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Programa de mano - Interpreti Veneziani, orquesta de cámara (Italia)

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Año de publicación 01/03/2022
Idioma Español

Descripción: Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Fotos: Interpreti Veneziani RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA INTERPRETI VENEZIANI (Italia) orquesta de cámara Estreno: domingo 13 de marzo de 2022 · 11:00 a.m. @SaladeConciertosLuisAngelArango Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022, siga el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida caliente o fría y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación cultural que ofrece el Banco de la República. 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Interpreti Veneziani nació en 1987 como «una nueva realidad en el panorama de conciertos italiano e internacional», triunfando inmediatamente por «...la exuberancia y el brío todo italiano que caracteriza sus interpretaciones». La agrupación ha llegado a su trigésima tercera temporada de conciertos en Venecia, con más de sesenta mil espectadores al año provenientes de todo el mundo. Se destaca su participación en Melbourne Festival, Bayreuth Festival, Prague Music Festival ‘Václav Hudeček’, así como su actuación en diversos conciertos en el Palacio Real de Estocolmo, en el telemaratón en el Teatro Kirov de Leningrado por la recuperación del nombre de la ciudad de San Petersburgo, en el Symphony Hall de Osaka, transmitido en directo por la radio japonesa, en el Suntory Hall y el Kjoi Hall de Tokio. Fotos: Interpreti Veneziani 2 Estados Unidos, Japón, Canadá y América Latina se alternan cada año en el calendario del grupo, con conciertos en las salas más prestigiosas. En 2013, Interpreti Veneziani actuó por primera vez en India. La actividad discográfica de la agrupación incluye la producción de un disco compacto para la casa Musikstrasse con música de Giuseppe Tartini, diecinueve discos grabados con la casa InVeNiceSound y un LP producido por AIR Studioso en Londres. Conozca más acerca de Interpreti Veneziani 3 Concierto en mi menor, RV 550 (1711) Adagio-Allegro Andante Allegro ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Concierto en re mayor, RV 222 (s. f.) Allegro Largo Allegro Concierto en re menor, RV 405 (s. f.) Allegro Largo Allegro Concierto en la mayor, D. 96 (s. f.) Allegro Largo Presto GIUSEPPE TARTINI (1692-1770) Concierto en sol menor, RV. 531 (s. f.) Allegro Largo Allegro ANTONIO VIVALDI Le Streghe, Op. 8 (1813) NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) PROGRAMA 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Enciso El orador y el músico tienen ambos el mismo fin […]: quieren conquistar los corazones, excitar o apaciguar los movimientos del alma y hacer pasar al oyente de una pasión a otra. Johann Joachim Quantz1 Expresar las emociones humanas por medio de los sonidos implica construir un lenguaje musical capaz de evocar una amplia gama de sensaciones en el oyente. Establecer sus pautas fue una de las principales preocupaciones de los intérpretes y teóricos de los siglos xvii y xviii, que buscaban definir reglas estilísticas capaces de transmitir ideas, imágenes y sentimientos dentro del ‘buen gusto musical’ de la época. En el capítulo xi de su Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière, Johann Joachim Quantz asegura que «La mejor composición puede dañarse con una mala expresión, y una composición mediocre se hace mejor con una buena expresión» (1752, p. 103)2. Para Quantz y otros teóricos de entonces, establecer las reglas de la interpretación era fundamental para garantizar la expresividad del discurso musical, ya que lo contenido en la partitura frecuentemente no bastaba, pues en ella no figuraban precisiones tales como cadencias, adornos y otros efectos musicales útiles para reforzar las ideas del compositor. La discusión acerca del ‘buen gusto musical’ persistió, y muchos coincidieron en cuestionar el criterio de algunos intérpretes para improvisar, asegurando que se debían respetar las ‘reglas del arte’ y esforzarse en el estudio de los ornamentos y otros efectos interpretativos, rechazando así a aquellos que abusaban ligeramente de ellos. Al respecto, opina Francesco Geminiani en su tratado L’art de jouer du violon contenant les règles nécessaires à la perfection de cet instrument (El arte de tocar el violín que contiene las reglas necesarias para alcanzar la perfección del instrumento): Es una suposición de muchas personas que el verdadero buen gusto no puede ser adquirido por medio de ninguna regla del arte, siendo un don peculiar de la 1 De su Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière (p. 102). Traducido al español por Angélica Daza. 2 Traducido al español por Angélica Daza. 5 naturaleza, otorgado solo a aquellos que naturalmente tienen un buen oído: y como la mayoría de la gente se enorgullece de tener esta perfección, sucede que el que canta o el que toca no piensa en nada más que en ejecutar continuamente algunos pasajes o gracias de su predilección, imaginándose por este medio ser tenido por un buen ejecutor, pero sin imaginarse que tocar con buen gusto no consiste en pasajes frecuentes, sino en expresar la intención del compositor con fuerza y delicadeza (1752, p. 6)3. Tanto Quantz como Geminiani fueron herederos de una tradición musical que veía en la figura del solista a aquel virtuoso capaz de improvisar —de una forma casi sobrenatural— y de provocar la admiración del público, no solo por su dominio del instrumento, sino —más importante aun— por su capacidad para transmitir eficazmente las emociones4. En el transcurso de los siglos xvii y xviii, durante el Barroco italiano, aparecieron muchos de estos virtuosos, algunos de los cuales revolucionaron radicalmente la técnica del instrumento, estableciendo sus propias e innovadoras reglas sobre la interpretación. Estos intérpretes difundieron por toda Europa su técnica y estilo personal, y con esto ejercieron una fuerte influencia en los demás compositores del momento. Uno de los más destacados fue Antonio Vivaldi (1678-1741), el prete rosso5, consagrado profesor de violín, solista, compositor y empresario de ópera. El autor de la serie de conciertos conocidos como Las cuatro estaciones6 —hoy recordado como uno de los primeros ejemplos de música programática7— consiguió, gracias al dominio de diversos efectos técnicos y compositivos, ponerse al servicio de la expresión, comunicando ideas y conceptos de una manera hasta entonces poco conocida. Dominó el arte de conmover e impresionar gracias al lirismo y a la poesía que imprimió en sus obras tanto instrumentales como vocales. Vivaldi revolucionó la forma tradicional del concerto grosso8 (herencia de Corelli) para dar paso a un nuevo tipo de concierto: el concierto de solista. 3 Traducido al español por Angélica Daza. 4 El músico virtuoso no solo era aquel que podía ejecutar acrobacias en el instrumento, sino era, sobre todo —y esto es esencial para la época—, el que tenía la capacidad de comunicar emociones por medio del uso correcto y oportuno de efectos musicales, estilísticos y expresivos. 5 El ‘cura rojo’, llamado así por su pertenencia al clero y por el color de su cabello. 6 Se trata de los primeros cuatro conciertos del opus 8, Il cimento dell’armonia e dell’inventione, publicados en 1725. 7 Música programática es una expresión que se usa para referirse a la música que evoca ideas o imágenes a través de los sonidos, en oposición a la música absoluta, que no busca referencias particulares. 8 Forma musical en la que se contraponían dos grupos de instrumentos: el concertino (grupo de instrumentos solistas que dialogaban con el resto de la orquesta) y el ripieno o tutti (conjunto de instrumentos que conformaban el resto de la orquesta y eran independientes de los solistas del concertino). 6 En este, inicialmente se destacaba el papel de uno de los intérpretes del concertino sobre los demás, hasta que pronto el concertino se vio reducido a un solo instrumento, otorgándosele mayor autonomía con respecto a la orquesta. Uno de los primeros ejemplos de este tipo de conciertos se encuentra en el opus No. 3, L’estro armonico (La inspiración armónica), publicado en 1711 en Ámsterdam, colección que fue especialmente bien recibida por el público, y que pronto se convertiría en el modelo de este nuevo tipo de conciertos9. Entre los doce que lo conforman, encontramos varios para uno, dos y hasta cuatro violines solistas, como es el caso del Concierto para cuatro violines, violonchelo, cuerdas y clavicémbalo, Op. 3 No. 4, que, contrariamente a lo esperado en un tradicional concerto grosso, está lleno de pasajes solistas que sorprenden por su diálogo con el resto de los integrantes del ensamble (tanto con los demás instrumentos del concertino como con el tutti). En esta obra son especialmente frecuentes los contrastes rítmicos y dinámicos que caracterizan a la dialéctica musical barroca. Aunque una buena parte de los conciertos de Vivaldi se encuentra recopilada en colecciones, existen algunos conciertos ‘independientes’ que han despertado el interés del público. Uno de ellos es el Concierto en re mayor, RV. 222, conocido por su dedicatoria ‘alla signora Chiara’. El compositor trabajó la mayor parte de su vida como profesor de violín en el Ospedale della Pietà, una de las instituciones que se dedicaba en Venecia a la educación de las niñas huérfanas, reconocida por el alto nivel musical de sus estudiantes. Hoy se sabe que más de una de las alumnas de la institución llegó a gozar de fama y renombre como intérprete. Una de ellas fue conocida como ‘Chiara del violino’ (1718-1791) por el instrumento que interpretaba. Otros compositores que tuvieron relación con el orfanato, como Antonio Martinelli (1702-1782) le dedicaron también a ella algunos de sus conciertos (el mismo Vivaldi le dedicó su opus RV. 372), muestra de la admiración que sentían por la destreza de la joven. Este concierto es un ejemplo de la forma tripartita (allegro-adagio-allegro) que se consolidaría finalmente con Vivaldi. El primer y tercer movimientos están construidos de forma similar: alternancia de solos y ritornelos que acentúan el contraste entre el solo y el tutti. Pero es en el segundo movimiento donde el compositor plasma su genio: reduciendo el acompañamiento a 9 Uno de los aspectos que contribuyó a la popularidad de este opus fueron las transcripciones que J. S. Bach (apenas menor que Vivaldi) hizo de seis de ellos (para órgano y clavecín). De esta manera circularon por muchos países de Europa, donde el nombre de Vivaldi se hizo cada vez más popular. 7 apenas algunos violines, le da la oportunidad al solista de destacarse en una línea melódica cargada de emoción y virtuosismo. Vivaldi fue uno de los autores más prolíficos de su tiempo, con más de ochocientas obras escritas, entre las que figuran conciertos, sonatas, óperas y algunas piezas sacras. Si bien la mayor parte de su obra instrumental fue escrita para violín, también exploró los sonidos de los instrumentos de viento (flauta, oboe, clarinete, fagot), y dentro de la familia de la cuerda fue uno de los primeros en dar una mayor relevancia al violonchelo, tratándolo como solista al alejarlo del papel de acompañante al que tradicionalmente se le había relegado (como parte del bajo continuo). El Concierto en re menor, RV. 405 es un arquetipo del concierto para solista, en que el compositor pone de relieve el registro grave del instrumento, otorgándole mayor dramatismo. Pero uno de los ejemplos más sorprendentes de las composiciones que Vivaldi realizó para el violonchelo es el Concierto en sol menor, RV. 531, original para dos violonchelos y orquesta de cuerdas e interpretado esta noche en una transcripción exclusiva para viola y violonchelo. Este concierto es el único que escribió para dos violonchelos y es un ejemplo de lo impredecible que puede ser la escritura de Vivaldi: el diálogo imitativo entre ambos solistas en el primer y segundo movimientos da lugar en el tercero a una breve fuga con ligeras alusiones al verano de Las cuatro estaciones. Lleno de acrobacias musicales, es una muestra de que los recursos musicales de este italiano parecen inagotables. La imagen del solista virtuoso, consolidada por Vivaldi, encontró numerosos continuadores; uno de los más importantes fue Giuseppe Tartini (1692-1770), compositor, violinista y pedagogo, especialmente recordado por su sonata El trino del diablo. Con esta composición —cuya historia tiene algo de mítico10—, Tartini contribuyó a impulsar la imagen del intérprete dotado de dones sobrenaturales, tan popular en los círculos sociales del siglo xix. Desarrolló, incluso más que Vivaldi, la relación entre el sonido del violín y la voz humana, intentando reproducir todos los matices de esta en el instrumento. Compuso cerca de 125 conciertos y más de 175 sonatas para violín, además de realizar importantes aportes a la técnica del instrumento y al uso del arco. El Concierto en la mayor, D. 96 es un ejemplo de la belleza y elegancia que alcanzó la escritura de Tartini. Aunque el compositor adoptó en la mayor parte de sus conciertos la forma tripartita generalizada por Vivaldi, este opus puede eventualmente ser interpretado con cuatro movimientos 10 Según cuenta Tartini, una vez tuvo un sueño en el que, después de haber hecho un pacto con el diablo, se atrevió a desafiarlo a tocar su violín, y este interpretó una melodía tan bella y compleja que, al despertar, Tartini intentó reproducirla, llamándola después ‘el trino del diablo’. 8 (agregando un adagio que fue desechado por el compositor como segundo movimiento pero que aún se conserva). Hoy escucharemos la versión para tres movimientos, en la que figura en segundo lugar un largo11 que el compositor acompañó de una frase del poeta Pietro Metastasio (1698-1782), conocido libretista de ópera contemporáneo de Tartini: «A rivi, a fonti, a fiumi correte amare lacrime, sin tanto che consumi l’acerbo mio dolo» (Como arroyos, como fuentes, como ríos, corred, amargas lágrimas, hasta que se consuma mi cruel dolor). Hacer uso de una imagen poética como guía para la interpretación era una práctica frecuente en la época —recordemos que Vivaldi acompañó cada uno de los conciertos de las Cuatro estaciones con un soneto. Tartini preparó el camino de aquel que, aún se piensa, fue el violinista más virtuoso del siglo xix: Niccolò Paganini (1782-1840). Mucho se ha dicho de este intérprete: que tenía algún síndrome físico que le facilitaba ciertas posturas, que era un genio e incluso que estaba poseído. Lo cierto es que logró vivir cómodamente de su carrera como solista y convertirse en el fundador de la técnica moderna de violín. Fue una estrella en el sentido moderno de la palabra, llenando auditorios, rompiendo arcos, creando en ocasiones histeria a su alrededor y consolidando la figura del virtuoso apasionado y subyugado por su arte. Le Streghe, Op. 8 o ‘Danza de las brujas’ es un compendio de acrobacias técnicas condensadas en esta obra por Paganini. Usando la técnica de ‘tema y variaciones’, el compositor tomó una melodía del ballet El nogal de Benevento, de Franz Xaver Süssmayr (1766-1803) (alumno de Mozart), que contaba la historia de un grupo de brujas que se reunían en un bosque en la región de Benevento para adorar al diablo. En cada variación Paganini aumentó el nivel de dificultad técnica, convirtiéndola en una obra muy virtuosa. 11 Este largo suele ser interpretado como cuarto movimiento cuando se agrega el adagio, para respetar la alternancia de los movimientos rápidos y lentos. 9 Referencias Geminiani, F. (1752). L’art de jouer le violon contenant les règles nécessaires à la perfection de cet instrument. Paris. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ ark:/12148/bpt6k1165775r.image Quantz, J. J. (1752). Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière. Berlin : Chrétien Frédéric Voss. Recuperado de https://archive. org/details/essaidunemthode00quangoog/page/n163 Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 10 BETTY GARCÉS, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical
Citación recomendada (normas APA)
: "Programa de mano - Interpreti Veneziani, orquesta de cámara (Italia)", Bogotá (Colombia):-, 2022. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/3710437/), el día 2025-06-20.

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Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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Año de publicación 01/03/2022
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