Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
Foto: Jesús Cornejo
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
CUARTETO DE CUERDAS
JOSÉ WHITE
(México)
Viernes 23 de septiembre de 2022 · 7:00 p.m.
Neiva, Templo Colonial
PULEP: LWE343
Domingo 25 de septiembre de 2022 · 11:00 a.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: SMU425
Lunes 26 de septiembre de 2022 · 7:30 p.m.
Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia
PULEP: SWD763
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
teléfonos celulares y alarmas de reloj.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
concierto.
Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el
enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en
el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República
ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas
de correo de su preferencia.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones,
quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción,
puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano
o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del
Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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ACERCA DEL ENSAMBLE
Cuarteto de Cuerdas José White
Los signos principales que han marcado la trayectoria del Cuarteto
de Cuerdas José White son tres: la colegialidad a través de su
participación con numerosos solistas y ensambles; su decidida
vocación didáctica y académica, y su pasión particular por la música
nueva. La combinación ha dado como resultado una carrera brillante
y ampliamente reconocida.
Juan Arturo Brenann
Con más de veinte años de trayectoria, el Cuarteto
de Cuerdas José White (CCJW) es hoy un
referente de la música de cámara en México y en
Latinoamérica. Formado en la tradición del cuarteto
de cuerdas clásico, ha llegado a nuestros días con
un sobresaliente repertorio contemporáneo y
vanguardista, principalmente latinoamericano.
En el año 2000 recibió el primer premio del
Concurso de Música de Cámara de la Ciudad de
Salamanca (Guanajuato, México), y desde entonces
se ha presentado en los foros más importantes del
país.
El repertorio del CCJW incluye también obras
para cuarteto de cuerdas y orquesta sinfónica, que
ha interpretado junto a la Orquesta Filarmónica de
la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de
Zacatecas, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes,
la Orquesta Sinfónica de Minería y la Orquesta
Sinfónica de Heredia, en Costa Rica. Sus giras
nacionales e internacionales le han permitido recorrer casi todo el territorio
de la república mexicana, Estados Unidos, Canadá, América Latina y Europa.
Ha compartido escenario con eminentes intérpretes, como Jerry Horner
y Christine Vlak (viola), Vincent Lhermet (acordeón), Luis Humberto
Ramos, Thomas Jones y Tara Bouman (clarinete), Roberto Limón y Rodrigo
Nefthalí (guitarra), Wendy Holdaway (fagot), Horacio Franco, Luis Julio Toro,
Foto: Jesús Cornejo
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Megan Maiorana y Alejandro Escuer (flauta), Michiko Otaki, Marta García
Renart, Leonardo Gell, Ana María Tradatti, May Phang y Jorge Federico
Osario (piano), Jesús Castro Balbi, Bozena Slawinska, Juan Hermida, Katie
Schlaikjer (violonchelo), Eva Gruesser (violín), el Cuarteto Latinoamericano
y el Cuarteto Penderecki.
Como herederos de la enseñanza de su maestro, Jerry Horner, el CCJW
se destaca por una considerable labor en el ámbito pedagógico, influyendo
en multitud de jóvenes y artistas a través de sus conciertos didácticos,
conferencias y talleres de música de cámara y composición, además de un
curso intensivo anual para cuartetos de cuerdas.
Gracias al apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos
Culturales de la Secretaría de Cultura de México, en su programa México en
Escena, el CCJW realiza concursos de composición para obras de cuarteto
de cuerdas.
Conozca más acerca del Cuarteto de Cuerdas José White
www.cuartetojosewhite.com
CuartetoJoseWhite
Cuarteto de Cuerdas Jose White
@cuartetowhite
@CJoseWhite
La realización de este concierto en
Neiva cuenta con el apoyo de
La realización de este concierto en
Florencia cuenta con el apoyo de la
Universidad de la Amazonia
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PROGRAMA
Cuarteto Op.14 ‘Estudio clásico’ (c. 1875)
Adagio
Scherzo
Andante
Allegro
GUADALUPE OLMEDO (c. 1852-1889)
Cuatro miniaturas para cuarteto de cuerdas
(1927)
Moderato enérgico
Vivo, in tempo d’uno scherzo
Lento
Allegro giocoso
MANUEL MARÍA PONCE (1882-1948)
INTERMEDIO
Tres rostros del agua (2020)
Nieve (adagio)
Niebla (maestoso)
Lluvia (allegro)
RODRIGO NEFTHALÍ (n. 1978)
Cuarteto de cuerdas No. 4 ‘Música de feria’
(1932)
SILVESTRE REVUELTAS (1899-1940)
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NOTAS AL PROGRAMA
Por Rodolfo Acosta R.
