"Steven Remolina, fagot Steven inició su práctica musical a los quince años en Funza (Cundinamarca), en el Centro Cultural Bacatá. Es egresado de la carrera de Estudios Musicales con énfasis en fagot de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde se formó bajo la dirección de Pedro Salcedo. Durante sus estudios de pregrado, Steven perteneció a la orquesta sinfónica y a la banda sinfónica de la universidad. En su recorrido musical ha tomado clases magistrales con Fabio Cury, Philipp Tutzer, Christian Kunert y Matthias Rácz. Entre 2017 y 2021 perteneció a la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá bajo la dirección de Carlos Villa; allí empezó como fagot ‘tutti’ para luego desempeñarse como jefe de fila en 2018. Steven es miembro del Quinteto de Vientos Bacatá, agrupación ganadora de las convocatorias Ciclo de conciertos universitarios 2017 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2018 del Banco de la República. El quinteto se ha presentado, además, en la serie Colón acústico organizada por el Teatro Colón de Bogotá, y en la primera versión del Festival de Música de Portillo, Chile. Actualmente, Steven participa como músico supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. En este concierto, Steven actúa junto con la pianista Beatriz Batista. "

"Conformado en 2017 en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, el quinteto de metales HiscaBrass ha actuado en diferentes salas de conciertos en Bogotá. En 2020 y 2021 algunos de sus integrantes, que son parte de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá, actuaron en escenarios como el Auditorio Fabio Lozano, el Auditorio Teatro Villa Mayor, el Auditorio Biblioparque Marqués de San Jorge, el Auditorio Jardín Botánico de Bogotá y el Teatro Estudio del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En el ámbito académico HiscaBrass participó como ponente en el Festival de Música de Cámara del Festival Zaquesazipa en Funza, y en una gira de clases y conciertos por Nariño, por ser ganador de la Beca de Circulación Nacional de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. HiscaBrass está conformado por los trompetistas Andrés David Quiñones Castrillón y Andrés Felipe Estrada Casanova, el cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla, el trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas y el tubista David Steven Cristancho Bernal. El trompetista Andrés David Quiñones Castrillón ingresó a los quince años al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia e inició sus estudios de trompeta con Fernando Mauricio Parra, y posteriormente con Juan Fernando Avendaño realizó sus estudios de Maestría en Interpretación y Pedagogía en la Universidad Nacional de Colombia de donde se graduó en 2021. El trompetista Andrés Felipe Estrada Casanova inició sus estudios musicales en la Escuela de Música Mayor Alejandro de Samaniego, Nariño, y es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Formó parte de la Banda Sinfónica de Nariño con la cual obtuvo varios premios y distinciones a nivel nacional. Fue seleccionado para pertenecer a la Filarmónica Joven de Colombia, The Orchestra of Americas, Sinfonietta de México, Orquesta Filarmónica de Bogotá y Banda Sinfónica Juvenil de Colombia. Ganó el primer puesto en el Concurso Latinoamericano de Trompeta y el segundo puesto en el Concurso Nacional de Trompeta. El cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla inició sus estudios musicales en la Escuela de Formación Musical del Centro Cultural Bacatá de Funza. En 2019 recibió el título de Músico Cornista en la Universidad Nacional de Colombia. Fue integrante de la Banda Sinfónica de Cundinamarca y la Filarmónica Joven de Colombia y profesor de corno francés en el Centro Cultural Bacatá de Funza. El trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas se graduó del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia bajo la orientación de Nestor Slavov. Sus estudios básicos del trombón los realizó en el Colegio Centro Don Bosco con el maestro Edwin Rojas y en la Escuela Municipal de Artes de Chía con Orielso Santiago. Ha sido supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Fue seleccionado como solista para ser parte de la ‘Serie de los jóvenes intérpretes’ del Banco de la República de Colombia en 2020. El tubista David Steven Cristancho Bernal es egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2010 inició sus estudios musicales en la escuela de música del municipio de Guayabal de Síquima, Cundinamarca. En la tuba fue orientado inicialmente por William Andrés Castillo Acuña y, desde 2014, por el profesor Fredy Romero Nieto. Ha sido instrumentista de la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca, y fue seleccionado como músico temporal de Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. "

"Ataraxia es una agrupación de música contemporánea que nació a finales de 2018 como una propuesta vanguardista en el ambiente musical latinoamericano, no solo debido a su innovadora mezcla instrumental, sino también a su concepto de exploración sonora, característica que cautiva de manera inmediata al público. Está conformada por estudiantes y egresados de música de la Universidad Nacional de Colombia que, gracias a su curiosidad y activismo, lograron crear, de la mano de nuevos compositores emergentes del país, un proyecto sólido que aporta al desarrollo musical colombiano, interpretando obras exclusivamente creadas para este formato. Gracias a la convocatoria para ser parte de la ‘Serie de los jóvenes intérpretes’ del Banco de la República, Ataraxia se complace en presentar su proyecto como una de las propuestas artísticas que ha despertado mayor expectativa y curiosidad entre los oyentes. "

Foto: HiscaBrass Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 HISCABRASS (Colombia) quinteto de metales Jueves 16 de junio de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: OEF282 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DEL ENSAMBLE HiscaBrass, quinteto de metales Conformado en 2017 en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, HiscaBrass ha actuado en diferentes salas de conciertos en Bogotá. En 2020 y 2021 algunos de sus integrantes, que son parte de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá, actuaron en escenarios como el Auditorio Fabio Lozano, el Auditorio Teatro Villa Mayor, el Auditorio Biblioparque Marqués de San Jorge, el Auditorio Jardín Botánico de Bogotá y el Teatro Estudio del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En el ámbito académico HiscaBrass participó como ponente en el Festival de Música de Cámara del Festival Zaquesazipa en Funza, y en una gira de clases y conciertos por Nariño, por ser ganador de la Beca de Circulación Nacional de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. HiscaBrass está conformado por los trompetistas Andrés David Quiñones Castrillón y Andrés Felipe Estrada Casanova, el cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla, el trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas y el tubista David Steven Cristancho Bernal. El trompetista Andrés David Quiñones Castrillón ingresó a los quince años al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Foto: HiscaBrass 3 Colombia e inició sus estudios de trompeta con Fernando Mauricio Parra, y posteriormente con Juan Fernando Avendaño realizó sus estudios de Maestría en Interpretación y Pedagogía en la Universidad Nacional de Colombia de donde se graduó en 2021. El trompetista Andrés Felipe Estrada Casanova inició sus estudios musicales en la Escuela de Música Mayor Alejandro de Samaniego, Nariño, y es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Formó parte de la Banda Sinfónica de Nariño con la cual obtuvo varios premios y distinciones a nivel nacional. Fue seleccionado para pertenecer a la Filarmónica Joven de Colombia, The Orchestra of Americas, Sinfonietta de México, Orquesta Filarmónica de Bogotá y Banda Sinfónica Juvenil de Colombia. Ganó el primer puesto en el Concurso Latinoamericano de Trompeta y el segundo puesto en el Concurso Nacional de Trompeta. El cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla inició sus estudios musicales en la Escuela de Formación Musical del Centro Cultural Bacatá de Funza. En 2019 recibió el título de Músico Cornista en la Universidad Nacional de Colombia. Fue integrante de la Banda Sinfónica de Cundinamarca y la Filarmónica Joven de Colombia y profesor de corno francés en el Centro Cultural Bacatá de Funza. El trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas se graduó del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia bajo la orientación de Nestor Slavov. Sus estudios básicos del trombón los realizó en el Colegio Centro Don Bosco con el maestro Edwin Rojas y en la Escuela Municipal de Artes de Chía con Orielso Santiago. Ha sido supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Fue seleccionado como solista para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes del Banco de la República de Colombia en 2020. El tubista David Steven Cristancho Bernal es egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2010 inició sus estudios musicales en la escuela de música del municipio de Guayabal de Síquima, Cundinamarca. En la tuba fue orientado inicialmente por William Andrés Castillo Acuña y, desde 2014, por el profesor Fredy Romero Nieto. Ha sido instrumentista de la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca, y fue seleccionado como músico temporal de Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. 4 PROGRAMA Killer Tango (1984) SONNY KOMPANEK (n. 1943) Suite americana No. 1 (1983) Ragtime Bossa nova Vals peruano Zamba gaucha Son de México ENRIQUE CRESPO (1941-2020) INTERMEDIO An American in Paris (1928) GEORGE GERSHWIN (1898-1937) Original para orquesta Arreglo para quinteto de metales por Jean-François Taillard (s. f.) Espíritu de un colombiano bailando un porro en un huracán (2021) CRISTIAN BARRETO (n. 1989) 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Sergio Ospina Romero En la imaginación musical de muchas personas, y en especial en incontables libros de texto dedicados a la historia de la música, la idea de ‘música de cámara’ suele estar asociada solo a unos pocos formatos instrumentales. Entre estos, quizás los más emblemáticos han sido el cuarteto de cuerdas (dos violines, viola y violonchelo), el trío para piano (piano, violín y violonchelo) y el quinteto de viento o ‘quinteto de viento-madera’ (flauta, oboe, clarinete, corno francés y fagot). Sin embargo, y a pesar de cuán populares siguen siendo estas alternativas, la música de cámara no se define primordialmente por la vigencia o recurrencia de cierto tipo de ensambles. Para empezar, dado el contraste fundacional con la orquesta sinfónica y las composiciones para grandes formatos, la música de cámara abarca casi cualquier conformación instrumental o vocal, desde el dueto hasta el noneto, a la luz de una gama igualmente diversa de combinaciones tímbricas y con repertorios que no se limitan al mundo de la música clásica. Pero, en un sentido más trascendental, la música de cámara constituye la intimidad musical por antonomasia. Es, en esencia, una conversación entre unos pocos instrumentos, y si bien ya estamos acostumbrados a los conciertos formales de música de cámara, el sentido de amistad y camaradería que impulsó los encuentros informales y domésticos de pequeños ensambles de este tipo, hace varios siglos, sigue estando latente en las faenas de incontables grupos de cámara alrededor del planeta. El concierto de HicaBrass de hoy es una oportunidad para apreciar un repertorio singularmente ecléctico y que le hace justicia no solo a tal sentido de intimidad musical sino a un dinamismo expresivo particularmente único; un dinamismo que brota del encuentro y la interacción entre los cinco instrumentos que conforman el llamado quinteto de metal (o de viento-metal): dos trompetas, un trombón, un corno francés y una tuba. El quinteto de viento-metal es un tipo de ensamble relativamente reciente dentro de la tradición de los grupos de cámara, forjado solo desde mediados del siglo xx y, en ocasiones, asumido como la contraparte moderna de los quintetos de cuerda. Sin embargo, lejos de ser simplemente una adaptación del