AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a la facilidad de la mezcla de sus timbres. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, y en 2021 en el marco de la Serie de los jóvenes intérpretes del Banco de la República. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y Anneleen Lenaerts, la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Música de Medellín. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Hizo parte de la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifónico de Medellín y ha participado con las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá. Igualmente fue la primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá entre 2018 y 2019. Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016 fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatoire Royal de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stéphane Réty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy. Terminó recientemente sus estudios de Máster en Interpretación bajo la dirección de Denis-Pierre Gustin en el Institut Royal Supèrior de Musique et de Pédagogie (IMEP) de Namur, en Bélgica, y trabajó como profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Ha realizado también estudios de dirección de orquesta y después de terminar un certificado en el IMEP empezará a estudiar un Master en Dirección de Orquesta con Aurelian Zielinski y Philippe Béran en la Haute École de Musique de Lausanne en Suiza. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de arpa de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catarina-FEMUSC (Brasil) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría ‘intermediate’, primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia en 2020 y 2022, con la que realizó una gira por los escenarios más importantes de Europa en 2022. También ha sido ganador de la convocatoria para músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020.

"Ataraxia es una agrupación de música contemporánea que nació a finales de 2018 como una propuesta vanguardista en el ambiente musical latinoamericano, no solo debido a su innovadora mezcla instrumental, sino también a su concepto de exploración sonora, característica que cautiva de manera inmediata al público. Está conformada por estudiantes y egresados de música de la Universidad Nacional de Colombia que, gracias a su curiosidad y activismo, lograron crear, de la mano de nuevos compositores emergentes del país, un proyecto sólido que aporta al desarrollo musical colombiano, interpretando obras exclusivamente creadas para este formato. Gracias a la convocatoria para ser parte de la ‘Serie de los jóvenes intérpretes’ del Banco de la República, Ataraxia se complace en presentar su proyecto como una de las propuestas artísticas que ha despertado mayor expectativa y curiosidad entre los oyentes. "

Este ensamble iraní-canadiense lo conforma un conjunto de músicos virtuosos de la tradición persa: Amir Amiri (‘santur’), Abdul-wahab Khayyali (‘oud’), Reza Abaee (‘ghaychak’), Omar Abu Afech (viola) y Hamin Honari (percusión). Inspirado en la diversidad y fluidez de las múltiples influencias musicales de Irán, el quinteto Amir Amiri crea un sonido atractivo y distintivo, que fusiona el refinamiento de la música tradicional y espiritual persa con elementos folclóricos y modernos. Al tratar de ampliar los límites de estas tradiciones musicales, equilibrando la herencia y la innovación, han descubierto un universo de posibilidades ilimitadas. En este ecléctico universo musical del Ensamble Amir Amiri, las fronteras quedan abolidas para dar paso a una alquimia hechizante, una conversación mística entre músicos con un espíritu afín. El intérprete del ‘santur’, compositor e inventor cultural Amir Amiri, lleva décadas explorando los límites de su música y sigue llegando a la conclusión de que no los hay. Como intérprete del ‘santur’, Amir trata de introducir este antiguo instrumento en las conversaciones musicales de nuestro tiempo, atravesando fronteras y trascendiendo géneros. Deslumbrante, virtuoso y con una gran imaginación, Amir crea un universo musical encantador y único en cada presentación.

