El escritor William Ospina escribió "Pondré mi oído en la piedra hasta que hable" (Penguin Random House), una novela sobre el explorador Alexander von Humboldt. En esta conversación hablamos sobre el viaje, el movimiento y lo que significa hoy en día nuestra superficial conexión con un mundo que parece caerse en pedazos. Ospina, además, apunta sobre la necesidad de aceptar neutra propia fugacidad en un universo terrible y hermoso.

En el marco del Cartagena Festival de Música se realizó el conversatorio "Las mujeres en la música", en él participaron las pianistas Teresita Gómez y Ana María Orduz, la directora Paola Ávila, la violinista Liz García y la violista Sandra Arango. La conversación trata sobre las formas en las que las niñas y mujeres pueden verse representadas en la música clásica.

Ha comenzado una nueva edición del Cartagena Festival de Música. Esta vez el tema es El canto de la tierra: música entre nacionalismo y cosmopolitismo en el siglo XIX. El encargado de abrir el Festival fue el pianista ruso Dmitry Shishkin quien con una interpretación sublime de Chopin nos hace preguntarnos sobre el amor y las formas de romper el silencio.

La directora española dirige "Alcarrás" una historia sobre la familia y la tierra. Las preguntas sobre las relaciones y los puntos de vista de los integrantes de un hogar son determinantes en esta obra aplaudida.

Michał Francuz nació en 1980 en Szczecin, Polonia y se graduó de la Escuela Secundaria Estatal de Música Feliks Nowowiejski de Szczecin, donde estudió piano con el Dr. Mikołaj Szczęsny. Continuó su formación en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznań, donde fue alumno de Waldemar Andrzejewski. Desde 2010 es profesor del Departamento de Música de Cámara de dicha academia. Ha colaborado con casi todas las grandes orquestas filarmónicas y de cámara polacas, así como con la Sinfonía Varsovia, la Orquesta Baltic Neopolis, la Orquesta Feelharmony, la Orquesta Colegium F, la Orquesta de Cámara l’Autunno, y con instituciones como el Teatro Wielki de Poznań, el Teatro Polski y el Teatro Kameralny de Szczecin y la Ópera Báltica de Gdańsk, al igual que con la Sociedad Musical Henryk Wieniawski de Poznań. Es coautor de varios proyectos de música de cámara; ha participado en diversos festivales internacionales, entre ellos, Les Folles Journes Chopin - Chopin Open en Varsovia, Cinquieme Festival Culturel International de Musique Symphonique en Argelia, Festival Lubomirski en Polonia y Ucrania, entre otros. Ha dado numerosos conciertos en la Mansión de Chopin en Żelazowa Wola y en el Palacio Real de los Baños de Varsovia. En mayo de 2015 debutó en el Carnegie Hall de Nueva York. En 2019 publicó el álbum ‘Polskie Sonaty Skrzypcowe’ (Sonatas polacas para violín), que grabó con Bartek Nizioł. En 2020 lanzó el álbum grabado con Joanna Konarzewska y Rafał Kwiatkowski. En el mismo año, se unió a Śląski Quartet para grabar un trío y un cuarteto de piano de Władysław Żeleński. Ha realizado varias grabaciones para la radio y la televisión polacas; fue pianista oficial del XV y XVI Concurso Internacional de Violín Henryk Wieniawski de Poznań.