universo interpretativo de los instrumentos de cuerda, el quinteto de viento-metal es 6 fruto de una tradición musical con vida propia y cuyos alcances, en materia de repertorios y posibilidades expresivas, son muy distintos de aquellos de otros grupos de cámara, incluyendo el quinteto de cuerdas. Este concierto es una prueba significativa de esas posibilidades y de la maleabilidad de estos instrumentos, a la sazón de distintas culturas musicales. No obstante, no es solo un asunto del encuentro en un mismo concierto de tradiciones musicales procedentes de distintas partes del continente americano, es también una oportunidad para apreciar la forma en que la música sirve para imaginar, sustentar o desafiar toda una serie de discursos e ideas sobre aquello que llamamos América. Killer Tango Sonny Kompanek (n. 1943), el compositor de Killer Tango, es especialmente conocido como orquestador y arreglista de música para cine. Entre las películas que ha orquestado se encuentran The Finest Hours y Hail, Caesar!, ambas de 2016 y con música original del compositor Carter Burwell. Killer Tango es sin duda una de sus obras instrumentales más conocidas, escrita para la agrupación Canadian Brass y cuya grabación, en el álbum Canadian Brass Takes Flight, sigue siendo un modelo para muchas agrupaciones, en especial por la sensibilidad expresiva en el manejo de los cambios dinámicos en términos de tempo e intensidad. De principio a fin, la obra es dominada por el ritmo de la danza habanera, tanto en las líneas de acompañamiento que hace la tuba como en las melodías que comparten los otros instrumentos. El ritmo de la danza habanera evoca el paradigma que dominó el universo del tango argentino en sus orígenes, entre finales del siglo xix y comienzos del xx, antes de la consolidación del tango clásico como tal durante la década de 1920 y en el que, en virtud de la prominencia de un nuevo patrón rítmico, mucho más ‘caminante’ e impulsado ‘hacia delante’, la danza habanera ya se percibía como de otra época, ajena y ya superada. Quizás por ello, y por la frecuente insinuación de fórmulas melódicas y armónicas que evocan la música española del siglo xix, es que Killer Tango parece ser el fruto de una síntesis peculiar: la añoranza nostálgica y la exotización de un pasado musical que apenas es posible imaginar e idealizar desde el presente, pero que quizás no tiene mucho que ver con las raíces culturales que se insinúan en el título. 7 Suite americana No. 1 Muchos lectores y hablantes desprevenidos siguen asumiendo las palabras ‘América’ o ‘americano’ como referencias exclusivas a los Estados Unidos. Si bien ello suele ser más común en inglés que en español, no son pocos los latinoamericanos que caen presa del mismo descuido; un descuido que, en el fondo, no es un asunto menor del lenguaje sino uno que trae consigo implicaciones políticas e ideológicas profundas. La Suite americana No. 1, obra del trombonista, compositor y arreglista uruguayo Enrique Crespo (1941-2020), es un excelente recordatorio musical del potencial de la idea de ‘América’ y ‘americano’ como vehículo de integración hemisférica y, en especial, de la forma en que nuestras historias musicales no responden necesariamente a los vaivenes ni a los caprichos de nuestras historias políticas. En efecto, a través de sus cinco movimientos, esta suite ofrece un recorrido por el ragtime, la bossa nova, el vals peruano, la zamba gaucha y el son mexicano. Con todo, lejos de ser simplemente un popurrí estereotipado a partir de fórmulas rítmicas preconcebidas, la Suite americana No. 1 de Crespo es una reformulación de dichas tradiciones musicales, no solo a tenor de la sonoridad única del quinteto de metales, sino de lo que ha sido o puede ser la música de nuestros países cuando se la piensa en clave hemisférica y no únicamente al amparo de los nacionalismos musicales. An American in Paris Es interesante que esta obra de George Gerswhin (1898-1937) comparta un programa de concierto con la Suite americana No. 1, pues, a diferencia del sentido hemisférico que define la composición del trombonista uruguayo, aquello de ‘americano’ en el título de la pieza de Gershwin es una referencia exclusiva e inequívoca a un estadounidense que visita París. Escrita en 1928, luego del éxito de Rhapsody in Blue (1924) e inspirada en la temporada que pasó el propio autor en la capital francesa, An American in Paris fue originalmente una obra orquestal. Además del arsenal instrumental habitual de la orquesta sinfónica y como expresión de su propio interés por la sonoridad del jazz y por recrear musicalmente el carácter vertiginoso de los ‘locos años 20’ (o the roaring twenties), Gershwin incluyó una celesta, saxofones y hasta bocinas de carros. De hecho, para el estreno de la obra en New York, trajo, directamente desde París, cuatro bocinas de taxis. Así lo reconoció el propio compositor en una entrevista: «Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un visitante [norte]americano en París mientras pasea por la ciudad, 8 escucha distintos sonidos en la calle y absorbe la atmósfera parisina». Y, justamente, a lo largo de las cinco secciones que conforman la obra, la música alude a modelos musicales franceses, como, por ejemplo, evocaciones del estilo compositivo de Claude Debussy, a la vez que trae a colación elementos propios del blues norteamericano. Todo ello como poniendo en escena una paradoja emocional: la fascinación por la Ciudad Luz y la añoranza del hogar. Espíritu de un colombiano bailando un porro en un huracán Luis Eduardo ‘Lucho’ Bermúdez (1912-1994) fue, indudablemente, uno de los compositores colombianos más emblemáticos de todo el siglo xx y uno de los principales artífices tanto de la popularización de los ritmos de la costa Caribe en el interior del país, como de la internacionalización de la música tropical colombiana. En ese sentido, sus intervenciones artísticas no repercutieron solamente en el mundo de la industria musical. Visto con la ventaja de la perspectiva histórica, no es exagerado pensar en ‘Lucho’ Bermúdez también como un artífice de la reconfiguración del nacionalismo musical popular y del mismo sentido de nación, en un proceso que Peter Wade y otros autores no han dudado en caracterizar como la ‘tropicalización’ de la identidad cultural colombiana. Así las cosas, en Espíritu de un colombiano bailando un porro en un huracán, obra de Cristian Barreto (n. 1989), sobresalen perlas melódicas procedentes de piezas inolvidables, como Navidad negra, Prende la vela, Colombia tierra querida y Fiesta de negritos— que se suman a una larga tradición centrada en celebrar y revigorizar el legado musical de Lucho y en la que han participado muchos músicos y compositores colombianos de las últimas décadas. Pero, además, es un claro testimonio de la vigencia de la música de Lucho tanto a la hora de influenciar nuevas generaciones de músicos como a la de pensarnos musicalmente como colombianos. Sergio Ospina Romero es profesor de musicología en la Universidad de Indiana. Sus investigaciones se concentran en temas relacionados con la grabación mecánica del sonido, el jazz, y la música popular de América Latina. Es el autor de dos libros, Dolor que canta y Fonógrafos ambulantes, y de varias publicaciones que han aparecido en revistas y libros de distintas partes del mundo. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. Sergio es el pianista y director de su propio trío de jazz latino y de Palonegro, un ensamble de música latinoamericana con el que grabó recientemente el álbum Two Minutes Apart, disponible en todas las plataformas digitales. 9 Foto. Nadia Prieto ¡Septiembre en Cali! Concierto de Sofia Ribeiro (Portugal) jazz Este concierto también se realiza en Bogotá, Ibagué y Pasto Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Foto: Daniel Jiménez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 ATARAXIA (Colombia) violonchelo, trombón y piano Jueves 7 de julio de 2022 · 7:00 p.m. Pasto, Centro cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República PULEP: IEF378 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DEL ENSAMBLE Ataraxia, violonchelo, trombón y piano María Elvira Hoyos Malagón, violonchelo; Jhonnier Adolfo Buitrago Barrera, trombón y Beatriz Batista Ibáñez, piano. Ataraxia es una agrupación de música contemporánea que nació a finales de 2018 como una propuesta vanguardista en el ambiente musical latinoamericano, no solo debido a su innovadora mezcla instrumental, sino también a su concepto de exploración sonora, característica que cautiva de manera inmediata al público. Está conformada por estudiantes y egresados de música de la Universidad Nacional de Colombia que, gracias a su curiosidad y activismo, lograron crear, de la mano de nuevos compositores emergentes del país, un proyecto sólido que aporta al desarrollo musical colombiano, interpretando obras exclusivamente creadas para este formato. Gracias a la convocatoria para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes del Banco de la República, Ataraxia se complace en presentar su proyecto como una de las propuestas artísticas que ha despertado mayor expectativa y curiosidad entre los oyentes. Foto: Daniel Jiménez 3 Suite semblanza (2019) Como pianguera Sofi Por ella Sin despedida DIEGO ARMANDO RIVERA (n. 1988) Tres cantos para ensamble (2019) Memorias Acalanto Torrentes YEISON FERNANDO BUITRAGO (n. 1995) INTERMEDIO Elegía para violonchelo, piano y trombón (2019) NICOLÁS ALEJANDRO GRANADOS (n. 1992) PROGRAMA 4 SOBRE EL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Castilla Desde el siglo xvii, a medida que diferentes tipos de música instrumental se asentaban por toda Europa, diversas expresiones de la música de cámara canalizarían los intereses estéticos tanto de artistas profesionales como aficionados para saciar una nueva búsqueda hacia la experimentación, el descubrimiento y la sofisticación. Desde las prácticas privadas, protegidas por la intimidad de espacios independientes a las exigencias estéticas que determinaban la música religiosa o la música para la escena, la música de cámara se convirtió en la puerta de entrada a un mundo donde la innovación y la creación acompañarían a un selecto grupo de individuos que sentían crecer en sus virtudes sociales e intelectuales a través de la música. En la actualidad, la música de cámara sigue manteniendo la misma fascinación estética. A medida que las sociedades crecen y se adaptan a los retos y cambios que se desenvuelven a través de la historia, diversas expresiones musicales se vivifican gracias a ensambles camerísticos que resuenan con nuevas formas de creación y experimentación. El trío Ataraxia es un ejemplo de esta catarsis estética donde un selecto grupo de intérpretes logra establecer un diálogo creativo con un selecto grupo de compositores; inmersos en una sociedad llena de contrastes e influencias, la composición y la interpretación generan una alquimia única que desemboca en nuevas formas de expresión artística. El concierto que nos convoca comparte esta aproximación artística que delata la sinergia musical entre compositores e intérpretes, en la búsqueda de una nueva sonoridad que refleja algunos elementos de la identidad estética actual. En esta propuesta, el trío Ataraxia recorre diversas tradiciones musicales que se canalizan a través de nuevas composiciones, especialmente comisionadas por el ensamble, para dar razón de la exuberante variedad de relaciones estéticas que jóvenes músicos colombianos establecen con su entorno. 