Por:
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Fecha:
13/10/2021
Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021
Concierto digital No. 32
Estreno: miércoles 20 de octubre · 6:00 p.m.
EDUARDO ROJAS
piano (Colombia)
Foto: Iván Aguayo
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
@SaladeConciertosLuisAngelArango
@BanrepculturalPopayan
Banrepcultural
TOME NOTA
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desde de su casa. Solo o en familia, organice un
espacio que le permita apreciar al máximo esta
experiencia, prepare la tecnología que tenga a
la mano para visualizar el concierto, revise los
parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa
en el que se sienta cómodo para vivir el concierto.
Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de
asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se
vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras
actividades, apague el teléfono, entréguese a la
música y, ¡disfrute del momento!
Aproveche que está en casa, prepárese antes del
concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío
o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador.
Asegúrese de tener a la mano los elementos que
necesita o con los que se siente cómodo, evite las
distracciones y entréguese a la experiencia.
A lo largo de este programa de mano encontrará
hipervínculos que le permitirán conocer más
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fácilmente a contenidos relacionados con el
concierto o con la programación musical del Banco.
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CONCIERTOS PARA EL RETORNO
Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos
completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se
identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a
esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público
lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la
República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel
Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha
… ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al
mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en
vivo por la salud y el bienestar de todos.
No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones,
la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del
país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una
temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021.
Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir
sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un
bien público.
El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie
de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales,
grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la
República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca
Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal
Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook
de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de
Conciertos Luis Ángel Arango.
Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a
nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República
continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música
se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores,
compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena
musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple
Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual
forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el
perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto,
hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock,
música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados
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que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de
reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del
Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en
formato de audio y video.
El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna
ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto
de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un
escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos
de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por
esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones,
distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como
escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de
nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de
la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición
que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir.
Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para
cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales
en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que
nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los
amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos.
@Banrepcultural
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Foto: Iván Aguayo
SOBRE EL INTÉRPRETE
EDUARDO ROJAS, piano
Aclamado por el periódico Dallas Morning
News como un «pianista de gran destreza y
personalidad». Eduardo Rojas ha tenido una larga
y célebre carrera como solista con varias orquestas
de Norteamérica y Suramérica. Sus presentaciones
más notables incluyen conciertos con Richmond
Symphony, Great Lakes Symphony, Manitowoc
Symphony Orchestra, American Wind Symphony
Orchestra, Dallas Chamber Symphony, Sinfónica
Nacional de Colombia, Orquesta Filarmónica de
Bogotá, Orquesta Nacional de Panamá, Orquesta
Sinfónica de Trujillo (Perú) y Filarmónica Joven
de Colombia, entre otras agrupaciones. Rojas
ha realizado con reconocidos directores de
trayectoria mundial, entre los que se destacan
Paolo Bartolomeoli, Chia-Hsuan Lin, Rafael Payare e importantes directores
colombianos como Carlos Botero, Andrés Jaime, Felipe Aguirre y Alejandro
Posada.
Eduardo Rojas posee una vasta experiencia como solista y concertista de
música de cámara. Ha ofrecido clases maestras en reconocidas instituciones
educativas, entre las que se encuentran la Southern Methodist University,
Richmond University, New Mexico State University, Fundación Van Cliburn,
la National Taiwan University of Arts, Dallas International Competition y
University of Birmingham.
En 2006, Eduardo Rojas fue becado por la Texas Christian University, en
donde cursó los estudios de Maestría en Música y Diplomado Artístico. En
2015 lanzó dos producciones discográficas, Eduardo Rojas Plays Beethoven, Vol. 1
y Regenwald - Melodies from the Rainforest, en los cuales interpreta arreglos
propios de piezas latinoamericanas como El choclo y Adiós Nonino. Estos
arreglos combinan los estilos musicales clásico y latino, que han cautivado
a audiencias diversas en distintos lugares del mundo. Dichos arreglos fueron
publicados por la compañía Texana Lovebird Music y han sido enviados a más
de treinta países.
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Conozca más acerca del artista
Eduardo Rojas
Sus sobresalientes habilidades artístico-musicales, junto con su pasión por
la música y su visión de tener una mayor influencia en la comunidad, llevaron
a Eduardo a fundar y liderar la Rojas School of Music, institución privada
que busca formar a los niños y jóvenes del área metropolitana de Dallas,
Texas, en donde actualmente reside. Rojas School of Music tiene sus propias
instalaciones en la ciudad de Grapevine al igual que núcleos orquestales en
Flower Mound. Eduardo Rojas es reconocido, además, como Artista Yamaha-
Bösendorfer en los Estados Unidos.