Introducción
Hace unos años tuve un alumno de composición mexicano, quien vino de
intercambio de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) a
la Universidad Distrital por un semestre. Entre los diálogos que tuvimos, me
sorprendió gratamente corroborar que él conocía bien a su maestra habitual,
Gabriela Ortiz, no solo como su docente, sino también como compositora.
Más aun, conocía el trabajo del maestro de su maestra, Mario Lavista, aquel
de su propio maestro, Carlos Chávez, e incluso del maestro de este, Manuel
Ponce. El joven estudiante conocía su linaje y, así, era consciente de la tradición
de la cual era parte. En Colombia, esto no suele ocurrir, aun cuando el legado
de música académica en una ciudad como Bogotá sea tan largo como aquel de
México, que en ambos casos se remonta al siglo xvi. Difícilmente un alumno
en nuestro entorno hilaría su propio trabajo con aquel de sus antecesores,
trazando un árbol genealógico que lo lleve, por ejemplo, de un Luis Pulido a
un Jesús Pinzón, un Fabio González Zuleta y un Guillermo Uribe Holguín.
Este desconocimiento de nuestra historia y de nuestro sitio en ella es
terriblemente nocivo para la consolidación de una tradición cultural, pero la
culpa no es solo del individuo. Parte de la responsabilidad del fraccionamiento
de nuestro patrimonio recae en nuestros intérpretes: si nuestras orquestas o
nuestros coros, por ejemplo, no programan y graban la música de nuestros
predecesores directos, nuestra música académica seguirá pareciendo un
fenómeno extraño, y no lo que es: una tradición local ininterrumpidamente
cultivada durante medio milenio.
El presente programa da ejemplo de cómo una agrupación puede hacer su
parte en la consolidación de una narrativa de la tradición musical de su país,
más allá de las visiones reduccionistas impulsadas por populismos y comercio.
Al escuchar el camino recorrido desde Olmedo hasta Nefthalí, contemplamos,
a través del cuarteto de cuerdas, otra perspectiva de la historia de México. Así,
conocemos un poco más de aquel pueblo, no solamente confirmando lecturas
oficialistas, sino retándolas con ideas de diversidad a través de otras músicas.
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Que sea esto un ejemplo para nuestros propios intérpretes en su proceso de
entender cómo ser útiles a su sociedad.
El programa
Desafortunadamente, la documentación en torno a Guadalupe Olmedo
es limitada e irregular: las fuentes ofrecen diferentes años de nacimiento
(oscilando entre 1852 y 1856) y de muerte (entre 1889 y 1896), mientras
que el sitio de nacimiento es a veces Toluca y a veces Ciudad de México. Su
nombre completo —María Daria Guadalupe Tomasa Olmedo de la Lama—
sugiere que era parte de una familia criolla adinerada, lo cual explica su acceso
al estudio de piano y canto, como era costumbre entre las señoritas de clase
alta en la México decimonónica. Parece haber estudiado individualmente con
Cenobio Paniagua y Melesio Morales, y en 1870 ingresó al Conservatorio
de Música y Declamación de la Sociedad Filarmónica Mexicana, donde
completó sus estudios en 1875. Así, fue sin duda la primera mujer graduada
institucionalmente como compositora en la historia de México, pero acaso
podría serlo también a nivel de América Latina. Su examen de grado consistió
en una parte oral sobre teoría e historia de la música, pero, además, se requirió
la presentación de no menos de quince composiciones originales. Ese mismo
1875 vio a Olmedo hacerse miembro de la Sociedad Filarmónica, mientras
que en 1879 fue nombrada profesora de la clase de ‘Piano para señoritas’ del
Conservatorio. Como compositora, se sabe que cultivó la música para piano,
la canción para voz y piano, música para orquesta y, posiblemente, ópera. El
Cuarteto, Op. 14, parece ser el único caso de una composición suya para una
agrupación camerística, y posiblemente sea el cuarteto de cuerdas más antiguo
de la historia mexicana.
Una de las piezas presentadas por Olmedo en el mencionado examen,
el Cuarteto, está subtitulado ‘estudio clásico’, confirmando que algunas
características que podrían parecer anticuadas no son fruto de alguna
ingenuidad, sino del historicismo de la formación que recibió. El primer
movimiento se desenvuelve de manera reminiscente de las formas de sonata
monotemáticas recurrentes en Haydn, si bien en un tempo adagio y un carácter
pastoril que resultarían atípicos para la escuela clásica vienesa. El breve
segundo movimiento es un ligero y agraciado scherzo, más cercano al modelo
mozartiano que beethoveniano. Menos osado en sus exploraciones armónicas
que el anterior, este movimiento en todo caso realiza algunos tratamientos
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secuenciales para retar el aparente candor expresivo. Un andante, como
tercer movimiento, plantea elementos melódicos constructivos tan cercanos
a aquellos del primero que transforma nuestra percepción de la obra, hasta
cierto punto llevándola a aquella de tipo sonata cíclica. El allegro final abre
con procesos de acumulación imitativa que conducen a una idea principal
que parecería una transformación de la introducción del andante. Alternando
hábilmente desarrollos en modos mayor y menor, el discurso cierra con gran
firmeza, no solo para el movimiento, sino para la obra entera.
Manuel María Ponce (1882-1948) es considerado el padre del
nacionalismo musical mexicano, tanto por sus estudios sobre músicas criollas y
mestizas, como por su amplia producción compositiva, en la cual combina esta
influencia con aquella de la música académica. Su formación musical como
pianista y compositor se llevó a cabo en Aguascalientes y Ciudad de México
hasta 1901, para ser continuada en Europa: Bolonia (1904) y Berlín (1905-
1907 o 1908). A su regreso a México, además de su trabajo compositivo, se
desenvolvió fundamentalmente como profesor de piano, mas, entre 1915 y
1917, se radicó en Cuba para escapar de la Revolución Mexicana. De 1925
a 1933 vivió en París, ciudad donde buscó una renovación de su estética y
técnica, estudiando con Paul Dukas. Si antes sus piezas se caracterizaban por
elementos nacionalistas combinados con Romanticismo tradicional y algunas
novedades posimpresionistas, en su madurez combinó el neoclasicismo con
claros acercamientos al modernismo.
Compuestas en 1927, las Cuatro miniaturas para cuarteto de cuerdas
constituyen una buena muestra de la obra tardía de Ponce. El primer
movimiento, Moderato enérgico, utiliza una rigurosa construcción motívica para
elaborar una forma binaria con repetición de la primera sección. Para quienes
conocen su música más afamada puede resultar sorprendente la manera en la
cual Ponce usa un extremo cromatismo y construcciones acórdicas novedosas
para llegar a un discurso próximo al atonalismo. A pesar de su brevedad, el
segundo movimiento se desenvuelve como forma tripartita, con el Vivo,
in tempo d’uno scherzo, enmarcando un molto più lento central. Mucho más
cercano a estéticas decimonónicas, e incluso reminiscente de Schumann,
algunos tramos ultracromáticos en las voces internas no nos dejan olvidar
que estamos lidiando con un neorromanticismo consciente, de pleno siglo
xx. Con la máxima condensación de tan solo dieciséis compases, la tercera
miniatura —Lento— se construye sobre un discurso lineal cuya armonía
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impresionista y sonoridad de cuerdas asordinadas subraya la delicadeza
expresiva del trozo. Como extremo contraste, el ciclo cierra con un Allegro
giocoso explícitamente politonal, en el cual la aspereza de las disonancias es
balanceada por el carácter juguetón de las melodías y texturas. La impactante
variedad estética en el interior de estas cuatro miniaturas se conecta con
tendencias que hallamos en contemporáneos de Ponce, como Villa-Lobos. El
resto del mundo llegará a algo comparable en los poliestilismos de la década
de 1970, pero nunca entenderemos la vanguardia que estos latinoamericanos
plantearon medio siglo antes.
El guitarrista y compositor Rodrigo Nefthalí (1978) nació en Ciudad
de México. Estudió en Aguascalientes, Guanajuato y Barcelona con los
notables intérpretes Víctor Pellegrini y Zoran Dukic, y se ha presentado
en numerosas ocasiones como solista o con diversas orquestas y grupos de
cámara. Actualmente es profesor en el reconocido Conservatorio de las Rosas,
en Morelia.
Tres rostros del agua, se desenvuelve en tres breves movimientos cuyos
nombres hacen referencia a los estados básicos de la materia y, por ende, del
agua mencionada en el título. El primero, Nieve, es un adagio que abre en un
ambiente impresionista con la viola presentándonos un tema fuertemente
caracterizado que será desarrollado por los cuatro instrumentos. Una
duplicación del tempo lleva a la segunda parte, en la cual el contexto se acelera,
recontextualizando los principales elementos constructivos; el movimiento
termina con una brevísima recapitulación del inicio. Con la indicación
maestoso, el segundo movimiento inicia con una brumosa textura aguda en
los violines, en una explícita referencia a su título: Niebla. Contrapuesto a ello,
aparece una especie de coral grave en viola y violonchelo, el cual eventualmente
absorbe a todo el conjunto en una dulce armonía de cuartas y quintas. La
breve parte central irrumpe con una cadenza para primer violín, a la cual se
suma un contrapunto del segundo, y juntos mutan de regreso hacia la bruma
inicial. Al igual que el movimiento anterior, la forma es redondeada por un
regreso variado de la primera parte. Lluvia, el movimiento final, es un allegro
que comienza en otro exquisito ambiente armónico de quintas, inicialmente
en cuerdas asordinadas. El cuerpo principal del movimiento usa una métrica
ternaria irregular en 7/8 para desarrollar una ágil danza en torno a un tema
memorablemente delineado. El cierre de la obra surge a partir de un largo
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tramo sobre un pedal armónicamente estático, con elementos repetitivos que
crean tensión eficazmente, hasta llevarnos a la cadencia final.
El memorable Silvestre Revueltas (1899-1940) nació en Santiago
Papasquiaro, en el estado de Durango. Fue alumno de Rafael J. Tello en el
Conservatorio Nacional de México antes de partir hacia los Estados Unidos,
donde culminó su formación como violinista y compositor en el Musical
College de Chicago, hacia 1920. Para 1929, aquel otro estandarte de la música
mexicana, Carlos Chávez, lo convenció de que regresase a México y asumiese
labores como director asistente de la Orquesta Sinfónica de México y profesor
en el Conservatorio. Estimulado por esta invitación, Revueltas comenzó una
intensa producción compositiva que lo llevó, en apenas un lustro, de reconocer
tan solo una pieza previa (Batik, de 1926) a completar unas veinticinco obras
para 1934.
En el estado febril de su repatriación, Revueltas completó cuatro cuartetos
de cuerdas en solo tres años, de 1930 a 1932, ofreciéndonos en este ciclo
una muestra clara de la acelerada maduración de su técnica y estética. Música
de feria, sin duda el más famoso de sus cuartetos, es su última incursión en
este formato y constituye una fabulosa muestra de una estrategia formal/
estructural que compartió con Chávez por esos años: una especie de forma
sonata expandida que se desenvuelve en un único movimiento, pero en el
cual la aparición de diferentes temas o motivos va acompañada por cambios
de tempo y carácter, dando la impresión de varios movimientos abordados
sin pausa.
La obra comienza con una caótica explosión de sonido de la cual surge en
la viola una idea melódica seminal que de alguna manera podremos rastrear
de principio a fin. La complejidad del discurso es deslumbrante: utiliza
polirritmias y cambios de métrica en casi cada compás, pero con una engañosa
apariencia de predictibilidad. De esta manera, Revueltas crea una rica tensión
dialéctica entre la ilusión de repetición y la realidad de cambio constante, con
ideas fragmentarias que se asoman y esconden en un errático flujo musical,
yuxtaponiendo y superponiendo fragmentos en constructos politonales de
gran sofisticación.
Aunque lo popular puede resultar más explícito en otras obras, la verdad
es que lo que encontramos aquí no constituye una negación, sino una de las
máximas abstracciones que el compositor logró de estos elementos. Tras
el complejo proceso de la Revolución Mexicana, el país ya no se vio a sí
mismo como la nación blanca y eurocentrista del siglo anterior, sino como
un estado indígeno-mestizo en busca de símbolos musicales comparables al
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arte de sus muralistas. Así, al igual que Chávez, Revueltas supo conciliar dos
necesidades para su nuevo contexto: aquella de un nacionalismo que el Estado
posrevolucionario mexicano parecía exigir y aquella de un modernismo que
cuestionase el anquilosamiento del consumo —y la identidad— cultural de la
época. Un siglo después, la fuerza de sus propuestas sigue sin perder vigencia.
Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador, docente y gestor
colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las
Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto
por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e
internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de
Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos
experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Lleva
tres décadas desempeñándose como curador de conciertos, así como también profesor o
conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas, Europa y Asia.
Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa
de mano, medio que ha cultivado desde hace veiticinco años.
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Foto: Andrés Biermann
Miércoles 2 de noviembre · 7:30 p.m.
$10.000
La música de Amparo Ángel
(Colombia )
Entrevista con Amparo Ángel · 6:30 p.m.
Entrada libre · Auditorio de la Sala de Audiovisuales
Conozca más acerca de la
trayectoria de la compositora
Foto: Santiago Cañón-Valencia
Miércoles 5 de octubre · 7:30 p.m.
$10.000
Santiago Cañón-Valencia (Colombia)
violonchelo
Naoko Sonoda (Japón)
piano
Estreno en vivo de obra comisionada
a Damián Ponce de León
Entrevista con
Damián Ponce de León · 6:30 p.m.
Entrada libre
Auditorio de la Sala de Audiovisuales
Conozca más acerca de la
Foto: Ensamble Aventure trayectoria del compositor
Sala de Conciertos
Luis Ángel Arango
@Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Más información en
www.banrepcultural.org/proyectos/colombia-se-compone
Conciertos y entrevistas
Del 28 de septiembre al 2 de noviembre en la Biblioteca Luis Ángel Arango
Obras comisionadas y conciertos
retrospectivos en el Banco de la República
Colombia se compone 2022
Colombia se compone es una apuesta por visibilizar
el conjunto de actividades que, en el marco de la
labor musical del Banco de la República, aboga
por reconocer, apoyar y visibilizar el quehacer de
compositores colombianos de música de cámara.
Por medio de una programación anual, que en
2022 incluye conciertos y entrevistas, se celebra la
labor de los creadores colombianos.
Conozca las obras que han sido
encargadas por el Banco de la
República a compositores colombianos
Conozca los conciertos retrospectivos
que celebran la vida y obra de
nuestros creadores
Miércoles 28 de septiembre · 7:30 p.m.
$10.000
Ensamble Aventure
(Alemania)
música contemporánea
Estreno de obra comisionada a Rodolfo Acosta
Entrevista con Rodolfo Acosta · 6:30 p.m.
Entrada libre · Auditorio de la Sala de Audiovisuales
Conozca más acerca de la
trayectoria del compositor
Foto: Helena Molinos
Miércoles 19 de octubre · 7:30 p.m.
$10.000
La música de Moisès Bertran
(España/Colombia )
Entrevista con Moisès Bertran · 6:30 p.m.
Entrada libre · Auditorio de la Sala de Audiovisuales
Conozca más acerca de la
trayectoria del compositor
Citación recomendada (normas APA)
"Programa de mano - Cuarteto de Cuerdas José White (México)", Bogotá (Colombia):-, 2022. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/3710717/), el día 2025-05-05.
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