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Palo E'Rosa

El ensamble Palo e’Rosa es una agrupación de música de cámara actualmente conformada por Angélica Johana Ruiz, Jefferson Stiven Mendoza, Andrés Felipe Cediel y Jorge David Cuadros. Formada a mediados de 2016, nace en la Universidad Industrial de Santander debido a la necesidad de crear una propuesta musical en la que se dieran a conocer diferentes instrumentos de percusión poco convencionales en el entorno colombiano y a la vez mostrar el trabajo interpretativo de algunos estudiantes de la cátedra de percusión de la misma universidad. Desde entonces, el ensamble se ha presentado en algunos escenarios de la ciudad de Bucaramanga y en el Primer Festival de Música Contemporánea Buconfest. Sus integrantes han recibido clases formativas con los maestros Juan de Jesús Pérez (Venezuela), Wendy Palomeque (México), John Wooton (Estados Unidos) y, Mario Sarmiento y Gabriel Galvis (Colombia), entre otros.
  • Tipo de contenido Acceso digital Fotografías
  • Año de Publicación 2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República

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Palo E'Rosa

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Imagen de apoyo de  Coro filarmónico infantil

Coro filarmónico infantil

El Coro Filarmónico Infantil fue creado en el 2014 como una de las nuevas agrupaciones musicales de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Está conformado por 120 niños y adolescentes de colegios distritales participantes en el Proyecto Filarmónico Escolar y en los Centros Filarmónicos Locales, de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, como parte del Proyecto Educativo OFB: La Filarmónica en la escuela y la ciudad. El Coro Filarmónico Infantil busca promover los valores y potencialidades artísticas de cada integrante, mediante la enseñanza de la música, el análisis musical, el movimiento corporal y el desarrollo de la voz como instrumento. El coro desarrolla las habilidades vocales y musicales de sus integrantes con rigor y excelencia, en un ambiente en el que el amor y la disciplina van de la mano. Es su objetivo lograr el crecimiento personal de sus integrantes en el marco del desarrollo humano, propiciando que el corista crezca en seguridad, gusto, calidad y creatividad dentro de un ámbito musical de alto nivel. Ha participado en eventos, entre los que se destacan los siguientes: XVII Festival Ópera al Parque, Encuentro de Coros Universidad Javeriana, Encuentro Coral en Tocancipá, Conciertos navideños OFB, Festival de Coros del II Diplomado en Dirección de Coros UPN, II y III Festival Distrital de Coros de la OFB, Encuentro de Coros Calera Canta y los conciertos distritales ‘Vamos a la Filarmónica’, con un repertorio en varios idiomas y géneros musicales, incluyendo montajes sinfónico-corales con el Coro Prejuvenil OFB y la Orquesta Filarmónica Infantil. Dentro de su actividad es importante subrayar la participación en montajes sinfónico-corales con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, entre ellos: el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, bajo la dirección de Leonardo Marulanda; Carmina Burana de Carl Orff, bajo la dirección de Kent Nagano; Las siete trompetas del Apocalipsis de Óscar Navarro; la Tercera sinfonía de Gustav Mahler, bajo la dirección de Francisco Rettig; la ópera El caballero de la rosa de Richard Strauss y, recientemente, la ópera infantil La princesa y la arveja de Luis Antonio Escobar. También se resalta su participación como invitado especial en La Cumbre de Paz, interpretando Para la guerra nada con varios artistas colombianos como María Mulata, Victoria Sur, Manuel Medrano y Martha Gómez.
  • Tipo de contenido Acceso digital Fotografías
  • Año de Publicación 2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República

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Coro filarmónico infantil

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Imagen de apoyo de  Alexis Descharmes y Alex Greffin Klein, violonchelo y violín (Francia)

Alexis Descharmes y Alex Greffin Klein, violonchelo y violín (Francia)

Por: Alexis - Violonchelo (Francia) Descharmes

Alexis Descharmes, violonchelo La revista Diapason eligió a Alexis Descharmes representante insigne del arte del violonchelo francés, junto con unos pocos colegas más de su generación. Este intérprete, que se reconoce como un activo embajador de numerosos repertorios para su instrumento, nació en 1977 y se formó en el Conservatorio de París como discípulo de Michel Strauss y Philippe Muller. En 1998 se vinculó al conjunto Court- circuit, en el que participa activamente junto a su director artístico, Philippe Hurel, mientras desarrolla actividades con el IRCAM y con el Ensemble Intercontemporain. En 2006 ingresó a la Orquesta de la Ópera Nacional de París sin dejar de lado el trabajo con su repertorio actual, y desde enero de 2016 forma parte de la Orquesta Nacional de Burdeos Aquitania, en calidad de solista. A Descharmes se le han dedicado más de cincuenta obras contemporáneas, tanto concertistas como solistas. Tiene en su haber más de medio centenar de producciones discográficas en las que interpreta solo o con las agrupaciones ya mencionadas, con quienes, además, se ha presentado en más de treinta países. Entre sus grabaciones se destacan sus discos para el sello Ӕon, con la obra para violonchelo de Kaija Saariaho; la obra para violonchelo de Franz Liszt, que obtuvo el Diapason d’Or de 2007; una selección de Lieder de Schubert, junto a su fiel compañero musical Sébastien Vichard, con el Ensemble Intercontemporain; la obra para violonchelo de Klaus Huber, que obtuvo el premio Grand Prix de l’Académie Charles Cros, y más recientemente, álbumes monográficos dedicados a obras para violonchelo de Reger Reynolds (Mode Records), Philippe Hurel (Motus) y Ricardo Nillni (L’empreinte Digitale). Actualmente, Alexis Descharmes está patrocinado por D’Addario, prestigiosa casa estadounidense fabricante de cuerdas para instrumentos. Alex Greffin Klein, violín Nacida en Francia en una familia cuyo linaje musical se remonta a varias generaciones, Alex Greffin Klein cursó el programa de posgrado del Royal College of Music de Londres, donde fue discípula del reputado profesor Felix Andrievsky. Allí completó sus especializaciones en interpretación solista y de cámara. Su pasión por la música de cámara la llevó a cursar una especialización más en la materia, en la clase de Walter Levin en la Hochschule de Basilea, Suiza. También recibió educación musical complementaria con Günter Pichler, integrante del Cuarteto Alban Berg, y con György Kurtag, quien al respecto de su discípula se expresó diciendo: «Alexandra dispone de un gran nivel, tanto individual como en el marco de la música de cámara. A esto se agrega la profundidad que ha adquirido su voz artística personal. Es una excelente violinista y una profesional íntegra de la música». Los primeros dos años de su carrera los pasó como intérprete de cuarteto de cámara. Ocupó el tercer lugar en el ARD Wettbewerb en 2004, fue galardonada en el Concurso Internacional de Burdeos en 2007 y recibió un premio especial en el Mozarteum de Salzburgo. Ha actuado en numerosos festivales y series de eventos en Europa, Estados Unidos y Japón. Desde 2009 toca frecuentemente junto con el Cuarteto Phidias (espectáculo con bailarines de hip-hop dirigidos por el coreógrafo Mourad Merzouki y con presentaciones en Francia, Marruecos, Finlandia, Hong-Kong e Indonesia), el Cuarteto Diotima (serie DeSingel en Amberes y en la Konzerthaus de Berlín), y más recientemente, el Cuarteto Parisii. Durante sus años como intérprete de cuarteto, la clase magistral con el Cuarteto Arditti en 2006 en el Hindemith Center en Suiza constituyó su primer encuentro significativo con la música contemporánea. Luego compartió con este grupo en torno a un concierto en el Klangspuren Festival de Austria. Desde 2009 dedica una parte importante de su carrera a la promoción de la música contemporánea, trabajando como solista y también junto con compositores alrededor del mundo en calidad de miembro de varias agrupaciones de música de cámara: Cairn, Alternance, Multilatérale, Itinéraire, Sillage y, desde 2012, como miembro permanente de Court-circuit. Se presentó en el Festival Darmstadt en 2010 y dos años después recibió el reconocimiento 5 Diapasons por su grabación del cuarteto de cuerdas de Raphaël Cendo. Philippe Hurel dedicó a Greffin Klein su nueva pieza para violín solo titulada Trait, que estrenó en París en septiembre de 2014 y grabó luego en 2016. Esta producción discográfica ganó el prestigioso Grand Prix de la Academia Charles Cros, recibió cinco estrellas en la revista Diapason y figuró entre los cinco mejores CD del año 2016, según France Musique (Radio Nacional Francesa). Ese mismo año ofreció su primera gira como solista en los Estados Unidos e interpretó el concierto de Jonathan Harvey junto con la Slee Sinfonietta, bajo la batuta de Julien Leroy. En el MUSICA Festival tocó un recital al lado de su compañero musical preferido, el violonchelista Alexis Descharmes, y estrenó el Concierto para violín de Antonio Tules, bajo la dirección de Jean Deroyer. Motivada a compartir con jóvenes músicos su pasión por el violín y el repertorio contemporáneo, Greffin Klein ofrece regularmente conferencias y clases magistrales en la École Normale de París, la New York University, la Universidad de Boston, el New England Conservatory, la Eastman School of Music de Rochester, el Conservatorio Central de Beijing y el Conservatorio Real de Birmingham. Greffin interpreta un violín fabricado por Sebastian Klotz, que data de 1756, usando el arco Ouchard de Charles Tate, que generosamente su familia le ha cedido en préstamo.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 25/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
  • Temas
    • Otros

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Alexis Descharmes y Alex Greffin Klein, violonchelo y violín (Francia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Yineth Urquina, cantante (Colombia)

Programa de mano - Yineth Urquina, cantante (Colombia)