5 Suite semblanza El estilo de composición de Diego Armando Rivera (n. 1988) se caracteriza por una reflexión desde las tradiciones musicales latinoamericanas, renovada a través de la exploración a nivel melódico, armónico y tímbrico. En sus obras, Rivera logra una conexión directa con la audiencia rescatando el nostálgico arraigo de ritmos populares, para desembocar en una búsqueda estética enriquecida por los métodos de composición propios de la composición académica. Como se mencionó anteriormente, en la introducción de estas notas al programa, desde cada una de las obras se desprende una relación muy especial entre los compositores y los miembros del trío Ataraxia. En este caso, se presenta una entrañable relación con el trío en la medida que fue Diego Rivera quien inició en la música a Jhonnier Buitrago, trombonista de la agrupación, con quien comparte sus inicios en la música en la Banda Sinfónica Juvenil de Sibaté y sus estudios en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. El abrir este programa con la obra de Rivera reconoce el aprecio por la labor del compositor quien, de alguna manera, tiene una responsabilidad germinal en el futuro artístico de la agrupación. Cuando el trío Ataraxia comisionó a Rivera la Suite semblanza, el compositor había perdido recientemente a su abuela, Sofía Vásquez, quien murió en 2019 de manera inesperada para toda su familia. Sobrecogido y sumido por la nostalgia que produjo su pronta partida, Rivera decidió escribir una obra en homenaje a la memoria de su abuela que, asimismo, pudiera ser un reconocimiento a la vida de todas las mujeres. Abrazando un sentimiento más amplio y conectándose con la melancólica despedida de muchas familias que, en Latinoamérica, pierden a mujeres que han sido fundamentales en sus vidas, Rivera compuso una suite que recorre diversas tradiciones musicales como son el currulao, el tango, el bossa nova y el joropo. Cada uno de los movimientos desencadena, desde una atmósfera de melancólico lirismo, una filigrana de timbres y efectos sonoros que progresivamente llevan al ensamble a cristalizar momentos climáticos que con sorpresivos contrastes expresivos. Si bien cada uno de los movimientos emula una tradición musical muy concreta, de la misma manera que en una suite del siglo xvii, cada movimiento se relaciona entre sí a través de un hilo conductor caracterizado por líneas melódicas que surgen de manera recurrente. La obra desemboca en un joropo final cuyo título, Sin despedida, refleja la repentina muerte de doña Sofía 6 Vásquez; este movimiento se caracteriza por su enérgica sonoridad construida por motivos rítmicos que rotan entre los miembros del ensamble hasta llegar a una atmósfera llena de brillo y esperanza, la cual representa para el compositor el sentimiento de gratitud y certeza del reencuentro con aquellas mujeres que nos esperan en la eternidad. Tres cantos para ensamble Yeison Fernando Buitrago (n. 1995) inició su formación musical en la Escuela de Música y Danza de Moniquirá (Boyacá), bajo la orientación de Luis Guillermo Casteblanco. Posteriormente, ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia como estudiante de trompeta y composición; fue discípulo del trompetista Fernando Parra y de los compositores Gustavo Parra y Moisès Bertran. Buitrago finalizó sus estudios del Conservatorio en 2019 y, en 2020, fue admitido en la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena, donde estudia actualmente con el compositor Martin Lichtfuss. La relación de Buitrago con los miembros del trío Ataraxia se remonta a los años que compartieron como estudiantes del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. En 2016, María Elvira Hoyos estrenó la obra Vidala y vuelo1, para violonchelo y orquesta bajo la dirección de Juan Felipe Naranjo. Desde entonces, y por medio de incontables colaboraciones, el compositor encontró en sus compañeros de estudios una simbiosis creativa que desencadenaría proyectos cada vez más interesantes. En Tres cantos para ensamble, Buitrago encontró la posibilidad de desarrollar una obra que le permitiera explorar las influencias entre una estética musical derivada de la tradición de la composición académica y las diversas tradiciones musicales de su entorno artístico. En su obra entran en comunión los ritmos y sonoridades propios del bambuco, el currulao y el joropo con las obras de compositores como Chico Buarque y Luis Marina Posada. Asimismo, su manejo de las formas musicales delata la influencia de compositores como Alberto Ginastera y Béla Bártok, cuya estética renueva con particular dinamismo los legados de diversas tradiciones musicales examinadas y proyectadas con rigor meticuloso. De manera especial para este programa, Buitrago ha proporcionado una breve descripción de su obra: 1 El video del estreno de Vidala y vuelo para violonchelo y orquesta puede accederse en https:// youtu.be/MD8IAQzaY94 7 A través de cada Canto quiero representar vivencias y experiencias a través del discurso musical y, a pesar de que cada pieza puede tomarse como una obra independiente, la unión de los cantos termina por entramarse en una sola pieza llena de contrastes melódicos y rítmicos. Los movimientos que componen esta suite son: Memorias: un retrato de recuerdos contrastantes que pasan por la nostalgia y la esperanza, donde los instrumentos presentan melodías sutiles y expresivas, dialogando constantemente entre sí y de manera repentina la aparición de motivos de movimiento y búsqueda. Acalanto: una canción de cuna que representa la ternura y a la vez el crecimiento, melodías tranquilas y expresivas que se van aumentando en intensidad expresiva y dinámica, y que después de un silencio de tranquilidad retoman para preparar la conclusión de la suite. Torrentes: una representación del carácter y de la resistencia de los pensamientos, que quieren reiterarse en mi mente, pero los cuales también busco liberar. Una búsqueda de energía y un interludio a manera de danza irregular que concluye con una coda donde se acumula toda esta tensión y es resuelta en un final con gran fuerza2. Elegía para violonchelo, piano y trombón La obra que cierra el programa de este concierto mantiene un vínculo muy cercano con el trío Ataraxia. Nicolás Alejandro Granados (n. 1992) es uno de los miembros fundadores del ensamble y, adicionalmente a su labor de compositor, también se desempeñó como pianista y arreglista del trío. Desde su formación, el trío Ataraxia creció como un espacio de composición y experimentación donde a través de cada sesión de ensayos el ensamble construía su propia identidad sonora y descubría sus capacidades interpretativas; durante estas fases iniciales, que consolidaron progresivamente al ensamble, Granados jugó un papel fundamental en la cristalización de la identidad musical del trío. Gracias a esta relación visceral que el compositor estrechó con la nueva propuesta artística de Ataraxia, Granados logró canalizar sus sofisticadas inquietudes creativas por medio de largos procesos de experimentación y reflexión estética acompañado por sus compañeros de travesía sonora. El lenguaje compositivo de Granados resuena con una amplia gama de 2 La información sobre la obra fue generosamente proporcionada por el compositor. Si el lector quiere conocer más sobre la obra de Yeison Fernando Buitrago puede acceder a su canal https:// www.youtube.com/channel/UCVLS-jZsAIMRnK_fN6aHeug 8 influencias artísticas; diversas tendencias propias de la vanguardia musical latinoamericana y europea transpiran a través de una propuesta que acoge una profunda reflexión social sobre la función del artista y su relación con la sociedad. Granados compuso Elegía para violonchelo, piano y trombón como un homenaje a los líderes sociales asesinados en Colombia entre 2016 y 2019. Después de una larga investigación sobre las historias y legados de estos líderes sociales, Granados en conjunto con el politólogo y literato Miguel Ángel Castro (n. 1994) escribió un poema donde Amador, su personaje principal, recoge las memorias y vivencias de los diversos líderes sociales abordados en su investigación. El poema asociado a la Elegía se estructura como el programa a partir del cual se determinan los elementos musicales de la obra. En esta, el protagonista, un líder social llamado Amador, está representado por un leitmotiv que trasciende las diversas partes de la obra. A medida que el poema refleja diversos momentos de la vida de Amador, la música recorre los momentos referenciados por el poema. La obra se desenvuelve a partir de una atmósfera sonora caracterizada por la desolación y el desasosiego; a medida que la elegía avanza, representa los momentos y emociones contrastantes de la vida de los diversos líderes sociales cuya muerte silenció sueños y esperanzas de aquellas poblaciones que, a través de las vicisitudes enfrentadas por Amador, resuenan en la memoria colectiva de un pueblo que no deja de añorar un futuro mejor. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y producciones discográficas, entre otras funciones. 9 Foto. Nadia Prieto ¡Septiembre en Pasto! Concierto de Sofia Ribeiro (Portugal) jazz Este concierto también se realiza en Bogotá, Ibagué y Cali Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Programa de mano

"Betty Garcés, soprano Radicada en Europa, Betty es considerada en la actualidad una de las grandes sopranos colombianas. Nacida en Buenaventura, a orillas del Pacífico colombiano, es la primera afrocolombiana que ha desarrollado una creciente carrera como cantante lírica especializada en ‘lied’, concierto, música de cámara y ópera a nivel internacional. Participa en producciones de ópera, conciertos y recitales en grandes escenarios como el Parco della Música de Roma, el Teatro Real de Madrid, el Gulbenkian Hall de Lisboa, el Prince Mahidol Hall de Bangkok, el Melba Hall de Melbourne y, en Bogotá, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y el Teatro Colón; también ha cantado en las emblemáticas iglesias de San Eustaquio en París, y San Patricio en New York. Betty ha participado en producciones de ópera, conciertos y numerosos recitales en escenarios de más de veinte países alrededor del mundo. Ha sido solista con la Thailand Philharmonic Orchestra, bajo la dirección musical de Alfonso Scarano; Gulbenkian Orchestra, bajo la dirección de Rui Pinheiro; Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, bajo la dirección de Diego Matheuz; Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, bajo la dirección de David Effron, Olivier Grangean, Hilary Griffiths, Alejandro Roca y Claudio Cruz, y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección de Leonardo Marulanda y Ligia Amadio. Honrada en 2021 por la Presidencia y el Ministerio de Cultura de Colombia con el alto reconocimiento artístico al mérito cultural y destacada en 2020 como una de las creativas Forbes, Betty hace parte del movimiento colectivo Opera for Peace como una de sus artistas emergentes. Desde 2020 es, además, acreedora de la beca de residencia artística de la fundación alemana RWLE Möller y es la creadora del colectivo activista, artístico y creativo Point of Difference. Con una extensa formación musical, recibió con honores el título en Música y Canto Lírico del Conservatorio Antonio María Valencia, de Cali, donde estudió bajo la tutoría de Ivonne Giraldo. Posteriormente, gracias al apoyo de la exministra de cultura Mariana Garcés, el cantante caleño Francisco Vergara y un grupo de amigos y empresarios de Cali, viajó a Colonia (Alemania) en 2009, para continuar sus estudios de perfeccionamiento con la tutoría de la profesora Klesie Kelly Moog y obtener, también con honores, el título de Maestra en Artes con especialización en ópera y ‘lied’ de Cologne University of Music. Finalmente, formó parte del programa Solo Klasse- Konzertexamen de Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover, donde se especializó en oratorio, concierto y música de cámara, con la guía de Gudrun Pelker. La artista participó en clases magistrales con Anja Harteros y Cheryl Studer, y continuó su perfeccionamiento en New York, dirigida por Gerald Martin Moore, reconocido por su trabajo con grandes cantantes, entre ellos Renée Fleming y Sarah Connolly. En 2020 se hizo miembro del colectivo Opera for Peace como artista emergente, donde siguió perfeccionándose como cantante y artista junto a Kamal Khan, Denyce Graves, Brian Jagde y Daniele Rustioni. Dentro de su repertorio operístico ha cantado los roles de Mimi en ‘La bohème’, Liú en ‘Turandot’, Suor Angelica, Ariadne en ‘Ariadne auf Naxos’, Amelia en ‘Simon Boccanegra’, y Leonora en ‘La forza del destino’. En Colombia debutó con gran éxito el papel principal de la zarzuela Cecilia Valdés en el Teatro Colón de Bogotá con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, y durante la temporada 2016 fue solista en el estreno mundial de la ópera multimedia 3 mil ríos, del compositor Víctor Gama, acompañada por la Gulbenkian Orchestra de Lisboa. Betty fue también artista miembro del Junges Ensemble de la Gelsenkirchen Opera, en Alemania, durante