Foto: Florian Wagner HANSJÖRG ALBRECHT órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: VGW197 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Florian Wagner HANSJÖRG ALBRECHT, órgano Hansjörg Albrecht es considerado hoy un osado franqueador de barreras musicales y un pensador no convencional. Como director, se ha forjado un camino propio cuyo trazado va entre el período Barroco y la contemporaneidad, entre los archivos y las nuevas creaciones. Como instrumentalista, su renombre de virtuoso se debe a sus transcripciones para órgano. Director, organista y clavecinista, Hansjörg Albrecht es director artístico del Coro y la Orquesta Bach de Múnich, agrupaciones fundadas por el legendario Karl Richter. También dirige regularmente el Bach Collegium, de Múnich, la orquesta del Teatro di San Carlo, de Nápoles, y el Carl-Philipp-Emanuel Bach Choir, de Hamburgo. Con estas agrupaciones, y en colaboración con orquestas invitadas, le ha aportado al concepto de programa de concierto perfiles muy novedosos y ha sido también invitado frecuente de auditorios y festivales europeos de renombre. Como director se ha desempeñado junto a intérpretes como Dorothee Oberlinger, Arabella Steinbacher, Fazil Say, Vesselina Kasarova, Simone Kermes, Michael Volle y Klaus Florian Vogt. También ha dirigido la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, de Turín; la Orquesta de la Toscana, de Florencia; la Prague Philharmonia; la Orquesta Sinfónica de Praga; la orquesta del Teatro Nacional de Brno; la Orquesta Sinfónica del Estado de Baviera; la Orquesta Sinfónica de la Radio Muniquesa; la Staatskapelle de Weimar; la Konzerthausorchester de Berlín; la Orquesta Sinfónica de Hamburgo; la Orquesta Filarmónica de la Radio Alemana; la Orquesta Filarmónica de Szczecin; la Orquesta de Cámara de Bruselas; la Orquesta de Cámara de Moscú; la orquesta barroca Elbipolis, y las agrupaciones de la Academia Bach, de Stuttgart. Además de sus actividades como director (en Múnich, Hamburgo, Berlín, Salzburgo, Roma, Nápoles, Bruselas, Varsovia, San Petersburgo, Moscú y Tokio, entre otras ciudades), Albrecht es un reconocido solista y músico de 2 cámara, y ha actuado con Abrecht Mayer, Reinhold Friedrich, Yaara Tal & Andreas Groethuysen y Jean Guillou. Ha actuado como organista en varios de los más celebrados auditorios y catedrales de Europa, Rusia, Japón y los Estados Unidos. También ha sido invitado especial de la Orquesta Filarmónica de Israel; de la orquesta de la Ópera de Los Ángeles; la Orquesta de Cámara St. Luke, de Nueva York; la Orquesta de la Suisse Romande; la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia, de Roma; la Camerata de Salzburgo; la Orquesta Filarmónica Checa; la Camerata Báltica, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Albrecht nació en Freiberg, región alemana de Sajonia, e inició su formación musical cantando con el Kreuzchor de Dresde. Más tarde estudió dirección y órgano en Hamburgo, Lyon y Colonia. Aún durante sus estudios sirvió como organista asistente en la principal iglesia de Hamburgo, St. Michaelis, posición que mantuvo durante siete años. Luego trabajó intensamente durante varios años junto al cantante y director Peter Schreier, en calidad de asistente, organista y clavecinista. Si bien el nombre de Albrecht ha alcanzado reconocimiento mundial, sobre todo gracias a sus interpretaciones de Bach, sus programas de concierto abarcan un repertorio de muy amplio espectro y destacan inusuales conexiones entre obras. Su interés por nuevas composiciones se ha manifestado en el estreno de partituras de Thierry Escaich, Enjott Schneider, Philipp Maintz, Xiaogang Ye y Rodion Schtschedrin, entre otros. Con el sello discográfico Oehms Classics, Albrecht ha grabado más de veinte discos compactos, como director y organista, entre los que se cuenta la serie completa de las canciones orquestales del compositor romántico Walter Braunfels, ampliamente comentada por los medios, y también Der Ring Ohne Worte, de Richard Wagner, en la versión orquestal de Lorin Maazel, nominado para el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. En el 2013, Albrecht recibió una nominación al Premio Grammy en la categoría mejor solista instrumental clásico por su grabación de Los planetas, de Gustav Holst, en la transcripción para órgano de Peter Sykes. Su más reciente grabación de la Sinfonía Fausto de Liszt, transcrita para órgano solo por el mismo Albrecht, tuvo su lanzamiento en el verano de 2018. En el 2017, Albrecht completó una gira más por Japón junto a la Bach Orchestra, de Múnich. Dirigió también Don Giovanni en la Ópera de Dubai, en el marco de la interpretación completa del ciclo Da Ponte, de Mozart, así como una serie de El rapto en el serrallo, también de Mozart, en el Teatro di San Carlo, en Nápoles, con la legendaria producción de Giorgio Strehler, que 3 ese mismo año se presentó en La Scala, de Milán, bajo la batuta de Zubin Mehta. Además, recibió invitación para ofrecer conciertos en Moscú y Zúrich, así como recitales solistas en las salas Leipzig Gewandhaus, Berlin Philharmonie, Müpa Budapest, y en Rotterdam. Se estrenó como director con obras de Dvořák y Mozart en la sala Berlin Philharmonie. En diciembre del 2017 debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo con la interpretación del Oratorio de Navidad de J. S. Bach. Los actuales compromisos de su agenda incluyen conciertos en Berlín, Dortmund y la St. Stephen’s Cathedral, en Viena, y en las óperas de Bolonia, Cagliari y Brno, donde presentará la Sinfonía No. 2 de Mahler; también actuará en el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú, el Bach Fest de Ekaterinburg, el Festival de Zúrich, la Elbphilharmonie de Hamburgo y en la Mozart Week Salzburg 2019. Paralelamente a estas actividades, trabajará con la Orquesta de la Ópera de Bolonia, la Lautten Compagney de Berlín y la Händelfestspielorchester de Halle, por primera vez. 4 PROGRAMA Variaciones Goldberg, BWV 988 (1741) Aria Variación 1 Variación 2 Variación 3 Variación 4 Variación 5 Variación 6 Variación 7 Variación 8 Variación 9 Variación 10 Variación 11 Variación 12 Variación 13 Variación 14 Variación 15 Variación 16 Variación 17 Variación 18 Variación 19 Variación 20 Variación 21 Variación 22 Variación 23 Variación 24 Variación 25 Variación 26 Variación 27 Variación 28 Variación 29 Variación 30 Aria da Capo JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para clave con dos teclados Versión para órgano de Hansjörg Albrecht (n. 1972) CONCIERTO No. 16 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, no se permitirá el ingreso a la sala. Para una mejor audición, agradecemos aplaudir únicamente al final de la obra. 5 NOTAS AL PROGRAMA Uno de los procedimientos compositivos más populares y recurrentes en el Renacimiento y el Barroco fueron las ‘variaciones’ o ‘diferencias’ alrededor de una melodía o secuencia armónica. Si bien el término ‘tema y variaciones’ no aparece sino hasta finales del siglo XVIII para designar una forma musical específica, desde el XVI esta técnica alcanzó una gran popularidad entre intérpretes y compositores. Sébastien de Brossard (1655-1730) define así esta práctica en su Dictionnaire de musique que data de 1703: Llamamos ‘variaciones’ a las diferentes formas de tocar o de cantar un aire, bien sea subdividiendo las notas entre varias de menor valor, o bien agregándole elementos, etc., de manera que aun así se pueda siempre reconocer el fondo de esta aria, que llamamos el ‘simple’, a través de estos elementos que lo enriquecen y que algunos llaman ‘adornos’. […] Así mismo, por ejemplo, las diferentes coplas de las folías de España, de las chaconas, de las passacailles y en ocasiones de las gavotas, etc. son variaciones1. Brossard describe aquí las técnicas de la disminución2 y de la ornamentación –fundamentales en la música de esta época– como medios de expresión para el intérprete y como mecanismos eficaces de improvisación. Entre las danzas mencionadas por Brossard en su exposición, la folía, la chacona y la passacaille se destacan por la presencia de un bajo ostinato, es decir, una línea de bajo que se repite constantemente a lo largo de la obra. La improvisación, en ese caso, sucede sobre la progresión armónica que se infiere del bajo. Ambas formas de variación –‘alteración’ de una melodía por disminución u ornamentación, e improvisación sobre una progresión armónica– resultaron muy atractivas porque detrás de su relativa sencillez permitían a compositores e intérpretes lucir su creatividad, virtuosismo e ingenio en la dialéctica musical. Parte de este ingenio estaba en lograr mantener el interés en el discurso musical a pesar del carácter repetitivo de la forma, como lo señala Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) en su Dictionnaire de musique (1768, p. 531), en el que complementa la definición de Brossard diciendo: «[…] es necesario que el carácter de cada variación esté marcado por diferencias que mantengan la atención y eviten el aburrimiento»3. 1 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 2 Consiste en una subdivisión de los valores rítmicos en otros más pequeños, aumentando exponencialmente las posibilidades de una melodía. 3 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 6 Aunque esta forma de composición llamó la atención de músicos de la talla de Marin Marais (1656-1728), Arcangelo Corelli (1653-1713), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Antonio Vivaldi (1678-1741), Dietrich Buxtehude (1637-1707), Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Henry Purcell (1659-1695) o Johann Pachelbel (1653-1706), entre otros, es sorprendente que uno de los más importantes compositores del final del Barroco, Johann Sebastian Bach (1685-1750), apenas mostrara interés en este tipo de composiciones. Este hecho quedó consignado por Johann Nikolaus Forkel (1749-1818), el primer biógrafo de Bach, quien en su libro Über Johann Sebastian Bachs Leben, Kunst und Kunstwerke (Sobre la vida, el arte y las obras de Johann Sebastian Bach), publicado en 1802 (p. 105), afirma: «[…] a causa de la recurrencia de la misma armonía básica en todo momento, era una forma a la que hasta el momento había prestado poca atención»4. Por lo anterior, resulta sorprendente que, al final de su vida, Bach publicara un conjunto de variaciones bajo el título Aria mit verschiedenen Verænderungen vors Clavicimbal mit 2 Manualen (Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados), hoy conocidas como las Variaciones Goldberg, BWV 988 y publicadas en 1741. El resultado fue una obra monumental, única en su género, de la que también dijo Forkel: «Estas variaciones son el modelo sobre el cual tales composiciones deberían ser escritas, aunque nadie ha sido tan osado para intentar seguir los pasos de Bach»5. En efecto, habría que esperar casi un siglo para que un compositor de la talla de Ludwig van Beethoven (1770-1827) se aventurara en tal empresa cuando concibió las Variaciones sobre un vals de Anton Diabelli, terminadas en 1823. Forkel afirma en su biografía que la obra había sido un encargo del conde Hermann Carl Reichsgraf von Keyserlingk (1696-1764), embajador de Rusia en la corte del príncipe elector de Sajonia, quien la solicitó a Bach para que uno de los músicos de su corte, el clavecinista Johann Gottlieb Goldberg (1727- 1756), las tocara durante las largas noches de insomnio del conde, agobiado por su deficiente salud. La historia no convence a los musicólogos por diferentes razones; una de estas es que el joven Goldberg solo contaba catorce años, y otra es que la obra no está dedicada al conde6, sino a los que Bach llamó Denen Liebhabern zur Gemüths-Ergötzung verferdiget (aquellos enamorados 4 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 5 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 6 Si la obra fue un encargo del conde, lo más lógico hubiera sido que Bach lo mencionara en la dedicatoria —además porque el conde había intercedido para que Bach obtuviera el título de músico de la corte de Polonia—. 7 [de la música] para el deleite de sus espíritus), esto es, aficionados hábiles y apasionados por la música. La historia de Forkel alcanzó popularidad en el siglo XIX, momento en que la obra recibió el nombre de Variaciones Goldberg. Independientemente de la veracidad de esta historia, que alcanzó dimensiones de leyenda, lo cierto es que dentro de la producción de Bach esta obra tiene un carácter singular, como lo reconoce el mismo Forkel: «Como todas las composiciones de Bach en este periodo, las Variaciones son una obra de arte, y sin embargo, son el único ejemplar que nos dejó de esta forma»7. En este momento de su vida, Bach se desempeñaba como Kantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo que ocupó desde 1723 hasta el momento de su muerte. Este codiciado puesto y las numerosas funciones que implicaba (componer, enseñar, supervisar) no fueron impedimento para que el Kantor de Leipzig culminara obras tan importantes como el segundo tomo de El clave bien temperado BWV 870-893 (1744), además de uno de sus más importantes compendios para teclado: el Clavier-Übung (ejercicios para teclado), publicado en cuatro tomos. En estos se encuentran obras como el Concierto italiano, BWV 971 o la Misa alemana para órgano, BWV 669-689. A las publicaciones de 1734 (primer tomo), 1735 (segundo tomo) y 1739 (tercer tomo) Bach agregó una cuarta en 1741, en la que figuraban las Variaciones Goldberg. Bach: el arquitecto Las Variaciones Goldberg son, desde varios puntos de vista, un prodigio arquitectónico. Muchas páginas se han dedicado al análisis de esta estructura, y pese a algunas opiniones contradictorias, en lo que respecta a los rasgos generales del edificio, no hay desacuerdos. La obra consta de un aria (tema principal) seguida de treinta variaciones que terminan con la reexposición del aria. El tema principal consta de dos secciones que se repiten (AA-BB), cada una de dieciséis compases (para un total de treinta y dos compases) en sol mayor. Las variaciones también son bipartitas y se repiten (constan de dieciséis u ocho compases), en sol mayor (salvo las variaciones 15, 21 y 25, en sol menor). Acerca del origen del aria no hay consenso: se sabe que se encuentra en el pequeño libro de Ana Magdalena Bach de 1725, sin mención de autor –por lo que cabe la posibilidad de que no pertenezca a Bach–. Al analizar la relación entre el aria y las variaciones, resulta fácil concluir que el material temático de estas no proviene de la melodía del aria (ejemplo de variación melódica 7 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 8 por disminución u ornamentación) sino de la línea del bajo, procedimiento similar al de una chacona o passacaille (salvo por la duración del motivo del bajo, ordinariamente de cuatro compases en una chacona). La base fundadora de treinta y dos compases del aria (dos secciones de 16 compases que se repiten) es desarrollada a lo largo de las variaciones que junto con el aria y su reexposición suman un total de treinta y dos (mismo número que los compases del aria inicial). Este tipo de ‘coincidencias’ matemáticas son frecuentes en la obra de Bach, para quien el respeto de la proporción y la armonía constituían la esencia de su pensamiento musical. Existen otras proporciones evidentes en la estructura de este edificio. Por ejemplo, la obra puede dividirse en dos grandes secciones, cada una de quince variaciones (incluyendo el aria). Esta idea se sustenta en el carácter de la variación 16, una obertura francesa, que da inicio a un ‘nuevo’ grupo de variaciones. Pero la estructura más notoria es la subdivisión ternaria según la cual cada tres variaciones hay un canon, en una gradación que va desde el unísono hasta la novena, así: variación 3 (canon al unísono), variación 6 (canon a la segunda), variación 9 (canon a la tercera), etc., hasta la variación 27, que es un canon a la novena. La variación 30 –a la que correspondería el canon a la décima– rompe este esquema al usar otra forma polifónica, el quodlibet, que es un contrapunto entre dos melodías populares, técnica osada pero que era común en la época y a veces usada entre los músicos como una forma de juego o broma musical8. Las demás variaciones contenidas en los grupos de tres demuestran semejanzas: las primeras variaciones de cada grupo (1, 4, 7, etc.) pueden ser danzas (courante, passepied, giga), pequeñas fugas o, como en la variación 16, una obertura. Las segundas variaciones de cada grupo (variaciones 2, 5, 8, etc.) son diferentes: son obras libres que se asemejan a fantasías o tocatas, en donde Bach despliega todo su ingenio contrapuntístico. El cruce de manos es especialmente notable en este tipo de variaciones, mucho más virtuosas. Después de la última variación se retoma el aria principal, y es frecuente que algunos intérpretes marquen una pequeña diferencia, bien sea omitiendo una repetición, agregando un ornamento o variando el tempo para marcar el carácter conclusivo de esta última aparición del aria. 8 Las melodías, de procedencia sajona, han sido identificadas como Kraut und rüben, haben mich vertrieben. Hatt mein Mutter fleisch gekocht, so war ich länger blieben (Los repollos y los nabos me han hecho huir. Si mi madre hubiera cocinado carne, me habría quedado más tiempo) y Ich bin so lang nicht bei dir gewest; Ruck her, Ruck her, Ruck her (Hace tiempo que no he estado contigo; vuelve, vuelve, vuelve). Aunque en la partitura Bach fue muy explícito en mencionar un clave de dos teclados, la obra se ha hecho famosa por las interpretaciones que se han realizado al piano9, a pesar de las dificultades que implica adaptar las variaciones que exigen el uso de los dos teclados. En el concierto de hoy escucharemos una adaptación al órgano, instrumento que cuenta con varios teclados, y aunque estos no funcionan igual que los del clavecín, aportan otras ventajas a la interpretación de esta obra magistral. Glosario Contrapunto: técnica de composición musical que analiza las relaciones entre varias voces ‘nota contra nota’, buscando un equilibrio armónico. Canon: técnica del contrapunto en la que dos o más voces se imitan entre sí con la distancia de un intervalo preciso. Fuga: técnica del contrapunto en que varias voces entran en forma sucesiva como ‘persiguiéndose’ o ‘imitándose’. Bibliografía Brossard de, S. (1703). Variation. Dictionnaire de musique, contenant une explication des termes grecs, latins, italiens, et françois les plus usitez dans la musique. París: C. Ballard. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ ark:/12148/btv1b8623304q/f70.item.zoom Forkel, J. N. (1802). Johann Sebastian Bach. His Life, Art and Work (traducido del alemán por Charles Sanford). New York: Brace and Howe, 1920. Recuperado de http://www.gutenberg.org/files/35041/35041-pdf.pdf Rousseau, J. J. (1768). Variation. Dictionnaire de musique. París: Chez la veuve Duchesne. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k850406b/f333.image Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora con la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y con la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 9 En especial la del famoso pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982). PULEP: ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573 PULEP: ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Foto. Rodrigo Iván Díaz Foto. Daniel Molano TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali

Foto: Rodrigo A. Velásquez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 JONATHAN ROSERO saxofón (Colombia) Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: TAG250 Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Popayán, Templo San José de la ciudad de Popayán PULEP: WSO275 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 JONATHAN ROSERO, saxofón Nació en el municipio de Imués (Nariño), donde también inició sus estudios musicales en la escuela de formación musical Semillas de Paz en el 2004. Posteriormente formó parte de la banda sinfónica Semillas de Paz con la que ha participado en diversos certámenes a nivel departamental y nacional. En el 2012 ingresó al programa Licenciatura en Música de la Universidad de Nariño, institución en la cual cursó dos semestres bajo la orientación de Luis Medina y Sandra Quiñones. En el primer semestre del 2013 ingresó al programa Música Instrumental de la Universidad del Cauca, bajo la orientación de la maestra Sandra Paola Jiménez. Rosero también ha hecho parte la Banda Sinfónica de la Universidad de Nariño, la Banda Sinfónica de la Universidad del Cauca y el Quintetazo de la Universidad del Cauca. Fue ganador del concurso Jóvenes Solistas de la Banda Departamental del Valle en el 2017. Ha recibido clases con Herman Carvajal (Colombia), Javier Ocampo (Colombia), Josetxo Silguero Gorriti (España) y Alberto Chávez Zamora (España). El concierto en Popayán cuenta con el apoyo de Foto: Rodrigo A. Velásquez 2 PROGRAMA Lobuk Constrictor (1990) FRANÇOIS ROSSÉ (n. 1945) Ku Ku (1997) BARRY COCKCROFT (1932-2001) Improvisations I, II y III (1972-1974) RYŌ NODA (n. 1948) INTERMEDIO La palabra (1983) La palabra dura La palabra dulce La última palabra JORGE LÓPEZ MARÍN (n. 1949) Maï (1975) RYŌ NODA Suite para saxofón solo (2017) Fandango Cumbia Chandé HERMAN FERNANDO CARVAJAL (n. 1986) CONCIERTO No. 20 3 NOTAS AL PROGRAMA Al tratarse de un instrumento cuya génesis es muy reciente, los intérpretes del saxofón no tienen literatura propia a la cual remitirse antes de la década de los cuarenta del siglo XIX. La mayoría opta por adaptar o interpretar arreglos de piezas escritas para otros instrumentos y, de esa manera, poder acceder a lenguajes que antecedieron la creación del instrumento. No obstante, el repertorio para el saxofón ha crecido de manera llamativa a partir de la segunda mitad del siglo XX y, a pesar de expresarse por medio de un lenguaje un tanto más hermético que el repertorio con el que inició su recorrido, los intérpretes se han volcado hacia estas nuevas posibilidades haciendo que los programas de concierto para saxofón tengan cada vez menos J. S. Bach y F. J. Haydn, y cada vez más repertorio escrito en los últimos sesenta años. El saxofonista Jonathan Rosero presenta hoy un programa cuyas piezas fueron escritas en la segunda mitad del siglo XX. Este es de los pocos instrumentos cuyo origen tiene nombre y apellido; fue fruto de la invención del belga Adolphe Sax –de donde sale el término saxophone– quien, además de tener una educación como músico, se dedicaba a la construcción de instrumentos de viento al igual que su padre. Sax, imbuido del espíritu decimonónico, se adhirió a la búsqueda del perfeccionamiento tímbrico que realizaban tanto compositores como constructores, y alrededor de 1840 empezó a dar a conocer su nueva creación, pensada inicialmente para ser introducida en el mundo orquestal y en el militar (Rauemberger, C. & Ventzke, K., 2001). A pesar de haber nacido al interior del mundo orquestal y académico, el saxofón ha sido principalmente reconocido por el papel que ha desempeñado en escenarios más populares; en la primera mitad del siglo pasado fue protagonista a manos de personajes como Sidney Bechet, Lester Young, Coleman Hawkins, Sonny Rollins y el legendario Charlie Parker, del auge de las big bands; del nacimiento del bebop y, hacia finales de los cincuenta, de la inserción de la cuota de vanguardia que proveería Ornette Coleman con el free jazz. Sin embargo, y pese al afán de muchos por distanciarlas, las esferas de lo académico y de lo popular comparten un vasto bagaje que cada vez es más significativo e innegable y uno de los elementos que las une sirve también como hilo conductor a lo largo del programa que presenta Jonathan Rosero: la improvisación. Ésta, que transita entre lo oral y lo escrito, ha funcionado 4 como pilar en la creación musical y, aunque ha sido opacada en algunos momentos, su papel en la poética sonora ha sido responsable de que figuras como Wolfgang A. Mozart, Ludwig van Beethoven, Fréderic Chopin y Niccolò Pagannini fueran tan reconocidas en sus respectivas épocas como creadores ex tempore; además, fue la pincelada que Louis Armstrong y Jelly Roll Morton introdujeron en la música popular norteamericana de principios del siglo XX para entrar en la era del jazz. La mayoría de las piezas que conforman el programa que se escuchará hoy, aunque no pide que el intérprete improvise, sí nace de sonoridades que evocan un carácter improvisatorio; es Lobuk Constrictor del francés François Rossé (n. 1945) la pieza que mejor demuestra dicho carácter. Además de utilizar técnicas extendidas del instrumento, como los multifónicos, esta corta pieza –que dura alrededor de cuatro minutos según la partitura– da cuenta del oficio de Rossé, quien además de compositor es pianista improvisador. Dedicada a Jean Marie Londeix, una de las figuras más representativas de la pedagogía del instrumento, Lobuk Constrictor está determinada de principio a fin; cada dinámica, cada altura, cada duración, cada tipo de ataque son dados al intérprete enteramente en la partitura, evocando la música académica de los cincuenta del siglo XX, cuando la poética o proceso precompositivo se posicionaba por encima del resultado sonoro y compositores como Pierre Boulez u Olivier Messiaen planteaban una arquitectura ciertamente intelectual de la música. Habiendo sido Rossé alumno de este último, no es de extrañar que la pieza siga este proceso de construcción a pesar de que su resultado sonoro represente la faceta de creación inmediata de su compositor. La segunda pieza, Ku Ku, del saxofonista y compositor australiano Barry Crockcroft (1933-2001), también puede llegar a sentirse como una pieza improvisada en algunos momentos, claro está, con un resultado sonoro contrastante frente a Lobuk Constrictor. Compuesta en 1997, está dividida en dos partes y es el resultado de una anécdota en sus años de estudiante; cuenta Crockcroft que tras encontrarse estudiando e improvisando sobre la Sequenza VIIb de Luciano Berio, un amigo suyo dijo que sonaba como una gallina: «Me gustaba tomar algunos de los multifónicos utilizados por Berio, añadiendo algunos ritmos pintorescos. Cuando un amigo me dijo amablemente que sonaba como una gallina, pensé que podría resultar divertido extender esta idea»1 (Crockcroft, 1997). 1 Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo. 5 La primera parte de la pieza consta de escalas y arpegios construidos a partir de sonoridades orientales que recuerdan simultáneamente la música francesa de finales del siglo XIX y principios del XX, y algunos solos de guitarra del rock de la década de los ochenta. La segunda parte es en donde salen a relucir las técnicas extendidas como el slap y, nuevamente, los multifónicos, además se esboza en ella un carácter sutilmente programático en el cual, como menciona el compositor, se extiende la idea de todas las posibilidades que hay de ‘sonar como gallina’ en una especie de poema con tintes surrealistas: Ignorando la ortografía, aparentemente: Kuku en swahili significa gallina [pollo]. Ku-ku es una especie de reloj hecho en la Selva Negra. Ku ku significa loco. Hay gallinas felices, unas que viven en granjas orgánicas, que tienen gusanos para comer y ponen muchos huevos. El aire es fresco y el gallo buenmozo atiende todas sus necesidades… Hay otra clase de gallinas, unas que pueden haber perdido la razón ¡o la cabeza! Cada día hacen lo mismo; viven en pequeñas cajas, cluck, cluck… Cluck, cluck2 (Crockcroft, 1997). Ryō Noda (n. 1948) es un compositor japonés que logra introducir una gran variedad de los matices presentes en la cultura japonesa a sus composiciones, comulgando a su vez con el lenguaje de la música académica del siglo XX. Las Improvisations I, II y III, escritas entre 1972 y 1974, y dedicadas a su maestro Jean-Marie Londeix, son las primeras piezas de Noda, quien también dedicó su tiempo a estudiar terapia musical. En estas (al igual que en Maï, que se mencionará más adelante) desarrolla un ethos casi espiritual por medio de la extrapolación del lenguaje de la flauta de bambú, o shakuhachi, al saxofón. Las tres piezas incorporan ‘comportamientos’ y técnicas del instrumento japonés, y las transmiten por medio de técnicas extendidas en el instrumento moderno, dando como resultado una pieza con sonoridades 2 Ignoring the spelling apparently:/Kuku in Swahili means chicken/Ku-ku is a type of clock made in the Black forest/Ku Ku means crazy/There are happy hens, ones that live on an organic farm, that have worms to eat and lay lots of eggs/The air is fresh and the handsome rooster caters for all their needs…/ There are other kinds of chickens,/ones that may have lost their mind, or their head!/Each day they do the same thing, they live in little boxes,/cluck, cluck… cluck, cluck. (Traducción de Daniela Peña Jaramillo). 6 del lenguaje contemporáneo académico, pero con un carácter contemplativo de base. El cubano Jorge López Marín (n. 1949) estudió sus primeros años de formación musical en su país natal, pero pronto emigró a la antigua Unión Soviética a estudiar composición y dirección con Aram Ilich Khachaturian, famoso por su Danza del sable, del valle Gayanéh y reconocido en el mundo académico como uno de los abanderados de la música nacional rusa que, para ese entonces, no era solo un matiz, sino una necesidad. Como menciona Vladimir Stasov en su ensayo de 1883 sobre la escuela rusa, uno de los pilares sobre los que se cimentó ésta es el carácter nacional de su música: Otro rasgo distintivo importante de nuestra escuela es la constante búsqueda del carácter nacional. Esto se remonta a Glinka, y continuó ininterrumpidamente hasta nuestros días. En ninguna otra escuela europea se puede hallar algo semejante: las condiciones históricas y culturales de los demás pueblos son tales que el canto popular –la expresión simple y espontánea de la musicalidad del pueblo– desde hace ya mucho tiempo prácticamente ha desaparecido en casi todos los países civilizados (…) En nuestro país las cosas pasan de un modo completamente diferente. Se escuchan canciones populares por todas partes, aún hoy. Cada mujik, carpintero, albañil, portero, cochero; cada aldeana, lavandera, cocinera, niñera, nodriza: todos llevan consigo los cantos populares de sus pueblos a San Petersburgo, a Moscú, a cada ciudad, y nosotros los oímos resonar a nuestro alrededor durante todo el año: estamos constantemente rodeados de ellos (Glinka, 1883, citado por Di Benedetto, 1982, p. 222). El caso de Cuba, y en general el de Latinoamérica, no dista mucho de la situación cultural en Rusia –aunque hay grandes diferencias en el aspecto geográfico– y es por esto que compositores de la generación de López Marín, como Leo Brouwer, deciden retratar la cultura cubana con medios de expresión académicos; La palabra, compuesta en 1983, no es la excepción. Al igual que las demás piezas que conforman este programa, ésta pretende una exploración tímbrica a partir de las técnicas extendidas, y el lenguaje melódico, armónico y rítmico de la música académica del siglo XX, pero se logran reconocer en ella algunos atisbos de la música popular cubana; ciertas células melódicas que recuerdan a canciones llevadas a los oídos de los compositores por aquellos personajes populares que cita Stasov. Maï trata, grosso modo, sobre el Heike monogatari (平家物語), en español como Cantar de Heike, una especie de epopeya del siglo XIII que narra el enfrentamiento de dos clanes de samuráis: el Genji y el Heike, o Tayra, 7 que es también el nombre del líder el clan de los Heike y que, como es común en la escritura japonesa, comparte el símbolo de representación gráfica y resulta en una serie de ramificaciones de significados que solo pueden darse en esta lengua: Tayra = 平; Heike = 平家 = Tayra + hogar). En un sentido más concreto, la pieza se comunica mediante un poema que pareciera ser una extracción ampliamente resumida del Heike monogatari, titulado La bataille de la mer (La batalla del océano), en la cual se narra la historia del general Kyotsum, quien dejó a su esposa para salvar a su ejército y se encuentra en un momento contemplativo, tocando su flauta (shakuhachi) antes de encontrarse con ésta (Christiensen, 2015, p. 50). La palabra Maï por sí sola podría significar muchas cosas: número de cosas delgadas; danza; todos los… (días, meses, años, etc.); ropa de lino, en fin; escrita en alfabeto latino, como se encuentra en la partitura, no queda claro si se trata, por ejemplo, de una traducción poética en la que las acciones de la epopeya se representan en una danza o si el compositor se refería a todos los [días], que podría ser la respuesta del general frente a su esposa cuando ésta le pregunta si en algún momento pensó en ella; lo que sí queda claro es que Ryō Noda logra traducir perfectamente la cultura japonesa en música, no solamente por medio de sonoridades y de tratar un instrumento moderno con las técnicas de uso ancestral, sino representando signos y significados de la lengua en clave musical. Para finalizar, la obra más joven del programa fue compuesta por Herman Fernando Carvajal (n. 1986), compositor, docente y saxofonista nariñense cuya obra se centra en utilizar ritmos colombianos de diferentes regiones (porro, bambuco, pasillo, etc.) como materia prima para realizar composiciones que hablen desde el idiomatismo del instrumento y de todas sus posibilidades técnicas. La Suite para saxofón solo consta de tres movimientos que representan el litoral atlántico colombiano: el fandango, la cumbia y el chandé; en los tres, los ritmos característicos y la arquitectura armónica y melódica tradicional son el eje, y se reconocen de manera inmediata. No obstante, no se trata de una narración de principio a fin, sino más bien de pequeñas células en donde se da cuenta de estos elementos, que, de repente se ven interrumpidas o relevadas por momentos en los cuales los recursos como el slap, los multifónicos y el slide buscan protagonizar el discurso. El momento cuando dichos recursos logran comulgar de manera más orgánica con el lenguaje tradicional es en la cumbia, en la que se indica que un ataque (soplo), es una imitación del maracón, que lleva la base rítmica y el gusto de dicho género. 8 Referencias Christiensen, M. (2015). A historical approach to interpreting select saxophone Works by Ryo Noda. (Disertación doctoral, Texas Tech University). Tomado de: https://ttu-ir.tdl.org/handle/2346/66137 Crockcroft. (1997). Ku Ku. Disponible en: https://barrysax.com/ composition/ku-ku/ Di Benedetto, R. (1982). Historia de la música: El siglo XIX - Primera parte. Madrid: Ediciones Turner, S.A. Raumberger, C., & Ventzke, K. (2001). Saxophone. Grove Music Online. Consultado el 22 de marzo de 2019. Disponible en: http://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000024670. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto. Samantha García Próximos conciertos en Popayán MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 7 de noviembre · 7:00 p.m. Templo San José de la ciudad de Popayán Con el apoyo de la Fundación Universitaria de Popayán y el Programa de Iniciación y Formación musical Informus PULEP: MMN255 LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira PULEP: HQF982. OTA770. XYA267. CYV981. IZX751 Foto. Juan Felipe Calderón Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 PULEP: WZY642. ADF704. RXM248. QGI573 Foto. Rafael Piñeros ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m.

Foto: David Castañeda Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 PÁRAMO quinteto de jazz (Colombia) Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:00 p.m. Pasto, Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: ZDW253 Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ADF704 Domingo 1° de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas Cód. PULEP: QHU878 Viernes 13 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Barranquilla, en el marco de Barranquijazz Cód. PULEP: JLM766 Martes 8 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: OLS648 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 PÁRAMO, quinteto de jazz El quinteto de Ricardo Narváez se conformó en el 2011 y se dio a conocer a nivel nacional gracias a Esperando, su primera producción discográfica que se lanzó en numerosos conciertos en Bogotá y Manizales. En el 2013, tras el regreso de Narváez a Colombia, la agrupación fue ganadora de la convocatoria de IDARTES para participar en el festival Jazz al Parque. Ese mismo año participó en el concurso internacional Festival Voces del Jazz, en Cartagena, en el que obtuvo el primer lugar. En el 2014 la agrupación fue invitada al Mompox Jazz Festival en donde recibió una gran acogida por parte del público. Su segunda producción discografía Almusik, publicada en el 2015, fue seleccionada para participar en la segunda versión de ConfaJazz que se realiza en Manizales. Ese mismo año, con el nombre Ricardo Narváez Quinteto, la agrupación ganó la convocatoria de IDARTES para participar en el festival Jazz al Parque y fue seleccionada para participar en el III Encuentro Capital de Jazz en Bogotá. En el 2017, la agrupación –bajo el nombre Páramo– grabó el disco El ángel exterminador. Ricardo Narváez, saxofón Inició sus estudios de música en la banda sinfónica del Colegio Seminario Redentorista de Manizales en 1991. En el 2000 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, para estudiar saxofón clásico. Al año siguiente inició estudios de saxofón jazz en la misma universidad, donde Foto: David Castañeda 2 obtuvo el título de Maestro en Música con énfasis en saxofón jazz en el 2007. Participó en la primera versión del concurso nacional de saxofón de Selmer Paris en el 2005, obteniendo el segundo lugar en la categoría especial. Tres años más tarde participó en el I Concurso Panamericano de Saxofón Jazz Cannonball, en Ciudad de México, donde obtuvo el primer lugar. En el 2009 fue beneficiario de la beca DAAD para viajar a Alemania y realizar estudios de Meisterklasse–Fortbildungklasse en el Hochschule für Musik en Núremberg. Durante su estadía en Alemania grabó su primera producción discográfica, Esperando, en el 2011 y, al año siguiente, obtuvo el título de Master of Music con énfasis en saxofón jazz y regresó a Colombia. Adicional a sus participaciones en numerosos festivales con la agrupación Ricardo Narváez Quinteto, participó en el Bolivia Festijazz Internacional en el 2015 junto a la cantante Urpi Barco. Es miembro activo de la Big Band Bogotá, agrupación con la que ha participado en varias versiones del festival Jazz al Parque en Bogotá. En el 2017, como integrante de la agrupación Sanalejo, fue nominado al Grammy. En el 2018 obtuvo una beca del DAAD para viajar a Alemania a realizar estudios de Dirección de Big Band de jazz. Actualmente es docente y coordinador del énfasis de jazz de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y de la Universidad Sergio Arboleda. Pavel Zuzaeta López, trompeta Trompetista cubano graduado en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana. Cuenta con una amplia carrera profesional con presentaciones en Italia, Francia, Canadá y España. Participó durante tres años en el Cabaret del Gran Casino de Montecarlo en el Principado de Mónaco, donde hizo parte de varios espectáculos. En la misma ciudad actuó como integrante de la orquesta del Sporting Club de Montecarlo. Actualmente está radicado en Bogotá donde realiza presentaciones en diferentes escenarios y festivales entre los que se destacan el festival Jazz al Parque en Bogotá, el festival Barranquijazz y el festival Ajazzgo. Fue ganador del festival Voces del Jazz de Cartagena con las agrupaciones Ricardo Narváez Quinteto y Nowhere Jazz Quintet. Actualmente es profesor de trompeta jazz en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Holman Álvarez, piano Nació en Barranquilla en 1981. Su aprendizaje musical comenzó a la edad de trece años en la Academia Musical Amadeus en Cali. Empezó a tocar en orquestas de salsa y música popular como el grupo Farallones de Cali desde los quince años. Durante este periodo recibió clases de armonía y piano. En el 2006 recibió su grado de música con énfasis en composición en la Universidad 3 del Valle. Ese mismo año viajó a Buenos Aires, Argentina, para realizar estudios en la Escuela de Música Contemporánea y en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla en la carrera de jazz. Se ha presentado en festivales como Jazz al Parque en Bogotá, Ajazzgo en Cali, Barranquijazz, Pasto Jazz, Festival de Jazz de Ibagué, Voces del Jazz en Cartagena, el Festival de Jazz de Buenos Aires y el Mar del Plata Jazz. En el 2012 lanzó su primer disco solista titulado Yegua de la noche, editado por el sello Festina Lente Discos, el cual presentó en el Festival de Jazz de Buenos Aires. En el 2013, con el sello MDF, lanzó su disco Geometría ardiente en el que toca en dúo con el baterista colombiano Jorge Sepúlveda . En el 2014 lanzó el disco Los hijos de mercurio con el sello LOCUS, un experimento de improvisación libre junto a Kike Mendoza, Juan Ignacio Arbaiza, Néstor Vivas y Ramón Berrocal. Ha sido docente en las escuelas de música EMMAT y Fernando Sor en Bogotá, así como en la Universidad de Cundinamarca. Actualmente es profesor en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Kike Harker, contrabajo Comenzó sus estudios de bajo eléctrico en 1999 en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor en Bogotá. Posteriormente ingresó a la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia donde recibió por dos años clases de contrabajo con Mauricio Daza. En el 2002 ingresó a la Universidad Pedagógica de Colombia donde hizo parte del quinteto de jazz Kinder Jazz, agrupación con la que realizó varias presentaciones en el Festival de Jazz del Club El Nogal, en el ciclo de conciertos de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en el Auditorio Oriol Rangel y en la décima edición del festival Jazz al Parque. En el 2006 participó en el taller de jazz y música moderna organizado por la Escuela Fernando Sor, donde recibió una beca para estudiar por un año en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires, Argentina, en donde recibió clases de bajo con Mariano Otero y Willy González, y clases particulares de contrabajo con Jerónimo Carmona. Se ha presentado con diferentes agrupaciones de la escena nacional como Antonio Arnedo Cuarteto, Tico Arnedo Cuarteto, Kike Mendoza y el trío Tres Butacas y Suricato. También es integrante del Quinteto Escuela Leopoldo Federico, quinteto de tango liderado por el bandoneonista colombiano Giovanni Parra. Ramón Berrocal, batería Baterista bogotano especializado en música improvisada. Estudió en el programa juvenil de la escuela de música Francisco Cristancho en Bogotá y posteriormente ingresó a la Escuela de Música y Audio Fernando Sor. En 4 el 2009 viajó a Nueva York para estudiar en The Collective School of Music en donde tuvo la oportunidad de recibir clases de músicos como Wayne Krantz, Jacob Sacks, Mark Guiliana, Peter Retzlaff, Ian Froman y Sean Conly. Allí también trabajó como músico acompañante para los programas de bajo, piano y guitarra, y obtuvo una beca para realizar un programa personalizado enfocado en jazz y música improvisada. Berrocal también domina estilos como R&B, Hip-Hop, góspel, música electrónica, rock y funk. Tras su regreso a Colombia en el 2013, participó en el concurso internacional Voces del Jazz en Cartagena donde resultó ganador en primer lugar con el quinteto de Ricardo Narváez. Ha sido ganador de la convocatoria del festival Jazz al Parque de Bogotá con las agrupaciones Ricardo Narváez Quinteto, Andrew Urbina Cuarteto y Sistematik. Ha trabajado con importantes músicos locales como Antonio Arnedo y Tico Arnedo, Gina Savino, Zaperoco, Holman Álvarez, Pacho Dávila y Gianni Bardaro. Actualmente trabaja como docente en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor y fue nombrado representante regional para el Drummers Collective en Colombia. El concierto en Barranquilla se realiza en el marco de la programación del Festival Barranquijazz 2019 El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 5 El ángel exterminador (2018) HOLMAN ÁLVAREZ (n. 1981) Pal monte blanco (2018) ‘KIKE’ HARKER (n. 1979) Kaputt (2018) RICARDO NARVÁEZ (n. 1982) El veneno de las princesas (2018) Woodysheando (2018) PAVEL ZUZAETA (n. 1977) Filburt (2018) RAMÓN BERROCAL (n. 1987) Páramo (2018) HOLMAN ÁLVAREZ CONCIERTO No. 23 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso a la sala de acuerdo con las indicaciones que para ello brinden los artistas. PROGRAMA 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Acerca de Páramo Luego de varios años en Núremberg, Alemania, el saxofonista manizalita Ricardo Narváez regresó a Colombia en el 2012. Muchas de sus inquietudes estéticas giraban en torno a la experimentación armónica de ciertas músicas populares colombianas del complejo sonoro andino. Algo de esta exploración se reveló tímidamente en Esperando (2011) y Almusik (2012), dos discos grabados durante su temporada alemana. No pasó mucho tiempo antes de que Narváez, afincado definitivamente en Bogotá, convocara a cuatro músicos que hicieron volar en mil pedazos sus primeras intuiciones. Del genérico Ricardo Narváez Quinteto pasaron a llamarse Páramo pues pronto se dieron cuenta de que no eran la banda que acompañaba al saxofonista, era una colectividad en la que cada cual no solo aportaba su cuota interpretativa. Cruce de personalidades variopintas, la búsqueda de Páramo sienta sus bases en el jazz moderno, explora con juicio la tradición del hard bop, coquetea con la música de cámara y alude con cierta ironía y buen sentido del humor al jazz latino y la salsa. El ángel exterminador (2018) está compuesto por siete piezas que ustedes tendrán la oportunidad de disfrutar en este concierto. El debut discográfico de Páramo es un referente muy refrescante dentro de la actualidad del jazz colombiano. Notas al repertorio El ángel exterminador · Holman Álvarez La pieza que da título al disco de Páramo toma su nombre de la película dirigida en 1962 por Luis Buñuel. Más allá de la atmósfera surrealista y angustiante que se respira en el filme, lo que hizo Álvarez fue retomar el nombre por una simple razón: le sonaba poderoso y apocalíptico. Basada en una enrevesada clave rítmica propuesta por el baterista Ramón Berrocal, la composición se desarrolla como si fuera una pequeña pieza de música clásica en la que contrastan melodías dramáticas y otras latinas en las que el pianista quiso citar a su manera a los Hermanos Lebrón. 7 Pal monte blanco · ‘Kike’ Harker Cuando fue convocado por Ricardo Narváez para hacer parte de Páramo, el contrabajista Kike Harker se encontraba en Chambéry, Francia. En esos días subió a una montaña nevada desde donde podía apreciar en todo su esplendor el Mont Blanc. Esa visión, sumada al anhelo de caminar hasta ese monte, se materializó en una pieza influenciada por las exploraciones rítmicas de Avishai Cohen. Pensada para destacar lo mejor de cada músico, la primera sección deja a Holman Álvarez y a Ricardo Narváez resolver estáticamente la melodía, mientras que en la segunda el trompetista cubano Pavel Zuzaeta remata con un solo agresivo sintonizado con el hard bop. Las métricas irregulares dejan volar con soltura a Ramón Berrocal. Kaputt y El veneno de las princesas · Ricardo Narváez Las dos piezas que Ricardo Narváez aporta para la grabación son más bien contrastantes. Por un lado, Kaputt es una juguetona composición con un swing bastante irregular que obliga a los solistas a improvisar sin utilizar los trucos habituales. En otra esquina se encuentra El veneno de la princesa, una suerte de canon melancólico en la que los solistas no son forzados a nada. Al contrario, la invitación es a que cada uno de ellos lleve su discurso sonoro hasta el límite de las consecuencias. Woodysheando · Pavel Zuzaeta De los experimentos modales al clasicismo y el post-bop, el trompetista Woody Shaw fue una de las figuras más reputadas del jazz tradicional contemporáneo entre mediados de la década de los años sesenta y finales de los ochenta cuando murió de manera trágica. La libertad rítmica, la plenitud y aun la suavidad es lo que el trompetista Pavel Zuzaeta extrae de la figura mítica de Shaw para rendirle homenaje con este, un swing vibrante y polimorfo. Filburt · Ramón Berrocal El neurótico e hipocondriaco tortugo Filiburt es uno de los personajes principales de la serie animada Rocko’s Modern Life. No sin cierta premeditada ironía en la que hace gala de un sentido del humor incisivo, el baterista Ramón Berrocal se inspira en la sicología de este simpático sujeto para proponerle a la banda un ejercicio rítmico basado en una premisa que bien parece haber sido pronunciada por el quelonio neurasténico: “Algo simple sobre lo que se puede meditar mucho”. 8 Páramo · Holman Álvarez Dirigida en 2012 por Jaime Osorio, Páramo es una siniestra película de terror que transcurre en un ambiente natural enrarecido. La aridez húmeda, la sensación de que puede ser un paisaje de otro planeta, el halo de misterio que emana de sus profundidades y, por supuesto, la referencia al filme de Osorio inspiraron a Holman Álvarez a escribir esta pieza que vacila entre lo estresante y lo nebuloso. La inquietante melodía, según el pianista, está construida desde ese anhelo. Acerca de la portada del disco El devenir del collage en Colombia es difuso. En el libro Fisuras del arte moderno en Colombia, Carmen María Jaramillo analiza el estupendo y divertido trabajo que entre la década de los sesenta y los setenta hicieron Juan Camilo Uribe, Carlos Rojas, Beatriz Daza, Guillermo Wiedemann y Álvaro Herrán. Sin embargo, son casos aislados que no precisan una directriz y mucho menos un canon estético. Llama la atención que los entendidos coincidan –no sin cierto dejo humorístico– en nombrar a Pedro Manrique Figueroa como precursor. El dato pasaría desapercibido si no fuera por un asunto curioso: Manrique Figueroa es un personaje ficticio inventado en 1995 por Lucas Ospina, François Bucher y Bernardo Ortiz. En el ámbito discográfico colombiano, la técnica del collage no ha sido explorada sistemáticamente salvo en los casos excepcionales del barranquillero Humberto Aleán –recordemos su atípicas portadas a mediados de los setenta para el sello Machuca-, la artista plástica bogotana Alma Sarmiento –quien diseñó las portadas de los discos Paisaje abierto (2011) y Muerte en Pereira (2010) de Bituin–, y Glenda Torrado, ilustradora bumanguesa que hace su aporte con la tapa del disco El ángel exterminador. Conocida por su imaginería macabra y grotesca en la que el humor surrealista cabe dentro del drama cotidiano, Torrado ha ilustrado varios discos del ámbito del jazz en Colombia: Yegua de la noche (2012), Geometría ardiente (2013) y Los hijos del mercurio (2014) de Holman Álvarez; Oí na ma (2014) y Familia Caribe (2017) de la pianista cartagenera Melissa Pinto; Ambivalencia (2017) del también pianista Juan Pablo Cediel, y Diciendo el murmullo (2017) y Otro swing (2017) del guitarrista caleño Luis Ardila. En el caso particular de 9 la ópera prima del quinteto Páramo, Torrado construye un paisaje extraño con un collage conformado por recortes de El jardín de las delicias, fotogramas de la película 2001: Odisea del espacio y la serie de televisión La mujer maravilla. El paisaje sombrío, de colores fríos y secos, hace alusión a ese extraño páramo que no parece de este planeta. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Próximos conciertos en Pasto Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República PAUL BROCK BAND, música tradicional irlandesa (Irlanda) Lunes 10 de junio de 2019 · 7:00 p.m. ALEXA CAPERA RIVEROS, corno francés (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: LCW 664 . SQH617 Próximos conciertos en Villavicencio Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Viernes 1° de noviembre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: YMS104 Próximos conciertos en Barranquilla Auditorio Mario Santo Domingo CUARTETO PRISM, cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Viernes 18 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: AJA640 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD, piano (Francia) Miércoles 19 de junio de 2019 · 7:30 p.m. PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio ENSAMBLE SINSONTE música llanera (Colombia) Domingo 14 de julio de 2019 · 11:00 a.m. ALEXIS DESCHARMES Y ALEXANDRA GREFFIN-KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda Cód. PULEP: RXM248 . QGI573 . TSH296 . RBP923 . BFV997 . RNR558 COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES, nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio de 2019 · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón Jueves 18 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué Cód. PULEP: OTA770 . XYA267 . CYV981 . IZX751 . XCL642 . CPF877 . LLL233 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 OSCARYVAN GARZON TRÍO - Foto. Pedro P. Pachón COLORÍN COLORADO - Foto. Axel Moncada

Foto: María Paula Suescún Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal (Colombia) Barbara de Martiis, directora (Colombia) Domingo 17 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: RLM699 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá es una manifestación cultural del humanismo cristiano gracias a su formación en el ámbito de la música sacra. Fue fundada por el cardenal Rubén Salazar Gómez, arzobispo de Bogotá, en el 2011. Es una experiencia pedagógica que acoge a niños y adolescentes en un proceso orientado a su madurez social desde la perspectiva de las artes relacionadas con la liturgia de la Iglesia. Durante siete años de actividad ininterrumpida, la Schola Cantorum se ha insertado en la dinámica artística de la ciudad, distinguiéndose por la transparencia de sonido, la expresividad y la versatilidad para abordar repertorios de diversas épocas y estilos. En el 2016 participó en la presentación del Réquiem de guerra de Benjamin Britten con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Olivier Grangean. En el Quinto Festival de Música Sacra de Bogotá presentó el Stabat Mater de Pergolesi con la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara bajo la dirección de Gorka Sierra. Durante cuatro años consecutivos ha sido elegida por un jurado especializado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, ofreciendo conciertos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En el 2017 participó en el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri Cantores en Río de Janeiro, siendo uno de los coros elegidos para participar en el concierto de gala que tuvo lugar en el auditorio Cecília Meireles. Ese mismo año tuvo la oportunidad de cantar en la misa que el Santo Padre Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. En el 2018, con un concierto realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, la Schola Cantorum presentó su primer disco compacto, Canticum Novum, que reúne algunas de las más representativas obras sacras para voces blancas y órgano. 2 Barbara de Martiis, directora Es Maestra en Música de la Pontificia Universidad Javeriana con énfasis en Dirección Coral, fue directora asistente de la Sociedad Coral Santa Cecilia desde su fundación hasta el 2015. Luego de la muerte de Alejandro Zuleta, su colega y esposo, asumió la dirección de dicha agrupación coral. Desde ese momento ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Bogotá el Réquiem de Mozart, el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, la cantata Carmina Burana de Carl Orff, La creación de Haydn y la música del ballet Zorba, el griego de Mikis Theodorakis, que se presentó en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con el Ballet de Santiago de Chile. De Marttis es la directora artística de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá desde su conformación en el 2011. Vincent Heitzer, órgano Estudió en la Universidad Católica de Música Eclesiástica St. Gregorius, en Aachen. Durante su formación universitaria asistió a la Academia Internacional de Órgano para Improvisación en la Catedral de Altenberg y a un curso para maestros con el compositor noruego Knut Nystedt. Desde el 2010 hasta el 2013 complementó su formación con un máster en música eclesiástica católica. Ha actuado en la Sala Simón Bolívar en Caracas, el Royal Festival Hall en Londres, el Lincoln Center en Nueva York y el Centro Cultural Kirchner en la ciudad de Buenos Aires. Del 2015 al 2018 fue kantor en la Basílica de los Santos Apóstoles en Colonia con uno de los órganos más grandes de Alemania. Desde el 2018, es organista titular de la Catedral Primada de Bogotá y profesor de órgano en la Universidad de los Andes. Miguel Leonardo Pinzón, piano Es egresado de la cátedra de composición de Jorge Pinzón en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, donde realizó de manera simultánea el programa de Área Menor en Piano bajo la dirección de la maestra Pilar Leyva y el maestro Javier Camacho. Como pianista ha realizado trabajos en acompañamiento y música de cámara, abarcando repertorios de diversos estilos con múltiples instrumentos y diferentes formatos. En varias ocasiones ha estrenado obras de jóvenes compositores colombianos. 3 Integrantes María Juanita Álvarez Valentina Ávila Juan David Calceto Juanita Calceto Juliana Calceto Lorena Carrillo Chiara Castaño Ángela Chuquín Catalina Díaz Juan José González María Alejandra Hidalgo Mariana Hidalgo Isabel López-Torrijos Laura Malpica Sara Valentina Peñuela Juan David Pedraza Anya Ramírez Sara Tolosa Brayan Sánchez Eliana Vanegas Isabel Zuleta Manuela Zuleta Aprendices Samuel Álvarez María Angélica Álvarez Laura Sofía Giraldo Gabriel León Alejandra Mendoza Laura Camila Ortiz Violetta Poveda 4 PROGRAMA Ave Maria (s. f.) CANTO GREGORIANO Para coro y órgano Ave Maria (s. f.) TOMÁS LUIS DE VICTORIA (1548-1611) Para coro Arreglo para voces blancas por Russell L. Robinson (s. f.) Ave Maria (s. f.) JOHANN MELCHIOR GLETLE (1626-1683) Para coro y órgano Ave Maria (c. 1859) Meditación sobre el Preludio No. 1 del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach CHARLES GOUNOD (1818-1893) Para coro con acompañamiento Ave Maria, K554 (1788) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Para coro Ave Maria! Jungfrau mild, D. 839, Op. 54 No. 6 (1825) FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Para coro y piano Horch, der Abendglocke Ton! de la ópera Loreley, Op. 98 (1847) FELIX MENDELSSOHN (1809-1847) Para coro y piano Ave Maria de la ópera Otello (1887) GIUSEPPE VERDI (1813-1901) Para coro y piano INTERMEDIO 5 Ave Maria, FWV 62 (1863) CÉSAR FRANCK (1822-1890) Para coro y órgano Ave Maria, Op. 19B (1877) ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Para coro y órgano Ave Maria, EHWV 116 (1900-1901) ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921) Para coro Богородице Дево (Ave María) de la Misa de Vísperas, Op. 37 (c. 1915) SERGEI RACHMÁNINOV (1873-1943) Para coro Ave Maria (1935) ZOLTÁN KODÁLY (1882-1967) Para coro CONCIERTO No. 2 6 BENDITA ENTRE LAS MUJERES Un pequeño recorrido por la historia de la música mediante el Ave María La conocida y familiar oración del Ave María es el hilo conductor de nuestro concierto de hoy, apareciendo una y otra vez, a modo de ‘pequeña historia de la música’ en los más diversos estilos y en los más variados contextos. Este recorrido, de la mano del texto probablemente más musicalizado de la historia, ha sido una hermosa oportunidad para los miembros de la Schola de entender, desde la experiencia musical, la relación con las otras artes –pintura, escultura, arquitectura–, y también con el contexto histórico que nutre al arte a la vez que se nutre de él. Los invitamos a recorrer con nosotros este camino como una oración que atraviesa los siglos, las culturas, los estilos, los lenguajes, las diversas manifestaciones de la fe (De Martiis, B., Bogotá, 2018). El Ave María1 se relaciona directamente con los fundamentos de la tradición cristiana en la medida en que trasciende el reconocimiento de la santidad de la Virgen María para generar un vínculo directo con la Solemnidad de la Anunciación. De las Solemnidades Marianas2, la Anunciación tiene un carácter especial ya que conmemora la confluencia de varios aspectos determinantes para la fe cristiana: la Anunciación corresponde al encuentro del Arcángel Gabriel con la Virgen María para informarle que ha sido escogida por Dios como la madre de Jesús; para la tradición cristiana este momento señala la concepción de Jesús en el vientre de la Virgen María por obra y gracia del Espíritu Santo, cumpliendo así las profecías consignadas en el Antiguo Testamento sobre la llegada del Mesías y convirtiéndose en el primer momento en que Dios se hace hombre en la tierra (Et homo factus est). 1 A lo largo de las notas al programa se usa Ave María [con tilde] para referirse a la oración en español y Ave Maria [sin tilde] para referirse a los nombres de cada una de las obras en latín. 2 Dentro de las festividades propias de la tradición cristiana la conmemoración de fechas y eventos de mayor importancia son reconocidas como ‘solemnidades’. Aquellas solemnidades que celebran la presencia o virtudes específicas de la Virgen María son llamadas ‘Solemnidades Marianas’; las cuatro principales ‘Solemnidades Marianas’ son: María Madre de Dios (1° de enero), la Anunciación (25 de marzo), la Asunción (15 de agosto) y la Inmaculada Concepción de María (8 de diciembre). Vale la pena indicar un error comúnmente asimilado en nuestro medio al confundir la ‘Inmaculada Concepción de María’ con la ‘Inmaculada Concepción de Jesús’; el 8 de diciembre (llamado en Latinoamérica ‘el día de las Velitas’) corresponde a la ‘Inmaculada Concepción de María’ mientras que en la festividad de la Anunciación se conmemora la encarnación de Jesús. 7 Debido a la gran importancia de la Anunciación para la tradición cristiana, las representaciones iconográficas y arquitectónicas que conmemoran esta festividad son abundantes; en templos de Occidente y de Oriente (incluyendo aquellos asociados a la tradición bizantina) las referencias a la Anunciación denotan un alto nivel de elaboración artística que corresponden a la importancia atribuida a esta festividad. Paradójicamente, el número de obras musicales que conmemoran la Anunciación no son tan abundantes, en razón a que la fecha de dicha festividad (25 de marzo) queda enmarcada por la temporada de Cuaresma y Semana Santa. Durante la Cuaresma, el recogimiento y austeridad característicos mantienen la atención centrada sobre los rituales asociados con la Semana Santa; este cruce en las fechas impide que la Anunciación sea celebrada mediante rituales musicalmente exuberantes que puedan exaltar el carácter majestuoso que implicaría dicha solemnidad. Sin embargo, la importancia de esta fecha es tan profunda en la tradición cristiana que se conmemora de innumerables maneras durante el año mediante prácticas religiosas y musicales que pueden ser tanto privadas (caracterizadas por un profundo fervor religioso) como congregacionales. De manera particular, desde finales de la Edad Media, la devoción a la Virgen María fue fortaleciéndose progresivamente; a partir de la relación inicial creada desde la Anunciación, el interés por la vida de la Virgen María y sus diferentes virtudes manifestadas a lo largo de la naciente historia del cristianismo se cristalizó en ritos y fórmulas de oración que hicieron parte de las prácticas constantes de la vida monástica. Desde la Edad Media, se formalizaron oraciones en torno a la Virgen María que fueron parte fundamental de la Liturgia de las Horas3; de esta práctica el Ave María y el Salve Regina son las oraciones que hasta nuestros días se han mantenido con especial devoción y se han insertado en diversos momentos de plegaria y alabanza. La oración del Ave María surge de la unión de dos saludos a la Virgen María consignados en el primer capítulo del Evangelio según San Lucas junto con una petición final que fue oficialmente aceptada en el Concilio de Trento (1566). La primera parte de la oración corresponde al saludo del Arcángel 3 La Liturgia de las Horas corresponde a la práctica de oración constante a lo largo del día que se estableció de manera adicional a la celebración diaria de la misa. Especialmente en la vida monástica medieval, esta práctica consagraría con oración cada una de las horas canónicas en torno a la lectura de textos sacros, cantos congregacionales y antifonales así como la práctica constante de oraciones como el Ave María que bien podría ser cantada o recitada. 8 Gabriel durante la Anunciación: Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum (Dios te salve María, llena eres de gracia, el Señor es contigo). El segundo saludo conmemora la visita de María a su prima Isabel (madre de Juan, el Bautista): Benedicta tu in mulieribus. Et benedictus fructus ventris tui (Bendita eres entre las mujeres y bendito es el fruto de tu vientre). La sección final de la oración como se conoce actualmente: Sancta Maria, Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus, nunc et in hora mortis nostrae. Amen. (Santa María, madre de Dios, ora por nosotros pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén.), se empleó de manera generalizada por todo Europa desde finales del Siglo XV y su inserción en el catecismo católico fue oficializada en el Concilio de Trento. Asimismo, el Ave María también se rezó con marcada regularidad tanto en la tradición ortodoxa como en la tradición anglicana; en cada caso la oración mantiene bastante cercanía a los saludos tomados del evangelio pero cambia o inserta las secciones de cierre de acuerdo con cada tradición. El programa que hoy nos convoca hace un recorrido por las diversas adaptaciones que el Ave María ha tenido a través de la historia; las selecciones dan cuenta de diversas tradiciones en las que resuenan las primeras prácticas monásticas que progresivamente adoptan cambios estéticos propios de cada época, pasando por momentos de reflexión devocional separados de la práctica litúrgica, pero caracterizados por una intensa carga emocional hasta llegar a contextos mucho más cercanos a nuestra cotidianidad. Las primeras tres obras que abren este concierto presentan los inicios de la práctica litúrgica a partir del Ave María. Comenzando con la antífona gregoriana, en la cual la congregación sigue el texto de manera monódica, se puede apreciar cómo este canto inicial es adoptado posteriormente por los maestros del contrapunto modal para generar intrincados tejidos polifónicos; uno de los ejemplos más claros de estas elaboraciones contrapuntísticas corresponde al Ave Maria inicialmente atribuido a Tomás Luis de Victoria (1548-1611) bajo el arreglo para voces blancas de Russell L. Robinson que se incluye en el programa. La obra de Johann Melchior Gletle (1626- 1683), tercera obra del programa, presenta una aproximación litúrgica desde una perspectiva barroca: diferentes terrazas sonoras interactúan sobre el acompañamiento instrumental enfatizando en las secciones más importantes del texto mediante melismas vocales. En este tipo de escritura se asume que la liturgia en torno al Ave María ya no es una práctica congregacional; la complejidad de las líneas melódicas requiere que la interpretación de la obra esté a cargo de músicos seleccionados entretanto la congregación religiosa acompaña absorta la obra en oración silenciosa. 9 Las siguientes tres selecciones del Ave María para este programa presentan una aproximación desde una perspectiva alejada de la liturgia. Una de las prácticas musicales relacionadas con el ejercicio de la meditación personal como antesala a los oficios religiosos consiste en el empleo de preludios instrumentales que de manera casi improvisada hacían alusiones a cantos litúrgicos y corales que podrían inspirar a la comunidad a entrar en un estado de meditación devocional muy personal. Hacia finales del Barroco, el preludio instrumental se asociaría con una exploración libre de los afectos que prepararían a la audiencia o al intérprete para obras o eventos de mayor envergadura. En el caso del Ave Maria de Charles Gounod (1818-1893), se rescata este carácter de exploración personal a partir de un preludio. En esta obra, Gounod proporcionó una improvisación melódica sobre el primer preludio del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach; esta melodía vocal mantiene la línea de ‘largo suspiro’, característica en la escritura de Gounod. Esta obra fue inicialmente publicada en 1853 como una obra exclusivamente instrumental y solo hasta 1859 fue publicada con el texto en latín del Ave María y transpuesta a una tonalidad más cómoda para ser cantada. De manera similar, el Ave Maria de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) corresponde más a un ejercicio de composición y exploración personal que a una obra de carácter estrictamente litúrgico; este canon compuesto en 1788 está organizado a cuatro voces que desarrollan únicamente las palabras ‘Ave Maria’ a lo largo de toda la obra, la cual mantiene la claridad cristalina de la filigrana melódica mozartiana. En 1810, Sir Walter Scott publicó un poema narrativo llamado La dama del lago; esta obra fue recibida con gran aceptación en toda Europa y renovó una fascinación por las tradiciones escocesas. La obra fue traducida al alemán en 1819 por Adam Storck y en 1825 Franz Schubert (1797-1828) publicó la adaptación de siete de estos poemas; en esta selección se incluyen tres canciones en la voz de Ellen Douglas, una de las protagonistas del poema. La tercera canción de Ellen consiste en una plegaria a la Virgen María en el momento en que las tropas locales se disponen a defender sus tierras del ataque de las fuerzas imperiales. Si bien el Ave Maria de Schubert mantiene una profunda devoción mariana y gozó de marcada popularidad en diversos contextos, su intención original no estaba relacionada con la liturgia tradicional; de manera similar a lo ocurrido con la obra de Gounod, el texto en latín del Ave María se adoptó posteriormente. Las dos obras que cierran la primera parte del programa se caracterizan por ser excursiones del Ave María en el campo operático. Loreley, Op. 98 de 10 Felix Mendelssohn (1809-1847) está basada en la leyenda asociada a la montaña Lorelei a las orillas del río Rin, donde se hablaba de la presencia de una mujer, quien, de manera similar a las sirenas, distraía a los navegantes con su canto. La ópera de Mendelssohn quedó inconclusa y solamente sobrevivieron tres números que fueron publicados póstumamente. El segundo número corresponde a una plegaria que contiene las palabras ‘Ave Maria’, pero que no se adapta al texto en latín tradicionalmente asociado a la oración. A su vez en la ópera Otello, Giuseppe Verdi (1813-1901) explora diversos elementos de la tradición cristiana para adaptarlos al hilo dramático de su obra; en el último acto, Desdémona (esposa de Otello en la ópera) eleva una última plegaria como una aproximación muy personal al Ave María antes de dormir víctima de los celos de Otello. En estas dos aproximaciones desde la ópera, se puede percibir la concepción del Ave María como un acto devocional cargado de meditación profunda mediante un fervor muy personal para cada personaje. La segunda parte del concierto retoma versiones del Ave María desde su contexto litúrgico. La obra de César Franck (1822-1890) fue escrita en 1863 y mantiene una fuerte conexión con la sonoridad de Gounod, cuya textura vocal queda sostenida por una densa atmósfera que se desborda desde el órgano a medida que las voces florecen gradualmente. De forma similar, el Ave Maria Op. 19B de Antonín Dvořák, compuesta en 1877, mantiene la misma sonoridad, en la cual la descomplicada línea vocal es suavemente sostenida por el órgano que cierra progresivamente la obra después de discretos melismas al final de la oración. De manera contrastante, en la sonoridad la obra de Engelbert Humperdinck (1854-1921) abandona el acompañamiento del órgano para buscar desde un intrincado tejido contrapuntístico en el coro las alusiones que evocan una imagen casi renacentista; la impresión estética de esta obra funciona como un retorno a los inicios polifónicos asociados al empleo del Ave María en la liturgia. Posteriormente, Bogoroditse Dyevo de Sergei Rachmáninov (1873-1943) muestra el empleo del Ave María en la tradición ortodoxa; la obra está contenida en la Misa de las Vísperas, Op. 37, la cual fue estrenada en Moscú en 1915. En los textos ortodoxos para esta plegaria se mantienen los mismos saludos a la Virgen María tomados del Evangelio de San Lucas pero se adiciona un final en el que se reconoce a María como la madre de Jesús y también se reconoce a Jesús como el liberador de nuestras almas. A pesar de ser una composición temprana en la obra de Sergei Rachmáninov, la 11 Misa de las Vísperas tuvo constantemente una recepción muy positiva por las audiencias y siempre gozó de una estima especial por parte del compositor. Continuando con las obras a capella que cierran el programa de hoy, el Ave Maria de Zoltán Kodály (1882-1967), compuesto en 1935, presenta también un retorno a los cantos congregacionales que parecen buscar su origen en las antífonas gregorianas; si bien las sonoridades resultantes proyectan una modernidad característica, cada línea melódica mantiene una conexión entonativa muy clara de las curvas vocales del canto llano. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 12 Ave Maria* Primer capítulo del Evangelio según San Lucas Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum; benedicta tu in mulieribus; et benedictus fructus ventris tui, Jesus. Sancta Maria, Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus nunc et in hora mortis nostrae. Amen. Dios te salve María, llena eres de gracia; el Señor es contigo; bendita Tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre, Jesús. Santa María, Madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén. * Texto utilizado en la primera obra del programa —canto gregoriano— y en las composiciones de Tomás Luis de Victoria, Johann Melchior Gletle, César Franck, Antonín Dvořák, Engelbert Humperdinck y Zoltán Kodály. Ave Maria! Jungfrau mild, D. 839, Op. 54 No. 6 Franz Schubert (1797-1828) Ave Maria! Jungfrau mild, Erhöre einer Jungfrau Flehen, Aus diesem Felsen starr und wild Soll mein Gebet zu dir hinwehen. Wir schlafen sicher bis zum Morgen, Ob Menschen noch so grausam sind. O Jungfrau, sieh der Jungfrau Sorgen, O Mutter, hör ein bittend Kind! Ave Maria! Ave Maria! Reine Magd! Der Erde und der Luft Dämonen Von deines Auges Huld verjagt, Sie können hier nicht bei uns wohnen. Wir woll’n uns still dem Schicksal beugen, Da uns dein heil’ger Trost anweht; Der Jungfrau wolle hold dich neigen, Dem Kind, das für den Vater fleht. Ave Maria! ¡Ave María! Virgen piadosa, ¡Escucha el ruego de una doncella! Desde esta roca rígida y salvaje, deberá volar mi oración hacia ti. Dormiremos protegidos hasta la mañana, aun si los hombres son tan crueles. Oh Virgen, mira las penas de una doncella, ¡Oh Madre, escucha una hija suplicante! ¡Ave María! ¡Ave María! ¡Virgen pura! Los demonios de la tierra y el aire huyen por la benevolencia de tus ojos, no pueden vivir aquí con nosotros. Nos queremos someter tranquilos al destino, porque tu consuelo sagrado sopla sobre nosotros; esta doncella a ti piadosa se inclina, la niña, que suplica por su padre. ¡Ave María! 13 Horch, der Abendglocke Ton! de la ópera Loreley, Op. 98 Felix Mendelssohn (1809-1847) Chor Horch der Abendglocke Ton! Ave Maria. Im Nachen kniet der Schiffer schon. Ave Maria: Durchs Spätroth Hallte es weit und breit. Gegrüsset seist du, reine Maid! Ave Maria. Solo - Soprano Die du thronst in Wolkenglut, Ave Maria, nimm unsre Lieb in deine Hut Ave Maria: o lass wie dieses AbendsSchein sie heiter und voll Frieden sein! Ave Maria! Ave Maria! Coro ¡Escucha el tono de la campana de la noche! Ave María. El navegante ya está arrodillado en el bote. Ave María: A través de rojo de la tarde resuena por todas partes. ¡Sé saludada, doncella pura! Ave María. Soprano solo Tú, la que estás entronizada en el resplandor de las nubes, Ave María, toma nuestro amor a tu cuidado Ave María: Oh, ¡que sea alegre y lleno de paz, como esta luz de la tarde! ¡Ave María! ¡Ave María! 14 Ave Maria de la ópera Otello Giuseppe Verdi (1813-1901) Ave Maria piena de grazia, eletta fra le spose e le vergini sei tu, sia benedetto il frutto, o benedetta, Di tue materne viscere, Gesù. Prega, per chi adorando a te si prostra, prega nel peccator, per l’innocente, e pel debole oppresso e pel possente, misero anch’esso, tua pietà dimostra. Prega per chi sotto l’oltraggio piega la fronte e sotto la malvagia sorte; per noi, per noi tu prega, prega sempre e nell’ora della morte nostra. prega per noi, prega per noi, prega Ave Maria.... Nell’ora della morte. Ave! Amen. Ave María, llena de gracia, elegida entre las esposas y las vírgenes, eres tú, ea bendito el fruto, oh bendita, de tus entrañas maternas, Jesús. Ora, por quien, adorando, se postra ante ti, ora por el pecador, por el inocente, y por el débil oprimido, y por el poderoso, mísero también, demuestra tu piedad. Ora por quien baja la frente ante el ultraje y la maldad por nosotros, ora por nosotros, ora siempre y en la ora de nuestra muerte. Ora por nosotros, ora por nosotros, ora Ave María… en la hora de nuestra muerte. ¡Ave! Amén. Bogoroditse Devo de la Misa de Vísperas, Op. 37 Sergei Rachmáninov (1873-1943) Богородице Дево, радуйся, благодатная Марие, Господь с тобою. Благословена ты в женах, и благословен плод чрева твоего, яко Спаса родила еси душ наших. Virgen, Madre de Dios ¡Alégrate! Santa María, el Señor está contigo. Bendita entre las mujeres, y bendito el fruto de tu vientre, porque has dado a luz al Salvador de nuestras almas. Textos traducidos al español por Barbara de Martiis Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/jovenes-interpretes Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del viernes 21 de diciembre de 2018 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 29 de julio al viernes 30 de agosto de 2019 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 5 de abril de 2019 2 Son tres pasos sencillos: César Camilo Cipagauta, JI 2018 · Foto: Alfonso Venegas Jóvenes Intérpretes 2020 ALEJANDRO DÍAZ, arpa clásica Jueves 21 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Honda CUARTETO INBOUND, cuarteto de cuerdas Jueves 28 de febrero de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura RICARDO PUCHE, contrabajo Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO, música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES, nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio de 2019 · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá Cód. PULEP: WUW418 . LKX467 . WQF359 . IUN286 . JWE864 . HXW120 . ZZP911 . ZDC824 . TAG250 . HQF982 . OTA770 . XYA267 . CYV981 . IZX751 Foto. Catalina Giraldo ALEJANDRO DÍAZ $6.000 arpa clásica Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Foto. Carole Bellaiche CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 CUARTETO ÉCLISSES cuarteto de guitarras (Francia) Domingo 24 de febrero de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Quibdó y San Andrés CUARTETO DIOTIMA cuarteto de cuerdas (Francia) Domingo 3 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Miércoles 6 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Estreno de una obra comisionada por el Banco de la República a la compositora Carolina Noguera Domingo 10 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. El Cuarteto Diotima también se presentará en Armenia y Cali ENSAMBLE LINEA música contemporánea (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Cartagena y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto CÓD. PULEP: VZU528. GEM362. FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573.

Publicación realizada por estudiantes conservadores; la temática de publicación fue: política, literatura, salud, social, deportiva, jurídicos, humorística, periodismo.

La secciones del número fueron las siguientes: Ideales, por Humberto Soto S.; Don Miguel de Cervantes Saavedra, por C. O. Gutiérrez G.; Los Labradores, por José Genecco Mozo; Algo sobre Don Gregorio Gutiérrez González, por Carlos Lozano y Lozano. A mi madre por José A. Barbosa.

La secciones del número fueron las siguientes: D. Marcelino Menéndez Pelayo, por Fernando Segura Solano; Pro Patria et Verbo, por Nicolás Llinas; Francia Napoleónica, por H. Soto S.; En el Genezaret, Mezza Voce y Angelus de Millet, por Manuel de Sandoval; Poliantea.

“La Revista Mercantil: órgano de la Ajencia de Negocios i de la Casa de Comercio de Nicolás Esguerra” era uno de los órganos de difusión más completos para los comerciantes a finales del siglo XIX. La revista estaba compuesta por noticias nacionales sobre asuntos mercantiles, aduaneros y comercio exterior de Colombia. Además, contaba con secciones regionales en las cuales se relataban asuntos legales, burocráticos, económicos e información de interés para los comerciantes de diferentes puntos del país y publicaba artículos y decretos sobre las regulaciones comerciales del país. Por otro lado, presentaba información tributaria y fiscal de algunas compañías y un examen económico a partir de cifras que daban cuenta del crecimiento en términos de producto interno bruto e impuestos. Finalmente, contaba con una parte de avisos y anuncios donde pautaban diversas empresas afiliadas a la Casa de Comercio. Se conserva la ortografía de la época en el título del periódico.

Durante los tres primeros decenios del siglo XX, la economía colombiana había sufrido fuertes transformaciones ya que la legislación que cubría la estructura agraria y demás sectores económicos, no respondía a las nuevas situaciones conflictivas de los sectores intelectuales, agrarios y sindicales. El régimen conservador se derrumbó en 1930 cuando el partido liberal tomó el poder a través del movimiento denominado “concentración nacional” de composición bipartidista que más adelante sería el nicho de la hegemonía liberal; el primer gobierno lo presidió Enrique Olaya Herrera (1930-1934), sin embargo no fue hasta Alfonso López Pumarejo (1934-1938) con la denominada “Revolución en marcha” que se emprendieron transformaciones económicas y sociales significativas como la reforma constitucional de 1936, tachada para el momento como “socialista y bolchevique”. Los cambios de las reformas liberales se alejaban del espíritu conservador que había guiado las tres últimas décadas de Colombia. Entre las reformas se destaca la transformación capitalista de la tierra, el concepto de “utilidad pública, la laicización del estado, la protección de la maternidad, reconocimiento ciudadano a la mujer (sin derecho al voto), la libertad de enseñan y conciencia. El intervencionismo estatal junto a los cambios ideológicos de la nueva hegemonía derrumbaría los estatutos conservadores y desencadenarían unas series de reacciones en todos los sectores de la sociedad. La revista “Bogotá” publicada primera vez en el año de 1932, dirigida por José Osorio Gil y Víctor G. Ricardo fue una revista de carácter cultural universitaria, que, aunque manifestaba no ser una ni gobiernista, ni oposicionista, presentaba un gran contenido ideológico conservador, como se evidencia en la entrevista realizada ex presidente conservador Miguel Abadía Méndez como nota editorial de su primer número. La revista contenía secciones como la Jurídica, sección humorística, página médica, comentarios, página de cine, página social y publicidad.

Publicación realizada por estudiantes conservadores; la temática de publicación fue: política, literatura, salud, social, deportiva, jurídicos, humorística, periodismo.