Foto: Hernán Yepes Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 YINETH URQUINA, cantante (Colombia) Andrés Rodríguez, cuerdas pulsadas (Colombia) Joan Andrés Arias, multinstrumentista (Colombia) Miércoles 4 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio de la Universidad Cooperativa de Colombia PULEP: DYY779 Jueves 5 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti - Universidad de la Amazonia PULEP: QEQ752 Jueves, 12 de septiembre de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: NNV218 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Hernán Yepes Yineth Urquina Córdoba, cantante Inició sus estudios en la Fundación Nacional Batuta. En 2006 formó parte del grupo vocal mixto Preludio de la Universidad de la Amazonia, en Florencia (Caquetá), dirigido por Orlando Perdomo Escandón. Tras su recorrido por diferentes festivales de música del país, inició su labor como solista, también con la asesoría de Perdomo. Desde 2013, luego de viajar a Ibagué, formó parte del Coro Institucional del Conservatorio del Tolima, dirigido por Gloria Yolanda Herrera. Participó en la celebración del cumpleaños de la ciudad con el Coro del Tolima, dirigido por Camila Ospina Fadul y César Augusto Zambrano. En 2014 intervino en un homenaje a la música colombiana con la Banda Sinfónica del Conservatorio, dirigida por el maestro Sergio Sánchez. En la actualidad, recibe formación vocal del contratenor Yohan Antoni Ocampo, profundiza sus estudios en pedagogía infantil y es docente de canto y expresión corporal. Andrés Felipe Rodríguez Hernández, cuerdas pulsadas Es licenciado en Música con énfasis en dirección de cuerdas pulsadas, egresado del Conservatorio del Tolima. Inició sus estudios artísticos en un programa dirigido por la Gobernación del Tolima en la comuna siete de Ibagué, a cargo de Jorge Humberto Jiménez. Luego, perteneció a la academia musical Gran Colombia, en la que se formó en cuerdas típicas con Ricardo Rodríguez. También, ha tomado clases de guitarra con el maestro David Alarcón y asistido a talleres de composición dirigidos por Andrés Acosta, Adrián Camilo Ramírez y Gustavo Niño. Como instrumentista, ha participado en varios certámenes de música andina colombiana, y en 2016 fue nominado al premio a mejor guitarrista en el 25º Concurso Nacional del Bambuco en Pereira (Risaralda), cuando participó como acompañante de la cantante Yineth Urquina. También ha actuado como solista en el auditorio del Museo de Arte del Tolima y la Universidad de Ibagué. 2 Joan Andrés Arias Carrera, multinstrumentista Especialista en pedagogía de la Universidad del Tolima y maestro en Música con énfasis en clarinete, del Conservatorio del Tolima, es docente de los programas de formación musical en la fundación social Fundautrahuilca. Se ha presentado como vocalista e intérprete de instrumentos de viento en procesos sinfónicos y percutidos de la cultura andina latinoamericana en importantes escenarios de Colombia, México, Paraguay, Brasil y China. Ha obtenido reconocimientos, becas y distinciones en concursos infantiles de composición e interpretación y en concursos profesionales nacionales e internacionales, tanto vocales como instrumentales, con el trío Bossanova. Como músico acompañante de Yineth Urquina, ha ocupado los primeros puestos en los festivales Mono Núñez y Colono de Oro. El concierto en Neiva cuenta con el apoyo de El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA La cabaña (1894) ANÓNIMO Versión de Emilio Murillo Chapul (1880-1942) En el amor son dos (1982) EDUARDO BAHAMÓN HORTA (1949-1986) Todo lo amo en ti (1987) LUIS MARIO MORALES RIVERA (n. 1956) Propósitos (2002) ORLANDO PERDOMO ESCANDÓN (n. 1964) ¿Quién dijo? (1987-1988) JHON JAIRO TORRES DE LA PAVA (n. 1958) Por un beso de tu boca (1918) EDUARDO CADAVID (1879-1938) INTERMEDIO Soy caqueteño (1983) EDUARDO BAHAMÓN HORTA Te quiero libre (1995) JORGE HUMBERTO LAVERDE (n. 1960) Brindis por el campo (1975-1976) GUSTAVO ADOLFO RENGIFO ROMERO (n. 1953) Tu indiferencia (1983) EDUARDO BAHAMÓN HORTA Un bambuco para mí (1989) ORLANDO PERDOMO ESCANDÓN Cuando llegan las tardes (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES LÓPEZ (1913-1978) Alpargatas de mi tierra (1973-1974) JORGE HUMBERTO JIMÉNEZ (n. 1944) Colombia (2010) ÉDISON ELÍAS DELGADO MONTENEGRO (n. 1979) CONCIERTO No. 41 4 NOTAS AL PROGRAMA Y entonces, ¿cómo es eso de ser cantante de ‘música andina colombiana’ desde el Caquetá? Ese fue el interrogante con que quedé después de conversar con Yineth Urquina, porque es una encrucijada interesante a la que ella responde desde su quehacer artístico. El asunto pasa por los contenidos simbólicos asociados a la música que se han venido construyendo en la región y por el imaginario, todavía presente, de formar parte de los antiguos entes geográfico-administrativos denominados intendencias y comisarías. Pareciera que el hecho de ser departamento, relativamente reciente en la historia, todavía se configura como una tarea, como algo por demostrar. «Ser caqueteño se vuelve una marca... es extraño, porque la huella de lo indígena no es tan visible. Ha sido una zona violenta, difícil, de colonización», afirma Yineth, para luego continuar reflexionando sobre los vínculos con departamentos como el Huila y el Tolima, especialmente a nivel de la formación musical. Ser caqueteño pasa por apostarle a la formación musical en las localidades, por conformar una red de maestros y escuelas y, más específicamente para lo que hoy nos convoca, por conformar un repertorio que pueda identificarse como local: Lo del repertorio es una tarea difícil, lo caqueteño es fundamental, y de lo nacional buscamos canciones poco conocidas. Nuestro estilo es hacia las canciones románticas y se colocan elementos de contraste [...] me gustan mucho los pasillos lentos y expresivos [...] cantar con poco vibrato, con finales lisos y al final vibrar un poco. La tensión tradición-modernidad también está presente: La música andina vocal... no sé, me parece que es encantadora por sus letras, por la comunión melodía-armonía [...] cantarla es una ganancia para el intérprete, aunque debería estar más presente, dejar que se desarrolle, porque el contexto a veces no lo permite [...] chévere que haya cosas con ‘rocksito’ o con otros géneros. La labor musical para llevar al escenario su proyecto implica consultar canales en la red, ubicar compositores y cantantes reconocidos «y que nos gusten», afirma claramente Urquina, hacer los arreglos con Andrés Felipe Rodríguez, su pareja, y ensayar con Joan Andrés Arias solamente los fines de semana, porque vive lejos. Estos dos músicos que la acompañan proveen diferentes texturas: en tanto que Rodríguez interpreta la guitarra y el tiple, Arias se desempeña en la percusión variada y los instrumentos de viento. He ahí un sello sonoro característico. Por otra parte, la cantante se queja: «En 5 Colombia no hay cancioneros de verdad. A mí me toca cantar bien, a veces paso la melodía a un programa musical para corregir errores, o debo consultar las versiones ‘más originales’ como fuentes para los arreglos». Y no le falta razón. Nuestros cancioneros, en general, son recopilaciones de textos que no recogen las líneas melódicas, las introducciones y puentes entre estrofas y la cifra para el acompañamiento. El ejercicio de registrar las obras y publicarlas todavía no es algo común. El repertorio consagrado, de compositores ya fallecidos, está conformado por tres obras con un tipo de romanticismo característico de la época. Sus tópicos son comunes a otros tipos de música popular del mundo occidental: que sin el ser amado no hay salvación, que cualquier cosa se daría por un beso y que se sale a esperar el regreso de la amada, que nunca vuelve, para aferrarse a su recuerdo. La más antigua de ellas es La cabaña, cuya versión colombiana en el género de danza es atribuida al compositor bogotano Emilio Murillo Chapul (1880-1942), aunque se sabe que es una canción de origen mexicano, sin autoría conocida, que circuló por toda América Latina y que dio lugar a diferentes versiones locales. Se dice que Murillo le hizo la introducción y el arreglo para piano y voz, y le agregó los versos «El trapiche se queja / la manada se aleja / cuando se oculta el sol», originales de Fidel Cano1. Por su parte, el bambuco Por un beso de tu boca nació como obra musical en el año de 1918, cuando el compositor y cantante antioqueño Eduardo Cadavid (1879-1938) musicalizó, en Bogotá, un texto del zipaquireño Guillermo Quevedo Zornoza (1886-1964), a quien no conocía para entonces, con el fin de incluirlo en el repertorio del dueto que tuvo con Eduardo Baquero. Cierra esta sección el recordado compositor José Alejandro Morales López (1913-1978), nacido en alguna población cundinamarquesa, pero santandereano por decisión propia, con la danza Cuando llega la tarde. Morales, apoyado por la industria discográfica, supo interpretar la nostalgia que, por un espacio pueblerino/campesino más o menos idealizado, sentían tantas personas que sufrieron los rigores de una época marcada por la desazón, la violencia y el desplazamiento. Se nos presentan en este concierto obras de dos compositores oriundos del departamento del Caquetá. Eduardo Bahamón Horta (1949-1986) es una figura fundacional en las referencias musicales para el proceso de conversión 1 Respecto a este tipo de prácticas, muy comunes en las primeras décadas del siglo XX, existen innumerables referencias y casos bien documentados. Para el de La cabaña, en particular, puede consultarse la obra de Jaime Rico La canción colombiana. Su historia, sus compositores y sus mejores intérpretes, Editorial Norma, Bogotá, 2004, pp. 87-88. 6 del Caquetá en departamento y para su construcción identitaria: no en vano su bambuco Soy caqueteño, con textos como «colombiano como todos / como pocos, caqueteño», es considerado el segundo himno de dicho departamento; y no por nada Jorge Villamil dijo de él, luego de su temprana muerte, que «fue el compositor surcolombiano del siglo XX». Se dice que a los doce años ganó su primer concurso de música y que desde 1978 empezó a ser conocido como compositor con el vals En el amor son dos, obra que dio nombre a su primer trabajo discográfico con el Dueto Indiano y que comenta una situación de triángulo amoroso indeseado. El pasillo Tu indiferencia está también dedicado al amor y, como su nombre lo indica, habla de la inutilidad de la búsqueda y de la súplica desde un amor no correspondido. Orlando Perdomo Escandón (n. 1964), titulado en Ciencias Sociales, con estudios posteriores en Educación Artística y maestría en Ciencias de la Educación, se destaca por su infatigable labor pedagógico-musical con la población infantil y juvenil del Caquetá. Su estilo compositivo recibe influencias de músicas populares, entre ellas la trova cubana, con apuestas por la originalidad en los textos y su organización inesperada: «Mis poesías no tienen un lenguaje convencional, es un estilo muy coherente con mi forma de pensar y sentir, no me limito al qué dirán, trato siempre de ser auténtico». Ejemplos de ello son Propósitos y, especialmente, Un bambuco para mí, obra ganadora del Gran Premio Colono de Oro en 1990, que desarrolla una reflexión personal sobre el recorrido vital: «Voy buscando siempre nuevos caminos / para encontrar sentido a mi aventura [...] formas de vivir / que rompan con la rutina [...] quiero desenredar / los hilos de mi destino [...] siempre hay que buscar nuevos caminos». El cundinamarqués Jorge Humberto Jiménez (n. 1944), músico autodidacta, filósofo, comunicador social y docente, se considera hijo adoptivo del Tolima y es ampliamente conocido desde la década de 1970 por sus composiciones en géneros locales dirigidas al público infantil. Autor del libro Musicosas para musichicos y de discos con obras como La niña cumbia, El chino pasillo, Guabinita, El nené bambuco y Joropito, sus composiciones también se orientan hacia la canción popular andina. Alpargatas de mi tierra es un bambuco que se hizo merecedor del premio de obra inédita vocal en el Festival Nacional del Bambuco en Neiva, en 1974, y tiene tintes de canción social: hace un reclamo por el despojo al indígena, no solamente de sus tierras, sino también de sus elementos simbólicos cotidianos. En un caso parecido al de Jiménez, Édison Elías Delgado Montenegro (n. 1979) es originario del departamento de Nariño, pero desarrolla su vida 7 musical y artística en el Huila, donde dirige agrupaciones y es docente en espacios universitarios. Colombia es una obra que aparece catalogada como bambuco sureño en la producción discográfica Tierra mía (2018), siendo esta una variante del género, en que se presenta de manera preponderante la bipolaridad armónica entre las tonalidades relativas, mayor y menor, aunque esto no se da en esta pieza en particular. Su texto expresa un tipo de discurso nacionalista enmarcado en los recientes procesos políticos: «Paraíso, lugar divino / tornado en gris [...] Colombia sonríe nuevamente [...] borra cicatrices de la memoria [...] resanando las heridas / de tu selva emanas vida». Del departamento de Antioquia provienen tres cantautores que crecieron bajo el influjo de la canción social o ‘de protesta’, como se le conoció en el país, pero también con la innegable influencia de la balada hispanoamericana. Su espacio ya no fue el de la grabación en una pujante industria discográfica local con activos flujos internacionales, sino el de los concursos y festivales, de mucha menor influencia masiva, pero que convocan a un público fervoroso que consume este tipo de producciones. John Jairo Torres de la Pava (n. 1958) es muy conocido debido a su producción musical y discográfica, a su carrera mediática y a su continua presencia en los principales festivales y concursos regionales desde el año 1988. En su producción se nota un viraje, desde mediados de la década de 1990, hacia la temática amorosa, con claras influencias del bolero tradicional, del bolero filin y de la balada. Al inicio de su carrera sacudió al establecimiento con su bambuco ¿Quién dijo?, en el que critica muy certeramente la costumbre de disfrazarse de campesino para cantar bambucos y la manera bucólica de representar el paisaje y sus habitantes. De la colaboración entre Luis Mario Morales Rivera (n. 1956) (música) y Sonia Obando de Carvajal (s. d.) (letra) surgió el pasillo Todo lo amo en ti, cuyo título da cuenta de esa tradición poética que basa el amor en las cualidades de la persona amada y en cómo ciertos momentos cotidianos, el alba o la luz de una vela al anochecer, magnifican el sentimiento. De Jorge Humberto Laverde (n. 1960) escucharemos Te quiero libre, canción ganadora en el concurso Luis Uribe Bueno organizado por las Empresas Públicas de Medellín, cuyo texto expresa un ideal: «Te quiero libre; alegre y fresca; sutil y bella; frágil, a la vez tan fuerte; eterna; clara y dulce». Uno de los aspectos interesantes de este pasillo es que sus estrofas están organizadas en tres versos, mientras el coro lo está en cuatro versos. El vallecaucano Gustavo Adolfo Renjifo Romero (n. 1953) es otro gran compositor y cantautor colombiano que ha hecho interesantes trabajos musicales tanto de sus propios textos como de poemas de Carlos Castro 8 Saavedra, Octavio Gamboa y Nicolás Guillén, entre otros poetas. Como solista de tiple, con este su inseparable compañero de andanzas, Renjifo ha desarrollado un estilo personal muy sólido con búsquedas y hallazgos armónicos, melódicos y rítmicos que van desde la ternura hasta la rudeza y el choque, dependiendo de la temática que aborde en sus canciones. Brindis por el campo es un alegre bambuco que apareció en la década de 1970 en un L.P. titulado El campo en la ciudad, que ya desde esa época reflejaba una de las inquietudes vitales de su autor: el discurso ambiental y el alegre reclamo para no perderse en el tráfago urbano: «no haya más humo / que’l de la hoguera / no haya más ruido / que esta canción». Que queden, finalmente, las palabras de Yineth Urquina: «Me he preocupado por desarrollar un estilo personal, por la puesta en escena, por que se conozca la música de mi región. Este es un concierto que busca ser entretenido». Manuel Bernal Martínez. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta Foto. Juan F Foto. Renato Pernett · PULEP: IBR818 elipe Diago · PULEP: ELD368 Próximos conciertos en Bogotá · $6.000 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES C. ROJAS: Brisas del Anchique; Ojo al toro. S. SOLARÍ: El chicao. J. VELASCO: Leonor. G. MONTAÑA: Siempre te recuerdo; El pijao. R. APONTE: El negrito. J. MARTÍNEZ JIMÉNEZ: Brisas del Fonce. Á. ROMERO: La indiecita. O. RANGEL: El tigre. L. CARDONA GARCÍA: Bambuquísimo. J. L. MARTÍNEZ VESGA: Centauro. A. MEJÍA: Bambuco en si menor. C. ROZO MANRIQUE: El campesino. J. RUBIANO: Mariposa. H. FERNÁNDEZ NOYA: El diablo suelto. M. GEORGES: Fantasía No. 1, IGM8. C. DEBUSSY: Primera rapsodia, L.116. F. POULENC: Sonata para clarinete y piano, FP184. C. FRANCK: Preludio, fuga y variación, Op. 18. J. PERNETT: Ecuación para clarinete y piano. J. HOROVITZ: Sonatina para clarinete y piano. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto. Susanna Drescher PULEP: UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. G. P. TELEMANN: Trío sonata en re menor, TWV 42:d6. G. F. HÄNDEL: Trío sonata en sol menor, HWV 390. ANÓNIMO: Balletto para dos violines del Klagenfurt Manuskript, M 73. C. P. E. BACH: Trío sonata en do menor, Wq. 161/1 ‘Sanguineus y Melancholicus‘. G. A. BRESCIANELLO: Concierto No. 11 en mi menor. G. P. TELEMANN: Concierto en la mayor, TWV Anh. 42:A1. H. I. F. BIBER: Partia V en sol menor de Harmonia artificioso-ariosa.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 15/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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    • Otros

