Por:
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Fecha:
01/10/2021
Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021
Concierto digital No. 30
Estreno: miércoles 13 de octubre · 6:00 p.m.
GASPAR HOYOS
flauta (Colombia)
HUGUES LECLÈRE
piano (Francia)
Foto: Hugues Leclère
Foto: Noémie Lapierre
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
Banrepcultural
@SaladeConciertosLuisAngelArango
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Aproveche este espacio para disfrutar la música
desde de su casa. Solo o en familia, organice un
espacio que le permita apreciar al máximo esta
experiencia, prepare la tecnología que tenga a
la mano para visualizar el concierto, revise los
parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa
en el que se sienta cómodo para vivir el concierto.
Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de
asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se
vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras
actividades, apague el teléfono, entréguese a la
música y, ¡disfrute del momento!
Aproveche que está en casa, prepárese antes del
concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío
o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador.
Asegúrese de tener a la mano los elementos que
necesita o con los que se siente cómodo, evite las
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A lo largo de este programa de mano encontrará
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fácilmente a contenidos relacionados con el
concierto o con la programación musical del Banco.
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CONCIERTOS PARA EL RETORNO
Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos
completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se
identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a
esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público
lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la
República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel
Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha
… ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al
mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en
vivo por la salud y el bienestar de todos.
No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones,
la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del
país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una
temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021.
Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir
sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un
bien público.
El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie
de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales,
grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la
República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca
Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal
Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook
de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de
Conciertos Luis Ángel Arango.
Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a
nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República
continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música
se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores,
compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena
musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple
Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual
forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el
perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto,
hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock,
música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados
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que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de
reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del
Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en
formato de audio y video.
El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna
ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto
de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un
escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos
de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por
esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones,
distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como
escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de
nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de
la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición
que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir.
Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para
cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales
en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que
nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los
amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos.
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Sala de Conciertos
Luis Ángel Arango
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SOBRE LOS INTÉRPRETES
GASPAR HOYOS, flauta
Gaspar Hoyos es reconocido como uno de
los flautistas más dinámicos y virtuosos de su
generación. Ha realizado giras en Suramérica,
los Estados Unidos, Europa y Asia, donde ha
sido unánimemente aclamado por el público y
la crítica.
Fue solista con la Orquesta Simón Bolívar
(Caracas), con la cual interpretó la fantasía
sobre el flautista de Hamelin, Pied Piper Fantasy,
durante el Festival Corigliano. Hizo parte de la
nómina de profesores en la Royal Academy
of Music de Londres y en la Universidad de
Yale. Fue uno de los artistas invitados para
conmemorar los cuarenta y los cincuenta años
de la Sala de Conciertos ubicada en la Biblioteca
Luis Ángel Arango del Banco de la República en Bogotá (Bogotá), así como
para la conmemoración de los cincuenta años de la Orquesta Filarmónica de
Bogotá. En 2020 actuó con la Orquesta Sinfónica de Colombia en el Teatro
Colón de Bogotá, en el estreno de la última versión del Concierto-Son de
Arturo Márquez.
Acogido como el «[…] maestro colombiano de más valor en el panorama
musical mundial» después de ganar el Primer Premio en el Concurso
Internacional de Markneukirchen, ganó dos premios más en el Concurso
Internacional Jean-Pierre Rampal (Cambio 16, Bogotá). En esta ocasión fue
invitado a hacer su debut como solista en el Teatro de los Champs Elysées en
París, con el Ensemble Orchestral de París. Esta invitación marcó el inicio de
conciertos y clases en el mundo entero.
El público ha escuchado sus interpretaciones en París, New York,
Tokyo, Boston, Frankfurt, Lima y Bogotá. Gaspar Hoyos ha participado
además en prestigiosos festivales internacionales: Radio France Montpellier,
Nancyphonies, Musica Riva, Guebwiller, Boston July in Jordan, Istria,
Jeunesses Musicales, Clairac, Serra Nevada y Musique Action.
Foto: Noémie Lapierre
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La discografía de Hoyos como solista incluye Absinthe (Fleur de Son),
Bravissimo (Octavia Records), las sonatas para flauta y clave de Johann
Sebastian Bach (Lontano), y el disco que conmemora los cuarenta años de la
Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Recientemente grabó
el disco Canción, con la arpista japonesa Etsuko Shoji; y Solo, un disco de obras
barrocas y contemporáneas para flauta sola.
Actualmente, Hoyos es primera flauta en la orquesta de la Opéra National
de Lorraine, y continúa sus actividades pedagógicas, sus actuaciones con la
agrupación Ultim’Asonata —del cual es miembro fundador, y sus conciertos
de música de cámara. También es el director de la Colección Gaspar Hoyos
del editor de partituras Robert Martin, con quien ha publicado ya varias obras
originales y arreglos para flauta y piano.
Gaspar Hoyos inició sus estudios de flauta con Sarah Brown y François
Khoury en Bogotá, para luego continuarlos con varios profesores, entre los
que se destacan Paula Robison y Raymond Guiot. Tuvo además la suerte de
ser el último alumno del gran flautista Jean-Pierre Rampal, en su encantadora
casa de la avenida Mozart en París.
Conozca más acerca del artista
Gaspar Hoyos
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HUGUES LECLÈRE, piano
Hughes Leclère nació en Francia en
1968. Perfeccionó su técnica musical
con Catherine Collard, gracias a quien
ingresó como primero de su clase al
Conservatorio Nacional Superior de
Música de París. Allí se graduó con
altos honores en piano, teoría musical
y música de cámara.
Se ha presentado en cuarenta
países, entre estos, Francia, en
escenarios como Philharmonie de
París, Festival d’Ile-de-France, Festival
Présences de Radio France, Piano à
Riom, Festival du Comminges, Nohant
Festival Chopin y Festival de la Vézère;
en Países Bajos, en el Concertgebouw y la Ópera de Ámsterdam; en Alemania,
en el Musikhalle en Hambourg; así como en diferentes escenarios de Rusia,
Italia, España y Portugal. Asimismo, ha actuado en países del Lejano Oriente,
como Japón, China, Taiwán y Tailandia; así como en Canadá y en Estados
Unidos, en Bloomington University, Western Michigan University y North
Texas University.
Ha actuado como solista con diversas orquestas, como la Camerata de
la Filarmónica de Berlín, Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga, Orquesta
Nacional de la Lorena, Orquesta Nacional de Auvergne, Orquesta Sinfónica
del Estado de México, Orquesta de la Guardia Republicana, Orquesta de
Minsk, Orquesta Nacional de Samara, Orquesta de Timisoara e Ensemble
l’Itinéraire, en las que ha sido dirigido por Jacques Mercier, Jean-Pierre Wallez,
Arie Van Beek, Mikhail Shcerbakov, Ondrej Lenard, Sébastian Lang-Lessing,
Enrique Bátiz y Manuel Hernández-Silva, entre otros.
Intérprete sobresaliente de Debussy, Ravel y sus contemporáneos,
Hughes Leclère confirma enteramente su madurez en el repertorio alemán
(Haydn, Beethoven, Brahms, etc.), que ha interpretado como solista o en
música de cámara en conciertos con Augustin Dumay, el Streichquintett de
la Filarmónica de Berlín, los solistas de la Orquesta de París y los cuartetos
Talich, Modigliani y Amarcord.
Foto: Hugues Leclère
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Su discografía incluye trece grabaciones, entre las cuales se encuentra el
estreno mundial de las Sonatas Ladurner Op. 4 en instrumento clásico y la
Sonata para violín de Witkovski. En 2011, lanzó sus grabaciones en vivo del
Concierto para piano en la mayor No. 23 de Mozart (K.488) y el Concierto para
piano en sol mayor de Ravel, con la Orquesta de la Radio Nacional de Praga.
Su pasión por Mozart, Haydn y Beethoven lo ha empujado a investigar
las sonoridades originales de los instrumentos clásicos. Posee una copia del
instrumento de Stein, que encaja perfectamente con las obras maestras de
finales del siglo XVIII.
Participante activo en la escena musical contemporánea, Hughes
Leclère ha trabajado con varios compositores, contribuyendo con más de
cincuenta comisiones de obras nuevas. Adicionalmente, ha propuesto varias
presentaciones originales con los comediantes franceses Francis Huster y
Marie-Christine Barrault, con el periodista Patrick Poivre d’Arvor y el pintor
mexicano Rubén Maya. En 2020, ha sido invitado por la Philharmonie de
París para su programa Beethoven ‘Bagatelles entrelacées’, mezclando los opus
119 y 126 con once comisiones realizadas a once compositores.
Además de su carrera como artista de conciertos, Hugues Leclère enseña
en el Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris y es el director artístico
del festival internacional Nancyphonies.
Conozca más acerca del artista
Hugues Leclère
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PROGRAMA
Sonata en fa mayor, Op. 79 (1826)
Allegro gustoso
Andante
Allegro scherzando
FRIEDRICH KUHLAU (1786-1832)
Original para violín y piano
Transcripción para flauta y piano
de Louis Drouet (1792-1873)
Romance Op. 37 (1871) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921)
Para flauta y piano
Suite, Op. 34 (1877)
Moderato
Scherzo. Allegro vivace
Andantino
Vivace
CHARLES-MARIE WIDOR (1844-1937)
Para flauta y piano
Aria (1928) ALBERT ROUSSEL (1869-1937)
Adaptación para instrumento y piano realizada
por A. Roussel de su obra Vocalise No. 2
Fantasía sobre la ópera
‘Françoise de Rimini’ de A. Thomas
(1882)
CLAUDE-PAUL TAFFANEL (1844-1908)
Para flauta y piano
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SOBRE EL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Friedrich Kuhlau (1786-1832)
Contemporáneo de Beethoven y Schubert, Friedrich Kuhlau desarrolló su
carrera musical madura en Dinamarca a partir de 1810. Nacido en Uelzen,
cerca de Hanover, inició sus estudios musicales de piano en Lüneburg y luego
en Brunswick. Su formación profesional se dio en Hamburgo con Christian
Schwenke, heredero de la tradición musical de Carl Philipp Emanuel Bach.
Allí, Kuhlau se desempeñó como pianista hasta 1810 cuando huyó de la
ciudad hacia Copenhague para evadir la conscripción obligatoria de los
ejércitos napoleónicos que habían invadido la ciudad.
Obtuvo la naturalización danesa y trabajó como músico de cámara de la
corte, a la par que avanzaba su carrera pianística y docente, y se iniciaba su rol
de compositor. Su buena reputación como pianista le permitió embarcarse
en exitosas giras de conciertos por la península Escandinava, Berlín, Leipzig y
Viena. En una de las visitas a Viena, en 1825, tuvo oportunidad de departir con
Beethoven, quien le dedicó un canon con el juego de palabras Kühl, nicht lau
(Frío, no tibio) y a su vez, Kuhlau le envió un canon sobre las notas si bemol,
la, do, si natural, que representan musicalmente el nombre de Bach; y si bien
las sonatas originales para flauta de Kuhlau, las del Opus 83 merecieron que
se le llamara ‘el Beethoven de la flauta’, no hay mayor influencia de Beethoven
en su obra. Un incendio acaecido en su casa en 1831 acabó con gran parte de
sus manuscritos y su salud, pues murió un año después a consecuencia de las
secuelas del incendio. Sin embargo, sobrevivió una buena muestra de su obra:
música de salón, obras para la escena, canciones y algo de música de cámara.
De 1826 datan tres sonatas para violín y piano que conforman el Opus 79.
Son tres ejercicios amables, emotivos y bien logrados que fueron transcritos
inmediatamente para la flauta por Louis Drouet. La primera es una sonata
en tres movimientos breves: el primero de estos, un ejercicio serio en torno
a un tema de contornos amplios y comentarios activos en escalas y arpegios,
concebido en una forma sonata estricta. El Andante, el segundo movimiento,
es una transición emotiva y ornamental que lleva al tercer movimiento: un
Allegro scherzando rítmicamente activo y juguetón.
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Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Para 1921, año de su muerte, Saint-Saëns se había convertido en la figura
musical patriarcal más admirada por el estamento artístico francés. Tanto
su obra como su pensamiento musical influenciaron a una gran cantidad de
músicos galos de comienzos del siglo XX, imprimiéndoles un gusto decidido
hacia la denominada ‘música absoluta’, es decir, aquella música cuyo valor se
mide en parámetros estrictamente sonoros, sin relación con descripciones
y asociaciones extra-musicales. Paradójicamente, una de las piezas más
conocidas de Saint-Saëns es el Carnaval de los animales, una obra sinfónica
de buen humor e imitaciones cuya ejecución rara vez permitió el compositor
cuando estuvo vivo. Saint-Saëns inició su carrera musical como niño prodigio,
compositor, pianista y organista; recibió elogios de Liszt, Berlioz, Rossini
y Gounod, entre otros, y aunque realizó algunos intentos experimentales
(escribió música para el cine en 1908, por ejemplo), adoptó finalmente una
estética clásica sin mayores sobresaltos, aplicable a un amplio repertorio
instrumental.
En su calidad de pianista, Saint-Saëns se inspiró en Mozart y sus
ejecuciones más apreciadas fueron de la obra del célebre clásico austríaco. Pero
Saint-Saëns también cultivó un lado romántico que se reflejó en su obra para
órgano (elogiada por Liszt), en la ópera y la composición sinfónica. Compuso
trece óperas, de las cuales hoy en día solo perdura en la memoria del público
el drama bíblico de Sansón y Dalila. Mucha más permanencia en el tiempo
tuvieron sus poemas sinfónicos, grandes gestos programáticos inspirados
en las nociones de composición del creador de la forma, Franz Liszt. El
virtuosismo del siglo XIX permeó la obra de Saint-Saëns, y se manifiesta
inequívocamente en los conciertos para piano y orquesta. Fue apreciado por
sus profesores (Halévy) y sus alumnos (Fauré, por ejemplo). Marcó a toda
una generación de compositores franceses a quienes alentó con la fundación,
en 1871, de la Sociedad Musical Nacional, dedicada al fomento de la nueva
música francesa.
Como su título lo indica, la Romanza (obra breve y evocativa popularizada
por Mendelssohn) es un trozo melodioso y contemplativo con un
acompañamiento incesante en arpegios del piano que enriquecen el ámbito
armónico de la obra, abundante en contrastes y modulaciones. La narrativa
melódica contiene también momentos dramáticos y secciones temáticas
contrastantes con un retorno al inicio para el cierre de la obra. En la amplitud
y expresividad del discurso melódico radican el encanto y la dificultad de esta
breve pieza. Al final de la guerra franco-prusiana y con el ascenso al poder
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de la Comuna de París, Saint-Saëns buscó refugio en Londres. Allí compuso
la Romanza, para flauta y piano, dedicada a Amédée de Vroye, quien, junto
con el compositor al piano, la estrenara en 1871. El célebre flautista francés
Paul Taffanel se encargó de asimilarla a sus programas de conciertos, lo cual
contribuyó a su ininterrumpida popularidad. La romanza existe en versión
para orquesta y flauta, y muy a menudo es interpretada por violín y piano.
Charles-Marie Widor (1844-1937)
El fuerte de la obra para órgano del compositor francés Widor radica en sus
diez sinfonías para órgano solo. Si bien una sinfonía para un instrumento solo
suena a contradicción, el experimento ya había sido realizado por César Franck
y Valentin Alkan. En todos estos casos los compositores experimentaron con
la escritura de grandes estructuras formales para instrumentos solos. En el caso
de Widor, con su prodigiosa escritura para el órgano, las sinfonías se prestan
para investigar el mundo sonoro mismo del instrumento. Desde pequeño,
Widor conoció al célebre constructor de órganos Cavaillé-Coll, pues su abuelo
y su padre fueron constructores en Lyon; sus sinfonías fueron diseñadas, con
todas las variantes sonoras posibles, para los grandes instrumentos de Cavaillé-
Coll. Charles-Marie Widor ocupa uno de los lugares más destacados en la
lista asombrosa de organistas franceses. Conoció el repertorio europeo para
el órgano de manera profunda y en sus composiciones se denota la influencia
de las escuelas alemana y francesa. Estudió composición en Bruselas con Fétis
y adelantó estudios de órgano con Lemmens, quien, en su momento, era el
último de una cadena de organistas conectados con Johann Sebastian Bach.
Trabajó en la edición de la obra para órgano de J. S. Bach para la primera
edición moderna de la obra del ilustre alemán. En 1870, Widor fue designado
organista en St. Sulpice en París, cargo que desempeñó por 64 años. En el
Conservatorio de París dictó las cátedras de composición y de órgano.
Entre sus alumnos ilustres figuraron Tournemire, Vierne, Varèse, Honegger,
Milhaud, Nadia Boulanger y Messiaen.
La obra de Widor abarca no solo piezas para el órgano. La Suite Op. 34
para flauta y piano es prueba de su inspiración variada. Concebida en cuatro
movimientos, la Suite posee un espíritu libre alejado de la sonata, en la que el
compositor aúna cuatro piezas sueltas, contrastantes y de espíritu moderno.
Las armonías enriquecidas se alejan de centros tonales estrictos e incursionan
en gestos modales reminiscentes de escalas medievales. El movimiento inicial
es breve, pero denso y lírico en sus intenciones musicales; el segundo es un
pasaje lúdico de grandes retos técnicos, mientras que el tercer movimiento
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se acerca al mundo de la música de salón, aunque con una figuración de
gran exigencia técnica para el flautista. El movimiento final es un gran cierre
apasionado y expresivo organizado en tres secciones con gran despliegue de
virtuosismo.
La pieza está dedicada al flautista francés Paul Taffanel, que ejerció una
gran influencia en el universo de la flauta francesa. También profesor del
Conservatorio fue quien estrenó esta Suite en un concierto de la Sociedad de
Instrumentos de Viento.
Albert Roussel (1869-1937)
En una historia de la música dominada por la imagen de los niños precoces, el
compositor francés Albert Roussel se destaca por haber sido un compositor
de formación relativamente tardía. Luego de una niñez inestable, eligió una
carrera naval que desechó por su gran curiosidad y creatividad musical.
Ingresó a la cátedra conservadora de composición de Vincent D’Indy en la
Schola Cantorum de París en 1894 y, una vez graduado, ejerció allí mismo el
magisterio por la misma época en que hizo su estadía en Francia el compositor
colombiano Guillermo Uribe Holguín. Roussel fue profesor de Eric Satie y
Edgard Varèse. Su formación tradicionalista se amalgamó exitosamente con
su rica imaginación sonora. Un ecléctico, Roussel forjó un estilo único en el
que se dan cita lo moderno y las bases tradicionales de la música. Dos obras
suyas, escritas para el ballet, permanecen en el repertorio sinfónico: Baco y
Ariana, y El festín de la araña.
De sus viajes por la India, tuvo acercamiento con escalas alteradas,
elemento sonoro que integró a su estilo musical propio. En los trozos titulados
Krishna y Padmâvatî se reconoce este tipo de experimentación modal. Fue un
prolífico compositor e incursionó en varios géneros sinfónicos, teatrales y de
cámara. En la breve Aria, pieza para flauta y piano, el compositor examina la
sutileza del ritmo, la melodía sensual e incursiona en la búsqueda del colorido
armónico con inflexiones cromáticas y uso ocasional de disonancia.
Paul Taffanel (1844-1908)
La fantasía sobre temas operáticos es un género musical cuyo principal
objetivo es el despliegue virtuosístico mediante variaciones sueltas sobre una
pieza ampliamente conocida por el público para que este pueda entender, sin
mayores esfuerzos, las transformaciones sufridas por la obra original en sus
versiones manipuladas. Las fantasías sobre temas operáticos eran las favoritas
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del público del siglo XIX que tenía en la ópera una de las expresiones musicales
más apreciadas. Muchos de los intérpretes instrumentales elaboraban sus
propias fantasías para adaptarlas a sus capacidades técnicas e imaginación
musical.
Paul Taffanel incursionó en muchas ocasiones en el mundo de la fantasía.
Pero Taffanel no solo fue un concertista, sino el creador de una de las
principales escuelas de flauta en Francia que abarcó el final del siglo XIX y
los inicios del XX. Junto con su asociado Gaubert, escribió un compendio
metodológico para el estudio de la flauta. Fundó la Sociedad de Instrumentos
de Viento, cuya influencia se sintió en toda Europa. En su época de estudiante
se familiarizó con la flauta Boehm y abogó por su uso en Francia. La Fantasía
sobre la ópera ‘Françoise de Rimini’ está concebida en tres secciones, la segunda
de ellas es una especie de tarantela endemoniada en cuanto al ritmo y las
exigencias técnicas para el flautista. La tercera sección, de espíritu ligero,
cierra el tour de force que conforma esta fantasía. El estilo de Taffanel no es
pretencioso, pues sus objetivos siempre fueron mostrar las capacidades
técnicas y expresivas de la flauta.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional
de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de
Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio
de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho
años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una
publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas
de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se
centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX.
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Bajo
labatuta Sonidos
del siglo XX
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El rey
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Fuente:
Biblioteca Virtual Banco de la República
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