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Programa de mano - La Mayor y La Menor, dueto vocal (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 30 de marzo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Iván Mariño · PULEP: PHU717 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LA MAYOR Y LA MENOR (Colombia) dueto vocal SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Sección de Música Procesos editoriales ALEXANDER ULLMAN, Piano • Foto. Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de mayo de 2023 2:00 p.m. 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Dueto La Mayor y La Menor, dueto vocal María Clara Saboya, primera voz; Sara Lucía Saboya, segunda voz y guitarra; Daniel Saboya, director musical y guitarra acompañante La Mayor y la Menor es un dueto vocal infantil femenino integrado por las hermanas María Clara y Sara Lucía Saboya, quienes, desde temprana edad, han tenido un contacto natural con la música debido a su entorno familiar y al Centro Cultural y de Formación Artística La Casa de la Música de Tunja, en donde adelantan sus estudios musicales. Sus principales maestros han sido su padre, el guitarrista Daniel Saboya, quien es también el director musical del dueto, y la soprano Elizabeth Patiño, su maestra de canto. Desde 2018, año de su conformación, el dueto ha obtenido varios reconocimientos nacionales e internacionales, siendo el más reciente la selección para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República de Colombia, para actuar en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2023. El dueto fue merecedor en 2022 del primer puesto en la categoría Dueto Vocal Infantil del Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ y del Programa Departamental de Estímulos y Fomento Cultural de Boyacá, en las categorías de circulación nacional y Boyacá Reactiva la Cultura; en 2021 del Gran Cuyabrito de Oro y del primer puesto en la categoría Dueto Vocal en el marco del Festival Cuyabrito de Oro, así como de la Beca para la realización de conciertos didácticos del Ministerio de Cultura de Colombia; en 2020 del primer puesto en el Festival Colombia Canta y Encanta y, en 2019, de la Beca de Circulación Internacional del Conservatorio José María Rodríguez de Cuenca (Ecuador), entre otros. Individualmente, las integrantes del dueto han sido merecedoras de diferentes premios. María Clara, ‘La Menor’, obtuvo el primer lugar en la interpretación de la obra inédita ganadora del Cuyabrito de Oro en 2021; hizo parte del Coro Nacional Virtual 2020 y 2021, participando en las producciones Colombia tierra querida y Amo esta tierra; actualmente, se encuentra adelantando su proyecto titulado Encanto y sabor, que integra música y recetas para las familias. Por su parte, Sara Lucía, ‘La Mayor’, becaria del programa Cakike – Xtraordinario, ha obtenido premios internacionales como guitarrista, dentro de los que se destaca el primer puesto en el marco 2 de la Competencia Internacional New Generation en 2020 (Rusia) y el tercer puesto en el Concurso Internacional Promesas de la Guitarra en 2021 (Costa Rica). Asimismo, ha sido ganadora del premio Pablo Hernán Rueda Ciudad de Cajicá en 2022, y obtuvo en 2021 el primer puesto en la categoría instrumental Cuyabrito de Oro. Diversos escenarios y eventos han acogido al dueto La Mayor y La Menor; dentro de estos se destacan el Conservatorio Superior José María Rodríguez en Cuenca, Ecuador; en Bogotá, el Teatro Colón, el Centro Cultural Old Mutual, el Teatro El Parque, el Teatro Libélula Dorada, el lanzamiento del Primer Simposio Internacional del Animalito Liberao en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, el Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM); en Mariquita, Tolima, el Coliseo Humatepa; en Villa de Leyva, la Casa Museo Antonio Nariño; en Tunja el Teatro Mayor Bicentenario y, en Cajicá, en el Centro Cultural. Conozca más acerca de La Mayor y La Menor www.danielsaboyamusic.com/duetolamayorylamenor LaMayoryLaMenor La.Mayor.y.La.Menor.Dueto.Infantil @duetolamayorylamenor 3 PROGRAMA Hay un solo camino (1989)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA (n. 1927)/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE (1925-2017) Oración ratona (2001)* JUANA MARÍA DE LA CONCEPCIÓN ‘CONNY’ MÉNDEZ (1898-1979) A mi Chady (2021)* MARÍA OLGA PIÑEROS LARA (n. 1954) Azul, azul (1988)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE Alma infantil (s. f.)* GUILLERMO LEÓN PUERTA CADAVID (n. 1957)/ SILVIA ZAPATA (n. 1952) Irina la araña bailarina (2019) NICOLÁS OSPINA (n. 1980) La rumba de los animales (1998)* TRADICIONAL Arreglo de Jorge Veloza (n. 1949) y los Carragngueros de Ráquira INTERMEDIO 4 No abandones tu tierra (1965)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE Osito de felpa (2022)** GUSTAVO ADOLFO RENJIFO ROMERO (n. 1953) Canción tonta (s. f.)* GUSTAVO ADOLFO RENJIFO ROMERO/ CARLOS CASTRO SAAVEDRA (1924-1989) Los colores y las cosas (s. f.)* CARLOS MIÑANA BLASCO (s. f.)/ JOSÉ ANTONIO DURÁN (s. f.) Lunita clara (s. f.)* JESÚS ALBERTO ‘CHUCHO’ REY MARIÑO (1956-2009) La mejora (1965)* LEONEL ‘LEÓN’ CARDONA/ ÓSCAR DE JESÚS HERNÁNDEZ MONSALVE O pato (1948)* JAYME DA SILVA (s. f.)/ NEUZA TEIXEIRA (1921-1973) *Arreglo para voces y guitarras de Daniel Saboya (n. 1980) ** Estreno mundial 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Es una agradable sorpresa encontrar en la Serie de Jóvenes Intérpretes al dueto que conforman Sara Lucía y María Clara Saboya Ávila, no solo por su edad, claro está, sino ante todo por la calidad de su producto musical, tanto en lo sonoro como en lo escénico. Sara Lucía es una prometedora guitarrista en formación, quien contribuye al interesante tejido de voces y guitarras; María Clara aporta una seguridad vocal que es garantía para lo que presentan al público, que no es fácil. Junto a su padre logran una propuesta equilibrada, en que las niñas no se perciben ‘dirigidas’, sino que transitan por el repertorio con solvencia y convicción. Un aspecto para destacar es que el repertorio del concierto de hoy no se basa solamente en esa esquiva categoría de ‘música infantil’, sino que toma canciones provenientes de muy diversas fuentes, a las que se les hacen arreglos complejos, efectistas, pertinentes y que no caen en el cliché. Si bien Sara Lucía parece más seria que María Clara, resulta interesante observar en su carpeta de canciones cómo cada página tiene anotaciones, correcciones y dibujos multicolores elaborados por ellas mismas, una estrategia que les permite apropiarse del contenido emocional de los textos y buscar la expresividad en escena. Leonel ‘León’ Cardona García (n. 1927) es tildado de moderno desde 1950, cuando empezó a componer música local mientras tocaba guitarra eléctrica en grupos de jazz. Por su parte, Óscar de Jesús Hernández Monsalve (1925-2017), periodista, poeta, narrador y ensayista, con obra poética desde 1950 hasta 2016, perteneció al importante círculo literario y cultural de Medellín. Su primera colaboración se dio en 1965, cuando Sonolux hizo el lanzamiento internacional de Leonor González Mina y le encargó a Hernández unos textos para ser musicalizados por Cardona, con la intención de trascender el lenguaje poético y musical de la canción andina de la época. Surgieron tres bambucos, de los cuales escucharemos dos1. No abandones tu tierra trata del éxodo campesino hacia la ciudad y hace un llamado a continuar en el campo: «No cambies por la ciudad / lo que han labrado tus manos / recuerda que en tu heredad / cielo y hombre son hermanos». La mejora es una crítica al orgullo del país cafetero, al expresar que la ricura del grano y la riqueza que produce no se quedan acá: «se lo beberá otra gente». 1 El disco LP donde aparecieron estas obras puede consultarse en https://youtu.be/UJZM49BTG14 6 Dos décadas después aparecieron más obras de esta dupla. La temática cambió hacia un tratamiento muy original del amor y de las relaciones interpersonales, en un marco urbano y con un lenguaje que se aleja de lo trillado para trasegar por sensaciones y metáforas más libres y complejas. Azul, azul es un vals cuyo texto, ecléctico en sus alusiones, presenta este color tanto en la naturaleza del mundo como en el ámbito de lo humano, ya sea la tinta azul de la escritura o la convención del azul como color frío: «el mundo es un cuaderno azul / con una herida roja / en el centro de la vida». El bambuco Hay un solo camino alude a los comienzos y finales, y desea larga vida a los afectos y buena suerte a quienes recorren los siete mares. Juana María de la Concepción Méndez Guzmán (1898-1979), ‘Conny’ Méndez, de origen venezolano y criada en los Estados Unidos, estudió artes plásticas y música. Es un referente de mujer moderna, que en la década de 1920 practicaba actividades masculinas para la época, como fumar y manejar automóvil, además de trabajar como columnista y caricaturista en revistas y diarios. Su obra musical es amplia, con énfasis en canciones de carácter popular y local, como Oración ratona (1978), un vals cuyo texto trabaja los diminutivos para contarnos que cuatro ratoncitos se espantan al ver un murciélago y, entonces, «La mamá ratica / dijo suavecito / recen mis hijitos / que ha venido un ángel ratón». María Clara Saboya ocupó el primer lugar en obra inédita en el Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro 2021 con la guabina A mi Chady, de María Olga Piñeros Lara (n. 1954). Es una obra dedicada a un gato que es descrito y recordado con profundo afecto: «Hoy rondando estás la luna / en un viaje sideral / suspendido en el espacio / cuánto añoro tu maullar». Piñeros es cantante, pedagoga y compositora vinculada principalmente a programas musicales en reconocidas universidades bogotanas, con amplia formación artística y pedagógica en el desarrollo vocal, en jóvenes y niños, de lo que ella denomina ‘el universo sonoro del cuerpo y el universo corporal de la voz’. Otro éxito musical del dueto, en 2020, fue ocupar el primer puesto del Festival Nacional Colombia Canta y Encanta, cuya alma y motor es la antioqueña Silvia Zapata (n. 1952). La escuela que respalda el festival tuvo un rápido crecimiento, ya que en pocos años pasó de ser un programa en un medio comunitario a tener figuración departamental y luego nacional, para consolidarse como un espacio social de formación y proyección de niños y jóvenes. El vals-bambuco Alma de niño, con texto de Zapata y música de Guillermo León Puerta Cadavid (n. 1957), tiene carácter regional y nacionalista: «Si es de niño el corazón / y bambuco tu canción / nueva patria 7 nacerá en Colombia / nuevas voces cantarinas / con pasillos y guabinas / crearán nueva y feliz historia». Nicolás Ospina (n. 1980) es pianista, compositor, arreglista, productor, cantante y docente, con trayectoria nacional e internacional en festivales de jazz, de cantautor y en la escena independiente. Se destaca su trabajo como arreglista para las producciones de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, junto a grupos nacionales. Compone música para teatro, dibujos animados y pódcast, y de esta actividad surgió Irina la araña bailarina, una metáfora de la mano del guitarrista como araña de solamente cuatro patas, que teje telas que «si quieres verlas / tienes que escuchar muy bien». Por otra parte, en 1998, Jorge Velosa (n. 1949) y los Carrangueros de Ráquira lanzaron una bella producción, En cantos verdes, que incluye una rumba ronda a la que llamaron La rumba de los animales, con texto recopilado de cantos populares en que los animales asumen conductas humanas: «De todos los animales se fueron a una promesa / el perro tocando el tiple y el ratón la pandereta / el gato tocando chucho y el armadillo trompeta» y, cuidado, que si se adelanta, puede perderse el son. Gustavo Adolfo Renjifo Romero (n. 1953) es conocido desde la década de 1970 por su estilo particular no solamente de interpretar el tiple, sino también de componer canciones comprometidas con diversos aspectos de la realidad social: las relaciones interpersonales, la ecología, la violencia, las costumbres. Tiene una faceta en la composición de obras con temática infantil, de la cual escucharemos dos: el bambuco Osito de felpa y el rajaleña Canción tonta. En el bambuco se establece un contraste entre el juguete y el animal, dado que este osito no conoce la naturaleza, pero en algún momento crecerá para ir al monte y hacer amigos. Por su parte, el rajaleña, con texto de Carlos Castro Saavedra (1924-1989), es un juego responsorial entre diversas fuentes de sonido y las onomatopeyas de sus actividades o voces. ¿Sorpresa con el re menor? «¿De qué color son las cosas / de qué color los sonidos? / Yo no sé / pero sí sé / que el chocolate es café» es el coro del bambuco Los colores y las cosas, que hace un juego de palabras entre objetos y la denominación de sus colores, porque «El chocolate es café / pero el café tinto es negro / la zanahoria es naranja / la naranja es amarilla…» La colaboración del autor del texto, José Antonio Durán (s. f.), director del grupo de danzas Kari chipur, con el compositor de la música, Carlos Miñana Blasco (s. f.), se dio en el contexto de la denominada Brigada Nueva Cultura (1977-1979), un movimiento con base política que congregó agrupaciones profesionales y 8 aficionadas de diversas disciplinas artísticas alrededor del activismo cultural y de la música militante en Bogotá2. Miñana es un importante investigador, con incontables aportes teóricos, bibliográficos y sonoros, especialmente en el campo de las prácticas musicales populares y tradicionales poco visibles en el relato nacional. Esther S. de Schneider (s. f.), pedagoga musical argentina, tiene un catálogo de obras que inicia en 1969 y culmina en 1992. En algunas publicaciones en red se la nombra como autora de un vals titulado Lunita clara, pero en otras se dice que esta canción es ‘del tiempo de las bisabuelas’. De lo que estamos seguros es de que Jesús Alberto Rey Mariño (1956-2009), uno de los músicos y pedagogos más interesantes que ha producido el país, tomó este texto de arrullo y le puso música de bambuco: «La luna lunita clara / casi casi se cayó / por ver si el niño dormía / cuando ella se asomó». O pato es una canción de Jayme Da Silva (s. f.) y de Neuza Gentil Teixeira (1921-1973), que formó parte del repertorio del grupo vocal Os garotos da lua en 1948. Grabada en 1961 por João Gilberto, exintegrante de dicha agrupación, ha sido interpretada por artistas de jazz e innumerables solistas y grupos brasileños. Es una samba que devino bossa-nova en la escena del jazz, cuyo texto original en portugués trata de cuatro aves que se van juntando para cantar samba y comienzan a ensayar a orillas de una laguna; pero la voz del pato es un desastre, la puesta en escena del ganso otro tanto, y finalmente todos caen al agua. En la versión en español, los animales son pato, gato, ganso y perro, el género que cantan es una bossa-nova, y al pato, que desafina peor que el gato, al final lo empujan al agua. Del dueto La Mayor y La Menor ya tenemos grandes logros, pero esperamos más, como, por ejemplo, su primera producción discográfica, porque el disfrute está asegurado. Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional. Con 37 años de experiencia en la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de músicas colombianas y 28 años de docencia en las universidades Javeriana y Distrital. Numerosas giras nacionales e internacionales. Ganador en concursos, becas y convocatorias nacionales y distritales. Diseñó la familia instrumental de la bandola andina. 2 Se recomienda consultar Miñana Blasco, C. (2020). Más allá de la protesta. Música militante en Bogotá en los años setenta y la transformación de la “música colombiana”. Trashumante. Revista Americana De Historia Social, (15), 150–172. https://doi.org/10.17533/udea.trahs.n15a07 9 Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres - Roots Drums Photo Foto: Saira Carolina Granados Barreto Concierto de Lizeth Vega (Colombia), cantante Jueves 27 de abril de 2023 6:30 p.m. Concierto de Holdan Silva (Colombia), contrabajo Jueves 20 de abril de 2023 6:30 p.m. 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Etnos Ensamble, música tradicional polaca • Foto: Marianna Peruń-Filus TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - La Mayor y La Menor, dueto vocal (Colombia)

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La Mayor y La Menor

Por: | Fecha: 2023

La Mayor y la Menor es un dueto vocal infantil femenino integrado por las hermanas María Clara y Sara Lucía Saboya, quienes, desde temprana edad, han tenido un contacto natural con la música debido a su entorno familiar y al Centro Cultural y de Formación Artística La Casa de la Música de Tunja, en donde adelantan sus estudios musicales. Sus principales maestros han sido su padre, el guitarrista Daniel Saboya, quien es también el director musical del dueto, y la soprano Elizabeth Patiño, su maestra de canto. Desde 2018, año de su conformación, el dueto ha obtenido varios reconocimientos nacionales e internacionales, siendo el más reciente la selección para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República de Colombia, para actuar en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2023. El dueto fue merecedor en 2022 del primer puesto en la categoría Dueto Vocal Infantil del Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ y del Programa Departamental de Estímulos y Fomento Cultural de Boyacá, en las categorías de circulación nacional y Boyacá Reactiva la Cultura; en 2021 del Gran Cuyabrito de Oro y del primer puesto en la categoría Dueto Vocal en el marco del Festival Cuyabrito de Oro, así como de la Beca para la realización de conciertos didácticos del Ministerio de Cultura de Colombia; en 2020 del primer puesto en el Festival Colombia Canta y Encanta y, en 2019, de la Beca de Circulación Internacional del Conservatorio José María Rodríguez de Cuenca (Ecuador), entre otros. Individualmente, las integrantes del dueto han sido merecedoras de diferentes premios. María Clara, ‘La Menor’, obtuvo el primer lugar en la interpretación de la obra inédita ganadora del Cuyabrito de Oro en 2021; hizo parte del Coro Nacional Virtual 2020 y 2021, participando en las producciones ‘Colombia tierra querida’ y ‘Amo esta tierra’; actualmente, se encuentra adelantando su proyecto titulado Encanto y sabor, que integra música y recetas para las familias. Por su parte, Sara Lucía, ‘La Mayor’, becaria del programa Cakike – Xtraordinario, ha obtenido premios internacionales como guitarrista, dentro de los que se destaca el primer puesto en el marco de la Competencia Internacional New Generation en 2020 (Rusia) y el tercer puesto en el Concurso Internacional Promesas de la Guitarra en 2021 (Costa Rica). Asimismo, ha sido ganadora del premio Pablo Hernán Rueda Ciudad de Cajicá en 2022, y obtuvo en 2021 el primer puesto en la categoría instrumental Cuyabrito de Oro. Diversos escenarios y eventos han acogido al dueto La Mayor y La Menor; dentro de estos se destacan el Conservatorio Superior José María Rodríguez en Cuenca, Ecuador; en Bogotá, el Teatro Colón, el Centro Cultural Old Mutual, el Teatro El Parque, el Teatro Libélula Dorada, el lanzamiento del Primer Simposio Internacional del Animalito Liberao en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, el Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM); en Mariquita, Tolima, el Coliseo Humatepa; en Villa de Leyva, la Casa Museo Antonio Nariño; en Tunja el Teatro Mayor Bicentenario y, en Cajicá, en el Centro Cultural.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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La Mayor y La Menor

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas (Austria)

Programa de mano - Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas (Austria)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Miércoles 7 de junio de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Viernes 9 de junio de 2023 · 6:30 p.m. Auditorio del Centro Cultural de San Andrés Foto: Cristina Ferri · PULEPS: GZJ119, DHG520 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL CUARTETO SIMPLY (Austria) cuarteto de cuerdas SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Trio Karénine • F0to: Lyodoh Kaneko 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas Danfeng Shen y Antonia Rankersberger, violín; Xiang Lyu, viola; Ivan Valentin Hollup Roald, violonchelo «El Cuarteto Simply no toca delante de, sino, explícitamente, para su público, lo que hace que todos se sientan interpelados». Estas palabras, utilizadas por el Süddeutsche Zeitung en junio de 2022, describen acertadamente una de las muchas facetas del Cuarteto Simply, que lo convierten en un cuarteto excepcional. «De la filosofía china procede la idea de un gran todo en el que los opuestos dependen los unos de los otros y al mismo tiempo se complementan. Partiendo de esta idea, combinamos complejidad y simplicidad. Somos cuatro individuos diferentes, pero juntos damos forma al cuarteto de cuerda; a la música de cámara, un género de la realeza». El Cuarteto Simply busca continuamente una comprensión profunda del lenguaje inherente a la música: desde las primeras obras clásicas hasta la literatura moderna para cuarteto de cuerda. Los integrantes ponen gran énfasis en combinar las tres culturas en las que se inspiran —china, austriaca y noruega—, para desarrollar un lenguaje musical propio; mediante la exploración de obras de cada una de sus culturas, profundizan en su conocimiento de mundos sonoros diferentes. Fundado originalmente en Shanghai bajo los auspicios de Jensen Horn- Sin Lam, el cuarteto se trasladó a Viena para explorar intensamente la esencia y los orígenes de la interpretación en cuarteto. El conjunto estudia con Johannes Meissl en el Instituto Joseph Haydn de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Además, ha logrado enriquecer su trayectoria con valiosas experiencias que nacen de sus años en la Academia Europea de Música de Cámara y se ha visto influenciado por la clase de Günter Pichler en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, en la que participó en 2020 y 2021. El cuarteto ya ha sido galardonado con cuatro primeros puestos en renombrados concursos de música de cámara: el Concurso Internacional Carl Nielsen, de Copenhague; el Quatuor á Bordeaux, en 2019; el concurso Franz Schubert y la música de la modernidad, de Graz, en 2018, y el Concurso Internacional de Música de Cámara Joseph Haydn, en Viena, en 2017. 2 En la Konzerthaus de Viena, el Cuarteto Simply formó parte del programa de Grandes Talentos (2020-2022), y en la temporada 2021/2022 fue uno de los conjuntos seleccionados de la serie ECHO Rising Stars, con estrenos en la sala de conciertos del BOZAR en Bruselas, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Palau de la Música Catalana y la Elbphilharmonie de Hamburgo, y con las orquestas filarmónicas de Luxemburgo y París. Danfeng Shen toca un violín de Giovanni Battista Guadagnini de 1753, que está a su disposición gracias a un generoso préstamo de Merito String Instruments Trust GmbH. Antonia Rankersberger toca un violín de Camillo Camilli de 1736 (Mantua), puesto a su disposición por el Banco Nacional de Austria. Conozca más acerca del ensamble Simply Quartet Simply Quartet Simply Quartet Simply Quartet Este concierto se realiza dentro del marco de la celebración de los 100 años del Banco de la República 3 PROGRAMA Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas, Op. 5 (1909) Heftig bewegt Sehr langsam Sehr lebhaft Sehr langsam In zarter Bewegung ANTON WEBERN (1883-1945) Cuarteto de cuerdas en la menor, Op. 29 No. 1, D. 804 (1824) Allegro ma non troppo Andante Menuetto. Allegretto – Trio Allegro moderato FRANZ SCHUBERT (1797-1828) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 13, Op. 106 (1895) Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace – Un poco più mosso Finale. Andante sostenuto – Allegro con fuoco ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Desde su estandarización como uno de los más populares y dinámicos formatos instrumentales, el cuarteto de cuerdas ha venido consolidándose progresivamente como un género privilegiado, debido al delicado balance entre tradición e innovación. Desde mediados del siglo xviii, proporcionó, tanto a compositores como a intérpretes, la posibilidad de desarrollar un lenguaje musical lleno de interacción y sofisticación creativa, protegido como estaba en la seguridad que le brindaba la intimidad de las prácticas instrumentales privadas. El repertorio seleccionado para este concierto reúne, desde tres perspectivas aparentemente lejanas, los recorridos de compositores que se reencuentran con diversas tradiciones, a través de un refinamiento expresivo y técnico decididamente renovador. Esta sinergia entre la experimentación y la tradición hace del cuarteto de cuerdas un vehículo único para compartir con las audiencias una experiencia llena de complicidad y dinamismo. Anton Webern (1883-1945), Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas, Op. 5 Anton Webern es reconocido por su claridad metódica como herramienta de composición. A través de su vida, incluso antes de estudiar con Schönberg, experimentó una profunda fascinación con la escritura contrapuntística y polifónica; de hecho, en 1906 finalizó sus estudios doctorales en musicología con una tesis centrada en la obra del compositor renacentista Heinrich Issac (Puffet). El rigor metodológico plasmado en la tradición contrapuntística, aunado a las nuevas aproximaciones estéticas propias de los discípulos de Schönberg, se catalizó a través de la obra de Webern, que a su vez lo convirtió en una de las figuras más influyentes sobre ciertas estéticas musicales que surgirían después de 1950. Webern fue particularmente importante para compositores como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen. Atento a la importancia del legado asociado al género, en sus Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas Op. 5, Webern alude a diferentes características de la tradición al incursionar en una estética revolucionariamente novedosa. De esta manera, el primer movimiento refleja —en una versión muy condensada— una forma sonata; el segundo movimiento se despliega a 5 manera de un lírico nocturno; el tercer movimiento se desarrolla en una forma ternaria (A-B-A’), en donde las partes extremas mantienen un ostinato angular e incisivo; el cuarto movimiento funciona como un interludio siniestramente íntimo que desemboca orgánicamente en el quinto movimiento que puede asociarse a un conjunto de variaciones.1 Si bien muchas de las obras de Webern han sido ampliamente abordadas en esferas académicas —por un lado, gracias a su brevedad, y por otro, gracias a su claridad y a la rigurosidad metodológica ya señaladas, lo cual las convierte en repertorio ideal como modelo de composición—, en muchos casos, la concentración académica en el método parece obviar un elemento mucho más significativo en este repertorio: la intensidad expresiva que caracteriza cada una de sus composiciones. La primera obra que abre este programa es una invitación a experimentar su vibrante lenguaje, más allá de la necesidad de querer entender o explicar el orden de los sonidos y las reglas que lo determinan. Los Cinco movimientos para cuarteto de cuerdas despliegan un drama musical intenso y angularmente expresivo, que absorbe por completo a la audiencia, de principio a fin. Franz Schubert (1797-1828), Cuarteto de cuerdas en la menor, Op. 29 No. 1, D. 804 A sus 26 años, Franz Schubert era un compositor increíblemente prolífico, pero, paradójicamente, desconocido; aunque para entonces ya había compuesto más de diez cuartetos de cuerda, seis sinfonías y varias sonatas para piano, no había publicado ninguna de ellas y, en realidad, era reconocido por la producción de una gran cantidad de lieder2 y de música de consumo doméstico. Entre 1823 y 1824, diferentes eventos marcaron un cambio en la producción musical de Schubert: por un lado, sus fuertes quebrantos de salud lo llevaron a un aislamiento aun mayor; por otro, la percepción del legado de Beethoven resonaba con intensa ambición de trascendencia y marcó un punto de referencia en el medio musical. Adicionalmente, el violinista Ignaz Schuppanzigh inició, en 1823, una exitosa serie de conciertos de música de 1 Debido a la brevedad característica de la obra de Webern, diferentes publicaciones académicas han logrado abordar de manera comprensiva casi toda la producción atonal del compositor. Para ahondar en el estudio de la obra de Webern, se invita al lector a acudir a los libros de Allen Forte y Kathryn Bailey. 2 El lied, género que se consolidó como uno de los más representativos de la estética musical del siglo xix, corresponde a obras para voz y acompañamiento instrumental, por lo general de piano. La expresión correcta para el plural de lied (“canción” en alemán) es lieder, a diferencia de la errada ‘lieds’. 6 cámara por suscripción, con lo que marcó una renovación en las prácticas de conciertos de música de cámara en Viena al reforzar un perfil de sofisticación y lograr una profunda concentración de las audiencias en la música para cuartetos de cuerda.3 En febrero de 1824 Schubert compuso los cuartetos No. 13 y No. 14 para ser incluidos en esta serie de conciertos por suscripción. El Cuarteto No. 13 fue estrenado por Schuppanzigh en marzo del mismo año, pero el No. 14 no recibió mucha atención y solo fue interpretado de manera parcial (únicamente el primer movimiento) hasta 1826 (Hepokoski, 182). Para ambos cuartetos, Schubert exploró una propuesta muy ambiciosa, tanto en extensión y estructura formal para cada movimiento, como en las exigencias técnicas para los intérpretes y en el tipo de discurso armónico y tonal. Asimismo, en cada cuarteto reutilizó material de composiciones anteriores para ser incluido como temas y variaciones en sus segundos movimientos; en el Cuarteto No. 14 reutilizó el material del lied La Muerte y la doncella, D. 531 y para el Cuarteto No. 13 Schubert empleó parte de la música incidental, que había compuesto en 1823, para la obra de teatro Rosamunde de Herminia von Chézy. En la actualidad ambos cuartetos, son comúnmente reconocidos por subtítulos asociados a estas alusiones temáticas: el Cuarteto No. 13, D. 804 se conoce como Rosamunde, y el No. 14, como La muerte y la doncella. Antonín Dvořák (1841-1904), Cuarteto No. 13, Op. 106 Junto a compositores como Bedřich Smetana, Zdeněk Fibich y Leoš Janáček, el nacionalismo checoslovaco del siglo xix tiene a Antonín Dvořák como uno de sus más grandes exponentes. Desde el punto de vista rítmico y melódico, Dvořák logró desarrollar un exuberante lenguaje musical que se adaptaba a las estructuras formales tradicionales, suscitando una fascinación especial en la audiencia por medio de sonoridades que parecían desenvolverse con orgánica facilidad. Sin embargo, detrás de esta aparente facilidad subyacía un proceso de constante reflexión para construir cada composición de manera metódica (Döge, 2001). A pesar de haber sido un compositor extremadamente prolífico en prácticamente todos los géneros musicales, no todas las obras de Dvořák han logrado la misma aceptación masiva de las audiencias; la Sinfonía No. 3 La conjunción de estos eventos, y especialmente la influencia de la obra de Beethoven sobre el cambio estético en la composición de Schubert, está ampliamente estudiada en el libro del musicólogo John M. Gingerich, Schubert’s Beethoven Project. 7 9 ‘Del Nuevo Mundo’; el Concierto para violonchelo y orquesta, o el Cuarteto ‘Americano’ podrían considerarse ‘éxitos taquilleros de la música clásica’, que han visitado salas de concierto y estudios de grabación con una recurrencia desmedida; en cambio, muchas otras obras del compositor aguardan aún a ser redescubiertas y admiradas con la misma acogida. El Cuarteto No. 13, Op. 106, que cierra nuestro concierto, pertenece a este grupo de obras que, si bien poseen un potencial expresivo enorme, no son programadas con tanta regularidad. Esta obra demuestra la experiencia que tenía Dvořák como violista y músico de cámara; en cada movimiento, la interacción entre los instrumentos está cuidadosamente balanceada para aprovechar al máximo la sonoridad de todo el ensamble. El primer movimiento es una forma sonata construida mediante breves intervenciones que se acumulan hasta generar articulaciones cadenciales bien definidas; este movimiento es particularmente extenso, pero logra estar constantemente conectado por la recurrencia de los motivos iniciales, hasta desembocar en un victorioso cierre. El segundo movimiento proporciona la tradicional línea melódica característica de Dvořák, la cual se expande por cada miembro del ensamble hasta generar una sonoridad fluida y llena de contrastes tímbricos. El tercer movimiento es un scherzo caracterizado por un insistente motivo rítmico que posteriormente es contrastado con apacibles diálogos entre los miembros del cuarteto. El movimiento final retoma elementos de los movimientos anteriores, para llevar toda la obra a una conclusión naturalmente orgánica. Referencias Bailey, K. (1991). The Twelve-Note Music of Anton Webern: Old Forms in a New Language. Cambridge: Cambridge University Press. Döge, K. (2001). Dvořák, Antonín. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000051222 Forte, A. (1998). The Atonal Music of Anton Webern. New Haven y Londres: Yale University Press. Gingerich, J. M. (2016). Schubert’s Beethoven Project. Cambridge: Cambridge University Press. 8 Hepokoski, J. (2021). A Sonata Theory Handbook. Oxford: Oxford University Press. Puffet, K. (2001). Webern, Anton. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000029993 Jaime Ramírez. Actualmente está vinculado a la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar diversos proyectos artísticos. Foto: Jorge Cuadros Concierto de Wuilmer López (Colombia) arpa llanera Viernes 18 de agosto de 2023 San Andrés, Auditorio del Centro Cultural de San Andrés PULEP: XGF326 9 Foto: Chelo Camacho Foto: Enrique Menacho Concierto de Santiago Duque (Colombia) piano Jueves 8 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 6:30 p.m PULEP: OHN446 Concierto de Juanita Lascarro (Colombia) soprano Domingo 30 de julio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 11:00 a.m. PULEP: ROS555 Este concierto se presenta también en Villavicencio y Tunja. 10 Piraí Vaca • Foto: Limbergh Ibáñez TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Cuarteto Simply, cuarteto de cuerdas (Austria)

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Cuarteto Simply

Por: | Fecha: 2023

«El Cuarteto Simply no toca ‘delante de’, sino, explícitamente, ‘para’ su público, lo que hace que todos se sientan interpelados». Estas palabras, utilizadas por el ‘Süddeutsche Zeitung’ en junio de 2022, describen acertadamente una de las muchas facetas del Cuarteto Simply, que lo convierten en un cuarteto excepcional. «De la filosofía china procede la idea de un gran todo en el que los opuestos dependen los unos de los otros y al mismo tiempo se complementan. Partiendo de esta idea, combinamos complejidad y simplicidad. Somos cuatro individuos diferentes, pero juntos damos forma al cuarteto de cuerda; a la música de cámara, un género de la realeza». El Cuarteto Simply busca continuamente una comprensión profunda del lenguaje inherente a la música: desde las primeras obras clásicas hasta la literatura moderna para cuarteto de cuerda. Los integrantes ponen gran énfasis en combinar las tres culturas en las que se inspiran —china, austriaca y noruega—, para desarrollar un lenguaje musical propio; mediante la exploración de obras de cada una de sus culturas, profundizan en su conocimiento de mundos sonoros diferentes. Fundado originalmente en Shanghai bajo los auspicios de Jensen Horn- Sin Lam, el cuarteto se trasladó a Viena para explorar intensamente la esencia y los orígenes de la interpretación en cuarteto. El conjunto estudia con Johannes Meissl en el Instituto Joseph Haydn de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Además, ha logrado enriquecer su trayectoria con valiosas experiencias que nacen de sus años en la Academia Europea de Música de Cámara y se ha visto influenciado por la clase de Günter Pichler en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, en la que participó en 2020 y 2021. El cuarteto ya ha sido galardonado con cuatro primeros puestos en renombrados concursos de música de cámara: el Concurso Internacional Carl Nielsen, de Copenhague; el Quatuor á Bordeaux, en 2019; el concurso Franz Schubert y la música de la modernidad, de Graz, en 2018, y el Concurso Internacional de Música de Cámara Joseph Haydn, en Viena, en 2017. En la Konzerthaus de Viena, el Cuarteto Simply formó parte del programa de Grandes Talentos (2020-2022), y en la temporada 2021/2022 fue uno de los conjuntos seleccionados de la serie ECHO Rising Stars, con estrenos en la sala de conciertos del BOZAR en Bruselas, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Palau de la Música Catalana y la Elbphilharmonie de Hamburgo, y con las orquestas filarmónicas de Luxemburgo y París. Danfeng Shen toca un violín de Giovanni Battista Guadagnini de 1753, que está a su disposición gracias a un generoso préstamo de Merito String Instruments Trust GmbH. Antonia Rankersberger toca un violín de Camillo Camilli de 1736 (Mantua), puesto a su disposición por el Banco Nacional de Austria.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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Cuarteto Simply

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Programa de mano - Quinteto Talim, música tradicional india (Estados Unidos)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Viernes 2 de junio de 2023 · 6:00 p.m. Quibdó, Auditorio del Banco de la República Domingo 4 de junio de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Martes 6 de junio de 2023 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Banco de la República Foto: Edward Rossel · PULEPS: NHD767, UDP492, PTA412 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL QUINTETO TALIM (Estados Unidos) música tradicional india SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Juanita Lascarro (Colombia), soprano • F0to: Diana Karch 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Quinteto Talim, música tradicional india Arjun Verma, sitar; Manik Kha, sarod; Raaginder, violín; William Rossel y Nilan Chaudhuri, tabla. El Quinteto Talim reúne a un vibrante grupo de solistas clásicos indios con un sonido amplio, diverso y poderoso. La paleta tímbrica colorida del sitar, el sarod y el violín, rodeada por los ritmos melódicos de la tabla, está arraigada en la tradición de la música clásica hindustani que cada músico heredó a través de linajes antiguos. La palabra talim se traduce como ‘entrenamiento’ o ‘educación’, transmitida de un Gurú a su discípulo. La expresión pura de esta transmisión es el estándar que cada uno de los artistas en este conjunto se esfuerza por lograr. Juntos, representan más de un siglo de talim. Si bien la tradición de la música india es esencialmente improvisada, debido a que los integrantes del ensamble han colaborado juntos durante más de una década, han desarrollado un sonido cohesivo y unificado, aunque dejando espacio para que cada voz brille individualmente. Herederos de algunos de los músicos indios más célebres del siglo xx (Ustad Ali Akbar Khan, Pandit Swapan Chaudhuri, Sisirkana Dhar Chowdhury), estos artistas comparten sus tradiciones con el mundo moderno con integridad e ingenio. El resultado es una meditación, poderosa y emocional, sobre la música misma, evocando, en igual medida, las sensaciones de paz y de euforia. 2 ENUNCIADO Los raagas que se presentarán esta noche serán anunciados por los artistas durante el concierto. La música clásica del norte de la India tiene un gran repertorio de cientos de estructuras melódicas tradicionales (raagas), que fueron creados por varios maestros musicales a lo largo de varios siglos de desarrollo musical en la India, y cada uno expresa una colección particular de emociones. Cada raaga también está destinado a ser tocado en un momento específico del día o estación (amanecer, media mañana, tarde, anochecer, medianoche, primavera, otoño, temporada de monzones, etc.), y transmiten la esencia de ese momento de día o temporada. Algunos raagas tienen más de un milenio de antigüedad, mientras que otros se compusieron en tiempos modernos. Algunos son muy ligeros, caprichosos y románticos, mientras que otros son extremadamente inquietantes, melancólicos o contemplativos. William Rossel 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein La música milenaria de India En el mundo occidental solemos pensar la música como un conjunto de sonidos que se memorizan, se plasman sobre un papel o un disco y se patentan a la manera de cualquier mercancía, objeto o invención de uso industrial. No es casualidad, por ejemplo, que el término de ‘derechos de autor’ sea muy familiar para todos, pues su existencia es un recordatorio de que en occidente la música, e incluso casi cualquier combinación de sonidos, puede ser apropiada por quien la crea y eventualmente explotada con fines comerciales. En este contexto, sin embargo, es fácil olvidar que todavía hoy, en el siglo xxi, existen culturas que perciben la música y el arte, no tanto como una mercancía que se patenta y explota, sino como un patrimonio público, cuyo propietario no es ningún individuo, es toda la humanidad, desde quienes la escuchan y bailan, hasta quienes la interpretan y componen. Una de estas culturas, en efecto, es la india, cuya música tradicional o clásica, está basada en una serie de patrones rítmicos y melódicos (tanto antiguos como nuevos) sobre los cuales se improvisa. Por esta razón, ningún concierto de música india es igual a otro, por lo cual cada experiencia es única y varía según una serie de factores; entre ellos figuran la hora del día, la estación del año y ‘el estado de ánimo’ (Quinteto Talim, 2023) en que se encuentran los músicos. Puede decirse, entonces, que uno de los propósitos principales de la música tradicional india es capturar y transmitir la esencia de un momento específico e irrepetible a la manera de una fotografía que congela un segundo que fue y nunca volverá a ser. Ahora bien, es importante aclarar que incluso en la improvisación musical —tanto occidental como oriental— hay reglas a seguir, las cuales más que condicionar al músico lo guían, y no solo dentro del contexto de su oficio, sino dentro de las cosmologías y los sistemas de valores y creencias de su sociedad. Para dar un ejemplo, en occidente tenemos una concepción lineal del tiempo (pasado – presente – futuro), que se ve reflejada en nuestras músicas, cuya mayoría se interpreta y se compone siguiendo esa misma estructura lineal (principio – desarrollo – final). En la India, no obstante, 4 al igual que en muchos países de Asia, la concepción del tiempo según las creencias milenarias no es lineal sino cíclica: el final siempre empata con el principio —un reflejo de los ciclos de la naturaleza y de la vida humana, cuyo símbolo no es una línea sino una rueda, la cual adorna la bandera de la India y se conoce como Ashoka Chakra—. En términos musicales, esta concepción cíclica de la vida se refleja en piezas instrumentales y vocales que no tienen un principio o un fin claramente demarcados, a lo cual se suman estructuras rítmicas predeterminadas que se repiten a veces de manera casi indefinida. Por este motivo, uno de los primeros pasos para comprender mejor la música india es empezar por su estructura rítmica, la cual se explicará a continuación, a partir de sus rasgos y términos más importantes. El ritmo (taala, tihai) Según la tradición musical india, hay dos maneras principales de pensar el ritmo de una pieza: ritmo libre (sin pulso definido) y ritmo métrico (con pulso definido). En terminología india, el primero recibe el nombre de anibaddh, mientras que el segundo se denomina nibaddh. Puestos juntos, ambos términos traducen «desenlazados-enlazados» (Ruckert, 2004, p. 40), entendiéndose lo enlazado o métrico como un ritmo que puede dividirse en pulsos o patrones exactos que se repiten, a la manera de un latido de corazón constante, sin variación significativa. Y si bien el ritmo libre o desenlazado parece no tener patrón alguno, es importante anotar que todos los ritmos de la música tradicional india provienen de patrones de habla, lo cual es lógico si recordamos que el instrumento musical más antiguo del mundo es la voz, y como tal, muchas músicas antiguas no son más que extensiones de poemas, oraciones y diálogos. De esta manera, los patrones rítmicos de la India, sean libres (desenlazados) o métricos (enlazados), provienen todos del habla, algunos largos que surgieron de sílabas o palabras largas, y otros cortos que provinieron de sílabas o palabras cortas. No sorprende, por lo tanto, que la música tradicional de la India sea percibida como un diálogo espontáneo que se improvisa en vivo y en directo, como es el caso del concierto de hoy, y no como una combinación de sonidos prefabricados. En este diálogo, también es importante notar que los músicos utilizan ciertas estructuras rítmicas básicas para guiarse, las cuales pueden considerarse como un molde sobre el cual se improvisa. Estas estructuras reciben el nombre de taalas (Quinteto Talim, 2023) o tālas (Ruckert, 2004, p. 42), y no son más que ciclos rítmicos que se repiten una y otra vez. El taala más común es un 5 ciclo de dieciséis tiempos que se divide en cuatro, las primeras dos secciones y la cuarta identificadas por un aplauso a su principio, y la tercera identificada por un signo, que antiguamente era la agitación de una mano. Por lo tanto, en términos visuales este taala se vería así (Ruckert, 2004, p. 42): Aplauso Aplauso Agitación Aplauso 1 2 3 4 | 5 6 7 8 | 9 10 11 12 | 13 14 15 16 Al lado de las taalas, o más bien sobre ellas, también se escuchan cortos motivos rítmicos que reciben varios nombres, entendiéndose el motivo como un patrón corto de golpes o alturas (notas) que se repite. Uno de los motivos más comunes es el tihai, el cual puede describirse como «una frase final repetida tres veces, en la que la última nota de la última frase golpea el primer golpe del ciclo rítmico, formando una especie de signo de exclamación musical» (Quinteto Talim, 2023). Hay que enfatizar, en últimas, en que todos estos patrones musicales son derivados del habla y por eso suelen explicarse como tales. Ahora se abordará otro de sus componentes esenciales: la melodía. La melodía (raaga) Al igual que los patrones rítmicos, las melodías tradicionales de la música india también provienen de patrones del habla, algunas compuestas hace más de mil años y otras compuestas en la actualidad. En el vocablo indio, estas melodías son conocidas con el nombre de raaga, término que data por lo menos desde el siglo x (Malm, 1985, p. 109). Aquí hay que notar, sin embargo, que el raaga no es entendido en la India como en occidente entendemos las melodías, pues más que una melodía, el raaga es una serie de notas predeterminadas que se asemejan a lo que conocemos como una escala. Y cada raaga, además, contiene adornos o figuras melódicas predeterminadas que funcionan, similar al ritmo de las taalas, como una estructura sobre la cual se improvisa y se dialoga. Como dato relevante, también hay que mencionar que cada raaga posee un sistema de afinación distinto al de occidente (el intérprete muchas veces decide la afinación que quiere darle a una nota) (Malm, 1985, p. 111) y, además, está diseñada para interpretarse en un momento específico del día (amanecer, mañana, mediodía, tarde, noche, medianoche), al igual que en un momento específico del año (primavera, verano, otoño e invierno). Al unirse con las estructuras rítmicas de las taalas, cada raaga se convierte en lo que occidente conocemos como un movimiento o una pieza que forma parte de un conjunto, entendiendo que cada conjunto debe dividirse precisamente en piezas o movimientos contrastantes. De este modo, existen nombres para 6 determinar cada pieza o movimiento, junto con sus rasgos estilísticos, algunos de los cuales son estos: Alaap: solo melódico sin ninguna métrica rítmica fija (ritmo libre o desenlazado). Gat: tema y variaciones en un ciclo rítmico, acompañado con tambor de tabla. Jhala: final rápido y rítmico. Jor: solo melódico con métrica simple (ritmo métrico o enlazado). Sath Sangat: improvisación melódica y de percusión simultánea. Sawal-Jawab: diálogo musical, en pregunta y respuesta, con ideas rítmicas cada vez más cortas (Malm, 1985, p. 111). Con estas piezas previamente memorizadas (en su estructura básica, dado que cada una permite amplias improvisaciones), se puede crear una obra completa de música dividida en varios movimientos contrastantes cuya duración puede equivaler a la de una sinfonía (media hora hasta varias horas), pero el orden de las secciones o movimientos es acordado por los músicos sobre el escenario, según las condiciones emocionales y temporales anteriormente mencionadas. En suma, puede decirse que el género occidental que más se asemeja a la música tradicional india es el jazz, dado que su esencia consiste en promover la improvisación dentro de ritmos y melodías previamente establecidas. Consideraciones finales Vale la pena resaltar que un músico entrenado para interpretar música tradicional india solo es considerado profesional si ya conoce a profundidad por lo menos sesenta raagas y un número similar o mayor de taalas (Malm, 1985, p. 114). Este conocimiento, a diferencia de la música occidental, no sólo implica memorizar las notas y los esquemas rítmicos predeterminados de cada raaga y taala, sino saber también la mayor cantidad de posibilidades musicales que cada estructura y cada serie melódica ofrece, pues solo así se puede elaborar una improvisación que merezca el respeto y la admiración de los públicos que conocen la tradición india. En este sentido, puede decirse que el intérprete de música tradicional india es tanto un reproductor fiel de ideas ya establecidas (como es entendido el intérprete en occidente), como un compositor que crea sus ideas y las difunde en tiempo real, a la manera de un diálogo espontáneo y elocuente, cuya única guía es un conocimiento 7 profundo de la gramática y el vocabulario. Más allá de esta destreza, también hay que hacer énfasis en la conexión inseparable que hay entre la música india y el sistema de creencias religiosas que carga consigo, hasta el punto de que algunos de sus compositores más renombrados han sido santificados1. Aunque personas no religiosas podrían considerar este gesto como extremo, es preciso recordar que la música, tanto en occidente como en oriente, surgió muchas veces como un lenguaje divino, capaz de comunicar al ser humano con sus dioses para un sinfín de objetivos. Y, si bien esta idea, para los escépticos, también puede sonar absurda, no hay duda de que la música tiene un poder, que incluso hoy podemos considerar como divino o casi divino, de conectarnos con nuestros antepasados, de unirnos con nuestros antagonistas, de sensibilizarnos (así sea por unos minutos) y de hacer llevadera una vida que para la gran mayoría de habitantes de esta tierra no es fácil. Con tales cualidades, puede decirse que casi toda música es esencialmente religiosa, entendida la religión como un ideal superior al que todavía aspiramos como especie. REFERENCIAS Malm, W. P. (1985). Culturas musicales del Pacífico, el Cercano Oriente y Asia. Madrid: Alianza Editorial S. A. Quinteto Talim. (2023). Conversación sobre las características de la música india. [Correo electrónico]. Ruckert, G. E. (2004). Music in North India. New York: Oxford. Alexander Klein. Es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 1 Tal es el caso de Tyagaraja (1767–1847) y dos de sus colegas, quienes son considerados santos y miembros de una trinidad. Véase: Malm, W. P. (1985). Culturas musicales del Pacífico, el Cercano Oriente y Asia. Madrid: Alianza Editorial S. A., p. 120. 8 Foto: Chelo Camacho Celebración 100 años del Banco de la República Bogotá Chamber Orchestra (Colombia) cuarteto de cuerdas Miércoles 19 de julio de 2023 Quibdó, Auditorio del Banco de la República 6:00 p.m. PULEP: KLZ102 9 Foto: Javier Gustavo Arce Ortiz Foto: Javier Egas Otero Concierto de Juan Manuel Molano (Colombia) guitarra Viernes 18 de agosto de 2023 Buenaventura, Auditorio del Banco de la República 7:00 p.m. PULEP: HWQ985 Juan Manuel Molano también se presentará en Quibdó el 25 de agosto de 2023. Concierto de Óscar Acevedo trío (Colombia) jazz Domingo 13 de agosto de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: YCJ573 10 Piraí Vaca • Foto: Limbergh Ibáñez TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Quinteto Talim

Por: | Fecha: 2023

El Quinteto Talim reúne a un vibrante grupo de solistas clásicos indios con un sonido amplio, diverso y poderoso. La paleta tímbrica colorida del ‘sitar’, el ‘sarod’ y el violín, rodeada por los ritmos melódicos de la tabla, está arraigada en la tradición de la música clásica hindustani que cada músico heredó a través de linajes antiguos. La palabra ‘talim’ se traduce como ‘entrenamiento’ o ‘educación’, transmitida de un Gurú a su discípulo. La expresión pura de esta transmisión es el estándar que cada uno de los artistas en este conjunto se esfuerza por lograr. Juntos, representan más de un siglo de ‘talim’. Si bien la tradición de la música india es esencialmente improvisada, debido a que los integrantes del ensamble han colaborado juntos durante más de una década, han desarrollado un sonido cohesivo y unificado, aunque dejando espacio para que cada voz brille individualmente. Herederos de algunos de los músicos indios más célebres del siglo xx (Ustad Ali Akbar Khan, Pandit Swapan Chaudhuri, Sisirkana Dhar Chowdhury), estos artistas comparten sus tradiciones con el mundo moderno con integridad e ingenio. El resultado es una meditación, poderosa y emocional, sobre la música misma, evocando, en igual medida, las sensaciones de paz y de euforia.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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Programa de mano - Quinteto Vástago, quinteto de maderas (Colombia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Jueves 1 de junio de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Laura Daniela Muñoz González · PULEP: INW878 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES QUINTETO VÁSTAGO (Colombia) quinteto de maderas Demostración de música india con el Quinteto Talim Lunes 5 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 9:00 a.m. Quinteto Talim (Estados Unidos), música tradicional india · Foto: Edward Rossel SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Quinteto Vástago, quinteto de maderas Luis Fernando Cardona, flauta; Óscar Moreno, clarinete; Emily Valderrama, fagot; Fernando Ortega, corno francés; Valentina López, saxofón soprano. Ensamble de instrumentos de vientos conformado en 2021 por integrantes y exintegrantes de la Banda Municipal de Manizales que buscan generar espacios de interacción musical diferentes al estilo habitual de los movimientos de música de cámara. Con su formato poco convencional, que integra al saxofón soprano, esta agrupación cuenta con una sonoridad particular y una propuesta vanguardista. El quinteto ha tenido gran acogida en la escena musical nacional. Fueron ganadores en la categoría universitaria del Festival de Música de Cámara organizado por Iberacademy en 2021, que se llevó a cabo en El Retiro, Antioquia, y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes en 2023. La agrupación también ha tenido la oportunidad de participar en conciertos realizados en diferentes espacios de Manizales, como el auditorio del Centro Cultural Universitario Rogelio Salmona y el auditorio de Bellas Artes de la Universidad de Caldas. Conozca más acerca de la agrupación @quintetovastago Quinteto Vastago 2 PROGRAMA Olé guapa (1939) ARIE MAASLAND ‘MALANDO’ (1908-1990) Original para acordeón y ensamble de cuerdas y percusión Reducción para quinteto de maderas de Joachim Schemiher (n. 1934) sobre la versión para orquesta sinfónica del compositor Quinteto de viento No. 1 ‘Serenade’ (1931) Overture Air Jig Interlude Theme and variations Rondino GORDON JACOB (1885-1984) Para quinteto de maderas Suite popular cubana (2007) Homenaje al danzón Son a Gladys Nidia Invitación al bolero Recordando el chachachá FÉLIX DARÍO MORGAN (1966-2016) Para quinteto de maderas INTERMEDIO Despasillo por favor (2006) LUIS CARLOS ‘LUCAS’ SABOYA (n. 1980) Original para tiple Arreglo para quinteto de maderas de Cristian Camilo Galindres (n. 2000) Aires tropicales (2015) Alborada Son Habanera Vals Venezolano Dizzynes Afro Contradanza PAQUITO D’RIVERA (n. 1948) Para quinteto de maderas 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein El ritmo en la sangre: introducción a algunos bailes latinoamericanos Suele decirse que los latinoamericanos tenemos el ritmo ‘en la sangre’, expresión que, si bien puede tomarse como una generalización simplista, realmente tiene una gran validez si se asume de una manera más subliminal que literal. Es bien sabido, por ejemplo, que la constitución étnica del latinoamericano promedio es una mezcla europea, africana e indígena, sincretismo que inevitablemente condujo a las sociedades de Latinoamérica a crear géneros musicales que son un reflejo directo de ese diálogo intercultural. En este sentido, bien puede afirmarse que los latinoamericanos sí tenemos el ritmo ‘en la sangre’, no porque sepamos bailar al nacer, sino porque el origen de nuestros ritmos se encuentra en nuestro propio abolengo étnico. En cuanto a los ritmos que conforman el cancionero de América Latina, estos son demasiado numerosos para detallarlos aquí; basta con mencionar, sin embargo, algunos de los que se escucharán en el concierto de hoy, como lo son el tango, el danzón, la habanera, el pasillo y la contradanza. El tango, asociado con el paisaje cultural urbano de Argentina, es quizás el género más sincrético de todos los mencionados, puesto que dentro de su historia se pueden encontrar posibles influencias africanas, indígenas y de varias etnias europeas, entre las cuales figuran algunas de España y de Francia1. A manera de síntesis, puede decirse que el tango tuvo algunos de sus orígenes en los tambos africanos y estos, a su vez, pasaron por un proceso de aculturación que los mezcló con músicas llegadas de Cuba y de Europa, las cuales confluyeron todas en los centros urbanos de Argentina y Uruguay para crear un género que sigue siendo único en el mundo. 1 Aunque la influencia africana en el tango se ha debatido mucho en la actualidad, existe un consenso en que hubo una alta participación de músicos africanos en la popularización del género en Argentina, sin mencionar sus similitudes con la habanera —un género cubano de honda raíz africana—. Véase: Aravena, J. (2003). El tango y la historia de Carlos Gardel, 2ª ed. Santiago de Chile: LOM Ediciones, pp. 25-26. 4 Por su parte, el danzón y la habanera cubana son géneros que a su vez se encuentran en el propio tango, y sus orígenes también se atribuyen a la influencia africana. Dada la localización geográfica de Cuba, cuyas costas sirvieron por siglos como punto conector entre Europa y América, las músicas de la isla son también un compuesto sincrético cuya mezcla exacta es difícil de rastrear, pero en su historia la música francoafricana traída de Haití (antigua colonia francesa) cumple un papel fundamental. Para no adentrarnos en detalles, basta con recordar que en 1804 Haití se convirtió en el segundo país independiente de América, producto de la única revuelta esclava exitosa a nivel nacional en la historia del continente. Dada la estrecha cercanía geográfica entre Haití y Cuba, el éxodo migratorio que produjo la revolución se tradujo en un influjo enorme de cultura haitiana a las costas cubanas, entre cuyos legados figura el ritmo del cinquillo y la importación de la contradanza —género surgido en Inglaterra (de ahí su nombre: country dance), transformado en Francia y re-transformado por los africanos que trabajaban en las plantaciones haitianas—. En cuanto a la habanera y el danzón, es bien sabido que ambos géneros se alimentaron del cinquillo haitiano, esquema rítmico que cada uno utiliza a su manera, pero cuyo origen compartido explica su similitud2. En vista de este entramado cultural que dio origen a los ritmos mencionados, el pasillo colombiano se revela como uno de los ritmos menos sincréticos de América Latina, aunque su origen, en términos étnicos, sea prácticamente el mismo que el de la mayoría de géneros musicales del continente. A manera de repaso, basta con recordar que el pasillo provino del vals austriaco, introducido a tierras colombianas durante las guerras independentistas; de ahí en adelante, sufrió variaciones de corte zambo (y, desde luego, español) que eventualmente aumentaron la velocidad del vals original y desembocaron en el género que es interpretado —más que bailado— el día de hoy. Como dato relevante no sobra mencionar que el pasillo, al igual que varios géneros del folclor colombiano, cayó en un largo olvido a partir del siglo xx, época en que la música comercial de países foráneos sepultó a los géneros colombianos de una manera muy similar a la forma en que las industrias foráneas sepultaron las industrias nacionales. Un recordatorio, a fin de cuentas, de que la música no es un acontecimiento aislado del contexto más amplio que rige nuestras vidas. 2 Sobre la relación entre la música cubana y haitiana, hay varios estudios, pero uno de los más conocidos es el de Alejo Carpentier, La música en Cuba (México D.F.: Fondo de cultura económica, 1946). 5 El programa de hoy Olé guapa (1939) – Arie Maasland ‘Malando’ (1908-1990) Con un título muy sugestivo, esta obra es quizás la más famosa del acordeonista neerlandés Arie Maasland, quien fue una verdadera estrella conocida a nivel mundial bajo su seudónimo de ‘Malando’. Aunque la noción de un neerlandés escribiendo y tocando tango podría sonar sacrílega, lo cierto es que esta composición del acordeonista, una vez llegada a Argentina, se convirtió en un éxito monumental que se cantó y se bailó por varias generaciones, hasta el punto de que todavía hoy resuena en las pistas de tango en Buenos Aires. Es de destacar que esta composición ha sido grabada por más de doscientas orquestas, hito irónico para un tango compuesto en un país a más de doce mil kilómetros de Argentina. Quinteto de vientos No. 1 ‘Serenade’ (1931) – Gordon Jacob (1885–1984) Si bien esta obra no tiene una relación directa con América Latina, su inclusión en el programa se debe a que sus ritmos también son de baile, en este caso bailes de corte inglés, escocés y francés, los cuales, no sobra decir, también influenciaron varios géneros latinoamericanos. Dividida en cinco partes, se pueden advertir bailes que fueron muy populares en la Europa de los siglos xvii y xviii: el aire, la jiga y el rondó francés, que podían estar agrupados en una suite. En cuanto a la obertura y al intermedio, tampoco sobra mencionar que estos dos géneros eran un componente esencial de los eventos de baile de la época. Después de todo, la obertura era necesaria para avisarle a los asistentes que el baile estaba por arrancar, mientras que el intermedio, por obvias razones, era una pieza situada a la mitad del repertorio para permitir a los invitados descansar, tomar un refresco o socializar. Un dato curioso: es de notar que esta obra fue escrita en el siglo xx por un compositor que era gran amante de las formas y los géneros antiguos, por lo cual su estética se nos revela como un híbrido entre los sonidos del pasado y el presente. 6 Suite popular cubana (2007) – Félix Darío Morgan (1966-2016) Acorde con el esquema de la suite barroca (pero ahora adaptado al contexto latinoamericano), esta obra se ha convertido en un clásico de los quintetos de maderas. Dividida en cuatro movimientos, cada uno presenta una muestra de distintos ritmos cubanos: el danzón, el son, el bolero y el chachachá. Su compositor, el matancero Félix Darío Morgan, fue formado en el Instituto Superior de Arte en La Habana y en la desaparecida República Democrática Alemana (Alemania Oriental), tras lo cual se desempeñó como profesor de vientos en la Universidad del Valle, en Cali, desde 2002 hasta su prematura muerte. Que sirva esta ocasión, entonces, para rendir un homenaje no solo a la música cubana, sino a su maestro, quien fue muy apreciado por sus estudiantes en el entorno caleño. Despasillo por favor (2006) – Luis Carlos 'Lucas' Saboya (n. 1980) En el ámbito colombiano, pocos compositores interesados en la riqueza artística del país se han destacado tanto en los formatos de cámara como Lucas Saboya, quien es igualmente conocido por su destreza como intérprete del tiple. Es preciso mencionar que su obra Despasillo por favor forma parte del disco 50 años tocando para ti de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, producción que fue galardonada con el Grammy latino en 2018. En términos musicales, la obra sobresale por su carácter lírico, con fuertes toques de jazz, a la manera de un recuerdo nostálgico de las épocas de Lucho Bermúdez y las grandes bandas de baile. Aires tropicales (2015) – Paquito D’Rivera (n. 1948) En un gesto muy apropiado, la última obra del programa es una síntesis de algunos de los géneros más destacados de la música latinoamericana, cuya riqueza y variedad se ve representada en algunos ritmos ya mencionados —la contradanza, el son, la habanera— y otros poco conocidos en Colombia: el vals venezolano, por citar un ejemplo. Como su nombre lo indica, el origen del género se remonta al siglo xix, época en que el ländler, un popular baile de las zonas rurales de Austria y muy similar a la contradanza, se importó a tierras venezolanas. Una vez popularizado en las fiestas del país vecino, el vals venezolano no solo se convirtió en baile esencial del país, sino que empezó a ser considerado el precursor de otros bailes venezolanos, como lo es el joropo. 7 Otra prueba, entre muchas, de la forma en que la música es capaz de moverse entre fronteras sin causar conflictos y, ante todo, de propiciar intercambios culturales que hoy sobreviven como una hermosa celebración de la diversidad humana. REFERENCIAS Aravena, J. (2003). El tango y la historia de Carlos Gardel, 2ª ed. Santiago de Chile: LOM Ediciones. Carpentier, A. (1946). La música en Cuba. México D.F.: Fondo de Cultura Económica. Alexander Klein. Es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 8 Foto: Chelo Camacho Foto: Javier Gustavo Arce Ortiz Concierto de Santiago Duque (Colombia) piano Jueves 8 de junio de 2023 6:30 p.m. PULEP: OHN446 Concierto de David Pérez (Colombia) trombón Jueves 29 de junio de 2023 6:30 p.m. PULEP: UKR908 9 Foto: Danilo Andrés Rivas Gutiérrez Foto: Enrique Menacho Concierto de Daniel Moreno (Colombia) trompeta Jueves 29 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: KRI955 Concierto de Juan David Gómez (Colombia) oboe Jueves 13 de julio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: OTM725 10 Quinteto Carion • Foto: Jānis Porietis TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Quinteto Vástago, quinteto de maderas (Colombia)

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Quinteto Vástago

Por: | Fecha: 2023

Ensamble de instrumentos de vientos conformado en 2021 por integrantes y exintegrantes de la Banda Municipal de Manizales que buscan generar espacios de interacción musical diferentes al estilo habitual de los movimientos de música de cámara. Con su formato poco convencional, que integra al saxofón soprano, esta agrupación cuenta con una sonoridad particular y una propuesta vanguardista. El quinteto ha tenido gran acogida en la escena musical nacional. Fueron ganadores en la categoría universitaria del Festival de Música de Cámara organizado por Iberacademy en 2021, que se llevó a cabo en El Retiro, Antioquia, y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes en 2023. La agrupación también ha tenido la oportunidad de participar en conciertos realizados en diferentes espacios de Manizales, como el auditorio del Centro Cultural Universitario Rogelio Salmona y el auditorio de Bellas Artes de la Universidad de Caldas.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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Quinteto Vástago

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Programa de mano - Hina Maeda, violín (Japón); Michał Francuz, piano (Polonia)

Por: | Fecha: 08/06/2023

Miércoles 3 de mayo de 2023 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 4 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio de Música del Tolima Viernes 5 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Foto: Leszek Zadoń · PULEPS: LIE740, PXC254, BJA247 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL HINA MAEDA (Japón) violín MICHAŁ FRANCUZ (Polonia) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Alexander Ullman • Foto: Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de abril de 2023 • 2:00 p.m. 1 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Hina Maeda, violín Hina Maeda nació el 12 de agosto de 2002. Se graduó de la Escuela de Música de Tokio y luego comenzó sus estudios en la Escuela Superior de Música. Su palmarés incluye el primer puesto en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski (2022), el primer puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Tokio (2020), el segundo puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Japón (2019), así como el primer puesto, Premio Virtuoso y Premio de Patrocinio en el Concurso de Violín Kloster Schöntal en su grupo etario (2015). Fue denominada Artista Pygmalion Days de CHANEL 2020. Como solista, se ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Kansai y la Orquesta Filarmónica de Osaka. Toca el violín Stradivarius 1715 ‘Joachim’ en préstamo de la Nippon Music Foundation. Michał Francuz, piano Michał Francuz nació en 1980 en Szczecin, Polonia y se graduó de la Escuela Secundaria Estatal de Música Feliks Nowowiejski de Szczecin, donde estudió piano con el Dr. Mikołaj Szczęsny. Continuó su formación en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznań, donde fue alumno de Waldemar Andrzejewski. Desde 2010 es profesor del Departamento de Música de Cámara de dicha academia. Ha colaborado con casi todas las grandes orquestas filarmónicas y de cámara polacas, así como con la Sinfonía Varsovia, la Orquesta Baltic Neopolis, la Orquesta Feelharmony, la Orquesta Colegium F, la Orquesta de Cámara l’Autunno, y con instituciones como el Teatro Wielki de Poznań, el Teatro Polski y el Teatro Kameralny de Szczecin y la Ópera Báltica de Gdańsk, al igual que con la Sociedad Musical Henryk Wieniawski de Poznań. Es coautor de varios proyectos de música de cámara; ha participado en diversos festivales internacionales, entre ellos, Les Folles Journes Chopin - Chopin Open en Varsovia, Cinquieme Festival Culturel International de Musique Symphonique en Argelia, Festival Lubomirski en Polonia y Ucrania, entre otros. Ha dado numerosos conciertos en la Mansión de Chopin en Żelazowa Wola y en el Palacio Real de los Baños de Varsovia. 2 En mayo de 2015 debutó en el Carnegie Hall de Nueva York. En 2019 publicó el álbum Polskie Sonaty Skrzypcowe (Sonatas polacas para violín), que grabó con Bartek Nizioł. En 2020 lanzó el álbum grabado con Joanna Konarzewska y Rafał Kwiatkowski. En el mismo año, se unió a Śląski Quartet para grabar un trío y un cuarteto de piano de Władysław Żeleński. Ha realizado varias grabaciones para la radio y la televisión polacas; fue pianista oficial del XV y XVI Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski de Poznań. 3 Estos conciertos se realizan con el apoyo de: 4 PROGRAMA Sonata para violín y teclado en mi menor, K. 304 (1778) Allegro Tempo di menuetto WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Fantasía sobre temas de ‘Fausto' de Gounod, Op.20 (1865) HENRYC WIENIAWSKI (1835-1880) Original para violín y orquesta Versión para violín y piano del mismo compositor INTERMEDIO Sonata para violín y piano No. 5, Op. 53 (1953) Andante con moto Allegro molto Allegro moderato Allegro – Andante – Allegretto – Andante MIECZYSŁAW WEINBERG (1919-1996) 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Nunca imaginó Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) que aquel viaje emprendido en 1777 junto con su madre Ana María por diferentes ciudades de Europa sería el escenario de una de las más dolorosas pérdidas de su vida. Sólo un año después de partir, cuando aún se encontraban de viaje (más exactamente en París), ella falleció. Mozart, quien siempre mantuvo una intensa relación epistolar con su padre, únicamente atinó a contarle que estaba enferma, antes de confesarle varios días después, que en realidad había muerto. Es posible, por lo tanto, leer en algunas composiciones de la época la congoja, angustia y desolación que dicha situación pudo acarrear en el joven. A esa edad, Mozart contaba ya con un amplio reconocimiento por su capacidad como intérprete y compositor, razón por la cual había decidido emprender este viaje, por ciudades como Mannheim, Múnich y París, en busca de un puesto importante. A pesar de no haber conseguido la anhelada posición, durante el viaje Mozart compuso siete sonatas para violín y piano entre las que se destaca la No. 21 en mi menor, K. 304 por ser la única en esta tonalidad entre las casi treinta y cinco sonatas para violín y piano que escribió a lo largo de su vida. Aunque no se sabe con certeza si la compuso antes o después de la muerte de su madre (julio de 1778), en su análisis es fácil advertir la tristeza que experimentó el compositor al encontrarse ante este doloroso trance. La sonata consta de dos movimientos: Allegro y Tempo di minuetto, lo que en sí es una rareza, pues para entonces ya se habían estandarizado las sonatas de tres movimientos. Algo que también es destacable es la profundidad emocional de su escritura en comparación con las demás sonatas de la época. A un primer movimiento ágil, pero nostálgico, sucede un movimiento en forma de danza (minuetto) con melancólicos interludios en modo mayor y una melodía dulce que prefigura la sensibilidad romántica. Mozart conocía muy bien el lenguaje instrumental del violín que él mismo interpretaba1. Esto se ve reflejado, no sólo en la escritura virtuosa del violín, sino en el equilibrio entre las voces de ambos instrumentos que establecen un auténtico diálogo por medio del cual se 1 Además de ser hijo de uno de los más reconocidos violinistas de la época, Leopoldo Mozart. 6 complementan. Es esta una de las sonatas más famosas y más frecuentemente interpretadas del compositor por su belleza, originalidad y, sobre todo, por la dulzura e intensidad emocional de su segundo movimiento. Desde inicios del siglo xix la admiración generada por intérpretes virtuosos como Niccolò Paganini se extendió, al tiempo que lo hizo el número de personas con acceso a la música2. Paganini revolucionó la técnica de interpretación del violín abriendo la ruta de grandes intérpretes como el polaco Henryk Wieniawski, (1835-1880) quien, igual que su predecesor, destacó tanto como intérprete y compositor. Esta ‘democratización’ del acceso a la música permitió que espectáculos como la ópera se popularizaran a tal nivel que sus melodías trascendieron los límites del teatro, encontrándose pronto en trascripciones, arreglos y adaptaciones para diferentes formatos. Pocos fueron los compositores que resistieron a esta tendencia de adaptar arias de óperas famosas y Wieniawski no fue la excepción. En 1865 publicó la Fantasía brillante sobre temas de ‘Fausto’ de Gounod, Op.20, basada en esta ópera cuya popularidad se encontraba entonces en pleno auge3. Había sido tal su éxito que muchas de sus arias llegaron a formar parte del repertorio popular incitando a un número considerable de compositores a reutilizar algunos de sus temas más conocidos en obras instrumentales, vocales y orquestales. La forma ‘fantasía’ escogida por Wieniawski era también muy popular en la época, ya que sus características formales permitían un tratamiento libre de las melodías más conocidas por el público, dando lugar a la apreciación de nuevas versiones, tal vez más elaboradas, de aquellos temas que tanto disfrutaba. En este caso, por ejemplo, el compositor elaboró una serie de variaciones sobre algunas de las arias más populares de la ópera y las reunió en cinco secciones muy dispares en cuanto a tonalidad y métrica. Escogió algunas de las más reconocidas de los personajes principales Mephistoteles y Margarita, así como de personajes secundarios como Valentín y Siebel. El reto de reutilizar obras vocales (en especial de una ópera, género caracterizado por su elevado contenido melodramático) en un formato instrumental, implica un tratamiento que le dé lugar al instrumento (el violín en este caso) para equiparar la fuerza dramática de la voz, más allá del virtuosismo (característica de la escuela de violín a la que pertenecía Wieniawski), exhibiendo todas sus 2 Consecuencia de los cambios sociales sobrevenidos durante el siglo de las luces y que se reflejaron en el nuevo orden social del siglo xix. 3 Presentada por primera vez en 1859, se encontraba aún en la programación de los principales teatros. Wieniawski publicó esta fantasía en dos versiones: para violín y piano, y para violín y orquesta. 7 posibilidades líricas para respetar el carácter de cada personaje. Es el equilibrio entre estos dos aspectos lo que llegó a convertir a esta obra en una de las preferidas del repertorio violinístico de concierto. Una realidad muy distinta le tocó vivir al compositor ruso Mieczysław Weinberg (1919-1996). Nacido en Polonia y de padres judíos, pasó la mayor parte de su vida en la Unión Soviética, su país adoptivo. Inició sus estudios musicales en Varsovia, su ciudad natal, donde, desde sus inicios, se le auguró un brillante porvenir, que quedó truncado con la ascensión del nazismo y la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Logró huir a Rusia, pero sus padres y hermana no corrieron con la misma suerte y murieron en el campo de concentración de Trawniki. Esta amarga experiencia quedó plasmada en muchas de sus obras en las que hizo frecuente alusión al tema de la guerra y la muerte, como es el caso de su Sinfonía 18, Op. 138, titulada Guerra, no existe palabra más cruel. En Rusia continuó sus estudios de composición con un alumno de Rimsky-Kórsakov, interesándose cada vez más por la música folclórica. Por esos años también conoció a Shostakovich, con quien construyó una gran amistad. La admiración y respeto entre ambos músicos fue mutua y con frecuencia se vio reflejada en dedicatorias de ambas partes. Para Weinberg, aun estando en Rusia, las persecuciones no cesaron, pues, si bien el país comunista fue uno de los que más emigrantes judíos acogió, el clima antisemita se acrecentó bajo la dictadura de Stalin. En 1941 Weinberg huyó esta vez a Uzbekistán, regresando a Moscú en 1943. El momento más difícil, sin embargo, llegó en 1953 cuando fue arrestado y conducido a la prisión de Lubyanka, acusado de trabajar para el «comité nacionalista judeo-burgués». Unos años antes, Stalin había mandado a asesinar al suegro de Weinberg (haciéndolo pasar por un accidente) y desde entonces había iniciado una persecución en contra del compositor, hasta lograr acusarlo. Tras unos meses de presido, y a causa de la muerte de Stalin, fue finalmente liberado. En ese ambiente de represión escribió la Sonata para violín y piano No. 5, Op. 53, dedicada a Shostakovich. En ella se siente la influencia de este compositor, así como la de la música judía que Weinberg había aprendido de su padre y posteriormente de su suegro. Consta de cuatro movimientos, el primero, Andante con moto, expone un tema que regresará en diferentes momentos de la sonata; el segundo, Allegro molto, es una forma sonata clásica; el tercero, Allegro moderato en forma rondó, respeta el ritmo cadencioso de una danza; y el último y más extenso, Allegro – Andante – Allegretto – Andante, 8 retoma parte del material melódico del primer movimiento y está dividido en varias secciones con cambios de tempo. Esta es una obra muy exigente por su virtuosismo y extensión, lo que la hace merecedora de un lugar privilegiado en el repertorio de concierto para violín. Weinberg dejó tras de sí un número considerable de composiciones entre las que figuran sinfonías, sonatas, cuartetos de cuerda, conciertos, ballets, óperas, cantatas, música incidental y también un gran número de canciones. A pesar de que en vida gran parte de su música no fue interpretada por razones políticas, hoy en día el interés por su obra se ha incrementado considerablemente, oyéndosele cada vez con más frecuencia en salas de concierto y teatros. Angélica Daza. Es maestra en música con énfasis en música antigua y obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora y conferencista de las charlas previas a los conciertos de la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 9 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Foto: Marianna Peruń-Filus Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo 6:30 p.m. Concierto de Ensamble Etnos (Polonia), música tradicional polaca Domingo 7 de mayo en Bogotá 11:00 a.m. 10 Trío Karénine • Foto: Grégory Massat TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea
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Hina Maeda

Por: | Fecha: 2023

Hina Maeda nació el 12 de agosto de 2002. Se graduó de la Escuela de Música de Tokio y luego comenzó sus estudios en la Escuela Superior de Música. Su palmarés incluye el primer puesto en el Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski (2022), el primer puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Tokio (2020), el segundo puesto y Premio del Público en el Concurso de Música de Japón (2019), así como el primer puesto, Premio Virtuoso y Premio de Patrocinio en el Concurso de Violín Kloster Schöntal en su grupo etario (2015). Fue denominada Artista Pygmalion Days de CHANEL 2020. Como solista, se ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Kansai y la Orquesta Filarmónica de Osaka. Toca el violín Stradivarius 1715 ‘Joachim’ en préstamo de la Nippon Music Foundation.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Fotografías

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