Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020
DÚO LEBENSFREUDE
violín y guitarra (Colombia)
Miércoles 26 de febrero de 2020 · 7:00 p.m.
San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
PULEP: ROR662
Viernes 28 de febrero de 2020 · 7:00 p.m.
Leticia, Sala Múltiple del Banco de la República
PULEP: KTD386
Jueves 5 de marzo de 2020 · 6:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
Concierto No. 10
PULEP: VXB235
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
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Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
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SÍGANOS EN
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Luis Ángel Arango
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Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones
DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra
Gustavo Adolfo Peña Arbeláez, violín
Juan Pablo Barrero Junco, guitarra
El Dúo Lebensfreude se caracteriza por conocer,
profundizar y difundir repertorios de música universal
y latinoamericana existentes para el formato de violín y
guitarra. El dúo está conformado por Gustavo Adolfo
Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco
en la guitarra, quienes cursaron el programa de música
en el Conservatorio del Tolima, bajo la dirección de
los maestros John Quijano y José de los Santos Pérez.
Peña y Barrero han presentado recitales en
importantes salas de conciertos del país como la
Sala Beethoven, en Cali; el Salón Alberto Castilla
del Conservatorio del Tolima, el Auditorio de la
Universidad del Tolima y la Sala del Centro Cultural
del Banco de la República, en Ibagué; el Auditorio
Euclides Jaramillo Arango de la Universidad del
Quindío, en Armenia; y el Auditorio Fabio Lozano, en
Bogotá. Han sido ganadores de diferentes concursos
como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en
Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios
2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para
ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en
2020.
Peña interpreta un violín Januarius Gagliano de 1732 y Barrero, una
guitarra del lutier Miguel Duarte, de 2017.
El concierto en San Andrés cuenta con la colaboración de
la Academia de artes Arts & Fun y la Escuela de música La Esfera
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PROGRAMA
Sonata concertata en la mayor, MS. 2 (1803)
Allegro spiritoso
Adagio assai espressivo
Rondo. Allegretto con brio, scherzando
NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840)
Selección de Siete canciones populares
españolas (1914)
El paño moruno
Nana
Canción
Polo
Asturiana
Jota
MANUEL DE FALLA (1876-1946)
Original para voz y piano
Transcripción para violín y guitarra de
Miguel Llobet
INTERMEDIO
Historia del tango (1986)
Bordel 1900
Café 1930
Nightclub 1960
Concert d’aujourd’hui
ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992)
Original para flauta y guitarra
Despasillo, por favor (2006) LUCAS SABOYA (n. 1980)
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NOTAS AL PROGRAMA
Niccolò Paganini (1782-1840) es quizás el nombre que más hace eco
cuando se piensa en el violín como instrumento solista. Virtuoso sin igual
en su tiempo, carismático e inteligente, Paganini fue una de las estrellas
musicales del periodo clásico-romántico en Europa occidental. Pero además
de su excepcional talento y gusto al escribir para el violín, Paganini también
tuvo una relación cercana con la guitarra, instrumento que en aquel momento
había empezado a llamar la atención de los compositores académicos en varias
regiones de Europa.
Paganini escribió más de cien obras para guitarra solista y casi la misma
cantidad de piezas para dúo con violín. Fue quizás este compositor quien
sentó las bases para que en adelante ambos instrumentos sellaran una relación
de complemento. Esto lo hizo mediante la sonata a dúo como fórmula
compositiva de la época. Si bien lo más común en este tipo de sonatas era
escribir para un instrumento melódico —generalmente el violín— con
acompañamiento de piano, Paganini cambió este último por la guitarra. Su
primera obra importante en este formato fue la Sonata concertata. Vale la pena
hacer un par de comentarios acerca del nombre de la pieza.
Durante el Clasicismo y el Romanticismo, la sonata se convirtió en el
paradigma formal que impulsaría la figura del solista. El espíritu de la época,
entendido como moderno o ilustrado, hacía del individuo el centro de
atención del pensamiento, las ciencias, las artes y las letras. Es por esto que la
sonata ha sido definida desde otras orillas como un acto de elocuencia —como
la oratoria— que reivindica dos tipos de individualidades: la del compositor
y su capacidad de escribir una pieza con coherencia, lógica y orden; y la del
solista y su capacidad de leerla e interpretarla de la misma manera. La sonata,
bien sea como pieza sencilla de instrucción o como obra compleja para los
profesionales, se ajusta a dos necesidades del momento: poder hacer música
en la intimidad del hogar, solo o acompañado, y poder tocar para un público.