la temporada 2013-2014, y debutó en la Ópera de Colombia, bajo la dirección de Gloria Zea. La artista ha sido ponente en el Congreso de Artes Escénicas ISPA 2014 y en las Charlas TEDx en Bogotá. Ha dirigido clases magistrales en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, en el Teatro Colón de Bogotá, en la Capela Santa Maria de Curitiba, en Brasil, en la Universidad Mayor de Santiago de Chile y en la Academia de Bellas Artes de Nayang, en Singapur; e imparte su mensaje de esperanza compartiendo su historia y testimonio sobre el poder del canto, la música y las artes como instrumentos para sanar, restaurar y transformar corazones, vidas y realidades. Antonia Valente, piano Premiada en varios concursos internacionales, ha desarrollado su carrera de intérprete del repertorio de cámara tanto instrumental como vocal actuando en Italia, España, Portugal, Países Bajos, Bélgica, Francia, Argelia, Egipto, Alemania, Austria, Suiza y Reino Unido. Siendo muy joven, fundó el Ensemble ’05, un grupo que une a jóvenes artistas y músicos consagrados en un mismo escenario: esta fórmula es la base del Ritratti Festival, que celebró en 2020 su décima sexta temporada y en el que desde entonces se desempeña como directora artística. Ha desarrollado proyectos estrenados en Ritratti junto a artistas de la talla de Giovanni Sollima, Enrico Bronzi, Beatrice Rana, Brad Mehldau, Eddie Daniels, Benedetto Lupo, Marcelo Nisinman, Cristina Zavalloni y Gabriele Panico, entre otros. En 2015 publicó su disco de debut al pianoforte titulado ‘Mauro Giuliani, Rarities & Masterpieces’, que grabó junto al Ensemble ’05 y que tuvo gran acogida de la prensa. Sus próximos proyectos discográficos incluyen colaboraciones con la soprano Betty Garcés y el violinista Lorenzo Rovati. Ha trabajado junto a los directores Fabio Luisi, Jordi Bernàcer, Omer Meir Wellber, Antonio Greco, Thomas Posth, Tito Muñoz y Giovanni Pelliccia, y ha colaborado durante muchos años con la Fundación Paolo Grassi, de Martina Franca, y el Festival Internazionale della Valle d’Itria, como pianista y asistente de dirección. En 2013 inició su trayectoria en la enseñanza en la Hochschule für Musik und Tanz de Hannover. En los años siguientes ha sido profesora en los conservatorios de música de Lecce y de Monopoli, en Italia. Actualmente vive en Madrid y combina la actividad concertística con la de docente de repertorio en la Escuela de Música Reina Sofía y en el Centro de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Antonia se ha formado de la mano de grandes músicos como Benedetto Lupo, en el Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’, de Monopoli (Italia), y Elza Kolodin, en la Hochschule für Musik de Friburgo (Alemania). En 2008 obtuvo la calificación ‘magna cum laude’ en el máster en Interpretación Solista con la orquesta del Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’. Entre los maestros y mentores más influyentes en su formación se encuentran Claudio Martínez Mehner, Andrzej Jasiński, Cristiano Burato y Robert Levin, y en música de cámara, Konstantin Bogino, Jörg Widmann, Jan Philip Schulze y Justus Zeyen. "

"Antonia Valente, piano Premiada en varios concursos internacionales, ha desarrollado su carrera de intérprete del repertorio de cámara tanto instrumental como vocal actuando en Italia, España, Portugal, Países Bajos, Bélgica, Francia, Argelia, Egipto, Alemania, Austria, Suiza y Reino Unido. Siendo muy joven, fundó el Ensemble ’05, un grupo que une a jóvenes artistas y músicos consagrados en un mismo escenario: esta fórmula es la base del Ritratti Festival, que celebró en 2020 su décima sexta temporada y en el que desde entonces se desempeña como directora artística. Ha desarrollado proyectos estrenados en Ritratti junto a artistas de la talla de Giovanni Sollima, Enrico Bronzi, Beatrice Rana, Brad Mehldau, Eddie Daniels, Benedetto Lupo, Marcelo Nisinman, Cristina Zavalloni y Gabriele Panico, entre otros. En 2015 publicó su disco de debut al pianoforte titulado ‘Mauro Giuliani, Rarities & Masterpieces’, que grabó junto al Ensemble ’05 y que tuvo gran acogida de la prensa. Sus próximos proyectos discográficos incluyen colaboraciones con la soprano Betty Garcés y el violinista Lorenzo Rovati. Ha trabajado junto a los directores Fabio Luisi, Jordi Bernàcer, Omer Meir Wellber, Antonio Greco, Thomas Posth, Tito Muñoz y Giovanni Pelliccia, y ha colaborado durante muchos años con la Fundación Paolo Grassi, de Martina Franca, y el Festival Internazionale della Valle d’Itria, como pianista y asistente de dirección. En 2013 inició su trayectoria en la enseñanza en la Hochschule für Musik und Tanz de Hannover. En los años siguientes ha sido profesora en los conservatorios de música de Lecce y de Monopoli, en Italia. Actualmente vive en Madrid y combina la actividad concertística con la de docente de repertorio en la Escuela de Música Reina Sofía y en el Centro de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Antonia se ha formado de la mano de grandes músicos como Benedetto Lupo, en el Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’, de Monopoli (Italia), y Elza Kolodin, en la Hochschule für Musik de Friburgo (Alemania). En 2008 obtuvo la calificación ‘magna cum laude’ en el máster en Interpretación Solista con la orquesta del Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’. Entre los maestros y mentores más influyentes en su formación se encuentran Claudio Martínez Mehner, Andrzej Jasiński, Cristiano Burato y Robert Levin, y en música de cámara, Konstantin Bogino, Jörg Widmann, Jan Philip Schulze y Justus Zeyen. "

"Betty Garcés, soprano Radicada en Europa, Betty es considerada en la actualidad una de las grandes sopranos colombianas. Nacida en Buenaventura, a orillas del Pacífico colombiano, es la primera afrocolombiana que ha desarrollado una creciente carrera como cantante lírica especializada en ‘lied’, concierto, música de cámara y ópera a nivel internacional. Participa en producciones de ópera, conciertos y recitales en grandes escenarios como el Parco della Música de Roma, el Teatro Real de Madrid, el Gulbenkian Hall de Lisboa, el Prince Mahidol Hall de Bangkok, el Melba Hall de Melbourne y, en Bogotá, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y el Teatro Colón; también ha cantado en las emblemáticas iglesias de San Eustaquio en París, y San Patricio en New York. Betty ha participado en producciones de ópera, conciertos y numerosos recitales en escenarios de más de veinte países alrededor del mundo. Ha sido solista con la Thailand Philharmonic Orchestra, bajo la dirección musical de Alfonso Scarano; Gulbenkian Orchestra, bajo la dirección de Rui Pinheiro; Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, bajo la dirección de Diego Matheuz; Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, bajo la dirección de David Effron, Olivier Grangean, Hilary Griffiths, Alejandro Roca y Claudio Cruz, y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección de Leonardo Marulanda y Ligia Amadio. Honrada en 2021 por la Presidencia y el Ministerio de Cultura de Colombia con el alto reconocimiento artístico al mérito cultural y destacada en 2020 como una de las creativas Forbes, Betty hace parte del movimiento colectivo Opera for Peace como una de sus artistas emergentes. Desde 2020 es, además, acreedora de la beca de residencia artística de la fundación alemana RWLE Möller y es la creadora del colectivo activista, artístico y creativo Point of Difference. Con una extensa formación musical, recibió con honores el título en Música y Canto Lírico del Conservatorio Antonio María Valencia, de Cali, donde estudió bajo la tutoría de Ivonne Giraldo. Posteriormente, gracias al apoyo de la exministra de cultura Mariana Garcés, el cantante caleño Francisco Vergara y un grupo de amigos y empresarios de Cali, viajó a Colonia (Alemania) en 2009, para continuar sus estudios de perfeccionamiento con la tutoría de la profesora Klesie Kelly Moog y obtener, también con honores, el título de Maestra en Artes con especialización en ópera y ‘lied’ de Cologne University of Music. Finalmente, formó parte del programa Solo Klasse- Konzertexamen de Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover, donde se especializó en oratorio, concierto y música de cámara, con la guía de Gudrun Pelker. La artista participó en clases magistrales con Anja Harteros y Cheryl Studer, y continuó su perfeccionamiento en New York, dirigida por Gerald Martin Moore, reconocido por su trabajo con grandes cantantes, entre ellos Renée Fleming y Sarah Connolly. En 2020 se hizo miembro del colectivo Opera for Peace como artista emergente, donde siguió perfeccionándose como cantante y artista junto a Kamal Khan, Denyce Graves, Brian Jagde y Daniele Rustioni. Dentro de su repertorio operístico ha cantado los roles de Mimi en ‘La bohème’, Liú en ‘Turandot’, Suor Angelica, Ariadne en ‘Ariadne auf Naxos’, Amelia en ‘Simon Boccanegra’, y Leonora en ‘La forza del destino’. En Colombia debutó con gran éxito el papel principal de la zarzuela Cecilia Valdés en el Teatro Colón de Bogotá con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, y durante la temporada 2016 fue solista en el estreno mundial de la ópera multimedia 3 mil ríos, del compositor Víctor Gama, acompañada por la Gulbenkian Orchestra de Lisboa. Betty fue también artista miembro del Junges Ensemble de la Gelsenkirchen Opera, en Alemania, durante la temporada 2013-2014, y debutó en la Ópera de Colombia, bajo la dirección de Gloria Zea. La artista ha sido ponente en el Congreso de Artes Escénicas ISPA 2014 y en las Charlas TEDx en Bogotá. Ha dirigido clases magistrales en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, en el Teatro Colón de Bogotá, en la Capela Santa Maria de Curitiba, en Brasil, en la Universidad Mayor de Santiago de Chile y en la Academia de Bellas Artes de Nayang, en Singapur; e imparte su mensaje de esperanza compartiendo su historia y testimonio sobre el poder del canto, la música y las artes como instrumentos para sanar, restaurar y transformar corazones, vidas y realidades. "

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Fotos: Cristóbal de la Cuadra · Fabio Grande RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA BETTY GARCÉS (Colombia) soprano ANTONIA VALENTE (Italia) piano Miércoles 8 de junio de 2022 · 6:30 p.m. Cúcuta, Sala Múltiple del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: FYY559 Viernes 10 de junio de 2022 · 7:00 p.m. Medellín, Teatro Comfama PULEP: WKC302 Domingo 12 de junio de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: LQF789 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DE LAS INTÉRPRETES Betty Garcés, soprano Radicada en Europa, Betty es considerada en la actualidad una de las grandes sopranos colombianas. Nacida en Buenaventura, a orillas del Pacífico colombiano, es la primera afrocolombiana que ha desarrollado una creciente carrera como cantante lírica especializada en lied, concierto, música de cámara y ópera a nivel internacional. Participa en producciones de ópera, conciertos y recitales en grandes escenarios como el Parco della Música de Roma, el Teatro Real de Madrid, el Gulbenkian Hall de Lisboa, el Prince Mahidol Hall de Bangkok, el Melba Hall de Melbourne y, en Bogotá, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y el Teatro Colón; también ha cantado en las emblemáticas iglesias de San Eustaquio en París, y San Patricio en New York. Betty ha participado en producciones de ópera, conciertos y numerosos recitales en escenarios de más de veinte países alrededor del mundo. Ha sido solista con la Thailand Philharmonic Orchestra, bajo la dirección musical de Alfonso Scarano; Gulbenkian Orchestra, bajo la dirección de Rui Pinheiro; Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, bajo la dirección de Diego Matheuz; Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, bajo la dirección de David Effron, Olivier Grangean, Hilary Griffiths, Alejandro Roca y Claudio Cruz, y la Foto: Cristóbal de la Cuadra 2 Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección de Leonardo Marulanda y Ligia Amadio. Honrada en 2021 por la Presidencia y el Ministerio de Cultura de Colombia con el alto reconocimiento artístico al mérito cultural y destacada en 2020 como una de las creativas Forbes, Betty