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Programa de mano - Lincoln Trio, trío con piano (Estados Unidos)

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Año de publicación 08/11/2018
Idioma Español

Descripción: Foto: Marc Hauser Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA LINCOLN TRIO trío con piano (Estados Unidos) Domingo 25 de noviembre de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: TZT530 Martes 27 de noviembre de 2018 · 6:30 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: XXV671 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la biblioteca para que el ingreso sea habilitado. El servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 LINCOLN TRIO, trío con piano (Estados Unidos) Desirée Ruhstrat, violín David Cunliffe, violonchelo Marta Aznavoorian, piano Lincoln Trio, creado en el 2003, toma el nombre de su hogar ubicado en el corazón de los Estados Unidos, la tierra de Lincoln. El ensamble ha sido elogiado por sus pulidas presentaciones de reconocidos trabajos de cámara y por su capacidad de crear nuevos caminos con repertorio contemporáneo. La reputación del grupo como conjunto de primer nivel atrae a una audiencia ecléctica de sofisticados amantes de la música, jóvenes admiradores de programas contemporáneos y estudiantes que descubren la música de cámara por primera vez. Los integrantes de Lincoln Trio -defensores y abanderados de la nueva música- han interpretado numerosas composiciones escritas especialmente para ellos, incluyendo los estrenos de siete trabajos de miembros del Consorcio de Compositores de Chicago (entre ellos, Stacy Garrop, Mischa Zupko y Janice Misurell-Mitchell), así como algunos trabajos comisionados por el Festival de Ravinia para el Bicentenario de Lincoln ( James Crowley, Eric Sawyer y Lawrence Dillon) y un trabajo premiado, dedicado al trío por el joven ganador del Premio ASCAP, Conrad Tao. En el 2013 se realizó el lanzamiento de Annelies, disco para el sello Naxos con la obra del mismo nombre, el cual fue aclamado por la crítica y nominado al Grammy. Annelies, basada en el Diario de Anna Frank, contó con la participación del clarinetista Bharat Chandra, el ensamble Westminster Williamson Voices y la soprano Arianna Zukerman. En el 2014, el trío lanzó un disco para el sello Cedille, que incluye los trabajos completos de Joaquín Turina para piano y cuerdas. 2 PROGRAMA Trío con piano, Op. 120 (1922-1923) Allegro, ma non troppo Andantino Allegro vivo GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32 (2014) JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966) Obra comisionada por el Banco de la República INTERMEDIO Trío con piano en fa mayor (1904) Allegro ma non tanto Andante Allegro alla danza Andante grandioso – Prestissimo – Cantabile – Andante grandioso JOAQUÍN TURINA (1882-1949) CONCIERTO No. 51 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta R. Fauré Compositor, organista y profesor, Gabriel Fauré fue uno de los principales creadores franceses en llevar a cabo la transición del romanticismo al impresionismo, y es así que en su música podemos encontrar reminiscencias de Chopin mezcladas con ciertos anticipos de Debussy. A pesar de ser Fauré miembro fundador de la Sociedad Nacional de Música, entidad creada para promover la música francesa, su propia carrera como compositor fue subestimada hasta tener casi 50 años. La necesidad de ganarse la vida en trabajos de poca importancia limitó su trabajo creativo hasta que con el transcurrir de la década de 1890 fue nombrado inspector de conservatorios, organista jefe en la Iglesia de La Madeleine y profesor de composición en el Conservatorio de París. Eventualmente, y ya consagrado como eminente compositor en su país, asumió la dirección del Conservatorio en 1905 y la mantuvo quince años, hasta su retiro a los 75 años. Sus obras más conocidas son, seguramente, aquellas dominadas por la voz, bien sean sus hermosas mélodies o su emblemático Réquiem. Su música de cámara, sin embargo, demuestra un manejo sutil de la armonía cromática y un sofisticado contrapunto, herramientas con las cuales logró la más refinada expresividad. Tras su retiro del Conservatorio en 1920, Fauré recibió, tanto en Francia, como en el resto de Europa, el amplio reconocimiento que hasta entonces le había sido negado. Al mismo tiempo, sin embargo, su salud degeneró marcadamente, incluso llevándolo a una deformación auditiva que hacía cada vez más difícil y lento su trabajo creativo. A pesar de ello, pudo crear en esos últimos años de su vida una serie de obras maestras, todas ellas en el íntimo marco de la música de cámara; de este tesoro brota su penúltima obra, el Trío con piano, Op. 120, en re menor. El primer movimiento, Allegro, ma non troppo, inicia con un delicado tema presentado por el violonchelo, el cual parece flotar sobre un transparente acompañamiento de piano. El violín eventualmente aparece, imitando al chelo en un amplio desfase y creando una textura polifónica de elegantísima sencillez. De estos materiales surgen un par de motivos con los cuales Fauré desarrolla una especie de forma sonata expansiva, con una armonía tonal cromática y de cierto sabor modal, siempre elaborada con una constante 4 textura contrapuntística. El segundo movimiento, Andantino, se construye sobre un tema principal de contorno lírico de gran relieve. Un segundo tema, algo más melancólico, es presentado por los arcos al unísono y se desenvuelve de forma densamente cromática y con gran dramatismo. Tras un intenso clímax, el mismo desarrollo nos regresa orgánicamente al lirismo del tema inicial, el cual vaga en un ambiente de suspensión tonal, en un vaivén expresivo hasta hallar el reposo en fa mayor al final del movimiento. A lo largo de la obra han aparecido estrategias sencillas para crear una cierta ambigüedad métrica que contrapone lo binario y lo ternario, pero sin llamar demasiada atención al elemento propiamente rítmico. El movimiento final, un Allegro vivo que parecería sugerir una especie de scherzo, se nutre también de estos juegos, pero de manera explícita. Casi no llegamos a percibir con claridad el carácter de tempo y métrica del movimiento, tan solo revelándose con el segundo motivo, un impetuoso gesto ascendente. Los dos materiales principales se entrelazan constantemente, contraponiendo claridad e incertidumbre, tanto en lo rítmico como en lo armónico, hasta que todo se resuelve en un intenso final en re mayor. Cuéllar El bogotano Juan Antonio Cuéllar realizó estudios pregraduales en composición en la Pontificia Universidad Javeriana y posgraduales en la Universidad de Indiana. Su música sinfónica y de cámara ha obtenido diversos premios y reconocimientos, y ha sido interpretada, por las orquestas Sinfónica Nacional de Colombia y Filarmónica de Bogotá, los cuartetos de cuerdas Kuttner y Manolov, los ensambles de música contemporánea Decibelio, Ónix e Indiana University New Music Ensemble, entre otros. Además de una larga trayectoria como profesor, Cuéllar fue decano de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana entre 2002 y 2008, presidente de la Asociación Colombiana de Facultades y Programas de Artes entre 2007 y 2008, y, de 2008 a 2014, presidente ejecutivo de la Fundación Nacional Batuta. Ha sido consultor de varias entidades públicas para temas relativos a la educación artística en Colombia, asesor de diversas universidades para procesos de acreditación, y miembro de juntas y consejos directivos de instituciones culturales y de educación superior. Compuesta en 2014 por encargo del Banco de la República de Colombia, Conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32 está planteada como una pieza en tres movimientos, supuestamente con una curva tradicional de tempi (velocidades): rápido - lento – rápido. La verdad, sin embargo, es que 5 Cuéllar juega con nuestra escucha y nuestras expectativas formales, primero subdividiendo internamente estos movimientos en paquetes de variaciones y luego articulando los movimientos entre sí con attacca. Por medio de una flexible red de modulaciones temporales, Cuéllar logra que escuchemos la obra entera como un proceso orgánico de aceleraciones y desaceleraciones cuyos límites se hacen difusos por el cambio constante de tamaño de pulso, de tipos de agrupación, etc. Es más, cada figura duracional que aparece en el Tema se convertirá en un referente de tempo en diferentes momentos de la obra, lo cual implica que algo que en un momento dado aparece como pulso luego puede aparecer como subdivisión o agrupación de otro pulso y así sucesivamente. Al inicio de su partitura, el compositor caracteriza el Tema y cada una de las once variaciones, no tanto con una descripción técnica, sino rotulando cada tramo como un intercambio —las conversaciones que dan título a la obra— de Cuéllar con algún compositor del pasado. Citando algunos de estos fragmentos de la partitura en itálicas, entramos al primer movimiento: Tema: «Sacris Solemniis»: Motete original a cuatro voces escrito en aprecio a Gabriel Fauré. El Tema a partir del cual Cuéllar compone su obra hace referencia a un himno para Corpus Christi escrito por Santo Tomás de Aquino. El resultado musical es un lento, breve y dulce coral, el cual será pasado por una plétora de procesos de ornamentación y transformación, de relectura y resignificación. Sin pausa alguna, pasamos al primer ramillete de variaciones: Variación 1: En conversación con Keith Jarrett acerca de Béla Bartók. Variación 2: Acerca de una discusión con Igor Stravinsky. Variación 3: Estudio “In ascendit” luego de un diálogo con György Ligeti. Estas tres variaciones se caracterizan por un tempo rápido, con un uso frecuentemente percusivo de los instrumentos y gran vivacidad rítmica. En este viaje por el oriente europeo del siglo pasado posiblemente escuchemos ecos de la irregularidad métrica del primer compositor mencionado, la violencia de expresión del segundo y hasta una paráfrasis de algún estudio para piano del tercero. Todo, sin embargo, se logra con un proceso de metamorfosis impecable y sin indicio alguno de pastiche posmoderno. Una resonancia de violonchelo nos deja en la tranquila planicie del segundo movimiento: Variación 4: Tranquila conversación tonal con Anton Webern. Variaciones 5 y 6: Confesiones íntimas a Clara Schumann. 6 Variaciones 7 y 8: Digresión barroca: Partita, Invención, Preludio Coral, Transición. Estas cinco variaciones comienzan en el tempo lento del Tema para hacer un viaje hacia el pasado de Europa central, retomando los característicos gestos sutiles, delicados y simétricos del primer interlocutor, pero ya deformados para regresarnos a las antiguas sonoridades de la música tonal. En ellas nos encontramos con el intenso romanticismo de la segunda compositora y la riqueza de su escritura pianística, la cual muta -en permanente aceleración-hacia el pasado remoto de los arcos bachianos. El regreso del piano nos rescata paulatinamente de los límites de la cita, arrastrándonos, casi, hacia el tercer movimiento: Variaciones 9 y 10: Conversaciones con Alberto Ginastera sobre una danza del Pacífico colombiano. Variación 11: Coda. Estas últimas tres variaciones nos traen finalmente a América Latina y a las ideas ginasterianas de un nacionalismo subjetivo, en el cual no hay citas sino verdaderas elaboraciones creativas de los referentes populares. Según Guillermo Gaviria -antiguo maestro de Cuéllar- serían el currulao y el bambuco caucano las danzas que han sido estudiadas para llevar a cabo este proceso. El cierre retoma elementos de las anteriores variaciones, creando un intenso clímax con el cual Cuéllar termina esta obra, la cual debería entrar a formar parte del repertorio para esta formación instrumental en nuestro país, junto a los emblemáticos tríos de Valencia y Uribe Holguín. Turina Compositor, pianista y director, Joaquín Turina nació en Sevilla, España, e inició su formación compositiva con Evaristo García Torres, Maestro de Capilla de la catedral de su ciudad natal. Debutó como intérprete en 1897 y cinco años después (justo cuando compuso su Trío en fa) se trasladó a Madrid a continuar su formación pianística. Retomó sus estudios de composición a partir de 1905, ahora en la Schola Cantorum de París, donde tantos compositores de su generación —como nuestro Guillermo Uribe Holguín— sintieron la necesidad de ir. Allí estudió con el omnipresente Vincent d’Indy hasta 1913, pero a la larga el intercambio más influyente fue aquel con sus ilustres compatriotas Isaac Albéniz y Manuel de Falla, quienes lo iniciaron en el nacionalismo musical español, vertiente que se haría muy importante en su producción compositiva. Desde 1914 desarrolló su carrera en Madrid, creando 7 música orquestal, de cámara, vocal y para solista instrumental, incluyendo una cantidad significativa de obras para su instrumento, el piano. El Trío con piano en fa mayor fue compuesto en 1904, cuando Turina aún estaba en Sevilla, y aunque fue estrenado (con el mismo Turina en el piano), eventualmente fue retirado del catálogo del compositor por ser considerada una mera obra de juventud. De hecho, la obra estuvo perdida hasta 1999 y apenas en estos últimos años ha comenzado a ser redefinida como la primera -y la más larga- de cuatro obras que Turina creó para este formato instrumental, las demás habiendo sido compuestas mucho después: en 1926, 1933 y 1936. El tono de la obra se inclina más hacia el romanticismo afrancesado que al nacionalismo hispánico por el cual se haría famoso Turina y tal vez en esto radique la crítica que hizo el autor, llevándolo a rechazar la pieza. Ciertamente no es una obra débil en términos técnicos y, de hecho, las grandes dimensiones que aborda resultarán características de su música de cámara madura. Marcado Allegro ma non tanto, el primero de los cuatro movimientos comienza dramáticamente, con unos imponentes acordes en tonalidad menor, antes de que un verdadero tema principal sea presentado por el violín. Las imitaciones posteriores de violonchelo y piano llevan gradualmente a la presentación de una nueva idea melódica, vagamente reminiscente de un Debussy temprano. Estos materiales son desarrollados por el trío, a la manera de la vieja forma sonata y siguiendo los caminos tonales tradicionales, aún sin los enriquecimientos modales que más adelante caracterizarán la música de Turina. El segundo movimiento es un Andante que comienza con un dulce coral a dos partes, tenuemente entretejido por violín y violonchelo, para luego ser respondido de manera contrastante por el piano solo. Los gestos iniciales se retoman y, con la suma del trío, la música crece en una intensidad plena de pasión decimonónica. Un breve coral de piano nos regresa al comienzo para embarcarnos en otros caminos de variación, antes de terminar simétricamente con el retorno de los arcos solos. Si el Andante tuvo algunas sugerencias de danza en sus desarrollos, el breve tercer movimiento —Allegro alla danza— plantea esta relación con el cuerpo como el centro mismo de su intención. Turina establece una métrica binaria de pulsos irregulares en un patrón de 3+2, con el violín lanzándose sin mayor introducción a presentar el agraciado tema principal, el cual es desarrollado en diálogos juguetones entre los tres instrumentos. Este ambiente lúdico es abandonado de nuevo en el cuarto movimiento, el cual inicia con un Andante grandioso de extravagante dramatismo. Un Prestissimo aparece de repente sin necesariamente cambiar la intención expresiva y de manera ininterrumpida 8 alterna una y otra vez con un dulce Cantabile hasta que en uno de esos retornos nos lanza más bien de regreso al Andante grandioso. Este tramo final reúne varios materiales expuestos a lo largo de la obra entera, dando cierre con gran contundencia a la diversidad de ideas planteadas por Turina. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. 9 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Boletas: $10.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical NUEVO CONCIERTO COMISIONES Y RETRATOS Lanzamiento de tres nuevas producciones discográficas del Banco de la República, con la actuación de la soprano Beatriz Elena Martínez, el Cuarteto Q-Arte y Lincoln Trio. Miércoles 28 de noviembre · 7:30 p.m. Cód. PULEP: XHG635 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Third Coast Percussion · Foto: Saverio Truglia. www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Conozca la programación de la TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS BANCO DE LA REPÚBLICA 2019 Boletas disponible a partir del 8 de diciembre en
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: "Programa de mano - Lincoln Trio, trío con piano (Estados Unidos)", -:-, 2018. Consultado en línea en la Biblioteca Digital de Bogotá (https://www.bibliotecadigitaldebogota.gov.co/resources/2082069/), el día 2025-05-03.

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Fuente Biblioteca Virtual Banco de la República
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Año de publicación 08/11/2018
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