Debido a las limitaciones de ciertos instrumentos por su volumen, rango
de notas o capacidades armónico-melódicas, surgen entonces las sonatas
a dúo. De otro lado, el término italiano concertato (concertado) se empezó
a usar en Italia y Alemania desde finales del siglo xvi para hacer referencia
a eventos en los que se reunían grupos de músicos a fin de tocar juntos de
manera armoniosa. De allí que la palabra nos remita automáticamente a la
idea de concierto. En la Sonata concertata en la mayor, MS. 2 de Paganini,
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se conjugan estas ideas en la medida en que es una sonata al estilo clásico,
implica la interacción de dos instrumentos, y es suficientemente interesante
musicalmente y exigente en lo técnico como para pasar de la sala de la casa a
la sala de conciertos.
Paganini escribió la Sonata concertata en 1803 cuando vivía en la ciudad-estado
de Lucca, occidente de Italia (hoy, parte de la Toscana). El joven
Niccolò había dejado su natal Génova poco tiempo atrás como consecuencia
de la expansión del imperio napoleónico y buscó establecerse en una ciudad
con rica vida cultural para continuar su carrera como concertista. Lucca era
entonces conocida por ser la cuna de Luigi Boccherini y Filippo Manfredi, dos
compositores versados en la escritura para instrumentos de cuerda frotada.
La llegada de Paganini generó sentimientos encontrados entre un público
conocedor y a la vez conservador: la técnica novedosa y el virtuosismo único
del genovés, así como su actitud engreída en tarima, no se ajustaban al canon
estético local, y algunos vieron esto como artificioso y exagerado. Pero el
talento de Paganini era innegable y al poco tiempo fue nombrado primer
violín de la orquesta estatal. Cuando en 1805 la ciudad pasó a ser parte del
Principado de Lucca y Piombino, la princesa Elisa Bonaparte (hermana de
Napoleón) nombró a Paganini director de la orquesta.
La estabilidad económica que encontró desde su llegada a Lucca le
permitió a Paganini dedicar parte de su tiempo a la composición, actividad que
hasta ese momento no había tomado muy en serio. Las obras de sus primeros
años allí pueden verse como propias de un periodo de afianzamiento en la
escritura para violín y guitarra, tanto en su versión solista como a dúo. Muchas
de las piezas de entonces son de tipo pedagógico, pero no por ello ausentes de
musicalidad o inaptas para su presentación en público.
Algo que puede considerarse especial en la Sonata concertata es que da la
impresión de ser una obra pensada para explorar las capacidades protagónicas
de la guitarra y abandonar así su anterior rol de acompañante. La guitarra
clásica moderna, con características similares a las que se conocen hoy en día
(forma, tamaño, número de cuerdas y afinación), es un instrumento que surgió
durante la segunda mitad del siglo xviii y que gozó de buena recepción en
España, Francia e Italia perfilándose allí como instrumento solista. Para inicios
del xix el compositor ya contaba con un repertorio cada vez más retador en
lo técnico y más serio en lo musical. En este contexto, Paganini escribió una
sonata a dos instrumentos en la que la guitarra resalta, pero respetando aspectos
formales de la época: no es una pieza para solista y acompañamiento sino
para dos instrumentos que dialogan; está estructurada en tres movimientos
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contrastantes en tempo y tonalidad; su primer movimiento, en forma sonata, es
animoso, mientras que el segundo es lento, y el tercero, como podía suceder, es
un rondó. Si bien el violín tiene momentos de protagonismo a lo largo de toda
la obra, también juega un papel de acompañante cuando la guitarra resalta.
Por supuesto, Paganini hace todo esto respetando la expectativa del oyente
que sabe que va a escuchar una ‘sonata concertada’ entre dos instrumentos, y
el diálogo que establece entre ambos es de exquisito balance.
Manuel de Falla (1876-1946) ha sido reconocido con el tiempo como
el compositor más ilustre de España de la primera mitad del siglo xx. La
importancia del compositor radica en haber gravitado en varios movimientos
musicales de su época para dejar un legado de obras nacionalistas, neoclásicas e
impresionistas; robustecer el repertorio de la zarzuela y otros estilos musicales-escénicos,
y facilitar los puntos de encuentro entre lo popular español y la
tradición académica. Además del entusiasmo mundial por no pocas de sus
obras, las Siete canciones populares españolas son el conjunto de piezas vocales
en lengua castellana más comúnmente interpretadas en el ámbito de la música
clásica.
Las canciones anunciadas parecen ser un asunto de interés continuo y
vigente entre teóricos musicales, compositores e intérpretes. Originalmente
escritas para voz y piano, las canciones han sido ampliamente referenciadas
en la musicología y han sido objeto de arreglos para otros instrumentos, bien
sea cambiando el instrumento acompañante, adaptando la música al formato
orquestal o hasta suprimiendo la parte cantada para hacer énfasis en la melodía
por medio de un instrumento puramente melódico como el violín. En el
concierto de hoy se presentará un arreglo instrumental de este último tipo
hecho por el guitarrista barcelonés Miguel Llobet; en este, se omite una de
las canciones, llamada Seguidilla murciana, segunda en la lista original, y se
modifica el orden de las piezas.
