El Ensamble CG fue fundado por Rodolfo Acosta R. en 1995 y desde entonces ha presentado más de 250 obras vocales, instrumentales, electroacústicas y mixtas, de compositores de todas las latitudes, buena parte de ellas como estrenos absolutos o locales. Estas presentaciones se han dado en espacios tales como la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango (Colombia), la Sala Zitarrosa (Uruguay), el Teatro Auditorium (Argentina), el CASPM (Venezuela), la Sala Isidora Zegers (Chile) o el Erich Kästner Halle (Alemania), entre muchos otros, como parte de festivales y ciclos especializados como el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, el Festival Latinoamericano de Música de Caracas, el Núcleo Música Nueva de Montevideo y los Donaueschinger Musiktage, etc. Entre apoyos recientes, las convocatorias de Ibermúsicas 2021 y 2022 brindaron recursos a la agrupación para estrenar obras premiadas en el concurso de composición de esta institución.

Jueves 4 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Banco de la República · PULEP: LEG741 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JÓVENES COMPOSITORES 2022 ENSAMBLE CG (Colombia) música contemporánea Jóvenes Compositores 2023 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea • Ilustración: Kilka Diseño Gráfico SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ¡Convocatoria Jóvenes Compositores 2023! 1 ACERCA DE LOS COMPOSITORES JUAN POSADA LONDOÑO Juan Posada es un compositor y pianista nacido en Bogotá el 15 de junio de 2005. En el año 2015 ingresó a la academia de la pianista tunjana Ruby Salamanca, donde realizó varios conciertos como solista con un repertorio clásico. En 2018 viajó a la ciudad de Viena, lugar en el que recibió clases de composición con la pianista y compositora Arnič Blaženka-Lemež. A partir de ahí, decidió ingresar a la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde actualmente recibe clases con la maestra Oxana Viritch y el maestro Juan Carlos Britto Suárez. En 2019 participó en la categoría 'Solo nivel avanzado' en el concurso Carmel Klavier Latinoamérica. En junio de ese mismo año realizó un recital en el auditorio Otto de Greiff, donde interpretó un repertorio de compositores reconocidos y de sus propias composiciones para piano. Ha escrito obras para diversos formatos instrumentales, entre ellas tres obras orquestales: Égloga (2021), Bienvenidos al Antropoceno (2022) e Intemperies (2022). Cuenta, además, con varias obras como Cíclicas (2020), su ciclo de canciones sobre poemas japoneses Haiku (2021), su obra para ensamble mixto El aire suspendido (2022) y su trío con piano encargado por Juan Carlos Britto en nombre de la Pontificia Universidad Javeriana Trío impetuoso (2021). SERGIO HUGO ORTIZ ACOSTA Se graduó como Maestro en Música con énfasis en composición en la Universidad El Bosque, de la mano de los compositores Daniel Alberto Álvarez y Carlos Gonzalo Guzmán Muñoz. Fue invitado a participar en el Primer Festival Internacional de Música de Cámara realizado en 2019 por la Universidad El Bosque, donde tuvo la oportunidad de estrenar su obra Suite for the Scarlet Moon. Desde el año 2018 se ha dedicado a la exploración y composición de música contemporánea en diversos formatos, desde los nuevos medios (música electrónica académica y música electroacústica) hasta formatos mixtos (formatos de cámara combinados con formatos electroacústicos o electrónicos) y de música de cámara. Su conocimiento compositivo ha estado presente en el desarrollo de composiciones producto de investigaciones 2 relacionadas con el pluriestilismo, la composición asistida por ordenador, el espectralismo, y la discursividad entre lo instrumental y lo electrónico. JUAN SEBASTIÁN TORO Compositor colombiano nacido en Bogotá en 1996. Comenzó sus estudios musicales con la guitarra eléctrica en el programa de iniciación de la Universidad de los Andes. Posteriormente, cursó el preuniversitario de la Escuela EMMAT y luego estudió composición de música popular brasileira bajo la dirección de Hudson Nogueira en el Conservatorio de Tatuí, en Brasil. Terminó sus estudios de pregrado en 2021 en la Universidad Nacional de Colombia bajo la tutoría de Gustavo Parra, y tuvo una preparación previa con Harold Vásquez, Moisès Bertran y Jorge Pinzón. Estudió teoría bajo la dirección de Alena Kratsutskaya y piano con Piedad Pérez. Actualmente, está terminando su segunda carrera en Filosofía, en la misma universidad y se prepara para presentar audición en un programa de maestría en Francia. TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas es candidato a doctor en composición instrumental en la Universidad de Montreal (Canadá). Sus obras han sido interpretadas por la Orquesta de la Universidad de Montreal, NEM, Pentaèdre, EMC, Taller Sonoro, EMCUC, Periscopio, y por artistas de la talla de Javier Vinasco, Juan Carlos Higuita, Jhoser Salazar, Kimihiro Yasaka y Darko Dimitrijevic. Ha sido seleccionado en concursos de composición organizados por el Ensamble CG (Colombia), el Quatuor Cobalt (Montreal), el Vivier InterUniversitaire (Montreal), el Círculo de Composición de la Universidad de Montreal y el Ensamble NEO (Argentina). Ha sido becario de múltiples instituciones nacionales y extranjeras, entre ellas el OICRM (Montreal), la Facultad de Música de la Universidad de Montreal, Idartes (Bogotá), Ibermusicas (Iberoamérica), el Ministerio de Cultura de Colombia y la Universidad EAFIT (Medellín). Ha recibido clases privadas con Mario Gómez-Vignes, Rodolfo Acosta, Ana Sokolovic, Marco Alunno, Leonardo Coral y Andrés Posada, y fue seleccionado como estudiante activo en clases maestras con Marcos Franciosi, Fabián Panisello, Dorothy Chang, Javier Álvarez, Damián Ponce de León, Jocelyn Morlock, Leon Gurvitch, Hannah Lash, Snežana Nesic, entre otros. 3 ACERCA DEL ENSAMBLE ENSAMBLE CG, música contemporánea Juan Carlos Higuita, violín; Jose Gómez, clarinete; Diego García, violonchelo; Claudia Mejía, oboe; Santiago Velásquez, piano; Hernán Darío Guzmán, fagot; Carlos Parra, viola. El Ensamble CG fue fundado por Rodolfo Acosta R. en 1995 y desde entonces ha presentado más de 250 obras vocales, instrumentales, electroacústicas y mixtas, de compositores de todas las latitudes, buena parte de ellas como estrenos absolutos o locales. Estas presentaciones se han dado en espacios tales como la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango (Colombia), la Sala Zitarrosa (Uruguay), el Teatro Auditorium (Argentina), el CASPM (Venezuela), la Sala Isidora Zegers (Chile) o el Erich Kästner Halle (Alemania), entre muchos otros, como parte de festivales y ciclos especializados como el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, el Festival Latinoamericano de Música de Caracas, el Núcleo Música Nueva de Montevideo y los Donaueschinger Musiktage, etc. Entre apoyos recientes, las convocatorias de Ibermúsicas 2021 y 2022 brindaron recursos a la agrupación para estrenar obras premiadas en el concurso de composición de esta institución. RODOLFO ACOSTA, director Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea) y director del Ensamble CG. Sus composiciones han sido presentadas en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia. Lleva tres décadas desempeñándose como improvisador, intérprete, gestor y profesor en tres continentes. Sus escritos han sido publicados en diferentes medios físicos y virtuales. 4 PROGRAMA Dilatante (2021) JUAN SEBASTIÁN TORO (n. 1996) Para clarinete, fagot y piano Trío impetuoso (2021) Música ficta Música vera Música instrumentalis JUAN POSADA LONDOÑO (n. 2005) Para violín, violonchelo y piano INTERMEDIO Una cierta irregularidad (2021) TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Para clarinete, fagot, violonchelo y piano Observatorium naturalis (2021) Valle del Cauca Boyacá Sucre SERGIO HUGO ORTIZ (n. 1995) Para oboe, clarinete, fagot, violín, viola y violonchelo 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria En el concierto de hoy se estrenan cuatro obras del programa Jóvenes compositores del Banco de la República, orientado a estimular la creación musical. En la presentación de la convocatoria se expresa: ‘En el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados’ (Banco de la República, 2022). Esos espacios de los que habla la convocatoria incluyen, en el caso de la música, opciones para sus principales procesos: componer, interpretar y escuchar. Hoy confluyen estos tres procesos y, particularmente, el de escuchar —fundamental en un concierto— nos induce a pensar en su naturaleza. Viene en nuestra ayuda el compositor Aaron Copland (1900-1990), autor del muy conocido texto Cómo escuchar la música (1955), quien, en sus conferencias en la Universidad de Harvard, en 1952, razonó sobre el escuchar: Escuchar es un talento y, como cualquier otro talento o don, lo poseemos en distintos grados. He observado entre los melómanos una marcada tendencia a subestimar y desconfiar de este talento, más que a sobreestimarlo. La razón de estos sentimientos de inferioridad es difícil de determinar. Puesto que no existe una forma fiable de medir el don de la escucha, tampoco existe una forma fiable de tranquilizar a quienes se juzgan mal a sí mismos. Debo decir que hay dos requisitos principales para una escucha talentosa: en primer lugar, la capacidad de abrirse a la experiencia musical; y, en segundo lugar, la capacidad de evaluar críticamente esa experiencia. Ninguna de las dos es posible sin un cierto don natural. Escuchar implica un cierto talento innato que, como cualquier otro talento, puede entrenarse y desarrollarse. Este talento tiene una cierta “pureza”. Lo ejercitamos, por así decirlo, sólo para nosotros mismos; no hay nada que obtener de él en un sentido material. Escuchar es su propia recompensa; no hay premios que ganar, ni concursos de escucha creativa. Pero, considero afortunada a la persona que posee ese don, porque hay pocos placeres más grandes en el arte que la sensación segura de que uno puede reconocer la belleza cuando se encuentra con ella (Copland, 1980, p.8). La propuesta para esta noche es precisamente la de «abrirse a la experiencia musical» y luego, siguiendo la sugerencia de Copland, «evaluar críticamente», para lo cual, entendiendo que la música es un arte social y la escucha colectiva hace parte de su ritual, podremos comentar con otros 6 y reflexionar sobre lo que hemos escuchado. Es muy posible que hoy nos encontremos con la belleza. El concierto se inicia con una obra que sigue la tradición de aquellos compositores que se han aventurado a crear sistemas de composición propios, con ejemplos emblemáticos en la historia de la música occidental como Arnold Schoenberg u Olivier Messiaen. En el caso de Dilatante, Juan Sebastián Toro (n. 1996) comenta sobre su motivación: Dilatante es un experimento práctico de un sistema de composición que estoy poniendo a prueba: la “tonalidad” conceptual. La idea, en general, es crear un campo jerárquico —como es el caso de la tonalidad— que en vez de alturas tenga por material los conceptos. Es así como del concepto de dilatación nace esta obra: una primera parte que dilata un material originario, y una segunda que lo contrae. Como todo experimento, está expuesto al acierto o al fracaso (Toro, 2022). En la práctica, los elementos centrales son fundamentalmente los fenómenos sonoros, “objetos” que se muestran con una identidad respectiva (es decir que se escuchan como diferentes a otros). Estos pueden ser identificados en cada momento bajo la influencia de materiales usuales en la música: armonía, ritmo y orquestación, sobre todo. Su estructura tiene dos partes: una “dilatante” y otra “contractante”; partiendo cada una de un “estado original” y de su dilatación o contracción. El compositor aspira a que el oyente se deje llevar por el mundo que propone, por sus objetos y sus leyes naturales. Y enfatiza: «no importa