Programa de mano - Sergei Sichkov, piano (Rusia)
Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022
Foto: Alfonso Venegas
RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA
SERGEI SICHKOV
(Rusia)
piano
Miércoles 11 de mayo de 2022 · 7:30 p.m.
Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango
PULEP: SYA341
TOME NOTA
Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en
el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al
concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.
Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio
le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las
recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que
en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no
estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado.
Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el
concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como
para los artistas.
Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso
del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo
teléfonos celulares y alarmas de reloj.
Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está
permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el
concierto.
Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el
enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en
el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso.
Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República
ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas
de correo de su preferencia.
Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones,
quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción,
puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano
o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del
Banco de la República a nivel nacional.
SÍGANOS EN
Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural
Luis Ángel Arango
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EL RETORNO DE LO EFÍMERO
La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música.
Leonardo da Vinci
El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la
música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República,
y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la
música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan
esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto
la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte
de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan
nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas
sensaciones nuestros sentidos.
La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado
de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas
maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes
medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes
del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia
de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor
y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún
medio digital.
Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en
el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser
humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación
de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty
Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de
guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las
actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte,
la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton
y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de
manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en
nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras
latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de
Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro
jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el
marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta
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y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos
colombianos.
Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno—
ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago
Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco
de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León.
Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete,
improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un
total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor
envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos
retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que
suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una
oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que
han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas.
Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a
la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos
sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan
por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de
primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero,
a la experiencia de la música en vivo.
Sección de Música
Subgerencia Cultural
Banco de la República
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ACERCA DEL INTÉRPRETE
Sergei Sichkov, piano
Nació en Moscú. A los diez años ofreció su
primer recital público. Recibió su diploma
en 1987, año en el cual obtuvo el primer
lugar en el concurso de ejecución musical
de jóvenes pianistas de la región de Moscú.
En 1991 ingresó al Conservatorio Estatal
P. I. Tchaikovski, bajo la dirección de la
profesora O. M. Zhukova, donde obtuvo
diploma laureado. Ahí tuvo la oportunidad de
especializarse en piano, acompañamiento y
música de cámara con los mejores profesores,
entre ellos Tatiana Nikolaeva, Evgueny
Malinin, Guenadi Chercasov.
En 1990 realizó, en Viena, su primera presentación en Europa con la
Orquesta de Estudiantes del Conservatorio, concierto que fue registrado
como un importante evento musical. Desde entonces, ha ofrecido recitales
en Rusia, Ucrania, Francia, Grecia, España, Colombia, Venezuela, Ecuador,
Bolivia, Guatemala, Nicaragua, Honduras, El Salvador, Costa Rica, Venezuela,
Brasil y Cuba. Participó en el primer festival de piano Rachmaninoff de Moscú
en 1993. En 1998 realizó los estudios de doctorado en el Conservatorio
Estatal P. I. Tchaikovski, donde presentó su proyecto de investigación sobre
las interpretaciones de las obras para piano de Sergei Rachmaninoff.
Su repertorio incluye veinticinco conciertos para piano y orquesta,
entre ellos los cuatro conciertos y la Rapsodia sobre un tema de Paganini
de Rachmaninov. Muchos de estos conciertos han sido grabados para el
canal Uno de la Radio Moscovita, la Radio de Rusia, el Canal Capital de
Bogotá y la Radiodifusora Nacional de Colombia, bajo la batuta de diversos
directores como Vladimir Fedoseev, Francisco Rettig, Irwin Hoffman, Baldur
Brönnimann, Gennady Cherkasov, Eduardo Carrisoza, Lior Shambadal,
Conrad van Alphen, Hilary Griffiths, Theodore Kuchar, Cecilia Espinoza,
Thomasz Golka, Rossen Milanov y Juan Acosta.
Foto: Alfonso Venegas
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Todos los años, Sergei dedica una parte importante de su tiempo a la
interpretación de música de cámara en conjunto con artistas renombrados,
como es el caso de Benjamin Schmidt, Pascal Marsault, Ning Feng, Ara
Malikian, Thierry Escaich, Gabriel Ahumada, Ricardo Gallardo y su cuarteto
de percusiones Tambuco, Edison Carranza, Gonzalo Ospina, Bella Histrova,
María Alejandres, Mario Brunello, Jeff Bradetich, Carlos Prieto, Ophélie
Gaillard y Julien Szulman. Ha presentado recitales con los más importantes
cantantes colombianos, entre quienes se encuentran Martha Senn, Valeriano
Lanchas, César Augusto Gutiérrez e Iván Paley. También ha participado en los
más grandes eventos musicales realizados en Colombia: Cartagena Festival de
Música (en nueve ocasiones), Festival Internacional de Piano en Bucaramanga
en varias versiones, el Festival Internacional de música ‘Bogotá es Beethoven’,
entre otros.
En 2012 estrenó en Colombia la Sinfonía No. 4 (concierto para piano)
de Szymanowski con la Orquesta Filarmónica de Bogotá. En 2014 recibió el
Premio Bienal a la Creación Artística Javeriana por su actuación como solista
con Sinfonia Rotterdam y la mención de honor del Ministerio de Cultura por
su disco Obras vocales de los compositores-pianistas Rachmaninov, Liszt y Wick.
Dentro de su labor pedagógica, se desempeñó como asistente de la maestra
Zhukova en el conservatorio Tchaikovski (1996-1998) y desde 1999, como
profesor asociado de las Facultades de Artes en las universidades Javeriana,
El Bosque, Nacional de Colombia y los Andes. Durante dieciséis años actuó
en calidad de pianista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia; en la
actualidad, es el pianista de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.
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PROGRAMA
Doce estudios para piano, Op. 10 (1830-1832)
I. Estudio en do mayor ‘Cascada’
II. Estudio en la menor ‘Cromático’
III. Estudio en mi mayor ‘Tristeza’
IV. Estudio en do sostenido menor ‘Torrente’
V. Estudio en sol bemol mayor ‘Teclas negras’
VI. Estudio en mi bemol menor ‘Lamento’
VII. Estudio en do mayor ‘Tocata’
VIII. Estudio en fa mayor ‘Brillo del sol’
IX. Estudio en fa menor
X. Estudio en la bemol mayor
XI. Estudio en mi bemol mayor ‘Arpegio’
XII. Estudio en do menor ‘Revolucionario’
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849)
INTERMEDIO
Doce estudios para piano, Op. 25 (1835-1837)
I. Estudio en la bemol mayor ‘Arpa eólica’
II. Estudio en fa menor ‘Las abejas’
III. Estudio en fa mayor ‘El caballero’
IV. Estudio en la menor ‘Paganini’
V. Estudio en mi menor ‘Nota equivocada’
VI. Estudio en sol sostenido menor ‘Terceras’
VII. Estudio en do sostenido menor ‘Violonchelo’
VIII. Estudio en re bemol mayor ‘Sextas’
IX. Estudio en sol bemol mayor ‘La mariposa’
X. Estudio en si menor ‘Octava’
XI. Estudio en la menor ‘Viento de invierno’
XII. Estudio en do menor ‘Océano’
FRÉDÉRIC CHOPIN
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NOTAS AL PROGRAMA
Por Ellie Anne Duque
Chopin
Cuando Frédéric François Chopin (1810-1849) se dio a conocer al público
de Viena, en 1828, tanto críticos como aficionados reconocieron en su estilo
musical algo diferente, algo muy original. En dicha ocasión, presentó su
segunda obra pianística —las variaciones sobre el tema La ci darem la mano de
la ópera Don Giovanni de Mozart—, su Cracoviana, y realizó improvisaciones
sobre temas polacos. Lo que más llamó la atención, en ese evento, fue el toque
ligero, delicado y elegante sobre el teclado, al igual que el poder emotivo de sus
piezas. El público vienés de las primeras décadas del siglo xix se había formado
con las explosiones expresivas de Beethoven y las acrobacias técnicas de los
centenares de pianistas que pululaban en la ciudad y que competían por ser
el virtuoso más destacado. Estas primeras apreciaciones del estilo de Chopin
pesaron mucho sobre la percepción temprana de su obra, cuya fuerza completa
y vital vino a conocerse luego en sus Baladas, Scherzi, Polonesas y Estudios, que
llegaron a tener un peso significativo sobre la evolución de la interpretación
del piano y sobre la escritura para el instrumento mismo, sin mencionar sus
aportes al desenvolvimiento formal de las obras, particularmente complejo
en las sonatas para piano solo. El público que lo escuchaba por primera vez
oía una novedosa narrativa poética y lírica en las líneas melódicas expresivas
y evocadoras ideadas por Chopin, muchas veces nacidas de tonadas populares
polacas que se repetían emitiendo volutas de ornamentación a manera de
comentarios que se adicionaban al original e intensificaban su mensaje.
Chopin había nacido en Polonia en Zelazowa Wola, a las afueras de
Varsovia. Hijo de un profesor francés y una madre polaca, recibió de ellos un
fuerte sentido de pertenencia a su tierra y un profundo patriotismo, que lo
acompañó toda su vida. En octubre de 1830 ofreció un recital en Varsovia,
antes de partir en busca de ambientes musicales que le ofrecieran mejores
oportunidades. Sería su última presentación en su patria. Estando en Stuttgart,
en septiembre de 1831, supo de la toma de Varsovia por el ejército ruso y,
según la historia popular (probablemente espuria), su reacción visceral se hizo
escuchar en el Estudio revolucionario que selló la identidad polaca de su música
y que aparecería como último ítem en los estudios del Opus 10. En octubre
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viajó a París. Tenía veintidós años y residiría en la capital francesa durante los
siguientes dieciocho años de su vida, muchos de ellos —entre 1837 y 1847—
transcurrirían al lado de su compañera, la escritora George Sand (seudónimo
de Aurore Dupin). En el transcurso de esta época, se dedicó a la enseñanza
del piano y a tocar en salones artísticos parisinos. Ya desde 1830, Chopin
comenzó a dar muestras de una salud débil, y hay muchos testimonios acerca
de su apariencia frágil y pálida. Ofreció muy pocos recitales públicos a lo largo
de su estancia en París, no más de veinte, y su salud se deterioró rápidamente
a causa de la tuberculosis, luego de un viaje por Londres y Escocia. Chopin
murió de ‘consunción’, la manera de describir la enfermedad en el siglo xix
y la debilitación gradual de quien la padecía. Su música se vio teñida por la
añoranza permanente de una patria que era elusiva.
Si bien en la obra de Chopin se reconoce la influencia de Mozart en el
tratamiento melódico, tuvo mayor impacto sobre su personalidad musical
el estilo brillante de Hummel, Weber, Moscheles y Kalkbrenner, quienes
ejercieron gran influencia sobre el virtuosismo pianístico del siglo xix.
Con sus Estudios, Chopin logró sentar las bases teóricas de la nueva forma
de tocar piano: la técnica, sin importar su nivel de dificultad, debía estar
siempre al servicio del mensaje musical. Mazurca, estudio, nocturno, polonesa
y vals son los géneros que más asociamos con el nombre de Chopin. A su
vez, relacionamos con estos géneros la presencia de un ingrediente lírico
ornamentado que Chopin absorbió de la ópera italiana, más precisamente
del bel canto en las arias de Vicenzo Bellini. La evolución formal de las piezas
breves de Chopin tiende a tener un comportamiento predecible. Luego
de la identificación de una melodía siguen las reelaboraciones de la misma
con lujo de ornamentaciones, redefiniciones armónicas, variaciones sutiles,
marcos técnicos de creciente dificultad e intensificación del mensaje anímico.
La música de Chopin llega al alma de cada uno de sus oyentes de manera
personalizada, cada uno escucha un mensaje afectivo diferente, y de allí su
éxito rotundo.
Los Estudios
El virtuosismo, tema recurrente en la interpretación de los instrumentos
musicales, se convirtió en uno de los aspectos más importantes de la ejecución
en público del repertorio del siglo xix. Durante muchos años, el aprendizaje
de un instrumento musical se realizaba mediante un repertorio adecuado y
escalonado según las capacidades del alumno, con buenas dosis de repeticiones
de escalas y arpegios en todas las tonalidades y, en la mayoría de los casos,
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el estudio de un instrumento complementaba la formación en composición
musical. Pero, en la segunda mitad del siglo xviii, cuando se dio un boom
en la impresión de partituras, los compositores comenzaron a escribir obras
para ser interpretadas por instrumentistas aficionados, por el simple gusto de
hacer música en casa. Se popularizó, entonces, la composición de series de
ejercicios o estudios para los intérpretes, cuyo objetivo principal era solucionar
determinados problemas técnicos y el desarrollo paulatino de destrezas en la
ejecución del instrumento. En el aprendizaje del piano actual, aún se emplean
colecciones de ejercicios de Hanon y Czerny, por mencionar los más usados,
que datan de las primeras décadas del siglo xix. Así, el estudio del piano en el
siglo xix se inició como un ejercicio para los dedos diseñado para lograr una
técnica de gran virtuosismo que satisficiera las exigencias del público, ávido de
admirar prodigios y celebridades. Los temas de los estudios eran algo áridos:
la ejecución de escalas diversas, el desarrollo de la velocidad, el dominio de
la ejecución de intervalos paralelos, el desarrollo de la mano izquierda, etc.
Era usual encontrar ejercicios con pocos atractivos en lo musical y, por lo
tanto, inservibles para los programas de concierto; en general, se trataba de
obras de poco interés musical y de gran potencial para el aburrimiento... Con
Chopin, se estableció la práctica de escribir obras de interés musical mediante
las cuales se podían enfrentar y solucionar problemas de índole técnica. De allí
que sus Estudios sean paradigmas del género y se incluyan en recitales de piano,
pues, ante todo, son obras de arte y no entrenamientos gimnásticos si bien la
destreza necesaria para tocarlos deja boquiabiertos a los oyentes.
Chopin compuso veintisiete estudios, veinticuatro de ellos agrupados en
dos números de Opus, el 10 y el 25. El Opus 25 fue dedicado a Marie d´Agoult,
benefactora del compositor. Los estudios del Opus 10 fueron dedicados al
compositor y pianista húngaro Franz Liszt, y escritos entre 1830 y 1832,
aunque desde la primera publicación no se organizaron en orden cronológico.
Los dos primeros datan del otoño de 1830. El primero es un estudio de
arpegios y, el segundo, uno de acordes con una línea melódica cromática; el
que sigue contrasta por su espíritu sereno y melancólico (se le conoce con el
título de Tristeza) que desaparece con la actividad furiosa del estudio en do
sostenido menor. El quinto limita la mano derecha al uso de las teclas negras
del piano, mientras que el siguiente explora efectos armónicos cromáticos un
tanto sombríos. Aparentemente, el quinto y el sexto fueron escritos antes que
los cuatro primeros. El séptimo, en do mayor, tiene que ver con la repetición
de notas alternadas con el uso de los dedos pulgar e índice. Les siguen el
que está en fa mayor, que es de carácter brillante, con melodías en la mano
izquierda y acompañamientos veloces en la derecha, mientras que su opuesto,
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en fa menor, es dramático con melodías entrecortadas. El estudio en la bemol
mayor se enfrenta a ritmos cruzados, casi atravesados, y el de mi bemol mayor
vuelve sobre el problema de los arpegios, ahora usados como ornamento de
la melodía central. El último, el Revolucionario, ataca dificultades que tienen
que ver con octavas paralelas, y acompañamientos incesantes y endemoniados.
El Opus 25 fue dedicado a la autora Marie d´Agoult, benefactora del
compositor y compañera de Liszt, quien publicaba con el seudónimo de
Daniel Stern. Consta de doce estudios, sin títulos descriptivos, entre los
cuales el número 11 se destaca por la melodía escondida que habita entre el
furor de un acompañamiento agitado y difícil. Por esta razón, se le conoce
con el nombre de Viento de invierno. La mayoría de los estudios del Opus
25 son breves, a excepción de los números 5, 7, 10 y 11, que duran más de
tres minutos y contienen en su estructura secciones contrastantes. Algunos
de estos han recibido títulos descriptivos según los efectos que evocan. En
general, llama la atención la riqueza melódica de los estudios y el ingenio con
que el compositor construye estas pequeñas joyas en miniatura con mandatos
técnicos restringidos. Ejemplo de estos grandes logros es el número 11, que
expone una melodía interna construida a pesar de la actividad continua de
arpegios que ‘sopla’ con furor a su alrededor. A continuación, una breve guía
de las dificultades que tratan los estudios del Op. 25: No. 1, arpegios; No. 2,
tresillos; No. 3, ritmo; No. 4, acordes sincopados en staccato; No. 5, segundas
menores; No. 6, terceras paralelas; No. 7, fraseo en la mano izquierda; No. 8,
sextas paralelas; No. 9, alternancias entre staccato y marcato; No. 10, octavas
paralelas; No. 11, melodías internas, escalas y arpegios; y, No. 12, arpegios.
Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA.
Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional
de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de In-vestigación,
del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservato-rio
de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho
años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una pu-blicación
periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas
de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones
se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX.
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Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra
TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS
Banco de la República 2022
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www.banrepcultural.org/actividad-musical
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Fuente:
Biblioteca Virtual Banco de la República
Formatos de contenido:
Programas de mano