Margret Köll es una destacada intérprete internacional del arpa histórica, en todas sus formas y etapas de desarrollo. Se ha presentado alrededor del mundo como solista, intérprete de cámara y continuista con orquestas y conjuntos barrocos: como arpista principal, con Il Giardino Armonico, la Accademia Bizantina y el Balthasar-Neumann- Ensemble; como invitada, con Europa Galante, la Akademie für Alte Musik Berlin, B’Rock y Concerto Köln. Dentro de los eventos y recintos en los que ha participado, se resaltan el Festival de Salzburgo, el Covent Garden, el Theater an der Wien, el Palais Garnier de París, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro alla Scala de Milán, la Elbphilharmonie de Hamburgo y la Pierre Boulez Saal de Berlín. Sus renombrados compañeros de música de cámara son Luca Pianca, Dmitry Sinkovsky, Stefan Temmingh, Vittorio Ghielmi, Emöke Barath, Roberta Invernizzi y Philippe Jaroussky. Margret Köll ha participado en numerosas producciones de álbumes, emisiones y giras, por ejemplo, con Cecilia Bartoli, Magdalena Kožena y Sonia Prina. Ha publicado tres álbumes propios con el sello Accent/Note1 y está trabajando en su próxima publicación. Desde 1988 es integrante del conjunto folclórico austriaco contemporáneo Die Knoedel, con el que realiza giras por todo el mundo. Más recientemente, colaboró en un proyecto del género live-techno con el conjunto Elektro Guzzi. Margret Köll estudió arpa moderna e histórica en Innsbruck, Baltimore, Múnich y Milán. Desde 2012 imparte clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín; además, ofrece clases magistrales por toda Europa. En 2018 fundó el Harfenlabor (Laboratorio de arpas), una plataforma interdisciplinar para la práctica interpretativa histórica y contemporánea en arpas históricas.

Es hoy en día una de las más reconocidas cantantes de ‘jazz’ y música popular contemporánea de Europa. Con once álbumes como líder y galardonada en múltiples ocasiones, la cantante y compositora ha tenido una vertiginosa carrera en los últimos dieciocho años, que la ha llevado a conquistar muchos de los más reputados escenarios en América y Europa. Con su voz versátil, su tono profundo, poderoso y tremendamente expresivo, Sofia tiene una especial capacidad de transmitir diferentes emociones, y de transportar a la audiencia a su muy único y personal universo sonoro. Ella canta en portugués, en español, en inglés, en un idioma inventado y canta como si fuera un instrumento. Cuenta historias sobre las canciones, improvisa e invita al público a cantar. Sofia Ribeiro ha sido ganadora en varios concursos internacionales, entre las cuales destacan la Voicingers (Polonia, 2008), la Crest Jazz Vocal (Francia, 2010), y la International Young Singers Competition (Bélgica, 2005), y en 2008 fue seleccionada para participar en el prestigioso seminario Betty Carter’s Jazz Ahead en el Kennedy Center (Washington, Estados Unidos). Realizó sus estudios de canto ‘jazz’ en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo do Porto (ESMAE), y cursó un año de intercambio en la Escuela Superior de Música de Catalunya (ESMUC) en Barcelona, donde obtuvo la clasificación final en canto de ‘jazz’ de ‘matrículad’honor’. Posteriormente obtuvo una beca para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music (Boston, Estados Unidos), lugar en el que tuvo entre sus maestros a Bob Stoloff, y donde fue premiada con la Oliver Wagmann Memorial Scholarship. En 2007 fue aceptada para realizar una maestría en el Koninklijk Conservatorium de Bruselas, y cursó el segundo año de la maestría en el prestigioso Conservatoire National Supérieur de Paris (CNSNDP) mediante una beca ERASMUS, donde terminó su maestría con honores en 2009. Entre 2015 y 2019 Sofia vivió en Nueva York, en donde fue artista residente en el Carnegie Hall y profesora en el curso de ‘Circle Songs’ de Bobby McFerrin en el Instituto Omega (Estados Unidos). En 2019 ofreció una TED Talk en el CESA (Bogotá, Colombia). Después de siete años cautivando audiencias en todo el mundo, y continuando el camino que iniciaron con el álbum Ar en 2012 y con ‘Mar sonoro’ en 2016, Sofia y su cuarteto lanzaron su tercer álbum: ‘Lunga’. Nuevamente, bajo la brillante producción del pianista colombiano Juan Andrés Ospina, ‘Lunga’ presenta un repertorio dinámico e intenso en el que se mimetizan elementos del ‘jazz’, el fado y la música brasilera. En 2020 llegó la pandemia y la cantante quedó encerrada en Bogotá, época que ha sido la más creativa de su carrera; escribió doce canciones nuevas y decidió grabar un nuevo disco: Casa. Este proyecto recoge canciones creadas en cuarentena con la participación de músicos que han grabado en sus casas y desde diferentes partes del mundo: Colombia, Estados Unidos, España, Grecia, Portugal, Polonia e Israel. En sus conciertos más recientes, Sofia invita al oyente a un emocionante y profundo viaje sonoro, presentando temas de sus discos ‘Lunga y Casa’. En este concierto Sofia actúa junto con el pianista Juan Andrés Ospina, el percusionista Marcelo Woloski y el contrabajista Petros Klampanis.

De las ocho ocasiones en las que ha sido nominada a los Grammy, Tierney Sutton ha recibido siete nominaciones consecutivas a Mejor Álbum Vocal de Jazz, una por cada proyecto que ha publicado en la última década. En 2013 sacó a la luz ‘After Blue’, una reimaginación del legado de Joni Mitchell inspirada en el ‘jazz’. El álbum recibió grandes elogios y supuso la irrupción de Sutton como líder, sin su banda de siempre. Este trabajo cuenta con la participación de Al Jarreau, Hubert Laws, Peter Erskine, Larry Goldings, Mark Summer, Kevin Axt, Serge Merlaud y The Turtle Island String Quartet. Con una trayectoria de grabaciones y giras que abarca más de veinte años y nueve álbumes, The Tierney Sutton Band —TSB— ha recorrido un camino poco común. Integrada por Sutton y los virtuosos instrumentistas Kevin Axt, Ray Brinker, Trey Henry y Christian Jacob, la agrupación funciona como una verdadera unidad colaborativa (y legalmente constituida), cuyos integrantes toman todas las decisiones musicales y empresariales como socios. En 2011, la TSB recibió una nominación al Grammy por sus arreglos en colaboración, el único reconocimiento que se ha otorgado en tal calidad. Su discografía es temática y abundante, y los proyectos anteriores de la TSB han abordado la cultura estadounidense (‘American Road’, 2011), el materialismo (‘Desire’, 2009), la búsqueda de la felicidad (‘On the other Side’, 2007), así como los legados musicales de Bill Evans (‘Blue in Green’, 2001) y Frank Sinatra (‘Dancing in the Dark’, 2003). En esta misma línea, TSB lanzó una nueva grabación en otoño de 2016 titulada ‘The Sting Variations’. Además, Christian Jacob y TSB compusieron la música original de la película de Clint Eastwood ‘Sully’, protagonizada por Tom Hanks y Laura Linney, que se estrenó el 9 de septiembre de 2016. En los últimos años, Tierney se presentó en el Hollywood Bowl, el Carnegie Hall, el Kennedy Center y el Jazz At Lincoln Center. También es posible escucharla en bandas sonoras de cine y televisión como la de la película nominada al Oscar ‘The Cooler’, así como en anuncios de televisión de BMW, Green Giant, Yoplait y Coca Cola. Cuando no está de gira, Tierney Sutton trabaja como productora y educadora vocal altamente cotizada. Ha enseñado durante más de una década en la Escuela de Música Thornton de la Universidad del Sur de California (USC) y durante cinco años ha sido directora del departamento vocal de Los Angeles College of Music en Pasadena, California, donde creó un nuevo plan de estudios para vocalistas de todos los géneros. Tierney ha enseñado y se ha convertido en la mentora de algunas de las mejores cantantes de la nueva generación, entre ellas Gretchen Parlato y Sara Gazarek. En su gira por Colombia, Tierney Sutton Band estará conformado por el pianista Christian Jacob, el bajista Kevin Axt y el baterista Ray Brinker.

El Trío Bellavista es contundente, fresco y joven. Demuestra su trabajo comprometido y profesional con un formato poco convencional, un color equilibrado y una clara comprensión de la interpretación en ensamble. Este trío de música andina colombiana nació en Bogotá a mediados de 2017. Está conformado por Paula Tamayo (flauta traversa), Juan Felipe Perdomo (guitarra clásica) y Juan Pablo Diaz (cuatro llanero). Cada uno de sus integrantes proviene de un lugar distinto del país e impregna con sus raíces la música del ensamble. Ha realizado conciertos en diferentes escenarios de Bogotá como Hall 74 y el Auditorio Fabio Lozano, y también en otros lugares en el interior de Colombia. Participó en el i Festival de la Caña y el Bambuco Fiestero en Natagaima, Tolima (2018) y el Festival Sonamos Latinoamérica en Chía (2018). Además, fue invitado al Festival de la Ruana y la Música Campesina en Tenjo, Cundinamarca (2018), el Festival Interuniversitario de Música de la Universidad de los Andes (2019) y al iii Encuentro Nacional e Internacional de Tríos en El Agrado, Huila (2019). A finales de 2019, el ensamble ingresó a los estudios de grabación de la Escuela de Artes y Música de la Universidad Sergio Arboleda y, mediante convenio, lanzó su primera producción discográfica en 2020. El Trío Bellavista fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2022 y ha comenzado a trabajar en nuevas músicas que abarcan desde los Llanos hasta las distintas músicas suramericanas.

"Aldeir Palencia Díaz es músico profesional y baterista de sesión nacido en Guaranda, Sucre. A sus ocho años se enamoró de la batería y a los doce se trasladó a Sincelejo para iniciar sus estudios en el Conservatorio de Música de Sincelejo. Posteriormente, cursó estudios en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor, en donde obtuvo el título de Músico de Sesión en 2017, y en la Universidad INCCA de Colombia donde culminó sus estudios profesionales de música en 2020. Ha participado en diferentes festivales de ‘jazz’ nacionales y en 2016 fue invitado al Congreso Latinoamericano de Escuelas de Música (CLAEM) en Chiapas, México. Fue finalista del Premio de Composición Bogotá Ciudad Creativa de la Música 2020 y seleccionado en la convocatoria de la Serie Jóvenes Intérpretes del Banco de la República 2021 en la categoría de solistas de ‘jazz’. Su versatilidad le ha permitido desempeñarse como músico de sesión para artistas de diversos géneros, entre los cuales se destacan Laura Buitrago, Flora Martínez, Skinny Man, Alex Pastrana, Oscaryvan Garzón, Laklinkert, la Orquesta Escaramucia y Flow n’ Glow Band, entre otros. Actualmente se desempeña como baterista de sesión en el musical Mujeres a la Plancha 2021 y en Estudios EON. A lo largo de los años y por medio de experiencias e interacciones con un gran número de excelentes músicos, Aldeir poco a poco ha encontrado un sonido y estilo característicos. Sumado a esto, los intérpretes que le acompañan en este concierto le han permitido estructurar de manera adecuada y sólida la búsqueda sonora que quiere transmitir al público. En este concierto Aldeir estará acompañado por Juan Diego Chandra (guitarra eléctrica), Carlos González (guitarra eléctrica) y Héctor Marín Bedoya (bajo eléctrico)."

Con más de veinte años de trayectoria, el Cuarteto de Cuerdas José White (CCJW) es hoy un referente de la música de cámara en México y en Latinoamérica. Formado en la tradición del cuarteto de cuerdas clásico, ha llegado a nuestros días con un sobresaliente repertorio contemporáneo y vanguardista, principalmente latinoamericano. En el año 2000 recibió el primer premio del Concurso de Música de Cámara de la Ciudad de Salamanca (Guanajuato, México), y desde entonces se ha presentado en los foros más importantes del país. El repertorio del CCJW incluye también obras para cuarteto de cuerdas y orquesta sinfónica, que ha interpretado junto a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de Zacatecas, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, la Orquesta Sinfónica de Minería y la Orquesta Sinfónica de Heredia, en Costa Rica. Sus giras nacionales e internacionales le han permitido recorrer casi todo el territorio de la república mexicana, Estados Unidos, Canadá, América Latina y Europa. Ha compartido escenario con eminentes intérpretes, como Jerry Horner y Christine Vlak (viola), Vincent Lhermet (acordeón), Luis Humberto Ramos, Thomas Jones y Tara Bouman (clarinete), Roberto Limón y Rodrigo Nefthalí (guitarra), Wendy Holdaway (fagot), Horacio Franco, Luis Julio Toro, Megan Maiorana y Alejandro Escuer (flauta), Michiko Otaki, Marta García Renart, Leonardo Gell, Ana María Tradatti, May Phang y Jorge Federico Osario (piano), Jesús Castro Balbi, Bozena Slawinska, Juan Hermida, Katie Schlaikjer (violonchelo), Eva Gruesser (violín), el Cuarteto Latinoamericano y el Cuarteto Penderecki. Como herederos de la enseñanza de su maestro, Jerry Horner, el CCJW se destaca por una considerable labor en el ámbito pedagógico, influyendo en multitud de jóvenes y artistas a través de sus conciertos didácticos, conferencias y talleres de música de cámara y composición, además de un curso intensivo anual para cuartetos de cuerdas. Gracias al apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura de México, en su programa México en Escena, el CCJW realiza concursos de composición para obras de cuarteto de cuerdas.

Santiago Cañón-Valencia, violonchelo Ha sido elogiado como uno de los jóvenes violonchelistas más prometedores de su generación. Nació en Bogotá en 1995 y, a lo largo de su carrera musical, estudió con mentores como Henryk Zarzycki en Colombia, James Tennant en Nueva Zelanda y Andrés Díaz en Estados Unidos. Actualmente, cursa estudios profesionales con Wolfgang Emanuel Schmidt en la Kronberg Academy (Alemania) para jóvenes solistas. Artista de BBC Next Generation en 2022 y ganador de la Medalla de plata y del Premio Favorito del Público en el xvi Concurso Internacional Tchaikovsky en 2019, Cañón-Valencia ha sido un participante recurrente y destacado en la escena de los concursos internacionales de violonchelo durante muchos años. Obtuvo el tercer puesto en el prestigioso Concurso Internacional de Música Reina Isabel en Bruselas en 2017. Recibió el Premio de la Fundación Starker en 2018, así como el Primer puesto en el Concurso Internacional de Violonchelo Carlos Prieto, el Concurso Internacional de Música de Pekín, el Concurso Internacional de Música de Gisborne y el Concurso Internacional de Jóvenes Artistas de Lennox. También fue uno de los principales ganadores de los concursos de violonchelo Sphinx, Casals, Johansen, Cassadó y Adam. Santiago debutó como solista a los seis años con la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Desde entonces, se ha presentado con las principales orquestas en Colombia, y su carrera internacional como solista lo ha llevado por todo el mundo, tocando con orquestas de la talla de la Orquesta Mariinsky con Valery Gergiev, la Orquesta de la Radio de Frankfurt con Christoph Eschenbach, la Filarmónica de Bruselas con Stephane Deneve, la Filarmónica de San Petersburgo con Nikolai Alexeev, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hungría con János Kovács, los Solistas de Moscú con Yuri Bashmet, la Orquesta de Cámara Orpheus y la Sinfónica de Amberes con Muhai Tang, entre otras. Entre las actuaciones más destacadas del violonchelista en la temporada 2021-2022, se encuentra el regreso de los conciertos en Colombia y Japón, así como sus debuts como solista con la Orquesta Sinfónica SWR con Andris Poga, la Filarmónica de Praga, la Orquesta Sinfónica de RTVE, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Polonia, y la participación en los festivales de Dresde, Casals y Moritzburg. Apasionado por la nueva música, Cañón-Valencia tuvo el honor de interpretar el estreno mundial del concierto para violonchelo ‘Stringmaster’ de Carlos Izcaray, junto a la Orquesta Sinfónica de Alabama. El artista también estrenó el concierto para violonchelo Rapsodia a los cuatro elementos de Jorge Pinzón en el Festival Internacional de Música de Cartagena en 2019. Además, estrenó el ‘Concierto para violonchelo No. 2’ de Ginastera en Colombia con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y el ‘Concierto para violonchelo’ de Gulda en Auckland, Nueva Zelanda, con la Orquesta de Cámara de Auckland. Como artista discográfico, disfruta sumergiéndose en obras conocidas y desconocidas, con un interés particular en encargar nuevas piezas, y en arreglar y escribir las suyas propias. Este es el caso de su próximo álbum, que será publicado a finales de este año. Entre sus anteriores grabaciones destacadas se incluye su propio álbum de debut, ‘Solo’, aclamado internacionalmente por la revista Strad, al igual que algunas sonatas rusas para violonchelo y otras piezas populares del repertorio para violonchelo interpretadas con la pianista Katherine Austin para el sello Atoll. Cañón-Valencia es patrocinado por la Beca Mayra & Edmundo Esquenazi, mediante la Fundación Salvi, desde 2011. Naoko Sonoda, piano La pianista japonesa Naoko Sonoda estudió en el Conservatorio Toko- Gakuen de Tokio bajo la dirección de Seiko Ezawa y Mikhail Voskresensky, y en la Universidad de las Artes de Berlín junto a Rainer Becker. Recibió clases de música de cámara de Markus Nyikos, Tabea Zimmermann y Natalia Gutman. Después de sus estudios, se incorporó como profesora colaboradora en la Universidad de las Artes de Berlín, en el Conservatorio Hanns-Eisler de Berlín y en el Conservatorio Franz Liszt de Weimar, una labor que continúa ejerciendo hasta hoy. Ha recibido varias veces premios internacionales en concursos de música de cámara y piano, como por ejemplo en Argent y en Trieste (Italia), así como en Lodz (Polonia). Ha ofrecido conciertos como solista y en formatos de música de cámara en múltiples países de Europa y Asia, y ha participado repetidas veces en diversos festivales de música clásica: Schleswig-Holstein, Verbier y Mecklenburg-Vorpommern, entre otros. En su haber cuenta con actuaciones, tanto en calidad de solista como de acompañante, con músicos como Kolja Blacher, Mark Gothoni, Danjulo Ishizaka, Jens Peter Maintz, Santiago Valencia-Cañón y Andrei Ionita, al que le une una asidua colaboración artística. Además, ha actuado en directo en varias ocasiones para distintos medios de comunicación públicos, tales como BBC, ZDF, BR, WDR, HR, DLF y RBB. En los últimos años, Naoko Sonoda ha sido invitada a grandes escenarios a nivel mundial, entre ellos el Teatro Mariinsky en San Petersburgo, el Wigmore Hall en Londres, el Carnegie Hall en Nueva York y el Auditorio para Música de Cámara de la Filarmónica de Berlín. En 2013 y 2019 recibió el premio a la mejor pianista acompañante en el Festival Internacional de Música de Markneukirchen. Fue asimismo galardonada con el premio a la mejor pianista acompañante tanto en 2015 y 2018, en el concurso del Festival Internacional Lutoslawski, en Polonia, como en 2015 y 2019, en el 15o concurso del Festival Internacional Tchaikovsky, en Rusia. En 2021 se hizo con el premio de piano a la mejor interpretación de la Sonata de Enescu en el concurso del Festival Internacional Enescu en Rumania.