realmente si se entienden o no, eso es problema de los científicos» (Toro, 2022). La siguiente obra es Trío impetuoso, del compositor más joven de los seleccionados para el programa, Juan Posada (n. 2005), quien nos ilustra sobre su obra: Recibe su nombre gracias al carácter que tiene y a la manera en la que su material básico es desarrollado. Se trabaja el concepto del “ímpetu” visto como una fuerza extra musical que incita a la violencia y el brío con el que el discurso de la obra se lleva a cabo en las diferentes capas que componen la totalidad de la obra (ritmo, armonía, textura y contrapunto). La curva dramática siempre apunta hacia arriba, nunca decrece, mantiene una acumulación constante de tensión. Podría decir que la música por momentos llega a ser grotesca, incluso erótica… (Posada, 2022). Posada señala que los títulos de los movimientos están directamente relacionados con su contenido: Música ficta, «por las alteraciones e inflexiones añadidas para dar más color al lenguaje armónico»; Música vera, dado que «no hay alteraciones o inflexiones que le den colores característicos y 7 predominan sonoridades estables (como quintas, sextas y terceras)»; y Música instrumentalis, referencia un discurso «que funciona como un mecanismo defectuoso, un juego de piñones que trabaja hasta que la máquina colapsa y se funde en un clímax violento» (Posada, 2022). Sugiere el compositor prestar atención al gesto melódico sobre el que se construyó toda la obra, aparece en el inicio y consta de tres notas cortas ascendentes que se dirigen a una nota larga. La pandemia con sus innumerables impactos en la sociedad global tiene un protagonismo esencial en Una cierta irregularidad. Tomás Díaz (n. 1990) indica: «ver y experimentar el ritmo espasmódico que la crisis sanitaria y el consiguiente confinamiento introdujeron en nuestra vida: he ahí el sustrato emotivo de una cierta irregularidad». Esta motivación se lleva a cabo en la música enfocada esencialmente en el ritmo y las expectativas sobre su flujo y su continuidad: Una cierta irregularidad reposa sobre la búsqueda de diversas manifestaciones de irregularidad rítmica. Por ejemplo, la primera sección se caracteriza por el uso estructural de silencios interpolados, lo que —sumado a la continua y sutil modificación de las entidades musicales protagonistas, de su concatenación y del fraseo— pretende en el oyente una reconfiguración constante de sus expectativas (Díaz, 2022). Adicionalmente, otros parámetros musicales como la articulación, la dinámica y la textura también son afectados por esa irregularidad rítmica. En cuanto a su audición, el compositor advierte: «la obra no es programática». El interés auditivo «debería desprenderse de la percepción de aspectos como: relación dinamismo-estaticidad, transformación motívica, texturas (flotantes, saturadas o dispersas, constituidas de iteraciones o de notas sostenidas), contrastes (de tempo, material motívico, ritmo, textura)» Y agrega: «tal como la pandemia, la obra concluye con un signo de interrogación» (Díaz, 2022). Observatorium naturalis, de Sergio Ortiz (n. 1995), se relaciona con la naturaleza: La obra fue compuesta como una celebración y un acto de contemplación de la fauna y flora colombianas. La inspiración para su creación fue la de retratar tres paisajes sonoros naturales de distintos departamentos del país, se incluyeron: Valle del Cauca, Boyacá y Sucre, elegidos por la gran biodiversidad de distintas especies de animales (en especial de aves) y la gran riqueza acústica que interactúa simbióticamente en dichas zonas (Ortiz, 2022). 8 Su realización partió del análisis de grabaciones de paisajes sonoros de las regiones seleccionadas, obtenidas en la web del Instituto de Investigación de recursos biológicos Alexander von Humboldt1, y hace parte de la reflexión actual sobre la imperativa toma de conciencia de la calidad de nuestra relación con la naturaleza. Tiene influencia de compositores franceses como Tristan Murail, Gerard Grissey y Olivier Messiaen, y de Murray Schafer, canadiense, y Toru Takemitsu, japonés. Los elementos musicales claves en la pieza son las texturas, los gestos instrumentales y sus desarrollos que, como expresa el compositor, evocan los fenómenos naturales, “espontáneos” que ocurren en los ecosistemas mencionados. Por tanto, para su audición la invitación es atender a los sonidos sin tratar de ser analíticos, sin buscar un sentido: escuchar de manera contemplativa, de la misma manera que lo hacemos cuando apreciamos la naturaleza (Ortiz, 2022). Para finalizar, es importante mencionar que los jóvenes seleccionados tuvieron la oportunidad de interactuar con los compositores Rodolfo Acosta y Luis Fernando Franco, «[en sesiones] donde hacíamos las respectivas correcciones a las partituras de las obras según sus observaciones […] y discutíamos temáticas que eran propuestas por nosotros, y entre todos complementábamos nuestras ideas para llegar a una conclusión colectiva» (Posada, 2022). El impacto de este acompañamiento es indudable, como lo subraya Posada: «este tipo de espacios de conversación, en combinación con el espíritu de trabajo colectivo y el apetito tan voraz de aprender y enriquecer nuestros procesos como compositores hizo que mi visión respecto a la composición y la música en general cambiara por completo» (2022). Referencias: Banco de la República. (2022). Convocatoria Jóvenes Compositores 2022. https://www.banrepcultural.org/programas/jovenes-compositores/ convocatoria-2022 Copland, A. (1980). Music and imagination. The Charles Norton Lectures. Harvard University Press. Díaz, T. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. 1 www.humboldt.org.co 9 Ortiz, S. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Posada, J. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Guillermo Gaviria. Es educador y compositor. Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana. Inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980 y su labor educativa y gestión académica impulsaron la creación del Departamento de Música en 1990, la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y la Facultad de Artes en 1995. Ha sido colaborador del Banco de la República desde 1985. 10 Quinteto Vástago, quinteto de madera · Foto: Laura Daniela Muñoz González TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Holdan tuvo sus primeros acercamientos a la música a los once años. Su curiosidad artística lo llevó a interactuar de manera autónoma con el bajo eléctrico y, a los dieciséis años, ingresó a la Fundación Nacional Batuta para iniciar sus estudios de contrabajo. Entre los reconocimientos que ha obtenido se destacan: ser becario de las clases magistrales y seleccionado en el programa Jóvenes Talentos, ambas actividades realizadas en el marco del Cartagena Music Festival en 2019, y ser seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República como solista y, como parte del Ensamble Kamaleón, en la Temporada Nacional de Conciertos 2023. Se desempeñó como contrabajista principal de la Banda Sinfónica de Cundinamarca en 2019, y como contrabajista de la Filarmónica Joven de Colombia en sus temporadas 2020 y 2022. Actualmente forma parte de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, entidad a la cual ha estado adscrito desde 2020, donde ha podido interactuar en sus distintas agrupaciones juveniles. Es egresado del programa de Estudios Musicales de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudió con Alexandr Sanko, además ha tomado clases magistrales con Jeff Bradetich, Alexis Scharff, Christoph Anacker y Johane Seijas.

Jueves 20 de abril de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Saira Carolina Granados Barreto · PULEP: XCT374 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES HOLDAN SILVA (Colombia) contrabajo SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía JEFE ASESOR SECCIÓN DE MÚSICA Julián Navarro González EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ALEXANDER ULLMAN, Piano • Foto. Kaupo Kikkas Taller de interpretación de piano con Alexander Ullman Sábado 27 de mayo de 2023 2:00 p.m. 1 ACERCA DEL ARTISTA Holdan Silva, contrabajo Holdan tuvo sus primeros acercamientos a la música a los once años. Su curiosidad artística lo llevó a interactuar de manera autónoma con el bajo eléctrico y, a los dieciséis años, ingresó a la Fundación Nacional Batuta para iniciar sus estudios de contrabajo. Entre los reconocimientos que ha obtenido se destacan: ser becario de las clases magistrales y seleccionado en el programa Jóvenes Talentos, ambas actividades realizadas en el marco del Cartagena Music Festival en 2019, y ser seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República como solista y, como parte del Ensamble Kamaleón, en la Temporada Nacional de Conciertos 2023. Se desempeñó como contrabajista principal de la Banda Sinfónica de Cundinamarca en 2019, y como contrabajista de la Filarmónica Joven de Colombia en sus temporadas 2020 y 2022. Actualmente forma parte de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, entidad a la cual ha estado adscrito desde 2020, donde ha podido interactuar en sus distintas agrupaciones juveniles. Es egresado del programa de Estudios Musicales de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudió con Alexandr Sanko, además ha tomado clases magistrales con Jeff Bradetich, Alexis Scharff, Christoph Anacker y Johane Seijas. En este concierto actúa junto con la violonchelista María Elvira Hoyos Malagón y el pianista Francis Díaz. Conozca más acerca de Holdan Silva @hol23dan 2 PROGRAMA Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 (1824) Allegro Andante Allegro FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Arreglo para contrabajo y piano de Stuart Sankey (1927-2000) Reverie (1880) GIOVANNI BOTTESINI (1821-1889) Original para violonchelo y piano INTERMEDIO Concierto para contrabajo y orquesta, Op. 3 (1902) Allegro moderato Adagio Allegretto SERGEI KOUSSEVITZKY (1874-1951) Original para contrabajo y orquesta Arreglo para contrabajo y piano de Frederick Zimmermann (1906-1967) Meditación, Op. 34 (2004) AMPARO ÁNGEL (n. 1942) Para contrabajo y piano Dueto para violonchelo y contrabajo (1824) Allego Andante molto Allegro GIOACCHINO ROSSINI (1792-1868) 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez El contrabajo es un instrumento que, gracias a su versatilidad, acompaña diferentes tipos de formatos y estilos musicales y es empleado por gran cantidad de compositores que van en búsqueda de herramientas expresivas diversas. Por su parte, el repertorio solista para contrabajo históricamente se ha caracterizado por ser una mezcla de experimentación y apropiación de diversas tradiciones musicales. Así, pues, para consolidar un repertorio de concierto se hace necesario sumar a la música original para el instrumento adaptaciones y transcripciones de obras para otros formatos instrumentales. El concierto que hoy nos convoca es una clara muestra de esta tendencia, pues reúne adaptaciones de música para otros instrumentos, obras originales para contrabajo y experimentaciones con formatos instrumentales poco explorados, como es el caso del dueto para contrabajo y violonchelo. El resultado es una invitación a visitar una inesperada paleta de propuestas desde una inusual pero efectiva perspectiva sonora. Franz Schubert (1797-1828), Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 En 1823, Johann Georg Stauffer, de Viena, y Peter Teufelsdorfer, del norte de Budapest, presentaron sus versiones de una ‘guitarra de arco’. En ambos casos sus invenciones eran una hibridación de una viola da gamba y una guitarra; el instrumento tenía seis cuerdas afinadas de la misma manera que una guitarra y un diapasón con trastes metálicos; su cuerpo se asemejaba al de una viola da gamba o un violonchelo, pero sin las esquinas tan pronunciadas; quedaba, así, muy parecido a una guitarra que se interpretaría con la misma postura corporal que para un violonchelo. Dentro de los pocos intérpretes de este nuevo instrumento sobresalía Vincenz Schuster, para quien Schubert escribió, en 1824, la Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821. Casualmente, en este 2023 se celebran los doscientos años del surgimiento de una de estas controvertidas invenciones: el arpeggione. 