hace parte del movimiento colectivo Opera for Peace como una de sus artistas emergentes. Desde 2020 es, además, acreedora de la beca de residencia artística de la fundación alemana RWLE Möller y es la creadora del colectivo activista, artístico y creativo Point of Difference. Con una extensa formación musical, recibió con honores el título en Música y Canto Lírico del Conservatorio Antonio María Valencia, de Cali, donde estudió bajo la tutoría de Ivonne Giraldo. Posteriormente, gracias al apoyo de la exministra de cultura Mariana Garcés, el cantante caleño Francisco Vergara y un grupo de amigos y empresarios de Cali, viajó a Colonia (Alemania) en 2009, para continuar sus estudios de perfeccionamiento con la tutoría de la profesora Klesie Kelly Moog y obtener, también con honores, el título de Maestra en Artes con especialización en ópera y lied de Cologne University of Music. Finalmente, formó parte del programa Solo Klasse- Konzertexamen de Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover, donde se especializó en oratorio, concierto y música de cámara, con la guía de Gudrun Pelker. La artista participó en clases magistrales con Anja Harteros y Cheryl Studer, y continuó su perfeccionamiento en New York, dirigida por Gerald Martin Moore, reconocido por su trabajo con grandes cantantes, entre ellos Renée Fleming y Sarah Connolly. En 2020 se hizo miembro del colectivo Opera for Peace como artista emergente, donde siguió perfeccionándose como cantante y artista junto a Kamal Khan, Denyce Graves, Brian Jagde y Daniele Rustioni. Dentro de su repertorio operístico ha cantado los roles de Mimi en La bohème, Liú en Turandot, Suor Angelica, Ariadne en Ariadne auf Naxos, Amelia en Simon Boccanegra, y Leonora en La forza del destino. En Colombia debutó con gran éxito el papel principal de la zarzuela Cecilia Valdés en el Teatro Colón de Bogotá con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, y durante la temporada 2016 fue solista en el estreno mundial de la ópera multimedia 3 mil ríos, del compositor Víctor Gama, acompañada por la Gulbenkian Orchestra de Lisboa. Betty fue también artista miembro del Junges Ensemble de la Gelsenkirchen Opera, en Alemania, durante la temporada 2013-2014, y debutó en la Ópera de Colombia, bajo la dirección de Gloria Zea. La artista 3 ha sido ponente en el Congreso de Artes Escénicas ISPA 2014 y en las Charlas TEDx en Bogotá. Ha dirigido clases magistrales en el Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, en el Teatro Colón de Bogotá, en la Capela Santa Maria de Curitiba, en Brasil, en la Universidad Mayor de Santiago de Chile y en la Academia de Bellas Artes de Nayang, en Singapur; e imparte su mensaje de esperanza compartiendo su historia y testimonio sobre el poder del canto, la música y las artes como instrumentos para sanar, restaurar y transformar corazones, vidas y realidades. Foto: Antonia Valente Conozca más acerca de Betty Garcés soundcloud.com/bettygarces www.facebook.com/betty.garces.7/ @bettygarces_soprano Antonia Valente, piano Premiada en varios concursos internacionales, ha desarrollado su carrera de intérprete del repertorio de cámara tanto instrumental como vocal actuando en Italia, España, Portugal, Países Bajos, Bélgica, Francia, Argelia, Egipto, Alemania, Austria, Suiza y Reino Unido. Siendo muy joven, fundó el Ensemble ’05, un grupo que une a jóvenes artistas y músicos consagrados en un mismo escenario: esta fórmula es la base del Ritratti Festival, que celebró en 2020 su décima sexta temporada y en el que desde entonces se desempeña como directora artística. Ha desarrollado proyectos estrenados en Ritratti junto a artistas de la talla de Giovanni Sollima, Enrico Bronzi, Beatrice Rana, Brad Mehldau, Eddie Daniels, Benedetto Lupo, Marcelo Nisinman, Cristina Zavalloni y Gabriele Panico, entre otros. En 2015 publicó su disco de debut al pianoforte titulado Mauro Giuliani, Rarities & Masterpieces, que grabó junto al Ensemble ’05 y que tuvo gran acogida de 4 Conozca más acerca de Antonia Valente antoniavalente.it Antonia Valente soundcloud.com/tanitatlante la prensa. Sus próximos proyectos discográficos incluyen colaboraciones con la soprano Betty Garcés y el violinista Lorenzo Rovati. Ha trabajado junto a los directores Fabio Luisi, Jordi Bernàcer, Omer Meir Wellber, Antonio Greco, Thomas Posth, Tito Muñoz y Giovanni Pelliccia, y ha colaborado durante muchos años con la Fundación Paolo Grassi, de Martina Franca, y el Festival Internazionale della Valle d’Itria, como pianista y asistente de dirección. En 2013 inició su trayectoria en la enseñanza en la Hochschule für Musik und Tanz de Hannover. En los años siguientes ha sido profesora en los conservatorios de música de Lecce y de Monopoli, en Italia. Actualmente vive en Madrid y combina la actividad concertística con la de docente de repertorio en la Escuela de Música Reina Sofía y en el Centro de Enseñanza Musical Katarina Gurska. Antonia se ha formado de la mano de grandes músicos como Benedetto Lupo, en el Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’, de Monopoli (Italia), y Elza Kolodin, en la Hochschule für Musik de Friburgo (Alemania). En 2008 obtuvo la calificación magna cum laude en el máster en Interpretación Solista con la orquesta del Conservatorio di Musica ‘Nino Rota’. Entre los maestros y mentores más influyentes en su formación se encuentran Claudio Martínez Mehner, Andrzej Jasiński, Cristiano Burato y Robert Levin, y en música de cámara, Konstantin Bogino, Jörg Widmann, Jan Philip Schulze y Justus Zeyen. La realización del concierto en Medellín cuenta con el apoyo de 5 PROGRAMA Selección de Clairières dans le ciel (1913-1914) Vous m’avez regardé avec toute votre âme Nous nous aimerons Elle est gravement gaie Parfois, je suis triste Deux ancolies Les lilas qui avaient fleuri MARIE-JULIETTE ‘LILI’ BOULANGER (1893-1918) Selección de Cinco Lieder (1901) Die stille Stadt Laue Sommernacht Ich wandle unter Blumen ALMA MARIA SCHINDLER ‘ALMA MAHLER’ (1879-1964) Licht in der Nacht de Cuatro Lieder (1915) Greeting (1928) REBECCA CLARKE (1886-1979) A Dream (1926) Shy One de Dos canciones (1912) The Seal Man (1922) INTERMEDIO 6 Selección de Lieder, Op. 2 (1895-1896) Frühlingstag Empfängnis ALEXANDER VON ZEMLINKSY (1871-1942) Selección de Gesänge, Op. 5 (1896-1897) Tiefe Sehnsucht Schlaf nur ein Entbietung de Gesänge, Op. 7 (1898-1899) Selección de Ocho Lieder, Op. 6 (1903-1905) Traumleben Verlassen Lockung Der Wanderer ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Siete Lieder tempranos (c.1905-1908) Nacht Schilflied Die Nachtigall Traumgekrönt Im Zimmer Liebesode Sommertage ALBAN BERG (1885-1935) Opúsculo a la noche (2015-2016) I II III FELIPE HOYOS GONZÁLEZ (n. 1991) Estreno mundial de la versión para soprano y piano 7 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria La estructuración de un programa para un concierto implica para el intérprete una serie de decisiones creativas similares a las que toma un compositor para crear una obra, con el propósito de ofrecer al oyente una experiencia estéticamente satisfactoria. La selección involucra un proceso muy consciente que tiene en cuenta el público al cual se dirige, las condiciones acústicas de la sala y los propios intereses del intérprete, entre otros aspectos. En el caso de hoy, Betty Garcés nos comenta sobre sus motivaciones específicas: Este programa es en sí una pequeña recopilación de dos grandes deseos: en la primera parte, hacer un homenaje y poner en foco a la mujer y sus luchas, su fragilidad, su resiliencia y su tenacidad. En la segunda parte, celebrar la genialidad, creatividad, mentes y corazones extraordinarios de algunos de los integrantes de esta conocida segunda escuela de Viena (Garcés, 2022). Su reflexión se amplía incorporando el reto que entraña para las intérpretes el repertorio y su interés de compartir unas estéticas que tienen localización temporal y geográfica precisa: Mi colega, pianista acompañante y compañera de aventuras Antonia Valente y yo amamos afrontar repertorios audaces, que muestren una amplia gama de colores, sonidos, atmósferas, sensaciones y emociones. En esta oportunidad queremos invitar a nuestro público a adentrarnos un poco en el fantástico mundo del expresionismo y modernismo del siglo xx, plasmado en esta pequeña y extraordinaria selección (Garcés, 2022). El programa se inicia con tres compositoras de las cuales subraya Betty Garcés el contexto poco favorable para su vida artística: Todas aquellas mujeres compositoras que lograron ser visibles tienen en común que han tenido que luchar por escapar de la sombra a la que se les quería destinar debido a su condición de mujeres, aun por encima de su valía como grandes músicas. En cada una de sus historias podemos reconocer con cuántas condiciones tuvieron que lidiar en su proceso de creación por el simple hecho de ser mujeres, y debido a esto estar limitadas, dificultadas y hasta imposibilitadas en su desarrollo creativo (Garcés, 2022). Marie-Juliette ‘Lili’ Boulanger (1893-1918), compositora francesa, creció en un hogar musical. Su excepcional talento fue reconocido a la edad de 8 2 años, y también a esta misma edad enfermó de neumonía bronquial, después de lo cual su sistema inmunológico se debilitó gravemente. Desde entonces, estuvo casi siempre enferma hasta su temprana muerte. Fue la primera mujer en ganar el Prix de Rome, en 1913, prestigioso galardón que también obtuvieron los compositores Jules Massenet, Claude Debussy y Florent Schmitt. Precisamente, durante su estadía en la Villa Medici, en Roma, como parte de su premio, compuso en 1914 Clairières dans le ciel, un ciclo de trece canciones en el que empleó textos de la colección de poemas Tristesses, de Francis Jammes (1860-1938), que habían sido escritos entre 1902 y 1905, y hacen parte de una línea impresionista o simbolista donde el drama es solo de carácter amoroso. ‘Lili’ tenía veinte años cuando inició la composición del ciclo, cuyos textos seguramente resonaban con sus propias vivencias. La compositora indica, al inicio de la primera canción: «todas estas melodías deberán ser cantadas con el sentimiento de evocar un pasado que permanece lleno de frescura»1 (Potter, 2016, p. 105). Clairières dans le ciel tiene una dedicatoria general «al maestro Gabriel Fauré», cuya influencia es notoria y conocida en la música de Boulanger, y también hay dedicatorias de cada canción a diversas personalidades relacionadas con ella. Alma Maria Schindler ‘Alma Mahler’ (1879-1964), compositora austriaca, estudió contrapunto y composición con Josef Labor y Alexander von Zemlinsky. En 1902 se casó con Gustav Mahler «tras aceptar abandonar sus aspiraciones compositivas» (Peter, 2001). Sin embargo, una relación de pareja compleja condujo a una crisis y ruptura matrimonial después de la cual Mahler adquirió un mayor interés en la música de Alma y editó y publicó, en 1910, en Universal Editions, Fünf Lieder (Cinco Lieder o Cinco canciones), tres de las cuales aparecen en el programa de hoy. Como muchos de sus contemporáneos, Alma inició su actividad compositiva con canciones que muestran un estilo «lírico y romántico tardío […] texturas atmosféricas y un enfoque de la forma rapsódica bien compuesta» (Peter, 2001). Su relación con el círculo artístico y académico más notorio y prestigioso de Viena generó controversia y opiniones diversas, como lo señala su biógrafo en el Diccionario Grove: El legado musical de Schindler-Mahler se ve ensombrecido en gran medida por sus relaciones con hombres famosos y creativos, como [Gustav] Mahler, el arquitecto 1 “Toutes ces mélodies devraient être chantées avec le sentiment d’évoquer un passé resté plein de fraîcheur” (Traducido al español por Guillermo Gaviria). 