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Sonata para piano No. 8 en do menor,
Op. 13 ‘Patética’ (1797)
Grave - Allegro con moto e con brio
Adagio cantabile
Rondo. Allegro
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)
Widmung de Myrthen, Op. 25 (1840) ROBERT SCHUMANN (1810-1856)
Original para voz y piano
Transcripción para piano de Franz Liszt (1811-1886)
Gretchen am Spinnrade de Doce lieder
de F. Schubert, S. 558 (1837-1838)
FRANZ LISZT (1811-1886)
Arreglo de Gretchen am Spinnrade, D. 118,
lied de Franz Schubert (1797-1828)
Sonata para piano No. 2, Op. 19 (1898)
Andante
Presto
ALEXANDER SCRIABIN (1872-1915)
Tres preludios (1926)
Allegro ben ritmato e deciso
Andante con moto e poco rubato
Allegro ben ritmato e deciso
GEORGE GERSHWIN (1898-1937)
PROGRAMA
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SOBRE EL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Cuando, en 1792, Ludwig van Beethoven (1770-1827) finalmente decidió
abandonar Bonn, su ciudad natal, para radicarse en Viena, tenía en mente no
solo perfeccionarse como compositor, sino triunfar en la ‘meca del piano’. La
capital del Imperio austrohúngaro era un escenario en donde los pianistas más
talentosos competían ante el público en concursos de improvisaciones para
alcanzar así un sustento mediante el patrocinio de la aristocracia. En efecto,
Beethoven logró ubicarse en la lista de los mejores pianistas de la ciudad y,
prontamente, sus principales ingresos económicos fueron producto de las
clases de piano dictadas y las obras encargadas. En cuanto a sus intenciones
en torno a la composición, Beethoven consiguió tomar algunas clases con
Haydn, y si bien las sesiones no fueron ni frecuentes ni bien estructuradas,
pudo asimilar la esencia del estilo clásico de Haydn y Mozart, como también
absorber las nuevas tendencias románticas tan complejas en la armonía
y exigentes en el virtuosismo. Llegó a convertirse en uno de los mejores
compositores del universo musical austroalemán —si no el mejor— de las
primeras décadas del siglo XIX y fue figura crucial en el desarrollo del piano,
el instrumento ideal del Romanticismo.
Desde esta temprana época, Beethoven manifestó mucho interés en la
construcción del piano, que consideraba un instrumento imperfecto, y buscó
permanentemente, uno de mayor extensión, acción más pesada, tono más rico y
pedales versátiles. Escribió treinta y dos sonatas para piano solo, obras de singular
originalidad e inmensa sonoridad. A partir de los formatos de sus antecesores,
creó un nuevo género de dimensiones prácticamente sinfónicas, pleno de
dificultades técnicas, y amplios desarrollos de temas y motivos musicales.
Entre 1798 y 1799 escribió una sonata en do menor a la cual le puso el
título Patética. Fue un éxito inmediato. No solo el manejo de la tonalidad
menor y el inicio dramático de esta sonata justifican, plenamente, su título,
sino que toda ella respira un ambiente emotivo que va desde el más grave
patetismo hasta la más delicada ternura. Es la primera de sus sonatas en tener
una introducción lenta que se incorpora a la estructura formal. Los acordes
retornan al inicio del desarrollo, frenando así la gran actividad rítmica de
la exposición. En todas partes está presente el Beethoven de los grandes
contrastes: indicaciones de fortissimo seguidas por piano; crescendi súbitos;
sforzandi sorpresivos y acentos rítmicos naturales desplazados.
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El Adagio cantabile presenta una melodía florida que surge de las notas de
acompañamiento. Aquí, el compositor se propuso hacer cantar al instrumento.
El tercer movimiento, un rondó con su característico tema recurrente, ya no
es un pasaje ligero y juguetón, sino un episodio serio de gran actividad y
viveza rítmicas, teñidas del ambiente y el colorido dramático de la tonalidad
principal, do menor.
Autor de unas setecientas composiciones (más de la mitad de ellas para
piano), Franz Liszt (1811-1886) no fue un simple exponente del virtuosismo
romántico, fue también un compositor innovador cuyas obras más atrevidas
marcaron importantes hitos de la música del siglo XIX y preconizaron algunas
concepciones armónicas características del modernismo. A mediados de
siglo, Liszt era considerado ya uno de los mejores pianistas que el mundo
europeo había conocido. Aunque nacido en Hungría, Liszt se había formado
en el mundo musical austroalemán y supo conjugar las tendencias hacia el
Nacionalismo pictórico y el Romanticismo afectivo con la escuela de corte
académico del estamento musical alemán. La obra pianística de Liszt es un rico
catálogo de estudios, piezas de carácter, piezas nacionales, piezas evocadoras,
versiones de obras conocidas para el piano, variaciones, etc.
Entre 1839 y 1847, Liszt emprendió una serie asombrosa de giras de
concierto que lo llevó desde los Pirineos hasta los Urales con un número
aproximado de mil presentaciones. De hecho, con esta actividad pública
intensa, Liszt ayudó a crear la figura del ‘músico concertista’ del siglo XIX.
Fue él quien usó por primera vez la palabra ‘recital’ para sus presentaciones en
Londres e instauró la costumbre de tocar piezas de diversas épocas y diferentes
compositores en sus programas. Combinaba en sus actuaciones como pianista
obras de su propia inspiración con piezas tomadas del repertorio europeo
desde Bach hasta Chopin. De estas memorables giras datan los comentarios
célebres que hiciera Hans Christian Andersen sobre Liszt:
Cuando Liszt se sentaba al piano, la primera impresión que se recibía de su
personalidad venía de las fuertes pasiones marcadas sobre su rostro pálido, de
tal forma que parecía un demonio atornillado al instrumento de donde fluían los
tonos que salían de su sangre, de sus pensamientos; era un demonio que liberaba
su alma… Vi que el rostro asumía una expresión más noble e iluminada a medida
que continuaba tocando; el alma divina brillaba en sus ojos y cada facción; se tornó
hermoso, como solo lo pueden hacer los adoradores del espíritu y el entusiasmo1.
1 Aparte tomado de https://creativemindsandfashion.com/2013/06/23/franz-liszt/. Traducido al
español por Ellie Anne Duque.
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En el catálogo de obras de Liszt, hay un listado extenso de adaptaciones
pianísticas de obras de otros compositores que figuran como transcripciones,
versiones, variaciones, fantasías, etc. Para Liszt, el pianista concertista, estas
transcripciones servían para dar a conocer el repertorio de conciertos europeo
en los rincones más apartados de Europa. Las sinfonías, oberturas, arias,
canciones y piezas instrumentales de los colegas (vivos o muertos) de Liszt
eran materiales musicales que podían ser adaptados al piano y presentados con
nuevos ropajes. De Schubert y Schumann, Liszt adaptó innumerables Lieder
(canciones) para piano solo. En la mayoría de los casos, se trataba de canciones
que habían tenido una gran aceptación en su momento. Tal es el caso de
Widmung (Dedicatoria) de Robert Schumann (1810-1856) —también
conocida como Liebeslied (Canción de amor), y Gretchen am Spinnrade
(Margarita en la rueca), una de las primeras canciones de Franz Schubert
(1797-1828) sobre textos de Goethe y que hace alusión al estado de locura
de la protagonista, Margarita, mientras hila en su rueca de giros incesantes.
Entre los solistas y compositores geniales y excéntricos del siglo pasado,
el ruso Alexander Scriabin (1872-1915) ocupa un destacado lugar, gracias a
su ascendencia y porte aristocráticos, tendencias místicas y forma particular
de entender la música y los vericuetos de la armonía. Fue alumno de Anton
Rubinstein y junto con Rachmaninov, Lhévinne y Metner integra a una
generación de grandes pianistas-compositores rusos. Asimiló asombrosamente
el estilo de sus coetáneos y lo mezcló con las innovaciones de Chopin. Escribió
cuatro sinfonías, pero sus obras más difundidas y originales fueron escritas
para el piano, en especial sus obras cortas, profundamente personales.
Desde sus primeras obras para piano sentó las características más
prominentes de su estilo: fuerza expresiva y sensibilidad, riqueza e innovación
técnicas, lirismo poético y búsqueda del colorido armónico original. Su obra
posee un nivel alto de disonancia y momentos de atonalidad; a partir del
Opus 53, puso en práctica sus nociones originales acerca de los modos y la
armonía, y sus relaciones con los colores. Al lado de las diez sonatas para piano
solo, se destacan los conjuntos de estudios agrupados como Opus 2, 8, 42 y
65, iniciados a los 15 años de edad. Para Scriabin, todo compositor era un
visionario, pues el arte era una forma superior del conocimiento que revelaría
la verdadera realidad para proveer así un pasaje al mundo trascendental de
la divinidad. En sus obras Scriabin buscaba encontrar un estado de éxtasis
mediante el medio sonoro, y no la realización de una composición musical.
En su trabajo, a partir de 1901, se intuyen sus futuras propuestas
‘panarmónicas’ que lo acercaron a las teorías atonales de la escuela vienesa.
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Construyó acordes basados en intervalos de cuartas, ya no las tradicionales
terceras del sistema tonal y acuñó un acorde de seis notas llamado ‘acorde
místico’. Scriabin acopló la armonía musical a una teoría del color en la que
ciertas sonoridades se reflejarían en colores específicos. En 1911 organizó un
concierto con juegos de colores proyectados que respondían a las armonías
musicales. En el año de su muerte se encontraba componiendo una obra sacra,
Mysterium, que planeaba producir en el Himalaya a lo largo de siete días y siete
noches como el ‘acto de unión entre el Creador-Masculino y la Mujer-Tierra’.
El mar fue la inspiración de su segunda sonata para piano, que demoró
cinco años en completar. Apareció publicada con el título de Sonata-Fantasía.
El mismo compositor describió la obra, así:
[…] el primer movimiento representa la tranquilidad de la luz del sur en la costa; el
desarrollo es la agitación oscura del mar profundo. La sección media en mi bemol
mayor muestra la luz lunar acariciante que aparece luego de la oscuridad inicial de la
noche. El segundo movimiento, Presto, representa la expansión inmensa del océano,
agitada por tormentas.
Con la temprana muerte de George Gershwin (1898-1937), se perdió
una figura muy especial en el desarrollo musical de la década de los treinta
en Estados Unidos; hubiera sido interesante observar el alcance maduro
de su talento, que se desarrolló cómodamente en el mundo del musical
de Broadway, del cine de Hollywood y en el del gran repertorio orquestal.
Hijo de inmigrantes rusos, Gershwin se formó como pianista de concierto y
compositor de canciones populares junto con su hermano, Ira. La facilidad
demostrada con el lenguaje del jazz llevó a que Paul Whitman le comisionara
una obra para orquesta sinfónica en la que fueran evidentes los elementos del
jazz.
El concepto más generalizado acerca de la obra de Gershwin es el de que
constituye una adaptación ingeniosa o una estilización orquestal del jazz. Sin
embargo, un análisis paciente del estado de la música en Estados Unidos (tanto
de la denominada clásica como de la popular) entre los años intermedios a las
dos guerras mundiales nos demuestra que Gershwin estuvo más íntimamente
ligado a la canción popular influenciada por los antecesores del jazz, como
el rag y los blues que, por el fenómeno del jazz, que, durante ese período de
tiempo, vio crecer figuras tan notables como las de Duke Ellington, Louis
Armstrong y Charlie Parker. Esto se evidencia aún más si tenemos en cuenta
que Gershwin trabajó con música escrita, dejando de lado la característica más
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determinante del jazz de esta época: la improvisación y el swing o el manejo
libre e impredecible del ritmo.
George Gershwin y su hermano, Ira, aportaron obras geniales al repertorio
de la comedia musical de los años veinte en Broadway. Entre sus primeros
aciertos figuran Lady, Be Good (1924), ¡Oh Kay! (1926), Funny Face (1927)
y Of Thee I Sing (1931).
Los Tres preludios, originalmente concebidos para piano solo, son ejercicios
con aspectos muy llamativos del jazz como la síncopa, las escalas con notas
blue, las melodías cadenciosas, y las insinuaciones populares referenciadas al
baile y la canción. Tres preludios generan un diseño ternario con dos extremos
muy activos, y una sección media un poco más pausada y lírica. Entre los
aspectos más interesantes a seguir están la independencia entre ritmo y
melodía, la elaboración del gusto popular, el manejo del teclado, y la armonía
rica y variada.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional
de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de
Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio
de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho
años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una
publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas
de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se
centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX.
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