Falla escribió las Siete canciones populares españolas cuando vivía en París en
medio de una suerte de autoexilio entre 1907 y 1914. Aunque español hasta el
tuétano, Falla era también un cosmopolita y desde sus primeras composiciones
fue notorio que en su lenguaje había algo del influjo debussiano, especialmente
en el tratamiento de la armonía, que este llenaba de color con notas ajenas a los
acordes triádicos. Su obra no llamaba la atención en los círculos académicos
españoles, que en ese entonces parecían tener predilección por músicas más
‘auténticas’ o ‘fieles’ a la tradición, y eso lo llevó a buscar suerte en la capital
francesa, ciudad de inagotable vida cultural en la que el compositor interactuó
con grandes compositores como el propio Debussy, Stravinsky y Ravel.
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A su regreso a España en 1914, Falla ya era reconocido internacionalmente
y no pasó mucho tiempo para que publicara las canciones en las que llevaba
trabajando varios años. Las letras son reproducidas de canciones populares
españolas, en su mayoría anónimas, y son armonizadas al propio estilo de
Falla, ese que antes habían rechazado sus compatriotas. Si bien el trabajo
fundamental de Falla con las canciones fue el de resignificarlas musicalmente,
vale la pena tener las letras de estas como referencia:
El paño moruno (Gregorio Martínez Sierra)
Al paño fino, en la tienda,
una mancha le cayó.
Por menos precio se vende,
porque perdió su valor.
¡Ay!
Nana (anón.)
Duérmete, niño, duerme,
duerme, mi alma,
duérmete, lucerito,
de la mañana.
Nanita, nana.
Duérmete, lucerito
de la mañana.
Canción (anón.)
Por traidores, tus ojos
voy a enterrarlos.
No sabes lo que cuesta
del aire,
niña, el mirarlos,
madre, a la orilla.
Dicen que no me quieres,
ya me has querido.
Váyase lo ganado
del aire,
por lo perdido,
madre, a la orilla.
Polo (anón.)
¡Ay!
Guardo una pena en mi pecho
que a nadie se la diré.
¡Malhaya el amor, malhaya
y quien me lo dio a entender!
¡Ay!
Asturiana (anón.)
Por ver si me consolaba,
arriméme a un pino verde.
Por verme llorar, lloraba.
Y el pino como era verde,
por verme llorar, lloraba.
Jota (anón.)
Dicen que no nos queremos,
porque no nos ven hablar.
A tu corazón y al mío
se lo pueden preguntar.
Ya me despido de ti,
de tu casa y tu ventana.
Y aunque no quiera tu madre.
Adiós, niña, hasta mañana.
Astor Piazzolla (1921-1992) es el artífice de que el tango haya pasado
del entorno popular local entre Buenos Aires y Montevideo a elegantes salas
de concierto, primero en París y Nueva York, y luego en el resto del mundo.
Piazzolla había llegado de Nueva York (donde creció) a la capital argentina
a finales de la década de los treinta con la ilusión de vivir de escribir y tocar
tangos, pero su propuesta de música elegante y de escucha, en oposición a la
anterior tradición del tango que se bailaba, no fue recibida con entusiasmo.
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Su tratamiento de esta música de naturaleza popular era cosmopolita, cercano
al jazz en lo armónico y estilizado como la música académica, y por ello,
incomprendida en su momento.
A Piazzolla le tomó tiempo encontrar su vocación como músico pues
su sonido era ecléctico. No hacía ni tango de lleno, ni jazz, ni música clásica
al ciento por ciento. Y su poca consciencia sobre esto implicaba la falta de
voz propia en sus composiciones. Ello cambió en la década de los cincuenta
cuando Piazzolla se mudó a París para estudiar con la pianista Nadia Boulanger,
la pedagoga musical más influyente del siglo xx. Boulanger reconoció pronto
el verdadero talento del argentino y le pidió llevar su bandoneón a clase. El
resto es una historia de éxito de más de tres décadas.
La suite Historia del tango fue compuesta en 1985 en un punto en la
carrera de Piazzolla en el que este se había interesado por la guitarra clásica.
En el tango de vieja guardia la guitarra se utilizaba como un instrumento
acompañante, importante en el ensamble, pero con poco protagonismo. En los
grupos que lideró Piazzolla desde la década de los sesenta, se podía escuchar
destacada una guitarra solista, pero esta era eléctrica y se caracterizaba por su
sonido al estilo del jazz, especialmente en los solos. En 1980 el compositor
decidió explorar la guitarra clásica y escribió la serie Cinco piezas y, a partir
de entonces, empezó a planear una obra de mayor envergadura en la que la
guitarra clásica conversara con un instrumento melódico. Piazzolla ya había
escrito para flauta traversa en el pasado y, de hecho, el instrumento ya se había
usado en el tango de vieja guardia, por lo que la combinación se hacía lógica.