9 Walter Gropius y el artista Franz Werfel, junto con las relaciones con su profesor de composición, Alexander von Zemlinsky, y el artista Oskar Kokoschka (Peter, 2001). Cinco Lieder al parecer fue compuesta antes de su matrimonio con Gustav Mahler. Musicaliza textos de distintos poetas, así: Die stille Stadt, de Richard Fedor Leopold Dehmel (1863-1920), poeta y escritor alemán cuyos temas con frecuencia se centran en el amor y la sensualidad; Laue Sommernacht, atribuida a Gustav Falke (1853-1916), que, sin embargo, de acuerdo con Susan Filler (2012), parece ser de Otto Julius Bierbaum (1865-1910), escritor alemán que empleó formas de la canción popular y el estilo llamado anacreóntico2; Ich wandle unter Blumen, de Christian Johann Heinrich Heine (1797-1856), poeta, escritor y crítico literario alemán, cuyos puntos de vista políticos radicales llevaron a que muchas de sus obras fueran prohibidas por las autoridades alemanas. Pasó los últimos veinticinco años de su vida como expatriado en París. En cuanto a Licht in der Nacht, compuesta en 1901, hace parte de otra serie, Vier Lieder (Cuatro Lieder o Cuatro canciones), publicada en 1915, y su texto es de Otto Julius Bierbaum. Rebecca Clarke (1886-1979) nació en Inglaterra y vivió una infancia difícil, agravada por un padre abusivo. Comenzó a estudiar violín a los ocho años y, en 1902, se convirtió en alumna de la Royal Academy of Music de Londres. Ante la propuesta de matrimonio de su profesor de armonía, Percy Miles, en 1904, su padre le prohibió el matrimonio y la obligó a abandonar la academia. Después de un breve período en casa, se convirtió en la primera mujer en ser admitida en la clase de composición de Charles Villiers Stanford (1852-1924) en el Royal College of Music, en 1907, donde también estudió viola con Lionel Tertis (1876-1975). Clarke, particularmente reconocida por su Sonata para viola (1919), fue una compositora de música vocal con más de cincuenta obras para voz solista acompañada de piano, violín y conjunto de cámara respectivamente, así como de dúos vocales y música coral. La base de sus canciones es su conocimiento del estilo de la canción de salón inglesa y del lied alemán del siglo xix. Greeting fue compuesta en 1928, sobre un texto de Ella Young (1867- 1956), poeta irlandesa autora de poesía y libros para niños; A Dream es una composición de 1926, con texto de uno de los poetas favoritos de la generación de Clarke, el irlandés William Butler Yeats (1865-1939). Shy One (1912) está dedicada al tenor, renombrado en la época, Gervase Elwes (1866- 2 La anacreóntica es una composición lírica en verso, que canta a los placeres de la vida, el vino y el amor. 10 1921), también sobre texto de Yeats. The Seal Man (1922), con texto de John Edward Masefield (1878-1967), poeta y escritor inglés, es su canción más conocida; dedicada al barítono John Goss (1894-1953), está basada en el mito celta de la foca que toma la forma de un hombre para atraer a las mujeres a su muerte en el mar (la leyenda invierte los géneros del mito griego de la sirena). La segunda parte del recital ofrece obras de tres compositores muy conectados entre sí: Zemlinsky, Schoenberg y Berg. Alexander von Zemlinsky (1871-1942), compositor y director de orquesta austriaco que, aunque estrechamente vinculado con Schoenberg3, se mantuvo dentro de la tradición. Fue director de orquesta de primer nivel. A pesar de la gran intensidad emocional de su música, pasaron varias décadas antes de que fuera reconocido y valorado por intérpretes, críticos y audiencias. Sus lieder «(…) se destacan como modelos de artesanía y sensibilidad artística», además de poseer «(…) una empatía instintiva por los versos que varían en estilo y origen, desde la poesía Wunderhorn hasta el simbolismo franco-belga, desde la intensidad erótica de Dehmel hasta el humor irónico del Überbrettl» (Beaumont, 2001). Las dos canciones del Op. 2, Frühlingstag y Empfängnis, hacen parte de un ciclo de trece, en dos volúmenes, publicado en 1897. Tiefe Sehnsucht y Schlaf nur ein aparecen en el Op. 5, ciclo de ocho canciones en dos volúmenes, publicado en 1898. Entbietung es la número dos de las cinco canciones del Op. 7, publicado en 1901. Arnold Schoenberg (1874-1951), compositor, teórico, educador musical y pintor, es, sin lugar a duda, una de las personalidades más destacadas e influyentes en el siglo xx y en la historia de la música de Occidente. Sus métodos de composición, relacionados con la llamada ‘atonalidad’, transformaron la concepción y comprensión de la música, llevándola a espacios auditivos que aun hoy, un siglo después de sus aportes, se escuchan atrevidos y revolucionarios y siguen siendo, en mucho, incomprendidos por músicos y oyentes. Su educación musical comenzó cuando tenía ocho años, con lecciones de violín, viola y piano, y empezó a componer tríos para cuerda a los diez. Aunque recibió clases de Zemlinsky, fue fundamentalmente autodidacta. Junto con Alban Berg y Anton Webern, sus alumnos, Schoenberg conformó el núcleo central de la llamada Segunda Escuela de Viena. De sus Ocho Lieder, Op. 6, escucharemos cuatro canciones: la No. 1, Traumleben, de Julius Hart (1859-1930); la No. 4, Verlassen, de Hermann 3 Zemlinsky fue el único maestro que Schoenberg reconoció y fue también su cuñado por el matrimonio de este con Matilde Zemlinsky. 11 Conradi (1862-1890); la No. 7, Lockung, de Hans Fischer (1869-1934), y la No. 8, Der Wanderer, de Friedrich Wilhelm Nietzsche (1844-1900). Alban Berg (1885-1935), compositor austriaco, estudió armonía, contrapunto, teoría musical y composición con Schoenberg entre 1904 y 1911, y desde 1907 en adelante, composición. Berg siempre se sintió cómodo con la música vocal, y sus primeras obras fueron canciones, lo que llevó a Schoenberg a escribirle a su editor, Emil Hertzka, en 1910, comentándole: Alban Berg es un compositor extraordinariamente dotado, pero el estado en el que se encontraba cuando vino a mí era tal que su imaginación, aparentemente, no podía trabajar en nada más que lieder. Incluso los acompañamientos de piano para ellos eran como canciones ( Jarman, 2001). De acuerdo con el musicólogo Douglas Jarman (2001), Sieben Frühe Lieder (Siete Lieder tempranos o Siete canciones tempranas), publicada en 1928, «revela el impacto de la enseñanza de Schoenberg», aunque todavía dentro de un marco esencialmente diatónico. Y, añade, «mientras que los acompañamientos de piano de las canciones anteriores a Schoenberg frecuentemente carecen de figuraciones melódicas distintivas, aquí el manejo de las ideas motívicas es hábil y altamente desarrollado». Felipe Hoyos González (n. 1991) es un compositor colombiano nacido en Cartagena, que se destaca por su versatilidad en diferentes campos de la composición y proyectos artísticos interdisciplinarios. Realizó su pregrado en la Pontificia Universidad Javeriana, donde contó con la guía de los compositores Carolina Noguera y Guillermo Gaviria. Posteriormente adelantó estudios de maestría en el Conservatorium Maastricht, de Holanda, con la tutoría del compositor lituano Vykintas Baltakas. Opúsculo a la noche, originalmente para mezzo-soprano y piano, tiene hoy su estreno mundial en la versión para soprano. Acerca de la obra, comenta el compositor: Opúsculo a la noche toma como texto el famoso poema Nocturno III de José Asunción Silva, en el cual explora reflexiones muy románticas sobre la muerte y el fallecimiento de su hermana. La obra tiene una relación simbólica conmigo: fue escrita durante el tiempo en que fallecía mi abuelo, una influencia importante en mi vida personal y profesional. A nivel formal está estructurada en tres movimientos, que establecen una pequeña relación hegeliana de tesis, antítesis y síntesis. El tratamiento de la voz está muy ligado a la emocionalidad del texto, enfatizando la expresión dramático-lírica. La melodía, en su construcción, toma como referencia el tratamiento barroco del recitativo, articulado por secciones con mucha elasticidad melódica, en síntesis, con 12 exploraciones personales sobre el uso de la voz y el texto en español, que siguen su desarrollo en mis recientes óperas en nuestra lengua (Hoyos, 2022). Para concluir, muy dentro de la atmósfera del concierto hay una invitación de Betty Garcés (2022) a «(…) irnos dando paso a un nuevo nacimiento vislumbrado en el horizonte, a una nueva manifestación de nuestra esencia: ‘la libre tonalidad’». Referencias Beaumont, A. (2001). Zemlinsky, Alexander. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Filler, S. M. (2012). Gustav and Alma Mahler: A Research and Information Guide. Routledge. Garcés, B. (17 de abril de 2022). Concierto Betty Garcés. [Comunicación por correo electrónico]. Hoyos, F. (19 de abril de 2022). Recital Banco de la República: Opúsculo a la noche. [Comunicación por correo electrónico]. Jarman, D. (2001). Berg, Alban. Grove Music Online. Recuperado de https:// www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Potter, C. (2016). Nadia and Lili Boulanger. Routledge. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 13 Selección de Clairières dans le ciel (1913-1914) Marie-Juliette ‘Lili’ Boulanger (1893-1918) Textos: Francis Jammes (1860-1938) Vous m’avez regardé avec toute votre âme (Me miraste con toda tu alma) Vous m’avez regardé avec toute votre âme. Vous m’avez regardé longtemps comme un ciel bleu. J’ai mis votre regard à l’ombre de mes yeux… Que ce regard était passionné et calme… Me miraste con toda tu alma. Me miraste largamente como al cielo azul. Yo puse tu mirada a la sombra de mis ojos… Qué mirada tan serena, tan calma… Nous nous aimerons (Nos amaremos) Nous nous aimerons tant que nous tairons nos mots, en nous tendant la main, quand nous nous reverrons. Vous serez ombragée par d’anciens rameaux, sur le banc que je sais où nous nous assoirons. Donc nous nous assoirons sur ce banc tous deux seuls… D’un long moment, ô mon amie, vous n’oserez… Que vous me serez douce et que je tremblerai… Nos amaremos tanto que no habrá palabras, y nos estrecharemos las manos al volvernos a ver. Estarás a la sombra de los viejos ramajes, en la banca donde sé que nos sentaremos. Nos sentaremos en esa banca los dos solos… Por un momento, amor mío, no osarás… ¡Qué dulce serás! ¡Cómo temblaré!… Elle est gravement gaie (Ella es seriamente alegre) Elle est gravement gaie. Par moments son regard se levait comme pour surprendre ma pensée. Elle était douce alors comme quand il est tard le velours jaune et bleu d’une allée de pensées. Ella es seriamente alegre. A veces su mirada subía como para capturar mis pensamientos. Ella era entonces tan dulce como en la tarde los terciopelos amarillos y azules de un camino de pensamientos. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 14 Parfois, je suis triste (A veces estoy triste) Parfois, je suis triste. Et, soudain, je pense à elle. Alors, je suis joyeux. Mais je redeviens triste de ce que je ne sais pas combien elle m’aime. Elle est la jeune fille à l’âme toute claire, et qui, de dans son coeur, garde avec jalousie, l’unique passion que l’on donne à un seul. Elle est partie avant que s’ouvrent les tilleuls, et, comme ils ont fleuri depuis qu’elle est partie, je me suis étonné de voir, ô mes amis, des branches de tilleuls qui n’avaient pas de fleurs. A veces estoy triste. De pronto pienso en ella. Entonces soy feliz. Mas vuelvo a entristecer por no saber cuánto me ama. Es una jovencita de alma transparente, que guarda con celo en el corazón, la única pasión que solo a uno entregó. Ella partió antes de que los tilos* brotaran, y, como florecieron después de su partida, me sorprendió ver, amigos míos, unas ramas de los tilos que no lucían flores. Deux ancolies (Dos colombinas) Deux ancolies se balançaient sur la colline, et l’ancolie disait à la soeur l’ancolie: je tremble devant toi et demeure confuse. Et l’autre répondait: Si dans la roche qu’use l’eau, goutte à goutte, si je me mire, je vois que je tremble, et je suis confuse comme toi. Le vent de plus en plus les berçait toutes deux, les emplissait d’amour et mêlait leurs coeurs bleus. Dos colombinas se mecían sobre la colina, una colombina dijo a su hermana: tiemblo ante ti y me siento confusa. La otra replicó: cuando me miro en esa roca que el agua gasta gota a gota, veo que tiemblo y estoy confusa como tú. El viento más y más las agitaba, llenándolas de amor y mezclando sus corazones azules. Les lilas qui avaient fleuri (Las lilas que florecieron) Les lilas qui avaient fleuri l’année dernière vont fleurir de nouveau dans les tristes parterres. Déjà le pêcher grêle a jonché le ciel bleu de ses roses, comme un enfant la Fête-Dieu. Mon coeur devrait mourir au milieu de ces choses car c’était au milieu des vergers blancs et roses que j’avais espéré je ne sais quoi de vous. Mon âme rêve sourdement sur vos genoux. Ne la repoussez point. Ne la relevez pas de peur qu’en s’éloignant de vous elle ne voie combien vous êtes faible et troublée dans ses bras. Las lilas que florecieron el año pasado quisieran de nuevo florecer en sus tristes parterres**. Ya un frágil duraznero lanzó al cielo sus rosas como un niño en día de fiesta. Mi corazón ha de morir entre esas cosas porque fue en jardines blancos y rosa que esperé no sé qué cosa tuya. Mi alma sueña bajito en tus rodillas. No la rechaces. No la despiertes por miedo a que no viera, lejos de ti, cuán débil y turbada estás entre sus brazos. * Tilos: árbol de la familia de las tiliáceas. ** Parterres: jardín o parte de él con césped, flores y anchos paseos. 