4 Este nuevo instrumento tendría una vigencia bastante breve durante el siglo xix y solo sería reconocido como arpeggione hasta 1870, gracias al póstumo interés por la música instrumental de Schubert (Hayes y Fontana, 2001)1. Prácticamente desde entonces, la Sonata para arpeggione y piano en la menor, D. 821 ha sido adaptada con bastante regularidad a diversos instrumentos de cuerda; se han hecho adaptaciones particularmente para el violonchelo, la viola y, como lo veremos a continuación, para el contrabajo. Desde 1823, la aproximación de Schubert a la composición se caracterizó por una profunda reflexión y afán de trascendencia. Especialmente en sus obras instrumentales, buscó desarrollar al máximo sus estructuras formales, expandiendo el lenguaje armónico y tonal con gran sofisticación. Giovanni Bottesini (1821-1889), Reverie Giovanni Bottesini fue uno de los más prolíficos y reconocidos virtuosos itinerantes, quien, siguiendo la tendencia de Franz Liszt y Segismund Thalberg en el piano, o Niccolò Paganini y Henri Viextemps desde el violín, logró deslumbrar audiencias con su técnica y ser el primer virtuoso contrabajista reconocido intercontinentalmente. Uno de los problemas en la catalogación de las obras de Bottesini es la gran variedad de versiones de cada una de ellas. Debido a su constante actividad internacional, muchas fueron adaptadas repetidamente, y estas adaptaciones consistían en cambios para los formatos instrumentales, en las duraciones, en las tonalidades e incluso en los títulos (Ramírez, 2007). Reverie (Ensoñación) es una obra de carácter melancólico y sobrio compuesta en 1880, presumiblemente para violonchelo en su versión original. El carácter lírico de esta pieza permite exponer el gran potencial expresivo del contrabajo a través de un registro notablemente amplio; asimismo, el carácter vocal de la melodía abre un espacio de interacción con el piano para desarrollar un verdadero diálogo camerístico. 1 Para escuchar una versión de esta sonata en un arpeggione construido sobre el modelo de Stauffer de 1823, el lector puede acceder a la publicación del portal The Strad, disponible en https://www. thestrad.com/video/schuberts-arpeggione-sonata-played-on-arpeggione/9012.article 5 Serge Koussevitzky (1874-1951), Concierto para contrabajo y orquesta, Op. 3 Koussevitzky es considerado una de las personalidades más influyentes para el desarrollo de la música sinfónica de inicios del siglo xx. Como director de orquesta fue una referencia internacional de amplio reconocimiento, y particularmente junto a la Orquesta Sinfónica de Boston, entre 1924 y 1949, consolidó una de las instituciones más estables tanto artística como económicamente a nivel mundial. Adicionalmente a su extensa labor como director, Koussevitzky desarrolló un programa de mecenazgo artístico a través de la Fundación Musical Koussevitzky2, la cual ha apoyado desde sus inicios la creación de nuevas composiciones a través de un generoso y constante programa de comisiones. Algunas de las obras que fueron comisionadas por esta fundación son la ópera Peter Grimes de Benjamin Britten, el Concierto para orquesta de Béla Bartók, la Oda para orquesta de Igor Stravinsky, y Turangalila de Olivier Messiaen; este listado sigue creciendo continuamente y ha ayudado a la gestación de obras que han marcado hitos en la historia de la música desde 1942. En lo referente al contrabajo, Koussevitzky también ocupó un lugar trascendental. Antes de consolidarse como director fue un prodigioso contrabajista, quien antes de cumplir veinte años ya había ingresado a la Orquesta del Teatro Imperial Bolshoi, donde posteriormente ocupó el puesto de primer contrabajo y solista. Entre 1898 y 1905, Koussevitzky mantuvo una intensa carrera como solista en las más importantes ciudades europeas; en varios de sus conciertos incluyó obras originales para contrabajo y también transcripciones de obras de famosos compositores, como Bach, Beethoven, Händel y Mozart, entre otros. En 1902, compuso cuatro piezas de salón para contrabajo y piano que han sido parte fundamental del repertorio de conciertos para contrabajo desde entonces; posteriormente, en 1903, con la ayuda de Reinhold Gliere finalizó su Concierto para contrabajo, Op. 3. Sus cuatro obras para contrabajo y piano, así como su Concierto en versión para contrabajo y piano fueron incluidas regularmente en las presentaciones de Koussevitzky como solista; de hecho, en algunas ocasiones incluyó en sus programas solo uno de los movimientos del concierto, para ser interpretado con acompañamiento de piano (Kohn, 2017). 2 Para conocer más sobre la Fundación Musical Koussevitzky, puede visitar https://www. koussevitzky.org 6 Amparo Ángel (n. 1942), Meditación para contrabajo y piano, Op. 34 La Temporada Nacional de Conciertos 2022 del Banco de la República cerró con una conjunción de eventos muy especiales: dentro de la serie Retratos de un compositor se celebró la vida y obra de Amparo Ángel mediante un concierto monográfico antecedido por un conversatorio con la compositora3. A través de los años, Ángel ha logrado decantar una estética compositiva muy personal a la luz de la tradición neoclásica y neorromántica. Con una postura reflexiva y renovadoramente creativa, la obra de Ángel se caracteriza por una sonoridad de intenso lirismo y visceral poder expresivo canalizado a través del desenvolvimiento orgánico de sus formas musicales; en cada una de sus obras es evidente la atención que brinda a la coherencia con la cual se desarrolla su discurso musical, sin traicionar la efectividad de su intención expresiva4. La Meditación para contrabajo y piano, Op. 34 fue compuesta en 2011; surgió a partir de la exploración de la riqueza de combinaciones tímbricas brindadas por este formato instrumental y sucumbe frente al potencial lírico de las líneas melódicas que puede proyectar el contrabajo. La obra inicia con un material recitativo para el contrabajo, que progresiva e insistentemente alterna con el piano, para desembocar en una sección donde el lirismo y la intensidad rítmica de ambos instrumentos se entrecruzan. Después de una sección central que se debate entre apasionadas acumulaciones motívicas, la obra retorna al material inicial, ahora afectado por la memoria de las vicisitudes narrativas que la han precedido. 3 Adicionalmente al concierto y el conversatorio, se llevó a cabo una producción discográfica, dentro de la misma serie Retratos de un compositor, sobre el mismo repertorio presentado en el concierto; la producción será publicada próximamente. Para ver la grabación del concierto y a la entrevista con la compositora, puede acceder a los siguientes vínculos del canal oficial del Banco de la República: concierto La Música de Amparo Ángel, disponible en https://youtu.be/ PajbolObmZo, y entrevista Un encuentro con Amparo Ángel, disponible en https://youtu.be/ Xgle6JnBTnI 4 Para conocer más sobre la vida y obra de Amparo Ángel, el lector puede acceder a la página oficial de la compositora en https://www.amparoangelcompositora.com 7 Gioachino Rossini (1792-1868), Dueto en re mayor para contrabajo y violonchelo Rossini fue uno de los compositores más reconocidos y exitosos en su época. Si bien es innegable que Mozart y Beethoven ocupan un lugar fundamental en la historia de la música, su reconocimiento en vida y la estabilidad económica derivada de la composición musical no podrían ser comparados con las ganancias de Rossini, ya que, además de la ópera, este compuso música instrumental para ocasiones y personajes muy específicos. En lo concerniente al contrabajo, Rossini lo incluyó en tres obras de cámara: una colección de seis sonatas tempranas para un cuarteto de cuerda conformado por dos violines, violonchelo y contrabajo; Une larme, obra tardía para contrabajo y piano, compuesta para sus conciertos privados en París alrededor de 1858, y la obra que nos convoca hoy, el Dueto para violonchelo y contrabajo, compuesto en Londres en 1824. El Dueto fue comisionado por el violonchelista aficionado Sir David Salomons, quien lo interpretaría en un concierto privado acompañado por el virtuoso contrabajista Domenico Dragonetti. Desde su estreno, esta obra ha sido una de las joyas de la música de cámara para contrabajo. En cada movimiento, ambos instrumentos alternan sus papeles protagónicos para desplegar una impresionante gama de variaciones expresivas; podría decirse que es, literalmente, una ópera cómica narrada desde esta inusual pero efectiva combinación de solistas. Referencias Hayes, G., y Fontana, E. (2001). Arpeggione. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com Kohn, A. (2017). Koussevitzky’s Double Bass Repertoire: A Reassessment. The Online Journal of Bass Research. Recuperado de https://www.ojbr. com/9-1.asp Ramírez J. (2007). Musical Borrowings in the Music for Double Bass by Giovanni Bottesini: A Reconsideration Beyond the Operatic Paraphrases (Tesis doctoral). University of Cincinnati, Cincinnati, EE. UU. The Strad. (2019). Schubert’s Arpeggione Sonata Played on Arpeggione. Recuperado de https://www.thestrad.com 8 Jaime Ramírez Castilla está vinculado actualmente como profesor en la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia; junto a su labor docente ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se vinculó a la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República para desarrollar diversos proyectos artísticos. 9 Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres - Roots Drums Photo Concierto de Lizeth Vega (Colombia), cantante Jueves 27 de abril de 2023 6:30 p.m. PULEP: DLT554 Ilustración: Kilka Diseño Gráfico Jóvenes Compositores 2022 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea Jueves 4 de mayo de 2023 6:30 p.m. PULEP: LEG741 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea Quinteto Talim, (Estados Unidos), música tradicional india • Foto: Edward Rossel • PULEP: UDP492 TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023

El Ensamble Etnos es una agrupación que interpreta composiciones originales inspiradas en música folclórica de todo el mundo, como la balcánica, la polaca, la judía y la árabe. El grupo, conformado por cuatro músicos que han sido amigos desde hace mucho tiempo, demuestra un estilo propio y original, difícil de clasificar en un género musical concreto; por esto mismo, no se sienten limitados de ninguna manera en su trabajo artístico y sus interpretaciones. El carácter distintivo del sonido y la honestidad de su mensaje musical son de suma importancia para Etnos. Es quizás por este motivo que, al presentarse en un escenario, capturados por aquel elemento incontrolado de la música, consiguen que los oyentes se sumerjan en ella y que nadie quede indiferente ante las piezas que interpretan. El alto nivel demostrado por Etnos se confirma con numerosas distinciones y premios obtenidos en concursos en su país y fuera de él con presentaciones en Bélgica, Suiza, Italia, Letonia y Moldavia. El ensamble se ha presentado en los escenarios musicales más importantes de Polonia, como la Filarmónica Nacional de Varsovia, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Polaca de Katowice y el Estudio de Conciertos S1 de la Radio Polaca. En 2019, gracias a la prestigiosa beca del Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional ‘Polonia Joven’, el Ensamble Etnos lanzó el álbum Gardens en colaboración con Requiem Records, con canciones originales, que puede adquirirse a través de los medios de ‘streaming’ más populares.

Domingo 7 de mayo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Lunes 8 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Armenia, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Miércoles 10 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Banco de la República Viernes 12 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Cinema Comfaca Foto: Marianna Peruń-Filus · PULEPS: VAK907, LYI699, XWM738, OIY325 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL ENSAMBLE ETNOS (Polonia) música tradicional polaca SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Cuarteto Simply • Foto: Cristina Ferri 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Ensamble Etnos, música tradicional polaca Bartosz Pacan, clarinete; Konrad Merta, acordeón; Tomás Estrada Paz, saxofón; Piotr Gach, cello; Przemysław Pacan, percusión. El Ensamble Etnos es una agrupación que interpreta composiciones originales inspiradas en música folclórica de todo el mundo, como la balcánica, la polaca, la judía y la árabe. El grupo, conformado por cuatro músicos que han sido amigos desde hace mucho tiempo, demuestra un estilo propio y original, difícil de clasificar en un género musical concreto; por esto mismo, no se sienten limitados de ninguna manera en su trabajo artístico y sus interpretaciones. El carácter distintivo del sonido y la honestidad de su mensaje musical son de suma importancia para Etnos. Es quizás por este motivo que, al presentarse en un escenario, capturados por aquel elemento incontrolado de la música, consiguen que los oyentes se sumerjan en ella y que nadie quede indiferente ante las piezas que interpretan. El alto nivel demostrado por Etnos se confirma con numerosas distinciones y premios obtenidos en concursos en su país y fuera de él con presentaciones en Bélgica, Suiza, Italia, Letonia y Moldavia. El ensamble se ha presentado en los escenarios musicales más importantes de Polonia, como la Filarmónica Nacional de Varsovia, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Polaca de Katowice y el Estudio de Conciertos S1 de la Radio Polaca. En 2019, gracias a la prestigiosa beca del Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional ‘Polonia Joven’, el Ensamble Etnos lanzó el álbum Gardens en colaboración con Requiem Records, con canciones originales, que puede adquirirse a través de los medios de streaming más populares. Conozca más acerca de Etnos Ensamble @etnosensemble6127 etnosensemble @etnosensemble 2 Estos conciertos se realizan con el apoyo de: 3 PROGRAMA Danza en círculo KONRAD MERTA (n. 1989) Cometa PIOTR GACH (n. 1986) Jinn KONRAD MERTA Ederlezi TRADICIONAL GITANA Kazimierz Hutulca din Brodina TRADICIONAL JUDÍA TRADICIONAL MOLDAVA Eden TRADICIONAL POLACA Shisha KONRAD MERTA El pianista Bandido WOJCIECH KILAR (1932-2013) MICHAŁ LORENC (n. 1955) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein La otra Europa y sus sonidos Cuando el colombiano promedio escucha la palabra ‘Europa’, las primeras imágenes que aparecen son aquellas de países occidentales con una larga historia de presencia en el mundo a través de la colonización. Con tales referencias, es muy fácil olvidar que Europa es un continente donde también residen millones de habitantes que no se identifican con las culturas ibéricas ni con las germanas, francesas, escandinavas o angloparlantes, que siempre se vienen a la mente. En efecto, esa otra Europa de la que poco se habla es la Europa del Este y la Europa Central, cuya lista de países en la actualidad se aproxima a estos: Armenia, Azerbaiyán, Georgia, Bielorrusia, Bulgaria, República Checa, Hungría, Moldavia, Polonia, Rumania, Rusia, Eslovaquia y Ucrania1. Como puede inferirse, cada uno de estos países posee costumbres, dialectos y músicas que incluso dentro de sus propios territorios poseen subdivisiones locales. Para una persona nacida en América, la cultura menos desconocida de este conglomerado de países es la gitana, usualmente ligada a países como Rumania y Hungría, pero en realidad originaria del norte de la India, de donde migró a partir del siglo xviii para asentarse de manera dispersa en el continente europeo —y, en la actualidad, en varios continentes—. Debido a sus rasgos faciales y su color de piel, esta etnia recibió el nombre de ‘gitana’, pues en Europa se creía que venían de Egipto; pero su denominación más correcta es la de romaní, dado que la palabra gitano posee un largo historial de discriminación. En cualquier caso, algunas de las músicas que escucharemos en el concierto de hoy provienen de esta etnia, sobre la cual se hablará un poco más en el transcurso de este texto. Otra cultura o etnia de esa Europa menos conocida es relativamente fácil de distinguir: se trata de la polaca, cuya influencia y sonidos dominan el repertorio del Ensamble Etnos. Aunque lo polaco a veces se relaciona 1 Además, se suele incluir a las repúblicas bálticas, a Kazajistán y a Turquía. 5 con lo judío, gracias a la fuerte presencia histórica que hay en Polonia de judíos asquenazí, lo cierto es que la mayoría de los polacos, incluyendo su idioma, son descendientes directos de los lechitas, un grupo de tribus de eslavos occidentales que se asentaron en la actual Polonia hacia el siglo ix d. C. Y si bien los eslavos cargaban consigo creencias que en la época eran consideradas paganas, hoy en día la mayor parte de los polacos se identifica con el catolicismo, por lo cual su cultura —incluida su música— posee una mezcla única, muy sincrética, de influencias orientales y occidentales. No en vano una gran cantidad de polacos no se consideran ni del Este ni del Oeste, sino de Europa Central, una región con una zona horaria propia, que está a medio camino entre las más orientales repúblicas de Bielorrusia y Ucrania, y las más occidentales de Alemania y Francia. Es de notar que algunos de los países de Europa del Este y Europa Central (como Ucrania, por ejemplo) poseen unas de las tierras más fértiles del mundo, razón por la cual sus músicas están fuertemente conectadas con el mundo rural, y también por lo que hoy son, lamentablemente, el centro de una violenta disputa interimperialista. El concierto que hoy nos congrega es, pues, una oportunidad valiosa para celebrar estas culturas por medio de aquello que las une, que es la música, cuyo fin último siempre será celebrar la vida, dado que la vibración y el movimiento —las fuentes del sonido— son la esencia de lo vivo y del propio arte musical. El programa de hoy Danza en círculo – Konrad Merta (n. 1989) El título de esta obra es una referencia clara a una de las formas de baile más antiguas de la humanidad, cuyo propósito precisamente es integrar a los miembros de una comunidad. En términos musicales, esta integración pareciera reflejarse en un híbrido de varias influencias étnicas, en las cuales se pueden identificar rasgos euroasiáticos (por medio de escalas orientales) e incluso rasgos moriscos (por medio de adornos en el clarinete, muy reminiscentes de las músicas españolas influenciadas por lo árabe). Esta obra, al igual que la mayoría de las de este programa, forma parte del disco Gardens (2019), que el ensamble grabó gracias a una beca del Ministerio de Cultura de Polonia. 6 Cometa – Piotr Gach (n. 1986) Similar a la anterior, esta pieza posee influencias interétnicas que se hacen evidentes en los adornos melódicos del acordeón, instrumento que fue inventado en Alemania, pero que posteriormente fue perfeccionado en (y apropiado por) Rusia. También hay que notar el papel preponderante de la percusión, cuyo uso en Europa Occidental se dio de manera tardía en la música sinfónica, ya que su sonido se relacionaba más con Oriente que con Occidente. Por último, el carácter estático de algunos acordes, que a veces solo fluctúan entre dos, es propio de una corriente estética conocida como minimalismo, nacida en Europa en el siglo xx, pero en realidad de proveniencia milenaria, específicamente de Asia. Como su nombre lo indica, el minimalismo consiste en reducir ciertos materiales musicales al mínimo —usualmente la armonía y el ritmo—, haciendo que esta base estática sirva de fondo para la improvisación o simplemente para la contemplación y la meditación. Jinn – Konrad Merta De clara influencia oriental, esta obra se destaca por el uso de escalas arábigas que son interpretadas en veloces adornos melódicos y que traen a la mente las aldeas romaníes. Es relevante la improvisación en el clarinete, influencia del jazz, que Etnos aplica a varias de sus propuestas musicales. Ederlezi – melodía tradicional romaní En términos étnicos, esta obra es quizás la que menos mezclas tiene, puesto que proviene del folclor romaní, cuyas prácticas musicales se heredan a través de la tradición oral. Es de notar que mucha música romaní posee un carácter seductor, dado que gran parte de ella se utiliza para el cortejo y las danzas comunales en sus aldeas. En términos instrumentales, la seducción es perceptible en los ritmos que llaman al baile y en los deslices exagerados que se hacen de una nota a otra en las melodías. Kazimierz – melodía tradicional judía (Polonia) Ya se ha mencionado la influencia judía dentro del acervo étnico polaco, concretamente de los asquenazíes, cuya mayoría vive en Alemania, seguido por Polonia en términos de densidad poblacional. Dado, en todo caso, que los judíos provienen de Oriente Medio, esta melodía tradicional habla de su origen, por medio de escalas que transportan a un mundo desértico en 7 Oriente. No obstante, la música contiene cambios bruscos de velocidad, lo cual también es reminiscente de las danzas comunales que se celebran en el mundo judío, entre las cuales sobresalen aquellas para conmemorar matrimonios o natalicios, o que proveen espacios para el ya mencionado cortejo. Resulta interesante notar que Kazimierz es el nombre de un barrio en Cracovia que funcionó como principal refugio de judíos desde el siglo xiv hasta la Segunda Guerra Mundial. Hutulca din Brodina – melodía tradicional moldava Entre Ucrania y Rumania se extiende la república de Moldavia, cuya población se aproxima a los 2,6 millones de habitantes. A raíz de su localización geográfica, la música moldava posee influencias de sus dos países vecinos, usualmente arraigadas a los rituales campesinos, en los cuales el baile —que implica siempre un cortejo— y su consecuente riqueza rítmica, predominan sobre lo demás. En este sentido, hay que notar que esta melodía tradicional se divide en dos secciones altamente contrastantes: una primera de carácter melancólico, que parece llamar al cortejo, y una de carácter movido, que parece celebrar, por medio del baile, un cortejo exitoso. Eden – melodía tradicional polaca En el acervo musical de Polonia, esta melodía pertenece a la tradición musical no escrita, es decir, a aquellas prácticas musicales heredadas, no a través de partituras ni grabaciones, sino de la tradición oral, de generación a generación. Es de destacar que la estructura de la melodía remite al baile en el contexto campesino y usualmente se presenta en una velocidad lenta que, poco a poco va aumentando, a la manera de un cortejo, que empieza de modo discreto para desembocar en una pasión y un deseo mutuo consumado. Shisha – Konrad Merta De nuevo, perteneciente a la música de influencia interétnica, esta obra se destaca por el uso minucioso del contraste de volumen, el cual inicia a la manera de un susurro, casi estático, que se intercala con breves destellos fuertes apoyados en ritmos repetitivos que permiten la improvisación melódica. En cuanto a las escalas, se advierten sonoridades claramente árabes (que incluso imitan las inflexiones melódicas de este tipo de canto) y sonidos occidentales más familiares para nosotros, lo que nos sugiere un viaje entre dos mundos. 8 El pianista - Wojciech Kilar (1932-2013) / Bandido – Michal Lorenc (n. 1955) De corte más contemporáneo, esta obra es un popurrí de dos bandas sonoras cuyas películas están contenidas en el título. La primera, basada en la vida de un pianista polaco judío que intenta esconderse de los nazis, es consecuentemente melancólica, con tintes melódicos que traen a la mente el mundo de los judíos asquenazíes y los horrores de la Segunda Guerra Mundial. Por su parte, Bandido trata de un prisionero que es enviado a un orfanato rumano para cumplir una sentencia; las condiciones de aquel lugar conmueven al protagonista y lo inspiran a ayudar a los niños. Acorde con la trama, la banda sonora posee piezas de gran riqueza rítmica, inspiradas en bailes polacos, que son utilizadas para subrayar la urgencia que el personaje siente de salvar a los huérfanos. Bibliografía Broughton, Simon et. al. World Music: The Rough Guide. London: The Rough Guides, 1994. Foley, Michael P. Why We kiss under the Mistletoe: Christmas Traditions Explained. Washington DC: Regnery History, 2022. Discografía Etnos Ensemble. Gardens. Polonia: Lydian Series, 2019. Alexander Klein. Es compositor y profesor de la Universidad de los Andes. Sus obras han sido ejecutadas en varios escenarios internacionales, entre ellos la Royal Academy of Music de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Uniandes, 2022), la primera historia comparativa de la ópera en América. 9 Ilustración: Alejandro Martínez Foto: Juan Pablo Duarte Concierto de Brayan Ruiz (Colombia), bandola Martes 9 de mayo de 2023 Florencia, Auditorio Cinema Comfaca 7:00 p.m. Jueves 24 de agosto de 2023 Neiva, Auditorio del Banco de la República 7:00 p.m. Concierto de Coral ¡Canta, Bogotá, Canta! (Colombia), Coro juvenil Jueves 11 de mayo de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 6:30 p.m. 10 Juanita Lascarro, cantante · Foto: Diana Karch TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

¡Canta, Bogotá Canta! es el Proyecto Estudiantil Distrital de Coros Escolares de la Secretaría de Educación del Distrito en Bogotá, Colombia. Fundado y dirigido por María Teresa Guillén Becerra desde 2013, este proyecto busca garantizar el derecho a la cultura consagrado en la Constitución; que los niños y las niñas accedan, en igualdad de oportunidades, a formación musical de calidad en un escenario de dignificación de la enseñanza musical coral. Más de catorce mil niños y más de cien coros, 61 maestros, 51 colegios, 10 conciertos de gran formato, y más de 150 presentaciones en escenarios representativos de la ciudad y del país dan cuenta de este proyecto. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es el coro representativo del proyecto y está compuesta por sesenta estudiantes entre los 12 y 23 años, provenientes de colegios públicos y de distintos programas de pregrado de varias universidades de Bogotá que fueron seleccionados en procesos de audición. Este proyecto evidencia el fortalecimiento de la educación integral a través de la música, el canto coral y el poder movilizador de la voz como eje principal. Cantar es leer e interpelar al mundo, implica una travesía al interior de cada persona, explorarse, conocerse y construirse hasta encontrar la propia voz. Cantar es tener la disposición de escuchar, de reconocer y de apreciar la diferencia, de concertar y de construir con los demás. Al tratarse de un coro polifónico, en el que se unen voces de sopranos, contraltos, tenores y bajos, la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es una poderosa metáfora de la democracia y de la convivencia. En este proyecto los compositores colombianos y los ritmos del país ocupan un lugar privilegiado. Más de la mitad del repertorio ha sido compuesto por encargo a la justa medida de la intención pedagógica. En cada obra suena Colombia, su gente, su diversidad, sus alegrías, sus tristezas y el anhelo de un país en paz. Por medio del repertorio cada corista se reconoce como parte de un territorio rico en términos culturales y ambientales y, a la vez, vulnerable frente a la violencia, la inequidad y la crisis climática. También se abordan obras magistrales del repertorio universal, en otros idiomas, que revelan ‘lo más humano de esta humanidad’, más allá de la nacionalidad, la lengua, la etnia, la cultura, el género, la religión y la condición social. Así, entre lo más local y lo más global, los coristas saben que son parte de algo más grande que ellos mismos. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! ha participado como invitada especial de diferentes conciertos y festivales a nivel distrital y nacional, entre estos se destacan ser seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República y actuar en el marco de su Temporada Nacional de Conciertos 2023; ser el coro invitado del concierto La Resistencia del cantautor César López en 2022; participar en el Festival Internacional de Música Sacra en 2018 y 2019, en el Festival Internacional de Coros en Bucaramanga en 2016, 2017 y 2021, en el Festival de Coros en Buga Corpacoros en 2015 y realizar ocho conciertos de gran formato en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Asimismo, han actuado en escenarios de Bogotá de gran relevancia como los auditorios León de Greiff y Luis A. Calvo, así como los teatros Jorge Eliécer Gaitán y El Ensueño.

Jueves 11 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Juan Pablo Duarte · PULEP: ZPT628 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CORAL ¡CANTA, BOGOTÁ CANTA! (Colombia), ensamble vocal María Teresa Guillén, directora (Colombia) Quinteto Vástago, quinteto de maderas · Foto: Laura Daniela Muñoz González SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Coral ¡Canta, Bogotá Canta!, ensamble vocal ¡Canta, Bogotá Canta! es el Proyecto Estudiantil Distrital de Coros Escolares de la Secretaría de Educación del Distrito en Bogotá, Colombia. Fundado y dirigido por María Teresa Guillén Becerra desde 2013, este proyecto busca garantizar el derecho a la cultura consagrado en la Constitución; que los niños y las niñas accedan, en igualdad de oportunidades, a formación musical de calidad en un escenario de dignificación de la enseñanza musical coral. Más de catorce mil niños y más de cien coros, 61 maestros, 51 colegios, 10 conciertos de gran formato, y más de 150 presentaciones en escenarios representativos de la ciudad y del país dan cuenta de este proyecto. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es el coro representativo del proyecto y está compuesta por sesenta estudiantes entre los 12 y 23 años, provenientes de colegios públicos y de distintos programas de pregrado de varias universidades de Bogotá que fueron seleccionados en procesos de audición. Este proyecto evidencia el fortalecimiento de la educación integral a través de la música, el canto coral y el poder movilizador de la voz como eje principal. Cantar es leer e interpelar al mundo, implica una travesía al interior de cada persona, Foto: Juan Pablo Duarte 2 explorarse, conocerse y construirse hasta encontrar la propia voz. Cantar es tener la disposición de escuchar, de reconocer y de apreciar la diferencia, de concertar y de construir con los demás. Al tratarse de un coro polifónico, en el que se unen voces de sopranos, contraltos, tenores y bajos, la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! es una poderosa metáfora de la democracia y de la convivencia. En este proyecto los compositores colombianos y los ritmos del país ocupan un lugar privilegiado. Más de la mitad del repertorio ha sido compuesto por encargo a la justa medida de la intención pedagógica. En cada obra suena Colombia, su gente, su diversidad, sus alegrías, sus tristezas y el anhelo de un país en paz. Por medio del repertorio cada corista se reconoce como parte de un territorio rico en términos culturales y ambientales y, a la vez, vulnerable frente a la violencia, la inequidad y la crisis climática. También se abordan obras magistrales del repertorio universal, en otros idiomas, que revelan ‘lo más humano de esta humanidad’, más allá de la nacionalidad, la lengua, la etnia, la cultura, el género, la religión y la condición social. Así, entre lo más local y lo más global, los coristas saben que son parte de algo más grande que ellos mismos. La Coral ¡Canta, Bogotá Canta! ha participado como invitada especial de diferentes conciertos y festivales a nivel distrital y nacional, entre estos se destacan ser seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República y actuar en el marco de su Temporada Nacional de Conciertos 2023; ser el coro invitado del concierto La Resistencia del cantautor César López en 2022; participar en el Festival Internacional de Música Sacra en 2018 y 2019, en el Festival Internacional de Coros en Bucaramanga en 2016, 2017 y 2021, en el Festival de Coros en Buga Corpacoros en 2015 y realizar ocho conciertos de gran formato en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Asimismo, han actuado en escenarios de Bogotá de gran relevancia como los auditorios León de Greiff y Luis A. Calvo, así como los teatros Jorge Eliécer Gaitán y El Ensueño. 3 María Teresa Guillén, directora artística Mayra Alejandra Murillo, asistente de dirección María Jimena Rosales, pianista Jesús David Prieto, pianista Integrantes Coral ¡Canta, Bogotá, Canta! Barítonos: Kevin Alejandro Cubides Pinilla David Andrés Fuentes Aguirre Carlos Julio Sánchez Lozano Harrison Esteban Jiménez Duque Juan Diego Rey Murillo Javier Esteban Cañón Saavedra Neo Andur Rincón Hernández Johan Andrés Hernández Álvaro Sebastián Cifuentes Cuadros Diego Fernando Millán Forero Contraltos: Fiorella Antonella Urquia Vargas Teresita Monserrat Rico Ladino Carol Lizeth Gutiérrez Capacho Ángela Sofía Carrasco Moreno Ximena Bonilla Ángel Jessica Viviana Daza Torres Gabriela Montoya Gallo Tomás Felipe Rodríguez Herrera Mezzosopranos: Ana María Mendivelso Barrera Laura Valentina González Jaque Paula Dayanna Molina Keila Valentina Murillo Cárdenas Sopranos: Emily Hinestroza Caicedo Juanita Sabogal Salas Janis Alejandra Triana López Andrea Camila González Jaque Ana Camila Orjuela Zambrano Carolina Bustamante Campos David Felipe Bello Zamora Álvaro Andrés Pulido Torres Sergio Andrés González Castro Santiago Andrés Marles Arciniegas Juan Estevan Rodríguez Herrera 4 PROGRAMA Ave María (1600) TOMÁS LUIS DE VICTORIA (1548-1611) Lluvia (2021) MARTA GÓMEZ (n. 1980) Arreglo para coro de Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Laudate pueri Dominum de Tres motetes, Op. 39 (1837) FÉLIX MENDELSSOHN (1809-1847) Letra a Nuestra Señora del Topo (c. 1670) JOSÉ CASCANTE (c. 1618-1702) Río (2015) JORGE ALEJANDRO SALAZAR El contrabandista (s. f.) CANTALICIO ROJAS (1896-1974) Versión para coro de Mauricio Rodríguez Cuando lejos, muy lejos (2022) JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966) Verano porteño de Las cuatro estaciones porteñas (1964-1970) ÁSTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para bandoneón, guitarra, violín, piano y contrabajo Versión para coro de Óscar Escalada (n. 1945) INTERMEDIO 5 Oigo voces (2017) MAURICIO ARIAS (n. 1984) Agua (2015) JORGE ALEJANDRO MEDELLÍN (n. 1965) Original para voz con acompañamiento Versión para coro de Victoriano Valencia (n. 1970) México lindo y querido (s. f.) JESÚS ‘CHUCHO’ MONGE (1910-1964) Versión para coro de Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Domine fac me servum pacis tuae (2022) JUAN ANTONIO CUÉLLAR Guantanamera (1929) JOSÉ ‘JOSEÍTO’ FERNÁNDEZ DÍAZ (1908-1979) Versión para coro de Jorge Alejandro Salazar Dona nobis pacem de la Misa en si menor, BWV 232 (1747-1749) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Mi país (2019) JORGE ALEJANDRO SALAZAR A Gaelic Blessing (1978) JOHN RUTTER (n. 1945) 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Cantándole a una ciudad y a un país que necesitan con urgencia de la música y del arte, para que se nos sane el corazón. María Teresa Guillén1 El Proyecto Estudiantil Distrital de Coros Escolares ¡Canta, Bogotá Canta! se ha consolidado en estos últimos diez años como una de las propuestas de formación coral más ambiciosas de la capital colombiana. Este programa, fundado en 2013 por la maestra María Teresa Guillén, su actual directora, ha permitido a más de 10.000 niños y adolescentes a encontrar en la práctica del canto coral una forma de expresión artística de gran impacto vital, al punto de motivar a algunos a dedicarse profesionalmente a este oficio. En esta ocasión escucharemos al coro representativo del programa, un pequeño grupo de niños y jóvenes formados dentro de este proyecto y que ejemplifican el resultado musical de este trabajo. Con constancia y disciplina han conquistado diversos escenarios y reunido un rico repertorio, en el que figuran obras de diferentes grados de complejidad, como las que escucharemos en el presente recital. En palabras de su directora, «¡Canta, Bogotá Canta! es una experiencia de vida, fundamentalmente. Significa amor, significa pasión, significa convicción, significa música, por supuesto; significa historia, significa pedagogía» (Guillén, 2022)2. Las obras que conforman este programa pueden dividirse en tres categorías: en la primera se encuentran las de carácter sacro, principalmente en latín. En la segunda están aquellas comisionadas a compositores colombianos por la Secretaría de Educación, para ser interpretadas por el coro. Y en la tercera se encuentran algunas obras representativas del repertorio latinoamericano, adaptadas para este formato. El motete Laudate pueri Dominum, segundo de los Tres motetes, Op. 39, compuesto en 1837 por Felix Mendelssohn (1809-1847), pertenece a la 1 Palabras de María Teresa Guillén en el concierto de cierre del proyecto ¡Canta, Bogotá Canta!, el 25 de septiembre de 2022. 2 Tomado de: https://www.youtube.com/watch?v=XtOcftRffDY 7 primera categoría. Estos tres motetes fueron concebidos por el compositor luego de escuchar a un coro de monjas en la iglesia Trinità dei Monti, en Roma, ciudad en la que se encontraba de viaje. Cada uno está inspirado en un pasaje diferente de la Escritura, en este caso, en los salmos 113 y 128. De esta misma categoría, escucharemos un fragmento de la Misa en si menor, BWV 232 de Johann Sebastian Bach (1685-1759). Se trata del Dona nobis pacem, última sección de la misa después del Agnus Dei. La totalidad de la obra fue escrita en un periodo de no menos de veinte años, pero esta sección en particular —junto con el Credo, el Sanctus y el Agnus Dei— fue compuesta entre 1747 y 1749. Es una obra de carácter grandioso, conocida por ser un compendio de diferentes técnicas compositivas, pero sobre todo por la frecuente reutilización que hizo Bach de anteriores composiciones suyas dentro de un nuevo contexto —en este caso, de la Cantata, BWV 29—, procedimiento que se conoce como parodia musical. Escucharemos también A Gaelic Blessing (1978), del arreglista, compositor y director John Rutter (n. 1945), especialmente reconocido por sus composiciones de carácter religioso. Aunque el autor no se considera a sí mismo un hombre de fe, el contenido musical y los textos de sus obras le han otorgado un gran reconocimiento entre los compositores de música religiosa. Uno de los principales intereses del programa ha sido apoyar y fomentar la labor de los compositores colombianos. Por esta razón, desde sus inicios han abundado los encargos de obras, logrando el enriquecimiento del repertorio de todos los coros del programa. Hoy por hoy, casi la mitad de dichos repertorios está constituida por obras encargadas. Ejemplo de ello son las que han sido comisionadas a compositores como Jorge Alejandro Medellín Becerra (n. 1965), economista, educador, escritor y compositor, en muchas de cuyas composiciones se evidencia un sincero interés por la música infantil. De él escucharemos Agua (2015) en un arreglo del compositor Victoriano Valencia. Explica Medellín sobre su obra: Esta canción es el resultado de cuarenta años de tomar agua pura desde la fuente y de observar en su recorrido la sutil ausencia del tiempo y del espacio. Es un canto de acción de gracias y a la vez un compromiso para cuidar del agua, que es luz líquida, así sea desde un barquito de papel. Por eso es para niños, porque es en serio (Medellín, 2015, p. 3). El agua es también un tema que aborda el compositor Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) en la canción Río (2015), homenaje al paisaje hídrico colombiano. En 2019, Salazar recibió el encargo de una obra para conmemorar 8 el bicentenario de la Independencia. Así nació Mi país, cuya letra expresa, además de un profundo sentido patriótico, un anhelo en la esperanza de un mejor porvenir. Continuando con los encargos, escucharemos del compositor colombiano Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) las piezas Cuando lejos, muy lejos (2022) sobre un poema de Julio Flórez, y Domine fac me servum pacis tuae. Del compositor Mauricio Arias (n. 1984) escucharemos Oigo voces (2017), obra escrita en ritmo de bambuco, que representa un canto de rebelión contra la violencia. La cantautora Marta Gómez (n. 1980), quien se ha caracterizado por el sentido social de sus composiciones, escribió por encargo del proyecto tres obras que fueron estrenadas en 2021: La rebelión de la risa, Lluvia y Baila. En esta ocasión escucharemos Lluvia, que habla sobre las fuerzas de la naturaleza como el sol, la luna, la noche y el viento, nombrándoles, además, en lengua muisca: Sua, Chia, Sa y Zoque. Dentro del repertorio representativo de la música latinoamericana se encuentran ritmos como el tango, el son, el bolero, el joropo o el bambuco, por nombrar solo algunos. Además de ser un reto, interpretar vocalmente obras de carácter instrumental representa para cualquier cantante una magnífica oportunidad de explorar nuevas posibilidades técnicas con su voz, con el fin de imitar las sonoridades propias de cada familia instrumental. Este es el caso del Verano porteño de Ástor Piazzolla (1921-1992), que forma parte de Las cuatro estaciones porteñas (1964-1970). La versión que escucharemos fue adaptada para coro por Óscar Escalada. Aunque cada una de las estaciones fue compuesta de forma independiente, con el tiempo fueron agrupadas a modo de suite, de forma similar a las Cuatro estaciones de Antonio Vivaldi. El Verano fue originalmente concebido como música incidental para teatro e, igual que las demás estaciones, pensado para bandoneón, guitarra, violín, piano y contrabajo. Esta es una de las obras más conocidas de Piazzolla, representante del nuevo tango —otra de las vanguardias del siglo xx—, que asociaba el tango tradicional con la música académica europea. México lindo y querido (s. f.), original de Jesús ‘Chucho’ Monge (1910- 1964), podría considerarse una de las piezas musicales más representativas y patrióticas del folclor mexicano. Obras tan conocidas como esta no carecen de arreglos vocales y en esta ocasión escucharemos la versión realizada por Jorge Alejandro Salazar para la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! Caso similar es el de Guantanamera (1929), representativa de la música cubana. Con versos del poeta y político habanero José Martí (1835-1895), recordado héroe de la guerra de independencia cubana, y musicalizada por José ‘Joseíto’ Fernández 9 Díaz (1908-1979), es una de las canciones más patrióticas y simbólicas del país. Este arreglo también fue realizado por Jorge Alejandro Salazar. De las obras que pertenecen al repertorio latinoamericano escucharemos a Cantalicio Rojas (1896-1974) es uno de los compositores colombianos más prolíficos en géneros como el bambuco, el pasillo, el torbellino y el sanjuanero, entre otros. De él escucharemos el joropo sanjuanero El contrabandista (s. f.) en una versión para coro de Mauricio Rodríguez. Referencias Medellín, J. A. (2015). Agua. Edición especial para la Secretaría de Educación de Bogotá. Bogotá: Scoremusical. Recuperado de https://repositoriosed. educacionbogota.edu.co/bitstream/handle/001/1090/SED%20502. pdf?sequence=1&isAllowed=y Secretaría de Educación de Bogotá. (2022, septiembre 25). Canta, Bogotá, Canta. Conmemoración de los 10 años. [video]. Recuperado de https:// www.youtube.com/watch?v=XtOcftRffDY Secretaría de Educación de Bogotá. (2021, diciembre 3). Canta, Bogotá, Canta. 9° gran concierto, el reencuentro de nuestras voces. [video]. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=s60_bwbtRQY Angélica Daza. Maestra en música con énfasis en música antigua, obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora y conferencista de las charlas previas a los conciertos de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 10 Ave María (1600) Tomás Luis de Victoria (1548-1611) Texto: Anónimo Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum. Benedicta tu in mulieribus Et benedictus fructus ventris tui, Jesus Christus. Sancta Maria, mater Dei, Ora pro nobis peccatoribus, Nunc et in hora mortis nostrae. Amen. Dios te salve, María, llena eres de gracia. El Señor es contigo. Bendita tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre, Jesucristo. Santa María, madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén. Lluvia (2021) Marta Gómez Lluvia que baja, que viene y que va lluvia que limpia. Viento que baja, que viene y que va viento que alivia. Lluvia que limpia y que baila a la vez viento que alivia y que canta también. Siu lo baila sin parar Zoque canta a mis pies. Sol que me alumbra y calienta mi andar sol que me quema nube que vuela, que pasa y se va nube viajera. Sol que me alumbra y me quema también, nube que vuela y se llueve después, Sua no puede alumbrar, lo cubre Bahaoa. Y cuando llegue la noche, la luna saldrá a brillar Chia brilla en el cielo oscuro, Chia brilla en el cielo oscuro de la Za. 11 Laudate pueri Dominum (1837) Felix Mendelssohn (1809-1847) Texto: Anónimo Laudate, pueri Dominum, laudate nomen Domini. Sit nomen Domini benedictum, ex hoc nunc et usque in saeculum: a solis ortu usque ad occasum, laudabile nomen Domini. Alabad, siervos del Señor, alabad el nombre del Señor. Bendito sea el nombre del Señor, ahora y por siempre: de la salida del sol hasta su ocaso, alabado sea el nombre del Señor Letra a Nuestra Señora del Topo José Cascante (c. 1618-1702) No sé si topo, con la dicha que busco por vida mía. O soy un topo, o la halle, vive Cristo. Pues no sé cómo, Hoy de manos a boca di con María. Si hallo al buscar la gloria de pena un colmo con la dicha que busco no sé si topo. Mas si pena un amante, Dios amoroso, o tope con la gloria, o soy un topo. En María hallo penas, y en ella gozos, queréis ver de qué suerte, pues no sé cómo. Que en decir que quien ama, pena gozoso, y aplicado a María, no sé si topo. 12 Río (2015) Jorge Alejandro Salazar (n. 1978) Río, ¡oh río!, mi río que vas corriendo, riegas surcos, das vida al árbol, flores nuevas nacen por ti. Amaneces entre los valles y los pájaros te cantan. Río ¡oh río! mi río que vas corriendo, das burbujas sólo si te besa el aire, das sonidos al acariciar las piedras. Tus corrientes que se funden en los mares, riegan sueños de color en tus corales. Río mi río que vas corriendo, eres vida, eres alma, eres peces, eres plantas, cristalino invento de Dios remolinos que hacen danzas y arroyuelos de fragancias generoso flujo creador. No puedo pensar que llegasen a empañar, tu claro color, manchar tu esplendor, herir tus orillas, matar tu rocío. No puedo pensarlo, quisiera cuidarte mi río. Río mi río que vas corriendo. El contrabandista (s. f.) Cantalicio Rojas (1896-1974) En mi tierra tolimense hay una fiesta de honor. Es la fiesta sanjuanera que celebran con fervor, y allá van con alegría como lo manda mi Dios. Ya tenemos la lechona, ya se prende el parrandón, todos bailan el joropo, el bambuco y la canción, pero la danza la bailan parejas de dos en dos. Yo me voy para mi rancho a llevarle a mi mujer, una varita de pancho y la aguja de coser, hay que remendar el sayo, la camisa, el pantalón, darle de beber al bayo y afilar el azadón. El que quiera parrandear ha de tener capital una mujer con dos hijos y plata para gastar es la fiesta sanjuanera, es la fiesta del humor, al son de una guitarra, un tiple y un buen tambor. ¡Sí! 13 Cuando lejos, muy lejos (2015) Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) Texto: Julio Flórez (1867-1923) Cuando lejos muy lejos, en hondos mares, en lo mucho que sufro pienses a solas, si exhalas un suspiro por mis pesares, mándame ese suspiro sobre las olas. Cuando el sol con sus rayos desde el oriente rasgue las blondas gasas de las neblinas, si una oración murmuras por el ausente, deja que me la traigan las golondrinas. Cuando la tarde pierda sus tristes galas, y en cenizas se tornen las nubes rojas, mándame un beso ardiente sobre las alas de las brisas que juegan entre las hojas. Que yo, cuando la noche tienda su manto, yo, que llevo en el alma sus mudas huellas, te enviaré, con mis quejas, un dulce canto en la luz temblorosa de las estrellas. 14 Oigo voces (2017) Mauricio Arias (n. 1984) Paseando por las calles de mi ciudad, caminando por la plaza de mi pueblo, siento una ola grande de alegría y de perdón, siento una ola grande de amor y de compasión. Y por las grandes selvas de mi país, y por sus playas, ríos y lagunas, oigo voces hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. Oigo voces por aquí y oigo voces por allá. Oigo voces por allí y oigo voces por acá. Oigo voces por ahí… Voces se oyen en el viento, voces llegan hasta el alma, voces jóvenes se oyen, voces llenas de esperanza. Por las colinas y grandes nevados, páramos, bosques, ciénagas y pantanos, siento una ola grande de alegría y de perdón, siento una ola grande de amor y de compasión. Y por amplias llanuras y desiertos, por valles y montañas de agua fría, oigo voces hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. Cuando voy de paseo por las islas (e islotes), pasando por los puertos y bahías, siento voces llenas de paz y amor, hablando de hermandad y comprensión, oigo voces diciéndole a la violencia adiós. 15 Agua (2015) Jorge Alejandro Medellín (n. 1965) Agua, voy a cuidar muy bien el agua, el alimento de la vida, cantos de Dios en las montañas, agua pura, la sangre blanca de un gran corazón terrenal, que palpita adorando a la luna, poema azul de los paisajes. Agua, voy a cuidarte en mi barquito de papel, eres lágrima de la nube, gota a gota te vuelves río, tu silencio está en la laguna, y tú grito en el mar. México lindo y querido (s. f.) Jesús ‘Chucho’ Monge (1910-1964) Voz de la guitarra mía al despertar la mañana quiere cantar su alegría a mi tierra mexicana. Yo le canto a sus volcanes, a sus praderas y flores que son como talismanes del amor de mis amores. México lindo y querido si muero lejos de ti que digan que estoy dormido y que me traigan aquí. México lindo y querido si muero lejos de ti. Que me entierren en la sierra al pie de los magueyales y que me cubra esta tierra que es cuna de hombres cabales. 16 Domine fac me servum pacis tuae (2022) Juan Antonio Cuéllar Texto: San Francisco de Asís Domine, fac me servum pacis tuae. Ubi odium, amorem seram; ubi injuria, veniam; ubi dubium, fidem; ubi desperatio, spem; ubi caligo, lucem; ubi tristitiam, laetitiam. O Domine coelestis, concede mihi ut ne tam petam consolari quam consolare, intellegi quam intelligere, amari quam amare. Nam in dando recipimus, in ignoscendo ignoscimur, et in morendo ad vitam aeternam nascimur. Amen. Señor, hazme un instrumento de tu paz. Que a donde haya odio, lleve amor; a donde haya ofensa, perdón; a donde haya duda, fe; a donde haya desesperación, esperanza; a donde haya tinieblas, luz; a donde haya tristeza, alegría. Oh Dios celestial, concédeme no buscar tanto ser consolado, como consolar, ser comprendido, como comprender, ser amado, como amar. Porque es dando como se recibe, perdonando como se es perdonado, y muriendo como se nace a la vida eterna. Amén. Guantanamera (1929) José ‘Joseíto’ Fernández Díaz (1908-1979) Texto: José Martí (1853-1895) Guantanamera, guajira, guantanamera. Yo soy un hombre sincero de donde crece la palma y antes de morir yo quiero, cantar mis versos del alma. Cultivo una rosa blanca en junio como en enero para el amigo sincero que me da su mano franca. Guantanamera guajira, muchacha guajira del mar. 17 Dona nobis pacem de la Misa en si menor Johann Sebastian Bach (1685-1750) Texto: Anónimo Dona nobis pacem Concédenos la paz Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, dona nobis pacem Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, ten misericordia de nosotros. Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, ten misericordia de nosotros. Cordero de Dios, que quitas el pecado del mundo, danos la paz. Mi país (2019) Jorge Alejandro Salazar Yo canto a mi país hecho de caña y mar yo canto a mi país de verdes valles y montañas. De mil colores soy hecho de lluvia y sol y mis campos son llenos de palmas, flores y cafetales. Colombia, yo soy Colombia. Colombia soy tu voz no más llanto, no más miedo Colombia soy tu voz libre quiero crecer. Yo canto a mi país Colombia. A Gaelic Blessing (1978) John Rutter (n. 1945) Deep peace of the running wave to you deep peace of the flowing air to you deep peace of the quiet earth to you deep peace of the shining stars to you deep peace of the gentle night to you Moon and stars pour their healing light on you. deep peace of Christ Of Christ the light of the world to you Deep peace of Christ to you Que la paz profunda de la ola que corre sea para ti, que la paz profunda del aire que fluye sea para ti, que la paz profunda de la tierra en silencio sea para ti, que la paz profunda de las estrellas brillantes sea para ti, que la paz profunda de la noche suave sea para ti. La luna y las estrellas derramen su luz curativa sobre ti, la paz profunda de Cristo, de Cristo la luz del mundo sea para ti, profunda paz de Cristo para ti. Traducciones a cargo de la Coral ¡Canta, Bogotá Canta! 18 Juanita Lascarro (Colombia), soprano · Foto: Diana Karch TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Nació en Londres en 1991. Estudió en la Escuela Purcell, el Instituto Curtis y el Royal College of Music, completando su Diploma de Artista con la beca para piano Benjamin Britten en 2017 (otorgada por la Fundación Philip Loubser). Entre sus profesores se encuentran William Fong, Leon Fleisher, Ignat Solzhenitsyn, Robert McDonald, Dmitri Alexeev, Ian Jones y Elisso Virsaladze. Alexander Ullman ha sido elogiado por sus sutiles interpretaciones y su refinada maestría técnica, el pianista británico ha impresionado al público y a la crítica de todo el mundo por su profunda comprensión de las partituras que interpreta, su toque elegante y su fraseo cristalino. Entre sus presentaciones más recientes destacan su debut en el Wigmore Hall con un recital, así como las interpretaciones con la Hong Kong Sinfonietta, dirigida por Ola Rudner; la Sofia Philharmonic y la Filharmonie Brno, ambas bajo la batuta de Dennis Russell Davies, y su regreso al Klavierfestival Ruhr. Debutó con la Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú. Ha ofrecido recitales en Alemania (en Múnich, Bayreuth, Weimar y Berlín), Austria (en el Festival Liszt de Raiding), Hungría (en la Academia Liszt de Budapest), Países Bajos, Polonia, Italia, Estados Unidos, México, Corea del Sur (en el Centro de las Artes de Seúl) y en el Reino Unido, su país natal. En la temporada 2022/2023 debuta en el Musikverein de Viena con la Orquesta Tonkünstler de Baja Austria, bajo la dirección de Hans Graf. Adicionalmente, sobresalen sus conciertos con la Orquesta Sinfónica de la SWR, la Kristiansand Symfoniorkester y la Filarmónica de Sofía, bajo la dirección de Joseph Bastian, Julian Rachlin y Jonathan Bloxham, respectivamente. Sus compromisos incluyen recitales en India, Colombia y en el Festival de Primavera de Heidelberg, Alemania, país en el que también se presentará en compañía de Julia Hagen. En la temporada 2017/2018 cerró el Festival de Piano de Lille con la Orquesta de Picardie, bajo la dirección de Jean-Claude Casadesus. Ha tocado en el Wigmore Hall y en el Queen Elizabeth Hall (Londres), en el Concertgebouw (Amsterdam), en el Gewandhaus (Leipzig), en el Kimmel Center (Filadelfia), en el Kennedy Center (Washington DC), en el Centro para las Artes de Seúl, en el Centro para las Artes Orientales de Shanghai y en la NCPA de Beijing, y se ha presentado en las series internacionales de piano de Nottingham y Oxford, en la Radio 3 de la BBC, en France Musique y en el MDR Klassik. Entre las actuaciones de música de cámara más destacadas figuran las del Seminario Internacional de Músicos de Prussia Cove (Reino Unido), el Festspiele Mecklenburg-Vorpommern (Alemania), el Festival Pablo Casals de Prades (Francia) y La Jolla Summerfest (Estados Unidos), hechas con intérpretes como el Cuarteto Dover, los violinistas Barnabas Kelemen y Aleksey Semenenko, y el violonchelista Michael Petrov. El primer álbum de Alexander Ullman con el sello Rubicon recibió críticas muy favorables. Este álbum fue lanzado en la primavera de 2019 y contiene la suite de ‘El Cascanueces’ de Tchaikovsky, las seis piezas de ‘Cenicienta’ de Prokofiev, y las ‘suites Petrushka’ y ‘El pájaro de fuego’ de Stravinsky. En la primavera de 2022, el sello publicó un segundo álbum con los ‘Conciertos para piano No. 1 ‘y ‘No. 2’ de Franz Liszt con la Orquesta Sinfónica de la BBC, bajo la dirección de Andrew Litton, así como su Sonata para piano en si menor. Alexander fue ganador del Concurso Internacional de Piano Franz Liszt 2017 en Utrecht. Se ha presentado además con la Orquesta de Filadelfia, la Royal Philharmonic Orchestra, la Filarmónica de la Radio de los Países Bajos, la Orquesta de la Radio Noruega, la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de la Radio de Budapest y la Orquesta Sinfónica de Corea, al igual que con las orquestas sinfónicas de Nueva Jersey, Fort Worth y Montreal, trabajando con directores de la talla de Vladimir Ashkenazy, Giancarlo Guerrero, Miguel Harth-Bedoya, Valentin Uryupin y Cristian Măcelaru.

Miércoles 24 de mayo de 2023 · 8:00 p.m. Bucaramanga, Teatro Santander Viernes 26 de mayo de 2023 · 7:00 p.m. Cali, Centro Cultural Comfandi Domingo 28 de mayo de 2023 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Kaupo Kikkas · PULEPS: ZMM146, UDB145, JGI831 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE PROFESIONAL ALEXANDER ULLMAN (Reino Unido) piano SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara Beatriz Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Teresita Gómez (Colombia), piano 1 ACERCA DEL ARTISTA Alexander Ullman, piano Nació en Londres en 1991. Estudió en la Escuela Purcell, el Instituto Curtis y el Royal College of Music, completando su Diploma de Artista con la beca para piano Benjamin Britten en 2017 (otorgada por la Fundación Philip Loubser). Entre sus profesores se encuentran William Fong, Leon Fleisher, Ignat Solzhenitsyn, Robert McDonald, Dmitri Alexeev, Ian Jones y Elisso Virsaladze. Alexander Ullman ha sido elogiado por sus sutiles interpretaciones y su refinada maestría técnica, el pianista británico ha impresionado al público y a la crítica de todo el mundo por su profunda comprensión de las partituras que interpreta, su toque elegante y su fraseo cristalino. Entre sus presentaciones más recientes destacan su debut en el Wigmore Hall con un recital, así como las interpretaciones con la Hong Kong Sinfonietta, dirigida por Ola Rudner; la Sofia Philharmonic y la Filharmonie Brno, ambas bajo la batuta de Dennis Russell Davies, y su regreso al Klavierfestival Ruhr. Debutó con la Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú. Ha ofrecido recitales en Alemania (en Múnich, Bayreuth, Weimar y Berlín), Austria (en el Festival Liszt de Raiding), Hungría (en la Academia Liszt de Budapest), Países Bajos, Polonia, Italia, Estados Unidos, México, Corea del Sur (en el Centro de las Artes de Seúl) y en el Reino Unido, su país natal. En la temporada 2022/2023 debuta en el Musikverein de Viena con la Orquesta Tonkünstler de Baja Austria, bajo la dirección de Hans Graf. Adicionalmente, sobresalen sus conciertos con la Orquesta Sinfónica de la SWR, la Kristiansand Symfoniorkester y la Filarmónica de Sofía, bajo la dirección de Joseph Bastian, Julian Rachlin y Jonathan Bloxham, respectivamente. Sus compromisos incluyen recitales en India, Colombia y en el Festival de Primavera de Heidelberg, Alemania, país en el que también se presentará en compañía de Julia Hagen. En la temporada 2017/2018 cerró el Festival de Piano de Lille con la Orquesta de Picardie, bajo la dirección de Jean-Claude Casadesus. Ha tocado en el Wigmore Hall y en el Queen Elizabeth Hall (Londres), en el Concertgebouw (Amsterdam), en el Gewandhaus (Leipzig), en el Kimmel Center (Filadelfia), en el Kennedy Center (Washington DC), en el Centro 2 para las Artes de Seúl, en el Centro para las Artes Orientales de Shanghai y en la NCPA de Beijing, y se ha presentado en las series internacionales de piano de Nottingham y Oxford, en la Radio 3 de la BBC, en France Musique y en el MDR Klassik. Entre las actuaciones de música de cámara más destacadas figuran las del Seminario Internacional de Músicos de Prussia Cove (Reino Unido), el Festspiele Mecklenburg-Vorpommern (Alemania), el Festival Pablo Casals de Prades (Francia) y La Jolla Summerfest (Estados Unidos), hechas con intérpretes como el Cuarteto Dover, los violinistas Barnabas Kelemen y Aleksey Semenenko, y el violonchelista Michael Petrov. El primer álbum de Alexander Ullman con el sello Rubicon recibió críticas muy favorables. Este álbum fue lanzado en la primavera de 2019 y contiene la suite de El Cascanueces de Tchaikovsky, las seis piezas de Cenicienta de Prokofiev, y las suites Petrushka y El pájaro de fuego de Stravinsky. En la primavera de 2022, el sello publicó un segundo álbum con los Conciertos para piano No. 1 y No. 2 de Franz Liszt con la Orquesta Sinfónica de la BBC, bajo la dirección de Andrew Litton, así como su Sonata para piano en si menor. Alexander fue ganador del Concurso Internacional de Piano Franz Liszt 2017 en Utrecht. Se ha presentado además con la Orquesta de Filadelfia, la Royal Philharmonic Orchestra, la Filarmónica de la Radio de los Países Bajos, la Orquesta de la Radio Noruega, la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de la Radio de Budapest y la Orquesta Sinfónica de Corea, al igual que con las orquestas sinfónicas de Nueva Jersey, Fort Worth y Montreal, trabajando con directores de la talla de Vladimir Ashkenazy, Giancarlo Guerrero, Miguel Harth-Bedoya, Valentin Uryupin y Cristian Măcelaru. Este concierto se hace en colaboración con: 3 PROGRAMA Pavana ‘Lord Salisbury’, MB 18 (1611) Gallarda, MB 19 (1611) Aire francés, MB 32 (s. f.) Alman, MB 33 (s. f.) ORLANDO GIBBONS (1583-1625) Original para virginal Sonata para piano No. 31 en la bemol mayor, Op. 110 (1821-1822) Moderato cantabile molto espressivo Allegro molto Adagio ma non troppo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) INTERMEDIO Sonata para piano No. 30 en mi mayor, Op. 109 (1820) Vivace ma non troppo, sempre legato - Adagio espressivo Prestissimo Andante molto cantabile ed espressivo LUDWIG VAN BEETHOVEN Pavana para una infanta difunta (1899) MAURICE RAVEL (1875-1937) Preludio, coral y fuga , M21 (1884) CÉSAR FRANCK (1822-1890) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Una mirada al pasado Puede sorprender que en un programa de concierto consagrado al piano figuren nombres de compositores que no llegaron a conocer este instrumento (cuyo primer ejemplar data de comienzos del s. xviii) y que por lo tanto escribieron sus obras pensando en otro tipo de sonoridades. En efecto, el piano ostenta cualidades sonoras muy distintas a las de los instrumentos de tecla que lo precedieron (clavecín y virginal, principalmente). La inclusión cada vez más frecuente de obras pensadas para este tipo de instrumentos en los programas de concierto se explica porque —como han evidenciado actualmente intérpretes y musicólogos— los fundamentos técnicos de la interpretación del piano habían sido ya sentados con anterioridad por las escuelas de clave y virginal. En la Inglaterra de los siglos xvi y xvii se desarrolló una importante escuela de virginal (término empleado entonces indistintamente como sinónimo de clavecín) de la cual formó parte Orlando Gibbons (1583-1625), uno de los organistas y virginalistas más notables de la era jacobea. Especialmente hábil para la escritura polifónica —de la que dan cuenta sus numerosas obras vocales— contribuyó a desarrollar una nueva técnica para el instrumento. La ‘nueva música’ que despuntaba en el continente anunciando la llegada de lo que luego llamaríamos periodo Barroco aún era desconocida en la Inglaterra de Gibbons (retraso atribuible, en parte, a la inestabilidad política del siglo anterior). Los compositores seguían fielmente estructuras renacentistas como las danzas (entre ellas la pavana, gallarda o alemana), muy apetecidas en los ambientes cortesanos. De ello dan prueba dos danzas que Gibbons dedicó a un noble altamente influyente en la corte: sir Robert Cecil (1563-1612), conde de Salisbury. Se trata de la Pavana para Lord Salisbury y la Gallarda que le sigue (MB 18 & 19)1 que figuran, junto con otras seis obras de Gibbons, en la que hoy sabemos, fue la primera colección impresa de música para virginal en Inglaterra. Editada por primera vez en 1611 bajo 1 En la publicación de 1611, la primera aparece como ‘The Lord of Salisbury, his Pavin’ seguida de un ‘Galiardo’ (Gallarda) que, como era usual en la época, se basada en el tema de la pieza anterior. Por esa razón, se suelen tocar ambas piezas juntas. 5 el nombre de Parthenia (del griego Parthenos que significa virgen o doncella en alusión al virginal) es fruto de la colaboración entre Gibbons y dos de sus contemporáneos, William Byrd y John Bull. Escucharemos también el Aire francés, MB 32 y la alemana Alman (o Almain), MB 33, dos danzas muy cortas que el compositor aprovechó, como lo hizo con muchas otras, para explorar nuevas posibilidades técnicas en el instrumento. Entre 1820 y 1822 Ludwig van Beethoven (1770-1827) compuso las que serían sus últimas tres sonatas para piano (Op. 109, 110 y 111), consideradas como un grupo individual dentro del total de treinta y dos sonatas que tiene a su haber el compositor. Fueron tiempos difíciles para Beethoven, afligido por problemas familiares y económicos e incesables quebrantos de salud, pero sobre todo por la implacable sordera que lo aislaba del mundo exterior, reduciendo sus comunicaciones a lo que pudiera plasmar en un cuaderno. Paradójicamente fue en este periodo tan oscuro que terminó obras como la Misa Solemnis o el último movimiento de la Novena Sinfonía en las que despunta un profundo sentimiento de optimismo que revela a un hombre quien, a pesar de la tribulación, amaba intensamente la vida. La Sonata para piano No. 31 en la bemol mayor, Op. 110 es la segunda de este último tríptico de sonatas caracterizada por una profunda intensidad emocional en la que el dolor y la fatiga son vencidas finalmente por el optimismo. Este aspecto es especialmente notable en el tercer movimiento que contrasta con la estructura más ‘tradicional’ de los dos primeros (Moderato cantábile molto espressivo y Allegro molto). Además de tener una mayor extensión, se caracteriza por la alternancia entre movimientos lentos (Adagio ma non troppo) en los que es latente una profunda sensación de agotamiento y los pasajes contrapuntísticos (fugas) que poco a poco conducen al triunfo del optimismo materializado por un coral en la mano derecha. Los comentarios casi teatrales de Beethoven —por ejemplo, la acotación «perdiendo la fuerza, doliendo» que da paso a una fuga que inicia con «poco a poco de nuevo viviendo»— retratan a un compositor que anhelaba la felicidad en medio de los tiempos aciagos que vivía. De este mismo grupo de sonatas escucharemos la Sonata para piano No. 30 en mi mayor, Op. 109 compuesta en 1820 y dedicada a su alumna Maximiliana Brentano. La particularidad de esta sonata se encuentra una vez más en su estructura. Compuesta por tres movimientos, el primero (Vivace ma non troppo y Adagio espressivo) es sorprendentemente corto y contrasta con el segundo (Prestissimo) por su velocidad y expresividad. Pero, una vez más, el eje central se encuentra en el tercero (Andante molto cantabile ed espressivo) no solo por 6 su extensión, sino principalmente por su disposición: se trata de un tema con seis variaciones, forma empleada con frecuencia por los compositores para poner a prueba el virtuosismo del intérprete y la capacidad misma del compositor, ya que cada variación debe presentar un número mayor de complejidades rítmicas y técnicas, como es el caso de este movimiento. Una vez más Beethoven, precursor del Romanticismo musical, rompe con los cánones de la sonata clásica, reinventando y proponiendo nuevas estructuras más acordes con la sensibilidad del periodo que recién iniciaba. Las danzas del Renacimiento han sido utilizadas en diversos periodos de la historia dentro de entretenimientos coreográficos como el ballet o las mascaradas, pero también dentro de obras instrumentales que no guardan relación directa con el baile (pensemos en las suites de danzas del periodo Barroco, por ejemplo). Aunque su popularidad las llevó, durante el Renacimiento y el Barroco a ser escuchadas en todas las cortes europeas sin distinción, algunas representaban una tradición popular específica relacionada con su origen geográfico. Es el caso del branle francés, la dompe inglesa o la pavana española (por solo nombrar algunas) que llevan en su cadencia características étnicas y culturales asociadas con un contexto específico. En esto pensaba Maurice Ravel (1875-1937) cuando en 1899 —momento en el que se encontraba estudiando en el Conservatorio de París— escribió la que sería una de sus obras más famosas: la Pavane pour une infante défunte (Pavana para una infanta difunta). Es una obra sencilla para piano, basada en el tempo lento de una pavana (danza española que solía contrastarse con la gallarda, más veloz) como una búsqueda por parte del compositor de rendir homenaje a lo que para él era el imaginario de ‘lo español’, tan de moda en ese entonces, y que también plasmó en una de sus obras más conocidas: su famoso Bolero. Los numerosos arreglos que actualmente existen de la Pavana para una infanta difunta para distintos formatos (además de la adaptación para orquesta que realizó el mismo compositor en 1910) dan cuenta de su enorme popularidad, que en cierta forma incomodaba a Ravel, quien llegó a tildarla de ‘obra insignificante’ en más de una ocasión. Con respecto al título que insinúa cierta profundidad poética, la verdad es mucho más simple: según el compositor, no pretendía hacer alusión a ningún personaje histórico en particular —si acaso representar una imagen alegórica (quizá la del famoso cuadro Las meninas de Velásquez) —ni tampoco aludir a una ceremonia u homenaje fúnebre en especial. Simplemente, como lo declaró él mismo, lo atrajo la aliteración entre ‘infanta’ y ‘difunta’ (infante défunte, en francés). Si bien sus razones no parecen tener la profundidad intelectual que muchos 7 esperaban, lo cierto es que es una obra elegante, sobria y profundamente nostálgica, lo que quizá explique la gran acogida que ha tenido. Con respecto al estilo compositivo de Ravel, opina Claude Samuel: El ‘placer raveliano’ es, evidentemente, de esencia superior, hecho de refinamientos, de sorpresas, de descubrimientos insospechados. Es la sutilidad armónica sabrosa y el gusto por el ritmo impar; es la curva caprichosa de una melodía modal y la búsqueda de la sonoridad rara. Pero todas estas innovaciones no persiguen más que un solo fin: el placer. Nada de preocupaciones intelectuales ni construcciones abstractas, ni de obediencias a las teorías convencionales o revolucionarias (Samuel, 1965, p. 232). La mirada retrospectiva de compositores e intérpretes hacia las obras de sus predecesores o hacia estilos compositivos de escuelas anteriores ha permitido —en diferentes momentos de la historia— resignificar el equilibrio que necesariamente debe existir entre lo aprendido y el deseo de innovar. Un último ejemplo de esta relación entre presente y pasado se encuentra en la obra Preludio, coral y fuga M21 compuesta en 1884 por César Franck (1822- 1890). Fue concebida por el compositor como un homenaje a J. S. Bach con aportes propios, como la inserción de un coral en medio del preludio y fuga (movimientos que se encontraban siempre juntos y que en la escritura de Bach habían alcanzado su apogeo). El coral también había sido empleado por Bach en otros contextos (preludios corales, cantatas, entre otros), pero nunca en medio de un preludio y fuga. Franck se desempeñó casi toda su vida como organista y, aunque de joven fue un talentoso pianista, sus composiciones para el instrumento son relativamente raras en relación con el resto de su obra. Conocía muy bien el trabajo de Bach que, sin duda, había interpretado innumerables veces desde la tribuna de su órgano en la iglesia Santa Clotilde en París. Esta obra corresponde a su periodo de madurez, cuando Franck gozaba de pleno reconocimiento por su labor como pedagogo e intérprete. Fue considerada un éxito desde su estreno quizá por ese exquisito equilibrio entre las formas ‘antiguas’, remodeladas con el lenguaje instrumental del piano, y las complejidades armónicas de finales del siglo xix. Las diferentes secciones que conforman el preludio, el coral y la fuga no se restringen a los cánones académicos, sino que sirven de inspiración para poner en relieve a través de un audaz manejo del contrapunto los contrastes dinámicos y expresivos que la convirtieron en una de las obras preferidas de los intérpretes de los últimos tiempos. 8 Referencias Samuel, C. (1965). Panorama de la música contemporánea. Madrid, España: Ediciones Guadarrama. Angélica Daza. Maestra en música con énfasis en música antigua, obtuvo una maestría en musicología en la Universidad de la Sorbona en París. Estudió dirección e interpretación de canto gregoriano y realizó investigaciones sobre organología barroca. Es cantante, violista, traductora, docente, escritora además de conferencista de las charlas previas a los conciertos de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 9 Foto: Chelo Camacho Concierto de Cuarteto Simply (Austria) cuarteto de cuerdas Miércoles 7 de junio de 2023 Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango 7:30 p.m. Viernes 9 de junio de 2023 San Andrés, Auditorio del Centro Cultural de San Andrés 6:30 p.m. Concierto de Diego Patiño (Colombia) eufonio Viernes 6 de octubre de 2023 Bucaramanga, Teatro Santander 7:30 p.m. 10 Trío Karénine • Foto: Grégory Massat TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea