Foto: Adriana Fernández
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
PABLO MOLANO
(Colombia)
piano
Jueves 1° de septiembre de 2022 · 6:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: NFA321
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
teléfonos celulares y alarmas de reloj.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
concierto.
Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el
enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en
el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República
ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas
de correo de su preferencia.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones,
quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción,
puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano
o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del
Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
1
LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS
JÓVENES INTÉRPRETES
¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer
para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo
con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas
fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo
a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la
Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985,
ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un
espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de
tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos
que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales.
La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera
experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público
conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021
la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener
una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos
seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y
ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen
la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año
participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la
programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación
de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la
siguiente fase del programa.
En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este
nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la
Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades
en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con
un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado
que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales
colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y
ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la
programación de la Temporada Nacional de Conciertos.
Sección de Música
Subgerencia Cultural
Banco de la República
2
ACERCA DEL INTÉRPRETE
Pablo Molano, piano
El joven pianista colombiano ha cautivado
audiencias en los Estados Unidos, Europa y Sur
América. Inició su educación musical en Bogotá a
muy temprana edad y, a los ocho años, se radicó en
Estados Unidos. Actualmente es estudiante becado
con la Eugene Istomin Scholarship en Manhattan
School of Music bajo la tutela de Olga Kern.
Entre sus presentaciones destacadas están sus
recitales en la sala del Museo Nacional de Colombia,
en Bogotá (2017); el Tateuchi Hall en Mountain
View y en el San Francisco Flower Piano Festival
(2019).
Fue ganador del primer premio en el III
Concurso Internacional de Música de Ginebra y,
como tal, fue invitado al festival Uniti Nella Musica
en Roma. Estando allí participó en el International
Piano Competition de AC Melos y ganó el primer
lugar. Igualmente, fue finalista del NPR’s From the Top. Haciendo música
de cámara fue ganador de la Santa Cruz Chamber Music Competition en
California (2020) interpretando el Quinteto de César Franck.
Ha participado en festivales prestigiosos como el Miami International
Piano Festival Academy y fue aceptado en el Aspen Music Festival. Pablo ha
tocado para maestros como Jorge Luis Prats, Ilya Itin, Boris Slutsky, Solomon
Mikowsky, Matti Raekallio, Robert McDonald y Meng-Chieh Liu. La mayor
parte de su preparación musical la desarrolló en el colegio Valley Christian
High School en San José, California, en donde fue finalista del concurso
de becarios (2017 y 2018) y ganó el segundo lugar de la Piano Honors
Competition (2019). Como estudiante becado de esa institución hizo parte
de numerosas producciones y conciertos musicales en San José. Al mismo
tiempo fue becado por tres años consecutivos en el programa de música
preuniversitario del Conservatorio de San Francisco como alumno de Erna
Gulabyan.
Foto: Valley Christian School
3
PROGRAMA
Gaspard de la nuit (1908)
Ondine
Le Gibet
Scarbo
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Variaciones en si bemol menor, Op. 3
(1901-1903)
Tema. Andantino tranquillo e semplice
Variación I: L’istesso tempo
Variación II: Agitato
Variación III: Andantino quasi tempo di Mazurka
Variación IV: Con mosso
Variación V: Lento dolce
Variación VI: Scherzando, Vivace molto
Variación VII: Allegro agitato e energico
Variación VIII: Meno mosso. Mesto
Variación IX: Tempo di valse. Grazioso
Variación X: Andantino dolce
Variación XI: Andantino dolce affettuoso
Variación XII: Allegro con fuoco
KAROL SZYMANOWSKI (1882-1937)
INTERMEDIO
Bambuco (1991) JULIO REYES COPELLO (n. 1969)
Sonata No. 2 en si bemol menor
(1913-rev. 1931)
Allegro agitato
Non allegro - Lento
L’istesso tempo - Allegro molto
SERGEI RACHMANINOV (1873-1843)
4
NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Ravel
Oriundo del pueblo de Ciboure, ubicado en la región vasca, en la frontera
entre Francia y España, Maurice Ravel (1875-1937) siempre se sintió cercano
a su herencia cultural vasca y a las tradiciones españolas, ya que, a pesar de
haber salido de Ciboure como infante de tres meses, su madre mantuvo vivo
en la familia el gusto por lo español. Ravel encontró inspiración en la literatura
de España y en sus aires musicales, no solo por inclinación afectiva, sino por
hallar en ellos diversas alternativas sonoras que alimentaban sus tendencias
modernistas en la composición. Estas referencias dieron pie a que buscara
nuevas escalas y ritmos tanto en la música española como en aires orientales
(Shérézade, Canciones de Madagascar, Dos melodías hebreas, Canción hebrea)
y otras tradiciones europeas (Cinco melodías populares griegas, Tzigane).
También buscó alternativas en piezas antiguas, como pavanas, pasacalles,
minués y tombeaux, y se remontó a teorías modales provenientes del Medioevo
para renovar sonoridades. Todo lo anterior lo llevó a trabajar dentro de
formas clásicas tradicionales, a veces con evidentes bases en procesos teóricos
conocidos, razón por la cual muchas de sus obras se clasifican dentro de las
tendencias neoclásicas.
Según el pianista Paul Crossley, la obra de Ravel tipifica las dos tendencias
del pensamiento poético simbolista resumidas en los términos ‘decadente’ y
‘estético’. El primero de ellos esconde tras los símbolos el mundo de ideas y
emociones internas del artista; el segundo sugiere, mediante la perfección de
las formas y los procesos, un mundo ideal al cual se aspira. Miroirs, Gaspard
de la nuit y el Concierto para la mano izquierda pertenecen al primer grupo, y
sus obras restantes para piano, al segundo. El Menuet antique y Le tombeau de
Couperin ofrecen rasgos característicos de la música francesa (de Chabrier el
primero y de François Couperin el segundo) pero procesados por la mente
perfeccionista de Ravel. El trabajo minucioso, primero al teclado y luego en
el contexto sinfónico, caracterizó gran parte de la obra de este consumado
pianista y trabajador incansable, dueño de una gran imaginación sonora.
Ravel se guio estéticamente por las enseñanzas del poeta Mallarmé, quien
definió el simbolismo como «el arte de evocar un objeto lentamente, para
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develar su estado de ánimo o, al contrario, el arte de escoger un objeto y extraer
de él, un estado de ánimo». La amalgama entre forma y contenido anímico en
la obra de Ravel es evidente, de allí que su obra acuse rasgos neoclásicos por la
perfección y claridad formal, y rasgos impresionistas debido a la sutileza de la
expresión. Para Ravel era muy importante el dominio y la redefinición de las
formas clásicas, y cuando se comprometía a escribir una de ellas, el ejercicio le
resultaba supremamente exigente, pues debía moverse en estructuras antiguas
con una mirada moderna. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más
destacadas: el Cuarteto en fa, las dos sonatas para violín y piano, la sonata para
violín y chelo, y el Trío en la menor.
Las últimas composiciones de Maurice Ravel fueron dos conciertos
para piano y las tres canciones de Don Quijote a Dulcinea. En 1932, después
de repetidos quebrantos de salud, sufrió un accidente de tránsito y se vio
obligado a abandonar la composición, víctima de agudos desórdenes motrices
y de memoria. Para entonces, Ravel era considerado uno de los mejores
compositores para el piano y un auténtico representante de la genialidad
artística francesa. En su obra se dieron cita la inspiración literaria y la musical
en una amalgama de experimentación con nuevas armonías, fuerza descriptiva
y apego a la tradición clásica. Para describir la obra de Ravel se ha recurrido
a diversas asociaciones, relacionadas con el impresionismo de Debussy y el
neoclasicismo de la primera mitad del siglo xx.