15 Selección de Cinco Lieder (1901) Alma Maria Schindler ‘Alma Mahler’ (1879-1964) Die stille Stadt (El pueblo silencioso) Texto: Richard Fedor Leopold Dehmel (1863-1920) Liegt eine Stadt im Tale, ein blasser Tag vergeht. Es wird nicht lange dauern mehr, bis weder Mond noch Sterne nur Nacht am Himmel steht. Von allen Bergen drücken nebel auf die Stadt, es dringt kein Dach, nicht Hof noch Haus, kein Laut aus ihrem Rauch heraus, kaum Türme noch und Brücken. Doch als dem Wandrer graute, da ging ein Lichtlein auf im Grund und durch den Rauch und Nebel begann ein leiser Lobgesang aus Kindermund. Hay un pueblo en el valle, termina un día pálido. No falta mucho para que, sin luna, sin estrellas, solo noche haya en el cielo. De las montañas llega niebla sobre el poblado, no se ven tejados, ni patios, ni casas, la luz no atraviesa la bruma, apenas quedan torres y puentes. Mas cuando el caminante se amedranta, aparece una lucecita allá abajo y entre la bruma y la niebla se oye un himno de alabanza en una voz infantil. Laue Sommernacht (Tibia noche de verano) Texto: atribuido a Gustav Falke (1853-1916) o a Otto Julius Bierbaum (1865-1910) Laue Sommernacht: am Himmel stand kein Stern, im weiten Walde suchten wir uns tief im Dunkel, und wir fanden uns. Fanden uns im weiten Walde in der Nacht, der sternenlosen, hielten staunend uns im Arme in der dunklen Nacht. War nicht unser ganzes Leben so ein Tappen, so ein Suchen? Da: In seine Finsternisse liebe, fiel Dein Licht. Tibia noche de verano: en el cielo no hay estrellas, por el bosque profundo y oscuro nos buscábamos, y nos encontramos. Nos encontramos entre el bosque, en la noche sin estrellas, maravillado abrazo en la oscura noche. ¿No habían sido nuestras vidas una búsqueda a tientas? Allá, en esa oscuridad, amor mío, brilló tu luz. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 16 Ich wandle unter Blumen (Camino entre flores) Texto: Christian Johann Heinrich Heine (1797-1856) Ich wandle unter Blumen und blühe selber mit; ich wandle wie im Traume und schwanke bei jedem Schritt. O, halt mich fest, Geliebte! Vor Liebestrunkenheit fall’ ich dir sonst zu Füßen, und der Garten ist voller Leut’. Camino entre flores y yo misma florezco; camino como en sueños tambaleándome a cada paso. ¡Oh, sostenme, mi amado! Antes de que ebria de amor tropiece y caiga, ¡y está lleno de gente el jardín! Licht in der Nacht de Cuatro Lieder (1915) (Luz en la noche) Alma Maria Schindler ‘Alma Mahler’ (1879-1964) Texto: Otto Julius Bierbaum (1865-1910) Ringsum dunkle Nacht hüllt in Schwarz mich ein. Zage flimmert gelb ferneher ein Schein. Ist als wie ein Trost, eine Stimme still, die dein Herz aufruft, das verzagen will. Kleines, gelbes Licht, bist mir wie der Stern überm Hause einst Jesuchrists des Herrn. Und da löscht es aus. Und die Nacht wird schwer. Schlafe, Herz, du hörst keine Stimme mehr. Noche oscura por doquier me envuelve en negrura. Un tímido destello dorado titila a lo lejos. Es una consolación, una voz sigilosa, que llega a tu corazón cuando se desespera. Pequeña luz dorada, eres como la estrella que señaló la casa de Cristo nuestro Señor. Y entonces se apaga. Y la noche se hace pesada. Duerme, corazón, no oirás ninguna otra voz. 17 Greeting (1928) (Saludo) Rebecca Clarke (1886-1979) Texto: Ella Young (1867-1956) Over the wave-patterned sea-floor, over the long sunburnt ridge of the world, I bid the winds seek you. I bid them cry to you night and morning a name you loved once; I bid them bring to you dreams, and strange imaginings, and sleep. Sobre el lecho marino con dibujos de olas, sobre la larga orilla del mundo quemada por el sol, pido a los vientos que te busquen. Les pido que te griten mañana y noche un nombre que amaste alguna vez; les pido que te lleven sueños, imágenes extrañas, y reposo. A Dream (Un sueño) Rebecca Clarke (1886-1979) Texto: William Butler Yeats (1865-1939) I dreamed that one had died in a strange place near no accustomed hand; and they had nailed the boards above her face, the peasants of that land, and, wond’ring, planted by her solitude a cypress and a yew. I came, and wrote upon a cross of wood, Man had no more to do: “She was more beautiful than thy first love, this lady by the trees”, and gazed upon the mournful stars above, and heard the mournful breeze. Soñé que una había muerto en tierra extraña sin cercana mano familiar; y clavaron tablones sobre su cara los campesinos de esa tierra, titubeando plantaron junto a su soledad un tejo y un ciprés. Llegué, y escribí sobre una cruz de madera, por no tener nada más que hacer: «Era más bella que tu primer amor la dama bajo estas ramas», y observé las estrellas de luto en lo alto y escuché lamentarse a la brisa. Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 18 Shy One de Dos canciones (1912) (Tímida) Rebecca Clarke (1886-1979) Texto: William Butler Yeats (1865-1939) Shy one, shy one, shy one of my heart, she moves in the firelight, pensively apart. She carries in the dishes and lays them in a row, to an isle in the water with her would I go She carries in the candles and lights the curtained room, shy in the doorway, and shy in the gloom. And shy as a rabbit, helpful and shy, to an isle in the water with her I would fly. Tímida, tímida, tímida de mi corazón, se mueve a la luz del fuego, pensativa y distante. Trae los platos y los pone en fila, a una isla en el agua me iría con ella. Trae los candeleros e ilumina el cuarto encortinado, tímida en el umbral, tímida en la penumbra. Tímida como un conejo, servicial y tímida, a una isla en el agua volaría con ella. 19 The Seal Man (1922) (El hombre foca) Rebecca Clarke (1886-1979) Texto: John Edward Masefield (1878-1967) And he came by her cabin to the west of the road, calling. There was a strong love came up in her at that, and she put down her sewing on the table, and “Mother,” she says, “there’s no lock, and no key, and no bolt, and no door. There’s no iron, nor no stone, nor anything at all will keep me this night from the man I love.” And she went out into the moonlight to him, there by the bush where the flow’rs is pretty, beyond the river. And he says to her: “You are all of the beauty of the world, will you come where I go, over the waves of the sea?” And she says to him: “my treasure and my strength,” she says, “I would follow you on the frozen hills, my feet bleeding.” Then they went down into the sea together, and the moon made a track on the sea, and they walked down it; it was like a flame before them. There was no fear at all on her, only a great love like the love of the Old Ones, that was stronger than the touch of the fool. She had a little white throat, and little cheeks like flowers, and she went down into the sea with her man, who wasn’t a man at all. She was drowned, of course. It’s like he never thought that she wouldn’t bear the sea like himself. She was drowned, drowned. Él vino a su cabaña al oeste del camino, llamándola. Un amor poderoso la invadió entonces, y dejó la costura en la mesa, y la ‘Madre’ dijo, «No hay cerradura, llave, cerrojo o puerta. No hay hierros ni muros, nada de nada que me aleje esta noche del hombre que amo.» Y salió a su encuentro a la luz de la luna, allí junto al zarzal, donde hay bonitas flores, pasando el río. Y él le dice: «eres la belleza del mundo, ¿vendrás conmigo allá donde voy, sobre las olas del mar?» Y ella le dice: «tesoro mío, mi fortaleza,» le dice, «te seguiré por las colinas heladas, con pies sangrantes.» Entonces fueron juntos hasta el mar, y la luna trazó un sendero sobre el mar, y por él caminaron; era como una antorcha ante ellos. Ella no tenía pizca de miedo, solo un gran amor, como el amor de los Antiguos, más fuerte que el manoseo de los tontos. Ella tenía un cuellito blanco y mejillitas como flores, y se fue al mar con su hombre, que ni siquiera era hombre. Ella se ahogó, claro está. Como si él no hubiera pensado que no soportaría el mar al igual que él. Ella se ahogó, se ahogó. Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 20 Selección de Lieder, Op. 2 (1895-1896) Alexander Von Zemlinksy (1871-1942) Frühlingstag (Día primaveral) Texto: Carl Siebel (1836-1868) Es ist so still, als wär’ es Schlafenszeit, als wär’ entschlummert Not und Leid, gestorben Angst und Qual. Kein Hauch bewegt die Bäume, wie unschuldsvolle Kinderträume ziehn leis die Wölklein übers Tal. Hay tal silencio que parece hora de dormir, como si descansaran penas y necesidades, y el miedo y la angustia hubieran muerto. Ningún soplo mueve los árboles, como inocentes sueños infantiles pasan las nubes sobre el valle. Empfängnis (Concepción) Texto: Paul Wertheimer (s. f.) Du weiche Nacht, o komm mich zu umfangen, mein Sehnen rundest du und reifst den Wein. ein seliges, ein stummes Heiland-Bangen schwellt meine Seele, zur Empfängnis rein. Und wie ich sehnend meine Arme breite, da ringt sich von des Himmels Früchten los, ein heller Keim und fällt aus Gottes Weite in meiner Seele betend bangen Schoß. Oh suave noche, ven a abrazarme, tú llenas mis anhelos, maduras el vino. Un gozoso y callado temor al Salvador ensancha mi alma, para la pura concepción. Y como abro mis brazos anhelantes, llegan del cielo generosos frutos, una semilla brillante cae del cielo de Dios en el vientre ansioso de mi alma devota. 21 Selección de Gesänge, Op. 5 (1896-1897) Alexander Von Zemlinksy (1871-1942) Tiefe Sehnsucht (Profunda añoranza) Texto: Detlev von Liliencron (1844-1909) Maienkätzchen, erster Gruß, ich breche euch und stecke euch an meinen alten Hut. Maienkätzchen, erster Gruß, einst brach ich euch und steckte euch der Liebsten an den Hut. Gatitos de mayo, primer saludo, os atrapo, os guardo en mi viejo sombrero. Gatitos de mayo, primer saludo, una vez os atrapé y guardé en el sombrero de mi amada. Schlaf nur ein (Sigue durmiendo) Texto: Paul von Heyse (1830-1914) Ach, was bin ich aufgewacht? Ob am Haus die Liebste klopft? Leise tönt es durch die Nacht, “Schlaf ’ nur ein, Schlaf ’ nur ein! Regen an die Scheiben.” Warum klingt mir doch das Ohr? Spricht von mir das falsche Kind, Das mich aus dem Sinn verlor? “Schlaf ’ nur ein, Schlaf ’ nur ein! Heerdenglocken rührt der Wind.” Und sie sah im Traum mich an, und sie sprach: Du glaubst es kaum, was ich leide, süßer Mann! „Schlaf ’ nur ein, schlaf ’ nur ein! Schlaf ’ ihn aus, den falschen Traum!” ¡Ay! ¿Por qué desperté? ¿Llama mi amada a la puerta? Un suave sonido en la noche, «¡Sigue durmiendo, sigue durmiendo! Son gotas de lluvia en la ventana.» ¿Por qué me zumban los oídos? ¿Habla de mí esta chica mentirosa que me echó de su corazón? «¡Sigue durmiendo, sigue durmiendo! Los cencerros resuenan en el viento.» Y en el sueño ella me miró, y dijo: ¿No crees acaso que sufro, dulce hombre? «¡Sigue durmiendo, sigue durmiendo! ¡Ya no quiero soñar ese sueño embustero!» Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 22 Entbietung de Gesänge, Op. 7 (1898-1899) (Llamada) Alexander Von Zemlinksy (1871-1942) Texto: Richard Dehmel (1863-1920) Schmück dir das Haar mit wildem Mohn, die Nacht ist da, all ihre Sterne glühen schon. All ihre Sterne glühn heut dir! Du weißt es ja: all ihre Sterne glühn in mir! Dein Haar ist schwarz, dein Haar ist wild und knistert unter meiner Glut; und wenn sie schwillt, jagt sie mit Macht die roten Blüten und dein Blut hoch in die höchste Mitternacht. In deinen Augen glimmt ein Licht, so grau in grün, wie dort die Nacht den Stern umflicht, Wann kommst du? - Mein Fackeln lohn! Laß glühn, laß glühn! Schmück mir dein Haar mit wildem Mohn! Adorna tus cabellos con amapolas silvestres llegó la noche, ya brillan todas sus estrellas. ¡Todas sus estrellas brillan para ti! Tú lo sabes: ¡todas sus estrellas brillan en mí! Tu cabello, negro e indómito crepita en mis brasas; y cuando estas arden, persiguen con fuerza las flores rojas y tu sangre en lo más alto de la medianoche. En tus ojos brilla una luz, tan verde, tan gris, como la estrella que rodea la noche, ¿Cuándo vendrás? ¡Mi antorcha se enciende! ¡Haz que brille! ¡Haz que brille! ¡Adorna tus cabellos con amapolas silvestres! Selección de Ocho Lieder, Op. 6 (1903-1905) Arnold Schoenberg (1874-1951) Traumleben (Vida en sueño) Texto: Julius Hart (1859-1930) Um meinen Nacken schlingt sich ein blütenweicher Arm, es ruht auf meinem Munde ein Frühling jung und warm. Ich wandle wie im Traume, als wäre mein Aug’ verhüllt, du hast mit deiner Liebe all’ meine Welt erfüllt. Die Welt scheint ganz gestorben, Wir beide nur ruhen allein, Von Nachtigallen umklungen Im blühenden Rosenhain. Envuelve mi cuello un brazo suave, como un pétalo descansa sobre mi boca una primavera tibia y joven. Camino como en sueños, como con los ojos cubiertos, con tu amor llenaste todo mi mundo. El mundo parece muerto, nosotros descansamos solos, arrullados por ruiseñores en el rosal florecido. 23 Verlassen (Abandonado) Texto: Hermann Conradi (1862-1890) Im Morgengrauen schritt ich fort Nebel lag in den Gassen... In Qualen war mir das Herz verdorrt, Die Lippe sprach kein Abschiedswort, Sie stöhnte nur leise: Verlassen! Kennst du das Marterwort? Das frißt wie verruchte Schande! In Qualen war mir das Herz verdorrt, im Morgengrauen ging ich fort hinaus in die dämmernden Lande! Entgegen dem jungen Maientag: das war ein seltsam Passen! Mählich wurde die Welt nun wach, Was war mir der prangende Frühlingstag! Ich stöhnte nur leise: Verlassen! Al amanecer me marché, había niebla en las calles… Mi corazón se marchitaba de pena, los labios no dijeron despedidas, apenas musitaron: ¡abandonado! ¿Conoces la palabra que hiere? ¿Qué devora como vergüenza pecaminosa? ¡Mi corazón se marchitaba de pena, al amanecer salí a los campos de la alborada! Me encontró el joven día de mayo: ¡fue una extraña reunión! Lentamente despertó el mundo, ¡qué me importa este glorioso día de primavera! Apenas musité: ¡abandonado! Lockung (Seducción) Texto: Hans Fischer (1869-1934) Komm, komm mit nur einen Schritt! Hab schon gegessen, Will dich nicht fressen, Komm, komm mit nur einen Schritt! Kaum zwei Zehen weit noch zu gehen Bis zu dem Häuschen, Komm, mein Mäuschen, Ei sieh da, da sind wir ja! Hier in dem Eckchen (Pst) nur kein Schreckchen, wie glüh’n deine Bäckchen, jetzt hilft kein Schrein, mein bist du, mein! ¡Ven, ven, con un solo paso! Ya he comido. No te quiero devorar. ¡Ven, ven, con un solo paso! Faltan apenas dos deditos para llegar a la casa ven, mi ratoncita, mira, ¡ya llegamos! Aquí en la esquinita, (Pst) no temas, como brillan tus mejillas, ahora ya no hay refugio, ¡eres mía, mía! Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 24 Der Wanderer (El caminante) Texto: Friedrich Wilhelm Nietzsche (1844-1900) Es geht ein Wand’rer durch die Nacht mit gutem Schritt; und krummes Tal und lange Höhn er nimmt sie mit. Die Nacht ist schön er schreitet zu und steht nicht still, weiß nicht, wohin sein Weg noch will. Da singt ein Vogel durch die Nacht. “Ach Vogel, was hast du gemacht! Was hemmst du meinen Sinn und Fuß, und gießest süßen Herz-Verdruß in’s Ohr mir, daß ich stehen muß und lauschen muß. Was lockst du mich mit Ton und Gruß?” Der gute Vogel schweigt und spricht: “nein, Wandrer, nein! Dich lock’ ich nicht mit dem Getön. Ein Weibchen lock’ ich von den Höhn, was geht’s dich an? Allein ist mir die Nacht nicht schön, was geht’s dich an? Denn du sollst gehn und nimmer, nimmer stille stehn! Was stehst du noch? Was tat mein Flötenlied dir an, Du Wandersmann?” Der gute Vogel schwieg und sann: “Was tat mein Flötenlied ihm an? Was steht er noch? Der arme, arme Wandersmann!” Un caminante atraviesa la noche a buen paso; valles serpenteantes y altas colinas lleva consigo. La noche es bella, él avanza sin detenerse, no sabe a dónde lo lleva su camino. Un pájaro canta en la noche. «¡Oh, pajarito, qué has hecho! Por qué frenas mi espíritu y mis pies, y viertes tan dulce descontento en mis oídos, que debo detenerme a escucharte. ¿Por qué me atraes con tus sonidos?» El buen pájaro calla y responde: «¡no, caminante, no! No te seduzco con el canto. Seduzco a una hembra en las alturas, ¿a ti qué te importa? Solo no encuentro bella la noche, ¿a ti qué te importa? ¡Debes caminar y nunca, nunca, detenerte! ¿Por qué sigues aquí? ¿Qué te ha hecho mi música, oh, caminante?» El buen pájaro calló y reflexionó «¿Qué te hizo mi música? ¿Por qué sigues aquí? ¡Pobre, pobre caminante!» 25 Siete Lieder tempranos (c.1905-1908) Alban Berg (1885-1935) Nacht (Noche) Texto: Carl Hauptmann (1858-1921) Dämmern Wolken über Nacht und Thal, Nebel schweben. Wasser rauschen sacht. Nun entschleiert sich’s mit einem Mal: O gieb acht! gieb acht! Weites Wunderland ist aufgethan, silbern ragen Berge traumhaft gross, stille Pfade silberlicht thalan aus verborg’nem Schoss. Und die hehre Welt so traumhaft rein. Stummer Buchenbaum am Wege steht schattenschwarz, ein Hauch vom fernen Hain, sinsam leise geht. Und aus tiefen Grundes Düsterheit Blinken Lichter auf in stumme Nacht. Trinke Seele! trinke Einsamkeit! O gieb acht! gieb acht! Nubes crepusculares sobre el valle nocturno flota la niebla. Corre tranquila el agua. Ahora todo se manifiesta: ¡atención! ¡Atención! Se abre un amplio mundo de maravillas, grandes montañas se yerguen como en un sueño, una luz de plata ilumina senderos silenciosos que ascienden de ocultos valles. El mundo sublime, soñadoramente puro. Un haya se alza al borde del camino negra sombra, un eco de la arboleda, solitaria y silenciosa. Y de lo profundo del triste suelo brillan lucecitas en la noche callada. ¡Bebe, alma! ¡Bebe, soledad! ¡Atención! ¡Atención! Schilflied (Canción de los juncos) Texto: Nikolaus Lenau (1802-1850) Auf geheimem Waldespfade schleich’ ich gern im Abendschein an das öde Schilfgestade, mädchen, und gedenke dein. Wenn sich dann der Busch verdüstert, rauscht das Rohr geheimnisvoll, und es klaget und es flüstert, daß ich weinen, weinen soll. Und ich mein’, ich höre wehen leise deiner Stimme Klang, und im Weiher untergehen deinen lieblichen Gesang. Por el secreto sendero del bosque gusto de ir con la luz del ocaso hasta la desolada orilla de los juncos, para pensar en ti, muchachita. Cuando oscurecen los matorrales, las cañas susurran misteriosas, se lamentan y murmuran, que debo llorar, llorar. Y me parece que apenas escucho muy suave el sonido de tu voz, y que se hunde en el estanque tu bienamada canción. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 26 Die Nachtigall (El ruiseñor) Texto: Theodor Storm (1817-1888) Das macht, es hat die Nachtigall die ganze Nacht gesungen; da sind von ihrem süssen Schall, da sind in Hall und Widerhall die Rosen aufgesprungen. Sie war doch sonst ein wildes Kind, nun geht sie tief in Sinnen, trägt in der Hand den Sommerhut und duldet still der Sonne Glut und weiß nicht, was beginnen. Das macht, es hat die Nachtigall die ganze Nacht gesungen; da sind von ihrem süssen Schall, da sind in Hall und Widerhall die Rosen aufgesprungen. Es porque el ruiseñor cantó toda la noche; de sus dulces cantos sus ecos y resonancias brotaron las rosas. Ella era una chica indómita, ahora va entre pensamientos profundos, en la mano su sombrero de verano soportando en silencio el brillo del sol y no sabe qué hacer. Es porque el ruiseñor cantó toda la noche; de sus dulces cantos, sus ecos y resonancias brotaron las rosas. Traumgekrönt (Coronado de sueños) Texto: Rainer Maria Rilke (1875-1926) Das war der Tag der weißen Chrysanthemen, mir bangte fast vor seiner Pracht... Und dann, dann kamst du mir die Seele nehmen tief in der Nacht. Mir war so bang, und du kamst lieb und leise, ich hatte grad im Traum an dich gedacht. Du kamst, und leis’ wie eine Märchenweise Erklang die Nacht. Era el día de los blancos crisantemos, tan magníficos que casi me asustaban... Y entonces, entonces tu viniste, para atrapar mi alma en la profunda noche. Yo tenía tanto miedo y viniste amable y silenciosa, yo había pensado en ti entre mis sueños. Llegaste, y suave como en un cuento de hadas resonó la noche. Im Zimmer (En la habitación) Texto: Johannes Schlaf (1862-1941) Herbstsonnenschein. Der liebe Abend blickt so still herein. Ein Feuerlein rot, knistert im Ofenloch und loht. So, mein Kopf auf deinen Knie’n, so ist mir gut. Wenn mein Auge so in deinem ruht, wie leise die Minuten zieh’n. Luz de sol otoñal. Se muestra callada la amada tarde aquí adentro. Un fueguecito rojo, crujidos y chispas en el hogar. Entonces, con mi cabeza en tus rodillas, me siento muy bien. Cuando mis ojos descansan en los tuyos, qué tranquilos pasan los minutos. 27 Liebesode (Oda al amor) Texto: Otto Erich Hartleben (1864-1905) Im Arm der Liebe schliefen wir selig ein, am offnen Fenster lauschte der Sommerwind, und unsrer Atemzüge Frieden trug er hinaus in die helle Mondnacht. Und aus dem Garten tastete zagend sich ein Rosenduft an unserer Liebe Bett und gab uns wundervolle Träume, träume des Rausches -- so reich an Sehnsucht. En brazos del amor caímos dormidos, el viento de verano aguardaba tras la ventana abierta, y nuestros pacíficos alientos llevaron a la clara noche de luna. Y desde el jardín llegó titubeante un aroma de rosas a nuestro lecho de amor que nos trajo sueños maravillosos, sueños de embriaguez, plenos de nostalgia. Sommertage (Días de verano) Texto: Paul Hohenberg (s. f.) Nun ziehen Tage über die Welt, gesandt aus blauer Ewigkeit. Im Sommerwind verweht die Zeit. Nun windet nächtens der Herr sternenkränze mit seliger Hand über Wander- und Wunderland. O Herz, was kann in diesen Tagen dein hellstes Wanderlied denn sagen von deiner tiefen, tiefen Lust: im Wiesensang verstummt die Brust, nun schweigt das Wort, wo Bild um Bild zu dir zieht und dich ganz erfüllt. Ahora llegan al mundo días, enviados desde la azul eternidad. El tiempo se disuelve en el viento de verano. Ahora el Señor trenza en las noches con su santa mano guirnaldas de estrellas sobre caminantes en tierras maravillosas. Oh, corazón, ¿qué puede decir en estos días tu más brillante canción de vagabundo sobre tu honda, honda dicha?: el pecho calla con el canto de la pradera, la palabra cede cuando imagen tras imagen te atrapan y te llenan por completo. Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 28 Opúsculo a la noche Felipe Hoyos González (n. 1991) Texto: José Asunción Silva (1865-1896) I Una noche, una noche toda llena de perfumes, de murmullos y de música de alas, una noche en que ardían en la sombra nupcial y húmeda las luciérnagas fantásticas, a mi lado, lentamente, contra mí ceñida toda, muda y pálida como si un presentimiento de amarguras infinitas hasta el más secreto fondo de tus fibras se agitara, por la senda que atraviesa la llanura florecida caminabas, y la luna llena por los cielos azulosos, infinitos y profundos esparcía su luz blanca, y tu sombra fina y lánguida, y mi sombra por los rayos de la luna proyectadas sobre las arenas tristes de la senda se juntaban. Y eran una, y eran una, ¡Y eran una sola sombra larga! ¡Y eran una sola sombra larga! ¡Y eran una sola sombra larga! 29 II Esta noche solo, el alma llena de las infinitas amarguras y agonías de tu muerte, separado de ti misma por la sombra, por el tiempo y la distancia, por el infinito negro donde nuestra voz no alcanza, solo y mudo por la senda caminaba, y se oían los ladridos de los perros a la luna, a la luna pálida, y el chillido de las ranas, sentí frío, era el frío que tenían en tu alcoba, tus mejillas y tus sienes y tus manos adoradas entre las blancuras níveas de las mortuorias sábanas. Era el frío del sepulcro, era el frío de la muerte, era el frío de la nada. III Y mi sombra por los rayos de la luna proyectada, iba sola, iba sola, iba sola por la estepa solitaria. Y tu sombra esbelta y ágil, fina y lánguida como en esa noche tibia de la muerta primavera, como en esa noche llena de perfumes, de murmullos y de música de alas, se acercó y marchó con ella, se acercó y marchó con ella, se acercó y marchó con ella… ¡Oh las sombras enlazadas! ¡Oh las sombras que se buscan y se juntan en las noches de negruras y de lágrimas! Textos traducidos al español por Alberto de Brigard. 30 Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical