siglo xx. Se inició en el mundo de la música como violinista, y si bien su formación en el Conservatorio de Praga fue un tanto accidentada (alcanzó a ser expulsado por negligente), su deseo de componer se manifestó tempranamente. A la edad de veinte años no solo había esbozado su primer cuarteto para cuerdas, sino que había creado una colección de catorce canciones y una obra para orquesta titulada El ángel de la muerte. Trabajó como violinista de la Orquesta Filarmónica Checa y tomó clases de composición con Joseph Suk. A partir de 1923 y luego de una beca para estudiar composición con Albert Roussel, Martinů se mudó a París y aun cuando continuamente visitó Checoeslovaquia, nunca más volvió a residir en su país natal, aunque su música tradicional y su vida cultural ejercieron una importante influencia sobre su obra. En el periodo entre guerras, Martinů compuso una gran cantidad de piezas concebidas en un espíritu modernista (influenciado por la obra de Stravinsky, de Debussy y del jazz) con un toque nacionalista. Sus conciertos para orquesta e instrumentos solista, como también su música de cámara, gozan de gran popularidad, en especial por la vitalidad rítmica contagiosa de su discurso. Su obra fue influenciada por el estilo melódico de Antonín Dvořák, la complejidad rítmica de Stravinsky, la paleta armónica de Debussy y el cromatismo de Strauss. Luego de mudarse al sur de Francia, pudo salir de la Europa en guerra camino de Lisboa y llegar a Nueva York en 1941. La obra de Martinů es copiosa y dedicó grandes esfuerzos a la composición operática. Entre sus logros más interesantes figura La pasión griega, hecha sobre un texto del escritor Nikos Kazantzakis. Martinů se convirtió en un compositor de renombre internacional y en un ciudadano del mundo. En Estados Unidos, fue profesor de la Universidad de Princeton y de la Mannes School of Music. Sus últimos años los pasó en Suiza, en donde finalmente falleció. La Sonata para flauta y piano data de 1945 y fue escrita en Nueva Inglaterra. En el último movimiento, se escucha el canto de un pájaro de la región. Fue estrenada en Nueva York en 1949. 5 Claude-Achille Debussy El compositor francés Claude-Achille Debussy (1862-1918) vivió sus primeros treinta y ocho años de vida en el ambiente romántico de la segunda mitad del siglo xix y los dieciocho restantes en las movidas primeras décadas del xx. Tal vez, por esta razón, no siempre se asocia su nombre con el concepto del modernismo contestatario de inicios de siglo, pero en verdad sus aportes a la configuración del arte del siglo xx son innegables. Debido a que la música del siglo xx nos invita a pensar en vanguardias y rupturas, evidenciadas las primeras en la obra de Stravinsky y las segundas en Schoenberg, la fluidez del estilo de Debussy parece no entrar en conflicto con la tradición musical centroeuropea. Pero esto es apenas una sensación, una elusiva trampa impresionista, pues Debussy se ingenió la manera de usar la teoría musical tradicional de forma amplia y poco ortodoxa que sirvió de ejemplo global para hacer una música moderna, anclada en lo más relevante de la academia. Ahora bien, Debussy tiene otra faceta interesante de la cual él mismo no estaba muy convencido y es el asocio de su obra con movimientos pictóricos y poéticos. El lenguaje de Debussy hizo posible evocar musicalmente —y no simplemente describir— ideas, objetos o hechos tan disímiles como el sueño, un paisaje, un lugar o una cultura. Aunque se ha generalizado la práctica de definir el estilo de Debussy dentro del marco del Impresionismo, sus composiciones han sido objeto de variados análisis que le han ameritado clasificaciones tan diversas como las de simbolista, puntillista, expresionista, nacionalista, romántico y neoclásico. Algunas de estas corrientes en las cuales se ha querido matricular a Debussy derivan su nombre de la semejanza que puedan tener sus obras con las de ciertas escuelas pictóricas (impresionismo, expresionismo, puntillismo) o tendencias poéticas como el simbolismo que resumen los diversos caminos del arte a comienzos del siglo xx. Ciertamente, no es fácil definir un estilo para la obra completa de Debussy, pues, prácticamente, cada una de ellas merece su propio capítulo dentro de la producción musical de este ingenioso compositor francés. El Preludio a la siesta de un fauno es una libre ilustración de la égloga de Mallarmé titulada L’après-midi d’un faune, de 1876, sin ser necesariamente una síntesis de la misma. En la égloga, se presentan una serie de imágenes que reflejan los sueños y deseos de un fauno en una tarde acalorada. Cansado de sus esfuerzos por alcanzar y seducir escurridizas ninfas imaginarias, sucumbe a un sueño intoxicado en el que realiza sus anhelos. La preocupación musical de Debussy no es la presentación formal de conceptos, sino el impacto de efectos sonoros que deberán evocar imágenes mitológicas y el sopor en que 6 se mueven. Desde un comienzo se escucha una melodía en la flauta que, por su contorno sinuoso y ritmo libre, se viste de una tela vaporosa y sugestiva. El fauno con su característica flauta de pan es el protagonista indiscutible. En 1912 el empresario de los ballets rusos en París, Serguei Diaghilev, produjo una versión coreografiada y bailada por el célebre Nijinsky en una visión erótica de la obra. Entre los aspectos más llamativos de esta sensual partitura está el manejo de la instrumentación: cuerdas con sordina, los enriquecedores glissandi del arpa, la presencia vaporosa de la flauta y hasta el empleo de unos pequeñísimos platillos medioevales. Las melodías basadas en intervalos de tonos enteros y en armonías muy ricas ayudan a establecer este ambiente lejano y exótico. La obra consta de tres secciones formales independientes, entre las cuales Debussy se mueve imperceptiblemente. El retorno al primer tema (aunque a otro nivel tonal) marca una importante recapitulación que hace que la forma resultante sea ternaria y que la obra tenga un discurso interno muy compacto y coherente. Syrinx (Siringa) causó, en su momento, un doble impacto cuando se escuchó por primera vez en una obra teatral de Gabriel Mourey, titulada Psyché, como música incidental para la escena de la muerte de Pan (asociado siempre a las flautas de Pan). El primer impacto recibido fue el de la belleza de la obra y el segundo, el de sus propuestas modernistas. La naturaleza trémula y fresca de la flauta es parte inseparable del discurso melódico. Según Henry Paul Lang, «la predominancia de la melodía sobre el ritmo y la armonía se asemeja a una larga cadenza o una improvisación rapsódica. Ninguna nota aparece por azar. Es remota como un canto llano con tonadas que animan la danza con fuertes cadencias. Una melodía pura, sin texto» (Lang, 1974, p. 7). En sus últimos años de vida, Debussy se dedicó, de manera especial, a la composición de obras para conjunto de cámara. De esta última época datan las sonatas para chelo y piano, la sonata para flauta, viola y arpa, y la sonata para violín y piano que se destaca por ser una de sus postreras piezas completas, escrita bajo el duro peso anímico dejado por la Primera Guerra Mundial. La Sonata para violín y piano se organiza en tres movimientos. El primero de ellos, de carácter tentativo e introductorio, se apega al estilo romántico; el tema melódico predominante es sincopado y descendente, y se complementa con comentarios un poco más movidos, pero siempre enmarcados dentro de la gestualidad amplia del movimiento. El segundo movimiento nos recuerda una serenata fantástica a veces tocada por la ironía, y otras, por un humor un tanto grotesco que se diluye amablemente hacia el final. Para el Finale, Debussy 7 reservó un pasaje de virtuosismo, vivo, ornamentado y melódico, inspirado en melodías napolitanas que se entremezclan con la ornamentación francesa barroca, todo dentro del marco concertante y virtuosístico de fines del siglo xix e inicios del xx. Béla Bartók Con transcripciones de canciones y danzas escritas por el húngaro Béla Bartók (1881-1945), pasamos al mundo de la danza, uno de los componentes principales de la música instrumental. A partir de 1904, año en que Bartók comenzó sus investigaciones en el campo de la música popular y tradicional de su Hungría natal y de culturas aledañas, su estilo de composición se vería profundamente alterado. Bartók se había iniciado en la composición con un lenguaje estilístico de corte posromántico alemán, acorde con la escuela de sus maestros, el ambiente germánico predominante de la cultura húngara y también su temprana admiración por la obra monumental de Richard Strauss. Cuando se desarrolla en Bartók el aprecio por la música tradicional y popular húngara y rumana, nace el músico moderno que cuestiona a fondo el Romanticismo alemán y la tradición académica. Comienza a aportar sus propias soluciones e ideas a la crisis tonal de comienzos del siglo xx, en la que impera la disonancia. Paralelamente, el discurso rítmico adquiere independencia y todos estos nuevos gestos sonoros se convierten en terreno fértil para la innovación. El tratamiento que dio Bartók a esta ‘materia prima musical’ tuvo muchas manifestaciones: desde instrumentaciones y armonizaciones relativamente sencillas, como en el caso de las Canciones y danzas húngaras campesinas y las Danzas populares rumanas, hasta las reelaboraciones más abstractas de sus cuartetos en las que indaga acerca de la naturaleza misma de la afinación. Suite campesina húngara es el título de una colección de quince danzas magiares típicas para piano solo que fueron adaptadas por Paul Arma, alumno de Bartók en Budapest, para dúo de flauta y piano. Para este recital se escogieron obras líricas, enérgicas y con antiguo arraigo tradicional. Referencias Lang, H. (1974). Music in the 20th Century. New York: Norton y Norton. 8 Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Direc-ción de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas del Con-servatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx. 9 Foto: Aline Muller Foto: Kaupo Kikkas Édmar Castañeda (Colombia) arpa llanera Grégoire Maret (Suiza/ Estados Unidos) armónica Domingo 12 de marzo de 2023 11:00 a.m. Édmar y Grégoire también se presentan en Sincelejo y Montería Jonathan Leibovitz (Israel) clarinete Ariel Lanyi (Israel) piano Domingo 26 de marzo de 2023 11:00 a.m. Jonathan y Ariel también se presentan en Ipiales y Pasto 10 Alexander Ullman, piano • Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Cristian Guerrero, flauta (Colombia); Beatriz Batista, piano (Cuba)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Édmar Castañeda, arpa llanera (Colombia); Grégoire Maret, armónica (Suiza/Estados Unidos)

Programa de mano - Édmar Castañeda, arpa llanera (Colombia); Grégoire Maret, armónica (Suiza/Estados Unidos)

Por: | Fecha: 21/02/2023

Jueves 9 de marzo de 2023 · 7:30 p.m. Sincelejo, Teatro Municipal de Sincelejo Viernes 10 de marzo de 2023 · 4:00 p.m. Montería, Auditorio Jorge Alonso Bedoya Vásquez de la Universidad Pontificia Bolivariana Domingo 12 de marzo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Aline Muller · PULEPS: VMI992 - ACP410 - NQN716 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL ÉDMAR CASTAÑEDA (Colombia) arpa llanera GRÉGOIRE MARET (Suiza/Estados Unidos) armónica SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Jonathan Leibovitz • Fotos: Kaupo Kikkas 1 ACERCA DE LOS ARTISTAS Édmar Castañeda, arpa llanera Nació en 1978 en la ciudad de Bogotá. Aprendió a tocar el arpa en su adolescencia interpretando la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el jazz poco después de trasladarse a la ciudad de Nueva York, a dónde se mudó para reunirse con su padre en 1994; inmediatamente se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin un precedente real del arpa en el mundo del jazz, Castañeda estudió trompeta durante el día mientras probaba sus nuevos conocimientos sobre el arpa en conciertos nocturnos en un restaurante de la ciudad. Fue introducido en la comunidad del jazz por Paquito D’Rivera, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera indica sobre él: «[Edmar posee] un talento enorme [...] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana». Castañeda ha conquistado Nueva York y el escenario mundial con la fuerza pura de su dominio virtuoso del arpa, revolucionando la forma en que el público considera un instrumento comúnmente relegado a la categoría ‘inusual’. Ha sido aclamado como un maestro en darse cuenta de las bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico, elaborando hazañas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos del guitarrista flamenco más célebre. «El colombiano toca el arpa como casi nadie en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud de sonido sinfónica totalmente única, un rápido fuego de acordes, equilibrio de figuras melódicas y empuje, servido con ritmos eufóricos latinoamericanos, y la libertad de improvisación de un músico de jazz capacitado. [...] virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo virtuosismo por sí mismo», dice el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung. 2 Conozca más acerca de Édmar Castañeda www.edmarcastaneda.com/ Edmar Castaneda Edmar Castaneda @edmarcastaneda Edmar Castañeda Grégoire Maret, armónica Grégoire se trasladó a Nueva York para estudiar en el departamento de jazz de la New School University tras graduarse del prestigioso Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Hoy en día es uno de los armonicistas más solicitados del mundo y a menudo se le compara con las leyendas Toots Thielemans y Stevie Wonder. Ha tocado con un gran número de músicos famosos, como Youssou N’Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson o Cassandra Wilson, por nombrar algunos. En 2003 fue objeto del documental Sideman, dirigido por el cineasta suizo Frédéric Baillif, que ganó varios premios. En 2005 Grégoire realizó una gira con el Pat Metheny Group, tras la que recibió un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su álbum The Way Up. También ganó el Premio al Músico del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz. Habiendo ganado el Grammy, Maret se embarcó en una gira de dos años con el bajista de talla mundial Marcus Miller y posteriormente se incorporó a la banda de Herbie Hancock. Luego, codirigió el trío de jazz Gaïa con el pianista Federico González Peña y el baterista Gene Lake. También grabó el álbum Scenarios, con Andy Milne en 2007. En 2010 Maret tocó en The Concert for the Rainforest con Elton John y Sting. El 13 de marzo de 2012, publicó su primer álbum como líder contando con invitados tan notables como la vocalista Cassandra Wilson, el bajista Marcus Miller, el guitarrista Raul Midón, Mark Kibble y Alvin Chea de Take 6, y el legendario armonicista Toots Thielemans. 3 Conozca más acerca de Grégoire Maret www.gregoiremaret.com Grégorie Maret @gregoiremaret Gregoire Maret La realización del concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de La realización de este concierto en Montería se presenta en colaboración con 4 PROGRAMA No Fear (2017) ÉDMAR CASTAÑEDA (n. 1978) Hope (2019) GRÉGOIRE MARET (n. 1975) For Jaco (2015) ÉDMAR CASTAÑEDA Acts (2018) Blueserinho (2015) GRÉGOIRE MARET Our Spanish Love Song (1993) CHARLIE HADEN (1937-2014) Santa morena (1954) JACOB PICK BITTENCOURT ‘JACOB DO BANDOLIM’ (1918-1969) 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Sergio Ospina Lejos de toda duda, Édmar Castañeda (n.1978) es el arpista colombiano más reconocido, más galardonado y exitoso de todos los tiempos. Decir que es un virtuoso del arpa y que su nombre es el principal referente de este instrumento en el mundo del jazz —dentro y fuera de los Estados Unidos— no le hace justicia a la magnitud de su talento ni al arsenal de laureles que ha cosechado. No es una sorpresa que se le compare con Yo-Yo Ma o con otros músicos cuya personalidad artística trasciende lo excepcional y que no son otra cosa sino íconos culturales por antonomasia. Tampoco es una exageración lo que con respecto a Édmar expresó el famoso programa norteamericano de radio Fresh Air, amplificado por buena parte del planeta a través de NPR (National Public Radio): «su técnica es lo que realmente asombra. Castañeda hace malabares con melodías, ritmos y acompañamientos en el bajo, usando una gran variedad de ataques suaves y fuertes sobre las cuerdas para darle a cada una de aquellas voces una personalidad distinta —todo ello, sin perder el sabor (groove)—. Su sorprendente técnica ha elevado los estándares para cualquier arpista»1 (2012). En Colombia, el arpa está por lo general asociada exclusivamente con el repertorio de la llamada ‘música llanera’, una tradición musical compartida por Colombia y Venezuela, caracterizada por una gran variedad de estilos o ‘golpes’ y en la que el arpa ha sido por muchos años uno de los instrumentos principales. Si bien la música llanera y la técnica del arpa llanera han jugado un papel central en la formación y la trayectoria de Édmar Castañeda, su carrera como intérprete, compositor y arreglista se ha enriquecido de una gama mucho más amplia de géneros musicales y repertorios. Y se ha enriquecido en la misma medida en que sus intervenciones musicales han servido para ensanchar significativamente el ámbito musical del arpa dentro de la música popular moderna. De allí que a Édmar se le conozca ante todo como un arpista de jazz. Una vez más, sin embargo, el rótulo no le hace justicia a la diversidad de mundos musicales que coexisten en sus grabaciones y conciertos ni a la forma en que todos ellos entran en diálogo con cada una de sus interpretaciones. En la música de Édmar Castañeda conviven la música llanera, el jazz, la música popular latinoamericana y hasta la música clásica. Así que, en cierto modo, 1 Fresh Air (2012). Traducción al español hecha por Sergio Ospina. 6 ideas como ‘fusión’ o ‘hibridad’ pueden servir como punto de partida para pensar su apuesta musical y, aun así, vale la pena ir más allá de las categorías para dar cuenta tanto del espectro de innovaciones musicales e intercambios culturales presentes en su música, como del potencial de su legado para las futuras generaciones de arpistas. La cantidad y el calibre de los músicos con los que Édmar Castañeda ha hecho colaboraciones a lo largo de los años es otro testimonio de la resonancia trasnacional de su agenda musical. Entre ellos se encuentran Paquito D’Rivera, Sting, Hiromi, John Patitucci, Béla Fleck, Pedrito Martínez, John Scofield, Ricki Lee Jones, Marcus Miller, Gonzalo Rubalcaba, Ivan Lins, The Yellowjackets, Laura Lambuley y Paco de Lucía. Uno de sus más recientes cómplices musicales y con quien comparte el escenario en el concierto de hoy es el legendario músico suizo Grégoire Maret (n.1975), un virtuoso de la armónica, y poseedor de un inmenso caudal de premios y reconocimientos de toda índole. Los paralelos entre Édmar y Grégoire saltan a la vista y hacen que su colaboración artística resulte casi un producto del destino y, en cualquier caso, un deleite artístico para todas las audiencias. Los dos han redefinido las posibilidades técnicas e interpretativas de sus respectivos instrumentos; los dos han sido los principales responsables de posicionar dos instrumentos usualmente ausentes en las lides del jazz y de forjar de paso un nuevo horizonte estilístico; y dado que ninguno de los dos es nacido en Estados Unidos, también han sido los artífices de un cuestionamiento renovado no solo con respecto a lo que es y puede ser el jazz, sino al lugar de las tradiciones musicales globales en la gestación y el desarrollo de esta música. Las piezas musicales seleccionadas para el concierto de hoy hacen gala de la creatividad y el virtuosismo de este par de músicos, así como del acopio de perspectivas que trae consigo su colaboración en este proyecto. La mayoría son, justamente, sus propias composiciones. El concierto abre con No Fear, obra de Castañeda, dedicada, en palabras de su compositor, a todas las familias y personas que están lidiando con la incertidumbre de los tiempos difíciles: «sigan fuertes, no dejen que el temor invada su mente; vamos a salir juntos de esto»2. En cierto modo, es una composición cuya arquitectura musical parece estar en sintonía con la complejidad de circunstancias y emociones que supone cualquier adversidad. A pasajes caracterizados al parecer por cierta suerte de estancamiento —a través de patrones rítmicos repetitivos y pedales armónicos sostenidos— le siguen, en cambio, otros definidos por la 2 Traducción al español hecha por Sergio Ospina. 7 movilidad y el tránsito de las frases musicales, en un vaivén que bien podría ser una metáfora musical de la vida misma. Los espacios abiertos para la improvisación parecen reforzar este mosaico de sensaciones al estilo de un escenario lleno de incertidumbre sobre el que, no obstante, una fuerza superior tiene todo bajo control. Un poco en la misma línea afectiva, pero a partir de un despliegue musical totalmente distinto, se encuentra Hope, una composición de Maret. Si la aparente simplicidad del acompañamiento del arpa y la melodía introductoria de la armónica es un vehículo ideal para la introspección, se trata al mismo tiempo de un ambiente armónico suficientemente elaborado como para dar lugar a todo tipo de sorpresas en el momento en el que las improvisaciones se dan. El contraste no podría ser quizás más radical con For Jaco, otra obra de Castañeda, dedicada al famoso bajista norteamericano Jaco Pastorious (1951- 1987) y conocida, entre otras interpretaciones, por la grabación que hizo Édmar con la excepcional pianista japonesa Hiromi. La muerte prematura de Jaco Pastorious, a los 35 años, dejó un vacío irremediable en el mundo de la música. El carácter vibrante de la composición de Castañeda, un llamado inevitable a un despliegue técnico de virtuosismo, es un homenaje de lujo para Jaco, así como un testimonio latente de la vitalidad, la influencia y el legado del bajista. Acts también es una composición de Castañeda y, en la versión que grabó justamente con Maret, la pieza abre con un mensaje hablado superpuesto al despliegue musical; un mensaje inequívocamente asociado con las convicciones espirituales de Édmar: «Sobre ti había escuchado, mas ahora mis ojos te ven. No en la fama, no en las riquezas, tú estás en el niño abandonado, en la mujer que sufre, en el mendigo que llora; tú estás en el que está solo, en la cárcel, en el dolor. Eres un acto de amor, Jesús. Ama a tu prójimo como a ti mismo». Por su parte, el título de Blueserinho, otra joya de Grégoire Maret, parece evocar no solo la idea de un ‘pequeño blues’ — escrito en portugués—, sino la re-creación o re-invención de la que pueden ser susceptibles géneros emblemáticos como el blues cuando músicos de la talla de Maret o Castañeda lo hacen suyo. A la vez que las características más evidentes del blues en términos de forma, armonía y figuras melódicas siguen en cierto modo presentes —pero claramente deconstruidas y reimaginadas— los guiños rítmicos con la samba brasileña sirven para gestar un universo de sentido musical completamente nuevo. El concierto cierra con dos obras de otros compositores: Our Spanish Love Song, original del bajista estadounidense Charlie Haden (1937-2014), y Santa morena, un clásico del compositor y mandolinista brasileño Jacob Pick 8 Bittencourt (1928-1969), conocido y recordado más con el nombre de ‘Jacob do Bandolim’. Mientras el lirismo de la música de Haden resulta exacerbado por la sensibilidad interpretativa de Castañeda y Maret, la vehemencia rítmica del choro encuentra un canal idóneo en la combinación tímbrica del arpa y la armónica. Además, lejos de simplemente evocar la musicalidad brasileña original de la composición de ‘Jacob do Bandolim’, la versión de estos dos grandes artistas ofrece también una excursión musical transnacional al reinscribir la obra dentro del contexto de la música llanera de Colombia y Venezuela. Así las cosas, este concierto bien podría describirse como una ‘proeza’, la traducción más cercana en español de lo que en círculos musicales internacionales suele llamarse un tour de force. Sergio Ospina Romero es profesor en la Universidad de Indiana. Es el autor de dos libros, Dolor que canta y Fonógrafos ambulantes, y de varias publicaciones sobre tecnologías de grabación y jazz que han aparecido en revistas y libros de distintas partes del mundo. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. 9 Foto: Ángel Hurtado • PULEPS: RNM328 - HNI389 - IZF615 Foto: Kaupo Kikkas Jonathan Leibovitz (Israel), clarinete Ariel Lanyi (Israel), piano Domingo 26 de marzo de 2023 11:00 a.m. Jonathan y Ariel también se presentan en Ipiales y Pasto ¡En Abril! Concierto de Guaita (Colombia) Jazz Montería, Auditorio Universidad Pontificia Bolivariana: Jorge Alonso Bedoya Vázquez Miércoles 26 de abril de 2023 Sincelejo, Teatro Municipal de Sincelejo Jueves 27 de abril de 2023 Cartagena, Biblioteca Bartolomé Calvo Viernes 28 de abril de 2023 10 Alexander Ullman, piano. Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Édmar Castañeda, arpa llanera (Colombia); Grégoire Maret, armónica (Suiza/Estados Unidos)

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Édmar Castañeda; Grégoire Maret

Por: | Fecha: 2023

Édmar Castañeda, arpa llanera Nació en 1978 en la ciudad de Bogotá. Aprendió a tocar el arpa en su adolescencia interpretando la música folclórica de su tierra natal. Descubrió el ‘jazz’ poco después de trasladarse a la ciudad de Nueva York, a dónde se mudó para reunirse con su padre en 1994; inmediatamente se sintió atraído por la libertad y la sofisticación de la música. Sin un precedente real del arpa en el mundo del ‘jazz’, Castañeda estudió trompeta durante el día mientras probaba sus nuevos conocimientos sobre el arpa en conciertos nocturnos en un restaurante de la ciudad. Fue introducido en la comunidad del ‘jazz’ por Paquito D’Rivera, quien reconoció la pasión de Castañeda y tomó al joven arpista bajo su protección. D’Rivera indica sobre él: «[Edmar posee] un talento enorme [...] tiene la versatilidad y el carisma encantador de un músico que ha sacado su arpa de la sombra para convertirse en uno de los músicos más originales de la Gran Manzana». Castañeda ha conquistado Nueva York y el escenario mundial con la fuerza pura de su dominio virtuoso del arpa, revolucionando la forma en que el público considera un instrumento comúnmente relegado a la categoría ‘inusual’. Ha sido aclamado como un maestro en darse cuenta de las bellas complejidades del tiempo, mientras dibuja hábilmente colores exuberantes y un espíritu dinámico, elaborando hazañas casi increíbles de ritmos cruzados, superpuestos con matices de acordes que rivalizan con los esfuerzos del guitarrista flamenco más célebre. «El colombiano toca el arpa como casi nadie en la tierra. Sus manos, aparentemente impulsadas por dos personas diferentes, producen una plenitud de sonido sinfónica totalmente única, un rápido fuego de acordes, equilibrio de figuras melódicas y empuje, servido con ritmos eufóricos latinoamericanos, y la libertad de improvisación de un músico de ‘jazz’ capacitado. [...] virtuosismo cautivador, pero de ninguna manera solo virtuosismo por sí mismo», dice el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung. Grégoire Maret, armónica Grégoire se trasladó a Nueva York para estudiar en el departamento de ‘jazz’ de la New School University tras graduarse del prestigioso Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Hoy en día es uno de los armonicistas más solicitados del mundo y a menudo se le compara con las leyendas Toots Thielemans y Stevie Wonder. Ha tocado con un gran número de músicos famosos, como Youssou N’Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson o Cassandra Wilson, por nombrar algunos. En 2003 fue objeto del documental ‘Sideman’, dirigido por el cineasta suizo Frédéric Baillif, que ganó varios premios. En 2005 Grégoire realizó una gira con el Pat Metheny Group, tras la que recibió un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su álbum ‘The Way Up’. También ganó el Premio al Músico del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz. Habiendo ganado el Grammy, Maret se embarcó en una gira de dos años con el bajista de talla mundial Marcus Miller y posteriormente se incorporó a la banda de Herbie Hancock. Luego, codirigió el trío de ‘jazz’ Gaïa con el pianista Federico González Peña y el baterista Gene Lake. También grabó el álbum ‘Scenarios’, con Andy Milne en 2007. En 2010 Maret tocó en The Concert for the Rainforest con Elton John y Sting. El 13 de marzo de 2012, publicó su primer álbum como líder contando con invitados tan notables como la vocalista Cassandra Wilson, el bajista Marcus Miller, el guitarrista Raul Midón, Mark Kibble y Alvin Chea de Take 6, y el legendario armonicista Toots Thielemans.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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Édmar Castañeda; Grégoire Maret

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Cristian Guerrero

Por: | Fecha: 2023

Inició estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo su pregrado bajo la orientación de los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha complementado su formación en talleres y clases magistrales con Gaspar Hoyos, Gabriel Ahumada, Hernando Leal, Huáscar Barradas, Peter-Lukas Graf, János Bálint, Emmanuel Pahud, Paolo Taballione, Michel Debost, William Bennett y Paula Robinson. Se ha desempeñado como primera flauta en la Orquesta Juvenil de las Américas, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y la Banda Sinfónica Nacional de Colombia. Ha sido solista con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, las Orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, de la cual fue también su integrante, la Sinfónica Nacional de Colombia, la Sinfónica de la Universidad de los Andes, la Juvenil de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB), la Sinfónica de EAFIT y la Orquesta Sinfónica de vientos de Mannheim, Alemania. Desde 2008 es la primera flauta de la OFB, con la cual ha ejecutado conciertos como solista, entre ellos los de Ibert, Nielsen y Khachaturian. También con esta Orquesta estrenó en Colombia los conciertos de Joaquín Rodrigo y Lowell Liebermann. Entre los directores con quienes ha sido solista se encuentran Gérard Korsten, Rossen Milanov, Olivier Grangean, Leonardo Marulanda y Leonardo Federico Hoyos. Gracias a la comisión de estudios que le otorgó la OFB, finalizó sus estudios de maestría con el maestro Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresde, Alemania, y los estudios de posmaestría, diploma de solista, con el maestro Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim. Simultáneamente, recibió clases con el maestro Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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Bang on a Can, música contemporánea (Estados Unidos)

Por: Bang on a Can All Stars - Música contemporánea (Estados Unidos) | Fecha: 18/02/2023

Formado en 1992, el ensamble Bang on a Can All-Stars es reconocido en todo el mundo por sus presentaciones ultradinámicas en directo y sus grabaciones de la música más innovadora. Este conjunto de seis integrantes cruza libremente los límites entre la música clásica, el ‘jazz’, el ‘rock’, la música del mundo y la experimental, y ha forjado una identidad propia que desafía las categorías, llevando la música a territorios inexplorados. Con presentaciones realizadas cada año alrededor de los Estados Unidos y en el ámbito internacional, Bang on a Can All-Stars ha transformado la definición de lo que es hoy la música de concierto. Como agrupación, ha colaborado estrechamente y de una forma sin precedentes con algunos de los músicos más importantes e inspiradores de nuestro tiempo como Steve Reich, Ornette Coleman, Meredith Monk, George Lewis, Louis Andriessen, Terry Riley, entre muchos otros. De sus proyectos recientes cabe destacar ‘In C’, una nueva colaboración de danza con Sasha Waltz y otros artistas invitados, basada en el clásico minimalista de Terry Riley; ‘Flower Power’ de Julia Wolfe para Bang on a Can All-Stars y orquesta, estrenada con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; ‘Can Dance’, un nuevo concierto multimedia de colaboraciones entre compositores, cineastas y coreógrafos; interpretaciones del arreglo de ‘Music for Airports’ de Brian Eno, una de las obras favoritas del grupo; ‘Road Trip’, un concierto envolvente y visualmente impresionante compuesto a modo de colaboración entre los fundadores de Bang on a Can: Michael Gordon, David Lang y Julia Wolfe; además de las grabaciones y presentaciones en gira de las innovadoras obras ‘Steel Hammer’ y ‘Anthracite Fields’ de Wolfe, siendo esta última ganadora del premio Pulitzer de Música. Con un enorme repertorio de obras escritas específicamente para la instrumentación y el estilo de interpretación característicos del grupo, Bang on a Can All-Stars ha creado su propia identidad, convirtiéndose en único en su género. La agrupación ha grabado para Sony, Universal y Nonesuch, y actualmente publica sus trabajos bajo el sello Cantaloupe Music.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Bang on a Can, música contemporánea (Estados Unidos)

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Programa de mano - Bang on a Can, música contemporánea (Estados Unidos)

Por: | Fecha: 13/02/2023

BANG ON A CAN ALL-STARS (Estados Unidos) Música contemporánea Sábado 18 de febrero de 2023 · 5:00 p.m. Medellín, Teatro Comfama Miércoles 22 de febrero de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Peter Serling · PULEPS: SWI279 - VXC655 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Cristian Guerrero (Colombia), flauta • Foto: @Kikebarona 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Bang on a Can All-Stars Ken Thomson, clarinetes; Arlen Hlusko, violonchelo; Mark Stewart, guitarra eléctrica; Robert Black, contrabajo; Vicky Chow, piano/teclado, David Cosssin, percusión. Andrew Cotton, ingeniero de sonido. Formado en 1992, el ensamble Bang on a Can All-Stars es reconocido en todo el mundo por sus presentaciones ultradinámicas en directo y sus grabaciones de la música más innovadora. Este conjunto de seis integrantes cruza libremente los límites entre la música clásica, el jazz, el rock, la música del mundo y la experimental, y ha forjado una identidad propia que desafía las categorías, llevando la música a territorios inexplorados. Con presentaciones realizadas cada año alrededor de los Estados Unidos y en el ámbito internacional, Bang on a Can All-Stars ha transformado la definición de lo que es hoy la música de concierto. Como agrupación, ha colaborado estrechamente y de una forma sin precedentes con algunos de los músicos más importantes e inspiradores de nuestro tiempo como Steve Reich, Ornette Coleman, Meredith Monk, George Lewis, Louis Andriessen, Terry Riley, entre muchos otros. De sus proyectos recientes cabe destacar In C, una nueva colaboración de danza con Sasha Waltz Foto: Peter Serling 2 y otros artistas invitados, basada en el clásico minimalista de Terry Riley; Flower Power de Julia Wolfe para Bang on a Can All-Stars y orquesta, estrenada con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; Can Dance, un nuevo concierto multimedia de colaboraciones entre compositores, cineastas y coreógrafos; interpretaciones del arreglo de Music for Airports de Brian Eno, una de las obras favoritas del grupo; Road Trip, un concierto envolvente y visualmente impresionante compuesto a modo de colaboración entre los fundadores de Bang on a Can: Michael Gordon, David Lang y Julia Wolfe; además de las grabaciones y presentaciones en gira de las innovadoras obras Steel Hammer y Anthracite Fields de Wolfe, siendo esta última ganadora del premio Pulitzer de Música. Con un enorme repertorio de obras escritas específicamente para la instrumentación y el estilo de interpretación característicos del grupo, Bang on a Can All-Stars ha creado su propia identidad, convirtiéndose en único en su género. La agrupación ha grabado para Sony, Universal y Nonesuch, y actualmente publica sus trabajos bajo el sello Cantaloupe Music. Conozca más acerca de Bang on a Can All-Stars www. bangonacan.org/ Bang on a Can Bang on a Can @bangonacan La realización de este concierto en Medellín cuenta con el apoyo de Este concierto en Bogotá se realiza en colaboración con 3 PROGRAMA Classics Cheating Lying Stealing (1993, rev. 1995) DAVID LANG (n. 1957) I Buried Paul (1996) MICHAEL GORDON (n. 1956) Believing (1997) JULIA WOLFE (n. 1958) INTERMEDIO Electric Counterpoint (1987) STEVE REICH (n. 1936) float, sting (2018) GEORGE LEWIS (n. 1952) Spaceship de la ópera The Games: A Science Fiction Opera (1984) MEREDITH MONK (n. 1942) Closing de Glassworks (1981) PHILIP GLASS (n. 1937) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Desde finales del siglo pasado, diversas tradiciones artísticas han logrado canalizarse con particular fuerza por medio de la obra de varios compositores norteamericanos; el concierto de hoy nos presenta algunas de las más interesantes convergencias estéticas. Además de ser uno de los fundadores y directores artísticos de Bang on a Can, David Lang (n. 1957) ha desarrollado un portafolio de composiciones que incluye una gran diversidad de géneros y ensambles instrumentales; su estilo de composición es desafiante y busca redefinir los límites del virtuosismo tanto para los intérpretes como para las audiencias. Cheating, Lying, Stealing (Engañar, mentir, robar) es una obra de cámara para clarinete bajo, violonchelo, piano y un extenso set de percusión, que incluye no solo instrumentos tradicionales, sino elementos menos convencionales. Sobre su obra, Lang comenta a la artista y escritora Deborah Artman: Un par de años atrás, empecé a pensar sobre qué tan a menudo cuando los compositores de música clásica escriben una obra, ellos tratan de contar sobre algo de lo cual están orgullosos —acá hay una melodía efusiva, mira cómo soy de emocional. O, aquí hay una obra abstracta difícil de descifrar, mira cómo soy de complicado, mira mi enorme cerebro. Soy más noble, más sensible, soy tan feliz. El compositor realmente piensa que es ejemplar en una u otra área. Es interesante, pero no es muy humilde. Así que pensé ¿cómo sería si los compositores basaran sus obras en lo que ellos piensan que está mal sobre ellos? Por ejemplo, acá hay una obra sobre lo miserable que soy. O, esta obra muestra el engaño o la mentira que soy. Yo quería hacer una obra sobre algo desacreditable. Es una línea difícil de cruzar. Debes trabajar en contra de todo tu entrenamiento. No se te enseña a encontrar los trazos sucios en la música. No se te enseña a ser bajo, torpe, malicioso y solapado. En Cheating, Lying, Stealing, aunque escrito cómicamente, me estoy enfocando en algo oscuro. Hay una arrogancia, pero no es digna de confianza. De hecho, en las indicaciones para la interpretación en la partitura dice: funk siniestro. De acuerdo con el escritor y crítico musical Alex Ross, en la obra de Michael Gordon (n. 1956) se encuentran ‘la furia del punk, el brillo nervioso del free jazz y la intransigencia del modernismo clásico’. Si bien es una descripción que podría parecer algo descarriada en definiciones, no 5 podría ser más acertada en la manera de emular el encuentro de sensaciones acústicas logradas por el compositor. Una de las características más evidentes en la obra de Gordon es la convergencia de tradiciones y estructuras musicales a través de una perspectiva llena de introspección y reflexión. En varias de sus obras, Gordon logra desarrollar un sonido muy personal a través de la manipulación sonora de diversos instrumentos; esta transformación permite al oyente recorrer espacios concretos gracias a las caprichosas reverberaciones resultantes. A manera de introducción a su obra I buried Paul, Gordon escribe: En la famosa canción de los Beatles Strawberry Fields Forever hay un falso fadeout — cuando uno cree que la obra termina, la música regresa de manera invertida. Nada es como era. Luego John Lennon dice ‘Cranberry sauce.’ En el estudio de grabación su voz fue transpuesta una octava más abajo y la gente pensó que Lennon decía ‘I buried Paul’ (Yo enterré a Paul). Cuando el disco salió al mercado, el público se enloqueció buscando otras pistas sobre la muerte de Paul McCartney. DJs reproducían en la radio los discos de los Beatles al revés, y como resultado se empezó a transmitir una música muy extraña— y mucho ruido. Esta obra es sobre ese ruido. Esta obra está escrita para clarinete, percusión, teclados, guitarra eléctrica, contrabajo y violonchelo, con amplificación y manipulación sonora para todos los instrumentos. Durante la interpretación, el ensamble logra recrear la extraña sensación obtenida al reproducir una grabación en sentido contrario; adicionalmente, esta particular atmósfera sonora es canalizada por cambios súbitos tanto en la dinámica como en el tipo de material empleado. I Buried Paul fue comisionada y estrenada por Bang on a Can All-Stars en 1996. Junto a David Lang y Michael Gordon, Julia Wolfe (n. 1958) es la fundadora y directora artística de Bang on a Can; adicionalmente a esta iniciativa, Wolfe ha logrado establecerse como una de las más importantes compositoras norteamericanas de nuestro tiempo, alcanzando importantes reconocimientos como el premio Pulitzer (2015) y el MacArtur Fellowship (2016). El estilo musical de Wolfe es descrito como una propuesta definida por su fisicalidad intensa y poder implacable con los cuales lleva a los intérpretes a sus límites absorbiendo toda la atención por parte de la audiencia. En su obra se encuentra la influencia de la música folk, rock y la música clásica para llevar a una nueva sensibilización de estas a medida que se borran las diferencias entre tales estéticas. Believing (Creyendo) fue comisionada por NPS Dutch Radio y es la segunda obra que Wolfe compone para Bang on a Can All-Stars. Sobre su obra, Wolfe comenta: 6 El título de Believing vino a mí después de haber escrito la obra. Durante el tiempo que estaba trabajando en su composición, estaba escuchando una canción de John Lennon titulada ‘Tomorrow never knows.’ Es una canción fantástica — muy psicodélica— escrita en una época cuando los Beatles estaban explorando interrogantes espirituales. Se puede escuchar en la música y en sus textos. Hay una línea ‘It is believing’ que suena una y otra vez. Believing es una palabra poderosa — llena de optimismo y lucha. Creer es difícil y también liberador (…). Steve Reich (n. 1936) es, junto a Terry Riley, uno de los precursores del minimalismo norteamericano, logrando consolidarlo como una de las tendencias estéticas determinantes desde finales del siglo xx. Electric Counterpoint es una obra icónica dentro de esta escuela; organizada en tres movimientos entrelazados, en los que la sensación de tempos resulta del distanciamiento entre materiales acumulados sistemáticamente. La obra fue compuesta para el guitarrista Pat Metheny en 1987; en esta obra, el solista se sobrepone a una concatenación de pistas pregrabadas por el mismo solista; el resultado emula la relación contrapuntística entre diversas líneas generadas a partir de un cantus firmus1. George E. Lewis (n. 1952) es un compositor con una sólida trayectoria académica vinculado actualmente a la Columbia University en Nueva York, al tiempo que ha sido profesor invitado a las más prestigiosas instituciones a nivel mundial. Sobre su estilo de composición y su relación con float, sting (flotar, picar)2, Lewis indica: Componer es cuestión de involucrarse con el comportamiento del cuerpo humano y su mente situados en un tiempo histórico y un espacio sonoro. Metodológicamente, este nuevo trabajo para los All-Stars reúne mis tres tropos del trabajo compositivo: primero, el adorno, o como Zora Neale Hurston llamó ‘decorar la decoración’ (…); el segundo, la criollización, con la cual nueva música evidencia nuevos tipos de subjetividad (…). El tercer tropo es más afectivo que metodológico. (…) Afectivamente, en esta obra la combinación de representaciones y abstracciones alternadamente flota y pica —como Muhammad Ali, cuyas declaraciones al enfrentar al temido Sonny Liston en 1964 nos recuerda el espíritu con el que podemos recibir nuevas ideas musicales y la necesidad de cambio: ‘este tipo tiene a todos asustados. ¿asustados de qué? No hay nada de qué asustarse’. 1 Cantus firmus es una técnica empleada en la música contrapuntística desde la Edad Media. El cantus firmus es una idea melódica, generalmente tomada de material preexistente, a partir de la cual se fundamenta la composición de una nueva obra polifónica. 2 float, sting fue comisionada por Bang on a Can All-Stars con el apoyo de todos los miembros de People’s Commissioning Fund y el City of New York Department of Cultural Affairs. 7 A través de un enfoque interdisciplinar, la artista neoyorquina Meredith Monk (n. 1942) ha desarrollado un lenguaje propio de creación caracterizado por la exploración de diferentes técnicas vocales. Adicionalmente, la reiteración rítmica y el empleo del ostinato han sido elementos constantes en su estilo de construcción musical. Desde el surgimiento de Bang on a Can, han aparecido diversas iniciativas de creación conjunta entre este colectivo y Monk, siempre caracterizados por mutuo respeto, entusiasmo y energía. Sobre estas colaboraciones, David Lang comenta: Gran parte de la obra de Meredith es vocal, y para su propio ensamble. Para poder trabajar con ella tuvimos que adaptar sus obras al All-Stars; adaptando su especificidad y enfoque original a la cualidad explosiva de la banda. Fue un reto emocionante para nosotros poder encontrar lugares para apoyar la delicadeza e ingenio de Meredith con nuestras atrevidas energías. ‘Spaceship’ hace parte de la ópera The Games: A Science Fiction Opera, una de las principales obras de Meredith que realizó en colaboración con Ping Chong en 1984. Las colaboraciones en torno a la ópera The Games iniciaron en 1998 cuando Julia Wolfe invitó a Monk a participar en un concierto con Bang on a Can All-Stars; desde entonces, diversas adaptaciones sobre movimientos de esta ópera fueron canalizándose hasta llegar a la producción discográfica Memory Game. A manera de obertura, Spaceship presenta un tono de optimismo hacia el futuro evocando las emociones de los personajes de la ópera, quienes sobreviven a la tierra para llegar a un nuevo planeta. Logrando desarrollar un estilo muy personal a través de la expansión de la masa sonora, Philip Glass (n. 1937) genera una conexión especial expresiva con las audiencias. Glassworks es una obra de seis movimientos escrita en 1981; al ser su primer proyecto de grabación para el sello CBS, el compositor consideró esta obra su carta de presentación para una audiencia mucho más amplia. Si bien la obra fue concebida para ser grabada en estudio, prontamente diversos movimientos fueron siendo incluidos en los repertorios de concierto de diversos ensambles. Closing es el último movimiento de esta obra que cierra nuestro encuentro3. 3 Las referencias para este concierto fueron generosamente proporcionadas por el ensamble Bang on a Can. Para acceder a mayor información sobre las obras y sus artistas, por favor consultar el sitio oficial del ensamble: https://bangonacan.org 8 Jaime Ramírez Actualmente está vinculado a la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar di-versos proyectos artísticos. 9 Foto: Gracia Milena Quintero Foto: Peter Serling ¡Agosto en Medellín! Concierto de Santiago Acosta (Colombia) flauta Bang on a Can All-Stars (Estados Unidos) Música contemporánea Jueves 23 de febrero de 2023 7:30 p.m. 10 Jonathan Leibovitz (Israel), clarinete • Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Programa de mano - Bang on a Can All Stars, música contemporánea (Estados Unidos)

Por: | Fecha: 13/02/2023

BANG ON A CAN ALL-STARS (Estados Unidos) Música contemporánea Jueves 23 de febrero de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Peter Serling · PULEP: QEW934 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL David Lang, Michael Gordon, Julia Wolfe. Bang on a Can All-Star • Foto: Peter Serling SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales Conferencia de Julia Wolfe, Michael Gordon y David Lang Viernes 24 de enero de 2023, 1:00 a 5:00 p.m. 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Bang on a Can All-Stars Ken Thomson, clarinetes y ukelele; Arlen Hlusko, violonchelo, ukelele y voz; Mark Stewart, guitarra eléctrica, ukelele y voz; Robert Black, contrabajo, ukelele y voz; Vicky Chow, piano, teclado, ukelele y voz, y David Cosssin, percusión y ukelele. Formado en 1992, el ensamble Bang on a Can All-Stars es reconocido en el mundo por sus presentaciones ultradinámicas en directo y sus grabaciones de la música más innovadora. Este conjunto de seis integrantes cruza libremente los límites entre la música clásica, el jazz, el rock, la música del mundo y la experimental, y ha forjado una identidad propia que desafía las categorías, llevando la música a territorios inexplorados. Con presentaciones realizadas cada año alrededor de los Estados Unidos y en el ámbito internacional, Bang on a Can All-Stars ha transformado la definición de lo que es hoy la música de concierto. Como agrupación, ha colaborado estrechamente y de una forma sin precedentes con algunos de los músicos más importantes e inspiradores de nuestro tiempo como Steve Reich, Ornette Coleman, Meredith Monk, George Lewis, Louis Andriessen, Terry Riley, entre muchos otros. De sus proyectos recientes cabe destacar In C, una nueva colaboración de danza con Sasha Waltz Foto: Peter Serling 2 y otros artistas invitados, basada en el clásico minimalista de Terry Riley; Flower Power de Julia Wolfe para Bang on a Can All-Stars y orquesta, estrenada con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; Can Dance, un nuevo concierto multimedia de colaboraciones entre compositores, cineastas y coreógrafos; interpretaciones del arreglo de Music for Airports de Brian Eno, una de las obras favoritas del grupo; Road Trip, un concierto envolvente y visualmente impresionante compuesto a modo de colaboración entre los fundadores de Bang on a Can: Michael Gordon, David Lang y Julia Wolfe; además de las grabaciones y presentaciones en gira de las innovadoras obras Steel Hammer y Anthracite Fields de Wolfe, siendo esta última ganadora del premio Pulitzer de Música. Con un enorme repertorio de obras escritas específicamente para la instrumentación y el estilo de interpretación característicos del grupo, Bang on a Can All-Stars ha creado su propia identidad, convirtiéndose en único en su género. La agrupación ha grabado para Sony, Universal y Nonesuch, y actualmente publica sus trabajos bajo el sello Cantaloupe Music. Conozca más acerca de Bang on a Can All-Stars www. bangonacan.org/ Bang on a Can Bang on a Can @bangonacan Este concierto se realiza en colaboracion con 3 PROGRAMA Road Trip Road Trip (2017) Violin/Brooklyn Triple A Wind in my Hair Interstate Plains We are Driving Under the Stars Moose Unseen Arrival MICHAEL GORDON (n. 1956) / DAVID LANG (n. 1957) / JULIA WOLFE (n. 1958) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez ¿Qué ocurre cuando se sobrepasan los límites? Bajo diferentes contextos, esta pregunta puede tener respuestas diametralmente opuestas, con lógicas igualmente paradójicas. En muchos casos, la idea de ‘sobrepasar’ queda asociada de forma directa a contravenciones determinadas por afrentas sociales y políticas que en el infortunio arraigan temores, odios y todo tipo de perversiones; de una u otra manera, prevenciones desmedidas pueden sesgar formas de construir positivamente nuevas alternativas derivadas de los puentes que se generan entre opuestos. En el arte, no siempre se debe pensar en los problemas de transgredir las fronteras, sobre todo cuando estas limitan terrenos tan etéreos como las emociones mismas. Particularmente, la música desconoce límites concretos; puede invadir, transgredir y expandirse con subliminal efectividad, pero asimismo logra absorber, envolver y transformar tanto individuos como generaciones completas. La música tiene un poder especial que invade y domina voluntades; desde ella se generan conexiones y se encuentran mundos distantes. La fascinación que ejerce sobre el ser humano nos invita a reconocer indudablemente nuestra unidad cultural con pasiones compartidas a través de los siglos y a través de universos tanto fantásticos como reales. La presencia de la música nos rodea e impregna fácilmente cada momento de nuestra vida, en especial mediante las diversas confluencias que puede generar. De todos los elementos de construcción musical, el más visceral es el ritmo; sobretodo, cuando este surge orgánicamente desde uno de sus componentes más básicos: el pulso. La palabra ‘pulso’ está tan arraigada en nuestra naturaleza que a veces su importancia como fundamento de construcción artística pasa desapercibida. Desde el punto de vista fisiológico, la ausencia de pulso puede indicar sencillamente la ausencia de la vida misma; de igual forma, en el desenvolvimiento de las artes temporales —como la música— el pulso permite el surgimiento orgánico de una obra. El pulso en la música es, desde diversas perspectivas, la base fundamental a partir de la cual se asientan todos los demás elementos de construcción musical. ¡Sin pulso no hay vida! ¡Sin pulso no hay música! 5 El concierto que hoy nos convoca hace evidentes estos dos elementos: las confluencias generadas desde la música como un recorrido que sobrepasa las fronteras y la importancia del pulso como generador vital de una propuesta musical. Road Trip1 (Viaje)2 es una obra cíclica que conmemora y celebra los más de treinta años de ininterrumpida actividad artística de Michael Gordon (n. 1956), David Lang (n. 1957) y Julia Wolfe (n. 1958), quienes, a través de Bang on a Can, han generado una iniciativa que resuena constantemente para promulgar diversas propuestas creativas de las más aventuradas maneras. Desde cierto punto de vista, para sus fundadores y directores, Bang on a Can ha sido un viaje compartido y Road Trip surge como esta composición también compartida que celebra semejante travesía. Sobre su obra, los artistas dicen: Hace 35 años, tres jóvenes compositores, Michael Gordon, David Lang y Julia Wolfe iniciaron juntos una travesía, y ellos la llamaron ‘Bang on a Can’. Después de cientos de miles de millas y centenares de obras nuevas, grabaciones, producciones, maratones, y festivales de verano, ellos siguen siendo los mejores amigos —juntos en el camino, compartiendo el viaje. La versión eléctrica Bang on a Can All- Stars aumenta su poder. Road Trip nos lleva por un sendero a campo traviesa — celebrando la libertad y misterio del camino abierto. Camino en el campo, camino rural, carretera, superautopista. Destino desconocido. Tal vez incluso incognoscible3. En este viaje, el recorrido está marcado por nueve momentos caracterizados por imágenes que acompañarán cada propuesta sonora. Si bien la obra es un esfuerzo colaborativo y compartido, cada compositor desarrolló individualmente tres de las ‘estaciones’ dentro del recorrido. A partir de este punto, la obra podría ser considerada un breve mapa de la ruta para el viaje que estaremos prontos a iniciar. La travesía inicia con Violin/Brooklyn, compuesto por Michael Gordon, caracterizado por una infusión de energía rítmica sobre la cual cada instrumento del ensamble va sumando diversos detalles hasta desembocar en una densa masa sonora que prepara la entrada de las voces. A manera de bienvenida, el texto marcará la ruta a tomar en este viaje: 1 Road Trip fue comisionada por BAM para The Next Wave Festival 2017 y por Stephen A. Block, Robert Braun & Joan Friedman, Leslie Lassiter, Raulee Marcus, New Music USA, Maria & Robert A. Skirnick, Jane y Richard Stewart, con apoyo adicional de Jerry Eberhardt and Phil Hettema. 2 La traducción literal de ‘road trip’ es ‘viaje por tierra’, es decir, el recorrido por un camino. Para este concierto, la idea de recorrer las distancias por tierra, con sus expectativas, trayectos y tiempos prolongados, hacen parte fundamental del viaje por el cual los artistas llevan a su audiencia. 3 La referencia para este concierto fue generosamente proporcionada por el ensamble Bang on a Can. Para acceder a mayor información sobre las obras y sus artistas, por favor acceder al sitio oficial del ensamble: https://bangonacan.org 6 We can drive all night and be somewhere tomorrow, it doesn’t matter where we’re going (…) keep going we’ll arrive when we get there. (Podemos manejar toda la noche y estar mañana en algún lugar, no importa a dónde vamos (…) sigue adelante, llegaremos cuando estemos allá). Triple A,4 por David Lang, inicia con un interesante contrapunto entre el piano y el violonchelo que de forma gradual absorbe a los demás miembros del ensamble para desembocar en una ‘enjambrada filigrana’ de ideas melódicas; progresivamente, mediante gestos cortos y bien definidos, se logra desenvolver una delicada línea fluida y en apariencia interminable sobre la cual el violonchelo cobra particular lirismo. El desfase de cada instrumento alcanza un último momento de sincronía que presagia un pronto final antes de una rápida desintegración del enjambre melódico que caracterizó esta etapa del recorrido. Posteriormente, Wind in my Hair, por Julia Wolfe, retoma el protagonismo del violonchelo expuesto desde el movimiento anterior; el violonchelo está soportado por terrazas instrumentales que comparten algunas células melódicas para generar un eco del cual se desprenden progresivas transformaciones5. La familiaridad generada por la pulsación de las células repetidas se funde con diversos elementos nuevos a medida que avanzamos en este viaje; en Intersate (Interestatal), de Lang, diferentes combinaciones instrumentales mantienen el mismo material que se transforma orgánicamente: el viaje sigue siendo el mismo, pero está en constante evolución hasta llevarnos a nuestra siguiente parada. En Plains (Llanuras), de Wolfe, la masa sonora aumenta progresivamente su intensidad tanto rítmica como textural para desembocar en destellos de funk con un groove muy especial que, después de superar momentos de aparente entropía, catalizan un éxtasis sonoro. Casi de la misma manera que un movimiento lento y cantábile en una sinfonía, We are Driving (Estamos manejando) surge como articulación central de nuestro viaje. Sobre textos que parecen narrar diversas partes de nuestro recorrido, considerablemente largo y lleno de contrastes, este momento se caracteriza por su intimidad. A medida que la narración avanza, el clarinete bajo y el violonchelo se entrelazan con líricas líneas melódicas que parecen preparar la caída de la noche en nuestra travesía. Under de Stars 4 Alusión a AAA, i.e., American Automobile Association: https://www.aaa.com 5 Un año después de la composición de Road Trip, en 2018, el material de este movimiento fue reelaborado por Wolfe como un concierto para violonchelo y orquesta bajo el mismo nombre Wind in my Hair. Para acceder a información sobre la obra ver https://juliawolfemusic.com/ music/wind-in-my-hair / 7 (Bajo las estrellas), de Wolfe, recrea el encuentro de nuestro grupo de viajeros reunidos en torno a una hoguera bajo el firmamento nocturno. Una familia de ukeleles con diversas afinaciones desenvuelve un extenso patrón rítmico cuya repetición no es tan evidente. La entrada de la voz unifica el discurso, a manera de sección central del movimiento, que marca el paso hacia un final caracterizado por el empleo de glissandos enajenados y entretejidos; un final que se extingue psicodélicamente de manera cada vez más lejana. En tanto que nos acercamos al final de nuestra travesía, Moose Unseen (Alce invisible), de Gordon, genera un contraste sonoro muy marcado con respecto al movimiento anterior. Claramente, este despertar está lleno de energía expansiva y avasallante; con una pulsación llena de detalles rítmicos, resurgen evocaciones de movimientos anteriores en terrazas sonoras que se superponen. El movimiento final, Arrival (Llegada), también de Gordon, marca el feliz final de nuestra travesía. Desde un solo de violonchelo que es heredado gradualmente por los demás instrumentos del ensamble, se diferencian de forma progresiva dos tipos de material que sostienen la obra: un material germinal y una pulsación sobre notas repetidas. Los materiales se disipan lentamente y a la par la obra nos lleva a un punto de reposo final para terminar nuestro recorrido. Volviendo a nuestros interrogantes iniciales: ¿qué pasa cuando se sobrepasan los límites?, ¿se transgreden fronteras? Tal vez, en lugar de ‘transgredir’ se trascienden para ser absorbidas por la vida misma. Desde nuestro recorrido, avanzando por la constante pulsación vital de la música, nuestra experiencia se fundamenta en la absorción e incorporación de influencias y memorias compartidas. En ocasiones, el arte no requiere procesos de abstracción de la vida cotidiana para transportar a sus audiencias fuera de sí. Por el contrario, en otras ocasiones profundamente expresivas, el arte invade la cotidianidad para revalorar las conexiones de la audiencia con su entorno. El recorrido de Road Trip llega a su fin, solo para volver a empezar en la travesía que sigue con cada uno de nosotros. 8 Jaime Ramírez Actualmente está vinculado a la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar di-versos proyectos artísticos. 9 Foto: Peter Serling Foto: Aline Muller Cristian Guerrero (Colombia) flauta Domingo 5 de febrero de 2023 11:00 am Édmar Castañeda (Colombia) arpa llanera y Grégoire Maret (Suiza/Estados Unidos) armónica Domingo 12 de marzo de 2023 11:00 am 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Jonathan Leibovitz (Israel), clarinete • Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Bang on a Can All Stars, música contemporánea (Estados Unidos)

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Active Retrofit of Shear Critical RC Components Using Self-Prestressing Iron-Based Shape Memory Alloys = Reparación activa de componentes de concreto reforzado sometidos a cargas cortantes utilizando aleaciones con memoria de forma a base de hierro

Por: Miguel González Góez | Fecha: 2023

Abstract: With growing traffic demands and structural degradation accelerated by climate change, there is a critical need for continued advancement of concrete repair and strengthening technologies to enable extended bridge service life. Specifically, transitioning to cost-effective reinforced concrete (RC) retrofit strategies that further enhance durability under service loading conditions and minimize damage development under extreme hazard conditions, which are more probable to occur in longer-lasting concrete structures, are key elements of next-generation concrete bridges. This thesis explores the use of iron-based shape memory alloys (Fe-SMAs) as an active shear retrofit strategy for RC components. SMAs are a class of smart materials with the unique property of the shape memory effect, allowing them to fully recover plastic deformations when subsequently heated. By installing prestrained Fe-SMA strips and activating the shape memory effect, an active pressure can be introduced to help close cracks and apply a confining stress in the concrete. The primary objective is to evaluate the performance and practicality of Fe-SMA as an active shear strengthening technique in comparison to traditional methods such as external steel reinforcement and fibre-reinforced polymer (FRP) composites. The experimental phase of this study involved conducting push-off tests on RC specimens retrofitted with pre-deformed Fe-SMA strips. The goal was to assess the efficiency of active shear retrofitting. Additionally, finite element analysis (FEA) simulations were employed to model Fe SMA-retrofitted RC structures and investigate their behaviour under shear loading conditions. Key findings indicate that Fe-SMA retrofits, through transverse prestressing as part of the active retrofit strategy, contributed to notable improvements in the stiffness and strength of damaged RC components. Similar to passive retrofit methods, increased shear capacity was observed with higher levels of transverse reinforcement. Notably, combinations of substantial shear reinforcement ratios and elevated transverse prestressing provided the most significant gains in shear strength. Furthermore, the addition of prestressed Fe-SMA retrofits was found to effectively reduce shear crack widths and mitigate the progression of subsequent shear crack width growth. This study not only demonstrates the potential of Fe-SMA as a promising solution for active shear strengthening but also contributes to the development of future field-scale tests. The presence of Fe-SMA in damaged structures offers the prospect of multiple improvements, marking a significant advancement in the field of shear retrofitting.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Tesis
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Olive Leaf Infection Detection using the Cloud-Edge Continuum

Por: Themistoklis; Jiménez Gutiérrez Sarantakos | Fecha: 01/01/2023

Abstract: The use of computer vision, deep learning, and drones has revolutionized agriculture by enabling efficient crop monitoring and disease detection. Still, many challenges need to be overcome due to the vast diversity of plant species and their unique regional characteristics. Olive trees, which have been cultivated for thousands of years, present a particularly complex case for leaf-based disease diagnosis as disease symptoms can vary widely, both between different plant variations and even within individual leaves on the same plant. This complexity, coupled with the susceptibility of olive groves to various pathogens, including bacterial blight, olive knot, aculus olearius, and olive peacock spot, has hindered the development of effective disease detection algorithms. To address this challenge, we have devised a novel approach that combines deep learning techniques, leveraging convolutional neural networks, vision transformers, and cloud computing-based models. Aiming to detect and classify olive tree diseases the experimental results of our study have been highly promising, demonstrating the effectiveness of the combined transformer and cloud-based machine learning models, achieving an impressive accuracy of approximately 99.6% for multiclass classification cases including healthy, aculus olearius, and peacock spot infected leaves. These results highlight the potential of deep learning models in tackling the complex-ities of olive leaf disease detection and the need for further research in the field. Resumen: El uso de visión por computadora, aprendizaje profundo y drones ha revolucionado la agricultura al permitir un monitoreo eficiente de cultivos y la detección de enfermedades. Sin embargo, aún existen muchos desafíos debido a la vasta diversidad de especies vegetales y sus características regionales únicas. Los olivos, que han sido cultivados durante miles de años, presentan un caso especialmente complejo para el diagnóstico de enfermedades basado en las hojas, ya que los síntomas pueden variar ampliamente, tanto entre diferentes variaciones de plantas como incluso dentro de hojas individuales en la misma planta. Esta complejidad, junto con la susceptibilidad de los olivares a varios patógenos, como la bacteriosis, el nudo del olivo, el aculo olearius y la mancha de pavo real del olivo, ha dificultado el desarrollo de algoritmos efectivos de detección de enfermedades. Para abordar este desafío, hemos ideado un enfoque novedoso que combina técnicas de aprendizaje profundo, aprovechando redes neuronales convolucionales, transformadores de visión y modelos basados en computación en la nube. Con el objetivo de detectar y clasificar enfermedades de los olivos, los resultados experimentales de nuestro estudio han sido muy prometedores, demostrando la efectividad de los modelos combinados de transformadores y aprendizaje automático basado en la nube, logrando una impresionante precisión de aproximadamente el 99.6% para casos de clasificación multiclase, que incluyen hojas sanas, infectadas con aculo olearius y mancha de pavo real. Estos resultados destacan el potencial de los modelos de aprendizaje profundo para abordar las complejidades de la detección de enfermedades en las hojas de olivo y la necesidad de más investigaciones en este campo.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Artículos
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