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Programa de mano - Yineth Urquina, cantante (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Cuarteto Attacca, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

Cuarteto Attacca, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

Por: Cuarteto Attacca - Cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

El aclamado Cuarteto Attacca se ha convertido en uno de los principales ensambles jóvenes de los Estados Unidos. El grupo se formó en 2003 en The Juilliard School, y en 2007 hizo su debut como agrupación profesional en el Weill Recital Hall de Carnegie Hall, como parte de la Serie de Artistas Ganadores de Concursos Internacionales. Desde 2011 hasta 2013 fue el cuarteto de cuerdas residente de exalumnos de Juilliard, y en la temporada 2014-2015 fue reconocido como cuarteto residente del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Recientemente, el Cuarteto Attacca finalizó la grabación de la obra maestra de Haydn Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, con arreglo musical de Andrew Yee y del cuarteto mismo. En una reseña del disco publicada en Gramophone, Donald Rosenberg escribió: «El Cuarteto Attacca explora una amplia gama de emociones, exhibiendo enorme sensibilidad ante los matices e interacciones... Sobresalen en todo sentido y su sonido es tan vívido que ningún detalle expresivo de Haydn pasa desapercibido».
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 14/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
  • Temas
    • Otros

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Cuarteto Attacca, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Daniel Santiago Guerrero, flauta (Colombia)

Programa de mano - Daniel Santiago Guerrero, flauta (Colombia)

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta (Colombia) Juan Carlos de la Pava piano (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: VLN663 Jueves 5 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: DVB444 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Alfonso Venegas Daniel Santiago Guerrero Palacios, flauta Maestro en Música con énfasis en interpretación de flauta, ha participado como solista en varios concursos nacionales. Fue ganador en la categoría instrumental en el IX Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro, realizado en Armenia (Quindío); ganador en la categoría solista instrumental en el XIX Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas); seleccionado como Joven Talento de la Música 2013 por la Alianza Francesa; ganador del XI Concurso de Jóvenes Solistas organizado por la Orquesta Filarmónica de Cali en 2012; ganador del Concurso de Solistas con la Orquesta Sinfónica Javeriana en su versión 2014, y seleccionado para ser parte de la Serie de Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017. Como músico de orquesta, ha formado parte de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y ha participado en sus giras nacionales e internacionales en las temporadas 2015 y 2016. Ha representado a Colombia en concursos internacionales como la 11th Israel International Flute Competition en 2013, en Nazaret (Israel); la 3rd International Flute Competition Maxence Larrieu, en Niza (Francia), en 2015; la 53th Markneukirchen International Instrumental Competition, en 2018 en Markneukirchen (Alemania), y el Concurso de Jóvenes Solistas, en el marco del II Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador), realizado en 2016, donde obtuvo el segundo premio. En 2017 fue seleccionado para actuar junto al reconocido flautista colombiano Gabriel Ahumada y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, así como en calidad de solista, en varios conciertos que incluyeron el estreno en Colombia de repertorio del Barroco alemán. También, en 2018 fue seleccionado como Joven Talento del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Recibió su título de Maestro en Música en la Pontificia Universidad Javeriana. Fue alumno de los maestros Javier Olave y Rafael Rodríguez. Ha recibido clases magistrales con Tadeu Coelho, Alberto Almarza, Leon Berendse, Patrice Bocquillon, Françoise Veilhan, Francesca Canali, Judith 2 Dines, Paco Varoch, Henrik Wiese, Michel Bellavance, Gabriel Ahumada, Gaspar Hoyos, Vincent Lucas, Patrick Gallois, Juliette Hurel y Felix Renggli. Desde 2016 es miembro de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente se desempeña como flautista principal de dicha agrupación. Recientemente fue admitido para cursar su maestría en interpretación en la Haute École de Musique de Lausanne (Suiza), en la cátedra de José-Daniel Castellon. Juan Carlos de la Pava, piano Nacido en Bogotá en 1992. Es egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Entre los tutores que han guiado su proceso de formación se encuentran Karol Bermúdez, Guillermo Gaviria, Sergei Sichkov y Carolina Noguera. Ha realizado conciertos en reconocidos escenarios del país como el Auditorio Eduardo Caballero Calderón en Tunja, Auditorio Luis A. Calvo en Bucaramanga, Sala Múltiple del Banco de la República en Cúcuta, Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta, Auditorio Hernando Aristizábal en Manizales, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional, escenarios en los cuales también ha presentado y estrenado obras de su autoría. Actualmente se desempeña como compositor y pianista, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos por su desempeño en estos campos. Entre estos se encuentran ser seleccionado para presentar una obra de su autoría dentro del programa Plataforma 28 de la Orquesta Sinfónica Nacional y el primer puesto en el primer concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Medellín. Fue seleccionado como pianista de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia para participar en la gira que realizó el ensamble por Europa en 2017. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Fantasía en fa sostenido menor No. 10, TWV 40:11 (c. 1733) GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para flauta sola Canciones melancólicas (2018) JUAN CARLOS DE LA PAVA (n. 1992) Para flauta y piano Mei (1962) KAZUO FUKUSHIMA (n. 1930) Para flauta sola Fantasía, Op. 79 (1898) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Para flauta y piano INTERMEDIO Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 (1886) Allegretto ben moderato Allegro Recitativo-Fantasia: Ben moderato Allegretto poco mosso CÉSAR FRANCK (1822-1890) Original para violín y piano Versión para flauta de Peter-Lukas Graf (n. 1929) CONCIERTO No. 39 4 NOTAS AL PROGRAMA La flauta, también llamada a lo largo de la historia traverso, flauta alemana o flauta de concierto, junto a otro tipo de aerófonos, como la flauta dulce, hace parte de las manifestaciones musicales más tempranas. Su fabricación a partir de materiales accesibles, como huesos, piedras y troncos; su evidente búsqueda de la imitación de sonidos de la naturaleza, y la íntima implicación corporal, tan arraigada en la ejecución del instrumento, han hecho de su presencia algo permanente en la historia de diferentes sociedades. Tal vez por esto, algunas culturas antiguas acogieron la figura de la flauta para adornar o construir sus historias fantásticas, religiosas e incluso épicas. No es desconocido el relato en el que Apolo vence con su kithára al sátiro Marsías, quien había recogido el aulós (un instrumento de viento) maldecido por la diosa Atenea. El mito cuenta que Atenea, al tocar el aulós junto a un arroyo y ver su rostro deformado, lo lanzó lejos de allí, maldiciendo a aquel que lo recogiera. Por desgracia, la maldición recayó en Marsias. Tras su derrota, Apolo decidió, sin piedad, acabar con la vida del sátiro. Los compositores que escucharemos hoy rechazaron la idea de la flauta como instrumento vulgar e imperfecto y, en cambio, contribuyeron a la evolución tanto de su posición en la sociedad musical como de su forma física. Aunque no todas las piezas de este programa fueron escritas originalmente para el instrumento, los flautistas las han visitado de manera permanente, continuando la tradición de tomar material escrito para violín u oboe, por ejemplo, ante la escasa cantidad de repertorio solista para este aerófono antes del siglo XVIII. Con una precisión cronológica, ora intencional, ora coincidencial, y como si se tratara de una analogía con el momento en que el instrumento empezó a tener voz propia, Daniel Guerrero ha decidido iniciar el programa con el alemán Georg Philipp Telemann (1681-1767), un multinstrumentista que trabajó empleado durante gran parte de su vida en la corte de Hamburgo y fue responsable de un gran porcentaje de sus publicaciones. En términos actuales, podría decirse que fue una celebridad o, si se quiere, un rockstar, o, aún más, un gestor cultural de renombre. Enfrentado, anacrónicamente y sin quererlo, al patriarca de la familia Bach, Johann Sebastian, la mítica rivalidad entre estos dos compositores fue impuesta principalmente por autores románticos que prefirieron adoptar 5 como figura de autoridad musical germana a quien encarnó un estilo complejo y extremadamente contrapuntístico y no a quien prefirió crear música según los gustos de la época, sin discriminar región geográfica. Bach no fue profeta en su tiempo; Telemann, definitivamente lo fue. En su autobiografía, este último indica que «aquel que es capaz de componer en beneficio de la mayoría, lo hace mejor que aquel que escribe para pocos» y estas palabras representan completamente su obra, que es tan ecléctica como cuantiosa e inclusiva de los diferentes estilos nacionales (Telemann en Svendsen, 2016, p. 9). Reconocido por componer en un estilo mixto, un goût mêlé o goût réuni, Telemann, quien tuvo la oportunidad de viajar a otras regiones de Europa, quiso incorporar en su obra la elegancia del gusto francés, las estructuras de la música italiana y la escritura contrapuntística de los autores germanos. La colección de fantasías a la cual pertenece la que se escuchará hoy, está aparentemente escrita para violín, sin acompañamiento de bajo; sin embargo, varios especialistas en su obra arguyen que el estilo de composición de las fantasías no corresponde al de sus demás obras para el cordófono frotado y, por el contrario, son bastante similares a otras piezas suyas para traverso. En ellas, el reto de dar la ilusión de polifonía, es decir, de varias voces sonando a la vez, en un solo instrumento, es inmenso y fue logrado por muy pocos en aquella época. Su uso, y el uso en general de las piezas escritas para instrumentos sin acompañamiento de bajo continuo, podría indicar o bien un uso pedagógico para aficionados o avanzados, o bien una colección de preámbulos para piezas que sí tendrían acompañamiento. Sea como fuere, su estructura es generalmente en varias secciones contrastantes, tal y como sucedía con las sonatas o las suites; la No. 10 se asemeja mucho más a este último género, pues podría equipararse con una sucesión de danzas como la corrente, la gavota y el minueto. Damos un gran salto en el tiempo y en la geografía para encontrarnos con el compositor Kazuo Fukushima (n. 1930) y su obra Mei, también para flauta sola, que tiene mucho más de la tradición flautística japonesa del shakuhachi que de la escuela europea de flauta. La pieza contiene bastantes recursos técnicos utilizados en las flautas de bambú como, por ejemplo, los glissandi o deslizamientos continuos de sonidos; y no es en vano, ya que la obra se erige como una especie de momento ritual que evoca la posibilidad que tiene el sonido de la flauta de llegar al mundo de los muertos, pues Mei fue escrita para un amigo del compositor que falleció en un trágico accidente. A pesar de sus inicios autodidactas, Fukushima fue uno de los primeros japoneses que asistió a los reconocidos cursos de verano de música moderna 6 en Darmstadt, donde conoció a uno de sus fundadores, Wolfgang Steinecke (1910-1961), para quien fue escrita la obra. En la dedicatoria de la partitura se lee: Mei, que con el ideograma chino se escribe , significa oscuro, pálido, intangible. Esta música fue compuesta para el difunto doctor Wolfgang Steinecke de Darmstadt, que murió en un trágico accidente. Según la antigua creencia japonesa, se pensaba que el sonido de la flauta podía llegar a los muertos (Fukushima, 1962). La obra más joven del programa es de Juan Carlos de la Pava (n. 1992), músico colombiano formado en la Pontificia Universidad Javeriana. Se trata de una dedicación al flautista que nos presenta el programa de hoy, compañero del compositor, y consta de seis canciones cortas para flauta solista. En sus palabras, Esta obra tiene una dedicatoria a Daniel Guerrero. Él y yo hemos tocado juntos durante toda nuestra carrera en la Javeriana, y siempre que compongo algo para flauta, él me ayuda con la mejor actitud; entonces, creo que ya le debía una dedicatoria como gesto de agradecimiento. Canciones melancólicas está conformada por seis canciones cortas. La palabra melancolía significa tristeza, una tristeza causada por un suceso del pasado que pudo ser positivo o negativo; así, lo que despierta la melancolía no recae en la cualidad de la remembranza, sino en la actitud ante un recuerdo. La obra se trata de cinco ‘actitudes’ frente a un mismo recuerdo (canciones II, III, IV, V y VI), o, en este caso, frente a un material plasmado con un carácter tenue, calmado y difuso, propio de los recuerdos (canción I), que nunca llega a un clímax, porque el pasado es algo ya muerto, que no se desarrolla sino que decae paulatinamente (De la Pava, 2019). A finales del siglo XIX, cada mes de julio se llevaba a cabo en París el concurso o concours del conservatorio. En este, los estudiantes de las diferentes disciplinas musicales competían ante un jurado por los primeros y segundos lugares, cosa que les permitiría graduarse y tener una carrera de prestigio. Las piezas se escogían previamente y también se incluía una obra desconocida para ejecutar a primera vista, con lo cual se buscaba evaluar la capacidad integral interpretativa que tenía cada participante. Hoy escucharemos una de las piezas compuestas exclusivamente para este concours; se trata de la Fantasía, Op. 79, para flauta y piano de Gabriel Fauré (1845-1924), escrita en 1868 a petición de Paul Taffanel, profesor de flauta en el conservatorio y considerado el fundador de la escuela moderna de flauta. Para ese momento, Fauré solo llevaba dos años como profesor en la institución y, aunque en 1905 sería designado director, su cambio de camino 7 ante el conservadurismo de los demás maestros nunca fue un secreto. Sin embargo, puesto que antes se había ganado la vida como profesor de piano, su entendimiento de las necesidades de los estudiantes para adelantar una carrera exitosa luego de pasar por el conservatorio era muy claro, y así lo refleja en esta pieza. Fauré estructuró la Fantasía, Op. 79 en dos partes, como era lo común en las obras compuestas para el concurso: una lenta y lírica, tipo siciliana, que requiere capacidad de expresión y de fraseo del intérprete, y una veloz y virtuosa, que, aunque desarrolla el material de la primera sección, lo que pide al músico es capacidad técnica para tocar pasajes rápidos (para enaltecer aún más su labor como maestro, no hay que olvidar que entre sus pupilos se encontraban Maurice Ravel, Georges Enescu y Nadia Boulanger). Claro está, la pieza no ha de considerarse exclusivamente como un requisito ‘administrativo’ del conservatorio. Por el contrario, es muestra viva del boom creativo que, tras la guerra franco-prusiana, se venía dando en Francia y cuyo objetivo era, a grosso modo, el de crear una estética francesa libre de las influencias germanas e italianas. No en vano el emblema de la Sociedad Nacional de Música, fundada en 1871 por Camille Saint-Saëns, era el ars gallica, un arte que hablaba sobre y para el pueblo francés, independientemente de la posición social. Dentro de este periodo, que en términos de las artes plásticas se denominó Belle époque y que culminaría alrededor del inicio de la Gran Guerra en 1914, fue también compuesta la Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 del belga César Franck (1822-1890), o Père Franck, como lo llamaban sus alumnos. Aunque la fama llegaría muy tarde a su vida –si no luego de su muerte, pues la pieza la compuso a los 64 años–, el prestigio que fue alcanzando el compositor fue tan sólido que hoy en día esta pieza es indispensable para entender la estética francesa decimonónica tardía. Aunque su puesto en el conservatorio era el de profesor de órgano, las clases con sus alumnos muchas veces incluían pequeñas lecciones de composición, situación que no lo hacía muy popular entre sus colegas. No obstante, sus alumnos le tenían gran aprecio, y de ahí el cariñoso apodo de ‘padre Franck’. La Sonata de Franck –o la Frank Sinatra, como es llamada por los intérpretes angloparlantes por su parecido con la pronunciación de Franck’s sonata– fue compuesta para el virtuoso violinista y compositor Eugène Ysaÿe, también belga. Treinta y seis años los separaban, pero el respeto y cariño entre los dos les permitieron hacer caso omiso a la brecha generacional entre ellos. El vínculo se hizo aún más fuerte cuando Franck obsequió esta pieza a Ysaÿe 8 por motivo de su boda. Este, maravillado y honrado por haber recibido tal regalo, no pudo esperar y decidió leerla a primera vista, acompañado por su cuñada en el piano. Luego de tocarla, sus palabras fueron: «Nada en el mundo podría haberme honrado o darme más placer que este regalo. Pero no es solo para mí. Es para todo el mundo» (Ysaÿe en Potter, 2014). Entre lo clásico y lo moderno: este es el lugar donde se inserta la Sonata de Franck, que es constantemente visitada por flautistas. Su búsqueda de estructuras claras da cuenta del pensamiento clásico del Siglo de las Luces, pero las armonías y los colores que aplica su compositor a la pieza hablan de la estética francesa moderna. Su carácter cíclico y la utilización de un material reducido que es desarrollado en los cuatro movimientos acercan la estética decimonónica a los siglos XVII y XVIII y preludian lo que pasará en el siglo XX; además, al recurrir al canon y al concepto de recitativo, la Sonata en la mayor genera un diálogo con el pensamiento renacentista y barroco y equilibra forma y contenido, aspectos igualmente importantes que aún no habían podido tener una conciliación exitosa a gran escala. Bibliografía Fukushima, K. (1962). Mei per flauto solo. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Milano: Edizioni Suvini Zebroni. Svedsen, T. (2016). Notas al programa. Note 1 music. Georg Philipp Telemann: Chamber music with flute. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Potter, T. (2014). Notas al programa. Renaud Capuçon & Khatia Buniatishvili: Franck, Grieg, Dvořák. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Erato/ Warner Classics. Warner Music UK Ltd. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN TUNJA TROMBONE UNIT HANNOVER octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre · 6:30 p.m ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto Foto. Susann Ziegler · PULEP: CSM699 Foto. Cristhian Sastre · PULEP: ZNU727 Serie de los Jóvenes Intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta PULEP: NNV218. ELD368. IBR818 Teatro Mayor Bicentenario Con el apoyo de Alcaldía Mayor de Tunja Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto. Susanna Drescher PULEP: UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 07/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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Programa de mano - Daniel Santiago Guerrero, flauta (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - Alexa Capera Riveros, corno francés (Colombia)

Programa de mano - Alexa Capera Riveros, corno francés (Colombia)

Foto: Cristhian Sastre Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. Pasto, Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República PULEP: SQH617 Jueves 5 de septiembre de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ZNU727 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Cristhian Sastre ALEXA CAPERA RIVEROS, corno Comenzó sus estudios musicales a los diez años en el Conservatorio de Ibagué, donde tuvo como profesores de corno francés a Hernán Remicio y a Helmer Sanabria. En 2011 inició sus estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con Gerney Díaz y Diego Parra como profesores; terminó su pregrado con este último. Fue ganadora de la convocatoria de Becarios de Clases Magistrales del Festival Internacional de Música de Cartagena en dos ocasiones, una como cornista y la otra como miembro del quinteto de maderas BCO. También participó en este festival como cornista de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá en 2015. Ha participado en las giras de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia durante tres años, lo cual le ha permitido actuar en distintos escenarios nacionales y del mundo bajo importantes batutas como la de Andrés Orozco Estrada. Como integrante de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá, ha actuado en calidad de solista en conciertos realizados en la Sala Teresa Cuervo del Museo Nacional, en el Auditorio Olav Roots de la Universidad Nacional de Colombia y en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ha participado en diferentes festivales de música como FEMUSC 2017 (Santa Catarina, Brasil), Aruba Symphony Festival 2018, Cornombia, Toquemus y la Semana del Corno en Medellín, y ha recibido clases con importantes maestros del ámbito nacional e internacional, dentro de los que se destacan Radek Baborák, Will Sanders, José Vicente Castelló, André Cazalet, Gabriel Betancourt, Manuel Pérez Ortega, Arkady Shilkloper, Juan Carlos Tejada, Miguel Asensi, Luiz García, Philip Doyle y Jorge Mejía. Ha sido integrante de diversas agrupaciones musicales como la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Banda Sinfónica Institucional del Conservatorio de Ibagué, la Orquesta 2 Sinfónica del Conservatorio del Tolima, la Orquesta y la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Orquesta de Mujeres Clara Schumann y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO). Desde el año 2014 es cornista de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, de la Orquesta Sinfónica Capital y de la Bogotá Chamber Orchestra. Alexa Capera Riveros actuará con el acompañamiento de Beatriz Batista (piano), Luis Jairo Torres Parra (clarinete), Ana María Moreno (cuatro), Cristian Calderón (contrabajo) y Juan Sebastián Ramírez (percusión). 3 PROGRAMA Canto serioso, CNW 67 (1913) CARL NIELSEN (1865-1931) Para corno francés y piano Sonata para corno y piano, Op. 70 (1918-1925) Moderato Andante Allegro moderato CHARLES KOECHLIN (1867-1950) Romance para corno y piano, IAS 74 (c. 1890) ALEXANDER SCRIABIN (1872-1915) INTERMEDIO Les adieux, IFS 1 (s. f.) FRANZ JOSEF STRAUSS (1822-1905) Para corno francés y piano La chasse de Saint Hubert, Op. 99 (1937) HENRI BÜSSER (1872-1973) Para corno francés y piano Desvariando (2016) SANTIAGO BERNAL MONTAÑA (n. 1992) Para corno francés, clarinete, cuatro, contrabajo y percusión CONCIERTO No. 40 4 NOTAS AL PROGRAMA La historia del instrumento que se conoce como corno francés (también llamado ‘trompa’) nos remonta a una de las actividades más antiguas realizadas por el hombre: la caza. Fue en Francia1, después de la conquista de las Galias por los francos, que este ejercicio se tornó en una actividad casi exclusiva de la nobleza. El sonido estridente de este instrumento primitivo (que consiste simplemente en el cuerno ahuecado de un animal) contribuía al estruendo que arrinconaba a la presa en la conocida Chasse à courre. Estas características hicieron que el instrumento fuera exitosamente adaptado al ámbito militar (en el que conoció su mayor desarrollo). Ya entonces era fabricado en metal y su cuerpo era más largo, por lo que se disponía en forma circular2. La ‘trompa natural’, como se conoció al instrumento antes de que le fueran puestos válvulas y pistones, tenía un sonido brillante y la afinación se lograba con el movimiento de los labios. Empleado en la música desde mediados del Barroco, invocaba la solemnidad, la nobleza o la realeza. En aquel momento, la principal dificultad del instrumento era la de no poder interpretar todos los tonos de una escala (en ocasiones los intérpretes debían cambiar de instrumento en una misma obra). Esto podía resolverse parcialmente al aumentar el tamaño del tubo insertando ‘codos’ móviles (tubos semicirculares) o insertando la mano derecha dentro del pabellón, lo que permitía alcanzar nuevas notas. En el Clasicismo, el instrumento había ampliado sus posibilidades permitiéndose tocar melodías cada vez más complejas. Durante el siglo XIX aparecieron más innovaciones como la adición de válvulas y pistones que permitían ‘cortar’ el tamaño del tubo sin tener que cambiar los codos. Además de mejorar su rango melódico, se ampliaron sus posibilidades tímbricas, permitiéndole emitir sonidos brillantes, suaves o apagados, que son la razón por la cual el corno francés es uno de los instrumentos más versátiles de la orquesta3. De hecho, su timbre permite una amalgama perfecta entre los instrumentos de viento metal y madera (hasta el siglo XVIII fue considerado un instrumento de madera por las características de su sonido). 1 Algunos musicólogos piensan que por el temprano desarrollo del instrumento en este país recibió el nombre de ‘corno francés’. 2 Forma que favorecía su transporte en batallas y desfiles. 3 Muchos de los cuales son obtenidos con el uso de sordinas, apagadores o por el efecto de la mano en el pabellón que con cierta presión produce el sonido cuivré, en francés ‘cobrizo’ o ‘metálico’. 5 En la actualidad existen cornos simples, dobles o triples4 con distintas afinaciones, que logran cubrir un número cada vez mayor de sonidos. A pesar de la compleja mecánica del instrumento, sus posibilidades tímbricas llamaron la atención de intérpretes y compositores (especialmente en los siglos XIX y XX) derivando en un significativo desarrollo del repertorio para el instrumento solista. Un ejemplo de ello se encuentra en el trabajo del alemán Franz Josef Strauss (1822-1905), uno de los cornistas más importantes de su época. Es recordado hoy por ser el padre del compositor Richard Strauss (1864-1949) y por su legado musical, en el que se cuentan dos conciertos para corno además de otras obras pequeñas. Su estilo musical estuvo más influenciado por la obra de Mozart y Beethoven que por la de contemporáneos como Richard Wagner (1813), hacia el que demostró siempre un fuerte rechazo. Les adieux, IFS 1 para corno y piano es una obra de juventud, lírica y expresiva –la fecha exacta no se ha podido determinar–, de reconocida dificultad técnica pero con una hermosa construcción melódica. Por su parte, el compositor ruso Alexander Scriabin (1872-1915) fue ante todo un pianista virtuoso y un innovador: admirador del Romanticismo y Posromanticismo (con una fuerte influencia de Beethoven y Strauss) no rechazó las vanguardias musicales que en su tiempo comenzaron a gestarse. Sus primeras sonatas mostraron una fuerte influencia de Chopin y Schumann, pero al final de su vida no dudó en explorar los límites de la tonalidad. Su reconocido interés en la teosofía5 y las ideas de Nietzsche, así como la sinestesia6 que él aseguraba tener, influyeron en su lenguaje musical. La mayoría de su obra fue escrita para piano (sonatas, preludios, fantasías e impromptus), además de algunas obras sinfónicas y dos ‘romances’ que son pequeñas obras líricas con acompañamiento de piano. El Romance para corno y piano, del cual se conservan dos manuscritos sin fecha (establecida posteriormente por los musicólogos entre 1890 y 1894), no fue publicado en vida del autor y no tuvo mucho éxito hasta su primera publicación en 1927. Es una obra sencilla, con una línea melódica melancólica y expresiva, coloreada ingeniosamente por el audaz acompañamiento del piano. Uno de los compositores más reconocidos en Dinamarca, a comienzos del siglo XX, fue Carl Nielsen (1865-1931). Heredero del Posromanticismo 4 En los que básicamente varía el tamaño del tubo. 5 Conjunto de doctrinas difundidas por Helena Blavatsky (1831-1891) que comparan las enseñanzas de la ciencia, la filosofía y distintas religiones en un movimiento ecuménico y filosófico. 6 Condición por la que un sentido se conecta con otro. Por ejemplo, ‘oír colores’ o ‘ver sonidos’. Scriabin asoció un color a cada tono de la escala (cromática). Nikolái Rimski-Kórsakov (1844- 1908) tenía esa misma condición. 6 musical, exploró también la atonalidad y la politonalidad. Estudió violín y piano en el Conservatorio de Copenhague, donde comenzó a componer. Ejerció como violinista, profesor del conservatorio y director de orquesta. Es conocido por sus seis sinfonías, su música de cámara, y los conciertos para flauta y clarinete, entre otros. La obra Canto serioso, CNW 67 fue escrita en 1913 como prueba para los aspirantes a ocupar el puesto de cuarto corno de la orquesta Real. Se cree que fue compuesta entre el 3 de abril (momento de publicación de la convocatoria) y el 24 de abril (día de la audición). Fue publicada solo hasta 1944 y esto fue posible gracias a que sobrevivieron un borrador y seis manuscritos, probablemente los que fueron usados para la audición. Se trata de una obra que explora el registro medio y grave del instrumento (aquel que suele abarcar el cuarto corno) generando un ambiente suave y melancólico que se sostiene a lo largo de toda la obra. En medio de la mezcla de corrientes, escuelas y vanguardias que vieron la luz al final del siglo XIX y comienzos del XX, se situó un músico muy original, el francés Charles Koechlin (1867-1950), quien a lo largo de su vida demostró intereses particulares (fotografía, arte, política, literatura, cine) que nutrieron su obra compositiva. Después de graduarse como oficial de artillería, entró al Conservatorio de París, donde estudió composición con Jules Massenet (1842-1912). También fue alumno de Gabriel Fauré (1845-1924), de quien aprendió el lenguaje del impresionismo musical. Fundó, junto con Maurice Ravel (1875-1937), la Sociétè musicale indépendante (Sociedad musical independiente), cuyo objetivo era el de defender la música contemporánea. Como compositor, recibió diversas influencias: serialismo, atonalismo, dodecafonismo, música para cine, música moderna, música popular, contrapunto barroco, música medieval. Escribió música sinfónica, coral, de cámara, para cine, ballet, entre otras. También a él se debe un importante tratado de orquestación7, al igual que otras obras teóricas. Su personalidad musical no conoció un lenguaje único y logró adaptarse a diversos estilos. Después de la Primera Guerra Mundial, comenzó a escribir la Sonata para corno y piano, Op. 70, que terminó en 19258. Consta de tres movimientos: Moderato, Andante y Allegro moderato. La atmosfera general de la composición recuerda el romanticismo alemán. El primer movimiento, además de proponer un manejo audaz de la armonía, explora distintas tímbricas en el instrumento; el segundo movimiento es dulce y expresivo; y el tercero, contrastantemente 7 Algunos compositores como Saint-Saëns, Debussy o Fauré le confiaron la orquestación de algunas de sus obras, lo que parecía ser una de sus mayores fortalezas. 8 Fue estrenada el 15 de mayo de 1925 por Edmond Entraigue en el corno y Edouard Garés al piano. 7 triunfal y conclusivo9. Koechlin fue un hombre de su tiempo que supo hacer la síntesis de diversos lenguajes, conservando su libertad, tal como lo reza su epitafio: «El espíritu de mi obra y el de toda mi vida es sobre todo un espíritu de libertad»10. Henri Büsser (1872-1973) fue un organista y director de orquesta francés contemporáneo de Koechlin. Estudió con César Franck (1822-1890), Charles-Marie Widor (1844-1937) y Charles Gounod (1818-1893). Trabajó interpretando el órgano en importantes iglesias y dirigió las orquestas de la Ópera Comique y de la Ópera Garnier en París. Se desempeñó como profesor y compositor. Parte de su obra incluye sinfonías, operas, ballet, poemas sinfónicos, misas y obras para teclado. También fue autor de obras teóricas y pedagógicas. Su estilo compositivo fue más ‘clásico’ que el de muchos de sus contemporáneos, llegando a sentirse más identificado con el estilo posromántico que con la música contemporánea. La chasse de Saint Hubert, Op. 99 (La cacería de San Huberto, 1937) parece ser una narración musical del momento de la conversión del santo: se cuenta que San Huberto salió a cazar un viernes santo –lo que estaba prohibido– y en medio del bosque encontró un ciervo blanco que llevaba un crucifijo entre sus astas. En ese momento, el santo vivió una profunda transformación y, desde entonces, se le reconoce como el santo patrono de los cazadores; se conmemora su día el 3 de noviembre, con grandes desfiles de trompas que parecen anunciar la cacería. La obra parece describir el momento de la persecución (de la presa) para después –cambiando el timbre del instrumento– llevarnos a imaginar escenas bucólicas y campestres, además de la posterior muerte del animal y la victoria de los cazadores. Se cierra la exposición de los compositores que harán parte del trasfondo de este concierto con Santiago Bernal Montaña (n. 1992). El joven colombiano declara que la influencia musical que recibió de su padre constituye la esencia de su estilo compositivo. Los distintos instrumentos y géneros de música colombiana que conoció de la mano de su progenitor inspiraron sus composiciones. Entre todos los instrumentos con los que tuvo contacto en su infancia se inclinó por el violonchelo. Realizó estudios de pregrado en la Facultad de Artes de EAFIT y hoy cursa una Maestría en Pedagogía Musical en la Universidad de Artes Superiores de Berna. La obra Desvariando, compuesta en 2016, es definida por su autor como un «pequeño 9 La obra fue orquestada posteriormente en 1927, bajo el titulo Poema para corno. 10 «L’esprit de mon oeuvre et celui de toute ma vie est surtout un esprit de liberté» (Traducción de Angelica Daza). 8 homenaje a nuestra música tradicional colombiana». Es una obra escrita para corno, clarinete, cuatro, contrabajo y percusión, que, como la describe su autor, se basa en un ‘bajo ostinato’ que alterna a la vez los ritmos de pasillo y guabina. En palabras de su autor: «Los monólogos, interrupciones y coqueteos entre el corno, clarinete y contrabajo están contenidos en el ADN de esta pieza que habla sobre el delirio de una forma romántica». Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de Paris. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente escribe notas al programa y realiza charlas previas para los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Foto: H Foto. Renato Pernett · PULEP: IBR818 Foto: Juan Felipe Diago · PULEP: ELD368 ernán Yepes · PULEP: NNV218 Próximos conciertos en Bogotá · $6.000 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto: Susann Ziegler TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 07/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
  • Temas
    • Otros

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Programa de mano - Alexa Capera Riveros, corno francés (Colombia)

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Programa de mano - Cuarteto Attacca, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: RVI578 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. 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Desde 2011 hasta 2013 fue el cuarteto de cuerdas residente de exalumnos de Juilliard, y en la temporada 2014-2015 fue reconocido como cuarteto residente del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Recientemente, el Cuarteto Attacca finalizó la grabación de la obra maestra de Haydn Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, con arreglo musical de Andrew Yee y del cuarteto mismo. En una reseña del disco publicada en Gramophone, Donald Rosenberg escribió: «El Cuarteto Attacca explora una amplia gama de emociones, exhibiendo enorme sensibilidad ante los matices e interacciones… Sobresalen en todo sentido y su sonido es tan vívido que ningún detalle expresivo de Haydn pasa desapercibido». Amy Schroeder, violín Según el Washington Post, la violinista Amy Schroeder «es una artista sorprendente que combina imaginación y virtuosismo». Estudió con Sally Thomas y el Cuarteto Juilliard en The Juilliard School, donde también obtuvo diplomas de pregrado y maestría en música, así como un diploma de artista. Schroeder se ha presentado como solista con un gran número de orquestas, incluyendo la Filarmónica de Buffalo, la Sinfónica de Amherst, la Sinfónica de Clarence, la Sinfónica de Hilton Head y la Orquesta Juvenil del Gran Buffalo, así como en el Festival de Música de Cámara de Thiers, la Escuela de Música de Meadowmount y la Academia de Música de Occidente. Alex Fortes, violín Reconocido por su versatilidad y calidez, Alex Fortes ha actuado recientemente como solista y músico de cámara en Francia, Alemania, Dinamarca, Austria e Indonesia, así como en Norteamérica con grupos de cámara como los cuartetos Henschel , Dalí y Momenta, la Orchestra of St. Luke’s, The Knights, Quod Libet y A Far Cry. Su álbum Dreams and Prayers fue nominado a un Grammy y fue considerado por Alex Ross, crítico del New Yorker como «uno de los diez mejores álbumes de 2014». Próximamente lanzará un álbum con el Cuarteto Henschel y el pianista Donald Berman, con música de Christopher Theofanidis. 2 Sus recientes arreglos de Lieder y otra música de cámara de Schubert fueron calificados por el Boston Globe como «uniformemente ingeniosos y complementarios ... inteligentes, sutiles». En 2016, la agrupación A Far Cry estrenó su arreglo de las Variaciones Goldberg de Bach con Sarah Darling en colaboración con la pianista Simone Dinnerstein. Ha participado en residencias educacionales en inglés y español relacionados con el espíritu empresarial, actuación musical y educación, en universidades y escuelas públicas de todos los Estados Unidos. Se graduó de Harvard College y de Mannes College of Music; sus maestros incluyen a Mark Steinberg, Hernan Constantino, Peter Zazofsky, Mary Gerard y Michael Gaisle. Nathan Schram, viola Aclamado por el New York Times como un «solista elegante» con un sonido «espiritual con intensidad líquida», Nathan Schram es un cotizado violista, compositor y arreglista. Ha trabajado con varios de los grandes compositores de la actualidad y ha estrenado música de Steve Reich, Nico Muhly, Becca Stevens, Timo Andres, David Bruce y Elliot Cole, entre otros. Schram también es miembro fundador de Speed Bump, un ensamble dedicado a la improvisación y a sus propias composiciones. Ha colaborado con varios de los grandes artistas de la actualidad, entre ellos Björk, Itzhak Perlman, Becca Stevens, Gabriel Kahane, Gilbert Kalish, Simon Rattle, Philip Setzer y Joshua Bell. Andrew Yee, violonchelo El violonchelista Andrew Yee ha sido alabado por Michael Kennedy, del periódico The Telegraph de Londres, como «dotado de un virtuosismo cautivador… recuerden que oyeron su nombre por primera vez en este medio». Es miembro fundador del Cuarteto Attacca y recibió sus diplomas de pregrado y maestría en The Juilliard School, en donde estudió con Fred Sherry, Darrett Adkins y Joel Krosnick. Yee se ha presentado con los Solistas Internacionales de Sejong y ha dado recitales como solista y de música de cámara a lo largo y ancho de los Estados Unidos. Sus compromisos incluyen presentaciones en diferentes escenarios del Kennedy Center, en Washington D. C., el Alice Tully Hall de Lincoln Center, el Festival Spoleto, el Carnegie Hall y otros escenarios, en donde ha hecho presentaciones como solista de la Rapsodia húngara de Popper, el Concierto para dos violonchelos de Vivaldi y el Concierto para violonchelo de Dvořák. Andrew Yee toca un violonchelo construido por Nathan Slobodkin en 2002, basado en el violonchelo ‘Ex Messeas’ Guarneri del Gesù de 1731. Nota: El violinista Alex Fortes reemplazará a la violinista Keiko Tokunaga en las presentaciones del Cuarteto Attacca en Colombia. 3 PROGRAMA Entr’acte (2011) CAROLINE SHAW (n. 1982) Valencia (2012) Selecciones de John's Book of Alleged Dances (1994) Toot Nipple Alligator Escalator Pavane: She's So Fine Stubble Crotchet JOHN ADAMS (n. 1947) INTERMEDIO Cuarteto en re menor No. 14, D. 810 ‘La muerte y la doncella’ (1824) Allegro Andante con moto Scherzo. Allegro molto - Trio Presto - Prestissimo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) CONCIERTO No. 37 4 NOTAS AL PROGRAMA El programa de hoy incluye, en su primera parte, obras de dos compositores estadounidenses contemporáneos activos, Caroline Shaw y John Adams, ambos con trazas del estilo minimalista y ganadores del importante Premio Pulitzer. En la segunda parte se interpretará el cuarteto de un vienés que vivió entre el periodo clásico y el romántico, Franz Schubert, un ‘inmortal’. Caroline Shaw (n. 1982), compositora, violinista y vocalista estadounidense, estudió en Rice University, en Yale University y se doctoró en 2010 en Princeton University. Inició sus estudios de violín a los dos años, bajo la guía de su madre. Su niñez incluyó, además del violín, el canto. Su vinculación al conjunto Yale Baroque como violinista y al coro de la New Haven’s Christ Church, donde cantó motetes renacentistas de Byrd, Tallis y Josquin, le permitieron desarrollar experiencias como músico barroco y como vocalista que, indudablemente, dejaron huellas que se revelarían en sus futuras composiciones. Ejemplo de esto es su Partita para 8 voces (Allemande, Courante, Sarabande y Passacaglia), con la que ganó el Premio Pulitzer de Música en 2013, lo que la convirtió en la persona más joven que haya recibido este premio. El estreno de la Partita fue realizado por el conjunto vocal Roomful of Teeth (Premio Grammy 2014), con el que actúa regularmente. Como violinista, se presenta con el conjunto de música contemporánea estadounidense ACME. La relación de Shaw con la escritura para cuarteto de cuerdas es estrecha, resultado de ser violinista, como lo expresa en una entrevista reciente con el periodista Kyle Petersen: Es gracioso, realmente me siento mucho más cómoda escribiendo para cuarteto de cuerdas que para cualquier otra cosa […] He pasado mucho tiempo tocando ese repertorio, y cada vez que me pongo a escribir algo para estos cuatro instrumentos, es un espacio increíble para estar allí. Siento como que puedo nadar en un mar de colores y texturas y fragmentos de música de cuarteto del pasado, y luego puedo cortar y mezclar y remover y saltear (o freir) algo nuevo (Petersen, 2019). El primer cuarteto que compuso es precisamente el que inicia el programa de hoy: Entr’acte fue escrito en 2011 después de escuchar al Cuarteto Brentano tocar el Op. 77 No. 2 de Haydn, con su sobrio y conmovedor cambio a re bemol mayor en el trío del minueto. Está estructurado como un minueto y un trío, tocando [riffing] sobre esa 5 forma clásica, pero llevándola un poco más lejos. Me encanta la manera en que algunas músicas (como en los minuetos del Op. 77) de repente te llevan al otro lado del espejo de Alicia, en una especie de absurda y sutil transición tecnicolor (Shaw, 2019). Entre'acte fue estrenado por el Cuarteto Brentano en Princeton University, en abril de 2011. La segunda obra del programa, el cuarteto de cuerdas Valencia, es una muestra de la cuidadosa observación y sensibilidad de la compositora por la comida natural: Hay algo exquisito en la construcción de una naranja común. (Las tiendas de comestibles de todo el país a menudo ofrecen la [variedad] Valencia como opción estándar). Cientos de cápsulas de jugo de brillantes colores, increíblemente delicadas, listas para explotar. Es una cosa de la naturaleza muy simple, pero al mismo tiempo tan compleja y extraordinaria. En 2012, actué en el MoMA [Museo de Arte Moderno de Nueva York] con la música y artista de performance Glasser - [interpretamos] una canción que ella describió como acerca de la belleza simple de la fruta. Más tarde, ese verano escribí Valencia para un concierto que estaba tocando con algunos buenos amigos en Manchester-by-the-Sea, Massachusetts. Decidí canalizar el enfoque valeroso e intuitivo de Glasser hacia la melodía y la textura, de modo que Valencia se convirtió en un abrazo sin ataduras de la arquitectura de la naranja común [llamada] Valencia, a través de armónicos ondulantes y acordes y melodías algo viscosas. También es una forma de celebración de la conciencia de la comida natural, sin adornos, que todavía está disponible para nosotros (Shaw, 2019). Valencia se estrenó en una librería en Manchester-by-the-Sea, Massachusetts, en agosto de 2012, con Lorna Tsai y Caroline Shaw, violines; Sage Cole, viola, y Shay Rudolph, violonchelo. En relación con la acogida que ha tenido su música