Si bien la obra fue escrita para este formato, dada la cercanía en registro de la
flauta con el violín, además de que este último también ha estado presente
en el tango desde sus inicios, la obra puede tocarse con cualquiera de los dos
instrumentos.
Historia del tango es una sucesión de escenas que representan el desarrollo
de este género musical. De allí sus nombres alusivos a lugares y el cambio en
el espíritu de cada uno: el burdel de inicios del siglo xx, pues se supone que
allí nació el tango, y una sonoridad graciosa y festiva; el café de los años treinta
como sitio de encuentro para tertuliar y escuchar música —ya no bailarla—,
de allí su carácter más reflexivo y expresivo; el club nocturno de los sesenta
y la vida bohemia, y finalmente, la vanguardia, el lenguaje del momento a
mediados de la década de los ochenta cuando Piazzolla ya era un compositor
maduro.
Lucas Saboya (n. 1980) puede ser, hoy por hoy, uno de los compositores
de música andina colombiana de mayor peso. Su música hace constante
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presencia en múltiples festivales a lo largo y ancho del territorio nacional,
bien sea de músicas académicas o populares, pues el lenguaje del compositor
se ajusta muy bien a la tendencia actual de cerrar las brechas entre ambos
mundos. Además, Saboya como compositor e intérprete, solista o
acompañante, ha representado al país en América y Europa, por lo que puede
decirse con seguridad que su música es pertinente. Despasillo, por favor es un
pasillo lento estructurado en dos partes contrastantes lento-rápido. Entre una
y otra se juega con la métrica tradicional de este aire, primero en compás de
tres cuartos y luego en uno de seis octavos. Como con la pieza anterior de
Piazzolla, Despasillo, por favor puede tocarse con flauta o violín sin alterar el
espíritu o la intención de la composición.
Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico egresado de la
Pontificia Universidad Javeriana. Se graduó como magíster en relaciones
internacionales de la misma institución con una investigación acerca de la
diplomacia del jazz durante la guerra fría, un estudio sobre la promoción
mundial del jazz estadounidense como herramienta propagandística contra
el comunismo internacional. Desde 2015 conduce programas radiales en
torno al jazz y las músicas afroamericanas en Javeriana Estéreo y UN Radio.
Actualmente, investiga sobre las representaciones del jazz en la literatura estadounidense
mientras cursa una maestría en estudios americanos en la Universidad de Heidelberg,
Alemania.
NOWHERE JAZZ QUINTET, jazz (Colombia)
Sábado 30 de mayo de 2020 · 7:00 p.m.
PULEP: BCQ332
ENSAMBLE SAYR, música tradicional persa (Irán)
Viernes 31 de julio de 2020 · 7:00 p.m.
PULEP: SZD363
TRES PALOS ENSAMBLE
oboe, clarinete y fagot (Colombia)
Viernes 4 de septiembre de 2020 · 7:00 p.m.
PULEP: TKS737
ANTONIO ARNEDO Y SAM FARLEY
saxofón y piano (Colombia / Estados Unidos)
Viernes 23 de octubre de 2020 · 7:00 p.m.
PULEP: ZKL549
ENSAMBLE S TRES PALOS ENSAMBLE · Foto: Paola Enciso AYR · Foto: Nathaniel Huard
Próximos conciertos en San Andrés
Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República
Próximos conciertos en Leticia
Sala Multiple del Banco de la República
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del
Banco de la República ingrese al siguiente enlace
www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo
y suscríbase a la lista de correos.
Boletas disponibles en
PULEP: XGM165. UZS572. UDE329. JNY980 PULEP: QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195
CHRISTOPHE ROUSSET
clavecín (Francia) *
Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m.
SOFIA RIBEIRO
jazz (Portugal)
Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m.
Este concierto también se presentará en
Barranquilla y Santa Marta
DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES
Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m.
VINCENT HEITZER
órgano (Alemania)
Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m.
WUILMER LÓPEZ, arpa llanera
Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará
en Montería y Sincelejo
DUETO IDILIO, música colombiana
Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará
en Buenaventura y Quibdó
LIZETH VEGA, cantante
Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará en Villavicencio
CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra
Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva
LAURA ESPINAL, piano
Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará en Cali
JULIÁN CAMILO LERMA, viola
Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m.
Este concierto también se presentará en Ibagué
Serie profesional
$10.000
Serie de los jóvenes intérpretes
$6.000 · NUEVO HORARIO
PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ
* Este concierto cuenta con el apoyo de
Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin
Foto: Edward Messa
Citación recomendada (normas APA)
"Programa de mano - Dúo Lebensfreude, violín y guitarra (Colombia)", -:-, 2020. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/2909296/), el día 2025-05-03.
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