Foto: Paula Castro
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
JUAN PABLO COSME
(Colombia)
piano
Jueves 26 de mayo de 2022 · 6:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: YKZ285
SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
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le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
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Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
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SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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ACERCA DEL INTÉRPRETE
Juan Pablo Cosme, piano
Juan Pablo es Magíster en Interpretación y Pedagogía
Instrumental y pianista de la Universidad Nacional
de Colombia, estudios que realizó bajo la dirección
de William Mac McClure. A lo largo de su trayectoria
musical se ha presentado como solista, músico de
cámara, músico de orquesta y pianista acompañante
en diversos escenarios en Colombia y Estados Unidos.
Fue seleccionado para ser parte de la Serie de
los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en
2021. En 2019, fue ganador del concurso de solistas
de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música
de la Universidad Nacional de Colombia, obtuvo el
primer puesto en la categoría de Jóvenes Intérpretes
del VI Festival Concurso Pianissimo, y el segundo
premio del VI Concurso de Música Iberoamericana
para Piano ‘Luis Carlos Figueroa’, donde obtuvo
también mención de honor a la mejor interpretación.
Ese mismo año participó en festivales nacionales
e internacionales tales como el Cartagena Festival
Internacional de Música, Sewanee Music Festival, el festival del Brevard Music
Center, en donde participó en la serie de conciertos y clases de verano, y en el
VIII Festival Internacional de Piano en Ibagué.
Ha ofrecido recitales en auditorios en Estados Unidos, como Guerry
Hall, Sercy Hall y Art Gallery, y en Colombia en el auditorio Teresa Cuervo
Borda del Museo Nacional de Colombia, los auditorios León de Greiff, Olav
Roots y Guillermo Uribe Holguín de la Universidad Nacional de Colombia,
Centro Cultural del Banco de la República en Ibagué y en escenarios de Villa
de Leyva, Cali, Medellín, Cartagena y la región de Urabá.
Foto: Paula Castro
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Ha colaborado como pianista de orquesta en la Orquesta Supernova,
formada para el XIII Cartagena Festival Internacional de Música y en
Cumberland Orchestra en Estados Unidos. Participó como pianista
acompañante en The Art of Singing: Technique, Movement and Text,
escuela de canto internacional llevada a cabo en la Universidad Nacional de
Colombia en 2016. Actualmente se desempeña como docente de música de
cámara y piano en la Escuela de Música de Cámara de Bogotá (EMCB) y en la
Academia Allegreto, institución enfocada en la enseñanza con la metodología
Suzuki para la formación a temprana edad.
3
Capricho en fa sostenido menor
de Ocho piezas para piano, Op. 76 No. 1 (1871)
Capricho en re menor
de Fantasías para piano, Op. 116 No. 1 (1892)
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
Carnaval de Viena, Op. 26 (1839)
Allegro
Romanze
Scherzino
Intermezzo
Finale
ROBERT SCHUMANN (1810-1856)
INTERMEDIO
Tema y variaciones (1946)
Tema: Andante
Andantino
Allegretto
Allegro
Maggiore
Presto agitato
Con bravura
JAIME LEÓN (1921-2015)
Suite de danzas criollas, Op. 15 (1946)
Adagietto pianissimo
Allegro rustico
Allegretto cantabile
Calmo e poetico
Scherzando-Cosa: Presto ed energico
ALBERTO GINASTERA (1916-1983)
Allegro de concierto, Op. 46 (1903) ENRIQUE GRANADOS (1867-1916)
PROGRAMA
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NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Brahms
Johannes Brahms (1833-1897) vivió una época de grandes controversias
musicales en Alemania, protagonizadas, primordialmente, por músicos de
dos bandos: el de aquellos que consideraban que la música debía entenderse
en términos literarios y el de quienes creían que la música podía darse en
términos absolutos y autorreferenciados.
Los músicos que se apegaron a uno u otro bando terminaron por producir,
cada uno por su lado, obras maravillosas que en su conjunto ofrecen una
excelente visión panorámica de la música en la segunda mitad del siglo
xix. Los compositores interesados en escribir obras musicales descriptivas
compusieron óperas, poemas sinfónicos y toda suerte de piezas sueltas con
títulos descriptivos. Los compositores interesados en trabajar la música desde
su lenguaje abstracto continuaron con la composición de sinfonías, sonatas,
conciertos con solista y música de cámara, de acuerdo con la tradición clásica
y la beethoveniana. Sobra decir que ninguno se inhibió de componer música
descriptiva o música absoluta, pero se mantuvieron la mayor parte del tiempo
en una tendencia u otra. Brahms, por ejemplo, no incursionó en el mundo de
la ópera o el poema sinfónico, pero escribió innumerables canciones, obras
corales y oberturas. Tal vez, la razón por la cual compuso sus cuatro sinfonías
—relativamente tarde en su vida— fue el deseo de evadir la controversia sobre
la sinfonía programática (aquella basada en un texto literario).
Los valores estéticos de Brahms quedaron plasmados de manera
contundente en su música de cámara con cuerda. De su imaginación
surgieron sonatas para violín y piano, chelo y piano, tríos, cuartetos, quintetos
y sextetos, en los que el piano tiene un papel tan protagónico como los
demás instrumentos participantes; y en sus obras para piano solo manifestó
plenamente el dominio que tuvo sobre el instrumento.
Brahms se dio a conocer al mundo musical como pianista concertista. A
los catorce años empezó a realizar giras de concierto, y jamás abandonó su
amor por el teclado. Sus composiciones para el piano abarcan una amplia gama
del repertorio del siglo xix: sonatas, conciertos, variaciones, piano a cuatro
manos, danzas y piezas varias. Dentro de este conjunto de piezas se agrupan
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treinta obras correspondientes a los Opus 76, 79, 116, 117, 118 y 119, en las
que dio rienda suelta al profundo lirismo que siempre le inspiró. Los títulos de
estas obras denotan su carácter poético e íntimo; predominan los caprichos,
intermedios, rapsodias, fantasías, romanzas y baladas. Son obras muy libres en
cuanto a lo formal, y complejas en lo tocante a su ejecución. Las ocho piezas
del Opus 76 incluyen tres caprichos y tres intermezzi. El Opus 116 tiene el
título general de Fantasías y consta de siete piezas.
Schumann
Siguiendo la usanza de la primera mitad del siglo xix, Robert Schumann
(1810-1856) experimentó con todas las formas de la composición y con una
gran cantidad de combinaciones instrumentales, y aunque sus conciertos son
tan famosos como sus sinfonías, el conocimiento íntimo y verdadero del estilo
de Schumann proviene del estudio de su obra de cámara, sus canciones y sus
composiciones para piano solo. En estos tres ámbitos, da rienda suelta a sus
ideas más originales y románticas, si bien en el caso de la música de cámara se
muestra apegado a la tradición clásica y en especial a los aportes de Beethoven.
Schumann llevó la noción de la pieza descriptiva, inspirada en danzas o
estados de ánimo, a planos formales concretos, y armó obras contundentes
a partir de la suma de miniaturas descriptivas. Tal es el caso de las conocidas
Escenas infantiles que congregan trece obras sueltas, cada una con su título
descriptivo: De países y gentes extranjeras, Historia curiosa, Ensueño, etc. Muchas
otras de sus obras breves ofrecen una oportunidad única de expresión, en
ocasiones más exitosa que la contenida en las grandes formas clásicas, como
la sonata, el concierto y la sinfonía. Sus ciclos de canciones y piezas para piano
resultan un tejido fascinante de instantes sorprendentes. En esta gran variedad
anímica radica el éxito de muchas de sus obras para piano, tales como las
Variaciones Abegg, el Álbum para la juventud, Hojas de álbum, Carnaval, Escenas
infantiles, Kreisleriana, Papillons, Novelletten y Davidsbündlertänze. En medio
de las más difíciles piruetas pianísticas, Schumann logra captar un instante
preciso del sentimiento humano. A veces lo describe literariamente (como en
Carnaval), y otras veces es un ejercicio desprovisto de imágenes reales, pero
siempre cercanas al poder evocador de la música. La experiencia de Schumann
con la composición de lieder (canciones) tuvo mucho que ver con esta forma
de componer y con las ansias de asociar el mundo real con el mundo sonoro
intangible; y en esta forma de ver la música radica uno de sus grandes aportes
al estilo musical romántico.
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Carnaval de Viena es una obra descriptiva dividida en cinco grandes
secciones que la convierten en una amalgama de sonata con trozo descriptivo,
en este caso, de estados anímicos en medio del bullicio y el alborozo del
carnaval. Se trata de una obra técnicamente difícil, en especial en sus
movimientos externos rápidos, enfáticos y vivaces. En medio de la gran
sonoridad del Allegro inicial se escuchan ecos de la Marsellesa, por entonces
prohibida en Viena, que nos recuerda que todo vale en carnaval. Entre tanta
euforia hay momentos más tranquilos, pero fugaces, como el de la Romanze.
El ambiente lúdico retorna en el Scherzino, que, junto con el Intermezzo, sirven
de abrebocas para el gran final. La obra data de su visita a Viena en 1839 y
antecede a los años de composición intensa de canciones.
Schumann dirigió importantes entidades musicales, fue director orquestal,
crítico y fundador de la revista musical Neue Zeitschrift für Musik, que aún
sobrevive.
León
El compositor cartagenero Jaime León Ferro (1921-2015) combinó con éxito
tres importantes facetas musicales: la de pianista, director y compositor. Se
inició tempranamente en la música en el conservatorio en Bogotá, junto a la
profesora de piano Lucía Pérez. Su buen desempeño en el instrumento motivó
al célebre pianista chileno Claudio Arrau a recomendarle que saliera del país
para adquirir una completa formación musical. La familia León había vivido en
San Francisco (California, Estados Unidos) cuando el compositor tenía cinco
años, y con motivo de los estudios musicales del hijo, se trasladó nuevamente
a este país, en esta ocasión a Manhattan, por la cercanía a The Institute for the
Musical Art y The Juilliard School, en donde el joven músico adelantaría sus
estudios. Al finalizar los estudios de piano, Jaime León encontró su verdadera
vocación musical a raíz de la observación del trabajo de Arturo Toscanini: la
dirección orquestal.
La experiencia orquestal de León en Estados Unidos gravitó en torno al
teatro en todas sus manifestaciones musicales: ópera, ballet y comedia musical.
Su ascenso en el mundo orquestal fue rápido y bien trabajado. A la buena
usanza de las mejores escuelas de dirección, León fue repetidor y vocal coach.
Allí cosechó los frutos de su formación en piano, haciendo reducciones,
transportando, leyendo a primera vista, etc., y, en general, haciendo gala de
su talento y formación. Al tiempo que se formaba como director, dominaba
el oficio de compositor junto a Vittorio Giannini y Bernard Wagner. De
Carl Friedberg heredó una de las más sólidas escuelas de piano alemana. Su
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primer trabajo estable con la ópera fue con la Dallas Civic Opera Company,
en donde actuó como repetidor de figuras tan relevantes como Maria Callas
y Tereza Berganza, mientras que se empapaba de la esencia de lo dramático
a través del trabajo de Franco Zefirelli, el director escénico. El contacto con
el ballet llegaría con The Atlanta City Ballet Company. Más tarde fue director
asistente del American Ballet Theatre en una gira de seis meses que lo llevó a
trabajar con todas las orquestas de Centro y Sur América. Su profesionalismo
y dedicación fueron bien remunerados: fue nombrado director musical de la
compañía.
Jaime León mantuvo fuertes lazos con las instituciones musicales
colombianas, siempre vinculado a sus orquestas y agrupaciones. Tiene una
larga lista de obras musicales orquestales, para el piano y para la voz. En los
conjuntos de variaciones que escribió logró expresar algunas de sus mejores
ideas musicales. En ellas transmite nociones diversas sobre el ritmo, con un uso
atractivo de la síncopa, que se entreteje con giros inspirados en un gran acervo
de repertorio que abarca desde las músicas del Caribe hasta el jazz, pasando
por aires de la región Andina colombiana. La gran experiencia de León como
director de la orquesta del American Ballet Theatre le permitió desarrollar
una concepción del ritmo viva y aplicable siempre a un movimiento corporal
explícito o tácito, evocado o sugerido.
Tema y variaciones data de 1946 y fue escrita por León en Nueva York. Se
trata de un ejercicio pianístico sobrio y de gran proyección técnica. El tema,
en fa sostenido menor, es seguido por seis variaciones que van creciendo en
dificultad y velocidad. Al Andante del tema siguen las variaciones Andantino,
Allegretto, Allegro, Maggiore, Presto agitato y Con bravura.
Ginastera
La trayectoria artística de Alberto Ginastera (1916-1983) es una visión
condensada de la historia y la problemática musical latinoamericana del
siglo xx. En sus primos años fue receptor pasivo de las formas musicales
europeas; de 1930 a 1945 combinó la búsqueda de su expresión personal
con la de una estética musical auténticamente argentina. Con la madurez
musical, su estilo se tornó cada día más innovador, sugestivo y de carácter
internacional. Estancia, Panambí, el Fausto criollo y las Pampeanas fueron obras
orquestales que sirvieron de modelo para mucha música latinoamericana de
tendencia nacionalista, en donde prima la elaboración de danzas y canciones
tradicionales.
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La etapa más nacionalista de la obra de Ginastera, en la que hay cierta
fidelidad a los ritmos y algunos elementos melódicos de la tradición argentina,
culmina con la primera de las Pampeanas, una rapsodia para violín y piano. El
mismo compositor describió esta época como la de su ‘nacionalismo objetivo’.
En los temas musicales empleados hay elementos aun tonales inspirados en
la música criolla. Sin embargo, a partir de la tercera Pampeana, el compositor
incursiona en el ámbito de lo atonal y lo dodecafónico sin perder de vista
la referencia tradicional, lo que Ginastera llamaría su etapa de ‘nacionalismo
subjetivo’. Sus composiciones, de técnicas contemporáneas, parten del trabajo
con la música tradicional argentina y conservan de ella una gran energía
rítmica, un lirismo cautivador y un ambiente misterioso que el mismo
compositor describe como ‘alucinante’.
Si en las Danzas argentinas, Op. 2, Ginastera se basó en aires específicos
como la zamba, la chacarera y la milonga, en las Suite de danzas criollas, Op.
15 los referentes del compositor son abstractos y señalan hacia el mundo
evocador y rítmico. Están concebidas dentro de un marco armónico
disonante que alterna, a veces, con el ambiente plano de una escala modal.
Pero desde la primera danza idealizada, el discurso es disonante (con acordes
que se ejecutan con la palma de la mano), y el ritmo sincopado y vivo cobra
una vida casi independiente. Los movimientos lentos ofrecen un vívido
contraste con los episodios rítmicos y construyen el rico mundo personal,
evocador y alucinante que es tan característico del compositor. La impronta
latinoamericana se reconoce en el juego entre compases de 3/4 y 6/8 que
se escucha en varias ocasiones a lo largo de las Danzas. Esta obra surgió en
1946, mientras Ginastera estuvo residenciado en Nueva York, gracias a una
beca Guggenheim.
Granados
Destacadísimo pianista y compositor, Enrique Granados (1867-1916) se
convenció de la necesidad de hacer una escuela musical de corte nacionalista
español, de acuerdo con los preceptos de Felipe Pedrell, quien instó a unas
cuantas generaciones de músicos españoles y latinoamericanos a crear un estilo
propio a partir de materias primas musicales tradicionales. Para Granados, el
mundo español lo conformó principalmente el mundo de la ‘manolería’ de
Madrid, aunque también se escuchan en su música motivos de su Cataluña
nativa y los hechizos de la música andaluza.
El nombre de Enrique Granados y Campiña cobró fama luego de la
composición de las Danzas españolas, Op. 37 en 1892, si bien su gran habilidad
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pianística ya era un hecho reconocido. Son doce obras de gran destreza técnica
y riqueza descriptiva. En estas examina un amplio espectro de la música
tradicional española, y aunque respeta las formas sencillas para este tipo de
pieza de carácter, no sacrifica su personalidad musical enfática y elegante. En
Allegro de concierto, Op. 46 se concentra toda la bravura presente en las Danzas,
combinada con un despliegue técnico que se inspira en la escuela pianística
de Liszt y un uso imaginativo de la forma sonata. La obra fue escrita para
participar en un concurso de composición citado por el Conservatorio Real de
Madrid en 1903, donde se hizo acreedora del primer premio (el segundo fue
adjudicado a Manuel de Falla), precisamente por el uso acertado de las técnicas
pianísticas y el dominio de las formas académicas. La referencia española es
sutil y la obra es una de las favoritas entre la producción de Granados por su
brillo y expresividad.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de
Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación,
del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la
Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista
‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del
Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad
Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos
xix y xx.
Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra
TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
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Citación recomendada (normas APA)
"Programa de mano - Juan Pablo Cosme, piano (Colombia)", Bogotá (Colombia):-, 2022. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/3710512/), el día 2025-05-06.
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