por parte de intérpretes y del público general, Shaw afirma: Soy muy afortunada de haber tenido tanta atención en los últimos años […] Viene con mucha responsabilidad, sin embargo, y mi solución ha sido trabajar tan duro como puedo y, lo más importante, lo más honestamente posible. No me importa si me recuerdan después de que me haya ido. Pero sí me importa que, durante mi poco tiempo en esta tierra, me [comunique] con calidez con aquellos con quienes comparto este espacio (Petersen, 2019). John Adams (n. 1947), clarinetista y director de orquesta estadounidense, es uno de los compositores contemporáneos que aparece incluido con mayor frecuencia en programas de concierto. Inició sus estudios de clarinete bajo la guía de su padre, cuando apenas contaba seis o siete años, y los continuó con Felix Viscuglia, clarinetista de la Orquesta Sinfónica de Boston. A la edad 6 de diez años comenzó a tomar lecciones de teoría y composición, y luego, también muy joven, tocó en una orquesta aficionada y una banda sinfónica. Todo esto le permitió adquirir la experiencia de tocar en un ensamble de dimensiones y aprender de primera mano una buena cantidad de repertorio clásico tradicional, además de marchas y piezas jazzísticas propias del repertorio de banda. A sus quince años, en 1962, la participación en un campo de verano musical a la orilla de un lago en el occidente de Maine le brindó la oportunidad de dirigir diversas obras del repertorio clásico con la orquesta y la banda, y de asistir a la proyección de West Side Story. «Fue el momento en que me sentí más estimulado frente a la posibilidad de convertirme en un artista que podría forjar un lenguaje fertilizado en la vida americana» (Adams, 2008, 23). Posteriormente, estudió composición en Harvard University con Leon Kirchner, Earl Kim, Roger Sessions, Harold Shapero y David Del Tredici, periodo durante el cual actuó ocasionalmente como clarinetista con la Orquesta Sinfónica de Boston. Entre los muchos reconocimientos que ha recibido Adams, se incluye el Premio Pulitzer (2003) otorgado por su obra On the Transmigration of Souls, para orquesta, coro, coro de niños y cinta pregrabada. Su escritura, llena de polirritmias y altamente virtuosa, hace considerables exigencias a los instrumentistas. Adams ha mantenido relaciones cercanas con grupos particulares, como el Ensemble Modern, el Schoenberg Ensemble y el Cuarteto Kronos, y con los solistas Emanuel Ax, Michael Collins y Gidon Kremer, quienes han colaborado de cerca en su composición y han sido capaces de enfrentar los desafíos presentados por su música. John Adams compuso John’s Book of Alleged Dances (El libro de John de las supuestas danzas) en 1994, en una época en que estaba ampliando su lenguaje más allá de la simplicidad armónica de sus piezas anteriores. De las diez danzas que componen la obra, se escucharán hoy en el concierto Toot Nipple, Alligator Escalator, Pavane: She's So Fine y Stubble Crotchet, que corresponden a las cuatro que no van acompañadas de una pista de percusión grabada, como lo explica el propio Adams en la reseña de la obra: Las Alleged Dances [Supuestas danzas] fueron las piezas escritas después del Concierto para violín, una obra compleja que tomó un año completo componer. El concierto me animó a ir más lejos con la escritura para cuerdas, y algunas de las técnicas y gestos 7 a los que me había acercado aparecen nuevamente en este cuarteto de cuerdas, solo que con una apariencia menos seria. El libro es una colección de diez danzas, seis de las cuales están acompañadas por una pista de percusión grabada, hecha de sonidos de piano preparados. El piano preparado fue, por supuesto, el invento de John Cage, quien primero colocó gomas de borrar, tuercas, tornillos y otros objetos de amortiguación en las cuerdas del piano de cola, transformándolo así en una especie de gamelán pigmeo. […] Las danzas fueron “supuestas” porque sus pasos aún no se habían inventado (aunque ahora, algunos coreógrafos, incluido Paul Taylor, han creado piezas a partir de ellas). El tono general es seco, gracioso, sardónico. La música fue compuesta pensando en las personalidades de los intérpretes de [el Cuarteto] Kronos (Adams, 1994). John’s Book of Alleged Dances fue comisionado por el California Center for the Arts para el Cuarteto Kronos y estrenado por esta agrupación el 19 de noviembre de 1994 en el auditorio del California Center, en Escondido, California. Franz Schubert (1797-1828), pianista y compositor austríaco, es el único de los compositores de la llamada Primera escuela de Viena que nació en esa ciudad. Fue el duodécimo de catorce hermanos, de los cuales solo cinco llegaron a la edad adulta. Su padre era un maestro de escuela. A la edad de doce años, Schubert era un violinista y pianista competente. Trató de convertirse en maestro de escuela, como su padre, pero, como no le gustaba el trabajo rutinario, resolvió enfocarse en la composición. Para 1818, su única fuente de ingresos, por escasos que fueran, era la composición. De acuerdo con Brown en el Diccionario Grove de la Música, la riqueza y la sutileza de su lenguaje melódico y armónico, la originalidad de sus acompañamientos, su elevación a través suyo de géneros marginales y la naturaleza enigmática de su vida, sin acontecimientos notables, han invitado a una amplia gama de lecturas, tanto del hombre como de su música, que se mantienen entre las más debatidas en los círculos musicales (Brown et al., 2001). Durante la mayor parte de su vida adulta, Schubert sufrió de ciclotimia, definida por la Real Academia de la Lengua como ‘trastorno bipolar en el que se alternan fases maníacas y depresivas’. En el caso de Schubert, se volvió mucho más extrema a mediados de la segunda década de su vida, y sus amigos reportaron periodos de oscura desesperación y violenta ira. Adicionalmente, en un periodo de gran productividad, entre enero y marzo de 1824, cuando completó las Variaciones sobre Trockne Blumen para flauta y piano, el Cuarteto de cuerdas en la menor y el Cuarteto de cuerdas en re 8 menor ‘La muerte y la doncella’, la salud de Schubert, que venía comprometida, tuvo un giro crítico para mal: los síntomas de la sífilis que padecía se hicieron más evidentes. Brown describe en el Grove, cómo, según los reportes de Schwind, cercano amigo del músico, lesiones en la boca y la garganta, dolores de huesos y dolor en su brazo izquierdo llegaron a impedirle tocar el piano. El tratamiento que el Dr. Berhardt, su médico, introdujo, fue una nueva dieta: «días alternos de chuletas de cerdo y un plato llamado panada, que combinaba harina, agua, pan rallado y leche, adicionado con porciones generosas de té y baños frecuentes completaron el régimen» (Brown et al., 2001). Los sentimientos hacia sí mismo, expresados por Schubert en una carta a Kupelwieser, otro de sus amigos, no podían ser más críticos y depresivos: Soy la criatura más infeliz y más desgraciada del mundo. Imagina a un hombre cuya salud es siempre quebradiza y a quien el desánimo hace empeorar cada vez más las cosas en lugar de mejorarlas. Imagina a un hombre, digo, cuyas esperanzas más luminosas han oscurecido; a quien la felicidad del amor y la amistad no tienen más que ofrecer, sino dolor, en el mejor de los casos; a quien el entusiasmo (al menos de la variedad estimulante) por todas las cosas bellas amenaza con abandonarlo, y te pregunto: ¿no es un ser miserable e infeliz? «Mi paz se fue, mi corazón está adolorido, nunca lo encontraré». Ahora bien, podría cantar todos los días, ya que al retirarme a la cama todas las noches, tengo la esperanza de no volver a despertarme, y cada mañana recuerda solo el dolor de ayer (Brown et al., 2001). El Cuarteto en re menor, compuesto en 1824, fue estrenado en 1831. Su primer movimiento, comenta Brown, tiene «un poder e intensidad previamente impensables». En el segundo movimiento, que da nombre al cuarteto porque se basa en la canción –también de Schubert– La muerte y la doncella, «la armonía domina la melodía», subraya Brown. El tercero, scherzo, «parece modelado en los primeros compases de una danza alemana». Y el final, «sombrío e inexorable», es un saltarello y, cierra Brown, «podría haber estado en la mente de Mendelssohn cuando escribió su Sinfonía italiana» (Brown et al., 2001). Bibliografía Adams, J. (2008). Hallelujah Junction: Composing an American Life. Traducido por Guillermo Gaviria. New York: Farrar, Straus and Giroux. Brown, M., Sams, E. & Winter, T. (enero, 2001). Schubert, Franz. Grove 9 Music Online. Oxford University Press. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Petersen, K. (marzo, 2019). Making an Entrance: SC Philharmonic Features Contemporary Composer and Pulitzer Prize Winner Caroline Shaw. Free Times. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://www. postandcourier.com/free-times/ Shaw, C. (2019). Entr’acte. Caroline Shaw Editions. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://caroline-shaw-editions.myshopify.com Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS, corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar PULEP: VLN663. Z PULEP: RNR558. UVG524. YJT599. ZWU837 NU727. NNV218. ELD368 ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Emabajda de Francia en Colombia, la Alianza Francesa y el Institut Français Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín Foto. Alfonso Venegas
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 01/08/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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Programa de mano - Cuarteto Attacca, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)

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Programa de mano - Manuel Arango Pérez, piano (Colombia)

Nació en Santa Rosa de Osos, Antioquia, en 1993. Comenzó sus estudios musicales en 2005 en la Fundación Universitaria Bellas Artes con Gustavo Isaza. En el mismo año participó en el Concurso Juvenil de Piano Alcaldía de Medellín, en el que ocupó el segundo lugar. En 2011 ingresó a la Universidad EAFIT para estudiar piano clásico con Andrés Gómez. En 2012 continuó sus estudios con Blanca Uribe y obtuvo el título de Músico con énfasis en piano clásico con mención honorífica por su recital de grado. Recibió clases magistrales con Julian Martin (Juilliard School), Yong Hi Moon, Douglas Humpherys (Eastman School), James Giles (Northwestern University) y Rebecca Penneys, entre otros. Hizo parte del coro Tonos Humanos, dirigido por Cecilia Espinosa, con el cual obtuvo, en 2014, una medalla de oro en el Rimini International Choral Competition en Italia. En 2015 fue ganador del concurso de la Universidad EAFIT en las categorías solista y música de cámara y ganador del concurso Pianissimo en la ciudad de Medellín. En 2016 participó en el Festival Internacional de Piano de Gijón, España. En 2017 fue seleccionado para participar en el Cartagena XI Festival Internacional de Música, en la categoría de clases magistrales. En el mismo año hizo parte de la Temporada internacional de piano de Suramericana, inició la Maestría en interpretación (piano) con Jean Saulnier y Paul Stewart en la Université de Montreal, Canadá, y fue merecedor de la beca de estudios superiores por su excelencia en la interpretación del piano.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 25/07/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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Manuel Arango Pérez, piano (Colombia)

Por: Manuel - Piano (Colombia) Arango Pérez

Manuel Arango Pérez, piano Nació en Santa Rosa de Osos, Antioquia, en 1993. Comenzó sus estudios musicales en 2005 en la Fundación Universitaria Bellas Artes con Gustavo Isaza. En el mismo año participó en el Concurso Juvenil de Piano Alcaldía de Medellín, en el que ocupó el segundo lugar. En 2011 ingresó a la Universidad EAFIT para estudiar piano clásico con Andrés Gómez. En 2012 continuó sus estudios con Blanca Uribe y obtuvo el título de Músico con énfasis en piano clásico con mención honorífica por su recital de grado. Recibió clases magistrales con Julian Martin (Juilliard School), Yong Hi Moon, Douglas Humpherys (Eastman School), James Giles (Northwestern University) y Rebecca Penneys, entre otros. Hizo parte del coro Tonos Humanos, dirigido por Cecilia Espinosa, con el cual obtuvo, en 2014, una medalla de oro en el Rimini International Choral Competition en Italia. En 2015 fue ganador del concurso de la Universidad EAFIT en las categorías solista y música de cámara y ganador del concurso Pianissimo en la ciudad de Medellín. En 2016 participó en el Festival Internacional de Piano de Gijón, España. En 2017 fue seleccionado para participar en el Cartagena XI Festival Internacional de Música, en la categoría de clases magistrales. En el mismo año hizo parte de la Temporada internacional de piano de Suramericana, inició la Maestría en interpretación (piano) con Jean Saulnier y Paul Stewart en la Université de Montreal, Canadá, y fue merecedor de la beca de estudios superiores por su excelencia en la interpretación del piano.
  • Tipo de contenido Acceso digital Programas de mano
  • Año de Publicación 25/07/2019
  • Idioma Español
  • Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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