Gaspard de la nuit es considerada una de las obras más difíciles para el
piano. La intención de Ravel fue recrear el ambiente misterioso, fantasmagórico
y a veces terrorífico evocado en tres poemas del autor Aloysius Bertrand
(1807-1841), traduciendo el texto poético a un imbricado juego de escalas,
arpegios, polirritmos, tonalidades y armonías vagas, y técnicas exclusivas para
el piano. En Ondine, el primer movimiento, se presenta la princesa del agua, la
seductiva Undine, en un juego de notas que imitan un mundo acuático, desde
el oleaje hasta las salpicaduras, al tiempo que una melodía modal representa
el llamado seductor que hace la princesa mítica al inalcanzable Gaspar. Tañe
una campana al inicio de El patíbulo y su sonido acompaña a un cadáver
colgado que se mece con el viento. Acordes ricos en diversas sonoridades y
un sonido muy controlado son el medio musical que pinta la escena macabra.
Las piruetas del endemoniado enano Scarbo encuentran en el piano de Ravel
un acompañamiento rítmicamente incesante y armonías extravagantes con
tics y trémolos nerviosos que recrean la escena grotesca.
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Szymanowski
Si bien la historia de Polonia en la primera mitad del siglo xx estuvo a merced
de dos guerras mundiales y sus incontables consecuencias, la vida musical
polaca siguió floreciendo y los compositores siguieron innovando, pese a
las circunstancias más adversas. A comienzos del siglo pasado, el territorio
polaco estaba dividido entre Alemania, Prusia y Rusia; y precisamente a
partir de 1901 comenzó la actividad de la Orquesta Sinfónica de Varsovia y
la del grupo Polonia Joven, liderado por Karol Szymanowski (1882-1937)
y fundado con la intención de prestar atención a las obras de compositores
polacos modernos. La independencia de Polonia, proclamada en 1918, al final
de la Primera Guerra Mundial, motivó un movimiento musical nacionalista,
pero hubo entre los compositores de entonces una preocupación manifiesta
por evitar apuntes ‘típicos’. Szymanowski, presente en todos estos momentos
históricos, jugó un papel determinante en la escena moderna de la música en
Polonia. Llegó a ser conocido por sus sinfonías y conciertos de proporciones
monumentales, ingeniosas búsquedas sonoras orquestales y discursos líricos
de imaginativos arabescos cromáticos.
En medio de la histórica influencia de la música alemana sobre la
música polaca existió también una gran presencia francesa, pues el estilo
impresionista, atribuido a Claude Debussy, permitió la inclusión fluida de la
música tradicional en el lenguaje académico con un gran enriquecimiento en
los marcos armónicos empleados. La invasión y ocupación nazi durante los
años de la Segunda Guerra Mundial propinaron un duro golpe a la vida polaca,
y la actividad cultural prácticamente cesó. Terminada la guerra, los músicos
reaccionaron rápidamente para reactivar los conservatorios, las orquestas y las
agrupaciones musicales. A partir de 1948, Polonia viró hacia el comunismo,
y en medio del control oficialista sobre las expresiones musicales surgieron
figuras destacadas como la de Bacewicz, Lutosławski, Panufnik, Baird y
Serocki, convertidas en las herederas del grupo Polonia Joven y de los logros
de Szymanowski.
Entre 1882 y 1901 Szymanowski vivió en Ucrania, en donde su familia
de ancestro polaco había permanecido en una de las antiguas divisiones
territoriales de Polonia. A partir de 1901, con una educación musical
adquirida en el hogar, se dirigió a Varsovia para dedicarse al estudio formal
de la composición junto a Zygmunt Noskowski. En sus obras más tempranas
se reconoce la influencia de Chopin y de Richard Strauss, pero prontamente
sus obras se tiñeron de un colorido personal. Estudió de cerca las piezas
de los alemanes de la escuela expresionista, pero también desarrolló un
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lenguaje nacionalista basado en aires de danza y canción polacas, en un estilo
intencionalmente alejado de lo que denominó ‘provincialismo’. Se inspiró en
las culturas mediterráneas a través de sus viajes y también tuvo oportunidad
de conocer los planteamientos de Debussy, Ravel y Stravinsky durante una
larga permanencia en París.
Sus obras más tempranas fueron unos preludios para piano al estilo de
Chopin. Entre 1901 y 1903 concibió un conjunto de variaciones, las Op. 3,
en si bemol menor, con un estilo más personal, si bien con un marco formal
relativamente clásico que permite que en cada variación se reconozca la
estructura del tema original. Las variaciones ofrecen grandes contrastes
de estado de ánimo y texturas. Las hay brevísimas, apenas gestuales, de
simplicidad coral, movimiento perpetuo virtuosístico, insinuaciones de
mazurcas y valses… En cada caso, llama la atención el dominio del piano y la
dificultad pianística de cada uno de los instantes de las Variaciones.
Reyes Copello
De la página web de Miami Art House1 reproducimos y adaptamos la siguiente
información acerca de Julio Reyes Copello (n. 1969):
Seis premios Grammy, un Grammy Latino, más de veinticinco nominaciones a
premios, quince canciones en el top de Billboard, diez premios ASCAP son más
que suficientes para mostrar el tremendo impacto que ha tenido Julio Reyes Copello
sobre la industria de la música latina a lo largo de dos décadas. La habilidad del
productor, pianista, orquestador y compositor para transformar el complejo espectro
de las emociones humanas en melodías y canciones, le ha permitido trabajar de
manera efectiva con todos los géneros y lenguajes musicales con notoria maestría,
intensidad y gracia. Hace veinte años que el productor colombiano decidió mudarse
a Miami y ha tenido la oportunidad de escribir, grabar, producir canciones y álbumes
para reconocidos artistas de Europa y América, tales como Alejandro Sanz, Il Divo,
Laura Pausini, Jennifer López, Nelly Furtado, Ricky Martin, Thalía, Paulina Rubio,
Fonseca y Andrés Cepeda, entre muchos.
Entre sus proyectos destacados se incluyen: la composición y realización de la
banda sonora de la experiencia MARS 2030, la dirección de la Orquesta Sinfónica
de Londres, la banda sonora para la serie de televisión Hawthorne, la producción y
orquestación de la música para la visita del Papa Francisco a Colombia en 2017 y la
composición de piezas para piano.
1 https://miamiart.house/epk/julio-reyes-copello/
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Estudió en la Pontificia Universidad Javeriana, en donde también enseñó.
Recibió una beca para obtener una Maestría en Escritura y Producción para Medios
en el Universidad de Miami en donde se graduó con honores. El productor Jorge
Calandrelli lo escogió para realizar la orquestación de las canciones incluidas en la
grabación Navidad en Viena (Our Favourite Things) que incluyó las voces de Plácido
Domingo, Tony Bennet, Vanessa Williams, Charlotte Church y la Filarmónica de
Viena. Desde entonces, comanda admiración y respeto en el medio y maneja una
apretada agenda. En 2013 estableció su propio estudio de grabación —Miami
Art House— que se convirtió no solo en su sitio de estudio, sino en el terreno de
formación de algunos de los artistas más importantes de la región. Es también una
sociedad creativa abierta en donde artistas, instrumentistas y compositores se reúnen
para escribir, hacer arreglos y producir música nueva sin distingos de sexo, edad o
etnicidad.
Bambuco es una obra de unos cinco minutos de duración, que trabaja el
entorno rítmico del bambuco, rico en síncopas y viveza. Una melodía abstracta
de escalas, que evoca el contorno de algún bambuco cantado, navega por
acordes y fórmulas rítmicas que se turnan el protagonismo de la pieza. La
partitura resultante es un trozo muy sonoro pleno de contrastes. Hay un
breve interludio que invita a calmar el ánimo y meditar sobre notas sueltas y
armonías sencillas antes de volver al torbellino de actividad final en el que se
destaca la escritura virtuosística para el instrumento.
Rachmaninov
Sergei Rachmaninov (1873-1843) desarrolló un virtuosismo pianístico sin
precedentes durante sus años de estudio en el Conservatorio de Moscú,
institución que ya había producido una pléyade de pianistas rusos. En 1891, a
los 19 años y para su grado como pianista, presentó el Concierto para piano No.
1, y al año siguiente, para el grado de compositor, escribió el célebre Preludio
en do sostenido menor. El resto de su vida profesional lo dedicó a combinar
tres actividades: la de concertista, compositor y director orquestal. Con la
Revolución Bolchevique de 1917, Rachmaninov salió de Rusia y vivió entre
París y Lucerna hasta que, finalmente en 1939 y con motivo de la Segunda
Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos.
Con Rachmaninov y Scriabin el Romanticismo ruso del siglo xix alcanzó
su máxima expresión y se desbordó en el siglo xx. Los dos fueron pianistas
profesionales y alumnos de composición en el Conservatorio de Moscú bajo
la tutela de Tanaiev y Arensky. Pese al éxito precoz, la carrera de Rachmaninov
no avanzó al ritmo esperado. Sus tropiezos con la crítica desventajosa fueron
causa de extensos períodos de estancamiento e incertidumbre. Tal fue el
9
caso del estreno de la Primera sinfonía en 1895, realizada bajo la dirección
de Alexander Glazunov. Curiosamente, su estilo, excesivamente romántico,
lo mantuvo al margen de las corrientes innovadoras del siglo xx, lo cual, en
retrospectiva, resulta no ser un defecto, sino una prueba contundente de la
validez del Romanticismo en el siglo xx. Su popularidad se ha mantenido
primordialmente gracias a las obras para piano, cuyo virtuosismo y mensaje
emotivo harán que siempre cuente con intérpretes y público.
Rachmaninov se destacó siempre por ser un pianista rutilante y un
compositor capaz de amalgamar un estilo profundamente romántico con las
tendencias nacionalistas imperantes de fin de siglo, sin sacrificar la expresión de
pensamientos musicales densos y elaborados. Pese a la enorme dificultad de su
obra pianística, la interpretaba de manera sencilla, controlada y prácticamente
estoica. Era admirado por la precisión de su técnica interpretativa, la exactitud
rítmica, las frases magistralmente ligadas y la manera en que resaltaba las
diversas texturas. Compuso seis óperas, cuatro conciertos para piano y
orquesta, tres sinfonías, varios poemas sinfónicos y obras vocales y corales. El
grueso de su obra está dedicado a las composiciones para piano.
La segunda sonata para piano mezcla y soluciona inteligentemente
problemas de estructura y contenido. Los temas principales, de gran presencia
melódica, son sometidos a todo tipo de transformaciones anímicas, indicadas
por los cambios de tempo. En las secciones más rápidas hace su presencia
el estudio para piano, y en las más lentas, el ambiente de los preludios. Se
reconocen tres ‘movimientos’, pero se ejecutan de manera continua. Todas
las secciones han sido sometidas a una rica figuración ornamental, con pasajes
de gran dificultad interpretativa tanto en lo técnico como en lo musical. En
la revisión de 1931, Rachmaninov acortó la sonata y simplificó algunas de las
texturas sonoras más densas y complejas.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de
Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación,
del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la
Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista
‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del
Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus
investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx.
Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo
TEMPORADA NACIONAL
DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
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Citación recomendada (normas APA)
"Programa de mano - Pablo Molano, piano (Colombia)", Bogotá (Colombia):-, 2022. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/3710652/), el día 2025-06-19.
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