Jueves 18 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Daniel Molano · PULEP: IMG188 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JAIME BENJUMEA (Colombia) guitarra SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos Jóvenes Compositores 2023 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea • Ilustración: Kilka Diseño Gráfico ¡Convocatoria Jóvenes Compositores 2023! 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Jaime Benjumea, guitarra Es uno de los guitarristas más sobresalientes y destacados de su generación con una amplia trayectoria nacional e internacional. Inició sus estudios musicales a los cuatro años y se graduó con honores de los programas de pregrado y maestría en música con énfasis en guitarra clásica de la Universidad EAFIT. Realizó estudios académicos en KASK & Conservatorium, School of Arts Gent (Bélgica) bajo la tutoría de Johan Fostier e Yves Storms. Asimismo, ha recibido clases magistrales con maestros internacionales, entre los que se destacan Gabriel Bianco, Rémi Jousselme, Alberto Mesirca, Fabio Zanon, João Luiz, Michael Newman, Jeffrey McFadden, Guilleme Pérez Quer y Luis Orlandini. Jaime también ha participado activamente en diferentes seminarios, festivales, concursos y conciertos en países como Estados Unidos, Holanda, Alemania, Bélgica, Argentina, Perú, Uruguay y Bolivia. En 2018 actuó como solista junto con la Orquesta Sinfónica EAFIT interpretando el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Ha dado conciertos en el marco de festivales como el III Festival Internacional de Guitarras de Salta (Argentina) en 2020, V Encuentro Internacional Guitarras en el Illimani (La Paz, Bolivia) en 2021, I y II Encuentro Internacional de Guitarra EAFIT (Medellín, Colombia) en 2017 y 2018, y en el II Encuentro de diapasones y cuerdas del mundo (Villavicencio, Colombia) en 2022. Ha sido merecedor de varios premios en concursos de guitarra clásica a nivel nacional e internacional como el VIII Concurso Nacional para Jóvenes Guitarristas en el marco del X Encuentro Internacional de Guitarra Compensar (Bogotá, Colombia) en 2016, II Concurso Internacional de Guitarra Clásica (Cochabamba, Bolivia), y V Concurso Internacional de Guitarra Clásica organizado por la Escuela de Música y Audio Fernando Sor (Bogotá, Colombia) en 2017, Concurso Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica de EAFIT en 2018 y V Concurso Nacional de Guitarra Uni-Quindío Guit-Art Festival (Armenia, Quindío) en 2021. 2 Conozca más acerca de Jaime Benjumea Jaime_Benjumea @jaimebenjumea_guitarist 3 PROGRAMA Fantasía, P1a (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Transcripción para guitarra de Jaime Andrés Benjumea (n. 1996) Sonata para violín No. 1 en sol menor, BWV 1001 (1720) Adagio Fuga Siciliana Presto JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para violín Transcripción para guitarra de Manuel Barrueco (n. 1952) Gran sonata eroica, Op. 150 (1821) MAURO GIULIANI (1781-1829) INTERMEDIO Bambuco en mi menor (1967) ADOLFO MEJÍA (1905-1973) Vendaval (2005) BERNARDO CARDONA (n. 1965) Sonata del caminante (2009) Visión de la Amazonia El gran desierto Danza festiva Tocata nordestina LEO BROUWER (n. 1939) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña La guitarra habita muchos mundos; eso la ha hecho tan amada como despreciada en su paso por la historia y, al mismo tiempo, es lo que la hace capaz de contarnos historias tan variopintas como pocos instrumentos pueden. Su voz se escucha en escenarios tan lejanos como actuales, tan académicos como populares, tan urbanos como bucólicos, lo que dificulta escapar de sus ecos. Con ella se pueden contar relatos que nos hagan bailar en una corte renacentista, en un banquete imperial, en un salón neogranadino, en un malecón caribeño o en una festa junina al nordeste de Brasil, sin temor a los límites del tiempo o de la geografía. A Fancy: Aunque John Dowland (1563-1626) es ahora una de las figuras ineludibles en el repertorio para guitarra y laúd —el último para el cual fue compuesta esta pieza—, su vida no vio el triunfo tan fácilmente: fue rechazado, contratado, solicitado y despedido por cortes de la corona inglesa, una y otra vez. El gozo que sentía por componer y tocar siempre estuvo escoltado por un carácter apesadumbrado que parecía disfrutar de la compañía del dolor; su música nunca escapó de esta dualidad, es el caso de la Fantasía que escucharemos hoy, en la que esta congoja fue traducida, de algún modo, en un afecto más jovial. A Fancy, o Fantasía, P1a, según el catálogo de Diana Poulton, es una muestra de la imposibilidad de reducir los géneros musicales a una sola forma. Esta tiene, por lo menos, dos versiones, como solía suceder en aquel entonces cuando pensar en una obra cerrada e inmodificable no cabía en el quehacer musical, y nos muestra todo lo que puede llegar a ser una fantasía. Podemos ver la libertad que, a partir de sus múltiples secciones, permite que la polifonía y el contrapunto imitativo convivan con lo que pareciera un aire o una canción popular acompañada por un laúd. Logra que los recursos más sutiles del instrumento dialoguen con lo que pareciera una fanfarria, más emparentada con un instrumento de viento en un contexto bélico, que con aquel instrumento de cuerda pulsada que tocaban los ángeles en los lienzos. La relación de Johann Sebastian Bach (1681-1750) con el laúd es efímera, pero no por eso desdeñable, y se reduce a conexiones profesionales con laudistas como Sylvius Leopold Weiss, Johann Kropffgangs o Christian 5 Weyrauch, este último también abogado y responsable de las tablaturas que contienen la muy reconocida Suite BWV 997 y la Fuga BWV 1000. La Fuga mencionada alberga uno de esos ejercicios por los que se suele condenar a los compositores, pero que, en realidad, han sido prácticas asiduamente visitadas, podría decirse, por todos: el autoplagio. Ese hábito que hoy se evita a como dé lugar, pero que otrora era pan de cada día y, sí, una herramienta para aquellos que estaban amarrados y su supervivencia se veía limitada a la entrega periódica de sus creaciones, además de una búsqueda constante de mejores oportunidades laborales. Dicha fuga no es más que la extracción y revisión del segundo movimiento de la Sonata BWV 1001 para violín solo (sin acompañamiento) que el ahora amo del Barroco compusiera hacia finales de 1720, durante su estancia como maestro de capilla en Köthen. Se trata de una sonata da chiesa, es decir, y a muy grandes rasgos, una sonata que solía ser tocada en contextos litúrgicos y alternaba, como era habitual, movimientos de caracteres y procedimientos compositivos contrastantes. Hoy escucharemos la transcripción que realizó el guitarrista Manuel Barrueco; un ejercicio que no ha de pasar desapercibido ni debe darse por sentado, pues, al tratarse de una pieza que fue originalmente compuesta para un instrumento melódico, sin acompañamiento armónico, las decisiones de este último han de ser tomadas por quien se embarque en la valiente labor de la traducción. Gran Sonata Eroica: Mauro Giuliani (1781-1829) nació y murió en Italia, pero gran parte de su vida profesional la llevó como músico de la cámara de la princesa María Luisa, archiduquesa de Austria, y su fama excedió el Imperio Austrohúngaro, llegando hasta Francia. Fue admirado por compositores como Niccolò Paganini, Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, e incluso fue chelista en el estreno de la Sinfonía No. 7 del último. Y, tal vez, queriendo seguir el ejemplo del genio de Bonn y su Sinfonía No. 3 'Eroica', Giuliani se lanzó, como siempre sin miedo a los lindes de la estética contemporánea, a escribir una pieza «de grandísima amplitud y con un estilo nunca antes conocido», como le escribió a Giovanni Ricordi en 1821, quien, a su vez, sería el encargado en publicarla de manera póstuma en 1840. En cualquier caso, es una pieza ciertamente particular, empezando por el hecho de haber sido escrita en un solo movimiento, a pesar de titularse Gran Sonata Eroica, ese género que imperó en el siglo xviii, pero que normalmente contaba con tres movimientos contrastantes. 6 Los contrastes están, eso sí, aunque siempre desafiando las normas de sus contemporáneos y haciendo gala de una poética que no soltaba del todo el gusto por el orden y las formas de la Ilustración, pero que miraba hacia un futuro en donde la libertad y la expresión de todas las facetas de las pasiones humanas volviera a regir la creación musical. Mauro Giuliani, siempre un calmo transgresor, personifica el espíritu de la época en la que fue celebrado y su música nos narra la historia de aquel periodo lleno de contradicciones. Bambuco en mi menor: Yo vengo de un presente sin ayer ni mañana para vivir muriendo me he vuelto temporal. Porque vivo muriendo renazco a cada instante, viajero de mí mismo en pos de mi final. El tiempo y yo marchamos en dirección opuesta yo busco mi ventana él busca mi total.1 Así se describía, en verso, el hijo adoptivo de Cartagena, como llamaron a Adolfo Mejía Navarro (1905-1973), un compositor, poeta, pintor y en general humanista que dedicó su vida al arte. Con un padre orfebre y músico, y una madre que lo impulsó a una vida de búsquedas estéticas, se insertó en el mundo musical desde muy temprana edad, tocando la guitarra, la flauta y el piano. Más tarde continuaría su labor creativa con obras de diversas naturalezas y acercando dos mundos que, por lo menos en Colombia, no eran aceptados como una pareja en muchos círculos intelectuales: la música popular y la académica. Su Bambuco en mi menor para guitarra logra este diálogo, aunque tiene mucho más del espíritu tradicional que el de un lenguaje vanguardista, y es una de esas piezas que se comportan amables y agradecidas con quienes la tocan y la escuchan, pues, a pesar de sus complejidades técnicas, fue escrita 1 Tomado de: https://www.youtube.com/watch?v=KGzSntvW3EI (Restrepo y Likosova, 2005) 7 en un lenguaje completamente idiomático que habla desde la guitarra y sus posibilidades. Vendaval: La música del Caribe colombiano entró muy recientemente al canon sonoro nacional. Antes de los años cuarenta, los sonidos de las costas eran repudiados y mirados con desdén frente a los llamados ‘aires nacionales’ como el bambuco y el pasillo, que, por tener una herencia europea evidentemente trazable, eran ya, en aquel entonces, plenamente aceptados como símbolo patrio. Nadie se esperaba, eso sí, que un carmero como Lucho Bermúdez llegara con su clarinete y encantara a las altas sociedades del interior con su orquesta, abriendo una ventana enorme para quienes vendrían. Actualmente, hay varios compositores que tomaron el relevo en un ámbito más académico, por ejemplo, Bernardo Cardona (n. 1965), guitarrista y compositor antioqueño, quien también se ha preocupado por poner en diálogo a estas dos esferas. En este espíritu, compuso las Cinco piezas costeñas: «Este grupo de piezas busca plasmar en la guitarra solista el sabor propio de algunas músicas bailables populares procedentes de varias regiones de la Costa Atlántica colombiana» (Cardona, 2011, p. 173). Y continúa, a propósito de Vendaval: «…aparecen algunas variantes de los ritmos, acompañamientos, inflexiones melódicas y texturas procedentes de versiones orquestales de músicos como Lucho Bermúdez y Pacho Galán, entre otros» (ídem). Sonata del caminante: Sería arriesgado, mas no del todo errado, decir que Leo Brouwer (n. 1969) puede ser actualmente el compositor más tocado por guitarristas — estudiantes y profesionales—: más que todos los grandes como Giuliani, Fernando Sor, Joaquín Rodrigo o Heitor Villa-Lobos. Y es que el lenguaje con el que compone el cubano es tan suyo como de todos, esto hace difícil dejar de sentirse atraído por alguna de sus piezas que pueden hacer magia con las cuerdas al aire, así como con digitaciones y vericuetos solo aptos para los más virtuosos. La Sonata del caminante pertenece a este último grupo, pues la compuso para Odair Assad, el brasilero que, junto con su hermano Sergio, son ya leyendas vivientes. En palabras del compositor: La Sonata del Caminante fue compuesta en pocos días para Odair Assad. La composición es como un parto, con dolor, esfuerzo y gozo, pero en este caso, todo fue orgánico. Pensar y hacer eran lo mismo. Lo que es un reto para cualquier 8 guitarrista virtuoso, es ordinario para Odair… Temáticamente no van a encontrar en la Sonata del Caminante melodías dulces, ni graciosas batucadas; si hubo algo que quise encontrar, fue ‘intensidad’. Espero haber tenido éxito en ello2 (Brouwer, citado en Chamorro y González, 2014). Referencias bibliográficas y audiovisuales Cardona, J. (2011). Influencia de la música costeña en Medellín. Análisis musicológico de las 5 piezas costeñas para guitarra de Bernardo Cardona Marín. Artes la revista. 10(17), 159-185. Tomado de: https://revistas. udea.edu.co/index.php/artesudea/article/view/24308/19858 Chamorro, P. y González, P. M. (2014). Leo Brouwer: Music for bandurria and guitar. [CD]. Alemania. Naxos Rights US, Inc. Restrepo, H. y Likosova, G. (2005). Viajero de mí mismo. [Documental de Youtube]. https://www.youtube.com/watch?v=KGzSntvW3EI Daniela Peña Jaramillo. Es guitarrista clásica de la Pontificia Universidad Javeriana. Actualmente participa, con la guitarra barroca y la tiorba en el Ensamble Barroco de Bogotá y se encuentra realizando un doctorado sobre el primer libro para laúd de Vincenzo Galilei, en la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha escrito reseñas para la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y ha colaborado con la revista El Malpensante. 2 Traducción realizada por Daniela Peña Jaramillo 9 Foto: Laura Daniela Muñoz González Foto: Chelo Camacho Concierto de Quinteto Vástago (Colombia), quinteto de maderas Jueves 1 de junio de 2023 6:30 p.m. Concierto de Santiago Duque (Colombia), piano Jueves 8 de junio de 2023 6:30 p.m. 10 Juanita Lascarro, cantante · Foto: Diana Karch TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

«El Cuarteto Simply no toca ‘delante de’, sino, explícitamente, ‘para’ su público, lo que hace que todos se sientan interpelados». Estas palabras, utilizadas por el ‘Süddeutsche Zeitung’ en junio de 2022, describen acertadamente una de las muchas facetas del Cuarteto Simply, que lo convierten en un cuarteto excepcional. «De la filosofía china procede la idea de un gran todo en el que los opuestos dependen los unos de los otros y al mismo tiempo se complementan. Partiendo de esta idea, combinamos complejidad y simplicidad. Somos cuatro individuos diferentes, pero juntos damos forma al cuarteto de cuerda; a la música de cámara, un género de la realeza». El Cuarteto Simply busca continuamente una comprensión profunda del lenguaje inherente a la música: desde las primeras obras clásicas hasta la literatura moderna para cuarteto de cuerda. Los integrantes ponen gran énfasis en combinar las tres culturas en las que se inspiran —china, austriaca y noruega—, para desarrollar un lenguaje musical propio; mediante la exploración de obras de cada una de sus culturas, profundizan en su conocimiento de mundos sonoros diferentes. Fundado originalmente en Shanghai bajo los auspicios de Jensen Horn- Sin Lam, el cuarteto se trasladó a Viena para explorar intensamente la esencia y los orígenes de la interpretación en cuarteto. El conjunto estudia con Johannes Meissl en el Instituto Joseph Haydn de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Además, ha logrado enriquecer su trayectoria con valiosas experiencias que nacen de sus años en la Academia Europea de Música de Cámara y se ha visto influenciado por la clase de Günter Pichler en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, en la que participó en 2020 y 2021. El cuarteto ya ha sido galardonado con cuatro primeros puestos en renombrados concursos de música de cámara: el Concurso Internacional Carl Nielsen, de Copenhague; el Quatuor á Bordeaux, en 2019; el concurso Franz Schubert y la música de la modernidad, de Graz, en 2018, y el Concurso Internacional de Música de Cámara Joseph Haydn, en Viena, en 2017. En la Konzerthaus de Viena, el Cuarteto Simply formó parte del programa de Grandes Talentos (2020-2022), y en la temporada 2021/2022 fue uno de los conjuntos seleccionados de la serie ECHO Rising Stars, con estrenos en la sala de conciertos del BOZAR en Bruselas, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Palau de la Música Catalana y la Elbphilharmonie de Hamburgo, y con las orquestas filarmónicas de Luxemburgo y París. Danfeng Shen toca un violín de Giovanni Battista Guadagnini de 1753, que está a su disposición gracias a un generoso préstamo de Merito String Instruments Trust GmbH. Antonia Rankersberger toca un violín de Camillo Camilli de 1736 (Mantua), puesto a su disposición por el Banco Nacional de Austria.

El Quinteto Talim reúne a un vibrante grupo de solistas clásicos indios con un sonido amplio, diverso y poderoso. La paleta tímbrica colorida del ‘sitar’, el ‘sarod’ y el violín, rodeada por los ritmos melódicos de la tabla, está arraigada en la tradición de la música clásica hindustani que cada músico heredó a través de linajes antiguos. La palabra ‘talim’ se traduce como ‘entrenamiento’ o ‘educación’, transmitida de un Gurú a su discípulo. La expresión pura de esta transmisión es el estándar que cada uno de los artistas en este conjunto se esfuerza por lograr. Juntos, representan más de un siglo de ‘talim’. Si bien la tradición de la música india es esencialmente improvisada, debido a que los integrantes del ensamble han colaborado juntos durante más de una década, han desarrollado un sonido cohesivo y unificado, aunque dejando espacio para que cada voz brille individualmente. Herederos de algunos de los músicos indios más célebres del siglo xx (Ustad Ali Akbar Khan, Pandit Swapan Chaudhuri, Sisirkana Dhar Chowdhury), estos artistas comparten sus tradiciones con el mundo moderno con integridad e ingenio. El resultado es una meditación, poderosa y emocional, sobre la música misma, evocando, en igual medida, las sensaciones de paz y de euforia.

Ensamble de instrumentos de vientos conformado en 2021 por integrantes y exintegrantes de la Banda Municipal de Manizales que buscan generar espacios de interacción musical diferentes al estilo habitual de los movimientos de música de cámara. Con su formato poco convencional, que integra al saxofón soprano, esta agrupación cuenta con una sonoridad particular y una propuesta vanguardista. El quinteto ha tenido gran acogida en la escena musical nacional. Fueron ganadores en la categoría universitaria del Festival de Música de Cámara organizado por Iberacademy en 2021, que se llevó a cabo en El Retiro, Antioquia, y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes en 2023. La agrupación también ha tenido la oportunidad de participar en conciertos realizados en diferentes espacios de Manizales, como el auditorio del Centro Cultural Universitario Rogelio Salmona y el auditorio de Bellas Artes de la Universidad de Caldas.

La Mayor y la Menor es un dueto vocal infantil femenino integrado por las hermanas María Clara y Sara Lucía Saboya, quienes, desde temprana edad, han tenido un contacto natural con la música debido a su entorno familiar y al Centro Cultural y de Formación Artística La Casa de la Música de Tunja, en donde adelantan sus estudios musicales. Sus principales maestros han sido su padre, el guitarrista Daniel Saboya, quien es también el director musical del dueto, y la soprano Elizabeth Patiño, su maestra de canto. Desde 2018, año de su conformación, el dueto ha obtenido varios reconocimientos nacionales e internacionales, siendo el más reciente la selección para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República de Colombia, para actuar en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos 2023. El dueto fue merecedor en 2022 del primer puesto en la categoría Dueto Vocal Infantil del Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ y del Programa Departamental de Estímulos y Fomento Cultural de Boyacá, en las categorías de circulación nacional y Boyacá Reactiva la Cultura; en 2021 del Gran Cuyabrito de Oro y del primer puesto en la categoría Dueto Vocal en el marco del Festival Cuyabrito de Oro, así como de la Beca para la realización de conciertos didácticos del Ministerio de Cultura de Colombia; en 2020 del primer puesto en el Festival Colombia Canta y Encanta y, en 2019, de la Beca de Circulación Internacional del Conservatorio José María Rodríguez de Cuenca (Ecuador), entre otros. Individualmente, las integrantes del dueto han sido merecedoras de diferentes premios. María Clara, ‘La Menor’, obtuvo el primer lugar en la interpretación de la obra inédita ganadora del Cuyabrito de Oro en 2021; hizo parte del Coro Nacional Virtual 2020 y 2021, participando en las producciones ‘Colombia tierra querida’ y ‘Amo esta tierra’; actualmente, se encuentra adelantando su proyecto titulado Encanto y sabor, que integra música y recetas para las familias. Por su parte, Sara Lucía, ‘La Mayor’, becaria del programa Cakike – Xtraordinario, ha obtenido premios internacionales como guitarrista, dentro de los que se destaca el primer puesto en el marco de la Competencia Internacional New Generation en 2020 (Rusia) y el tercer puesto en el Concurso Internacional Promesas de la Guitarra en 2021 (Costa Rica). Asimismo, ha sido ganadora del premio Pablo Hernán Rueda Ciudad de Cajicá en 2022, y obtuvo en 2021 el primer puesto en la categoría instrumental Cuyabrito de Oro. Diversos escenarios y eventos han acogido al dueto La Mayor y La Menor; dentro de estos se destacan el Conservatorio Superior José María Rodríguez en Cuenca, Ecuador; en Bogotá, el Teatro Colón, el Centro Cultural Old Mutual, el Teatro El Parque, el Teatro Libélula Dorada, el lanzamiento del Primer Simposio Internacional del Animalito Liberao en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, el Foro Latinoamericano de Educación Musical (FLADEM); en Mariquita, Tolima, el Coliseo Humatepa; en Villa de Leyva, la Casa Museo Antonio Nariño; en Tunja el Teatro Mayor Bicentenario y, en Cajicá, en el Centro Cultural.