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Tania Betancourt

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Imagen de apoyo de  Cuarteto Fauré

Cuarteto Fauré

Por: | Fecha: 15/07/2019

Las reglas han cambiado. Cualquier músico que quiera dedicarse a la música de cámara hoy en día no puede limitarse a seguir las normas de hace décadas. Las expectativas con respecto a la diversidad de repertorio ya no son las mismas y esto les abre el camino a ensambles como el Cuarteto Fauré, que se ha posicionado como uno de los principales cuartetos con piano en tan solo unos pocos años. Sus integrantes han sabido aprovechar las oportunidades que se generan gracias a esta evolución; han descubierto nuevos campos de sonido en la música de cámara y han interpretado composiciones que se alejan de un repertorio más tradicional. El ensamble ha seguido una trayectoria visionaria y se ha destacado por sus experimentos y descubrimientos. Estos incluyen presentaciones con la NDR Big-band, colaboraciones con artistas como Rufus Wainwright o Sven Helbig, presentaciones en clubes como el Berghain, el Cocoon Club o Le Poisson Rouge en Nueva York o en programas de televisión como KIKA o Rhapsody in School, en los que despiertan el interés de niños y niñas por la música de cámara. Cuando lanzaron el álbum Popsongs en 2009, se generó un gran entusiasmo en los medios y el público. Más adelante, el ensamble fue galardonado con el premio ECHO Klassik por su álbum Klassik ohne Grenzen (Clásico sin límites), su segundo premio después del que recibieron por la grabación de los cuartetos para piano de Brahms (Grabación de música de cámara del año, 2008). También fueron ganadores del Concurso de Música Alemana, del premio por mejor ensamble del Festival de Mecklenburg-Vorpommern, del Premio Duisburg de Música y del Premio Brahms de Schleswig Holstein, entre otros. Los músicos del Cuarteto Fauré se pueden considerar pioneros en muchos frentes. En 1995, cuando aún eran estudiantes de música, se conocieron en Karlsruhe con ocasión del centésimo quincuagésimo aniversario de Gabriel Fauré. En ese momento se dieron cuenta rápidamente de que si se unían, encontrarían nuevos caminos para explorar un repertorio prometedor. En el 2006, firmaron un contrato con Deutsche Grammophon, que los lanzó a las grandes ligas en el negocio de la música clásica. Lograron publicar grabaciones muy valoradas de Mozart, Brahms y Mendelssohn, y de música pop de Peter Gabriel y Steely Dan, quienes se convirtieron en puntos de referencia. Las giras que han realizado por varios países del mundo les han permitido tener una gran acogida en el exterior; en estas giras también ofrecen clases magistrales como parte de su trabajo con estudiantes de música. Los integrantes de la agrupación también son profesores en las universidades de Berlín y Essen. Adicionalmente, son los directores artísticos del Festival de Primavera de Rügen, así como el cuarteto residente de la Escuela Superior de Música de Karlsruhe. Durante sus giras, los músicos se presentan en las salas de música de cámara más importantes del mundo, entre ellas, la Concertgebouw (Ámsterdam), la Alte Oper (Frankfurt), la Berliner Philharmonie (Berlín), el Teatro Colón (Buenos Aires) y el Wigmore Hall (Londres). Todo este mosaico completa el perfil excepcional de este determinante ensamble de música de cámara.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Fotografías

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Cuarteto Fauré

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Imagen de apoyo de  Christian Correa

Christian Correa

Por: | Fecha: 15/07/2019

Nació en Bogotá, ciudad donde también inició su formación vocal con la soprano Beatriz Mora y, posteriormente, culminó sus estudios de pregrado en la Universidad Central, bajo la dirección de Alejandro Roca, Sarah Cullins y Marco Gualdrón. Ha participado en talleres de canto con Javier Camarena, Jaume Aragall, Charles Castronovo, Fernando de la Mora, Louise Toppin, Cynthia Sanner, Enric Martínez-Castignani, entre otros. Entre los años 2008 y 2013 formó parte del taller de ópera de la Universidad Central, en el que interpretó los papeles de Aeneas en Dido y Aeneas, Bill en A Hand of Bridge, Alfred en Die Fledermaus, Ruggero en La Rondine y Rinuccio en la ópera Gianni Schicchi junto a Valeriano Lanchas y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Ha participado como solista en algunas producciones del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y del Teatro Colón de Bogotá, específicamente en las óperas Salomé de Richard Strauss, Macbeth de Giuseppe Verdi y en la ópera Sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, donde interpretó el rol de Lisander, en el marco del evento Ópera al Parque. Fue integrante del Coro de la Ópera y participó en montajes como Carmina Burana, Porgy and Bess, Oedipus Rex, King Arthur, Orfeo y Euridice; y en las óperas Cavalleria rusticana, La Bohème, Madame Butterfly, Romeo y Julieta, Las bodas de Fígaro, La Traviata, Don Carlo, Carmen, entre otras. En el 2012 ganó el segundo puesto de la categoría juvenil en el Concurso Nacional de Canto. Participó en la gala lírica de Los Nuevos Talentos con la Orquesta Sinfónica de Colombia en Ópera al Parque. En el 2013 fue ganador del programa Becarios del VII Festival Internacional de Música de Cartagena. En el 2015 ganó la Beca de la Fundación Carolina para continuar sus estudios de posgrado en el Conservatori del Liceu de Barcelona, bajo la dirección de Eduard Giménez.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Fotografías

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Christian Correa

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Imagen de apoyo de  César Camilo Cipagauta

César Camilo Cipagauta

Por: | Fecha: 15/07/2019

César Camilo Cipagauta, clarinete Inició sus estudios de clarinete en la escuela de música de Moniquirá bajo la tutoría del maestro Hernando Pinzón. Posteriormente, pasó a formar parte de la escuela superior de música de Tunja bajo la tutoría del maestro Fredy Pinzón, para luego ser admitido en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra del maestro Héctor Pinzón; actualmente cursa octavo semestre en esta institución. En el 2011 fue ganador del primer premio de la Primera Semana del Clarinete realizada en Tunja y semifinalista del concurso de clarinete Claribogotá en el año 2012. Ha tenido participación activa en festivales de clarinete como Segunda Semana del Clarinete de Tunja, realizado en el marco del Festival Internacional de la Cultura. Ha recibido clases magistrales con Guillermo Marín, Christopher Jepperson, Hernán Darío Gutiérrez, Luis Carlos Erazo, Edwin Rodríguez, Ricardo Dourado Freire, Benito Meza, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, José Franch-Ballester, Ana Catalina Ramírez, Marco Antonio Mazzini, Lenin Izaguirre, entre otros. Jasús David Prieto, piano Comenzó sus estudios de piano a los siete años de edad. Luego de varios años de formación en clases particulares, ingresó al programa básico del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, en donde cursó con un nivel destacado las cátedras de Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional en la misma universidad con Piedad Pérez, obteniendo la máxima calificación posible en su trabajo de grado. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov junto a la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012. Fue pianista repetidor en las fundaciones Arte Lírico y Azury Marmolejo en el año 2013 y pianista en el montaje, conciertos y grabación del reestreno de la zarzuela El castillo misterioso realizado por la Universidad de los Andes. En el 2014 fue seleccionado por concurso para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, Jiaqi Li, Miguel Ángel Scebba, Bernhard Parz, Roman Zaslavsky, Juan Carlos Gutiérrez, el dúo alemán Grau-Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. En el desarrollo de la maestría continuó su formación pianística con el maestro Mac McClure.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Fotografías

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César Camilo Cipagauta

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Imagen de apoyo de  Vocalconsort Berlin, ensamble vocal (Alemania)

Vocalconsort Berlin, ensamble vocal (Alemania)

Por: | Fecha: 15/07/2019

Foto: Hans Scherhaufer VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: VXU121 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https:// atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 VOCALCONSORT BERLIN El ensamble Vocalconsort Berlin fue fundado en el 2003 por los directores culturales y artísticos Folkert Uhde y Markus Schuck, y en el mismo año debutó con éxito interpretando L’Orfeo de Monteverdi en el Festival de Música Antigua de Innsbruck (Austria) bajo la dirección de René Jacobs. El grupo, con sede en Berlín, se especializa en música del Barroco temprano y tardío, aunque también ha presentado con frecuencia obras del Romanticismo y contemporáneas. Es uno de los coros más destacados en Alemania por su variabilidad y flexibilidad, lo que le permite presentarse en diferentes formatos, desde un cuarteto solista hasta un coro de cámara grande con múltiples partes en solitario. El sonido homogéneo y dinámico de Vocalconsort Berlin ha llevado al grupo a trabajar bajo la dirección de renombrados directores especializados en música antigua como Jos Van Immerseel y René Jacobs. También bajo la dirección de Marcus Creed, Pablo Heras-Casado, Daniel Reuss, Olof Bomon y Ottavio Dantone. Ha trabajado junto a excelentes ensambles como el Kammerorchester Basel, la Akademie für Alte Musik Berlin, la Accademia Bizantina, el Scharoun Ensemble y el Ensemble MusikFabrik. En el escenario, Vocalconsort Berlin ha colaborado con directores y coreógrafos de renombre internacional como Sasha Waltz, Hans-Werner Kroesinger, Barrie Kosky y Luc Perceval. Vocalconsort Berlin ha ofrecido actuaciones en eventos tales como Zeitfenster, Zermatt Festival y Rheingau Musik Festival, así como en las renombradas salas de conciertos de Amberes y Gent, Ferrara, Ámsterdam, Bruselas, Tel Aviv, Barcelona, Londres, París, Viena, el Festival de Salzburgo, The Handel Festival y la Cité de la Musique de París. Desde el 2006, Vocalconsort Berlin está vinculado como ensamble residente junto con Sasha Waltz & Guests, el Ensemble Kaleidoskop y la Akademie für Alte Musik Berlin en el Radialsystem V en Berlín. 2 Cécile Kempenaers, soprano La soprano Cécile Kempenaers estudió canto con Mireille Capelle y Rolande van der Paal en la Königlichen Musikhochschule de Gante (Bélgica), y más adelante con Margreet Honig en Ámsterdam, Ingrid Voermans en La Haya y Jutta Schlegel en Berlín. Su carrera se centra en ser concertista solista, y es así que se ha presentado junto a los directores Philippe Herrewegue, Marcus Creed, Attilio Cremonesi, Daniel Reuss, Enrico Onofri, Hans Christoph Rademann, Paul Dombrecht, entre otros, así como con orquestas barrocas, entre las cuales está el Collegium Vocale de Gante, la Akademie für Alte Musik de Berlín, la Barockorchester de Friburgo, el Il Fondamento y la Lautten Compagney, agrupaciones con quienes no sólo ha compartido la escena de conciertos, sino que ha grabado varias producciones discográficas. Cécile Kempenaers actúa en diversas agrupaciones tales como Zefiro Torna, Huelgas Ensemble, Ricercar, Capella de la Torre, Orlando di Lasso Ensemble, Vocalconsort Berlin, Weser-Renaissance, Lautten Compagney, Akadêmia, La Fenice, Arsys, Amsterdam Baroque Choir, Cappella Amsterdam y Balthasar Neumann Chor. Ha trabajado con la Compagnie Sasha Waltz & Guests en diversas producciones de ópera como Dido & Aeneas, de Purcell, con la Akademie für Alte Musik de Berlín bajo la dirección de Christopher Moulds; Medea, de Pascal Dusapin (cuarteto de solistas), con la Akademie für Alte Musik de Berlín bajo la dirección de Marcus Creed; Passion, de Dusapin (sexteto de solistas), con el Ensemble Modern bajo la batuta de Franck Ollu; Matsukaze, de Toshio Hosokawa (octeto de solistas), bajo la dirección de David Coleman; y el Orfeo, de Monteverdi, donde cantó la Ninfa y la Pastore 1 bajo la dirección de Pablo Heras-Casado. Anna-Luise Oppelt, contralto La contralto berlinesa Anna-Luise Oppelt culminó sus estudios de posgrado en el 2017 en la Hochschule für Musik de Weimar. Luego amplió su formación con un año de estudios en Utrecht (Países Bajos), así como en clases magistrales dictadas por Ingeborg Danz, Christa Ludwig, Teresa Berganza y la Bachakademie del Teatro del Lago (Chile) con Helmuth Rilling. Anna-Luise Oppelt fue solista en el evento Thüringer Bachwochen y en el Festival Güldener Herbst de Gotha. En el 2017, cantó la voz solista en el estreno de Oceana, de Osvaldo Golijov. Como solista de ópera participó como tercera dama en La flauta mágica de Mozart, en el estreno de óperas de do Nascimento, interpretando a Wilhelmine en Der Vetter aus Dingsda de Künneke, así como a Mrs. Peachum en Beggar’s Opera de Britten en el Landestheater Eisenach en el 2016 y 2017. Fue también en el 2017 que se 3 presentó en la Partie der Moon Woman 2 durante el estreno de la ópera Trip to the Moon, de Andrew Norman, bajo la dirección de Sir Simon Rattle junto con la Filarmónica de Berlín. Anna-Louise Oppelt es fundadora de Bach by Bike, excursiones en bicicleta por rutas a lo largo de los lugares donde vivió Johann Sebastian Bach. Dan Martin, tenor Nació en 1973 en Zwickau (Alemania) y recibió su primera formación musical con la agrupación coral Dresdner Kreuzchor, a la que perteneció entre 1984 y 1992. Sus estudios en canto los inició en 1994 con Karl-Heinz Koch en la Hochschule für Musik Carl Maria von Weber de Dresden. Mantiene una constante relación artística con la agrupación coral Dresdner Kammerchor. Sus actividades de concertista las inició, a nivel nacional e internacional, aún como estudiante, teniendo la oportunidad de presentarse en auditorios como el Tonhalle de Zúrich, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Philharmonie de Colonia y el Lincoln Center de Nueva York. Durante sus múltiples actividades como solista, se ha presentado con agrupaciones corales e instrumentales de renombre, entre ellas la Lautten Compagney Berlin, el Vokalwerk de Nürnberg, la Akademie für Alte Musik de Berlín, el Ricercar Consort, la Rheinischen Kantorei, el Collegium Vocale de Gante y Vocalconsort Berlin. Extensas giras de concierto lo han llevado por España, Gran Bretaña, Italia, Japón, India, Portugal, Hungría, Noruega y Australia. Ha trabajado, además, con directores de la talla de Hans-Christoph Rademann, Sylvain Cambreling, Hermann Max, Paul Hillier, John Nelson, Iván Fischer, Masaaki Suzuki, James Wood y Marcus Creed. Jakob Ahles, bajo Nació en Friburgo (Alemania). Estudió con el maestro Thomas Quasthoff y asistió a clases magistrales con Janet Williams, Wolfgang Millgramm, Malcolm Martineau y Hans Neuenfels. Ha participado como intérprete en el estreno de numerosas obras. Canta como bajo en Alemania (en la Staatsoper y en la Philharmonie, de Berlín; y en la Staatsoper de Hamburgo, entre otras) y en el extranjero, tanto en formato de concierto como de ópera, con un repertorio que comprende obras desde el Renacimiento hasta el siglo XXI. Este concierto cuenta con el apoyo de 4 PROGRAMA Del cielo a la tierra Jetzt merk ich wol LUDWIG SENFL (1486-1543) Ocho canciones de Zehn weltliche Lieder Lust, Freud tät mich umgeben gar Herzliebster Wein, von mir nit weich Ich armer Knab bin gar schabab Mein selbst bin ich nit gwaltig mehr Dein Trost mir Freud und Hoffnung geit Halt fest, du mein holdseligs Bild Der Winter kalt ist vor den Haus Der Mond der steht am höchsten Compilación por Georg Forster (c. 1510-1568) LORENZ LEMLIN (c. 1495-1549) GEORG FORSTER STEPHAN ZIRLER (c. 1518-1568) CASPAR OTHMAYR (1515-1553) Ach, was will doch mein Herz damit HEINRICH ISAAC (1450-1517) INTERMEDIO Vater unser STEFFAN MAHU (c. 1480-1541) Freundliches K! WILHELM BREYTENGRASSER (1495-1542) Herre, das sein deine Gebot ARNOLD VON BRUCK (c. 1500-1554) So man lang macht LUDWIG SENFL König, ein Herr ob alle Reich THOMAS STOLTZER (c. 1480-1526) Freundlich und mild HEINRICH ISAAC Wer bulen wil, halt Mass und Zil MATHIAS ECKEL (c. 1518-1537) Ach Elslein LUDWIG SENFL So gehe hin und iss dein Brot del oratorio Jauchze, jubilier und singe GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) CONCIERTO No. 13 5 MÚSICA Y REFORMA Por Ellie Anne Duque Cuando se piensa en compositores de música para el culto luterano, generalmente, el primer nombre que viene a la mente es el de Johann Sebastian Bach. El repertorio construido por este gran maestro barroco en torno al coral luterano es asombroso por su cantidad, variedad y calidad: innumerables piezas para el órgano inspiradas en corales en forma de fantasías, variaciones, partitas, fugas, preludios, etc., como también cantatas y oratorios en múltiples movimientos, en los cuales se dan cita voces e instrumentos para ampliar las meditaciones que ofrecen los textos y las melodías originales. Pero en la obra de Bach se observa el resultado de más de cien años de decantación y evolución del repertorio religioso luterano y el recital que hoy nos ocupa, titulado Del cielo a la tierra, ofrece una oportunidad excepcional −pues son pocas las grabaciones con estas composiciones a las cuales podemos acudir− de acercarnos a los orígenes de las obras musicales luteranas, a sus creadores, y al contexto cultural secular en el cual emergieron. Para Martín Lutero la expresión de fe más importante era aquella realizada por el individuo, de manera personal, sin intermediarios y guiado por la Biblia. Para lograrlo, el creyente tenía que comunicar esta fe con sus propias palabras (haciendo uso de su propio idioma y no del latín) y sin intermediaciones (de sacerdotes o cultos a los santos). Una de las repercusiones más importantes de esta propuesta de Lutero fue la posibilidad de la salvación eterna basada en una fe profunda e individual y no en actos (como la compra de indulgencias, por ejemplo). Se resalta este mensaje, por encima de otros, puesto que se repite una y otra vez en los textos de los himnos y corales luteranos. El feligrés conversa íntimamente con Dios −o con Jesús− y le confía su vida en la tierra para que sus pasos sean guiados por la fe y así, obtener la salvación eterna. Los textos piadosos luteranos constantemente promulgan la supremacía del poder de Dios (sobre cualquier otro poder, inclusive el eclesiástico) y el perdón a través de la fe. Para divulgar este mensaje, Lutero estaba convencido de que contaba con una aliada poderosa, la música. El Reformador era amante de la música, la había estudiado y practicado y, de hecho, contribuyó a la diseminación de sus conceptos teológicos con la composición de unas cuarenta melodías que, sumadas a los textos piadosos que las acompañaban, llegarían a ser las bases 6 del repertorio musical luterano. Uno de sus corales más famosos y perdurables es Ein feste Burg ist unser Gott (Nuestro Dios es un castillo firme). También se encargó de adaptar algunas de las melodías del canto gregoriano a nuevos textos en alemán, como en el caso del himno Veni redemptor gentium que se transformó en tres himnos diferentes, entre ellos, el conocido Nun komm der Heiden Heiland (Llegan los pecadores a la tierra celestial). No todos quienes protestaban contra la iglesia católica de Roma a inicios del siglo XVI pensaban que la música debería tener un papel prominente en la oración y la liturgia. Ciertamente, Calvino en Francia y Zwingli en Suiza hacían eco de antiquísimas discusiones acerca de los peligros de la presencia de la música en el culto y la oración. Desde el Medioevo, los teólogos del catolicismo hacían debates en torno al tema del uso de la música en la liturgia y en el contexto religioso mismo. Existía el temor de que fuera un factor de distracción o un camino por el cual se colara el mundo vernáculo y secular al ambiente del culto religioso. De hecho, en el culto propuesto por Calvino apenas hubo cabida para el canto al unísono de salmos, y en 1527, en las iglesias de la Zúrich de Zwingli, se procedió a extraer los órganos y a quemarlos. Lo ideal para Calvino y Zwingli era aislar la oración de la contaminación mundana, abolir la música en el culto y eliminar las imágenes religiosas en las iglesias para así comunicarse con Dios en silencio, escasamente con las palabras esbozadas por el pensamiento. Pero en el culto luterano, la música era considerada como una ayuda para acercar al creyente a Dios y bajo esta premisa, la música luterana floreció. Una de las estrategias más interesantes empleada por Lutero para atraer feligreses a su iglesia reformada fue la de acomodar textos piadosos a melodías de canciones de uso cotidiano (Volkslieder), que hoy llamaríamos canciones tradicionales o populares. Desde un inicio, esta práctica recibió el nombre de contrafactum. Pero el repertorio cotidiano no fue la única fuente de inspiración. Se podían adaptar antiguas melodías religiosas del latín a los nuevos textos (como en el caso de la adaptación de la melodía de la secuencia en latín Victimae Paschali, Laudes al coral Christ lag in Todesbanden) y también se permitía componer nuevas melodías. Inicialmente, estos cantos se entonaron al unísono y se denominaron himnos, salmos, canciones espirituales, cantos de iglesia o simplemente corales, este último término adoptado, definitivamente, a fines del siglo XVI. Desde 1523, Lutero solicitó a los compositores ayuda para la creación de melodías y textos apropiados; deberían ser creaciones sencillas, de métrica y rima claras, y fáciles de memorizar. A pocos años de iniciada la Reforma, en 1524, comenzaron 7 a aparecer himnos luteranos impresos que hacían buen uso de la recién inventada imprenta musical. En la recopilación impresa de Ludwig Senfl (1486-1543), Eyn geystlich Gesang Buchleyn (Librillo de cantos espirituales) no sólo hay melodías simples, sino que ya figuran versiones a varias voces. El siglo de Lutero es también el siglo del Renacimiento y la época del desarrollo de una polifonía espléndida que paulatinamente se transformaba para crear texturas ligadas por una armonía lo suficientemente estable como para permitir sofisticadas polifonías imitativas. La música en Alemania estaba influenciada por las obras de Heinrich Isaac (1450-1517), Josquin des Prez y otros compositores reconocidos de la escuela franco flamenca como Obrecht y Ockeghem. Una de las prácticas alemanas que venía del siglo XV y continuó en el XVI fue la del Tenor Lied. Consistía en escribir una canción con una melodía central en la voz tenor y permitir que las otras voces −tres o más partes− elaboraran polifonías en torno a ella. Era una práctica heredada de las técnicas de cantus firmus, en donde el material preexistente servía de base a una obra nueva, pero era sostenida en su forma original por alguna de las voces participantes. A la voz que llevaba el cantus firmus se le denominó ‘tenor‘ −por sostener el canto− y en ocasiones se reforzaba con algún instrumento. Este tipo de composición se manifestó no solo en el canto religioso, sino en el canto secular en Alemania. De ahí a que una de las primeras elaboraciones en torno a los corales fuera presentar el tema al estilo de un Tenor Lied. Otra práctica musical renacentista empleada para elaborar el coral fue la del motete, en el que cada frase de texto era tratada como un párrafo musical con inicios imitativos entre las voces. Pero la forma favorita de cantar corales fue en arreglos simples a cuatro voces con la melodía en la voz soprano, como se escucha a menudo al final de las cantatas de Bach, que llevan por título el coral que las inspira. El repertorio del recital El recital inicia con una obra de Ludwig Senfl, un reconocido compositor que junto con Isaac transformó el estilo en Alemania al trasplantar la polifonía de Josquin y Dufay con sus melodías lógicas enmarcadas en armonías sugestivas del posterior sistema armónico de práctica común. Senfl es oriundo de Suiza; fue alumno de Isaac y desempeñó cargos musicales influyentes en Bavaria y Viena. En la capital del imperio, hizo parte de la capilla de Maximiliano I hasta 1519. Luego, en Augsburg, figuró como editor de una importante antología de motetes que aparece en 1520. A partir de 1523 y hasta su 8 muerte, hizo parte de la Capilla del Duque Guillermo IV en Múnich. Se reconocen, de manera especial, sus aportes a las misas polifónicas, su ingenio en la composición de motetes, cánones y odas. Simpatizante de la Reforma, mantuvo correspondencia con Lutero sobre el tema de la composición de himnos y corales. Hoy escucharemos tres de sus obras, entre las más conocidas, Ach Elslein. Es de destacar el poder evocador de la obra en la versión de Senfl, compositor capaz de realizar convincentes descripciones y cuyo legado de canciones vernáculas asciende a unas 250 composiciones. Las Diez canciones seculares (Zehn weltiliche Lieder) recopiladas por Georg Forster (c. 1510-1568) –de las que escucharemos ocho en este concierto– constituyen un ramillete que ejemplifica los logros de los cinco compositores más conocidos entre los Heidelberger Liedmeister (Los maestros cantores de Heidelberg), quienes coincidieron hacia 1540 en la Universidad Palatina de Heidelberg y estuvieron al servicio de la capilla musical de sus electores. Forster, Zirler, Othmayr y vom Brandt fueron alumnos de Lemlin y en su obra religiosa hicieron aportes al temprano movimiento luterano. Forster tuvo a bien recopilar muchas obras de sus colegas e imprimirlas en una serie de cinco partes entre 1539 y 1556 que tituló Frischer teutsche Liedlein (Nuevas cancioncillas alemanas). En las que se escuchan en este programa, prima el uso ingenioso del Tenor Lied, empleado tanto en armonizaciones homofónicas en bloques como en complejas polifonías que incluyen cánones, otro tipo de imitaciones y hasta quodlibets, en donde se escuchan melodías diferentes de manera simultánea. Forster colaboró directamente con Lutero y Melancthon en Wittemberg en la construcción de una nueva música cristiana. En las obras de Othmayr se denota la influencia de la villanella italiana que, junto con la influencia del madrigal y el uso de la monodia en el repertorio católico de la Contrarreforma, acabaría con el predominio del Tenor Lied. Del célebre Heinrich Isaac, cuya canción Innsbruck ich muss dich lassen se convirtió en el conocido coral O Welt ich muss dich lassen, escucharemos dos obras. Isaac figura en el paisaje musical europeo desde 1470. Trabajó en Innsbruck, en Florencia con los Medici y en Viena con Maximiliano I. Su obra refleja muchas tradiciones, pero la más importante es la franco flamenca de su contemporáneo Josquin de Prez, el paradigma musical de inicios del Renacimiento. Sobreviven unas 35 canciones suyas en francés, italiano y alemán. Emplea la técnica del Tenor Lied alrededor del cual se tejen texturas sofisticadas y complejas. Hace uso de melodías cortesanas preexistentes (Hofwiesen), gusta de la escritura imitativa y es fiel a la forma musical AAB (dos estrofas con la misma música y una tercera, final, con música diferente) 9 que se inspira en la poesía. Por razones cronológicas, no tiene relación con la Reforma, pero por razones musicales, tiene mucho que ver con los compositores de la generación de Lutero. Steffan Mahu (c. 1480-1541), Wilhelm Breytengrasser (1495-1542), Arnold von Bruck (c. 1500-1554), Thomas Stoltzer (c. 1480-1526) y Mathias Eckel (c. 1518-1537) no pertenecen a una sola escuela, pero sus obras son una elocuente muestra de la actividad musical en el imperio austrohúngaro en los inicios de la Reforma. Mahu estuvo activo en Viena, baluarte católico, y en los archivos de la corte figura como trombonista al servicio de la reina Ana y asistente de von Bruck, quien era maestro de la capilla imperial. Los dos, católicos, aportaron obras sacras al repertorio litúrgico, aunque también ‘echaron mano’ de los corales. Los usaron como cantus firmus (o Tenor Lied) en secciones variadas que alternaban monofonía con homofonía y polifonía. El alcance del imperio permitió la diseminación de las nuevas músicas hasta las cortes en Hungría. Eckel estuvo activo en Budapest y también se ocupó de la música instrumental. Por su parte, Stoltzer, desde Ofen, se destacó no solo por sus motetes, sino por haber musicalizado salmos luteranos. Interesado por la Reforma, Stoltzer nunca se declaró protestante, por miedo a perder su prestigiosa posición musical en la capilla imperial. Junto con Finck y Hohfmeister, Thomas Stoltzer fue uno de los compositores más importantes antes de Isaac y de mayor influencia en los ámbitos musicales de habla alemana. Breitengaser fue un benedictino activo en el consejo de Núremberg hacia 1525 y sus canciones seculares quedaron bien representadas en el libro Ciento veintiocho nuevas canciones. El recital termina haciendo un salto a 1730 con una visión de lo que podía hacer con un coral Georg Philipp Telemann (1681-1767) desde su frenética carrera en Hamburgo iniciada en 1721. Las tareas que debía realizar en la ciudad hanseática incluían la composición de cantatas y oratorios para cinco iglesias, como también colaborar con la producción de música instrumental para eventos cívicos. Para los capitanes de la marina, aportaba una vez al año un oratorio religioso y una serenata secular. La producción musical de Telemann en Hamburgo fue asombrosa. Entre los oratorios para los capitanes, se destaca Jauchze, jubilier und singe (Exalta, alaba y canta). El final jubiloso se inicia con un coral a cuatro voces, Herr Gott, dich loben wir (Señor Dios, te alabamos) seguido inmediatamente de un breve trozo celebratorio So gehe hin (Entonces, sigue). Un final feliz para esta breve saga del coral luterano. 10 Bibliografía Dos fuentes fueron primordiales para la elaboración de esta nota: J.P.Burkholder, D. J. Grout y C.V. Palisca. A History of Western Music, 7 ed., 2006. 13 Feb. 2008. www.wwnorton.com/college/music/grout7/ outlines/ch10.htm#01 Grove Music Online. 9 Feb. 2018. http://www.oxfordmusiconline.com/ grovemusic/view/10.1093/gmo/9781561592630.001.0001/omo- 9781561592630-e-0000016383. Ellie Anne Duque es musicóloga y profesora emérita de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, directora del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Realizó estudios de pregrado y postgrado en las universidades de Indiana y UCLA en Estados Unidos. Dirigió durante más de diez años la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional y fue coeditora de la página web de ‘Compositores colombianos’, publicación electrónica de la misma universidad. Ha colaborado ininterrumpidamente con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Sección de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 1978, en calidad de autora de las notas de los programas y de los textos de los discos editados por estas dos organizaciones. 11 Del cielo a la tierra Jetzt merk ich wol Ludwig Senfl (1486-1543) Jetzt merk ich wol Jetzt merk ich wol, dasz ich mich soll zum Glück füran nichts Guts verlan; solchs bin ich worden innen! Ich hätt gemeint, es wär vereint mit mir und gut; nun ist mein Mut mir alles Args zu dringen, alls Guts erspart. Thut wie sein Art, fleugt hin und her, ist ihm ohn G’fähr, kann süsze Wort ausgeben. Stellt sich gar gut, derhalb man thut sich freuen sein, bis er mit Pein zuletzt betrübt das Leben. Ein Sprichwort ist, wie man es liest: Wenn Glück erscheint, dasz er nun meint in Hoffnung grosz zu prangen, dem lässt es Freud ein kleine Zeit, kürzlich ohn Schmerz nimmt es sein Herz mit Unfalls Not gefangen. Wie groszen Pracht er vor bedacht, wie g’nommen hin, Unfall treibt ihn, legt manche Freud und Scherzen. Es ist sein Sitt; darum trau nit, wie gut es ist: zu seiner Frist gibt es Unfall mit Schmerzen. Kumbt es dir schon, dasz du kannst han kurzweilig Zeit; so folgt dann Neid, der thut das Spiel verderben. Sieh eben zu! Wo er Unruh anrichten kann, do muszt du dran, und sollt du drüber sterben. Er tobt und wüt, da hilft kein Güt; des Klaffens viel treibt er am Ziel; sein Art kann er nicht lassen. Die gröszten Nöt, er selber hat. Lasz ihm sein Mut! Wird alls noch gut! Zahlt ihn noch wol der Maszen. Ahora me doy cuenta Ahora me doy cuenta de que no debo esperar nada bueno de la suerte; ¡tanto así me he transformado! Antes pensaba que teníamos un acuerdo ella y yo; hoy mi fuerza está en acumular males y ahorrarme lo bueno. Haciendo como ella, volando aquí y allá, no se corren riesgos, se pueden decir palabras dulces. Por lo tanto, uno se alegra hasta que con algún dolor ella termina por entristecer la vida. Un dicho puede leerse bien claro: Cuando aparece la suerte, y uno ve que la esperanza resplandece, tiene alegrías por poco tiempo, mas pronto y sin dolor se apropia del corazón con ansias traidoras. Se anticipa una gran gloria, eso la fascina, las desdichas la atraen y ella hace chistes y bromas. Es su costumbre, por eso no confíes en que sea buena: de su capricho vienen infortunios y dolores. Si llega a ti la suerte y la tienes por corto tiempo, viene la envidia que arruina todo el juego. ¡Fíjate! Te obligará a estar en donde ella cree disturbios y por ello morirás. Ella rabia y se enfurece, nada bueno la calma; ando a la meta, no abandona sus hábitos. La más grande necesidad la tiene ella misma. ¡Dejadle su coraje! ¡Todo va a estar bien! La humanidad le paga bien. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 12 Ocho canciones de Zehn weltliche Lieder (Diez canciones seculares) Compilación realizada por Georg Forster (c. 1510-1568) Lust, Freud tät mich umgebern gar Lorenz Lemlin (c. 1495-1549) Lust, Freud tät mich umgebern gar Lust, Freud tät mich umgeben gar davon mir noch mein Herz ist wund. Das selb ein weiblich Bild nahm wahr, die ganz freundlich mich trösten kunnt. Des war ich froh und meint also es sollt die Sach verschwiegen sein. Ein kleine Zeit hätt ich die Freud; der Klaffer sät’ sein’ Samendrein. Tut mir in meinem Herzen weh, dass ich nicht mehr der Blümlein brach. Unter Veiln und grünem Klee Vergissmeinnicht auch wachsen sah und Wohlgemut in edler Blut dazu Jelängrjelieber. Ist als verwend’t in gross Elend; der Blümlein find ich keines mehr. Viel Kurzweil ist genommen mir, seit Klaffer hat geschnitten ab die Blümlein all und wunsam Zier, wiewohl ich tröstlich Hoffnung hab, die Wurzel sei Verletzung frei, wed blühen zu des Maien Zeit. Mein Herz mir sunst durch Liebesbrunst allzeit in Sorg und Jammer leit. Deseo y alegría me rodean Deseo y alegría me rodean, por ellas tengo herido el corazón, que vió una figura de mujer que amablemente me podía consolar. Yo me alegraba y pensaba que debía ocultar la emoción. Poco me duró la alegría, hasta que el engaño su semilla sembró. Me duele tanto el corazón que ya no traje la florecita. Bajo violetas y verdes tréboles, también vi crecer nomeolvides y florecer risueñas las preciosas madreselvas. Todo se ha convertido en gran dolor; ya no encuentro ninguna florecita. Muchos pasatiempos he perdido desde que el engaño cortó todas las florecillas y el frágil honor, aunque me consuele la esperanza de que no haya sido herida la raíz y pueda florecer en primavera. De lo contrario, mi corazón sufrirá ansiedades y lamentos de ardiente amor. 13 Herzliebster Wein, von mir nit weich Georg Forster (c. 1510-1568) Herzliebster Wein, von mir nit weich Herzliebster Wein, von mir nit weich, ich lieb dich ganz ohn argen List! Du ist und schmeckst mir wohl, drum ich für voll ganz lob dein Farb für allen Schein und wünsch dir Heil, bist mir nit feil. O Wein, o Wein, ich kann dir nit feind sein! Ach klarer Wein, herzliebster Gsell, kein Freud auf Erd mir lieber ward! Du bist ganz rein, ich nach dir stell, komm her und netz mir meinen Bart! Mit deinem Fleiss dein Art beweis und kühl du mir mein Herz gar fein; durch dein Gestalt mich aufenthalt. O Wein, o Wein, freust mir das Herze mein! O süsser Wein, ich klag mich sehr, wo ich auch von dir scheiden muss. Du bringst mir Pein mit grossem Schwer, ich fürcht mir werd dein nimmer Pus. Ich zu dir trab, kumm her und lab, saur oder süss, so bistu rein und gibst mir Freud für alles Leid. O Wein, o Wein, allzeit blieb ich der dein! Amado vino, no te alejes de mí Amado vino, no te alejes de mí. ¡Yo te amo sin malicia! Tú me sabes bien, por eso halago tu íntegro color que brilla sobre todos, y deseo que no te hagan mal, que no te corrompan. ¡Oh vino, oh vino, no puedo ser tu enemigo! ¡Oh vino claro, compañero del alma, no prefiero a ningún otro amigo! Tú eres puro, yo te sigo. ¡Ven aquí y humedece mi barba! Con tu esfuerzo pruebas tu arte y refrescas con galantería mi corazón; contigo me sostengo. ¡Oh vino, oh vino, me alegras el corazón! Oh dulce vino, mucho me lamento cuando debo separarme de ti. Me traes angustias y cargas, temo que nunca más me rescates. Hacia ti corro, ven aquí y distráeme, ácido o dulce, eres puro y cambias mis penas por alegrías. ¡Oh vino, oh vino, por siempre seré tuyo! Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 14 Ich armer Knab bin gar schabab Georg Forster (c. 1510-1568) Ich armer Knab bin gar schabab. Ich armer Knab bin gar schabab. Wo soll ich mich hinkeheren? Glücks fall ich harr als mancher Narr; der Hofweis erst muss leren. Noch kann ich nit den rechten Sitt in Kurz noch Läng erfahren; kein Nacht, kein Tag ohn alle Zag will mich darin nit sparen. Dann der sein viel in solchen Spiel, die mir nicht günstig wöllen; darum ich muss bei meiner Buss ein heimlich Garen stellen. Ob ich auch möcht, was mir dann döcht in diesen Zeug erjagen, wär Wildbret Fisch, dient mir zu Tisch, füllt mir mein Leib und Kragen. Wie leis ich tret, so bald mein Red, noch will ich nit verzagen. Der hindert mich, ist kleinr denn ich und kann doch schwerer tragen. In treuer Gunst und Liebe Brunst will ich mich das vermessen; kein Red umsunst: “Ja nein” ist Kunst. Wohl gschwiegn ist nit vergessen. Yo, pobre muchacho, estoy en las últimas. Yo, pobre muchacho, estoy en las últimas. ¿A dónde puedo dirigirme? Sigo a la suerte como un bufón, que primero debe aprender los modales de la corte. Todavía no conozco las costumbres adecuadas, ni en resumen ni extensamente; todas las noches, todos los días, sin excepción, quiero dedicarlos a aprenderlas. Hay muchos en este juego que no me quieren bien; por eso debo, para tener recursos, tender hilos escondidos. Aunque quisiera más, tal parece que por estos medios apenas puedo conseguir venados o peces para llevar a la mesa, que llenen mi cuerpo y mi garganta. Cuán suavemente ando, cuán audaz es mi discurso, no puedo fallar. Sólo yo me interpongo en el camino y sin embargo puedo llevar mi carga. De mis fieles favores y ardiente amor quiero presumir; nada se dice en vano: decir “sí o no” es un arte. No se olvida lo que bien se calla. Mein selbst bin ich nit gwaltig mehr Stephan Zirler (c. 1518-1568) Mein selbst bin ich nit gwaltig mehr Mein selbst bin ich nit gwaltig mehr; allein deinr Ehr ich Hoffnung hab. Verplicht’ ist dir mein herz mit Schmerz, kein Unfall mag uns treiben ab mein Gmüt von dir, dieweil ich spür die Treue dein. Geh, wie es wöll, so will ich stets dein eigen sein. Ya no soy yo mismo Ya no soy yo mismo; sólo tu honor me da esperanza. Con dolor se ha sometido a ti mi corazón, ninguna desventura apartará de ti mi espíritu, mientras sienta tu fidelidad. Vete, si es lo que quieres, yo siempre seré tuyo. 15 Dein Trost mir Freud und Hoffnung geit Stephan Zirler (c. 1518-1568) Dein Trost mir Freud und Hoffnung geit Dein Trost mir Freud und Hoffnung geit und nimmt von mir all Trauren hin. Acht nit, ob man uns darum neid’; du hast mein Gmüt, Hertz, Mut und Sinn. Drum mich regier und nit verfür den Diener dein. Geh, wie es wöll, so will ich stets dein eigen sein. Tu consuelo me alegra y da esperanza Tu consuelo me alegra y da esperanza y se lleva todas mis penas. Descuida si por eso nos envidian; tú tienes mi espíritu, mi corazón, mi valor y mi mente. Por eso guía y no desencamines a tu sirviente. Vete, si es lo que quieres, yo siempre seré tuyo. Halt fest, du mein holdseligs Bild Stephan Zirler (c. 1518-1568) Halt fest, du mein holdseligs Bild Halt fest, du mein holdseligs Bild lass dich keins Wegs verführen nit! Halt dich gen mir freundlich und mild; von dir ich gar kein anders bitt, wann ich hoff Glück, sich zu und schick, vergiss nicht mein! Geh, wie es wöll, so will ich stets dein eigen sein. Mantente firme, mi graciosa figura ¡Mantente firme, mi graciosa figura no permitas que nada te seduzca! Mantente amorosa y dulce conmigo, no te pido nada más; cuanto espero de la suerte es que regreses pronto y no me olvides. Vete, si es lo que quieres, yo siempre seré tuyo. Der Winter kalt ist vor den Haus Caspar Othmayr (1515-1553) Der Winter kalt ist vor den Haus Der Winter kalt ist vor den Haus; wo soll ich Armer aus? In diesen Strauss tu ich gar nit erschrekken. Es kommt ein liebe Zeit, darauf ich harr und beut mit gar fröhlichem Mut. Es ist ein hübsches Fräulein, das mich erfreuen tut. El helado invierno está frente a la casa El helado invierno está frente a la casa; pobre de mí, ¿a dónde iré? En este trance no me atemorizo. Viene un tiempo amoroso, lo espero y me preparo con alegre entusiasmo. La que me alegra es una linda muchachita. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 16 Der Mond der steht am höchsten Caspar Othmayr (1515-1553) Der Mond der steht am höchsten Der Mond der steht am höchsten; d’Sonn hat sich unterton. Mein feins Lieb liegt in Nöten; ach Gott, wie soll’s ihm gon in Regen und im Wind? Wo soll ich mich hinkehren, do ich mein feins Lieb find? Mein feins Lieb wollt mich lehren, wie ich ihm dienen sollt in Züchten und in Ehren; das weiss ich selbst gar wohl und kann auch noch viel mehr. Wer sich sein’s Buhlen tut rühmen, der hat sein kleine Ehr. Manch’r geht zu seinem Buhlen bei lichtes Monen Schein. Was gibt sie ihm zu Lohne? Ein Rosenkränzlein, ist grüner dann der Klee. Ich muss mich von dir scheiden, tut meinem Herzen weh! Ach Scheiden über Scheiden, Wer hat dich doch erdacht? Hast mir mein junges Herzen aus Freund in Trauren bracht, dazu in Ungemacht! Sei dir, schöns Lieb, gesungen: Alde zu guter Nacht! La luna está en lo más alto La luna está en lo más alto; el sol se ha escondido. Mi precioso amor está en apuros; oh Dios, ¿qué será de él bajo la lluvia y el viento? ¿A dónde iré para encontrar a mi amado? Mi precioso amor quiere enseñarme cómo debo servirle para nutrirlo y honrarlo; esto y mucho más ya lo sé muy bien. Quien pide alabanzas a su amado tiene poco honor. Algunas van con sus amados bajo la clara luz de la luna. ¿Con qué los premian ellas? Una coronita de rosas más verde que el trébol. Debo separarme de ti. ¡Me duele el corazón! Despedirse una y otra vez, ¿quién pensaría en eso? Llevaste a mi joven corazón de la alegría a las penas, y de ahí a la aflicción. Mi canto para ti, bello amor, es: ¡Adiós, buenas noches! Ach, was will doch mein Herz damit Heinrich Isaac (1450-1517) Ach was will doch mein Herz damit Ach was will doch mein Herz damit! Kläglicher Bitt ruf ich und schrei, dabei mich hart betrübt, und übt mein G’müt durch schwers Verlangen. Allein so ich der Zeit gedenk, mich hart bekränk nach solcher Freud und meid mein Herzen Gier. ¡Ay! ¿Qué quiere con ello mi corazón? ¡Ay! ¿Qué quiere con ello mi corazón? Un quejumbroso reclamo hice a gritos, en mi aflicción, y mi alma carga con pesados deseos. Solitario, cuando lo anhelado se aleja de mi corazón, recuerdo afligido el tiempo de tal alegría. 17 In mir ist all Kurzweil vergangen, seit ich mein Lust in Liebesbrust nit buszen mag; das klag ich heimlich und verborgen! Wann was mein Herz hätt Freud und Schmerz, ein kurze Nacht hat bracht der Tag mir alls zu Sorgen. Erkenn doch du, mein edler Hort, das kläglich Wort hat mir behaft mit Kraft all mein Begier, zu dir thu ich mein Willen setzen. Wiewol du mir genommen bist zu dieser Frist, das klag ich sehr, je mehr ich denk daran, und kann mich dein doch nicht ergetzen. Darum ich lieg, viel Jammers pflig oft manche Nacht, betracht mein ganz verborgen Leiden, das mich erschreckt und oft erweckt zu Sorgen viel, noch will ich dich darum nicht meiden. Die Hoffnung ist mein Aufenthalt, dasz ich den G’walt der Lieb bezwing und ding auf künflig Zeit, das freut mich noch allein besunder. Ob ich das Ziel erhärten musz, wünsch ich mein Grusz dir allzeit hin, und bin mit solcher Gier zu dir ganz elend, ist kein Wunder. Wie möcht dem sein, dasz ich mich dein nicht freuen sollt, ich wollt für dich allweg aufgeben, herzliebste Frau, dergleich ich trau, da thust dein Fleisz, der Weis in meinem Dienst geleben. Todo solaz me ha abandonado desde que el deseo llegó a mi amoroso pecho; esto lamento en secreto y a escondidas. Mi corazón tenía alegrías y penas, una breve noche las transformó en un día lleno de preocupaciones. Escucha, mi precioso tesoro, la palabra quejumbrosa que con fuerza capturó todas mis ansias, mi voluntad se plegará a la tuya. Como sé que me serás arrebatada en un breve plazo, mucho me lamento, y mientras más lo pienso menos disfruto de tu presencia. Por eso yazgo, cultivando penas muchas noches; mira mis ocultos sufrimientos que me atemorizan y desvelan para preocuparme; con todo, no quisiera no verte. La esperanza es el refugio donde puedo amansar la violencia del amor y hacer una tregua; esto me alegra y es lo único que me alivia. Aunque deba renunciar a mi meta te quiero dedicar mis saludos, y te deseo con tanta fuerza que grandes desgracias no sorprenden. ¿Cómo puede ser que no me alegres? Por ti renunciaría a todos los caminos, adorada mujer en quien confío, tu tarea será verme permanecer a tu servicio. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 18 Vater unser Steffan Mahu (c. 1480-1541) Vater unser Vater unser, der du bist im Himmelreich hoch über uns, darum im Geist wilt angebetet werden: dein heilger Nam werd ausgebreit gewaltiglich, geehrt in uns und überall im Himmel und auf Erden. Das Reich der Gnaden komm uns zu und thu in uns bekleiden, und was dir nicht gefällig ist in uns, das wöllst austreiben, auf dass wir mügen ewiglich in deinem Reiche bleiben. Auch billig, Herr, so bitt wir dasz dein Will gescheh auf Erden hie in allermaasz wie in dem Himmelreiche, dohin denn niemand kommen kann und mag bestan, dann der allein den Willen sein mit deinem thut vergleichen. Und gieb uns unser täglich Brot, der Seelen ihre Speise: ich mein dein heiligs göttlichs Wort, dasz wir das hörn mit Fleisze, darmit du uns zur Seligkeit den rechten Weg wilt weisen. Auch unser Schuld und Missethat, Herr, uns erlasz, und ob wir dich erzürnet han, das wöllst uns nit zumessen, dann wir auch unsern Schuldigern thun solchermasz: warmit sie uns erzürnet han, das wöll wir ganz vergessen. In kein Versuchung uns einführ, darin wir möchten verderben, für solchem Uebel uns bewahr, darvon die Seel möcht sterben, und mach uns alle sampt zugleich in deinem Reich zu Erben. Padre nuestro Padre nuestro que estás en el reino de los cielos sobre nosotros, en espíritu seas alabado: sea proclamado tu santo nombre, honrado por nosotros y por doquier en el cielo y en la tierra. Venga a nosotros el reino de la gracia y nos cubra; lo que en nosotros te ofenda deséchalo por tu voluntad para que eternamente podamos permanecer en tu reino. También es justo, Señor, que pidamos que se haga tu voluntad tanto en la tierra como en el cielo, allí donde no pueden ir o permanecer sino aquellos cuya voluntad sea plegarse a tus mandatos. Danos nuestro pan cotidiano, alimento del alma: es decir tu palabra santa y divina, que oímos con diligencia, para que nos muestres el camino recto a la bienaventuranza. También perdona nuestras culpas y faltas y si te hemos ofendido no nos lo cobres, que nosotros haremos lo mismo con quienes nos ofenden: sus ofensas olvidaremos por completo. No nos lleves a ninguna tentación que nos pueda corromper, protégenos de los males que matan a las almas y permítenos a todos por igual heredar tu reino. 19 Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. Freundliches K! Wilhelm Breytengrasser (1495-1542) Freundliches K! Freundliches K.! Verfährst mit ja. Gott hatt mich gwährt des ich begehrt auf Erden hie, wie ich dann je und allweg hatt Verlangen nach dir, mein Trost! Mich hast erlöst; grosz Sehnen ist vergangen. Dieweil’s Gott hat ehrlich erstatt nach seiner Güt, und unserm Gmüt ganz angenehm, nit wiederzaem, beschaffen soll mir werden dein weiblich Zucht, die edle Frucht, ganz lieblich hie auf Erden. Dein bleib ich ganz! Der Ehren Glanz mich des bewegt, wie’s auferlegt von Gott ist mir; dergleichen dir samet uns unverscheiden. Darum ich sprich: dein Treu nit brich! Niemand wird dich mir leiden. ¡Amistosa K! ¡Amistosa K! Bien me has tratado. Dios me concedió tener en la tierra lo que quería; como antes y hasta ahora, mi deseo se ha orientado hacia ti. Me has liberado; ha pasado la gran ansiedad. Mientras tanto, Dios ha sido generoso según su bondad, y secundando nuestro espíritu, sin desagradar, nos ha concedido, amorosamente, en la tierra, tus frutos, tus nobles cosechas. ¡Permaneceré completamente tuyo! El noble brillo que así me impulsa, Dios me lo impone; también a ti me mantiene unido. Por eso digo: ¡no quiebres tu lealtad! Nadie te arruinará para mí. Herre, das sein deine Gebot Arnold Von Bruck (c. 1500-1554) Herre, das sein deine Gebot Herre, das sein deine Gebot: du sollt glauben in einen Gott, du sollt nit schwören bei seinem Nam, den Feiertag feiern recht und schon. Kyrie eleison. Hab Vater und Mutter in hohen Ehren, so wird Gott dein Tag hie mehren. Du sollt nit tödten, unkeuschen, stehlen, kein falsche Zeugnus nit verhelen. Kyrie eleison. Deines Nächsten Gmahel sollt nit begehrn, noch seines Gut, spricht Gottes Lehr. Das soll wir werden unterweist; das helf uns Gott und der heilig Geist. Kyrie eleison. Señor, estos son tus mandamientos Señor, estos son tus mandamientos: creerás en un sólo Dios no jurarás en su nombre, celebrarás apropiadamente las fiestas. Señor ten piedad. Honrarás a padre y madre para que Dios multiplique tus días. No matarás, no serás impúdico, no robarás, no darás ningún falso testimonio. Señor ten piedad. No codiciarás a la mujer del prójimo ni sus bienes, dice la Ley de Dios. Esto se nos enseñará, Dios y el Espíritu Santo nos ayudarán. Señor ten piedad. 20 So man lang macht Ludwig Senfl (1486-1543) So man lang macht Chorus So man lang macht, betracht und acht, viel Kurzweil treibt, in Freuden bleibt, ist g’wönlich das und allwegn was: viel besser und ohn Sorgen ein Abend dann drei Morgen. Dasz dem so sei, spürt man gar frei: des Abends Zeit viel mehr die Leut in Freud sich wegen, mit Weisheit pflegen, in allem unverborgen, des Abendsdann am Morgen. Schickt sich nit wol, dasz man thun soll g’sellige Ding; wann nit so ring dieselben geschehen, würd auch gesehn mancherlei der Leut Sitten, blieb grosz Kurzweil vermiden. Solisten Ich armer Mann, was hab ich g’than, dasz ich ein Weib hab gnommen! Ich hätt es wol unterwegen lan, ich wär sein noch wol kommen; wie oft es mich gereuet hat, das kann ich wol ermessen! Allzeit musz ich im Hader stan zum Bett und auch zum Essen. Wenn ich de Nachts will schlafen gan und freundlich mit ich scherzen, mit mir facht sie ein hader an, der bringt mir heimlich Schmerzen. Sprich ich zu ihr: Ruck her zu mir, sie thut sam sei’s entschlafen. Will ich viel Kurzwiel mit ihr han, so musz ichs von ihr kaufen. Den Kauf treib ich so lang im Jahr, damit bleib ich bei Hulden mit meiner Frauen, sag ich fürwar, die Hand musz ich ihr vergulden: guldn Ketten und Schauben will sie han, merkt auf, ihr jungen Knaben! Also geschicht eim alten Mann, der ein junges Weib will haben. Mientras uno hace Coro Mientras uno hace, observa y atiende, mucho se distrae con pasatiempos y diversiones; eso es lo usual, porque es mejor y menos preocupante una tarde que tres mañanas. Que esto es así se ve claramente: en las noches la gente se alegra mucho más, cultiva la sabiduría, totalmente al descubierto, desde el atardecer a la mañana. No conviene que la gente se reúna, porque cuando eso pasa, se ha visto muchas veces que los modales se olvidan por un tiempo. Solistas Pobre de mí, ¿qué he hecho consiguiendo esposa? Hubiera podido evitarlo, todavía estaría entero; ¡Ni siquiera puedo medir las veces que lo he lamentado! Todo el tiempo estoy de pelea, en la cama y en las comidas. Cuando por la noche me quiero ir a dormir y bromear amistosamente entonces ella empieza una pelea que me trae penas secretas. Si le hablo, me da la espalda, se hace la dormida. Si quiero pasar un tiempo con ella debo comprárselo. Hago tantas compras en el año para estar en buenos términos con mi mujer, que en verdad digo que le he dorado las manos: quiere cadenas y cosas de oro. ¡Cuídate jovencito! Eso le pasó a un viejo que quería una esposa joven. 21 König, ein Herr ob alle Reich Thomas Stoltzer (c. 1480-1526) König ein Herr ob alle Reich König, ein Herr ob alle Reich, wie gar ungleich mein Sach jetzt steht, nit für sich geht: was ich anfach, mehr Ungemach an allem Ort sich nun erzeigt; die Zeit sich neigt zu bösem End. Wo’s Gott nit wendt: dem trau ich doch, er lebt je noch. Ich hoff, er schicks noch alls zu gut. Hab starken Mut, die Sein’ Gott nit verlassen thut. Lud doch vormals auch Unglück fast, sein schweren Last, auch manchen Mann, den’ alls ihr Than verhindert ist durch Unfalls List, aus den’ hinach sein worden Lent, von den’ man hent noch singt nud sagt was Ehr erjagt; sie hand durch Rat und mannlich That regieret wol ihr Leut und Land: darin erkannt ist gwaltiglich die Gotteshand. Wîg drum dergleich mein Thun also, Gott weisz wol, wo hinaus es will: mir ists zu viel und über mein Witz; so gibt es jetz auch andern viel zu schaffen gnug: sei eins, halt klug, ihm dannoch zerrinnt. Rey, señor de todos los reinos Rey, señor de todos los reinos, qué inestables están ahora mis cosas; nada parece avanzar, lo que empiezo atrae molestias sin importar dónde; el tiempo se dirige a un final triste. Aunque Dios no se vea, en Él confío, Él vive aún. Espero que Él corrija todo. Ten mucho valor, Dios no abandona a los suyos. Si antes el infortunio trajo su pesada carga a algunos hombres, y todas sus obras se trancaron por artimañas del pecado, de allí surgió la Cuaresma de la que dependemos y a la que cantamos diciendo cuánto nos honra; ella sigue Su guía y por las obras de los hombres gobierna bien a su pueblo y sus tierras. En esto se reconoce la poderosa mano de Dios. A eso se dirigen también mis acciones, Dios sabe bien cómo deben resultar las cosas: es demasiado para mí, supera mi ingenio; también a otros les da mucho que hacer: al indiferente o al esforzado todo se les desmorona. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 22 Die Welt ist gschwind: ich nimm die Zeit wie sie Gott geit: sein Will geschech in aller Welt wie’s ihm gefällt, dahin hab ich mein Sach gestellt. El mundo es pasajero: yo aprovecho el tiempo como Dios me lo dé: hágase su voluntad en todo el mundo según Él lo desee, así oriento mis acciones. Freundlich und mild Heinrich Isaac (1450-1517) Freundlich und mild Freundlich und mild, zart reines Bild! Hast mich ob allen gefallen, thut mir dein züchtig Berd und Weis. Hierum ich mich hab emsiglich an dich ergeben, zu leben nach treuer Art und höchstem Fleisz. Länger je mehr, mein F., ich gehr mich treulichen verpflichten in Züchten zu dir, mit Gier, hoff schier der Sach dich wohl berichten. Fleiszlich will ich stets üben mich, dein Lob zu mehren, und ehren dein weiblich schön und rein Gestalt, die mir gefällt. Du bist erwählt aus Weibes Scharn! Erfahrn von dir hab ich das manigfalt. In keinem Reich, mein F., dein Gleich ist zwar wenig ersehen! Mag jehen! Allein, sonst kein, mein Ein, von der mir Guts mag bschehen. Fröhlich und frei sei wo ich sei, magst dich des halten, eralten, will ich dienstlich dir allzeit sein, willig hereit, in Lieb und Leid von dir nit setzen, ergetzen, glaub solchs von mir in treuem Schein. Wär es dein Will, mein F., in Still thätst dich auch zu mir neigen, erzeigen Bitt dich freundlich, gwähr mich, wann ich bin ganz dein eigen. Amable y apacible ¡Amable y apacible, tierna y pura imagen! Me agradaste sobre todas, me acostumbraste del todo a ti. Por eso me entregué a ti con asiduidad, para vivir en fidelidad y con esfuerzo. Entre más deseo, amada F., atarme fielmente a ti con mis votos, más quisiera poder decirte estas cosas. Me esmeraré para multiplicar tus elogios y honrar tu bella y pura imagen de mujer, que adoro. Fuiste elegida entre todas las mujeres; esto me lo has mostrado de muchas maneras. Se puede decir, querida F., que en ningún reino tienes parangón. Sólo tú, mi única, ninguna otra, puede brindarme cosas buenas. Que te mantengas feliz y contenta, sin importar donde esté yo; quiero servirte todo el tiempo, no deseo separarme de ti ni en alegrías ni penas, créemelo, en virtud de mi fidelidad. Si quisieras, mi F., inclinarte hacia mí en silencio, te suplico que a mí te entregues, porque yo soy todo tuyo. 23 Wer bulen wil, halt Mass und Zil Mathias Eckel (c. 1518-1537) Wer bulen wil, halt Mass und Zil Wer bulen wil, halt Mass und Ziel, dass er nicht werd verdrungen, leit nicht daran, obs Glück dir gan die meiste Gunst vor allen die Lieb wendt sich offt schnelliglich, last viel durchs Körblin fallen. Wer sein Wolfahrt auff Bulen spart, hat allzeit frembde Gedancken, der bulschafft Art nicht bestendig ward, thut hin und wider wancken, Heut lieb und werth, wird bald umbkert, dem Glück ist nicht zu trauen, Vol weiser lehr, poch nit zu sehr, der schimpff möchte dich sonst rauen. Glück mag und kan kein Ru nit han, mus seinen Lauff vollenden, sicht niemand an, günt jederman, wo sich das Blat thet wenden. Darumb Gesell, dein Spiel abstell, das du nit werst verführet, ein besser Blat, ein ander hat, die Schantz möchtst du verliesen. Quien quiera amar, tenga mesura Quien quiera amar, tenga mesura para no ser rechazado, para no sufrir por ello; si la suerte te concede el mayor de los favores, el amor se inclina súbitamente y mucho se escapa de tu canastico. Quien dedica sus bienes a un amante, siempre tiene inquietudes, porque no es firme la conducta en el amor, va y viene, hoy ama y protege, mas pronto cambia; la suerte no es de fiar, sabia enseñanza es no insistir mucho, porque te puede pesar esa lucha. La suerte ni quiere ni puede descansar, debe completar su carrera, no favorece ni envidia a nadie hasta que voltea la página. Por eso, muchacho, deja de jugar, para no abandonar tu trinchera, creyendo que otro puede tener mejor papel. Ach Elslein Ludwig Senfl (1486-1543) Ach Elslein, liebes Elslein wie Gern wär ich bei dir so fliessen zwei tiefe Wasser wohl zwischen dir und mir. Das bringt mir grossen Schmerzen herzaller liebster G’sell, red ich von ganzem Herze hab’s für gross Ungefäll. Hoff, Zeit wird es woll enden Glück wird kommen drein, sich in all’s Gut’s werden herzliebstes Elslei. ¡Oh Elslein, querido Elslein! Cómo me gustaría estar junto a ti, mas dos aguas muy profundas fluyen entre tú y yo. Eso me causa grandes dolores, amigo adorado, lo digo muy de corazón, tengo muchas contrariedades. Espero que el tiempo las acabe, que la felicidad retorne y que todo esté bien, amadísimo Elslein. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 24 So gehe hin und iss dein Brot del oratorio Jauchze, jubilier und singe (Exalta, alaba y canta) Georg Philipp Telemann (1681-1767) So gehe hin und iss dein Brot So gehe hin und iß dein Brot mit Freuden, trink deinen Wein mit gutem Mut; denn dein Werk gefällt Gott. Por tanto ve y come tu pan Por tanto ve y come tu pan con alegría, bebe tu vino con buen ánimo, pues tus obras agradan a Dios. Textos traducidos por Alberto de Brigard. Compositores de nuestro tiempo 2 Obras comisionadas por el Banco de la República El disco se constituye en un testimonio sonoro del éxito e impacto que el programa de comisión de obras del Banco de la República ha tenido en algunos de los más destacados creadores colombianos. En esta grabación se presentan tres obras: el Trío Op. 32 de la compositora payanesa Amparo Ángel, interpretado por el Trío Suizo (violín, violonchelo y piano), Oración del compositor antioqueño Andrés Posada, una obra escrita a partir de textos de la escritora Piedad Bonnett e interpretada por la soprano Juanita Lascarro y el pianista Alejandro Roca; y ADAS del compositor barranquillero Guillermo Carbó. ¿EN DÓNDE ADQUIRIRLO? Valor venta $ 20.000 ART BOOKS Librería Biblioteca Luis Ángel Arango Bogotá, Calle 11 No. 4-14 Teléfono: 286 95 41 www.artbookslibreria.com Tango Discos En cualquiera de los puntos de venta en Bogotá www.tangodiscos.com.co PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Erik Ask-Uppmark ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. Cód. PULEP: OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Programas de mano
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Vocalconsort Berlin, ensamble vocal (Alemania)

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Programa de mano - Ricardo Gallo Cuarteto, jazz (Colombia)

Por: | Fecha: 15/07/2019

Foto: Catalina Villamizar RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: VMH840 Martes 24 de abril de 2018 · 6:00 p.m Barranquilla, Auditorio de la Universidad del Norte Miércoles 25 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Santa Marta, Sala múltiple del Banco de la República Cód. PULEP: DNW874 Viernes 27 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir de la Biblioteca Germán Arciniegas Cód. PULEP: AHF251 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Barranquilla, para llegar al Auditorio de la Universidad del Norte, la entrada para las personas con movilidad reducida es por la portería # 7, (se sugiere tomar la Cra. 53), que cuenta con las condiciones necesarias. Asimismo, el auditorio cuenta con una puerta plegable para el acceso. En Santa Marta, el ingreso a la Sala múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal de la Biblioteca Gabriel Garcia Márquez en la Calle 14 # 1C-37. En Villavicencio, el acceso al Auditorio Mauricio Dieres Monplaisir de la Biblioteca Germán Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la Cra. 45A # 8-16. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Catalina Villamizar RICARDO GALLO CUARTETO Ricardo Gallo, piano; Juan David Castaño, percusión; Jorge Sepúlveda, batería; y Juan Manuel Toro, contrabajo. El cuarteto de Ricardo Gallo a mantenido su formación desde 2005 con unos de los músicos colombianos más activos de la escena del jazz en la actualidad. Ricardo Gallo Cuarteto ha desarrollado un variado repertorio que refleja múltiples intereses, lo que se puede apreciar en cinco álbumes de música original: Los Cerros Testigos (2005), Urdimbres y Marañas (2007), Resistencias (2010), Tribu del Asfalto (2013) —todos incluidos en el catálogo del colectivo La Distritofónica—, y el más reciente, En Tránsito (2017), que se estrena en los conciertos que presentarán en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2018 del Banco de la República. Su música se nutre de diversas tradiciones como el folclor colombiano de varias regiones, influencias de otras latitudes —en especial de Latinoamérica y África—, jazz de diferentes periodos, música creativa afro-americana, música contemporánea occidental, e improvisación libre. El trabajo de este grupo ha sido reconocido en publicaciones nacionales e internacionales y los ha llevado a participar en diversos festivales como el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre y Festival Jazz al Parque en Bogotá, Novara Jazz Festival en Italia, Festival Jazztopad en Polonia, Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires, Festival Internacional de Jazz en Lima, Festival Iberoamericano de las Artes en Puerto Rico, Festival Internacional Barranquijazz y Festival Internacional de Jazz de Manizales en Colombia; así como a presentarse en escenarios en Suiza, Barcelona, Roma, Santiago de Chile, Berlín, Nueva York, y en las principales salas de Bogotá. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de El concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA El cuarteto presentará una selección de las siguientes obras que anunciará al público durante el concierto. El orden no está definido. Intro: La llegada (2014) RICARDO GALLO (n. 1978) En tránsito (2014) Tetralidad (2014) Obnubilados (2014) Diáspora interna (2014) Mikrotráfiko (2014) Bambuco de la orilla (2005) Esto es un paseo (2007) Báileme esta (2010) Ventanas (2007) Frontera quebradiza (2012) CONCIERTO No. 19 3 UN JOVEN CUARTETO LONGEVO Por Luis Daniel Vega En las páginas de estos programas de mano se ha repetido de forma sistemática que, si bien la historia del jazz en Colombia se puede empezar a contar desde las mismas postrimerías del siglo xx, su desarrollo discográfico, su devenir estilístico y sus mitologías aún están en ciernes. Es por eso que llama tanto la atención el caso específico del pianista y compositor Ricardo Gallo, quien ‘desde la trastienda’ ha creado una obra rica en registros sonoros, elástica en su búsqueda estética y legendaria en lo que tiene que ver con el formato. Nacido en Bogotá en 1978, Ricardo Gallo tuvo una suerte de epifanía al final de su adolescencia cuando, en las ondas hertzianas de Javeriana Estéreo, descubrió el sonido de Gonzalo Rubalcaba. Allí estaba un cubano que se salía de las expectativas y las formalidades del llamado ‘jazz latino’. Y ese fue el camino que quiso seguir el imberbe bogotano. Salvado un semestre de ingeniería electrónica, decidió dedicarse a los oficios musicales. En la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana se cruzó con algunos estudiantes insolentes que retaban con vehemencia la formalidad de la academia. Con ellos se fue de viaje a descubrir músicas colombianas raizales: se deslumbró con la alucinante descarga de chirimía y música de marimba en un hotelito del centro de Cali en pleno Petronio Álvarez, bailó bullerengues en Puerto Escondido y sopló la gaita de cera en Ovejas. Con el combo de insurrectos creó, en el 2004, La Distritofónica, un colectivo creativo enfocado en la exploración de músicas tradicionales locales a través del free jazz, la improvisación libre, el noise, la música de cámara experimental y la composición electroacústica. Ese mismo año participó en Canto mestizo, del saxofonista Pacho Dávila, y meses más tarde tuvo su primera experiencia en estudio con una agrupación. Se trató de La revuelta, grabación con la que el grupo bogotano Asdrúbal inauguró el sello discográfico de La Distritofónica, que, a propósito, con En tránsito, el disco que estrena Ricardo Gallo Cuarteto, ya llega al número treinta y nueve de su catálogo. El 10 de agosto del 2005, antes de partir a su larga aventura en Nueva York, entró a los estudios Sonolux en Bogotá junto al contrabajista Juan Manuel Toro, el baterista Jorge Sepúlveda y el percusionista Juan David Castaño. Allí 4 se cocinó Los cerros testigos, el disco con que se dio a conocer el cuarteto de Ricardo Gallo. Al respecto de esta grabación, el pianista escribió en aquellos fulgurantes días: La música que proponemos se basa en la comunicación, la tolerancia, la amistad, y oscila entre la libertad y el orden (valga la coincidencia). Esta música está dedicada a mi ciudad, Bogotá, que ha sido mi estímulo, mi origen, el lugar de reencuentro. De ese disco, que hoy en la lejanía se escucha como un pacto de retorno, hoy podremos escuchar Bambuco de la orilla, una nostálgica cantinela que evoca tanto los bambucos del Pacífico como los del interior de Colombia. En el 2007, ya instalado definitivamente en Nueva York, Gallo empezó a trabajar en un nuevo álbum, Urdimbres y marañas, que, como su nombre lo indica, es como una tela tejida con hilos de muchos colores y calibres, en el que hay bastante innovación en lo que respecta a la exploración rítmica. Aunque se nota la procedencia de las fuentes primarias y de alguna manera hay mímesis, el resultado es una tradición inédita, personal y retadora. Al respecto dice el músico: «Una verdadera tradición cambia con el tiempo y así se mantiene viva. De la misma manera, nosotros también cambiamos e imaginamos nuestra nueva ‘tradición’, que consiste en esa creación, esa búsqueda y esa interacción entre sus diversos artífices». De Urdimbres y marañas escucharemos Esto es un paseo —abstracción con rhodes del ingrávido aire vallenato— y la extática Ventanas. Entre el segundo disco con el cuarteto y Resistencias (2010), el tercero, pasaron tres años en los que Ricardo Gallo volvió a colaborar con Pacho Dávila, grabó Gente junto al contrabajista caleño Carlos Rengifo, su pieza electroacústica El hotel de los músicos fue incluida en la colección Colón electrónico cinco años (2008), y Artificio, de Urdimbres y marañas, apareció en el recopilado Jazz Colombia (2008) del sello MTM. Asimismo, participó en las grabaciones Sublánimal (2010) del trío Pársec, Caída Libre (2010) de Jorge Sepúlveda, y Live in Lisbon (2010) del inefable trompetista Peter Evans. Fueron años fructíferos que dejaron, también, dos de los proyectos más notables del pianista, además de su cuarteto. Por un lado, el dueto con el guitarrista bogotano Alejandro Flórez dejó ver una de las aproximaciones más riesgosas y disidentes dentro del amplio y riguroso espectro de las músicas instrumentales andinas con Meleyólamente (2009), grabación que sorpresivamente fue escogida por la revista Semana como una de las más relevantes de ese año. Por otro lado, conformó un sexteto neoyorquino con 5 cinco músicos legendarios de la ciudad: Dan Blake, Ray Anderson, Mark Helias, Satoshi Takeishi y Pheeroan Ak Laff. El grupo —que se llamó Tierra de Nadie, en referencia a una cita de Julio Cortázar— publicó con el famoso sello portugués Clean Feed, The great fine line (2010), una grabación que, tristemente, pasó desapercibida en nuestra geografía. El célebre crítico de jazz Troy Collins escribió al respecto del disco: Gallo sigue el edicto de Cortázar, combinando a la perfección las tradiciones populares latinoamericanas y las innovaciones modernistas del jazz en un híbrido sofisticado que busca inspiración en el pasado y el futuro. En su forma más vivaz, la escritura contrapuntística de Gallo se basa en gran medida en los primeros elementos de la historia del jazz, aumentando los elaborados arreglos neoclásicos con una energía colectiva que recuerda la exuberancia de Dixieland y el frenesí de la New Thing. Con un alcance similar al de veteranos como Phillip Johnston y Henry Threadgill, el abrazo de Gallo a la tradición no tiene límites. A la luz de la suerte amarga del disco en Colombia, los exaltados comentarios de Collins corroboran nuestra atávica simpatía por el desdén. Resistencias supuso un punto de quiebre en el concepto del cuarteto. Si bien nunca fue pensado como un trío que acompañaba a Ricardo Gallo, en esta grabación se consolidó como una agrupación, la más longeva y activa del panorama del jazz colombiano en los últimos veinte años. En el interior del disco, Gallo escribió la siguiente nota reveladora: «Sugerimos una resistencia a las categorías, una resistencia a las limitaciones de la escena frente a nuevas propuestas, una resistencia a la invasión mediática, una resistencia a la idea de que el desarrollo individual se opone al desarrollo colectivo». Frente a este manifiesto, el periodista español Pachi Tapiz, del portal Tomajazz, preguntó a Ricardo qué motivaba esas ‘resistencias’. La réplica de Gallo nos da buenas luces acerca de una reflexión que va más allá de la música y se convierte en acto político: Estos pronunciamientos son quizás resultado de un contexto. En Colombia hemos tenido y seguimos teniendo que insistir mucho para hacer que se escuche y se valore nuestra música. Cuando uso la primera persona en plural me refiero no solo a mi grupo, sino también a otros proyectos de mis compañeros y, por extensión, a otros músicos asociados. Hay todavía un gran complejo de inferioridad en Colombia. Quizás esto ha cambiado un poco, pero no lo suficiente. Claramente y desde un punto de vista político, nos falta mucho por avanzar en términos de cultura, lo que resulta paradójico, ya que hay muchas expresiones en plena ebullición, que son tan autóctonas como recientes, en diálogo con lo que sucede en otros países. 6 De Resistencias podremos apreciar en este recital la endiablada chirimía Báileme esta. Entre los años 2010 y 2014, Ricardo Gallo regresó temporalmente a Bogotá, donde se conectó profundamente con la escena musical que giraba en torno al bar *matik-matik*. De eso dan cuenta sus colaboraciones en proyectos disímiles, como La voz de la marimba, de la cantante Inés Granja; Animales blancos, de Andrés Gualdrón; Mula y El ombligo, de Santiago Botero; la orquesta de Edson Velandia y Romperayo, y el combo fiestero de Pedro Ojeda. Junto a la flautista Terri Hron integró el dueto de improvisación The RicTer Scale, que dejó documentado el misterioso disco Intimations (2013). También, por esos días frenéticos, el cuarteto tuvo un punto de inflexión con la grabación de Tribu del asfalto (2013). Grabada en vivo el 5 de septiembre del 2012 en el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre de Bogotá, Tribu del asfalto es una declaración de principios estéticos y —no sobra decirlo— políticos, sobre la que afirma con vehemencia el pianista: Acá, en esta desenfrenada ciudad, tratamos de vivir y crear desde nuestra propia lógica, inclusive si vamos en contra de lo que dicta la avalancha mediática. Me gusta la idea de la música más como un rito que como arte, donde intentamos crear un momento que nos envuelve a los presentes y no estamos preocupados por las categorías, aun cuando grabamos este disco en un festival de jazz. Y resultan esclarecedoras las palabras de Gallo cuando nos enfrentamos a un híbrido sonoro difícil de etiquetar. Aquí hay música de cámara, improvisación libre y jazz. Pensada como un bloque sonoro indivisible, sorpresivamente la grabación del concierto también se deja apreciar en sus aspectos más singulares. Más allá de la aséptica coerción del estudio, encontramos liberación, silencios y energía telepática atomizada. Frontera quebradiza, composición que abre la grabación, es una melodía de gaita, muy quebrada, que desemboca en un unísono abstracto en el cual todos los integrantes del cuarteto improvisan abiertamente. Con el concepto listo —devenido en una suerte de estructura rítmica firme que permite el juego de melodías y alusiones encubiertas a las músicas raizales colombianas— el cuarteto se reunió el 6 de septiembre del 2015 en la cálida sala de conciertos Juan Segundo Parra en Bogotá. Durante los tres años que tardó en culminar su más reciente trabajo junto al cuarteto, Ricardo Gallo cristalizó otros tres proyectos. El 2016 marcó un año importante en su carrera musical: estrenó Canciones internas y de otras partes, con Juanita Delgado, participó en el disco 7 Tres compositores colombianos, en el que el Linos Trío interpreta obras suyas, de Damián Ponce y Carolina Noguera, y, por si fuera poco, editó Más allá de las montañas, su primer disco en piano solo, grabado en Canadá en el 2012, que contiene algunas versiones de composiciones incluidas en sus discos anteriores en cuarteto y sexteto, además de vertiginosos homenajes a Violeta Parra, Archie Shepp y Cecil Taylor. Finalmente, en marzo del 2017, coincidiendo con el décimo aniversario de *matik-matik*, Ricardo Gallo aprovechó la coyuntura para, por fin, sacar de la sombra En tránsito, disco que hoy tendremos el gran placer de escuchar completo y sin fisuras. Concebida como una suite —elástica e intuitiva, a la manera de algunas obras de Duke Ellington, Henry Threadgill y Andrew Hill y los episodios eléctricos de Miles Davis en los setenta—, En tránsito inicia con una improvisación de flautas que, si bien tiene una intención indigenista, es una alusión a los experimentos del Art Ensamble of Chicago. La pieza que da título a la obra es meditativa y elástica, mientras que Tetralidad es un juego basado en las polirritmias presentes en buena parte de las músicas latinoamericanas de raíz africana. Por su parte, Obnubilados y Diáspora son piezas casi impresionistas, concebidas desde la idea de que el jazz y la música de cámara se cruzan en un punto equidistante que revela sorpresas de melodía y ritmo. Finalmente, Mikrotráfiko —un título puesto con ironía y humor negro— se desenvuelve en espiral a través de rítmicas extravagantes que hacen alusión al Microcosmos de Bartók. El cuarteto joven más longevo y constante de la historia del jazz en Colombia llega a un punto definitivo en una aventura que comenzó hace más de una década. A pesar de los éxodos personales, las distancias, el hastío y, sobre todo, la indiferencia, los cuatro se han reinventado y han mantenido en vilo un fuego que hoy se hace refulgente. Este quinto disco es un ejemplo valioso de terquedad y constancia. Bibliografía recomendada Varios autores. (2010). Jazz en Bogotá. Instituto Distrital de Patrimonio Cultural - Orquesta Filarmónica de Bogotá. Discografía recomendada Ricardo Gallo Cuarteto. (2005). Los cerros testigos. La Distrotofónica. Ricardo Gallo Cuarteto. (2007). Urdimbres y marañas. La Distritofónica. Ricardo Gallo Cuarteto. (2010). Resistencias. La Distritofónica. Ricardo Gallo Cuarteto. (2013). Tribu de asfalto. La Distritofónica. Ricardo Gallo Cuarteto. (2017). En tránsito. La Distritofónica. Ricardo Gallo. (2016). Más allá de las montañas. Blue Gallo Music. Delgado, J., & Gallo, R. (2016). Canciones internas y de otras partes. Independiente. Flórez, A., & Gallo, R. (2009). Meleyólamente. Festina Lente Discos. Tierra de Nadie. (2010). The Great Fine Line. Clean Feed Records. The RicTer Scale. (2013). Intimations. La Distritofónica. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS 2018 Banco de la República PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia Cód. PULEP: IUP477 MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões Cód. PULEP: INW719 VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. Cód. PULEP: QMS654 CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. Cód. PULEP: VVS998 Foto: Foto: Mat Hennek Gabo&Mafe Fotografía Foto: Carlos Romero Foto: Grzegorz Ryński Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. 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Programa de mano - Väsen, música tradicional sueca (Suecia)

Por: | Fecha: 15/07/2019

Foto: Sarah Thorén VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) Miércoles 4 de julio de 2018 · 6:30 p.m. Riohacha, Biblioteca Banco de la República Cód. PULEP: RGN550 Jueves 5 de julio de 2018 · 6:30 p.m. Valledupar, Auditorio Consuelo Araújo Noguera de la Biblioteca Rafael Carrillo Lúquez Cód. PULEP: QRA784 Domingo 8 de julio de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ZET522 Lunes 9 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Teatro La Vorágine Cód. PULEP: MWH140 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Riohacha, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la Calle 19, entrada al parqueadero del edificio Héctor Salah Zuleta, Cra. 15 #19-78 Piso 2. En Valledupar, el ingreso al Auditorio Consuelo Araújo Noguera para personas con movilidad reducida es por la entrada principal de la Biblioteca Rafael Carrillo Lúquez, en la Calle 15 # 12A-esquina. En Villavicencio, el ingreso al Teatro la Vorágine para personas con movilidad reducida es por la entrada del Complejo Cultural y Deportivo José Eustasio Rivera, en la Carrera 29 con Calle 33 Barrio Porvenir y por el acceso lateral a la sala. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango P Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. 1 Foto: Sarah Thorén VÄSEN Olov Johansson, nyckelharpa Roger Tallroth, guitarra de doce cuerdas Mikael Marin, viola Los tres músicos que conforman Väsen han creado un sonido muy particular: sus interpretaciones evidencian una interacción divertida y a la vez muy habilidosa que da la impresión de desafiar las leyes de la física; transmiten una sensación de viveza con sentido del humor y expresan modernidad enraizada en la tradición. Väsen es un trío acústico sueco que tiene una trayectoria de veintisiete años y que ha logrado darse a conocer alrededor del mundo. Los instrumentos de la agrupación son una viola de cinco cuerdas con sofisticado sonido musical, una aventurera guitarra de doce cuerdas y una nyckelharpa (‘violín con teclas’) estrechamente ligada a la tradición musical sueca. Los orígenes de la agrupación se pueden hallar en los bosques y la tierra fértil de la campiña sueca y en la tradición centenaria de la música folclórica de Uppland. Väsen muestra esta tradición con habilidades musicales perfeccionadas; se puede decir que su sonido da un paso más allá de dicha tradición. Su música demuestra jocosidad, deleite y un gusto por la creación de nuevos y asombrosos arreglos de temas centenarios, así como de piezas originales inspiradas en la tradición. Las influencias del rock, del jazz, de la música tradicional y de la música clásica se entremezclan para producir una música hermosa sin que resulte empalagosa. Cada vez que la agrupación se presenta salen a relucir su inspiración e improvisación, lo que usualmente sorprende al público. En el 2017 lanzaron su más reciente grabación titulada Brewed. 2 OLOV JOHANSSON, nyckelharpa En 1990, Olov Johansson se convirtió en el primer ganador de un concurso mundial de nyckelharpa. Comenzó a tocar este instrumento en 1980 cuando tenía catorce años y, gracias a su destreza, en 1984 recibió el apodo de riksspelman (maestro musical). Olov estudió con los legendarios Curt Tallroth y Erik Sahlström, y hoy en día es reconocido como uno de los nyckelharpistas más sobresalientes de Suecia. En efecto, se ha convertido en la fuente de inspiración de muchos jóvenes músicos que interpretan este instrumento. Este artista da cursos periódicamente en el Instituto Eric Sahlström en Tobo y en el Real Colegio de Música de Estocolmo. Aparte de su asociación con Väsen, Olov también toca en un dúo con la arpista escocesa Catriona McKay, con quien ya ha lanzado dos grabaciones. También ha hecho grabaciones con grupos como el Cuarteto Kronos y la Orquesta Nyckelharpa, y ha trabajado en varios proyectos como solista. En el 2013 recibió la medalla Zorn de oro, el más alto reconocimiento de la música tradicional sueca. ROGER TALLROTH, guitarra de doce cuerdas Por varios años, Roger ha desarrollado su propio estilo de tocar guitarra. A principios de los noventa, se ingenió una manera de afinar y encordar su guitarra de doce cuerdas y desde entonces no ha dejado de explorar nuevas técnicas relacionadas con este instrumento. La meta de su búsqueda continua es encontrar nuevas armonizaciones con diferentes o mejores ritmos para acompañar ciertas melodías y canciones. Roger también es profesor y da charlas frecuentemente. La técnica de afinación conocida como Tallroth-tuning recibe su nombre en honor a Roger. Sería imposible no valorar el impacto que ha tenido sobre nuevos músicos de cuerdas dentro de la tradición musical escandinava/ nórdica. Con una trayectoria como músico internacional de más de 30 años, Roger ha logrado tocar casi todos los géneros musicales existentes con diferentes artistas de todo el mundo. 3 El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de El concierto en Valledupar cuenta con el apoyo de El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de MIKAEL MARIN, viola Mikael es un violista que no se conforma con mantenerse en segundo plano. Se convirtió en violista nacional en 1983 y luego fue seleccionado para tocar en una orquesta mundial dirigida por Leonard Bernstein en 1989. Siente que sus influencias, que van desde Schoenberg hasta los Beatles, son ilimitadas. Cuando no está tocando con Väsen, compone, produce y arregla música para artistas como Mikael Samuelsson, Nordman y el Cuarteto Kronos. Junto con Mats Wester, compuso la música de apertura de los Juegos Mundiales de Policías y Bomberos en Estocolmo en 1999. Mikael Marin aparece en varias grabaciones, incluyendo Nordman, Barfota (con Mikael Samuelsson), Ånon (con Ånon Egeland, lanzado bajo el sello NorthSide) y Flow my Tears (con The Forge Players). 4 PROGRAMA Väsenvalsen MIKAEL MARIN (n. 1965) Sommarpolskan ROGER TALLROTH (n. 1958) Ellis & Andrés Bröllopssvit ROGER TALLROTH Stråkmakarns Polska MIKAEL MARIN Lilla Kulturbidragsvalsen ROGER TALLROTH Mellow D ROGER TALLROTH Hogmarkar’n OLOV JOHANSSON (n. 1966) Bråkstaken MIKAEL MARIN INTERMEDIO Framtidens Marsch MIKAEL MARIN Botanisten Sonias Promenad OLOV JOHANSSON Gudda ROGER TALLROTH Tiomiljonerspolskan Bisonpolska OLOV JOHANSSON Tröstemarsch MIKAEL MARIN Ipa-Gubben OLOV JOHANSSON CONCIERTO No. 28 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Väsen: nuevos rumbos del folk sueco Dentro del variopinto universo musical sueco –reducido habitualmente a dos extremos que se nos revelan algo cómicos: el pop edulcorado de ABBA y el metal más intenso– la música folk sueca es un conjunto de estilos y géneros heterogéneos acumulados a lo largo de los siglos. Es importante aclarar que en Suecia el término folkmusik (música popular) se refiere, generalmente, a la música transmitida oralmente en la vieja sociedad campesina. Así las cosas, y aunque es prácticamente imposible determinar con precisión cuándo comienza, los investigadores se han aventurado a puntualizar, desde una perspectiva histórica básica, que las primeras manifestaciones de música folclórica datan de la Edad Media y consisten en canciones, baladas, cantos de pastoreo (kulning) y músicas de baile, dentro de las que se encuentra la polska, género favorito de los violinistas y quizás la danza más popular desde el siglo XVII hasta nuestros días. Si bien hay consenso en este último aspecto, cada región sueca cuenta con prácticas musicales folclóricas particulares. Presente también en Dinamarca, Finlandia y Noruega, la polska atraviesa de cabo a rabo el devenir de la música popular en Suecia. Sus melodías y estilos se han transmitido filialmente durante varios siglos. Aunque ha mutado con el tiempo, aún se mantienen las raíces, apuntaladas por archivistas que durante el siglo XIX transcribieron buena parte de estas canciones. En la actualidad, los etnomusicólogos dividen la polska en tres estilos presentes a lo largo del territorio sueco: la llamada polska de semicorchea, característica del sur y de la costa oeste del Báltico; la polska de corchea, popular en el distrito folclórico de Dalarna; y la polska triplete, un estilo presente en las regiones montañosas occidentales de las provincias que limitan con Noruega: Värmland, oeste de Dalarna, Jämtland y Härjedalen. Por su parte, las baladas también se extendieron por todo el país. Muchas son de origen medieval con paralelos en otras partes de Escandinavia y las Islas Británicas. Pese a que fueron recopiladas desde el siglo XVII y muy elogiadas por los intelectuales urbanos, en el siglo XVIII prácticamente desaparecieron. No obstante, un género de balada se mantiene vigente desde aquellos días. 6 Se trata del skillingtryck, que aparece en toda Suecia por la influencia luterana alemana. Al respecto, el periodista argentino Jorge Laraia lo define de la siguiente manera: […] era una pieza literaria que recopilaba diversas canciones, y las intercalaba con pequeños fragmentos de prosa que buscaban ambientar la presentación de las canciones. El skillingtryck alcanzó su pico de popularidad en el siglo XIX y su nombre hace referencia a dos de sus características principales: primeramente, que costaba solamente un skilling (chelín) y, además, que en su portada se encontraría un pequeño tryck (dibujo) ilustrando la canción principal de la compilación (Lararia, 2007). Durante la Eda Media y el siglo XIX, la música popular fue difusa y poco documentada, restringiéndose al ámbito de la juerga y la tradición oral. Fue solo hasta 1811, con la formación de la Götiska Förbundet, que la tradición musical de Suecia fue examinada y tratada formalmente como parte esencial del patrimonio cultural del país. Fue así como esta Sociedad Gótica, fundada por un grupo de académicos escandinavos después de la transición sueca a una moderna monarquía constitucional, publicó Canciones suecas de la antigüedad, un innovador cancionero recopilado por Arvid Afzelius. Por primera vez en siglos, la música folclórica instrumental y las baladas –de carácter satírico, humorístico y elegíaco- fueron reconocidas por su calidad poética y narrativa. Fue el punto de partida de la obra de Evert Taube, uno de los más queridos y reconocidos trovadores suecos del siglo XX. Es bien sabido que la popularidad de las baladas de Taube perduró hasta mediados del siglo XX, como también es cierto que el interés por la música folclórica decayó y se concentró en pequeños círculos de músicos aficionados conocidos como spelmänslag, quienes empezaron a practicar un estilo llamado gammeldans que significa música de baile antigua. Estos grupos se encontraban localizados principalmente en Dalarna y, por lo general, se consideraban obsoletos. Entre las décadas de 1970 y 1980, muchos jóvenes músicos, adeptos al folclor, promovieron el renacimiento de una tradición moribunda. Durante ese periodo revitalizador, inspirados en buena medida por el revival del folk norteamericano en los 60, los imberbes entusiastas escarbaron en lo más profundo de sus raíces y crearon una música nueva firmemente arraigada a la tradición pero, también, embebida en el folk inglés, la música clásica, el jazz, el pop y el blues. 7 En este punto equidistante se encuentra el trío instrumental Väsen que, junto a agrupaciones como Herdningarna o Hoven Droven, han expandido su búsqueda raizal a prácticas musicales híbridas que se prestan tanto como para la solemnidad de la sala de concierto como para el desenfado del baile callejero. Hoy, la agrupación conformada hace veintisiente años, nos deleitará con un repertorio compuesto por canciones originales incluidas en Brewed, su más reciente grabación, en la cual han quedado consignados los aires renovadores de viejos sonidos que alguna vez, hace siglos, se escucharon en la provincia histórica de Uppland. Glosario de instrumentos: Si bien cada región del territorio sueco tiene alguna particularidad en la instrumentación, –y existen lugares donde, por ejemplo, la säckpipa (gaita sueca) o la mungiga (arco de boca) han pervivido durante años– el violín y la nyckelharpa han sido los dos instrumentos más populares del folk en el país escandinavo. En las últimas décadas, instrumentos provenientes del jazz, del blues y del folk norteamericano han aparecido en escena, como es el caso de la guitarra de doce cuerdas que utiliza Väsen. Fiddle o violín: es quizás el instrumento más característico de la tradición del folk en Suecia. Probablemente arribó a las frías tierras escandinavas en el siglo XVII por cuenta de músicos franceses contratados para actuar en la corte de la Reina Kristina. A partir de ese momento, adoptado por la población rural, se popularizó hasta que el fundamentalismo religioso del siglo XIX predicó que la música, en sus expresiones más variopintas, pertenecía a un lugar impío y pecaminoso. A pesar de la opresión, la práctica se mantuvo gracias a legendarios violinistas como el sámi1 Lapp-Nils, Lejsme-Per Larsson y Pekkos Per, entre muchos otros que, a propósito, nunca llegaron a ser registrados en grabaciones. Dentro del amplio repertorio tradicional de melodías para violín, se destacan las gånglåt y la polska. En la actualidad pervive el låtfiol, un tipo de violín nativo que se caracteriza por sus dos cuerdas simpáticas que se ejecutan debajo del diapasón. Nyckelharpa: similar a la zanfina y a la vihuela de arco, la nyckelharpa es un instrumento de cuerda frotada, cuyo sonido característico proviene de las cuerdas simpáticas que están debajo de las que se frotan con el arco. Las huellas de la existencia del instrumento se remontan a 1350, como quedó expuesto en el relieve de una iglesia de Källunge en Gotland. Aunque fue una práctica generalizada en los siglos XV y XVI, no fue sino hasta principios 1 Sámi: miembro de un pueblo que habla el idioma Sami y habita en Laponia y áreas adyacentes al norte Noruega, Suecia y Finlandia, o en la Península de Kola en Rusia. 8 del siglo XVII que se popularizó su uso, particularmente en la provincia de Uppland. Aunque a principios del siglo XX cayó en desuso, durante las décadas de los años sesenta y setenta, los jóvenes suecos, en una suerte de frenesí nacionalista, recobraron la práctica del instrumento y revitalizaron viejas músicas rurales. Audiciones recomendadas Väsen. (2017) Brewed. (CD). Suecia. Northside Referencias Laraia, Jorge. (2007). El folklore de Suecia funde tradición con modernidad [Audio entrevista]. Recuperado de http://audio.urcm.net/El-folklore-de- Suecia-funde Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 9 *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAUREANO QUANT, bajo barítono Jesús David Prieto, piano Jueves 12 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla XIMENA PÉREZ MEJÍA , saxofón Diego Claros, piano Cristian Guataquira, cuatro llanero Jueves 26 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 16 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ZVL341. TBA776. FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: María Camila Ramírez Spitia LAUREANO QUANT bajo barítono Boletas: $6.000* Jesús David Prieto, piano Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) Boletas: $10.000
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Laureano Quant, bajo barítono (Colombia), Jesús David Prieto, piano (Colombia)

Por: | Fecha: 15/07/2019

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LAUREANO QUANT bajo barítono (Colombia) JESÚS DAVID PRIETO piano (Colombia) Jueves 5 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo de la Biblioteca Piloto del Caribe Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta – CLENA Cód. PULEP: UVD701 Jueves 12 de julio de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ZVL341 Foto: María Camila Ramírez Spitia TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Barranquilla, el ingreso al Auditorio Mario Santo Domingo para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Auditorio de la Biblioteca Piloto del Caribe, ubicada en Vía 40 No. 36-135 Antigua Aduana, espacio que se encuentra habilitado permanentemente. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Laureano Quant, bajo barítono Ingresó a la carrera de estudios musicales en la Universidad Javeriana en el 2012, en donde estudió composición con Guillermo Gaviria y canto lírico con Carolina Plata. Fue ganador del segundo puesto en la subcategoría juvenil del Premio Nacional de Canto organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el 2016. Ha cantado como solista en importantes auditorios de Bogotá, y actuado en el Réquiem de Fauré, en la Misa Tango de Luis Bacalov con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB) y en la Fantasía coral de Beethoven junto a la Orquesta Sinfónica Javeriana en la gala de Ópera Javeriana. En el 2017 participó en las clases magistrales organizadas por el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo en conjunto con la Royal Opera House de Londres. Laureano fue becado para participar en el 2017 en el programa de verano SongFest de The Colburn School (Los Ángeles, California), en donde trabajó con los pianistas Martin Katz y Graham Johnson, con cantantes y maestros como Sanford Sylvan, Roberta Alexander y William McGraw, y con el compositor John Musto. Actualmente es miembro del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Como compositor ha tomado clases con maestros como Óscar Murcia, Carolina Noguera, Julián Valdivieso, Guillermo Gaviria y Christopher Wendell Jones. Ha grabado algunas de sus obras con diferentes agrupaciones musicales como el Cuarteto Tana (2013), el Cuarteto Q-Arte (2013) y el quinteto de cobres Lituus Brass (2014). Jesús David Prieto, piano Cursó el programa básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional de la misma universidad con Piedad Pérez. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov con la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012, y para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el 2014. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, el dúo alemán Grau Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Fahrt zum Hades, D. 526 (1817) FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (1816) Der Doppelgänger de la colección de canciones Schwanengesang, D. 957 (1828) I canti della sera (1908) L’assiolo canta Alba di luna sul bosco Tristezza crepuscolare L’incontro FRANCESCO SANTOLIQUIDO (1883-1971) Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (1932-1933) Chanson romanesque Chanson épique Chanson à boire MAURICE RAVEL (1875-1937) INTERMEDIO Sombras (2017) Las voces silenciosas Estrellas fijas LAUREANO QUANT (n. 1993) The Vagabond del ciclo de canciones Songs of Travel, IRV 77 (1904) RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) Silent Noon del ciclo de canciones The House of Life, IRV 25 (1903) Let Us Garlands Bring, Op. 18 (1938-1942) Come Away, Come Away, Death Who is Sylvia? Fear o more the Heat o’ the Sun O Mistress Mine It was a Lover and his Lass GERALD FINZI (1901-1956) CONCIERTO No. 29 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Hacia el final del siglo xviii ciertos hechos definieron una nueva mentalidad romántica que reconstruyó la función estética y social del lied1. Dentro de estos eventos sobresalen: el surgimiento de una clase social media, una burguesía que podía ‘comprar’ su derecho a una educación superior, el desarrollo de las artes liberales a nivel universitario en Europa, el auge renovado por la literatura de escritores como Goethe, Heine y Schiller, quienes desarrollaron una nueva identidad cultural alejada de la anquilosada aristocracia y la producción en serie tanto de instrumentos como de música impresa que permitió llevar todo tipo de ‘escenas musicales’ a las salas de la clase media. En el programa de hoy, Laureano Quant hace un recuento de la renovación germinal del lied sobre el siglo xix, momento en el que el género fue adoptado por diversos compositores. De la misma manera el lied, a lo largo del siglo xx, fue acomodado a los vestigios funcionales de un lenguaje tonal que todavía reclamaba una fuerza expresiva, pero que se ha mantenido vigente hasta nuestros días. La obra de Franz Schubert (1797-1828) desde el lied representa claramente el proceso de renovación estética de inicio del siglo xix. Junto a Robert Schumann y Hugo Wolf, el legado de Schubert definió un nuevo paradigma para este género que progresivamente ganaba más aceptación por la sociedad europea y particularmente por la élite artística vienesa. En la obra vocal de Schubert cada texto cobra vida a través de una atmósfera sonora donde el piano y la voz recrean con delicada minuciosidad todos los detalles e intenciones del poeta. La relación entre el texto y la música en los lieder de Schubert generan una sinergia profunda y cada decisión musical ayuda a descubrir con mayor intensidad la vida que reverbera dentro de cada poema. Para este programa, Laureano Quant seleccionó tres obras de Schubert; de manera muy apropiada ha tomado un punto de partida desde el cual se desprenden diversas exploraciones a temáticas que serán fundamentales para este recital: el amor, la noche y la fatalidad del destino humano; tres conceptos que con infinidad de matices logran tejer una filigrana emocional intensa y cambiante. Fahrt zum Hades, D. 526 (Viaje al inframundo) fue compuesta en enero del 1817, pero se publicó póstumamente en 1832. Sobre un texto de Johann Maryhofer, Schubert despliega un aria con dramatismo y solemnidad característicos, marcando las analogías entre morir y ser olvidado. En esta obra se presentan de manera casi subliminal dos elementos de la fatalidad humana: por un lado, el acompañamiento del piano presenta el tradicional ‘bajo lamento’, cuya línea descendente por grados 1 Lied: canción en lengua vernácula alemana. 4 conjuntos se asocia con la presencia de la muerte y por otro, el piano mantiene una figura rítmica en tresillos donde resuena con lentitud apesadumbrada la fatalidad que el mismo ritmo caracterizaría en su famoso lied, Erlkönig. Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (Letanía para la festividad de todas las almas) es una obra devocional compuesta en agosto de 1816 e impregnada por una profundidad emocional que se debate entre la fluidez melódica de la voz y la uniformidad del acompañamiento en el piano. Como es común en las letanías, los versos se reiteran con cada estrofa a manera de procesión y cada repetición se sumerge visceralmente con mayor intensidad expresiva. Al parecer, esta obra contenía una afiliación muy íntima para Schubert, quien señalaba en las entradas de su diario de junio del mismo año, dos meses antes de haber finalizado la composición de esta obra, sus recuerdos de su madre recientemente fallecida. Der Doppelgänger (El doble) fue compuesta sobre un texto de Heinrich Heine en 1828, año de la muerte de Schubert. La obra está escrita a manera de una passacaglia, sobre un bajo reiterativo con un apesadumbrado carácter fúnebre. Desde su inicio, la obra representa la gélida inmovilidad de una casa abandonada por el amor, donde solo habita el fantasmagórico reflejo del poeta quien en la soledad sufre las penas de su abandono. Francesco Santoliquido (1883-1971) fue un compositor italiano graduado del Liceo de Santa Cecilia en Roma en 1908. A partir de entonces se mantuvo activo como compositor y maestro de música entre Roma y Túnez, al tiempo que también se dedicó a la composición y publicación de pequeños poemas e historias tanto en italiano como en inglés. Su lenguaje musical puede considerarse neorromántico y es clara la influencia de Wagner y Debussy en su obra. Sin embargo, a medida que Santoliquido permanecía más tiempo en Túnez, sus obras empezaron a incorporar algunas influencias del lenguaje local con marcado exotismo y orientalismo. Si bien sus obras se interpretaban con cierta regularidad, con la publicación de sus escritos fascistas a finales de los años treinta su popularidad y aceptación disminuyeron, cayendo en una prolongada negación tanto por parte de las audiencias como de la academia. I canti della sera (Los cantos del atardecer) corresponden a un ciclo de cuatro canciones que fueron escritas -tanto el texto como la música- por Santoliquido; el ciclo fue compuesto en 1908 y se publicó en 1912 en Milán. En esta obra el compositor evoca escenas crepusculares donde el amor y la naturaleza cobran forma a la luz de diversas imágenes. El lenguaje melódico de Maurice Ravel (1875-1937) se caracteriza tanto por su fluidez como por su equilibrio y claridad. Igualmente, cada una de sus indicaciones demandan atención escrupulosa del intérprete en la medida en que cada composición ha sido cuidadosamente calculada: en su creatividad y meticulosidad resonaba la influencia de su padre, un reconocido ingeniero e inventor francosuizo. En su vida diaria, Ravel se caracterizó por su pulcritud y refinamiento, cualidades que también 5 se proyectaron sobre sus composiciones y que deben ser atendidas constantemente por los intérpretes. Asimismo, su obra presenta una riqueza melódica inagotable que fue alimentada por una constante búsqueda de innovación y una fascinación por diversas tradiciones musicales y su exotismo. Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (Don Quijote a Dulcinea) es un ciclo de tres miniaturas vocales que constituyen la última obra vocal compuesta por Ravel. Este ciclo fue inicialmente compuesto para una película sobre El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, donde el famoso bajo ruso Feodor Chaliapin sería el protagonista. Para este proyecto, cinco compositores más habían sido convocados y por problemas logísticos la obra de Ravel no fue incluida en la película. Posteriormente, en 1934 el barítono francés Martial Singher estrenó la obra en París en su versión para voz y orquesta bajo la dirección de Paul Paray. A lo largo del ciclo, sobre los textos del poeta Paul Morand, Ravel proporciona diferentes facetas de don Quijote, acompañado de alusiones a tres ritmos de danzas típicamente españolas: la guajira, caracterizada por el intercambio entre la subdivisión binaria y ternaria del pulso; la zorzica, proveniente de la región vasca escrita en ritmo quíntuple; y la tradicional jota, reconocible por su carácter vibrante y ritmo ternario. En Chanson romanesque se presenta al noble Quijote como un personaje culto e intelectual, con los más altruistas ideales y un amor irrefrenable por Dulcinea. Por su parte, en Chanson épique don Quijote rinde sus armas en el altar, en plegarias a San Miguel y San Jorge. Finalmente, Chanson à boire es una pieza de taberna, donde el héroe cae bajo los efectos del alcohol y con cierta elegancia sus ruidosas carcajadas resuenan hasta en el acompañamiento del piano. La segunda parte del programa abre con obras de Laureano Quant (n. 1993), quien se ha caracterizado a través de su trayectoria académica por abordar sus intereses como compositor y como intérprete con igual disciplina y dedicación. Habiendo finalizado sus estudios como compositor, Quant encontró en la convocatoria para este ciclo de los Jóvenes Intérpretes la posibilidad de proponer una exploración desde la composición que respondiera a las necesidades temáticas que el programa iba exigiendo. De esta manera, Quant buscó para sus obras a interpretar el día de hoy un poeta colombiano que mediante la irregularidad rítmica permitiera mayor flexibilidad en la línea musical, sin las limitaciones de una métrica predecible. Después de examinar varias obras y autores, el compositor encontró en la obra de José Asunción Silva una amplia gama de recursos expresivos, donde resonaban con facilidad los conceptos que se iban articulando a lo largo del repertorio hoy expuesto: el amor, la noche y la fatalidad del destino humano. A partir del poema Voces silenciosas, Quant definió una sonoridad intensamente cromática que si bien reverberaría entorno a la nota si bemol (la cual se encuentra constantemente presente como un pedal), no generaría relaciones armónicamente funcionales. A medida que la obra avanza, el cromatismo se diluye en sonoridades 6 aparentemente diatónicas y el texto brilla con marcada claridad programática para recaer prontamente en el denso cromatismo inicial. Para Estrellas fijas, Quant buscó una técnica completamente diferente que evocaría hacia el final de la obra el estatismo nefasto que inspirarían los ojos del ser amado que permanecen inmóviles, sobreviviendo aún a la descomposición. En esta obra, a medida que el texto describe la crudeza de la naturaleza del amor en descomposición, el piano sintetiza todos los elementos de construcción musical y su función trasciende el simple acompañamiento para envolver el registro del cantante. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) es uno de los compositores británicos más reconocidos del siglo xx junto a Benjamin Britten y Edward Elgar. Habiendo recibido una formación musical cosmopolita, que incluyó a maestros tan importantes como Max Bruch (en Berlín en 1897) y Maurice Ravel (en París en 1908), Vaughan Williams Bruch logró consolidar un lenguaje musical que, al ser intensificado por su investigación del legado musical británico, rápidamente se convirtió en paradigma estético de su generación. En su obra se integran con creativa naturalidad elementos de la canción tradicional inglesa con las posturas de la vanguardia musical europea del siglo xx. El programa de hoy reúne dos selecciones de ciclos diferentes que fueron publicados entre 1903 y 1904. The Vagabond (El vagabundo) es la primera obra que abre el ciclo Songs of Travel, IRV 77 (Canciones de viaje), que fue compuesto sobre los textos de Robert Louis Stevenson y fue estrenado en Londres en 1904. A pesar de ser un ciclo, al momento de su publicación el editor prefirió romperlo en dos volúmenes para que salieran al mercado en momentos distintos (1905 y 1907) y adicionalmente, de manera póstuma, se insertó una última canción al ciclo. The Vagabond es posiblemente la canción más conocida del ciclo y presenta al personaje central en una faceta abierta y descomplicada. Además, a medida que el piano presenta en el registro bajo una marcha constante, el solista impregna la obra con el optimismo triunfal de un viajero que parte sin otro objetivo que deambular por el mundo. Silent Noon (Melodía silenciosa) fue compuesta en 1903 pero en 1904 fue incluida en un ciclo que reunía las canciones sobre sonetos de Dante Rossetti bajo el título The House of Life (La casa de la vida). Silent Noon se caracteriza por una sensualidad exuberante donde las figuras sincopadas del piano se entremezclan con un constante y tranquilo movimiento que sostiene a la voz, mientras abre su registro con amplitud y libertad. En la sección central de la obra, los arpegios del piano parecen suspender el tiempo para envolver con sus registros al cantante en una atmosfera de ensueño y así, lentamente, volver al material inicial antes de cerrar el movimiento. El programa cierra con Let Us Garlands Bring, Op. 18, colección compuesta por el británico Gerald Finzi (1901-1956) a partir de textos William Shakespeare. Finzi fue un compositor meticuloso y atento a la conservación de la tradición musical inglesa y sus obras fueron sometidas a constantes periodos de revisión y 7 reorganización antes de ser publicadas. Habiendo compuesto poco más de un centenar de obras, su catálogo muestra una fuerte inclinación hacia las obras para voz con acompañamiento de piano. Si bien sus canciones fueron publicadas en grupos, no necesariamente fueron concebidas como un ciclo al no estar conectadas por una línea dramática; sin embargo, Finzi organizaba cada grupo para generar una conexión interna de acuerdo a la temática de cada texto. Let Us Garlands Bring reúne cinco obras compuestas entre 1938 y 1942 y fue estrenada el 12 de octubre de 1942 para conmemorar el cumpleaños setenta de Ralph Vaughan Williams. Finzi dedicó la colección a Vaughan Williams a manera de regalo de cumpleaños. Come Away, Come Away, Death (Ven, ven, muerte) inicia con una apesadumbrada marcha fúnebre en el piano a partir de la cual tratan de escapar los motivos ascendentes de la voz. La obra está organizada en dos secciones siguiendo la estructura del texto y generando un arco expresivo que cierra con la aparición del lamento fúnebre que había iniciado el ciclo. De manera contrastante, Who is Sylvia? (¿Quién es Silvia?) es la alegre celebración de un nuevo amor. El piano en esta obra propone células de ritmos brillantes sobre las cuales la voz presenta tres estrofas organizadas también a manera de arco y que están separadas por breves interludios instrumentales. Fear no more the Heat o’ Sun (No temas más al ardor del sol) recupera la melancolía mortuoria que abrió la colección, ahora envuelta en un halo religioso y solemne, donde el piano y la voz desbordan el escenario casi de manera fantasmagórica. La obra también insinúa una forma cíclica en la que el material inicial reaparece al final haciendo una última despedida. O Mistress Mine (¡Oh señora mía!) fue la última canción de la colección en ser compuesta. Finzi describió esta obra como una «placentera y ligera adaptación de un trovador» (Kimball, 390). Caracterizada por su espíritu jovial, el compositor continúa en esta obra las alegorías sobre un amor renovado. Esta temática permite cerrar la colección de Finzi con It was a Lover and his Lass (Era una muchacha con su enamorado), donde el compositor celebra la espontaneidad del amor mediante diversos patrones rítmicos entre el piano y la voz, enriquecidos por efectos sonoros que hacen alusión a componentes del texto dentro de una atmósfera casi pastoril. Bibliografía Kimball, C. (2006). Song: A Guide to Art Song Style and Literature. Milwaukee, WI, EE.UU.: Hall Leonard. Jaime Ramírez ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En el 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde el 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en el 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez mantiene una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 8 FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fahrt zum Hades, D. 526 (1817) (Viaje al inframundo, D. 526) Texto: Johann Maryhofer Der Nachen dröhnt, Cypressen flüstern - Horch, Geister reden schaurig drein; Bald werd’ ich am Gestad’, dem düstern, Weit von der schönen Erde sein. Da leuchten Sonne nicht, noch Sterne, Da tönt kein Lied, da ist kein Freund. Empfang die letzte Thräne, O Ferne! Die dieses müde Auge weint. Schon schau’ ich die Danaiden, Den fluchbeladnen Tantalus; Es murmelt todesschwangern Frieden, Vergessenheit, dein alter Fluß. Vergessen nenn’ ich zwiefach Sterben, Was ich mit höchster Kraft gewann, Verlieren –wieder es erwerben– Wann enden diese Qualen? wann? Der Nachen dröhnt, Cypressen flüstern Horch, Geister reden schaurig drein; Bald werd’ ich am Gestad’, dem düstern, Weit von der schönen Erde sein. La barca vibra, los cipreses susurran ¡Escucha! Los espíritus hablan sombríamente; pronto estaré en la orilla tenebrosa, lejos de donde está la hermosa tierra. Allá no brillan el sol o las estrellas, no suena una canción, no hay un amigo. Recibe las últimas lágrimas, ¡Oh distancia! que brotan de estos ojos cansados. Pronto avisaré las Danaides, al maldito Tántalo; murmura paz mortífera y olvido tu antiguo río. Pienso que el olvido es doble muerte, lo que gané con toda mi fuerza, perder –y de nuevo conquistar– ¿Cuándo terminará este dolor? ¿Cuándo? La barca vibra, los cipreses susurran ¡Escucha! Los espíritus hablan sombríamente; pronto estaré en la orilla tenebrosa, lejos de donde está la hermosa tierra. Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (1816) (Letanía para la fiesta de todas las almas) Texto: Johann Georg Jacobi (1740-1814) Ruhn in Frieden alle Seelen, Die vollbracht ein banges Quälen, Die vollendet süßen Traum, Lebenssatt, geboren kaum, Aus der Welt hinüber schieden; Alle Seelen ruhn in Frieden! Und die nie der Sonne lachten, Unterm Mond auf Dornen wachten, Gott, im reinen Himmelslicht, Einst zu sehn von Angesicht: Alle, die von hinnen schieden, Alle Seelen ruhn in Frieden! Descansen en paz todas las almas, las que culminaron un inquieto tormento, las que cumplieron dulces sueños, saciadas, apenas nacidas, de la vida, y del mundo separadas; ¡Todas las alamas descansen en paz! Y las que nunca rieron al sol, velando entre espinas bajo la luna, a Dios, en la pura luz celestial, esperando una vez contemplar: todas las que de aquí partieron, ¡Todas las almas descansen en paz! 9 Der Doppelgänger de la colección de canciones Schwanengesang, D. 957 (1828) (El doble de la colección de canciones Canto del cisne, D. 957) (1828) Texto: Heinrich Heine (1797-1856) Still ist die Nacht, es ruhen die Gassen, In diesem Hause wohnte mein Schatz; Sie hat schon längst die Stadt verlassen, Doch steht noch das Haus auf demselben Platz. Da steht auch ein Mensch und starrt in die Höhe Und ringt die Hände vor Schmerzensgewalt; Mir graust es, wenn ich sein Antlitz sehe - Der Mond zeigt mir meine eigne Gestalt. Du Doppelgänger, du bleicher Geselle! Was äffst du nach mein Liebesleid, Das mich gequält auf dieser Stelle So manche Nacht, in alter Zeit? La noche es silenciosa, reposan las calles, en esta casa vivía mi amor; ella dejó hace tiempo la ciudad, pero la casa continúa en su mismo lugar. También hay allí un hombre que alza la mirada y retuerce las manos, angustiado; me horrorizo al ver su rostro: la luna me muestra mi propia faz. Tú, mi doble, tú, pálido camarada, ¿Por qué remedas las penas de amor que en este sitio padecí tantas noches, en otro tiempo? FRANCESCO SANTOLIQUIDO (1883-1971) I canti della sera (1908) (Los cantos del atardecer) Texto: Francesco Santoliquido L’assiolo canta Vieni! Sul bosco splende serena la notte dell’estate e l’assiolo canta. Vieni, ti voglio dir quel che non dissi mai. E sul sentiero fioriscono le stelle, magici fiori. Inoltriamoci insieme e là nel folto ti dirò perchè piansi una triste sera che tu non c’eri. Inoltriamoci insieme. Un mistero c’invita, Odi: l’assiolo canta. Canta el búho ¡Ven! Sobre el bosque, serena resplandece la noche de verano y canta el búho. Ven, decirte quiero eso que no se dice. Sobre el sendero florecen las estrellas, mágicas flores. Adelantémonos juntos y ahí entre las ramas te diré por qué lloré una triste noche en que no estabas. Entremos juntos. Nos invita un misterio, escucha: canta el búho. Alba di luna sul bosco Guarda, la luna nasce tutta rossa come una fiamma congelata nel cielo, Lo stagno la riflette e l’acqua mossa dal vento par rabbrividire al gelo. Aurora de luna en el bosque Mira, la luna nace toda roja como una llama congelada en el cielo, el estanque la refleja y al agua mecida por el viento parece estremecerla el hielo. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 10 Che pace inmensa! il bosco addormentato, si riflette nello stagno. Quanto silenzio intorno! Dimmi: È un tramonto o un’alba per l’amor? ¡Qué paz inmensa! el bosque adormecido, se refleja en el estanque. ¡Cuánto silencio alrededor! Dime: ¿es un atardecer o un alba para el amor? Tristezza crepuscolare È la sera. Dalla terra bagnata sale l’odore delle foglie morte. È l’ora delle campane, è l’ora in cui respiro il vano profumo d’un amore passato. E sogno e piango. È la sera. È la sera, una sera piena di campane, una sera piena di profumi, una sera piena di ricordi e di tristezze morte. Piangete, piangete campane della sera, empite tutto il cielo di malinconia. Ah! piangete ancor! Questa è l’ora dei ricordi, è l’ora in cui l’antica fiamma s’accende nel core disperatamente e lo bruccia! Campane, odore di foglie morte, tristezze dissepolte. Tristeza crepuscular Llega la noche. De la tierra mojada viene aroma de hojas muertas. Es la hora de las campanas, es la hora en que respiro el vano perfume de un amor pasado. Y sueño y lloro. Llega la noche. Es la tarde, una tarde llena de campanas, una tarde llena de perfumes, una tarde llena de recuerdos y de tristezas muertas. Llorad, llorad, campanas de la tarde llenad el cielo todo de melancolía. ¡Ay! ¡Llorad un poco más! Esta es la hora del recuerdo, es la hora en que en el corazón la antigua llama arde desesperadamente ¡Y lo quema! Campanas, aroma de hojas muertas, tristezas desenterradas. L’incontro Non mi ricordo più quando noi c’incontrammo la prima volta ma fu certo una lontana sera tutta soffusa di pallide tristezze lungo un benigno mar! A noi giungevano di lontano suoni di campane e di greggi ed una pace strana ci veniva dal mare. Questo rammento! Cosa dicemmo quel giorno, Lo rammentate? El encuentro ¡No recuerdo cuando nos encontramos por primera vez, pero seguro fue una tarde lejana toda impregnada de pálidas tristezas junto a un benigno mar! De lejos nos llegaban los sonidos de campanas y rebaños con una paz extraña que procedía del mar. ¡Eso recuerdo! ¿Qué dijimos aquel día, lo recuerdas? 11 Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. Io non ricordo più. Ma che importa? Oggi mi fiorisce in cuore la dolcezza appassita di quell’ora lontana. E m’è dolce stringere nella mia la vostra mano bianca e parlarvi d’amor, anch’oggi vengono di lontano suoni di campane e di greggi e anch’oggi il mar come allora ci sorride lontano. Ma oggi forse m’amate un poco, non sorridete più. Ah! La vostra mano trema. Se oggi le belle labbra voi mi darete non scorderemo più questa dolce ora d’amor! Yo no recuerdo nada. Pero ¿qué importa? Hoy florece en mi corazón la dulzura marchita de aquella hora lejana. Y me es dulce sujetar entre la mía tu blanca mano y hablarte de amor, hoy también llegan de lejos los sonidos de campanas y de rebaños y también el mar, hoy como entonces, nos sonríe lejano. Pero hoy quizás me amas un poco, no sonrías más. ¡Ah! Tu mano tiembla. Si me das hoy tus bellos labios no olvidaremos nunca esta dulce hora de amor. MAURICE RAVEL (1875-1937) Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (1932-1933) (Don Quijote a Dilcinea. M. 84) Textos: Paul Morand (1888-1976) Chanson romanesque Si vous me disiez que la Terre A tant tourner vous offensa, Je lui dépêcherais Pança: Vous la verriez fixe et se taire. Si vous me disiez que l’ennui Vous vient du ciel trop fleuri d’astres, Déchirant les divins cadastres, Je faucherais d’un coup la nuit. Si vous me disiez que l’espace Ainsi vidé ne vous plaît point, Chevalier Dieu, la lance au poing, J’étoilerais le vent qui passe. Mais si vous disiez que mon sang Est plus à moi qu’à vous ma Dame, Je blêmirais dessous le blâme Et je mourrais vous bénissant. Ô Dulcinée! Canción novelesca Si me dijerais que la tierra con su mucho girar a vos ofende, yo haría que Panza se encargara de dejárosla fija y en silencio. Si vos dijerais que os hastía ver el cielo de astros tachonado, desgarrando los espacios celestes de un golpe la noche acabaría. Si vos dijerais que el espacio por estar tan vacío no os place, andante caballero, lanza en ristre, de estrellas el viento llenaría. Mas si vos dijerais que mi sangre es más mía que vuestra, bella dama, yo palidecería ante el reproche y moriría, siempre bendiciéndoos. ¡Oh Dulcinea! 12 Chanson épique Bon Saint Michel qui me donnez loisir De voir ma Dame et de l’entendre, Bon Saint Michel qui me daignez choisir Pour lui complaire et la défendre, Bon Saint Michel veuillez descendre Avec Saint Georges sur l’autel de la Madone au bleu mantel. D’un rayon du ciel bénissez ma lame Et son égale en pureté Et son égale en piété Comme en pudeur et chasteté: Ma Dame. Ô grands Saint Georges et Saint Michel, L’ange qui veille sur ma veille, Ma douce Dame si pareille A Vous, Madone au bleu mantel! Amen. Canción épica Buen San Miguel que me otorgas licencia para ver a mi dama y escucharla, buen San Miguel que me elegiste como su acompañante y su defensa, buen San Miguel bajad, si os place, junto a San Jorge, hasta el altar de la Madona del celeste manto. Con un rayo del cielo bendecid mi espada y a aquella que la iguala en pureza, aquella que es al par piadosa igual de pudorosa y casta: Mi Señora. Oh nobles San Jorge y San Miguel, el ángel que protege mis vigilias, mi dulce dama que tanto se parece a vos, Madona del celeste manto. Amén. Chanson à boire Foin du bâtard, illustre Dame, Qui pour me perdre à vos doux yeux Dit que l’amour et le vin vieux Mettent en deuil mon coeur, mon âme! Je bois à la joie! La joie est le seul but Où je vais droit... Lorsque j’ai bu! A la joie, à la joie! Je bois à la joie! Foin du jaloux, brune maîtresse, Qui geint, qui pleure et fait serment D’être toujours ce pâle amant Qui met de l’eau dans son ivresse! Je bois à la joie! La joie est le seul but Où je vais droit... Lorsque j’ai bu! A la joie, à la joie! Je bois à la joie! Canción para beber Mal haya aquel bastardo, ilustre dama, que por hacerme menos a vuestros ojos dice que amor y el vino añejo entristecen mi corazón, ¡oh alma mía! ¡Yo bebo alegremente! La alegría es la única meta a la que voy derecho... Cuando he bebido. ¡Alegría! ¡Alegría! ¡Bebo alegremente! Mal haya el que por celos ¡oh señora! Gime, solloza y asegura ser siempre un amante pálido que diluye con agua sus bebidas. ¡Yo bebo alegremente! La alegría es la única meta a la que voy derecho... Cuando he bebido. ¡Alegría! ¡Alegría! ¡Bebo alegremente! 13 Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. LAUREANO QUANT (n. 1993) Sombras (2017) Textos: José Asunción Silva (1865-1896) Las voces silenciosas ¡Oh voces silenciosas de los muertos! Cuando la hora muda y vestida de fúnebres crespones, desfilar haga ante mis turbios ojos sus fantasmas inciertos, sus pálidas visiones... ¡Oh voces silenciosas de los muertos! En la hora que aterra no me llaméis hacia el pasado oscuro, donde el camino de la vida cruza los valles de la tierra. ¡Oh voces silenciosas de los muertos! Llamadme hacia la altura donde el camino de los astros corta la gélida negrura; hacia la playa donde el alma arriba, llamadme entonces, voces silenciosas, ¡hacia arriba!... ¡hacia arriba!... Estrellas fijas Cuando ya de la vida el alma tenga, con el cuerpo, rota, y duerma en el sepulcro esa noche, más larga que las otras, mis ojos, que en recuerdo del infinito eterno de las cosas, guardaron sólo, como de un ensueño, la tibia luz de tus miradas hondas, al ir descomponiéndose entre la oscura fosa, verán, en lo ignorado de la muerte, tus ojos, ... destacándose en las sombras. 14 RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) The Vagabond del ciclo de canciones Songs of Travel, IRV 77 (1904) (El vagabundo del ciclo de canciones Canciones de viaje, IRV 77) Texto: Robert Louis Stevenson (1850-1894) Give to me the life I love, Let the lave go by me, Give the jolly heaven above, And the byway nigh me. Bed in the bush with stars to see, Bread I dip in the river – There’s the life for a man like me, There’s the life for ever. Let the blow fall soon or late, Let what will be o’er me; Give the face of earth around, And the road before me. Wealth I seek not, hope nor love, Nor a friend to know me; All I seek, the heaven above, And the road below me. Or let autumn fall on me Where afield I linger, Silencing the bird on tree, Biting the blue finger. White as meal the frosty field Warm the fireside haven Not to autumn will I yield, Not to winter even! Let the blow fall soon or late, Let what will be o’er me; Give the face of earth around, And the road before me. Wealth I ask not, hope nor love, Nor a friend to know me; All I ask, the heaven above, And the road below me. Dadme la vida que quiero, dejad que pase el aluvión, dadme el alegre cielo sobre mí y que el camino me conduzca. Lecho en el bosque contemplando los astros, pan remojado en el arroyo – esa es la vida para un hombre como yo, esa es la vida para siempre. Que caiga pronto o tarde el golpe, que pase lo que haya de pasar; dadme el rostro de la tierra alrededor y el camino ante mí. No pido riqueza, esperanza o amor, ni un amigo que me conozca; sólo deseo el cielo sobre mí y el camino bajo mis pies. Oh dejad que llegue el otoño cuando yo esté en el campo, callando al pájaro en la rama, mordiendo los dedos ateridos. Blanco como harina el campo helado tibio refugio junto a la hoguera ¡No me le rendiré al otoño, ni al mismo invierno! Que caiga pronto o tarde el golpe, que pase lo que haya de pasar, dadme el rostro de la tierra alrededor, y el camino ante mí. No pido riqueza, esperanza o amor ni un amigo que me conozca; solo deseo el cielo sobre mí y el camino bajo mis pies. 15 Silent Noon del ciclo de canciones The House of Life, IRV 25 (1903) (Mediodía silenciosa del ciclo de canciones La casa de la vida, IRV 25) Texto: Dante Rossetti (1828-1882) Your hands lie open in the long fresh grass, The finger-points look through like rosy blooms, Your eyes smile peace. The pasture gleams and glooms ‘Neath billowing clouds that scatter and amass. All round our nest, far as the eye can pass, Are golden kingcup fields with silver edge Where the cow-parsley skirts the hawthorn hedge. Tis visible silence, still as the hour glass. Deep in the sunsearched growths the dragon-fly Hangs like a blue thread loosened from the sky: So this winged hour is dropt to us from above. Oh! clasp we to our hearts, for deathless dower, This close-companioned inarticulate hour When twofold silence was the song of love. Tus manos descansan abiertas en la larga hierba, tus dedos se entrevén como botones de rosa, tus ojos sonríen paz. El prado brilla y se opaca bajo nubes que se agrupan y dispersan. Alrededor de nuestro nido, tan lejos como alcanza la vista, hay dorados campos de caléndulas con visos de plata donde los perifollos verdes rozan el seto de espino. Es silencio visible, como un reloj de arena. En lo profundo de los brotes soleados surgen libélulas suspendidas como hilos azules caídos del cielo: así nos llega esta hora alada de lo alto. ¡Oh! Atemos a nuestros corazones, como eterno tesoro, esta hora de callada cercanía cuando dos silencios eran una canción de amor. GERALD FINZI (1901-1956) Let Us Garlands Bring, Op. 18 (1942) Textos: William Shakespeare (c. 1564-1616) Come Away, Come Away, Death Come away, come away, death, And in sad cypress let me be laid; Fly away, fly away, breath; I am slain by a fair cruel maid. My shroud of white, stuck all with yew, O prepare it! My part of death, no one so true Did share it. Not a flower, not a flower sweet, On my black coffin let there be strown; Not a friend, not a friend greet My poor corpse, where my bones shall be thrown. A thousand, thousand sighs to save, Lay me, O where Sad true lover never find my grave, To weep there! Ven, ven, muerte Ven, ven, muerte y que me entierren junto a un triste ciprés; vete, vete, aliento; una cruel doncella me mató. ¡Un sudario blanco, ataúd de tejo, preparad! Mi cuota de muerte, nadie tan fiel la recibió. Ni una flor, ni una dulce flor, debe arrojarse sobre mi ataúd; ni un amigo, ni un saludo amigo, para mi pobre cuerpo, cuando arrojen mis huesos. Ahorraros miles de suspiros, dejadme allí, ¡Oh! donde nunca un amante más fiel llegue a mi tumba para allí llorar. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 16 Who is Sylvia? Who is Silvia? what is she? That all our Swains commend her? Holy, faire, and wise is she. The heavens such grace did lend her, That she might admired be. Is she kinde as she is faire? For beauty lives with kindness; Love doth to her eyes repair, To help him of his blindness: And being help’d, inhabits there. Then to Silvia, let us sing, That Silvia is excelling; She excels each mortal thing Upon the dull earth dwelling. To her let us Garlands bring. ¿Quién es Silvia? ¿Quién es Silvia? ¿Qué es ella para que todos nuestros galanes la alaben? Santa, bella y sabia es. Los cielos le dieron tanta gracia que admirada ha de ser. ¿Es tan gentil como bella? Porque conviven belleza y cortesía; cupido acude a sus ojos por ayuda para su ceguera: y al recibirla, permanece allí. Entonces, cantemos a Silvia, porque Silvia prevalece; está sobre toda cosa mortal que habita la tediosa tierra. Traigamos guirnaldas para ella. Fear no more the Heat O’ the Sun Fear no more the heat o’ the sun, Nor the furious winter’s rages; Thou thy worldly task hast done, Home art gone, and ta’en thy wages: Golden lads and girls all must, As chimney-sweepers, come to dust. Fear no more the frown o’ the great; Thou art past the tyrant’s stroke; Care no more to clothe and eat; To thee the reed is as the oak: The sceptre, learning, physic, must All follow this, and come to dust. Fear no more the lightning flash, Nor the all-dreaded thunder-stone; Fear not slander, censure rash; Thou hast finish’d joy and moan: All lovers young, all lovers must Consign to thee, and come to dust. No exorciser harm thee! Nor no witchcraft charm thee! Ghost unlaid forbear thee! Nothing ill come near thee! Quiet consummation have; And renowned be thy grave! No temas más al ardor del sol No temas más al ardor del sol, ni a la furiosa ira del invierno; hiciste ya en el mundo tu tarea, vuelve a casa llevando tu salario: nobles jovencitos polvo serán como cualquier deshollinador. No temas más el desdeño de los grandes; estás más allá del alcance del tirano; no te preocupes por ropa ni comida, para ti da lo mismo caña o roble: cetros, saberes y fármacos irán por esa vía, y polvo serán. No temas más a los relámpagos ni los temibles golpes de los truenos; ni las calumnias, censuras o regaños, terminaron las dichas y las quejas: jóvenes amantes por fuerza deberán aceptarlo como tú, y polvo serán. ¡Los exorcistas no te herirán, ni la hechicería te vencerá! ¡Los fantasmas sueltos te evitarán, nada malo a ti se acercará! Ten tranquila culminación; ¡Honrada sea tu tumba! 17 O Mistress Mine O mistress mine, where are you roaming? O stay and hear, your true love’s coming That can sing both high and low. Trip no further, pretty sweeting; Journeys end in lovers’ meeting, Ev’ry wise man’s son doth know. What is love? ‘Tis not hereafter; Present mirth hath present laughter; What’s to come is still unsure. In delay there lies no plenty; Then come kiss me, sweet and twenty; Youth’s a stuff will not endure. ¡Oh señora mía! Oh señora mía ¿por dónde andas? Detente y escucha llegar a tu amante, que alto y bajo puede cantar. No busques más, dulzura bella, toda ruta termina en amoroso encuentro, lo sabe cualquier hijo de vecino. ¿Qué es el amor? No es el futuro dichas actuales brindan risas hoy; lo que vendrá aún es incierto. Aplazar no trae abundancia; entonces bésame una y mil veces; la juventud no es cosa duradera. It Was a Lover and His Lass It was a lover and his lass, With a hey, and a ho, and a hey nonino That o’er the green corn-field did pass. In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. Between the acres of the rye, With a hey, and a ho, and a hey nonino, These pretty country folks would lie, In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. This carol they began that hour, With a hey, and a ho, and a hey nonino, How that a life was but a flower In the spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. And therefore take the present time With a hey, and a ho, and a hey nonino, For love is crowned with the prime In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. Era una muchacha con su enamorado Era una muchacha con su enamorado, con un jey, con un jo y un jey nonino paseando por el verde maizal. En primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Entre los campos de centeno, con un jey, con un jo y un jey nonino, a estos campesinitos les gusta reposar en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Y comenzaron esta canción en esa hora, con un jey, con un jo y un jey nonino, en la que la vida semeja una flor en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Y por lo tanto, aprovecha el presente, con un jey, con un jo y un jey nonino, porque el amor se corona en sazón en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Textos traducidos por Alberto de Brigard. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) Boletas: $10.000 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - Laureano Quant, bajo barítono (Colombia), Jesús David Prieto, piano (Colombia)

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Imagen de apoyo de  Programa de mano - La Main Harmonique, ensamble vocal (Francia)

Programa de mano - La Main Harmonique, ensamble vocal (Francia)

Por: | Fecha: 15/07/2019

Foto: Thomas Millet LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: TLP832 Lunes 26 de marzo de 2018 · 7:00 p.m. Leticia, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: VPE755 Miércoles 28 de marzo de 2018 · 5:00 p.m. Popayán, Teatro Municipal Guillermo Valencia Cód. PULEP: DLJ451 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO SÍGANOS EN TOME NOTA Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Leticia, el ingreso a la Sala Múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Edificio del Área Cultural, ubicada en la Carrera 11 # 9-43. La entrada estará abierta todo el día hasta las 9:00 pm., hora de finalización del concierto. En Popayán, el ingreso al Teatro Municipal Guillermo Valencia para personas con movilidad reducida es por la entrada de la Calle 3. Es necesario dar aviso al personal de logística, quienes podrán colaborar para el ingreso a la platea. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal Nadia Lavoyer y Judith Derouin, canto; Frédéric Bétous, alto; Guillaume Gutierrez, tenor; Romain Bockler, bajo; Etienne Floutier, viola da gamba; Ulrik Gaston Larsen, tiorba. Bajo el enérgico liderazgo de su fundador y director artístico, Frédéric Bétous, La Main Harmonique se ha especializado en la exploración e interpretación de obras maestras polifónicas del Renacimiento. Sin embargo, las aspiraciones de La Main Harmonique no se limitan a la música del pasado; por el contrario, este ensamble también busca y comisiona obras contemporáneas e innovadoras. El ensamble ha entablado fuertes vínculos con compositores contemporáneos, lo que resulta en una fascinante combinación de la precisión y perfección del pasado con sonidos contemporáneos e interpretaciones que logran transportarnos de una manera inesperada. El primer lanzamiento discográfico de La Main Harmonique, Ockeghem & Compère en el 2010, fue aclamado en Francia e internacionalmente. Desde entonces, la agrupación se ha enfocado en interpretar canciones, madrigales y motetes del Renacimiento y del Barroco temprano de compositores como Roland de Lassus, Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi. Foto: Thomas Millet 2 En el 2016, La Main Harmonique comisionó al compositor Alexandros Markeas una obra en honor a los migrantes, un réquiem para quienes murieron en el mar Mediterráneo titulado Une Autre Odyssée. Esta obra combina piezas del Renacimiento compuestas por Monteverdi, Victoria y Gesualdo con el ingenio de Alexandros Markeas. Posteriormente, en el 2017, La Main Harmonique aunó sus esfuerzos con el ensamble Les Sacqueboutiers para reconstruir, por primera vez, la majestuosa Missa Scaramella del compositor flamenco Jacob Obrecht (siglo xv), transcrita por el musicólogo y cantante Marc Busnel como parte de un proyecto del Centro de Estudios Superiores del Renacimiento en Tours, Francia. La Main Harmonique se presenta con frecuencia en reconocidas salas de concierto y festivales nacionales e internacionales, entre los que se encuentran el Festival de Saintes, Festival de La-Chaise-Dieu, Rencontres des musiques anciennes d’Odyssud-Blagnac, Astrada, Le Parvis y Arsenal en Francia, De Bijloke en Bélgica y Mozart@Augsburg en Alemania. Durante varios años Frédéric Bétous ha trabajado con personalidades reconocidas, tales como Hervé Niquet (Le Concert Spirituel), Rachid Safir (Solistes XXI), Joël Suhubiette (Les Élements y Ensamble Jacques Moderne), Antoine Guerber (Diabolus in Musica) y Paul Van Nevel (ensamble Huelgas). La Main Harmonique es financiada por el Ministerio de Cultura (Drac Occitanie) de la región de la Occitania, departamento de Gers, comuna de La Romieu y por las asociaciones de artistas Adami y Spedidam para sus nuevas creaciones. El ensamble está afiliado a Fevis (Federación de Ensambles Vocales e Instrumentos Especializados) y Profedim (Sindicato Profesional de Productores, Festivales, Ensambles, y Difusores Independientes de Música). Los conciertos en Bogotá, Leticia y Popayán cuenta con el apoyo de 3 Il Mio Stato Amoroso Magnificat de la Selva morale e spirituale (1641) Cor mio mentre vi miro del Libro IV (1603) O come sei gentile del Libro VII (1619) Ohime, se tanto amate del Libro IV (1603) Lettera amorosa: Se I languidi miei sguardi del Libro VII (1619) CLAUDIO MONTEVERDI (1567-1643) Toccata VI ALESSANDRO PICCININI (1566-1638) Instrumental Al lume delle stelle del Libro VII (1619) Si, ch’io vorrei moriré del Libro IV (1603) Interrotte speranze del Libro VII (1619) Sfogava con le stelle del Libro IV (1603) Lamento della Ninfa del Libro VIII (1638) CLAUDIO MONTEVERDI INTERMEDIO Jouyssance vous donneray VINCENZO BONIZZI (s. f.-1630) Instrumental Tu dormi? del Libro VII (1619) Lo mi son giovinetta del Libro IV (1603) Su su su pastorelli del Libro VIII (1638) Chi vol aver felice del Libro VIII (1638) CLAUDIO MONTEVERDI CONCIERTO No. 12 PROGRAMA 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Claudio Monteverdi (1567-1643) es considerado una figura determinante para entender los cambios estéticos que representaron la transición entre el Renacimiento y el Barroco en la música europea, en especial, aquellas innovaciones que se desarrollaron desde la música vocal; y su habilidad para catalizar las pasiones humanas dando a sus textos una renovadora aproximación dramática. Si bien no sería correcto presentar a Monteverdi como un precursor revolucionario de la tradición musical, es claro que en su obra confluyen, con intensidad y mayor claridad, las tendencias de los compositores del momento, quienes fueron satisfaciendo colectivamente la necesidad de concentrar el valor expresivo de la música en líneas melódicas que acentuaran las emociones contenidas en los textos. La búsqueda progresiva de una textura que permitiera emancipar los textos por encima de las reglas de construcción musical generó un creciente interés por la cohesión dramática de las obras, lo cual desembocó en la consolidación de la ópera como género dominante de la escena artística occidental desde el siglo xvii hasta nuestros días.1 Monteverdi nació en Cremona y, aunque no es clara la fecha de su nacimiento, se sabe que fue bautizado en su ciudad natal el 15 de mayo de 1567. A pesar de no haber nacido en una familia de músicos profesionales, sí recibió una formación musical temprana. Su primer maestro fue el maestro di capella de la Catedral de Cremona Marco Antonio Ingegneri con quien estudió canto, viola y evidentemente composición. Al parecer, Monteverdi mostró un precoz talento como intérprete y compositor y para 1 Retrato de Monteverdi por Bernardo Strozzi: imagen de dominio público. https:// en.wikipedia.org/wiki/File:Bernardo_Strozzi_-_Claudio_Monteverdi_(c.1630).jpg Claudio Monteverdi (1567-1643) Este retrato de Bernardo Strozzi (1581-1644), pintado aproximadamente en 1630, se ha convertido en una de las imágenes más populares del compositor italiano1. 5 1590 ya había publicado dos libros de madrigales junto con otras obras de carácter religioso. En estas obras Monteverdi demostró haber tenido un conocimiento profundo de las obras de los más importantes compositores del siglo xvi. Posteriormente, entre 1590 y 1591, Monteverdi fue contratado como violista en la corte del duque Vincenzo I Gonzaga de Mantua. Al servicio de la familia Gonzaga, Monteverdi obtuvo notable reconocimiento y acompañó, como parte del séquito de la familia regente, al duque Vincenzo I en diversos viajes fuera de Mantua, entrando en contacto con algunos de los más reconocidos músicos del momento. Se piensa que Monteverdi fue parte de la comitiva diplomática del duque durante el matrimonio de María de Medici y Henry IV de Francia; en la celebración del evento se estrenó la ópera Euridice de Jacopo Peri y se considera que esta obra habría tenido un fuerte impacto en las composiciones de Monteverdi, quien en 1607 estrenó su ópera Orfeo. Monteverdi permaneció al servicio de la corte de Mantua hasta 1612. Para entonces, ya había publicado tres libros más de madrigales: el Libro III en 1592, el Libro IV en 1603 y el Libro V en 1605. Adicionalmente a Orfeo, produjo la ópera Arianna (1608), de la que solo sobrevive el reconocido madrigal Lamento d’Arianna, incluido posteriormente en su Libro VI de madrigales en 1614; produjo también el ballet Il ballo delle Ingrate (1608), así como también importantes obras religiosas. Si bien fue una temporada de altibajos contractuales y algunos malentendidos económicos, también fue una etapa caracterizada por gran productividad y por la consolidación de un estilo de composición que estuvo acompañado por un amplio reconocimiento como compositor. En este periodo también se ubica la famosa querella entre el teórico Giovanni María Artusi y Monteverdi en torno a su nuevo y ‘reprobable’ estilo de composición, la cual comienza en 1600 con la publicación L’Artusi, overo Delle imperfettioni della moderna musica (Artusi, las imperfecciones de la música moderna). En su escrito Artusi criticó a Monteverdi aludiendo un desordenado tratamiento de las disonancias, así como un abandono de los parámetros tradicionales de composición polifónica. Para esta crítica, Artusi empleó diversos fragmentos de madrigales de los Libros IV y V, que logró reproducir incluso antes de ser publicados oficialmente. En respuesta, Monteverdi explicó en el prólogo de su Libro V de madrigales (publicado en 1605, ¡cinco años después del escrito de Artusi!) que evidentemente había diferencia entre la ‘primera práctica’, fiel a los lineamientos contrapuntísticos tradicionales, y una nueva tendencia conocida como ‘segunda práctica’, la cual 6 se centraba en la intensificación de algunas palabras del texto ignorando las reglas tradicionales del tratamiento de disonancias si estas no correspondían al sentido dictado por las palabras. Asimismo, Monteverdi señalaba que esta segunda práctica había estado en boga por un grupo considerable de compositores por más de 50 años. Más allá de un mal entendido personal entre dos compositores, esta querella entre Artusi y Monteverdi señala varias particularidades de la estética musical del momento: definitivamente, había una diferencia de estilos entre la primera y la segunda práctica determinadas por el tratamiento de las disonancias y las relaciones entre el texto y la música, y esta diferencia marcaría la transición entre el Renacimiento y el Barroco; por otro lado, esta nueva tendencia no fue una innovación personal de Monteverdi, por el contrario, la segunda práctica respondía a una tendencia que se popularizaba cada vez con más fuerza. Sumado a lo anterior, es evidente que Monteverdi gozaba de un amplio reconocimiento en el medio y en su obra se decantaban ejemplarmente estas tendencias vanguardistas para la época. El hecho que incluso detractores como Artusi tuvieran acceso a la obra de Monteverdi años antes de ser publicadas oficialmente, solo resalta la aceptación y popularidad de Monteverdi en sus años al servicio de la corte de Mantua. Desde 1613 hasta su muerte, Monteverdi permaneció en Venecia donde asumió la posición de maestro di cappella en la icónica basílica de San Marcos. Una de las principales funciones a su cargo fue restablecer la buena reputación musical de la basílica, la cual venía decayendo progresivamente dejando atrás los años de amplio reconocimiento cuando en el cargo de maestro di cappella se encontraba Giovanni Gabrieli. Si bien Monteverdi no había asumido antes un puesto centrado principalmente en las funciones religiosas, la marcada estabilidad económica y mayor libertad que proporcionaba el estado veneciano permitió al compositor desenvolverse con gran productividad. Monteverdi logró expandir el coro a su cargo y enriquecer el repertorio tradicional de San Marcos adicionando repertorio renovado; así mismo, expandió su actividad musical presentando obras en diferentes partes de Venecia sin limitarse a los requerimientos de la iglesia. Adicionalmente, mantuvo sus relaciones profesionales con la corte de Mantua aceptando diversas comisiones para componer música, numerosas óperas y ballets. Fue así como el periodo veneciano de Monteverdi se caracterizó por una prolífica actividad musical y la consolidación de un estilo de composición centrado en la proyección de las emociones humanas, creando en sus obras diferentes personajes capaces de representar musicalmente los cambios de 7 afecto correspondientes a cada texto. En Venecia, Monteverdi compuso sus últimos tres libros de madrigales, más de diez obras para la escena entre óperas, ballets e intermedios, otros tantos géneros seculares y una notable producción de música religiosa que incluye misas, motetes, salmos y colecciones como Selva Morale e spirituale, la cual contiene el Magnificat que abre el concierto que hoy nos convoca. Poco después de su muerte, la obra de Monteverdi fue perdiendo vigencia progresivamente; de hecho, para los siglos xviii y xix su legado era considerado una curiosidad académica. Sin embargo, a inicios del siglo xx resurgió un nuevo interés por su vida y obra, especialmente por las corrientes nacionalistas italianas. Buscando restituir el dominio artístico de su país, estas encontraron en Monteverdi un estandarte para recuperar la atención que las audiencias brindaban a la obra de Wagner o Strauss. Con este fin marcó especial influencia la obra literaria de Gabriele D’Annunzio, quien en su novela Il Fuoco2, publicada en 1900, identifica a Monteverdi como ‘el divino Claudio’, a quien atribuye una labor heroica ubicándolo como el verdadero fundador del lirismo musical. Esta idea fue exacerbada por compositores que trabajaron bajo el régimen de Mussolini como Fancesco Malipiero y Luigi Dallapiccola.3 El madrigal a inicios del Barroco italiano El madrigal fue un género secular italiano que para el siglo xvi se había consolidado como uno de los géneros más importantes en Europa. Si bien entre los siglos xiii y xiv también existían madrigales, estos no comparten mucho con su homónimo barroco: mientras en los siglos xiii y xiv el madrigal se presentaba como una forma corta de música vocal basada en la repetición 2 Si el lector desea profundizar sobre la obra de Gabriele D’Annunzio puede encontrar en el archivo de la Biblioteca Luis Ángel Arango algunas de sus obras incluyendo su novela Il Fuoco (número topográfico 853.8 A55f4). 3 Gabriele D’Annunzio: imgane de dominio público. https://en.wikipedia.org/wiki/ Gabriele_D%27Annunzio#/media/File:Gabriele_D%27Anunnzio.png. Gabriele D’Annunzio (1863-1938) Escritor y novelista representante del nacionalismo italiano. Inspiró el renovado interés por la vida y obra de Monteverdi especialmente en su obra Il Fuoco, novela basada en la vida ficticia de un músico y su amante en Venecia a finales del siglo xix3. 8 de patrones melódicos sobre textos de dos o tres estrofas y carácter pastoril, en el siglo xvi el material se desarrollaba con libertad melódica y rítmica para adaptar la música a cada línea del texto. Asimismo, los compositores del siglo xvi empleaban contrastes entre las texturas homofónicas y contrapuntísticas para articular las frases musicales que se acomodaban progresivamente al texto; la premisa estética de este nuevo madrigal era equiparar la nobleza poética de los textos con las emociones e ideas musicales de los intérpretes y las audiencias. Los madrigales se destinaban a ser interpretados en reuniones aristocráticas o de sociedades concertadas entorno a la reflexión académica o artística y sus intérpretes inicialmente eran músicos aficionados, sin embargo, se contó con la participación de profesionales debido a la complejidad vocal e instrumental y a la creciente demanda de este repertorio. A medida que los madrigales se popularizaron se fueron incorporando en otro tipo de géneros como el teatro y obviamente la ópera. Los textos empleados en los madrigales se centraban en temas en torno al amor, los afectos, el erotismo y ocasionalmente en escenas pastoriles. Desde sus inicios, el madrigal se concibió como un género vocal de cámara entre una y seis voces, donde cada voz tiene un solo cantante y el acompañamiento instrumental es progresivamente incorporado para doblar las líneas de las diversas voces. Los primeros madrigalistas italianos fueron Bernardo Pisano (1490- 1548), Francesco de Layolle (1492-1540) y Costanzo Festa (1490-1545), quienes se asentaron en Roma y Florencia principalmente; y en Venecia se encontraban Adrian Willaert (1490-1562) y Jacques Arcadelt (1505-1568). Estos compositores adoptaban textos de los más importantes poetas del momento, pero también encontraron una fuente de inspiración especial en la obra de Francesco Petrarca (1304-1374). Posteriormente, compositores como Carlo Gesualdo (1561-1613) y Cipriano de Rore (1516-1565) imprimieron en los madrigales mayor intensidad cromática y un carácter experimental especial; de hecho, Monteverdi ubicaba a Cipriano de Rore como el primer compositor de la segunda práctica. Los madrigales de Claudio Monteverdi recogen esta tradición cargada de un constante interés por las pasiones derivadas del texto, así como por la posibilidad de generar una experimentación renovadora en el momento de representar dichos afectos a través de la música. En su obra se encuentra una gran variedad de técnicas en donde se alterna la escritura contrapuntística tradicional junto a secciones homofónicas con acompañamiento instrumental, asimismo el empleo de la disonancia para acentuar palabras fundamentales 9 del texto es enriquecido con otros efectos tímbricos. De esta manera, el lenguaje de Monteverdi decanta la evolución de un género que parece cobrar vida a partir de las pasiones humanas plasmadas en cada texto. Los madrigales de Monteverdi fueron publicados en nueve libros: los primeros dos libros corresponden a su etapa temprana en Cremona, los libros III a V corresponden a su periodo en Mantua y los libros VI a IX pertenecen a su etapa final en Venecia (el Libro IX fue publicado póstumamente en 1651). En esta extensa producción se puede apreciar cómo el lenguaje del compositor se expande tanto en técnica como en rango expresivo; muchas de estas obras cuentan con títulos que corresponden a una línea emocional particular. Para el programa de hoy, el ensamble ha organizado el repertorio tomando selecciones de libros pertenecientes a los periodos de Monteverdi en Mantua y Venecia. Madrigales del Libro IV (1603) Este Libro fue publicado once años después del Libro III y contiene algunos de los madrigales empleados por Artusi en su ya mencionada crítica al estilo moderno. Si bien hay un tiempo considerable entre la producción de los Libros III y IV, es muy posible que muchas de las obras hubieran sido interpretadas y difundidas con anterioridad, de lo contrario ¿cómo se podría explicar que Artusi proporcionara ejemplos detallados de obras que todavía no habían sido publicadas? Parte de la pausa prolongada entre esta publicación y su libro anterior se debe al tiempo que Monteverdi debió acompañar al duque de Mantua en sus labores diplomáticas por varias ciudades de Europa. A lo largo de estos viajes, Monteverdi logró entrar en contacto con diversos artistas y conocer otros estilos musicales que indudablemente nutrieron su paleta expresiva. En general, los madrigales de este Libro se relacionan en torno a textos sobre las penas y angustias amorosas. Las selecciones del Libro IV que se encuentran incluidas en el programa del día de hoy son: Cor mio mentre vi miro (Corazón mío, mientras te miro), escrita sobre un texto de Giovanni Battista Guarini, se caracteriza por su inicial intimismo interrumpido por breves células imitativas y gestos declamativos; Ohime, se tanto amate (Ay de mí, si tanto me amas), también sobre un texto de Guarini, marcada por melancólicos reclamos del amado que se representan con quejidos musicales y punzantes disonancias; Si, ch’io vorrei morire (Sí, quisiera morirme), escrita sobre un texto atribuido a Maurizio Moro pleno de sensualidad que al ser realizado musicalmente claramente representa el 10 anhelo de un amado por su pareja; Sfogava con le stelle (En conversación con las estrellas), escrita sobre un texto atribuido a Ottavio Rinuccini basado en las penas amorosas que un hombre comparte con el cielo nocturno, presenta un interesante estilo de declamación orquestado de manera muy similar a la música sacra, pero interpolado con fragmentos imitativos; y Lo mi son giovinetta (Soy una joven), escrita sobre un texto atribuido a Guarini, corresponde a una coqueta, y tal vez incontenible, conversación entre dos jóvenes amantes que son representados musicalmente por sus registros contrastantes. Madrigales del Libro VII (1619) Monteverdi publicó el Libro VII bajo el título Concerto aludiendo a la definición de un estilo renovado y agrupando obras para un número variable de solistas acompañados instrumentalmente de forma continua. Concerto corresponde al segundo libro publicado en el periodo veneciano de Monteverdi y evidencia mayor libertad entorno a las formas que explora en cada obra. Las selecciones de este libro que se encuentran incluidas en este programa son: O come sei gentile (Oh, cómo eres de amable), escrita sobre un texto de Guarini y que está enmarcada en un íntimo devocionario amoroso lleno de inflexiones melódicas y ligeros fragmentos imitativos; Lettera amorosa: Se I languidi miei sguardi (Carta amorosa: Si mi apariencia languidece), un monólogo para una voz solista y acompañamiento instrumental caracterizado por una aproximación teatral sobre un texto de Claudio Achillini, el cual trata de un impaciente amante que ante su tardanza para contraer matrimonio escribe una conmovedora carta a su amada; Al lume delle stelle (A la luz de las estrellas), en la cual Monteverdi describe sobre un poema de Torquato Tasso el lamento amoroso de Tirsis, un personaje tradicionalmente bucólico que extraña a su amada al ver en las estrellas el recuerdo del brillo de sus ojos; Interrotte speranze (Esperanzas interrumpidas), escrita sobre un desgarrador poema de Guarini, que trata de una mujer que en busca de reconocimiento prefiere la muerte de quien la ama, está estructurado como un dúo con acompañamiento y se caracteriza por una sonoridad sórdida y lúgubre donde las disonancias finamente insertadas intensifican una tensión constante; y Tu dormi? (¿Duermes?) basado en el reclamo del amante al ver que su pareja duerme y no corresponde a su amor. Madrigales del Libro VIII (1638) Después de una prolongada pausa de casi veinte años en la publicación de madrigales, Monteverdi reunió bajo el título de Madrigales, guerreros y amorosos una colección bastante ecléctica la cual dedicó a Fernando III, quien 11 se coronaba como emperador romano en 1637. Esta antología de madrigales es considerada una de las más ambiciosas experimentaciones del compositor en la música secular en la medida que refleja diversas exploraciones sonoras y decididas innovaciones dramáticas por las cuales ya era bastante reconocido para entonces. Igualmente, el mismo Monteverdi indicó en el prólogo a esta publicación que varias de las obras ya habían sido escritas e interpretadas varios años antes de su publicación. Las selecciones de este libro que se encuentran incluidas en el programa de hoy son: Lamento della Ninfa (Lamento de la ninfa), obra que es, posiblemente, una de las más reconocidas de Monteverdi en la actualidad, la cual es interpretada en stile rappresentativo4, fue escrita sobre los textos de Rinuccini y se caracteriza por su intenso dramatismo musical; Su su su pastorelli (Vengan, vengan pastorcillos), contrastante obra escrita sobre textos anónimos considerados una canzonetta5, la cual tiene un marcado carácter bucólico; Chi vol aver felice (Aquel que desea la felicidad), escrita sobre el texto de Guarini, es una obra para ser cantada de manera ligera y despreocupada resonando con la idea central del poeta, quien recomienda a la audiencia no seguir las insinuaciones de Cupido para poder llevar una vida feliz y tranquila. Sobre las otras obras en el programa que no son madrigales El repertorio que hoy nos reúne, si bien se centra en los madrigales de Monteverdi, no contiene obras exclusivamente en este género. El programa abre con el Magnificat que Monteverdi integró al Selva morale e spirituale (1641) pero que, de manera similar al Libro VIII, más que una obra cíclica fue concebido como una antología de diversas obras compuestas a lo largo de un considerable periodo de tiempo. Como se mencionó anteriormente, una de las principales funciones de Monteverdi como maestro de la capilla de San Marcos consistió en la producción de repertorio sacro, sin embargo, gran parte de esta producción se ha perdido con el pasar del tiempo y la importancia de la colección Selva morale e spirituale radica en ser una de las más completas recopilaciones de música religiosa compuesta por Monteverdi durante su 4 El stile rappresentativo es característico de la ópera del siglo xvii y funciona como un antecesor del “Recitativo” donde los cantantes declaman sus textos sobre continuos acompañamientos instrumentales proporcionando diversas inflexiones en la voz. 5 La canzonetta bien puede considerarse un antecesor del madrigal en la medida que también es un género secular nacido en Italia. A diferencia del madrigal del siglo xvi, la canzonetta se caracterizaba por una temática ligera, frecuentemente pastoril. A medida que este género salió de Italia a otros países europeos se asumió que la canzonetta podría ser sencillamente una obra para voz y acompañamiento instrumental de carácter sencillo y tema pastoril. 12 estadía en Venecia. El Magnificat es una obra característica de la tradición asociada a las Vísperas en torno al canto de adoración de la Virgen María durante su visita a Santa Isabel. El texto usado en el Magnificat es tomado del primer capítulo del Evangelio según San Lucas. En esta obra Monteverdi se acogió a los parámetros compositivos tradicionales de ‘la primera práctica’ y permite a la audiencia conocer el contexto religioso con el que cohabitaban los madrigales de mediados del siglo xvii. Finalmente, el programa articula dos intermedios instrumentales con obras que no fueron compuestas por Claudio Monteverdi. La primera obra es la Toccata VI de Alessandro Piccinini (1566-1638) y la segunda es Jouyssance vous donneray de Vincenzo Bonizzi (s.f.-1630). Ambas obras logran dar continuidad al programa generando cierta unidad dramática a un género caracterizado por los contrastes de texturas, la experimentación y la exaltación de los múltiples afectos del espíritu humano. De manera consecuente con las últimas publicaciones de Monteverdi, este programa se estructura como una antología de diversas exploraciones musicales que conectan sus contrastes a través de un hilo conductor: los afectos del Stato amoroso. Respecto al orden el programa y a manera de introducción al concierto, son los artistas quienes nos explican los criterios bajo los cuales se han organizado las piezas en el repertorio de hoy: La iniciativa detrás del programa es ofrecer un concierto variado y rico en diferentes texturas, como el giro estético a inicios del siglo xvii. El orden de las piezas se determina entonces según su carácter, pero también según el ‘viaje musical’ que uno desea proponer al oyente. Este viaje puede dar un sabor o un sentido de esta conexión particular entre la música y la poesía en este momento. Cada madrigal es un pequeño mundo en sí mismo. Se puede interpretar de mil maneras, así como hay miles de maneras de leer un poema. La Main Harmonique Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 13 Il Mio Stato Amoroso Claudio Monteverdi (1567-1643) Magnificat de la Selva morale e spirituale (1641) Texto: primer capítulo del Evangelio según San Lucas Magnificat anima mea Dominum, et exsultavit spiritus meus in Deo salutari meo. Quia respexit humilitatem ancillae suae, ecce enim ex hoc beatam me dicent omnes generationes. Quia fecit mihi magna qui potens est: et sanctum nomen ejus, Et misericordia ejus a progenie in progenies timentibus eum. Fecit potentiam in brachio suo, dispersit superbos mente cordis sui, Deposuit potentes de sede, et exaltavit humiles. Esurientes implevit bonis, et divites dimisit inanes. Suscepit Israel puerum suum, recordatus misericordiae suae, Sicut locutus est ad patres nostros, Abraham et semini ejus in saecula. Gloria Patri, et Filio, et Spritui Sancto Sicut erat in principio, et nunc, et semper, et in saecula saeculorum. Amen Engrandece mi alma al Señor y mi espíritu se alegra en Dios mi salvador. Porque ha puesto los ojos en la humildad de su esclava, por eso desde ahora todas las generaciones me llamarán bienaventurada. Porque ha hecho en mi favor maravillas el Poderoso, Santo es su nombre, Y su misericordia alcanza de generación en generación a los que le temen. Desplegó la fuerza de su brazo, dispersó a los que son soberbios en su propio corazón. Derribó a los potentados de sus tronos y exaltó a los humildes. A los hambrientos colmó de bienes y despidió a los ricos sin nada. Acogió a Israel, su siervo, acordándose de la misericordia, Como había anunciado a nuestros padres, en favor de Abraham y de su linaje por los siglos. Gloria al Padre, al Hijo y al Espíritu Santo: como era en un principio, ahora y siempre por los siglos de los siglos. Amén Cor mio mentre vi miro del Libro IV (1603) Texto: Giovanni Battista Guarini (1538-1612) Cor mio, mentre vi miro, visibilmente mi trasformo in voi, e trasformato poi, in un solo sospir l’anima spiro. O bellezza mortale, O bellezza vitale, poiché sí tosto un core per te rinasce, e per te nato more. Mi corazón, cuando os miro, visiblemente me transformo en vos y así cambiado, en un solo suspiro el alma exhalo. ¡Oh belleza mortal! ¡Oh belleza vital! Por ti un corazón así renace mas renacido pronto muere. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 14 O come sei gentile del Libro VII (1619) Texto: Giovanni Battista Guarini (1538-1612) O come sei gentile, caro augellino ! O quanto è il mio stato amoroso al tuo simìle ! Io prigion, tu prigion; tu canti, io canto; tu canti per colei che t’ha legato, ed io canto per lei. Ma in questo è differente la mia sorte dolente: che giova pur a te l’esser canoro; vivi cantando, ed io cantando moro. ¡Qué bello eres Querido pajarillo! ¡Cuánto se asemeja Mi amor a tu estado! Prisionero soy como tú, tú cantas, canto yo, tu cantas para quien te capturó, yo canto para ella. Mas mi triste suerte tiene una diferencia: para ti el canto trae gozo, vives cantando, y yo cantando muero. Ohime, se tanto amate del Libro IV (1603) Texto: Giovanni Battista Guarini (1538-1612) Ohimé, se tanto amate di sentir dir Ohimè, deh perché fate chi dice Ohimè morire? S’io moro un sol potrete languido, e doloroso Ohimè sentire; Ma se, cor mio, volete che vita abbia da voi, e voi da me, avrete mille e mille dolci Ohimè ¡Ay! Si tanto amas oírme decir ¡ay! ¿Por qué matas al que dice ay? Si muero, sólo escucharás un lánguido y doloroso ¡ay! pero, mi corazón, si quieres darme vida, y que yo te la dé, tendrás miles de dulces ¡ay! Lettera amorosa: Se I languidi miei sguardi del Libro VII (1619) Texto: Claudio Achillini (1574-1640) Se I languidi miei sguardi, Se I sospiri interrotti, Se le tronche parole Non han sin or potuto, O bell’idol mio, Farvi delle mie fiamme intera fede, Leggete queste note, Credete a questa carta, A questa carta in cui Sotto forma d’inchiostro il cor stillai. Qui sotto scorgerete Quegl’interni pensieri Che con passi d’amore Scorron l’anima mia; Anzi, avvampar vedrete Come in sua propria sfera Nelle vostre bellezze il foco mio. Si mis miradas lánguidas si los suspiros entrecortados las palabras truncas todavía no han logrado Oh, bello ídolo mío, sar testimonio de que ardo, leed entonces esta nota creed lo que dice esta carta, esta carta en donde el corazón he destilado en tinta. Así comprenderéis los íntimos pensamientos que con paso amoroso recorren mi alma. También veréis refulgir, como en la propia órbita de vuestra belleza, mis ardores. 15 Non è gia parte in voi Che non forza invisibile d’amore Tutto a sè non mi tragga: Altro già non son io Che di vostra beltà preda e trofeo. A voi mi volgo, o chiome, Cari miei lacci d’oro: Deh, come mai potea scampar sicuro Se come lacci l’anima legaste, Comme oro la compraste ? Voi, pur voi dunque siete Della mia libertà catena e prezzo. Stami miei preziosi, Bionde fila divine, Con voi l’eterna Parca Sovra il fuso fatal mia vita torce. Voi, voi capelli d’oro Voi pur siete di lei, Ch’è tutta il foco mio, raggi e faville; Ma, se faville siete, Onde avvien che ad ogn’ora Contro l’uso del foco in giù scendete ? Ah che a voi per salir scender conviene, Chè la mangion celeste ove aspirate, O sfera de gli ardori, o paradiso, E posta in quel bel viso. Cara mia selva d’oro, Richissimi capelli, In voi quel labirinto Amor intesse Onde uscir non saprà l’anima mia. Tronchi pur morte i rami Del prezioso bosco E dal la fragil carne Scuota per lo mio spirto, Che tra fronde sì belle, anco recise, Rimarrò prigionniero, Fatto gelida polve ed ombra ignuda. No hay parte de vos que con la fuerza invisible del amor no me atraiga del todo: ya no soy otra cosa que presa y trofeo de vuestra hermosura. Contigo hablo, cabellera, amados lazos de oro míos: ¿Cómo podría yo ponerme a salvo si como sogas el alma sujetasteis, como si con oro la comprarais? Vosotros sois por tanto de mi libertad cadena y precio. Mis estambres preciosos, divinos hilos rubios, con vosotros la eterna Parca sobre el huso fatal hila mi vida. Vosotros, cabellos dorados también sois de aquella que es mi fuego, relámpago y chispa; pero, si chispas sois, ¿Cómo resulta ahora que caéis, aunque el fuego se eleva? Ah, para vosotros es bueno descender porque la celeste mansión que deseáis la esfera ardiente, el paraíso, se encuentra en aquel rostro. Querida selva de oro, cabellera riquísima, con la cual teje amor el laberinto de donde mi alma no sabrá huir. Truncos por la muerte los ramos del bosque precioso y de la frágil carne separado el espíritu mío, entre ese bello bosque, aunque cortado, seguiré prisionero, como helado polvo o sombra desnuda. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 16 Dolcissimi legami, Belle mie piogge d’oro Quali or sciolte cadete Da quelle ricche nubi Onde raccolte siete E, cadendo, formate Preziose procelle Onde con onde d’hor bagnando andate Scogli di latte e rivi d’albastro, More subitamente (O miracolo eterno D’amoroso desìo) Fra si belle tempeste arse il cor mio. Ma già l’ora m’invita, O degli affetti miei nunzia fedele, Cara carta amorosa, Che dalla penna ti divida omai; Vanne, e s’amor e’l cielo Cortese ti concede Che de’ begli occhi non t’accenda il raggio, Ricovra entro il bel seno: Chi sà che tu non gionga Da sì felice loco Per sentieri di neve a un cor di foco! Lazos dulcísimos, bella lluvia de oro que al soltaros caéis de aquellas ricas nubes donde estabais sujetos y, cayendo, formáis tormentas preciosas, onda tras onda bañando rocas de leche y playas de alabastro, si bien súbitamente (Oh milagro eterno del deseo amoroso) en tempestad tan bella arde mi ser. Mas ya la hora me invita, Oh mensajera fiel de mi afecto, querida carta de amor, a que te separe de mi pluma; ve, y si el amor y el cielo corteses te conceden que el rayo de esos ojos no te incendie, escóndete en el bello seno: ¡Quizá pudieras acercarte, en lugar tan feliz, por senderos de nieve a un corazón de fuego! Al lume delle stelle del Libro VII (1619) Texto: Torquato Tasso (1544-1595) Al lume delle stelle Tirsi, sotto un alloro, si dolea lagrimando in questi accenti; “O celesti facelle, di lei ch’amo ed adoro rassomigliate voi gli occhi lucenti. Luci care e serene, sento gli affani ohimé, sento le pene, luci serene e liete, sento le fiamme lor mentre splendete.” A la luz de las estrellas, Tirsi, bajo un laurel, Lloraba y gemía diciendo así: “Oh celestes antorchas, De aquel que amo y adoro Me recordáis los ojos luminosos. Luces amadas y serenas Siento las ansias ¡ay! las penas, Luces serenas y dichosas Siento sus llamas mientras resplandecéis” 17 Si, ch’io vorrei moriré del Libro IV (1603) Texto: atribuido a Maurizio Moro (s. f.) Sí ch’io vorrei morire ora che bacio, Amore, la bella bocca del mio amato core. Ahi, cara e dolce lingua, datemi tant’umore, che di dolcezz’in questo sen m’estingua! Ahi, vita mia, a questo bianco seno, deh, stringetemi fin ch’io venga meno! Ahi bocca, ahi baci, ahi lingua, torn’a dire: «Sí ch’io vorrei morire». Sí, quisiera morir ahora que beso, Amor, la bella boca del corazón amado. ¡Ah, amada, dulce lengua, dame tanta linfa que de dulzura este seno me agote! ¡Ah, vida mía contra este blanco seno estréchame hasta que desfallezca! ¡Ay boca! ¡Ay beso! ¡Ay lengua! Vuelvo a decir: «sí, quisiera morir». Interrotte speranze del Libro VII (1619) Texto: Giovanni Battista Guarini (1538-1612) Interrotte speranze, eterna fede, fiamme e strali possenti in debil core; nutrir sol di sospiri un fero ardore e celare il suo mal quand’altri il vede: seguir di vago e fuggitivo piede l’orme rivolte a volontario errore; perder del seme sparso e’l frutto e’l fiore e la sperata al gran languir mercede; far d’uno sguardo sol legge ai pensieri e d’un casto voler freno al desìo, e spender lacrimando i lustri interi: questi ch’a voi, quasi gran fasci, invio, donna crudel, d’aspri tormenti e fieri, saranno i trofei vostri e’l rogo mio. Esperanzas truncas, fidelidad eterna, potentes llamas y dardos en débil corazón; nutrir un fuerte ardor apenas con suspiros y ocultar el dolor cuando otros miran: seguir de un pie vagabundo y fugitivo las huellas en voluntario error; perder de lo sembrado los frutos y las flores y la anhelada dádiva tras gran dolor; hacer de una mirada única guía del pensamiento frenar con castos apetitos el deseo, y trascurrir en lágrimas lustros enteros: todo lo que a vos como un obsequio envío, cruel señora, de tormentos ásperos y crueles, serán vuestros trofeos y mi hoguera. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 18 Sfogava con le stelle del Libro IV (1603) Texto: atribuido a Ottavio Rinuccini (1562-1621) Sfogava con le stelle un’infermo d’Amore sotto notturno ciel il suo dolore, e dicea fisso in loro: O imagini belle del’idol mio ch’adoro si com’a me mostrate, mentre così splendete, la sua rara beltate così mostrast’a lei i vivi ardori miei la fareste col vostr’aureo sembiante pietosa si come me fat’amante. Se desahogaba con las estrellas un infierno de amor en el cielo nocturno, su dolor, les contaba, fijo en ellas: Oh bellas imágenes del ídolo adorado, tal como me mostráis, mientras resplandecéis, su belleza exquisita, mostradle así a ella mis ardores vivísimos y hacedla, con vuestros rostros de oro piadosa, tal como me hacéis amarla. Lamento della Ninfa del Libro VIII (1638) Texto: atribuido a Ottavio Rinuccini (1562-1621) Coro Non aveva Febo ancora recato al mondo il dì, ch’una donzella fuora del proprio albergo uscì; sul pallidetto volto scorgea se il suo dolor: spesso gli venia sciolto un gran sospir dal cor. Sì, calpestando fiori, errava hor qua, hor là; I suoi perduti amor così piangendo va: La Ninfa Amor (dicea) Amor (il ciel mirando, il piè fermò) Amor, amor, dov’è la fe’ ch’el traditor giurò ? (miserella) Fa’ che ritorni il moi amor com’ei pur fu, tu m’ancidi ch’io non mi tormenti più; (Miserella ah più, no, tanto gel soffrir non può) Non vo’ ch’ei più sospiri se non lontan da me. No no, che i suoi martiri più non dirammi, affé ! (Ah miserella. Ah più no no) Perché di lui mi struggo, tutt’orgoglioso sta; che sì, che sì, s’il fuggo, ancor mi pregherà. (Miserella, ah, più non tanto gel soffrir non può) Coro Todavía no traía Febo el día al mundo cuando una doncella salió de su refugio; en su rostro pálido se notaba el dolor: grandes suspiros le salían del corazón. Así, recogiendo flores, iba ora aquí, ora allá; lamentando su perdido amor de esta manera: La Ninfa Amor (decía) Amor (mirando al cielo con pie inmóvil) Amor, amor, ¿Dónde está la fe que me juró el traidor? (pobrecilla) Haz que vuelva mi amor tal como era, o mátame, no me atormentes más. (Pobrecilla, ¡Ay! Tanta frialdad no puede soportar) No quiero que él suspire sino cuando se aleje. No, no, ¡Por mi fe que ya no me martirizará! (¡Ah, pobrecilla! ¡No más!) Porque por él yo sufro, muy orgulloso está; pero si acaso huyo, ahí sí me rogará. (Pobrecilla, ¡Ay! Tanta frialdad no puede soportar) 19 Se ciglio ha più sereno colei che il mio non è, già non rinchiude in seno Amor sì bella fe’. (Miserella, ah, più non tanto gel soffrir non può) Nè mai sì dolci baci da quella bocca havrà nè più soavi... ah taci, taci, che troppo il sa ! (Miserella!) Coro Sì, tra sdegnosi pianti, spargea le voci al ciel: così ne’ cori amanti mesce Amor fiamma e gel. Si esa tiene ojos más serenos que los míos, amor, no alberga en su seno tanta fidelidad. (pobrecilla, ¡Ay! Tanta frialdad no puede soportar) Nunca tendrá de esa boca besos más dulces ni más suaves... ¡Ah, calla, calla, mucho sabe ya! (¡Pobrecilla!) Coro Sí, entre llanto desdeñoso clamaba al cielo su voz: así corazones amantes mezclan llamas de amor y hielo. Tu dormi? del Libro VII (1619) Texto: anónimo Tu dormi, ah crudo core, Tu poi dormir poi ch’in te dorme Amore; Io piango, e le mie voci lagrimose A te che sorda sei portan’invano, Ohimè, l’aure pietose. Ah ben i pianti miei Pon lor pietosi i venti, Ma te fan più crudel i miei lamenti. Tú duermes, corazón cruel, puedes dormir, después de que Amor duerme en ti; yo lloro y mis voces lacrimosas, a ti, que sorda eres, llevan en vano ¡Ay de mí! Piadosas brisas. Ah, bien puede mi llanto conmover a los vientos, mas te hacen más cruel mis lamentos. Lo mi son giovinetta del Libro IV (1603) Texto: atribuido a Giovanni Battista Guarini (1538-1612) “Io mi son giovinetta e rido e canto alla stagion novella” cantava la mia dolce pastorella, quando subitamente quando l’ali il cor mio spiegò come augellin subitamente tutto lieto e ridente, cantando in sua favella: “Son giovinetto anch’io e rido e canto a più beata e bella primavera d’amore, che nei begli occhi tuoi fiorisce.» Ed ella: “Fuggi, se saggio sei,” - disse - : l’ardore, fuggi, chè in questi rai primavera per te non sarà mai. «Soy una jovencita y río y canto en la nueva estación» cantaba mi dulce pastorcita cuando de pronto mi corazón las alas desplegó, como un pajarillo, de pronto todo alegre y risueño, cantando a su vez: «También soy joven y río y canto a la bella primavera del amor que en tus bellos ojos florece.» Y ella: «Huye, si eres sabio» dice, «Huye de tal ardor, pues con sus rayos, No habrá primavera para ti». Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 20 Su su su pastorelli del Libro VIII (1638) Texto: anónimo Su, su, su, pastorelli vezzosi, correte, venite a mirar, a goder l’aure gradite, e quel dolce gioir, ch’a noi porta ridente la bell’alba nascente. Mirate i prati pien di fiori odorati ch’al suo vago apparir ridon festosi. Su, su, su, augelletti canori, sciogliete, snodate al cantar, al garrir, le voci amate. Vamos, vamos, pastorcitos, corred, venid, a mirar, a gozar, las gratas brisas, y ese dulce gozo que nos trae risueña la bella alba naciente. Mirad los prados Llenos de flores olorosas que con su aparición ríen festivas. Vamos, vamos, insecticos cantores liberaos, desataos, para cantar, chirriar, voces amadas. Chi vol aver felice del Libro VIII (1638) Texto: atribuido a Giovanni Battista Guarini (1538-1612) Chi vol aver felice e lieto il core, non segua il crudo Amore, quel lusinghier ch’ancide quando più scherza e ride; ma tema di beltà, di leggiadria l’aura fallace e ria. Al pregar non risponda, alla promessa non creda; e se s’appressa, fugga pur, che baleno è quel ch’alletta, né mai balena Amor, se non saetta Quien quiera un corazón feliz y alegre no siga al cruel Amor, que seduce y que mata cuando más juega y ríe; tema de la belleza y la hermosura el hálito culpable y criminal. No responda jamás a los ruegos no crea en promesas y si se acerca, huya, pues es relámpago lo que tienta y el amor no trae arco iris, sino flechas. Textos traducidos por Alberto de Brigard. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Hans Scherhaufer VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. Cód. PULEP: VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Programas de mano
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Programa de mano - La Main Harmonique, ensamble vocal (Francia)

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Programa de mano - Theatre of Voices

Por: | Fecha: 15/07/2019

Miércoles 14 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 15 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Lars Bjarnø · Código PULEP: JLC408 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Paul Hillier, director Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que dependiendo del programa se permitirá o no el ingreso a la sala una vez iniciado el concierto. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. 1 BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO – 60 AÑOS En 2018, la Biblioteca Luis Ángel Arango está de aniversario. Nuestra biblioteca cumple sesenta años de servicio y de ser uno de los ejes fundamentales del desarrollo de la labor cultural del Banco de la República. Bajo su dirección se desarrolló no solo una labor enfocada en el fortalecimiento de una colección bibliográfica dispuesta para consulta y préstamo sino labores tan apreciadas y fuertes hoy día como son los proyectos de los museos de la Manzana Cultural y la labor musical que se desarrolla desde la Sala de Conciertos. Toda la labor cultural del Banco de la República se irradia a nivel nacional hacia 28 ciudades que reciben el préstamo de libros, conciertos y exposiciones de diferentes índoles. Asimismo, desde las diferentes ciudades, se propende por la recuperación de la memoria local y por gestionar proyectos que después impactan al resto del país. La Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, que desde un principio se propuso presentar a artistas representativos de la música de cámara nacional e internacional, ha evolucionado, junto con la biblioteca, en la manera de entender sus servicios, sus usuarios y su papel en la vida cultural del país. Es así como, con el paso del tiempo, sus criterios de programación han tenido ajustes y su orientación ha dado giros para fortalecer al sector musical nacional, procurando siempre mantener el propósito de celebrar la creatividad y musicalidad local, regional y universal, y servir como punto de encuentro entre diferentes generaciones de músicos y públicos. La Temporada Nacional de Conciertos 2018 continúa una labor iniciada durante la primera expansión de la biblioteca en 1966. Inicia la temporada con Stimmung, una obra escrita por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen en 1968, en la que se reúnen varias de las inquietudes estéticas y, por qué no, espirituales y políticas de la época. De esta forma la sala y la biblioteca continúan con su labor de conectar a Colombia con el mundo y al mundo con nuestro país. En esta sala ha sido interpretada música del siglo XII pasando por los grandes nombres de la música occidental como son Bach, Mozart o Beethoven, pero también artistas colombianos –compositores e intérpretes- que han sido protagonistas estelares del desarrollo de la música en el país como creadores y educadores. La temporada 2018 presenta a artistas muy variados que presentarán música antigua, clásica, moderna y contemporánea, así como jazz y música de diferentes lugares del mundo. Esperamos que nos acompañen en esta celebración que, a lo largo del año, contará con artistas de España, Sur África, Francia, Suiza, Israel, Suecia, Reino Unido, Alemania, Portugal, México, Nueva Zelanda y, desde luego, Colombia. Entre toda esta oferta vale resaltar tres cosas: primero, el énfasis que habrá en el primer semestre en la música vocal con la presentación de los ensambles Theatre of Voices, La main harmonique, Vocalconsort Berlin, Ensamble Villancico y Stile Antico; segundo, el estreno de una obra comisionada por el Banco de la República al compositor nariñense Gustavo Parra –el estreno lo realizará el ensamble mexicano CEPROMUSIC- y; tercero, el homenaje que se le rendirá en octubre al compositor vallecaucano Luis Carlos Figueroa. En 2018 estamos de aniversario y nuestra programación musical es solo una parte de las actividades. Esperamos que puedan aprovechar toda la oferta cultural recogida en esta celebración. ¡Bienvenidos! 2 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Else Torp, soprano Signe Asmussen y Randi Pontoppidan, mezzosopranos Wolodymyr Smiskewych y Jakob Skjoldborg, tenores Jakob Bloch Jespersen, bajo barítono Ian Dearden, diseño sonoro Theatre of Voices fue fundado en California por Paul Hillier, pero su sede principal se encuentra actualmente en Dinamarca. Sus interpretaciones abarcan música de Perotin, Dowland, Carissimi, Buxtehude y Bach, y ha participado en proyectos con varios compositores contemporáneos de Foto: Klaus Holsting 3 renombre como Berio, Pärt, Reich, Cage, Pelle Gudmundsen-Holmgreen y Stockhausen. Theatre of Voices trabaja y graba con la London Sinfonietta y el Cuarteto Kronos. Además, se presenta frecuentemente en el Festival de Edimburgo, el Centro Barbican y el Carnegie Hall, en conciertos con boletería totalmente agotada. En el 2008 abrieron el Festspiele de Berlín con la obra Stimmung, de Stockhausen, a petición del compositor mismo, y participaron en los Proms de la BBC. En los últimos años han hecho giras por Hong Kong, Australia, Suecia, Reino Unido, México, Estados Unidos, Italia, Francia, Polonia, Bélgica, Alemania, Portugal, Luxemburgo y Holanda. Entre sus últimos lanzamientos se cuentan Stimmung, de Stockhausen, The Little Match Girl Passion, de David Lang —por el que el grupo recibió un Premio Grammy en el 2010, el mismo año de su vigésimo aniversario de fundación—, Stories (Berio, Cage, Berberian), The Christmas Story y Creator Spiritus, de Arvo Pärt, todos bajo el sello Harmonia Mundi. También, con el sello Dacapo Records, Theatre of Voices lanzó las Cantatas escandinavas de Buxtehude, el primero de una serie de cinco álbumes. En el 2013 Theatre of Voices fue nominado al Premio de Música del Consejo Nórdico, y en el 2014 la pieza titulada My Heart’s in the Highlands, del álbum Pärt: Creator Spiritus, interpretada por el grupo, fue utilizada en La Grande Bellezza, película de Paolo Sorrentino, que ganó un Óscar. Esta misma pieza apareció en Mojo Magazine como una de las favoritas de la banda Nick Cave and the Bad Seeds. El ensamble también ofrece talleres y trabaja en proyectos cinematográficos. Actualmente trabaja con el documentalista danés Phie Ambo y el compositor islandés nominado al Óscar, Jóhann Jóhannsson (The Farmer and the Universe, Arrival, Mary Magdalene). Theatre of Voices cuenta con el patrocinio del Consejo Danés para las Artes. 4 Paul Hillier, director Hillier ha sido el director artístico de Theatre of Voices desde 1990. Director y fundador del Ensamble Hilliard y actual director de la orquesta Ars Nova Copenhagen, su carrera abarca el canto, la dirección y la publicación de múltiples escritos sobre música. Sus libros acerca de Arvo Pärt y Steve Reich, así como varias antologías de música coral, han sido publicados por Oxford University Press. Ha trabajado como profesor en la Universidad de California en Santa Cruz y Davis, y entre 1996 y 2003 fue el director del Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana. En el 2006 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico (OBE) por su contribución a la música coral, y en el 2007 lo fue con la Orden de la Estrella Blanca de Estonia. Ese mismo año recibió el Grammy otorgado a la mejor grabación coral (con el Coro de Cámara de la Filarmónica de Estonia). En el 2008 fue nombrado director artístico y director de orquesta principal del Coro Nacional de Cámara de Irlanda, y en el 2009 fue invitado a formar parte del nuevo coro Casa da Musica, en Oporto, Portugal. Ganó un segundo Grammy en el 2010 con Theatre of Voices y Ars Nova Copenhagen, y en el 2013 recibió la distinción Ridder af Dannebrog (Caballero de la Orden de Dannebrog), otorgado por Su Majestad La Reina de Dinamarca. Foto: Ditte Capion 5 PROGRAMA Stimmung (1968) KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007) CONCIERTOS Nos. 1 y 2 Este concierto no tiene intermedio. Una vez haya iniciado el concierto no se permitirá el ingreso a la sala. 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Karlheinz Stockhausen (1928-2007) es uno de los compositores alemanes de mayor reconocimiento en nuestros días. Su legado artístico fue determinante para el desarrollo de las nuevas corrientes estéticas de la vanguardia europea y, junto a Pierre Boulez, se le considera una de las más importantes influencias pedagógicas para las nacientes generaciones de músicos. Gracias especialmente a su relación con la escuela de Darmstadt y las diferentes escuelas de investigación de París, logró crear nichos artísticos en los que innumerables compositores e intérpretes desarrollarían proyectos de creación y exploración estética fundamentales para el desarrollo intelectual europeo en los años de postguerra y cuyas innovaciones siguen alimentando nuevas tendencias hasta nuestros días. Stockhausen nació en 1928 en Burg Mödrath, cerca de Colonia, y tuvo una formación musical tardía y congestionada por problemas familiares alimentados por los estragos de la guerra. Su madre, recluida desde 1933 en un sanatorio por diversos problemas psiquiátricos, fue asesinada por el régimen nazi cuando Karlheinz tenía catorce años; el padre, un granjero que posteriormente se dedicó a la educación, también murió durante la guerra en 1945. El joven Stockhausen fue llevado a una institución de formación pedagógica en Xanten, en la región de Düsseldorf, donde estuvo trabajando en un hospital militar. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial regresó a Colonia, ingresó a la Rheinische Musikschule en 1947 y obtuvo su título en Educación Musical en 1951, a la edad de veintitrés años. En 1951, Stockhausen asistió por primera vez al Ferienkurse für Neue Musik, en Darmstadt, donde estableció una fuerte amistad con el compositor Karel Goeyvaerts, un antiguo alumno de Messiaen, y en donde adquirió un renovado interés por la composición. En 1952, en su viaje a París para estudiar con Messiaen, conoció a Pierre Boulez, Pierre Schaeffer y otros artistas que progresivamente fueron determinantes en la vanguardia sonora parisina. Desde entonces, la actividad compositiva de Stockhausen creció a tal punto que para 1953 ya era reconocido como uno de los más importantes compositores en las áreas del serialismo y la música electrónica. Stockhausen regresó a la escuela de Darmstadt, donde enseñó con regularidad desde 1956; a partir de entonces, el reconocimiento de la escuela de Darmstadt como foco 7 de creación artística fue en aumento y Stockhausen se estableció como uno de los compositores más visibles en ese medio. Allí fortaleció su actividad como compositor y alimentó su reflexión en la docencia a través de una intensa labor con un colectivo de intérpretes que diseminaron con bastante éxito las nuevas tendencias con las que se identificaría la vanguardia musical europea. Para la década de los sesenta, el reconocimiento internacional de Stockhausen trascendía los círculos de la élite musical europea y era considerado uno de los artistas más influyentes del momento; para entonces los índices de ventas de sus grabaciones para el sello Deutsche Grammophon solo eran superados por las grabaciones de Stravinsky. La aceptación de Stockhausen en la cultura popular se irradió hacia las nuevas generaciones, al punto de que incluso su imagen aparece incluida en la portada del disco de los Beatles Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). El reconocimiento del músico alemán ha estado alimentado asimismo por una reflexión estética y pedagógica determinante para las nuevas tendencias artísticas en los más diversos campos. Si bien en los últimos años de su vida el nombre de Stockhausen estuvo más bien encasillado en los excesos logísticos de su ciclo de óperas Licht y curiosidades de su vida familiar y espiritual, es innegable que su legado estético e intelectual es punto de referencia para definir los avances artísticos de nuestra época. Composición digital por Jacobo Ramírez Vizcaya1. 1 Composición digital a partir de imágenes de dominio público (imagen del LP de los Beatles) y de página del web de la fundación de Stockhausen para la nueva música (firma y símbolo del compositor). 8 Stimmung: una realización estética de la modulación del carácter a través de la transformación tímbrica «Cuando escuchamos sonidos somos transformados; dejamos de ser lo mismo después de escuchar ciertos sonidos. Esto se maximiza cuando escuchamos sonidos organizados, sonidos organizados por otro ser humano: música.» Karlheinz Stockhausen2 Si bien la reflexión anterior puede ser una afirmación bastante abierta y corre el riesgo de tomarse con ligereza, plantea al mismo tiempo una idea germinal sobre nuestra capacidad para resonar con el poder transformador de la música en sus más extensas y variadas manifestaciones. Asimismo, se relaciona directamente con la concepción de Stimmung y la manera en que la obra se desenvuelve en el tiempo. El término stimmung tiene un significado abierto a reconsideraciones que expanden su traducción literal. En el ámbito musical se traduce como ‘afinación’ o ‘entonación’. Corresponde al verbo stimmen, que también significa ‘armonizar’ o ‘concordar’, y se relaciona directamente con la palabra stimme, que se traduce como ‘voz’. En un contexto más amplio, la expresión stimmung se puede emplear para indicar que dos personas están de acuerdo respecto a algo o incluso que se encuentran de buen humor y ‘resuenan’ emocionalmente. Si bien es evidente que stimmung es un título apropiado para una obra escrita para un sexteto vocal cuyos integrantes afinan armónicamente, la ambivalencia de la expresión es fundamental para entender cómo la obra evoluciona a medida que cada miembro del ensamble transforma su respuesta musical para acomodarse al estado emocional característico de cada módulo de la forma musical. Es así como Stimmung se constituye en una exploración de transformación sonora (y emocional) constante. La obra crece progresivamente a través de la pronunciación de diversos fonemas, sílabas, palabras desarticuladas e incluso nombres con implicaciones místicas. Stimmung está organizada en cincuenta y un módulos o secciones, cada una de las cuales está dirigida por 2 Tomado de un fragmento de las conferencias ofrecidas por el compositor en Inglaterra entre 1972 y 1973 y grabadas por Allied Artists. Los fragmentos de las conferencias están disponibles en el sitio web de la Fundación Stockhausen para la Música (http:// www.karlheinzstockhausen.org). Stimmung fue compuesta en 1968; de alguna manera representa parte de las propuestas estéticas cuyos conceptos se cristalizaron teóricamente a través de las conferencias presentadas por el compositor a inicios de la década de los setenta. 9 un cantante ‘líder’ que abre su módulo y que determina qué cantantes deben entrar en estas secciones particulares, así como su manera de interactuar con él. Cada voz femenina lidera un módulo ocho veces y cada voz masculina lidera un módulo nueve veces. Estas secciones crecen acústicamente a través de repeticiones a medida que sus textos generan pulsaciones que reverberan orgánicamente, acomodándose a las transformaciones tímbricas que se desenvuelven en el tiempo. Una vez que el líder de cada módulo determina que el carácter emocional de su sección ha sido alcanzado o transformado suficientemente, define la salida hacia el siguiente módulo y asimismo hacia una nueva transformación, es decir, hacia un nuevo stimmung. El orden de estos módulos queda a discreción de los intérpretes, así como la organización de los textos junto con algunos modelos de variación. Por esta razón, el desarrollo formal de la obra se convierte en una transformación única que crece orgánica e irrepetiblemente para cada interpretación. Mediante este método de composición, Stockhausen mantiene su inclinación hacia el indeterminismo asociado a las ‘composiciones procesuales’, en las que los intérpretes participan activamente tomando decisiones compositivas que afectan el resultado final de cada interpretación. La manera en que los timbres se desenvuelven atmosféricamente en el tiempo constituyó una influencia determinante en su época, por lo cual Stimmung se considera un punto de referencia e inspiración para el estilo de ‘composición espectral’ que se desarrolló principalmente en París durante los años setenta. La manipulación de los timbres y su ámbito armónico son también elementos determinantes para Stimmung. Toda la obra deriva inicialmente sus alturas a partir de los primeros ocho parciales la serie armónica3 de la nota si bemol. A lo largo de la obra, los intérpretes manipulan 3 La serie armónica es un fenómeno acústico por el cual cada sonido (o altura) es acompañado por frecuencias adicionales que reverberan con mayor o menor intensidad. El sonido inicial para cada serie es llamado ‘fundamental’ y las frecuencias acompañantes son llamadas ‘armónicos’ o ‘parciales’; el tipo y cantidad de armónicos que acompañan cada sonido son elementos determinantes para el timbre de cada instrumento o incluso para cada cuerpo emisor de sonido. En la gráfica se presenta la serie armónica de la nota si bemol, cuyos primeros armónicos, junto con su fundamental, son empleados en Stimmung. 10 una atmósfera acústica a través de la exploración de diferentes segmentos de la serie armónica, generando armónicos con la voz que, al entrar en reverberación con otras sílabas, se transforman en diversas pulsaciones sonoras que invaden el escenario expansivamente al amplificarse por medios electrónicos. En julio de 1982, Stockhausen explicaba en su correspondencia al director Gregory Rose las circunstancias que lo condujeron a componer empleando exclusivamente armónicos generados por la voz; esta determinación técnica, revolucionaria para la música occidental de la época (Stimmung fue compuesta en 1968), fue concebida como método de composición por razones puramente pragmáticas: Regresaba de un tour por México (muy caliente) a una pequeña casa sobre la bahía en Madison (Connecticut) que mi esposa Mary había arrendado. Ella vivía allí con nuestros dos pequeños niños. Yo empecé a componer esta obra con muchas melodías, cantando en voz alta todo el tiempo. Pero después de pocos días, mi trabajo solo era posible durante la noche (la bahía estaba congelada, todo era hielo y nieve y terriblemente frío). Los niños necesitaban silencio también durante el día (Simón acababa de nacer). Así que empecé a murmurar, no canté en voz alta de nuevo, empecé a escuchar cómo mi cráneo vibraba, dejé de escribir melodías con fundamentales, me centré en el si bemol bajo, empecé nuevamente y escribí Stimmung probando todo personalmente, murmurando las melodías con armónicos. No hay nada oriental, nada filosófico: solo dos bebés, una casa pequeña, silencio, soledad, noche, nieve, hielo (también la naturaleza dormía): ¡un milagro!4. Como Stockhausen indica en el fragmento anterior, la composición de la obra inició después de una prolongada temporada de viajes, en los que pasó por California, Hawái y varias ciudades mexicanas. De manera especial su estadía en México se caracterizó por la visita a diversas ruinas de templos y culturas precolombinas; allí el compositor se sentaba por horas en constante contemplación, reviviendo en su imaginación los rituales que habrían tenido lugar en los antiguos templos, hasta el punto de resonar emocionalmente con cada cultura. Las impresiones generadas en Stockhausen durante el viaje fueron decisivas, no solo por el acercamiento a los rituales y legados de culturas ancestrales, sino también por la capacidad de empatía emocional generada a partir de las transformaciones y los contrastes tanto de las estructuras con el paisaje como de las personas con su entorno. 4 Fragmento de una carta de Stockhausen al director Gregory Rose, escrita el 24 de julio de 1982. Citado por Gregory Rose y Helen Ireland en las notas a la grabación de Stimmung, a cargo de Singcircle, bajo la dirección de Gregory Rose, para el sello Hyperion (CDA66115, 1986). Traducción del texto: Jaime Ramírez Castilla. 11 De esta manera, y casi paradójicamente, la obra no está concebida exclusivamente como una obra meditativa, sino también como una exploración de transformación acústica. Los textos incorporan diversos nombres de entidades místicas de diferentes culturas, pero también palabras de uso común, como los nombres de los días de la semana en varios idiomas y diferentes efectos vocales; asimismo, el texto incorpora tres breves poemas escritos por Stockhausen en 1967, que se caracterizan por sus juegos de palabras y sus implicaciones eróticas. A medida que avanza la obra, las palabras se desprenden de sus significados. Así como los intérpretes determinan en gran parte el orden de las secciones, son también los intérpretes quienes deciden qué nombres místicos incorporan. Stockhausen indica cuándo incorporar los nombres místicos y algunas variaciones tímbricas; en veintinueve de las cincuenta y un secciones, los intérpretes deben incorporar estos nombres, pero cada cantante tiene once nombres de dónde escoger. Por esto, no todos los nombres se emplean en una misma interpretación y no siempre se emplean los mismos nombres; de acuerdo con las indicaciones del compositor, cada integrante presenta las palabras hasta que, mediante repeticiones, se integran a la sección asimilando el carácter que prevalece por la atmósfera sonora de ese momento. Nombres mágicos presentes en Stimmung5 Abassi-Abumo: Creador del cielo (Nigeria, África) Aeolus: Dios del viento (Grecia) Ahura mazda: Dios de la sabiduría, dios supremo (Persia) Allah: Creador todopoderoso (Islam) Atum-Ra: Dios sol (Egipto) Chalchihuitlicue: Dios del mar y el agua salada (cultura azteca) Chang ti (también llamado Shangdi): Gobernante del cosmos (budismo chino) Chronos: Dios del tiempo (Grecia) Diana: Diosa de la luna, la cacería y la natividad (Grecia) Dionysos: Dios de la fertilidad y del vino (Grecia) Elohim: Deidad (cultura hebrea) Elyon: Dios celestial (cultura hebrea) Gaia: Diosa de la tierra (Grecia) Geb: Dios de la tierra (Egipto) Grogoragally: Dios sol (Australia) 5 Parte considerable de este listado fue generosamente proporcionada por Paul Hillier para la elaboración de estas notas. Otra parte proviene de la versión de Gregory Rose, citada en la nota anterior. 12 Halakwulup: Ancestro de la tierra y también nombre de la población y su lenguaje (Tierra del Fuego) Hera: Protectora de las mujeres y del matrimonio (Grecia) Hina-a-tuatua-a-kakai: Dios del brillo de la luna (Hawái, Polinesia) Indra: Dios de la sabiduría, lucha, dios de la creación (India) Isis: Diosa maternal (Egipto) Kala: Madre tierra (India) Luminut: Dios terrenal (Sulawesi, Indonesia) Mulugu: Creador celestial (etnia kikuyu, África) Munganagana: Dios del viento (Australia) Nazami: Creador celestial (África) Nut: Diosa del cielo (Egipto) Osiris: Dios de la fertilidad y la muerte (Egipto) Poseidón: Dios de los mares (Grecia) Quetzalcoatl: Dios de los dioses, dios de los sacerdotes (culturas tolteca y azteca) Rhea: Diosa de la fertilidad y madre de Zeus (Grecia) Rangi: Dios del cielo (etnia maorí, Polinesia) Shiva: Dios de la destrucción (India) Sedna: Diosa del mar y los animales marinos (cultura inuit, Alaska y Canadá) Singbonga: Dios sol bengalí Sussistinako: Dios del cielo (cultura amerindia sia) Tamoi: Dios celestial guaraní (Paraguay) Tangaroa: Dios sol, creador (etnia maorí, Polinesia) Teteoinnan: Madre de los dioses (cultura azteca) Tlaloc: Dios de la lluvia (cultura azteca) Tochi: Abuela de los dioses (cultura azteca) Ueueteotl: Dios del fuego (cultura azteca) Uitzilopochtili: Dios de la guerra, el sol y los sacrificios humanos, regente de Tenochtitlan (México) Uranos: Dios de los cielos (Grecia) Usi Afu: Dios de la tierra (Timor, Indonesia) Usi Neno: Dios del sol (Timor, Indonesia) Uwoluwu: Creador celestial (etnia akposo, Ghana, África) Varuna: Diosa de la ley y sabiduría (India) Venus: Diosa del amor (Roma) Viracocha: Dios de la civilización quechua (Perú) Vishnu: Dios superior y dios de protección (hinduismo) Wakantanka: Dios del trueno (tribu amerindia sioux) 13 Xochipili: Dios de las flores, las artes y la comodidad: (cultura azteca) Yah-Weh: Dios de Israel (cultura hebrea) Yadilqil: Hombre celestial (pueblo amerindio navajo) Yoni: La mujer eterna (India) Zeus: Dios celestial y rey del Olimpo (Grecia) Primeras versiones de Stimmung y su conexión con la versión actual Stimmung fue comisionada a Stockhausen por la agrupación Collegium Vocale de Colonia, ensamble que estaba conformado por jóvenes recientemente graduados de la Rheinische Musikschule, donde el mismo Stockhausen había sido estudiante. Para marzo de 1968, el compositor se encontraba de regreso en Alemania y se reunió con el Collegium Vocale para poner en marcha el estreno de Stimmung después de varios meses de ensayos. La obra se estrenó en París en diciembre de ese año y el ensamble continuó interpretándola en más de un centenar de presentaciones. Para la década de los setenta, la versión del Collegium Vocale se estableció tan sólidamente que pronto se consideró la ‘versión oficial’ y fue grabada bajo la cercana supervisión del mismo compositor; se le conoce actualmente como la ‘versión París’, sobre la cual Stockhausen posteriormente publicó las ‘partituras’ con todas las indicaciones técnicas implementadas para esta versión en particular. A mediados de la década de los setenta, el director británico Gregory Rose se embarcó en la nueva producción de Stimmung junto a su ensamble Singcircle. Esta nueva versión tuvo gran acogida en todo el Reino Unido y fue posteriormente grabada para el sello Hyperion en 1983. En esta ocasión, Stockhausen también participó directamente: interactuó con el ensamble, mantuvo correspondencia directa con Rose e incluso fungió como ingeniero de sonido en una de las presentaciones de la obra en el Barbican Center de Londres. En esta nueva producción de Stimmung, Paul Hillier fue uno de los integrantes del ensamble Singcircle y trabajó bajo la dirección de Gregory Rose y la supervisión de Stockhausen. Hasta el momento, las grabaciones de Stimmung por Collegium Vocale en la década de los setenta y por Singcircle en la década de los 80 han sido consideradas las mejores de la época al atestiguar una relación directa con el compositor. Años después, Paul Hillier asumió la dirección del ensamble Theatre of Voices que nos acompaña en esta oportunidad. Con ánimos renovados, Hillier se dio a la empresa de crear una nueva producción de la obra; habiendo 14 trabajado anteriormente con Stockhausen y bajo la dirección de Gregory Rose, Hillier conocía de cerca la obra y las minucias interpretativas requeridas por el compositor. Para la versión de Theatre of Voices, Hillier reanudó la colaboración directa de Stockhausen, quien aconsejaba tanto elementos musicales como logísticos (atuendos, iluminación, mobiliario, etc.), pero se aseguró de que no se perdieran las libertades interpretativas que la obra brindaba al ensamble. La versión que hoy nos convoca atestigua el desarrollo de un legado artístico que desde sus primeras interpretaciones cuenta con el aval oficial del compositor, en una sinergia creativa que responde a la renovación estética que ha vivido a través de los años. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 15 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 ROY ASSAF TRÍO, jazz (Estados Unidos) Domingo 18 de febrero · 11:00 a.m. BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRÍO jazz (Estados Unidos) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene una corrección realizada en el primer párrafo del texto introductorio incluido en la primera página. Asimismo, contiene un retoque en la diagramación del contenido en la página dos y una corrección ortográfica en la última página de divulgación de próximos conciertos.
Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Tipo de contenido: Programas de mano
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