JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: IUP477 Foto: Grzegorz Ryński Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo P El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. Para acceder a esta tarifa debe presentar la boleta del concierto al momento de realizar el pago por el servicio de parqueadero. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected]. co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 JOSEPH-MAURICE WEDER piano Joseph-Maurice Weder ingresó al Musikhochschule en Basel a los doce años, bajo la guía del profesor Adrian Oetiker. Entre 2011 y 2015 estudió con Filippo Gamba y asistió a clases magistrales con Piotr Anderszewski, Dmitri Alexeev, Homero Francesch y Louis Lortie. Desde que inició su carrera internacional, al ganar el premio Swiss Ambassador y debutar en el Wigmore Hall de Londres en el 2013, rápidamente cautivó las audiencias de los públicos más exigentes en Europa. Weder se ha presentado en numerosas salas de concierto como la Berliner Phillharmonie, el Miskverein y la Wiener Konzerthaus en Vienna y el Wigmore Hall de Londres. Como solista se ha presentado con la Südwestdeutsche Philharmonie, la orquesta de cámara de la Filarmónica de Kazajistan, la Sinfonieorchester Basel, la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de Brasília, la Orquesta de Cámara de Bratislava y la orquesta de cámara de la Filarmónica de Bavaria. Adicionalmente, Weder ha realizado giras por Sur América, actuando en Brasil, Argentina, Colombia, Perú, Ecuador y Uruguay; y por Europa, presentándose en Alemania, Italia, España, Noruega y Suiza. En música de cámara, Joseph-Maurice Weder ha actuado junto a artistas como Gautier Capuçon, Nelson Goerner, Kian Soltani, Marc Bouchkov y Pedro Franco-López. En el 2016, acompañó en el piano a Raquele Magalhães y a la soprano Petra Froese. Su variada discografía incluye discos de los conciertos de Chopin en versión para ensamble de cámara para el sello alemán Oehmsclassic; el Concierto para piano No. 3 de Beethoven con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava en Eslovaquia en el 2007; y el álbum The London Recital, grabado en vivo en el Wigmore Hall, que incluye sonatas de Schubert y Barhms. Su grabación más reciente, dedicada a obras de Liszt y Schumman, fue producida para el sello alemán MDG. Este concierto cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Seis bagatelas, Op. 126 (1824) Andante con moto, cantabile e con piacevole Allegro Andante, cantabile ed espressivo Presto Quasi allegretto Presto - Andante amabile e con moto LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Tres piezas de Im Labyrinth (2002) Wolken vor dem Mondlicht Zwiespalt Kathedrale BALZ TRÜMPY (n. 1946) INTERMEDIO Sonata para piano 1.X.1905 (1905) Predtucha Smrt LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Sonata No. 3 en fa menor, Op. 5 (1853) Allegro maestoso Andante espressivo Scherzo. Allegro energico - Trio Intermezzo. Andante molto Finale. Allegro moderato ma rubato JOHANNES BRAHMS (1833-1897) CONCIERTO No. 20 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Los orígenes del piano como instrumento se pierden en el pasado lejano, cuando los humanos descubrieron que tensar una cuerda atada a la rama de un árbol no solo servía como arco para lanzar flechas y mejorar sus posibilidades como cazadores sino que, además, la cuerda de su arco producía un sonido. Más tarde también descubrieron que la longitud y espesor de la cuerda afectaba la altura del sonido producido. Con los elementos anteriores, los fundamentos del arpa, el primer instrumento de cuerdas tensadas, ya estaban dispuestos. La existencia del arpa permitió la construcción del clavecín, cuyas cuerdas tienen un mecanismo análogo para tañer, como también la invención del piano, en el cual se produce el sonido por el golpe de martillos contra las cuerdas. El piano moderno tiene su antecedente inmediato en el trabajo de Bartolomeo Cristofori (1655-1731), constructor de instrumentos, quien trabajó para la corte de los Medici en Florencia. El piano evolucionó a partir de los modelos de Cristofori y rápidamente desplazó al clavecín gracias, principalmente, a que podía producir una gama más amplia de dinámicas, desde muy suave a muy fuerte, por lo que podía ser utilizado tanto en los espacios amplios de las salas de concierto como en los espacios pequeños del hogar. Para inicios del siglo xix el piano había sido acogido con gran entusiasmo por los compositores. Una muestra de esa valoración es la siguiente carta de Beethoven, del 3 de febrero de 1818, al constructor de pianos Broadwood, agradeciéndole el regalo de un piano de cola que le había sido enviado a Viena en diciembre de 1817. Jamás sentí un placer mayor que el que me causa el anuncio de la llegada de este piano, con el que me honra como regalo. Lo consideraré como un altar sobre el cual depositaré las más bellas ofrendas de mi espíritu al divino Apolo. Tan pronto como reciba su excelente instrumento, le enviaré inmediatamente los frutos de los primeros momentos de mi inspiración para que sirvan como un recuerdo de parte mía para mi querido B. Espero que sean dignos de su instrumento. Mi querido señor y amigo, acepte mi más cálida consideración, de parte de su amigo y muy humilde servidor, Louis Van Beethoven1. (Beethoven, Kalischer, Shedlock, & Hull, 1926, p. 249. Trad. G. Gaviria). 1 J’amais je n’eprouvais pas un plus grand Plaisir de ce que me causa votre Annonce de I’arrivée de Cette Piano, avec qui vous m’honorèe de m’en faire présent, je regarderai Comme un Autel, ou je deposerai les plus belles offrandes de mon Esprit an divine Apollon. Aussitôt Comme, je recevrai votre Excellent instrument, je vous enverrai d’en abord les Fruits de I’inspiration des premiers moments, que j’y passerai, pour vous servir d’un Souvenir de moi à vous mon très cher B., et je ne souhaits ce que, qu’ils soient dignes de votre instrument. Mon cher Monsieur et ami recevés ma plus grande Consideration de votre ami et très humble serviteur. Louis van Beethoven. 4 Las obras incluidas en el recital presentan en su primera parte dos series de piezas cortas y en la segunda dos obras de gran formato, sonatas. Precisamente, el recital se inicia con las Seis bagatelas, Op. 126 de Ludwig van Beethoven (1770-1827), probablemente compuestas en el piano Broadwood, seguidas por una selección de Im Labyrinth (El laberinto) de Balz Trümpy, una colección de veintiún piezas, un poco a la manera del Álbum de la juventud de Robert Schumann, de acuerdo con el compositor. Ludwig van Beethoven compuso en total veintiséis Bagatelles, veinticuatro como parte de los Op. 33, 119 y 126, y dos publicadas separadamente, entre ellas la muy conocida Für Elise (Para Elisa), que fue escrita alrededor de 1810. El Op. 33, publicado en 1803, comprende siete Bagatelles, algunas de ellas compuestas varias décadas atrás. El Op.119 presenta once piezas, de las cuales los números siete al once fueron compuestas en 1820 para la academia de piano Wiener Pianoforte-Schule de Friedrich Starke. Las restantes seis son piezas escritas en años anteriores, recolectadas para incluirlas en este opus. El término bagatelle, bagatela en castellano, genéricamente hace alusión a una «cosa de poca importancia o valor». Según el Diccionario Grove es «una breve pieza de música en una vena ligera. El título no implica una forma específica» (Brown, 2001). El término apareció por primera vez como el nombre de una de las piezas de una suite de Marin Marais (1656-1728), publicada en París en 1692. «Desde Beethoven la bagatela usualmente ha recibido título descriptivo, y la mayoría de las veces los compositores las han publicado en grupos o series» (Brown, 2001). En cuanto a las del Op. 126 de Beethoven, Otto von Irmer, en los comentarios de la edición Henle de 1975, señala que: Hay tres bocetos que datan de diferentes tiempos y una copia fiel, que muestra cuánto ocuparon estos trabajos la atención de Beethoven. Las concibió como un ciclo (es decir, para ser interpretadas consecutivamente), como puede verse en la siguiente anotación marginal del boceto de la primera Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Ciclo de pequeñas piezas). Beethoven escribió a Schott que estas Bagatelas “son probablemente las mejores que he escrito”2 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). 2 Of these Bagatelles we have three sketches dating from different times and a fair copy, which shows how very much these works occupied Beethoven’s attention. He intended them as a cycle (i. e. to be played consecutively), as can be seen by the following marginal annotation on the sketch of the first Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Cycle of little Pieces). Beethoven wrote Schott that these Bagatelles “are probably the best I’ve written”. 5 Este comentario probablemente está relacionado con las palabras que el editor Peters Verlag había dicho de las piezas del Op. 119 «Sus piezas no valen nada y debe considerar que no es digno que pierda el tiempo con tales trivialidades que cualquiera puede escribir»3 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). Balz Trümpy (n. 1946) estudió en la Academia de Música de Basilea con especialización en piano, teoría musical y composición. Fue asistente de Luciano Berio entre 1975 y 1978, y durante el mismo período recibió varias comisiones de investigación del IRCAM en París. Desde 1979 hasta su jubilación en 2011, fue profesor de teoría musical y composición en la Hochschule für Musik de Basilea. Sus composiciones se han presentado en festivales en Donaueschingen, las Jornadas Mundiales de la Música ISCM, el Festival de Davos y en el Festival de Lucerna, entre otros. En mensaje al autor de estas notas, Trümpy comenta acerca de su obra: La colección contiene 21 piezas de piano de diversos grados de dificultad en el estilo del Álbum para la juventud de Schumann. Los títulos se pueden entender en el sentido de piezas de personajes románticos, a pesar de que están compuestos en un lenguaje musical contemporáneo. Labyrinth fue escrita y dedicada a la clase de piano de Yvonne Troxler4 (B. Trümpy. 2018. Trad. G. Gaviria). La pianista Yvonne Troxler, a quien está dedicado el ciclo, nació en Suiza, pero vive en Nueva York. Como maestra, a Troxler le gusta trabajar con una variedad de estudiantes de todos los niveles y edades. «Siempre estoy muy entusiasmada con las diferentes personalidades que veo cuando enseño. Y me gusta descubrir dónde está la pasión de cada estudiante. Allí es donde creo que realmente comienza el aprendizaje, cuando sucede con pasión» (Bloomingdale School of Music, 2018). Las piezas en el programa de autoría de Trümpy son: Kathedrale (Catedral), que tiene la indicación lento y pesado, se inicia con una alusión lejana a La catedral sumergida de Debussy; Wolken vor dem Mondlicht (Nubes frente a la luz de la luna), que oscila entre el tempo lento y aceleraciones con rubato y alterna pasajes armónicos con otros en contrapunto a dos voces; y Zwiespalt (Desacuerdo), que emplea una textura en dos líneas. Para Trümpy, la composición representa 3 “Your pieces are not worth the money and you should consider it beneath your dignity to waste time with such trivia that anyone can write.” 4 Die Sammlung enthält 21 Klavierstücke von verschiedenen Schwierigkeitsgraden in der Art von Schumanns Album für die Jugend. Die Titel können durchaus im Sinne von romantischen Charakterstücken verstanden werden obwohl sie in einer zeitgenössischen Musiksprache komponiert sind. Im Labyrint wurde geschrieben für die Klavierklasse von Yvonne Troxler und ist ihr gewidmet. 6 la «posibilidad de transportar algo de otras dimensiones a nuestra realidad de tiempo y espacio»5 (Trümpy, 2016. Trad. G. Gaviria). La segunda parte del recital se inicia con una sonata de Leoš Janáček (1854-1928), cuya motivación se originó el 1° de octubre de 1905, cuando los residentes de habla checa de Brno, entonces parte del imperio austro-húngaro, se tomaron las calles exigiendo la creación de una universidad checa en la ciudad. Los residentes de habla alemana de Brno, recelosos del poder checo, organizaron una contra-protesta. El gobierno envió tropas y František Pavlík, un trabajador de veinte años, murió como resultado de una herida con bayoneta. Leoš Janáček, quien estuvo presente en la protesta, compuso poco tiempo después, como tributo a la revuelta y a Pavlík, la Sonata para piano 1.X.1905. Ludmila Tučková estrenó la sonata en Brno el 27 de enero de 1906. La obra tenía tres movimientos, pero durante los ensayos Janáček quemó el último diciendo que era una «marcha fúnebre pesimista». Luego, tampoco se sintió cómodo con los otros dos movimientos y los lanzó al río Vltava. Sin embargo, Tučková había copiado secretamente los primeros dos movimientos y en 1924, el año de las celebraciones del cumpleaños número setenta de Janáček, los tocó en homenaje al compositor. Janáček, permitió la publicación de la pieza y escribió una nota corta como programa: La escalera de mármol blanco del Besední dum en Brno. Un simple trabajador František Pavlík cayó allí, manchado de sangre. Solo vino a demostrar su entusiasmo por la educación superior y fue asesinado por crueles homicidas. Leos Janáček 6 (Tyrrell, 2011. Trad. G. Gaviria). En su estreno la pieza se anunció como From the Street 1 October 1905, que luego se acortó en la publicación como 1.X.1905. Brno finalmente tuvo su universidad en 1919, la Universidad Masaryk, que otorgó su primer doctorado honorario a Janáček. La ceremonia se realizó el 28 de enero de 1925 y en el diploma se enuncian las razones para el doctorado honoris causa en filosofía: teniendo en cuenta que Tan brillante creador de música ha obtenido grandes logros para la cultura de su nación, inventado un nuevo tipo de ópera, revivido el canto coral, creado numerosas obras sinfónicas, incorporado elementos nuevos y originales al arte contemporáneo de la música y siguiendo los pasos de sus predecesores se ha dedicado incansablemente a estudiar, explorar y coleccionar las canciones 5 Possibility to transport something from other dimensions into our reality of time and space. 6 The white marble staircase of the Besední dum in Brno. A simple worker Frantisek Pavlik fell there, stained with blood. He only came to demostrate his enthusiasm for higher education and was kulled by cruel murderers. Leos Janacek. 7 populares de Moravia7 (Diario de Capital Municipal Provincial de Brno No. 2, 1925, p. 29. Trad. G. Gaviria). En The Sonata Since Beethoven, William S. Newman afirma que «cuatro maestros sirven como el punto focal de esta época [Romanticismo]: Schubert, Chopin, Schumann y Brahms» (1969, 109), subrayando que: Si algún compositor se puede ubicar como el primero después de Beethoven ciertamente debe ser Johannes Brahms (1833-1897) […]. Ningún otro compositor prestó tanta atención a los problemas de la idea de sonata, encontró esos problemas tan compatibles con su propia naturaleza musical y métodos, y ha recibido tanta aceptación universal y aprecio por sus soluciones a esos problemas8 (Newman, 1969, 321. Trad. G. Gaviria). Con relación a la Sonata en fa menor, Op. 5 No. 3, Newman recuerda que Fue la única obra grande compuesta durante ese mes de octubre de 1853, cuando Brahms estuvo con los Schumann [Robert y Clara] (y antes del problema de Robert con la locura), aunque el propio Brahms mismo comentó que los dos movimientos andante interrelacionados se originaron antes9 (Newman, 1969, 334. Trad. G. Gaviria). El mes siguiente, el 16 de noviembre de 1853, Brahms escribió a Robert Schumann que había «copiado la Sonata y sustancialmente alterado el final»10 (Eich, 2017). Finalmente, el compositor envió desde Hamburgo el manuscrito al editor Senff, el 26 de diciembre, indicándole: «lo he limpiado con mucho cuidado de manera que ahora probablemente se deje tocar en público. Por favor, excúseme por la demora»11 (Eich, 2017. Trad. G. Gaviria). El Andante del segundo movimiento tiene un epígrafe incluido por el compositor en la partitura que quizás señala el carácter general de la sonata. Es el inicio del poema Junge 7 protože jako geniální hudební tvůrce získal si skvělé zásluhy o kulturu svého národa tím, že vynašel nový typ operní, že obrodil sborový zpěv, že vytvořil četná díla symfonická, vnesl nové a originální prvky do soudobého umění hudebníhoa že ve stopách svých předchůdců věnoval se neúnavnému studiu, poznávání a sbírání lidové písně moravské. 8 If any one composer is to be placed first in the century and a half since Beethoven it certainly must be Johannes Brahms […] what other front-rank composer in this century and a half has given so much of his attention to problems bearing on the sonata idea, has found those problems so compatible with his own musical nature and methods, and has met with such universal acceptance and appreciation in his solutions to those problems. 9 It was the only major work written largely during that one month of October, 1853, when Brahms was with the Schumanns (and before Robert´s commitment for insanity), although Brahms himself said the two interrelated andante movements originated earlier. 10 Written down the f minor Sonata and substantially altered the finale. 11 I have cleaned it very carefully so that it can now probably let itself be seen in front of people. Please forgive me that it took so long. 8 Liebe de Otto Julius Inkermann (1823-1862), cuyo seudónimo era C. O. Sternau, publicado en 1851 (Macdonald, 2012, p.75. Trad. G. Gaviria). Cae la tarde, brilla la luz de la luna Dos corazones se unen en el amor y se mantienen felizmente abrazados12 Bibliografía Beethoven, L., Kalischer, A. C., Shedlock, J. S., & Hull, A. E. (1926). Beethoven’s letters. London & Toronto: J.M. Dent & Sons Ltd. Bloomingdale School of Music. Yvonne Troxler piano, chamber music, and way out. Recuperado de http://www.bsmny.org/faculty/Yvonne-Troxler Brown, M. (2001). Bagatelle. Grove Music Online. Recuperado de http://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Eich, K. (2017). Piano Sonata f minor op. 5. Kiel: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Encyklopedie dějin města Brna - Profil události. (2018). Encyklopedie.brna.cz. Consultado: 20 de marzo de 2018. Recuperado de http://encyklopedie. brna.cz/home-mmb/?acc=profil_udalosti&load=78 Irmer, O. von. (1975). “Comments”. Complete Bagatelles, Ludwig van Beethoven. Cologne: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Newman, W. S. (1969). The sonata since Beethoven: the third and final volume of a history of the sonata idea (Vol. 3). Chapel Hill, NC, USA: University of North Carolina Press. Macdonald, H. (2012). Music in 1853: the biography of a year. Suffolk, United Kingdom: Boydell Press. Ripin, E., Pollens, S., Belt, P., Meisel, M., Huber, A., Cole, M., Hecher, G., Pascual, B., Hoover, C., Tyrrell, J. (2011). Janacek: Years of a Life Volume 2 (1914-1928): Tsar of the Forests. London, England: Faber & Faber. Trümpy, B. (2016). Oracula Sybillae. WER73352. SCHOTT MUSIC & MEDIA GmbH, Mainz, Germany. https://en.schott-music.com/shop/oracula-sibyllae- no344538.html 12 Der Abend dämmert, das Mondlicht scheint / Da sind zwei Herzen in Liebe vereint / Und halten sich selig umfangen Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Gabo&Mafe Fotografía Cód. PULEP: QMS654. INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia)

Foto: Felipe Carrero SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 JOSHUA DAVID SIERRA (Colombia) piano Jueves 17 de marzo de 2022 · 6:00 p.m. Ibagué, Auditorio Mayor de la Música de la Universidad del Tolima PULEP: CAI809 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL INTÉRPRETE Joshua David Sierra, piano Joshua David Sierra nació en Bogotá e inició sus estudios musicales y de piano con su padre, Jimmy David Sierra. A los 16 años ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde su formación pianística estuvo a cargo de Mariana Posada. Ha participado también en clases magistrales con Piotr Oczkowski y Jason Ponce. En 2015, Joshua ocupo el primer lugar como representante del nivel básico para participar en el curso de verano de Hotchkiss School. En 2016 viajo a Lakeville (Connecticut, Estados Unidos) para asistir a dicho curso en calidad de becario, donde tomó clases con Luiz de Moura Castro, Mina Perry, Fabio Witkowski y Priya Mayadas, y en donde también actuó en un recital compartido en el auditorio Katherine M. Elfers Hall. Ese mismo año ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música la Universidad Nacional de Colombia, agrupación con la que presentó el Concierto para piano y orquesta No. 1 de Ludwig van Beethoven. Joshua David Sierra ha actuado en recitales compartidos y como solista en los auditorios Olav Roots y Guillermo Uribe Holguín de la Universidad Nacional de Colombia y en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional. Bajo la dirección de su maestra Mariana Posada, Joshua presentó su recital de grado en julio de 2021, culminado así sus estudios de pregrado en la Universidad Nacional de Colombia. Conozca más acerca de Joshua David Sierra Foto: Felipe Carrero Este concierto cuenta con el apoyo de la Universidad del Tolima https://youtu.be/bm-qFCN07LI https://youtu.be/ggSJqV_B_wQ 2 Balada en sol menor, Op. 23 (c. 1835) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Balada en fa mayor, Op. 38 (1839) Balada en la bemol mayor, Op. 47 (1841) INTERMEDIO Sonata para piano No. 23 en fa menor, Op. 57 ‘Appassionata’ (1804-1806) Allegro assai Andante con moto Allegro ma non troppo - Presto LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) PROGRAMA 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Sergio Ospina Romero A menudo es fácil dar por sentado la inmutabilidad de algunos objetos cotidianos. Simplemente porque nos hemos habituado mucho a ellos y, en especial, porque probablemente llevamos muchos años sin ver ningún cambio sustancial en su fisionomía: podemos llegar a asumir que siempre han sido iguales. Eso suele pasar con algunos instrumentos musicales, cuyas historias pasadas de desarrollo y cambios —a veces intensos— no parecen tener nada que ver con su presente de preservación y conservadurismo. En el transcurso de más o menos un siglo, entre mediados del siglo XVIII y mediados del siglo XIX, los instrumentos de teclado cambiaron de forma radical, desde la intimidad sonora del clavicordio hacia los primeros modelos de pianoforte y eventualmente hasta el piano acústico como tal, muy parecido al que conocemos hoy. A la vez que el instrumento se hacía más grande, más resonante y complejo en su diseño mecánico, también fueron cambiando los parámetros técnicos para tocarlo y la música que se componía para él, así como su rol y su percepción dentro del universo social de músicos y oyentes. Si bien Johann Sebastián Bach y otros de sus congéneres escribieron piezas virtuosas para teclado, el clavicordio estuvo por buena parte del Barroco sometido casi de manera exclusiva a la función de acompañante. Pero entre finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX, justamente a lo largo del periodo que se extiende desde los años de Beethoven hasta aquellos de Chopin, el protagonismo del piano como instrumento solista creció sustancialmente. Y no solo eso, sino que nuevas demandas técnicas dieron lugar a nuevas innovaciones musicales, y con ello, a una reorganización de ciertas jerarquías musicales tenidas hasta entonces como inalterables. El más evidente de dichos procesos fue, quizás, la forma en que la música instrumental logró ‘desbancar’ a la música cantada del pináculo de la expresividad musical. Bach, Händel, Haydn e incluso Mozart compusieron mucha música instrumental que hoy en día asumimos como canónica, no obstante, tal música llevaba un nivel de prestigio y respetabilidad menor que el de sus obras vocales. La razón era simple: nada como la voz humana y las palabras para expresar cosas trascendentes —o cualquier cosa—; la música con frecuencia era tenida en esencia como el vehículo para escoltar las palabras. Pero entre los años de Beethoven y de Chopin las cosas tuvieron un cambio significativo en la 4 medida en que la música instrumental se empezó a asumir como un vehículo superior para expresar asuntos más trascendentales, y frente a los cuales las palabras simplemente no eran suficientes. Tales son justamente los albores de la era de la música absoluta, de ello el concierto de hoy nos ofrece una particular selección representativa; si bien, de forma intrigante, el programa va contrario al curso de la historia: de Chopin a Beethoven. En el siglo XIX, al hablar de música absoluta —o de lo absoluto en la música— era común hacer uso de expresiones como ‘sublime’ o ‘inefable’; varias de estas expresiones dejaron de ser simples adjetivos y se convirtieron en categorías filosóficas con vida propia en el arte y con frecuencia tan difíciles de describir en palabras como los mundos sonoros y visuales de introspección emocional a los que hacían referencia. Aunque el concierto de hoy se interprete en un piano moderno, y en el mismo instrumento de principio a fin, también puede ser una oportunidad para recrear musicalmente, así sea ‘hacia atrás’, la forma en que los compositores del siglo XIX forjaron tal imaginario de la música absoluta. Frédéric Chopin (1810-1849) escribió cuatro baladas entre 1835 y 1843. Por lo general se consideran no solo un conjunto singular y distintivo dentro de su obra, sino cierta suerte de género del Romanticismo, concebido y desarrollado por el propio Chopin, y que habría de resultar especialmente influyente en otros compositores de su tiempo, como Franz Liszt (1811-1886) y Johannes Brahms (1833-1897). Al igual que sus mazurcas, polonesas o valses, las baladas son una abstracción pianística de lo que otrora —o a partir de una presentación distinta— fuera una danza y, por lo tanto, parte integral de la tradición decimonónica de piezas de carácter decididamente concebidas para ser escuchadas y no bailadas. Y en ello, como sabemos, la influencia de Chopin fue transnacional y se sintió de manera especial a lo largo y ancho del continente americano entre finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sin embargo, a diferencia de las mazurcas, las polonesas o los valses, las baladas de Chopin también son herederas del arte literario de contar historias épicas, de modo que a la abstracción de la danza que no se baila, se suma la de una historia que se cuenta, pero no con palabras. De allí que cada balada tenga una personalidad musical propia y que en el transcurso de cada una ellas, Chopin haga gala de secuencias tan repentinas como finamente hilvanadas. Por su parte, la Sonata para piano No. 23 en fa menor de Ludwig van Beethoven (1770-1827) es incluida en el grupo de sonatas que compuso durante lo que se suele conocer como su periodo intermedio, esto es, entre 1804 y 1806. Usualmente se le conoce como sonata ‘Appassionata’, aunque 5 tal designación no se la dio Beethoven, sino parece haber sido añadida a una edición varios años más tarde, en 1838. Así como las baladas suelen considerarse entre las obras más difíciles de Chopin, las demandas técnicas de esta sonata han sido resaltadas una y otra vez; una complejidad que tiene que ver con el despliegue técnico del pianista, aunque también con el fervor emocional, casi tempestuoso, de muchos pasajes. Al mismo tiempo, sin embargo, más allá del vaivén emocional asumido como fluctuaciones de carácter derivadas de circunstancias personales que suele dominar algunas de las interpretaciones de la música de Beethoven, esta sonata parece poner justamente de manifiesto una compleja personalidad musical, volcada al piano indistintamente con brío o con dulzura, pero cuya completa decodificación nos resulta, en cualquier caso, a todas luces inaccesible. O como dirían muchos ya en el siglo XIX, ‘sublime’ e ‘inefable’. Sergio Ospina Romero es profesor de musicología en la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana. Sus investigaciones se concentran en la primera mitad del siglo XX, en especial en temas relacionados con tecnologías de grabación y reproducción mecánica del sonido, el jazz, y la música de Latinoamérica. Es el autor de dos libros, Dolor que canta (ICANH, 2017) y Fonógrafos ambulantes (Gourmet musical, en prensa), así como de varias publicaciones que han aparecido en revistas y libros de distintos lugares del continente, incluyendo Journal of the American Musicological Society, Ethnomusicology, Keyboard Perspectives, Latin American Music Review, Journal of Folklore Research, Resonancias, Boletín Música, Revista Argentina de Musicología, Anuario Colombiano de Historia Social y de la Cultura, Maguaré, Historia y Sociedad, y Ensayos: Historia y Teoría del Arte. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Cornell University y la Universidad de los Andes. Sergio es el pianista y director de Palonegro, un ensamble de música latinoamericana y jazz latino, con el que grabó recientemente el álbum Two Minutes Apart, disponible en todas las plataformas digitales. 6 Foto: Christine de Lanoë TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Agosto en Ibagué! Muza Rubackyte (Lituania / Francia) piano Este concierto también se realiza en Bogotá y Bucaramanga

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 45 Estreno: jueves 16 de diciembre · 6:00 p.m. JÓVENES COMPOSITORES 2021 Q-ARTE, cuarteto de cuerdas (Colombia) Foto: Q-Arte: Carlos Lema RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @Banrepcultural Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango JÓVENES COMPOSITORES El sector cultural de un país crece, progresa y se fortalece a partir de los aportes que efectúan diferentes actores y disciplinas. El campo de la composición musical exige creatividad, innovación y constancia, y se espera que de él surjan voces artísticas y apuestas estéticas propias. Sin embargo, en el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados. El Banco de la República, en respuesta a esta necesidad, creó Jóvenes Compositores, un programa que, al igual que los encargos de obra, los conciertos retrospectivos que rinden homenaje a compositores colombianos y las producciones discográficas que surgen de estas dos últimas iniciativas, es una apuesta del Banco de la República por reconocer, apoyar y visibilizar el talento de los creadores de nuestro país. El programa Jóvenes Compositores, por medio de una convocatoria anual, busca promover el desarrollo profesional de los jóvenes creadores; los seleccionados pueden contar con la guía y el seguimiento de dos compositores colombianos con trayectoria, y compartir sus composiciones con artistas profesionales que las pongan al servicio del público por medio de un concierto. En este recital virtual que hoy nos convoca se presentan las obras de cuatro jóvenes compositores seleccionados en la primera versión de la convocatoria Jóvenes Compositores. De 54 jóvenes que se presentaron, Tomás Díaz Villegas, Marius Alexander Díaz, Danna Lorena Botero y Óscar Alejandro Parada fueron los seleccionados y, en esta ocasión, es el reconocido cuarteto de cuerdas colombiano Q-Arte quien da vida a sus productos creativos. Conoce más sobre el programa Jóvenes Compositores Síganos en 2 SOBRE LOS JÓVENES COMPOSITORES TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. Foto: Lorena Marsiglia 3 MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ-Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). Foto: ©escuelareinaofia 4 ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. Foto: Laura Catalina Serpa Lucio 5 DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Foto: Sandra Marcela Murcia Talero 6 SOBRE LA AGRUPACIÓN Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas Santiago Medina y Liz Ángela García, violines; Sandra Liliana Arango, viola; y Diego García, violonchelo El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Foto: Gabriel Castro 7 Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales. Conozca más acerca de la agrupación Cuarteto Q-Arte 8 De vuelta al terruño (2020) Inquietud Huida Coraje Añoranza TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Paisaje colombiano con narcos (2021) MARIUS ALEXANDER DÍAZ (n. 1985) (Cero)Tonina (2021) ÓSCAR ALEJANDRO PARADA (n. 1986) Vatnajökull (2021) DANNA LORENA BOTERO (n. 1998) PROGRAMA 9 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Cualquier sonido puede suceder a cualquier otro sonido, cualquier sonido puede sonar simultáneamente con cualquier otro sonido o sonidos, y cualquier grupo de sonidos puede ser seguido por cualquier otro grupo de sonidos, lo mismo que cualquier grado de tensión o matiz puede ocurrir en cualquier medio bajo cualquier tipo de acento o duración. La proyección exitosa dependerá de las condiciones contextuales y formales que prevalezcan, y de la destreza y el espíritu del compositor (Persichetti, 1961, p. 13). Este concierto, dedicado a la música contemporánea, es un aporte del Banco de la República al desarrollo y crecimiento de jóvenes compositores. Ofrece un espacio para la experimentación, donde el reto y el riesgo son bienvenidos, fomentados y celebrados. El programa incluye la guía y el seguimiento, por parte de compositores de trayectoria y, además, la oportunidad de compartir sus composiciones con artistas profesionales que las presentan al público. Cuando se asiste a un concierto de música contemporánea, más aún, a uno como este en el que las obras presentadas son estrenos, una de las preguntas naturales que aparece es ¿qué tipo o estilo de música escucharemos? Una posible respuesta la ofrecen las ideas, que encabezan estas notas, expresadas por el compositor estadounidense Vincent Persichetti (1915-1987), quien dedicó buena parte de su vida a la enseñanza. Su tratado Twentieth-Century Harmony inicia y termina con las mismas palabras, exactamente igual, con lo que el compositor llamó su ‘párrafo favorito’: una expresión nítida del punto al cual llegó el siglo pasado la música llamada académica. Las ideas de Persichetti siguen hoy vigentes cuando los compositores tienen una muy amplia gama de medios a su disposición y se orientan más hacia las relaciones con el contexto que a los problemas de la identidad personal o la innovación técnica. Las obras presentadas hoy son una muestra sensible de problemas que vivimos a nivel global o local: el cambio climático, la violencia, el desplazamiento y las dificultades de tipo psicológico. Tomás Díaz (n. 1990) nació en Manizales y es compositor, investigador y guitarrista. Actualmente, está llevando a cabo un doctorado en composición instrumental en la Universidad de Montreal. Tomás Díaz es un buen ejemplo de los avances en la educación musical en Colombia, que se transformó 10 sustancialmente en los últimos treinta años y hoy cuenta con un nivel de excelencia comparable con el ámbito internacional. El compositor habla desde su propia experiencia: Para empezar, la formación que recibí en Medellín fue sobresaliente. Los profesores están bien preparados y casi todos translucen una pasión por la enseñanza. Con cierta frecuencia, había invitados en la facultad, lo que ayudaba a formarse poco a poco una idea de cómo eran las cosas afuera. En un viaje a Estados Unidos en el 2015, comprobé que mis conocimientos musicales podían competir en el mismo nivel (Espinosa, 2020). Su obra muestra una preocupación por uno de los problemas de nuestro país: el desplazamiento como consecuencia de la violencia que nos azota desde hace décadas: De vuelta al terruño es una obra inspirada en la nostalgia que los desplazados sienten por su tierra en la distancia. El primer movimiento retrata la inquietud de quienes sufren el hostigamiento que los hace huir finalmente. La música se hila a través de continuas interrupciones e irregularidades rítmicas. El segundo movimiento plasma la huida a partir de un moto perpetuo lleno de gestos melódicos angulares y combinaciones instrumentales volátiles. A continuación, se evoca el coraje de las víctimas y su fortaleza para afrontar las vicisitudes de su periplo. La sonoridad se torna plena y vigorosa. Por último, la obra concluye con una impresión musical de la añoranza que embarga al desterrado cuando ya se ha instalado en territorios extraños. La textura, sutil y expresiva, parece flotar en medio de un mar de imbricaciones rítmicas y dinámicas. En síntesis, la obra pretende ser un recorrido imaginario por algunos de los sentimientos que suscita el desplazamiento forzado (Díaz, 2021). Marius Díaz (n. 1985), compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, nació en Bogotá, y residió y se formó como compositor en La Habana (Cuba), entre 2002 y 2015, como lo expone en entrevista reciente: Yo podría decir que aprendí a hablar primero en cubano que en colombiano […] No quiere decir que antes no hubiera estudiado o tenido vínculos con la música, pero todavía no tenía un perfil profesional de la carrera como compositor. Realmente mi obra nace en Cuba (Yllarramendiz, 2020). Díaz, afirma acerca de su obra: Paisaje colombiano con narcos es una propuesta musical donde coexisten el orden y el equilibrio con el desorden y el caos. Su intención programática es proporcionar una representación del narcotráfico en Colombia. El narco repercute de forma caótica en la actualidad del país. A través de un sistema que involucra diferentes sectores de la sociedad, condiciona nuestro desarrollo social. Este fenómeno sirve de inspiración al autor para proyectar una partitura con diferentes elementos en comunión. 11 Por un lado, la Serie de Fibonacci1 cuya aplicación se observa en diferentes ramas del pensamiento, sirve de patrón modular sobre el cual se desarrollan diferentes relaciones. Las alturas, duraciones y tensiones entre otros elementos, entran en juego con esta sucesión numérica. […] Por otra parte, el aleatorismo controlado2 funciona como elemento de ruptura, discontinuidad, indeterminabilidad y caos, donde evolucionan las dinámicas y los timbres. Se puede destacar como influencia la música del compositor cubano Leo Brouwer, particularmente su serie de paisajes y la obra del artista neerlandés Maurits Cornelius Escher3 (Díaz, 2021). Óscar Parada (n. 1986), músico guitarrista, compositor y pedagogo bogotano, cursó sus estudios de pregrado en la Universidad El Bosque. Recientemente, concluyó la Maestría en Composición en la Pontificia Universidad Javeriana. Previamente, en 2010, se graduó en la misma universidad como arquitecto. Sobre la relación entre la arquitectura y la música, presentes en su formación, el compositor indica: «mi formación como arquitecto me ha permitido nutrir mis procesos compositivos y ha influenciado la visión metódica y estructurada con la que me acerco a la composición. En arquitectura, los elementos de punto, línea, plano y volumen son básicos para crear un objeto formal, y este proceso mental me ha sido útil para conceptualizar y llevarlo a la creación musical». Su proyección como músico encuentra en la educación un rol importante: «en el ejercicio de la pedagogía he encontrado un espacio en el cual puedo nutrir mis conceptos por medio de la retroalimentación y, así mismo, compartir mi conocimiento con otras personas. Pienso que es por medio de la creatividad y la innovación que el músico deja huella. Para mí, la composición humaniza al músico» (Parada, 2021). Sus influencias en la composición tienen diferentes procedencias: «hay varios compositores de banda sonora, como Hans Zimmer, John Williams y Philip Glass. También Michael Torke, por los procesos que sigue y la influencia que tiene de la música popular. En cuanto a esta última, un compositor con el 1 La Serie de Fibonacci, para alguna mejor llamada ‘sucesión’, fue descrita en Europa por Leonardo de Pisa, matemático italiano del siglo XIII también conocido como Fibonacci. Inicia con los números 0 y 1, a partir de estos, cada término es la suma de los dos anteriores. Ej: 0,1,1,2,3,5,8,13, etc. 2 La música aleatoria nace en 1950. Es un método de composición que utiliza el azar como principio constructivo, por tanto, la improvisación tiene un rol principal. El término aleatorio viene del latín alea (dados). En el aleatorismo controlado el compositor establece para sus obras una serie de elementos y deja al intérprete la posibilidad de elegir entre diferentes posibilidades interpretativas. 3 La obra de Escher contiene planteamientos paradójicos como los que se dan en la convivencia simultánea, aparentemente imposible pero real, de conceptos antagónicos como dentro-fuera, cóncavo-convexo y arriba-abajo. 12 que crecí: Gustavo Cerati, quién experimentó en varios campos de la música y también compuso para películas» (Parada, 2021). (Cero)Tonina es una obra que se inspira en el trastorno de ansiedad que se manifiesta por una deficiencia de serotonina. La estilización del título pretende por medio de la homofonía hacer referencia al número cero como símbolo de la disminución de serotonina en el sistema nervioso. En el cuarteto se contraponen dos planos, uno que llamo plano lírico contra otro que llamo plano mecánico. Las características de cada uno de éstos se enfrentan para generar disonancias e inestabilidad, representando el concepto de la ansiedad (Parada, 2021). Damián Ponce de León, uno de los tutores del programa, es enfático al destacar el valor del proyecto: «este nuevo espacio es de una importancia inmensa ya que la labor compositiva se vuelve estéril cuando el creador, especialmente en su etapa de formación, no confronta sus ideas con la realidad del montaje y las observaciones de los intérpretes y el público» (Ponce de León, 2021). Sus apreciaciones sobre los ganadores de la convocatoria, que estrenan hoy sus obras, subrayan la pluralidad del grupo: «me gustó por su diversidad que viene nutrida de formaciones, orígenes e intereses muy diversos. Mientras en Óscar vemos su conexión con músicas como el jazz, en donde el ritmo es protagónico, en Tomás y Danna vemos una formación más académica y por ende una forma muy diferente de indagar en el sonido y las ideas musicales. Todos me parecieron perfiles interesantes y me alegró ver cómo se nutre con más y más personalidades y diferentes perfiles el universo de la composición nacional» (Ponce de León, 2021). El proceso de acompañamiento y guía a los compositores por parte de los tutores fue complementario: «mientras Rodolfo [Acosta] hizo un recuento brillante y minucioso de cada detalle gráfico y técnico de las piezas, yo quise reflexionar e indagar sobre lo estético y la constante necesidad de cuestionar los objetivos puramente técnicos y teóricos de la creación musical con su resultado sonoro y su capacidad de comunicar al oyente, más allá de discursos especializados» (Ponce de León, 2021). Danna Botero (n. 1998) es estudiante de Composición e Ingeniería de Sonido en la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá. En su proceso de formación en esta instituión ha participado en el semillero de investigación en teoría de la música y ha sido monitora de Teoría de la música, Procesamiento de señales y Síntesis por computador. En los últimos años se ha interesado 13 en la música electrónica y su combinación con la música instrumental. La música electrónica le ha permitido desarrollar la relación entre la composición y la ingeniería de sonido. «Desde hace cerca de dos años me ha interesado combinar formatos de cámara con la programación y la síntesis por computador, adicionados al procesamiento de señales», comenta Botero, «a partir de los nuevos timbres generados busco la creación de un discurso musical que sea interesante para el público». Por otro lado, su trabajo de grabación es una fuente de conocimiento de la acústica de los instrumentos. Al respecto observa: «creo que lo que más me interesa de la composición es el timbre, su combinación con la armonía y el proceso de estructurar un espacio de tiempo con sonidos. Por supuesto, siempre teniendo al oyente como referencia, pensando en sus procesos auditivos y perceptivos con el propósito de que asimile mi música, aunque no sea de fácil comprensión» (Botero, 2021). La obra en el programa de hoy es consecuente con los planteamientos anteriores: Vatnajökull, para cuarteto de cuerdas, toma su título del principal glaciar de Islandia. La idea principal de la obra consiste en establecer una dualidad entre los conceptos de armonicidad (representado por el intervalo de quinta justa) e inarmonicidad (generado mediante la utilización del ruido, los trémolos, las técnicas extendidas y los armónicos), creando una unidad hermética que sugiere una analogía con los elementos a la vez dispares y unitarios de un glaciar (volcanes, cristales, nieve, estalactitas, destellos de luz, entre otros). La exploración tímbrica presente en la obra representó en su momento un reto importante, en la medida que la diversidad de sonoridades y técnicas utilizadas permitían posibilidades de desarrollo y de dirección musical muy variadas. La exploración tímbrica se ha convertido en un reto importante y constituye uno de los principales focos de atención dentro de mi catálogo de composición (Botero, 2021). Referencias Botero, D. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Botero, D. (2021). Concierto BLAA: Vatnajökull. [Correo electrónico] Díaz, M. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Díaz, T. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Espinosa, L. (17 de enero de 2020). “Tomás, un embajador de la música”. Entretenimiento, La Patria. Manizales (Caldas). https://www.lapatria. com/entretenimiento 14 Fundación Santo Domingo (FSD). (14/04/21). “Marius Díaz, Compositor”. Becas de la Fundación Santo Domingo. https://www.facebook.com/ FundacionSantoDomingo Parada, O. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Parada, O. (2021). Concierto BLAA, (Cero) Tonina. [Correo electrónico] Persichetti, V. (1961). Twentieth century harmony. New York: WW Norton. Yllarramendiz, L. (24 de mayo de 2020). “Colar un café colombo-cubano”. Música de Concierto y Cultura en Cuba. Radio Nacional Musical. Habana (Cuba). https://radiomusicalnacional.wordpress.com/author/ radiomusicalnacional/ Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 15 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Jueves 4 de mayo de 2023 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Banco de la República · PULEP: LEG741 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2023 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JÓVENES COMPOSITORES 2022 ENSAMBLE CG (Colombia) música contemporánea Jóvenes Compositores 2023 Ensamble CG (Colombia), música contemporánea • Ilustración: Kilka Diseño Gráfico SÍGANOS EN Conozca más acerca de la labor musical del Banco de la República Conozca la programación musical en Información acerca de boletería Prepare su visita a la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Noticias, artículos, columnas y reseñas Banrepcultural @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural SUBGERENTE CULTURAL Ángela María Pérez Mejía EQUIPO ADMINISTRATIVO Y DE PRODUCCIÓN SECCIÓN DE MÚSICA Sara García Álvarez Programación Catalina Gómez Valencia Procesos académicos y producción general Daniela Peña Jaramillo Procesos editoriales Ana Beatriz Sayago Díaz Producción técnica y logística Sala de Conciertos Jeimmy Guaqueta Calderón Producción y logística María Angélica Múnera Gestión derechos de autor y producción Gerardo Rodríguez y Felix Carrillo Romero Procesos administrativos ¡Convocatoria Jóvenes Compositores 2023! 1 ACERCA DE LOS COMPOSITORES JUAN POSADA LONDOÑO Juan Posada es un compositor y pianista nacido en Bogotá el 15 de junio de 2005. En el año 2015 ingresó a la academia de la pianista tunjana Ruby Salamanca, donde realizó varios conciertos como solista con un repertorio clásico. En 2018 viajó a la ciudad de Viena, lugar en el que recibió clases de composición con la pianista y compositora Arnič Blaženka-Lemež. A partir de ahí, decidió ingresar a la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, donde actualmente recibe clases con la maestra Oxana Viritch y el maestro Juan Carlos Britto Suárez. En 2019 participó en la categoría 'Solo nivel avanzado' en el concurso Carmel Klavier Latinoamérica. En junio de ese mismo año realizó un recital en el auditorio Otto de Greiff, donde interpretó un repertorio de compositores reconocidos y de sus propias composiciones para piano. Ha escrito obras para diversos formatos instrumentales, entre ellas tres obras orquestales: Égloga (2021), Bienvenidos al Antropoceno (2022) e Intemperies (2022). Cuenta, además, con varias obras como Cíclicas (2020), su ciclo de canciones sobre poemas japoneses Haiku (2021), su obra para ensamble mixto El aire suspendido (2022) y su trío con piano encargado por Juan Carlos Britto en nombre de la Pontificia Universidad Javeriana Trío impetuoso (2021). SERGIO HUGO ORTIZ ACOSTA Se graduó como Maestro en Música con énfasis en composición en la Universidad El Bosque, de la mano de los compositores Daniel Alberto Álvarez y Carlos Gonzalo Guzmán Muñoz. Fue invitado a participar en el Primer Festival Internacional de Música de Cámara realizado en 2019 por la Universidad El Bosque, donde tuvo la oportunidad de estrenar su obra Suite for the Scarlet Moon. Desde el año 2018 se ha dedicado a la exploración y composición de música contemporánea en diversos formatos, desde los nuevos medios (música electrónica académica y música electroacústica) hasta formatos mixtos (formatos de cámara combinados con formatos electroacústicos o electrónicos) y de música de cámara. Su conocimiento compositivo ha estado presente en el desarrollo de composiciones producto de investigaciones 2 relacionadas con el pluriestilismo, la composición asistida por ordenador, el espectralismo, y la discursividad entre lo instrumental y lo electrónico. JUAN SEBASTIÁN TORO Compositor colombiano nacido en Bogotá en 1996. Comenzó sus estudios musicales con la guitarra eléctrica en el programa de iniciación de la Universidad de los Andes. Posteriormente, cursó el preuniversitario de la Escuela EMMAT y luego estudió composición de música popular brasileira bajo la dirección de Hudson Nogueira en el Conservatorio de Tatuí, en Brasil. Terminó sus estudios de pregrado en 2021 en la Universidad Nacional de Colombia bajo la tutoría de Gustavo Parra, y tuvo una preparación previa con Harold Vásquez, Moisès Bertran y Jorge Pinzón. Estudió teoría bajo la dirección de Alena Kratsutskaya y piano con Piedad Pérez. Actualmente, está terminando su segunda carrera en Filosofía, en la misma universidad y se prepara para presentar audición en un programa de maestría en Francia. TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas es candidato a doctor en composición instrumental en la Universidad de Montreal (Canadá). Sus obras han sido interpretadas por la Orquesta de la Universidad de Montreal, NEM, Pentaèdre, EMC, Taller Sonoro, EMCUC, Periscopio, y por artistas de la talla de Javier Vinasco, Juan Carlos Higuita, Jhoser Salazar, Kimihiro Yasaka y Darko Dimitrijevic. Ha sido seleccionado en concursos de composición organizados por el Ensamble CG (Colombia), el Quatuor Cobalt (Montreal), el Vivier InterUniversitaire (Montreal), el Círculo de Composición de la Universidad de Montreal y el Ensamble NEO (Argentina). Ha sido becario de múltiples instituciones nacionales y extranjeras, entre ellas el OICRM (Montreal), la Facultad de Música de la Universidad de Montreal, Idartes (Bogotá), Ibermusicas (Iberoamérica), el Ministerio de Cultura de Colombia y la Universidad EAFIT (Medellín). Ha recibido clases privadas con Mario Gómez-Vignes, Rodolfo Acosta, Ana Sokolovic, Marco Alunno, Leonardo Coral y Andrés Posada, y fue seleccionado como estudiante activo en clases maestras con Marcos Franciosi, Fabián Panisello, Dorothy Chang, Javier Álvarez, Damián Ponce de León, Jocelyn Morlock, Leon Gurvitch, Hannah Lash, Snežana Nesic, entre otros. 3 ACERCA DEL ENSAMBLE ENSAMBLE CG, música contemporánea Juan Carlos Higuita, violín; Jose Gómez, clarinete; Diego García, violonchelo; Claudia Mejía, oboe; Santiago Velásquez, piano; Hernán Darío Guzmán, fagot; Carlos Parra, viola. El Ensamble CG fue fundado por Rodolfo Acosta R. en 1995 y desde entonces ha presentado más de 250 obras vocales, instrumentales, electroacústicas y mixtas, de compositores de todas las latitudes, buena parte de ellas como estrenos absolutos o locales. Estas presentaciones se han dado en espacios tales como la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango (Colombia), la Sala Zitarrosa (Uruguay), el Teatro Auditorium (Argentina), el CASPM (Venezuela), la Sala Isidora Zegers (Chile) o el Erich Kästner Halle (Alemania), entre muchos otros, como parte de festivales y ciclos especializados como el Festival Internacional de Música Contemporánea de Bogotá, el Festival Latinoamericano de Música de Caracas, el Núcleo Música Nueva de Montevideo y los Donaueschinger Musiktage, etc. Entre apoyos recientes, las convocatorias de Ibermúsicas 2021 y 2022 brindaron recursos a la agrupación para estrenar obras premiadas en el concurso de composición de esta institución. RODOLFO ACOSTA, director Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea) y director del Ensamble CG. Sus composiciones han sido presentadas en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia. Lleva tres décadas desempeñándose como improvisador, intérprete, gestor y profesor en tres continentes. Sus escritos han sido publicados en diferentes medios físicos y virtuales. 4 PROGRAMA Dilatante (2021) JUAN SEBASTIÁN TORO (n. 1996) Para clarinete, fagot y piano Trío impetuoso (2021) Música ficta Música vera Música instrumentalis JUAN POSADA LONDOÑO (n. 2005) Para violín, violonchelo y piano INTERMEDIO Una cierta irregularidad (2021) TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Para clarinete, fagot, violonchelo y piano Observatorium naturalis (2021) Valle del Cauca Boyacá Sucre SERGIO HUGO ORTIZ (n. 1995) Para oboe, clarinete, fagot, violín, viola y violonchelo 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria En el concierto de hoy se estrenan cuatro obras del programa Jóvenes compositores del Banco de la República, orientado a estimular la creación musical. En la presentación de la convocatoria se expresa: ‘En el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados’ (Banco de la República, 2022). Esos espacios de los que habla la convocatoria incluyen, en el caso de la música, opciones para sus principales procesos: componer, interpretar y escuchar. Hoy confluyen estos tres procesos y, particularmente, el de escuchar —fundamental en un concierto— nos induce a pensar en su naturaleza. Viene en nuestra ayuda el compositor Aaron Copland (1900-1990), autor del muy conocido texto Cómo escuchar la música (1955), quien, en sus conferencias en la Universidad de Harvard, en 1952, razonó sobre el escuchar: Escuchar es un talento y, como cualquier otro talento o don, lo poseemos en distintos grados. He observado entre los melómanos una marcada tendencia a subestimar y desconfiar de este talento, más que a sobreestimarlo. La razón de estos sentimientos de inferioridad es difícil de determinar. Puesto que no existe una forma fiable de medir el don de la escucha, tampoco existe una forma fiable de tranquilizar a quienes se juzgan mal a sí mismos. Debo decir que hay dos requisitos principales para una escucha talentosa: en primer lugar, la capacidad de abrirse a la experiencia musical; y, en segundo lugar, la capacidad de evaluar críticamente esa experiencia. Ninguna de las dos es posible sin un cierto don natural. Escuchar implica un cierto talento innato que, como cualquier otro talento, puede entrenarse y desarrollarse. Este talento tiene una cierta “pureza”. Lo ejercitamos, por así decirlo, sólo para nosotros mismos; no hay nada que obtener de él en un sentido material. Escuchar es su propia recompensa; no hay premios que ganar, ni concursos de escucha creativa. Pero, considero afortunada a la persona que posee ese don, porque hay pocos placeres más grandes en el arte que la sensación segura de que uno puede reconocer la belleza cuando se encuentra con ella (Copland, 1980, p.8). La propuesta para esta noche es precisamente la de «abrirse a la experiencia musical» y luego, siguiendo la sugerencia de Copland, «evaluar críticamente», para lo cual, entendiendo que la música es un arte social y la escucha colectiva hace parte de su ritual, podremos comentar con otros 6 y reflexionar sobre lo que hemos escuchado. Es muy posible que hoy nos encontremos con la belleza. El concierto se inicia con una obra que sigue la tradición de aquellos compositores que se han aventurado a crear sistemas de composición propios, con ejemplos emblemáticos en la historia de la música occidental como Arnold Schoenberg u Olivier Messiaen. En el caso de Dilatante, Juan Sebastián Toro (n. 1996) comenta sobre su motivación: Dilatante es un experimento práctico de un sistema de composición que estoy poniendo a prueba: la “tonalidad” conceptual. La idea, en general, es crear un campo jerárquico —como es el caso de la tonalidad— que en vez de alturas tenga por material los conceptos. Es así como del concepto de dilatación nace esta obra: una primera parte que dilata un material originario, y una segunda que lo contrae. Como todo experimento, está expuesto al acierto o al fracaso (Toro, 2022). En la práctica, los elementos centrales son fundamentalmente los fenómenos sonoros, “objetos” que se muestran con una identidad respectiva (es decir que se escuchan como diferentes a otros). Estos pueden ser identificados en cada momento bajo la influencia de materiales usuales en la música: armonía, ritmo y orquestación, sobre todo. Su estructura tiene dos partes: una “dilatante” y otra “contractante”; partiendo cada una de un “estado original” y de su dilatación o contracción. El compositor aspira a que el oyente se deje llevar por el mundo que propone, por sus objetos y sus leyes naturales. Y enfatiza: «no importa realmente si se entienden o no, eso es problema de los científicos» (Toro, 2022). La siguiente obra es Trío impetuoso, del compositor más joven de los seleccionados para el programa, Juan Posada (n. 2005), quien nos ilustra sobre su obra: Recibe su nombre gracias al carácter que tiene y a la manera en la que su material básico es desarrollado. Se trabaja el concepto del “ímpetu” visto como una fuerza extra musical que incita a la violencia y el brío con el que el discurso de la obra se lleva a cabo en las diferentes capas que componen la totalidad de la obra (ritmo, armonía, textura y contrapunto). La curva dramática siempre apunta hacia arriba, nunca decrece, mantiene una acumulación constante de tensión. Podría decir que la música por momentos llega a ser grotesca, incluso erótica… (Posada, 2022). Posada señala que los títulos de los movimientos están directamente relacionados con su contenido: Música ficta, «por las alteraciones e inflexiones añadidas para dar más color al lenguaje armónico»; Música vera, dado que «no hay alteraciones o inflexiones que le den colores característicos y 7 predominan sonoridades estables (como quintas, sextas y terceras)»; y Música instrumentalis, referencia un discurso «que funciona como un mecanismo defectuoso, un juego de piñones que trabaja hasta que la máquina colapsa y se funde en un clímax violento» (Posada, 2022). Sugiere el compositor prestar atención al gesto melódico sobre el que se construyó toda la obra, aparece en el inicio y consta de tres notas cortas ascendentes que se dirigen a una nota larga. La pandemia con sus innumerables impactos en la sociedad global tiene un protagonismo esencial en Una cierta irregularidad. Tomás Díaz (n. 1990) indica: «ver y experimentar el ritmo espasmódico que la crisis sanitaria y el consiguiente confinamiento introdujeron en nuestra vida: he ahí el sustrato emotivo de una cierta irregularidad». Esta motivación se lleva a cabo en la música enfocada esencialmente en el ritmo y las expectativas sobre su flujo y su continuidad: Una cierta irregularidad reposa sobre la búsqueda de diversas manifestaciones de irregularidad rítmica. Por ejemplo, la primera sección se caracteriza por el uso estructural de silencios interpolados, lo que —sumado a la continua y sutil modificación de las entidades musicales protagonistas, de su concatenación y del fraseo— pretende en el oyente una reconfiguración constante de sus expectativas (Díaz, 2022). Adicionalmente, otros parámetros musicales como la articulación, la dinámica y la textura también son afectados por esa irregularidad rítmica. En cuanto a su audición, el compositor advierte: «la obra no es programática». El interés auditivo «debería desprenderse de la percepción de aspectos como: relación dinamismo-estaticidad, transformación motívica, texturas (flotantes, saturadas o dispersas, constituidas de iteraciones o de notas sostenidas), contrastes (de tempo, material motívico, ritmo, textura)» Y agrega: «tal como la pandemia, la obra concluye con un signo de interrogación» (Díaz, 2022). Observatorium naturalis, de Sergio Ortiz (n. 1995), se relaciona con la naturaleza: La obra fue compuesta como una celebración y un acto de contemplación de la fauna y flora colombianas. La inspiración para su creación fue la de retratar tres paisajes sonoros naturales de distintos departamentos del país, se incluyeron: Valle del Cauca, Boyacá y Sucre, elegidos por la gran biodiversidad de distintas especies de animales (en especial de aves) y la gran riqueza acústica que interactúa simbióticamente en dichas zonas (Ortiz, 2022). 8 Su realización partió del análisis de grabaciones de paisajes sonoros de las regiones seleccionadas, obtenidas en la web del Instituto de Investigación de recursos biológicos Alexander von Humboldt1, y hace parte de la reflexión actual sobre la imperativa toma de conciencia de la calidad de nuestra relación con la naturaleza. Tiene influencia de compositores franceses como Tristan Murail, Gerard Grissey y Olivier Messiaen, y de Murray Schafer, canadiense, y Toru Takemitsu, japonés. Los elementos musicales claves en la pieza son las texturas, los gestos instrumentales y sus desarrollos que, como expresa el compositor, evocan los fenómenos naturales, “espontáneos” que ocurren en los ecosistemas mencionados. Por tanto, para su audición la invitación es atender a los sonidos sin tratar de ser analíticos, sin buscar un sentido: escuchar de manera contemplativa, de la misma manera que lo hacemos cuando apreciamos la naturaleza (Ortiz, 2022). Para finalizar, es importante mencionar que los jóvenes seleccionados tuvieron la oportunidad de interactuar con los compositores Rodolfo Acosta y Luis Fernando Franco, «[en sesiones] donde hacíamos las respectivas correcciones a las partituras de las obras según sus observaciones […] y discutíamos temáticas que eran propuestas por nosotros, y entre todos complementábamos nuestras ideas para llegar a una conclusión colectiva» (Posada, 2022). El impacto de este acompañamiento es indudable, como lo subraya Posada: «este tipo de espacios de conversación, en combinación con el espíritu de trabajo colectivo y el apetito tan voraz de aprender y enriquecer nuestros procesos como compositores hizo que mi visión respecto a la composición y la música en general cambiara por completo» (2022). Referencias: Banco de la República. (2022). Convocatoria Jóvenes Compositores 2022. https://www.banrepcultural.org/programas/jovenes-compositores/ convocatoria-2022 Copland, A. (1980). Music and imagination. The Charles Norton Lectures. Harvard University Press. Díaz, T. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. 1 www.humboldt.org.co 9 Ortiz, S. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Posada, J. (2022). Información para concierto Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Guillermo Gaviria. Es educador y compositor. Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana. Inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980 y su labor educativa y gestión académica impulsaron la creación del Departamento de Música en 1990, la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y la Facultad de Artes en 1995. Ha sido colaborador del Banco de la República desde 1985. 10 Quinteto Vástago, quinteto de madera · Foto: Laura Daniela Muñoz González TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2023 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Serie de los jóvenes intérpretes ¡CONÉCTESE AL CONCIERTO, DESCONÉCTESE DE LO DEMÁS! TOME NOTA… UNA TEMPORADA INUSUAL TEMPORADA DIGITAL DE CONCIERTOS BANCO DE LA REPÚBLICA Concierto No. 18 Estreno: miércoles 4 de agosto de 2021 · 6:00 p.m. Disponible en línea hasta el viernes 3 de septiembre de 2021 Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos Banrepcultural Foto: Felipe Carrero Foto: Pablo Stredel Foto: Jhon Álvarez Foto: Rocio Hernández - Matawa producciones Foto: Mariangela Quiroga Cantillo DÚO LEBENSFREUDE (Ibagué) violín y guitarra ANDRÉS FELIPE ÚSUGA, piano JOSHUA DAVID SIERRA, piano MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín María Camila Barbosa, piano SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Diego Claros, piano Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango CONOZCA NUESTRA PROGRAMACIÓN EN www.banrepcultural.org/actividad-musical Uno de los compositores e intérpretes que dieron inicio al paradigma del virtuoso romántico del siglo XIX fue indudablemente Niccolò Paganini (1782- 1840); su fama e influencia sobre otros músicos fue impactante. Compositores como Schumann y Liszt, entre otros, manifestaron su admiración hacia Paganini emulando su estilo brillante o readaptando algunas de sus obras al piano y a otros formatos instrumentales. Por otro lado, si bien el nombre de Paganini ha mantenido su asociación hacia una reveladora ‘pirotecnia violinística’, la obra que abre nuestro programa nos acerca a otra faceta del compositor: a través de la música de cámara Paganini manejó un lenguaje sobrio, sofisticado y equilibradamente conservador. Paganini interpretaba la guitarra desde sus años de infancia y logró dominar este instrumento con notable maestría. Escribió una gran cantidad de obras cortas para guitarra sola y aproximadamente treinta duetos para guitarra y violín. La Sonata concertata, MS. 2 es la primera de sus sonatas para guitarra y violín. Compuesta en 1803 y dedicada a la esposa de uno de los mecenas de Paganini en Génova, esta obra está organizada en tres movimientos que se adaptan más claramente al recato y balance propios de finales del Clasicismo. El primer movimiento es una forma sonata donde ambos instrumentos alternan sus funciones como protagonistas y acompañantes, el segundo movimiento presenta un lirismo íntimo y melancólico para desembocar el movimiento final caracterizado por una sonoridad descomplicada y vivaz. La discusión histórica acerca del género denominado ‘bambuco’ ha estado plagada de tendencias, contradicciones y equívocos, pero, sobre todo, de anacronismos. Es por eso que, a una de las primeras obras escritas para piano en este género, a mediados del siglo XIX, El bambuco, Op. 14 de Manuel María Párraga (c. 1826-c. 1895), se le achacan errores de escritura, de forma y de estilo, como si debiera responder a los modelos de un siglo después. En esta obra son evidentes los elementos que hoy llamamos ‘académicos’: una introducción, puentes entre secciones y final de carácter grandilocuente, además de un tratamiento de variación, por aumentación y por ornamentación, sobre los temas principales de las secciones. También están los elementos de lo que hoy llamaríamos ‘tradicional’: presentación de motivos ritmo-melódicos característicos, un persistente esquema de acompañamiento ritmo-armónico en la mano izquierda, el planteamiento de dos secciones en tonalidades menor y paralela mayor, y la no coincidencia temporal de las resoluciones melódicas y armónicas. Ganador del celebrado Prix de Rome, de la Legión de Honor y director de la Ópera Comique de París, Eugène Bozza (1905-1991) es reconocido actualmente por su música para vientos. Bozza escribió Bucolique en 1949 gracias a la larga tradición de comisiones que se realizaban en el Conservatorio de París para el Concours annuel y la dedicó a su compañero clarinetista Ulysse Delécluse, quien, al haber ganado el primer lugar de dicho concurso en 1924, sería capaz de sostener la evidente construcción virtuosa, llena de cadencias y momentos de expresividad técnica. Frédéric Chopin (1810-1849) fue uno de los primeros compositores en darle voz propia al scherzo (juego, en italiano), género que, en el siglo XIX, significó un espacio para mostrar la individualidad interpretativa y técnica. Se trataba de explorar cómo el piano era capaz de brindar a su público el espectáculo de virtuosismo esperado y, en el caso del Scherzo No. 2, Op. 31, de poder expresar, de manera muy sutil, lo que el compositor denominó como un ‘llamado sin respuesta a la morada de los muertos’. Considerado por Robert Schumann como un relato digno de Lord Byron, las primeras tres notas de este scherzo y sus continuos llamados de atención nos invitan sí a un juego, pero a un juego macabro. El compositor colombiano Jorge Humberto Pinzón (n. 1968) describe Andrómeda, su rapsodia para violín y piano, de la siguiente manera: Andrómeda pertenece al Ciclo de las constelaciones, el cual tiene el propósito de simbolizar la magnificencia del Universo como creador de vida y movimiento, de formas, colores y estructuras prodigiosas que preservan grandes enigmas y consecuentemente se relacionan con los sistemas musicales, gracias al aporte infinito de representaciones geométricas, materia, tiempo y espacio. Referencias Gvetadze, N. (2017). Ghosts – Frédéric Chopin. Challenge Classics. Jaime Ramírez / Manuel Bernal / Daniela Peña SOBRE LOS INTÉRPRETES SOBRE EL REPERTORIO Dúo Lebensfreude está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima. Peña y Barrero han sido ganadores de diferentes concursos como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Joshua David Sierra nació en Bogotá y, a los 16 años, ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2016 realizó un curso de verano como becario en Hotchkiss School of Music y ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional. Santiago José Oviedo Reina es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima (Cundinamarca) y participó en el III Festival Internacional de Clarinete y Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente pertenece al Ensamble Terranova y es clarinete supernumerario de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Andrés Felipe Úsuga ingresó en 2007 al Programa de Música en los cursos de extensión de la Universidad de Antioquia y, en 2013, al Preparatorio de Música de la misma universidad. Al año siguiente inició estudios de pregrado en música allí mismo, y en 2019 obtuvo su título de maestro en piano. Fue el ganador del primer lugar en la quinta versión del Concurso Jóvenes Solistas Homenaje a Johann Sebastian Bach y obtuvo el primer lugar en el Festival Concurso Pianissimo 2018, en la categoría jóvenes intérpretes. María Camila Flórez es egresada de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Se ha desempeñado como músico de orquesta en diferentes instituciones, entre ellas la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, Iberacademy y la Orquesta Sinfónica de Caldas. Fue becaria de la Fundación Salvi en el XI Festival Internacional de Música de Cartagena y en el programa de Jóvenes Artistas del II y III Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador). DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Sonata concertata, MS. 2 (1803) Allegro spiritoso Adagio assai espressivo Allegretto con brio, scherzando NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) JOSHUA DAVID SIERRA, piano El bambuco, Op. 14 (s. f.) MANUEL MARÍA PÁRRAGA (c. 1826-c. 1895) SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Diego Claros, piano Bucolique (1949) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Para clarinete y piano ANDRÉS FELIPE ÚSUGA, piano Scherzo No. 2, Op. 31 (1837) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Para piano solo MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín María Camila Barbosa, piano Andrómeda (2007) JORGE HUMBERTO PINZÓN (n. 1968) Para violín y piano

Foto: Paola Enciso Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN CAMILO TRUJILLO (Colombia) saxofón Martes 9 de agosto de 2022 · 6:30 p.m. Ipiales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: UOM806 Jueves 11 de agosto de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: WCX114 Viernes 12 de agosto de 2022 · 7:00 p.m. Leticia, Sala Múltiple del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: XKG490 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Juan Camilo Trujillo Uribe, saxofón Se graduó como técnico en música del Colegio Salesiano de León xiii en 2013, donde estudió saxofón con Yuber Lambertino Moreno y Cristhian Amado. Ingresó a la carrera de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana en 2014, cursando el énfasis en interpretación-saxofón con César Villamil, y dos años del énfasis en jazz con Ricardo Narváez, graduándose en 2019. Ha participado en las dos primeras versiones del Festival Internacional de Saxofón en Cali como estudiante activo de clases magistrales y concursante en la segunda versión de este festival. Desde 2017 es integrante del Ensamble NPVG dirigido por César Villamil, el cual ha participado en el Festival de Música de Cámara de Cali en 2018, y se ha presentado en el Museo Nacional Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá. Con el ensamble obtuvieron el primer puesto en la primera versión del concurso de música de cámara Camareando 2019 en Tocancipá (Cundinamarca). En 2018 actuó como solista con la Banda Sinfónica Javeriana interpretando la Fantasía para saxofón de Heitor Villalobos. En 2019 participó en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali, y fue ganador del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y del primer Concurso Panamericano ‘Roberto Benítez’ en Zacatecas (México). De 2016 a 2020 fue integrante de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá y del quinteto de saxofones SaxOFB, con una gran trayectoria de conciertos y presentaciones en algunos de los teatros y auditorios más importantes de la ciudad de Bogotá, como el Auditorio Fabio Lozano, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Auditorio León de Greiff. En 2022 terminó un periodo de dos años de estudios en el Conservatoire de Bordeaux Jacques Thibaud, donde estudió con Marie-Bernadette Charrier, saxofonista reconocida por heredar la clase de Jean-Marie Londeix y por su trabajo en el campo de la música contemporánea. Este mismo año fue aceptado en la maestría de interpretación en la Hochschule für Musik FHNW / Musik-Akademie Basel, en Suiza, con el saxofonista Marcus Weiss. Foto: Paola Enciso 3 Diego Alexánder Claros López, piano Inició sus estudios musicales en el Conservatorio del Tolima en Ibagué, recibiendo el título de Bachiller Musical con énfasis en piano. Recibió grado de honor como mejor instrumentista y distinción al mérito por excelencia académica y musical. Posteriormente ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, en donde culminó su carrera de pianista bajo la dirección de Ángela Rodríguez, obteniendo la más alta calificación en su recital de grado. Fue ganador de la distinción ‘Mejores trabajos de grado de pregrado de la Universidad Nacional de Colombia’ en su versión xix de 2009. En 2015 se graduó de la Maestría en Pedagogía del Piano de la misma universidad bajo la tutoría de Mac McClure. Diego ha recibido clases magistrales con Vida Kalojanova, Felipe Aguirre, Janusz Olejniczak y Marco Sollini. Participó en el taller Bach y el Piano dictado por Abraham Abreu, especialista en música barroca. En 2010 fue seleccionado para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes del Banco de la República, en las modalidades solista y agrupación con el trío Voz de Ébano, ofreciendo conciertos en diferentes ciudades del Colombia. Fue profesor del área teórica y pianista preparador del Taller de Ópera de la Universidad Nacional de Colombia a cargo de Ángela Simbaqueba. En el marco de este taller realizó importantes montajes, como las óperas Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, Atzar de Albert Guinovart, Les Mamelles de Tirésias de Francis Poulenc, The Turn of the Screw de Benjamin Britten y El último día de Francisco Pizarro de Moisès Bertran. Actualmente se desempeña como pianista colaborador y profesor del área teórica de la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, pianista colaborador de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB) de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, de la Pontificia Universidad Javeriana y de la Universidad de Los Andes. Asimismo, es profesor de piano y pianista del coro de la Universidad de La Sabana y miembro del ensamble de música de cámara La Sociedad. Conozca más acerca de Juan Camilo Trujillo Juan Camilo Trujillo @juantrujillou @juantrujillosaxophone 4 PROGRAMA Sonata para saxofón alto y piano (1984) Two-Part Invention La follia nuova: a lament for George Cacioppo Scherzo ‘Will o’ the wisp’ Recitative and Dance WILLIAM ALBRIGHT (1944-1998) Gualajo (2022) OMER RUEDA (n. 1984) Para saxofón alto solo INTERMEDIO Jungle de Cuatro estudios para saxofón (1992) CHRISTIAN LAUBA (n. 1952) Para saxofón alto solo Fuzzy Bird Sonata (1991) Run, Bird Sing, Bird Fly, Bird TAKASHI YOSHIMATSU (n. 1953) Para saxofón alto y piano 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Entonces, de repente, escucho la nota real del saxofón, inolvidable, alta y clara, como si saliera de un corazón de metal, lo nuevo, lo que hemos venido a escuchar. Para mí, este famoso registro superior está por completo más allá de la humanidad, pero todavía está lo suficientemente cerca como para que lo entienda; penetrante, musical, el grito de un fauno que es hermoso y está herido. El músico lanza su instrumento al aire; sopla con toda su fuerza, pero sus mejillas permanecen pálidas. Ahora está en el apogeo de su arte. La voz de nuestra época ha salido por sus labios a través de este maravilloso instrumento. Es un sacerdote poseído por un dios mitad humano, infinitamente afligido, pero absolutamente carente de sentimentalismo. Incapaz de arrepentirse, sin pasado, sin memoria, sin futuro, sin esperanza. (…) Así, como expresión suprema de nuestras alegrías duras e irreflexivas, hemos elegido este instrumento. Nuestros padres no lo comprendieron; nuestros hijos se estremecerán con él y lo descartarán de nuevo. En el presente hace audible el espíritu de nuestra época (Bolitho, 1924, pp. 455-457). Este maravilloso momento aparece en el ensayo The Saxophone, escrito por William Bolitho (1891-1930) como parte de una compilación de escritos Modern Essays, publicada en 1924. Bolitho tiene toda la razón cuando habla del saxofón como el ‘espíritu de una época’, subrayando en otro aparte del ensayo: « (…) el siglo xix tuvo violines y pianos: estamos cansados de ellos. Necesitábamos un sonido nuevo» (p. 453). El saxofón fue inventado por Adolf Sax en un periodo en que los fabricantes de instrumentos buscaban innovar y mejorar la construcción de los instrumentos existentes. Sin embargo, el saxofón solo alcanzó popularidad en la primera mitad del siglo pasado. Su mayor acogida estuvo relacionada con las mejoras que los fabricantes de saxofones introdujeron a medida que los músicos —con mayor solvencia técnica— impulsaron los ajustes de construcción. Como resultado, los estándares musicales, técnicos y expresivos de la música para saxofón se volvieron gradualmente más altos. Una muestra de ello es el repertorio incluido en el programa de hoy, con obras de alta exigencia técnica y expresiva, como lo afirma el saxofonista Juan Camilo Trujillo (2022): […] seleccioné este repertorio porque tiene una dificultad muy alta, con grandes exigencias tanto de afinación y ensamble con el piano y también con técnicas bastante complejas para desarrollar [relacionadas con las llamadas técnicas extendidas1], como el slap, la respiración circular, el desarrollo del timbre subtone, flutter‐tongue y los multifónicos. 1 Las técnicas extendidas son usadas por los músicos para describir formas no tradicionales de cantar o tocar un instrumento, para obtener sonidos o timbres instrumentales inusuales. Se refieren por igual a técnicas de ejecución y a técnicas de escritura musical. Intentan ampliar horizontes en la tímbrica y en la técnica de los instrumentos, como reflejo del cambio de pensamiento y el afán de búsqueda y experimentación de la segunda mitad del siglo xx. 6 Inicia el programa con la Sonata para saxofón alto y piano, del compositor estadounidense William Albright (1944-1998), escrita en 1984, que se ha convertido en una de las piezas del repertorio para saxofón más interpretadas internacionalmente. Se podría categorizar como ecléctica, estilo por el que fue reconocido su autor. El término ecléctico se refiere a una persona o estilo que fusiona características tomadas de varias fuentes. En el caso de la música de Albright podemos encontrar juntos diferentes estilos compositivos, como el minimalismo, la teoría de conjuntos, la atonalidad libre y el be-bop del jazz, al igual que referencias a músicas de diversas épocas históricas y contextos sociales. Albright « (…) es capaz tanto de lirismo elegíaco como de fuerza brutal y de alternar instantáneamente entre estilos» (O’Riordan, 2003, p. 2). La Sonata para saxofón alto y piano es un homenaje al compositor George Cacioppo (1926-1984), quien influenció profundamente el pensamiento de Albright como compositor. Juan Camilo Trujillo (2022) observa que la sonata, estructurada en cuatro movimientos, es «(…) un verdadero trabajo de música de cámara entre los dos instrumentos: hay una exigencia grande al saxofón en la calidad del timbre y del sonido, para lograr entrar dentro de la sonoridad y la afinación del piano». Fue apenas a comienzos de los años noventa cuando el país empezó a ser seducido por una música que llevaba varios siglos de desarrollo en la costa Pacífica. Sus orígenes se remontan a los pueblos y reinos del Congo, de Angola, de Benín, de Mali, de Ghana, entre otros, de donde provinieron numerosos hombres y mujeres que llegaron forzados a la América del Sur, y en especial a los actuales países de Ecuador y Colombia, donde se encontrarían con los grupos indígenas, forzados por las avanzadas del colonialismo hispánico, desde el siglo xvii (Vanín, 2013, p. 10). Así inicia el poeta Alfredo Vanín Romero su texto José Antonio Torres Solís ‘Gualajo’: El hombre de las marimbas encantadas, recordando los orígenes de los pobladores de nuestra región Pacífica y subrayando el reconocimiento tardío de sus músicas. Gualajo, del saxofonista, compositor, arreglista y educador Omer Rueda (n. 1984), es un homenaje a uno de los máximos exponentes de esas músicas ancestrales: Gualajo [1940-2018] logró en su recorrido vital, como hombre y como músico, la ‘profundación’ de la que hablan los poetas orales del Pacífico. Su cosmovisión ligada a la naturaleza, su genio reposado, pero a la vez alerta, sus propuestas interpretativas, le permitirían abrir trochas inesperadas en la estética contemporánea de las músicas de marimba. Toda su vida se podría resumir en el grito de guerra con el que tituló uno de sus álbumes: ¡Esto sí es verdás!, o el autollamado que se hace en el álbum Tributo a nuestros ancestros: “¡Toca un bambuco viejo, Gualajo, carajo!” (Vanín, 2013, p.15). 7 La estructura de Gualajo, para saxofón alto solo, está concebida a partir de la llamada proporción aúrea2. De acuerdo con el compositor, Gualajo funciona de la siguiente manera: En la primera sección (introducción) se hace un registro con los diferentes materiales armónicos, melódicos y rítmicos que serán desarrollados a lo largo de la pieza. La sección A toma como base el ostinato del bordón de bambuco viejo, enriquecido en ocasiones con diferentes repiques y figuraciones rítmicas que le aportan densidad y movimiento, sobre lo cual se introducen patrones tradicionales de ondeada y revuelta (…) la sección B muestra un desarrollo rítmico‐melódico, de la mano con una expansión gradual de la tesitura, sobre figuraciones y repiques que dan lugar al jondeo o punto climático y de mayor densidad de la obra. (…) La sección C contiene la recapitulación de los elementos expuestos en la A, estableciéndose nuevamente sobre el eje tónico inicial, cerrando el arco discursivo de la obra (Rueda, 2022). Rueda realizó sus estudios de pregrado en la Pontificia Universidad Javeriana y adelantó los de maestría en la Universidad Internacional de La Rioja (España). Ha sido integrante de diversas agrupaciones musicales y es creador (en 2015) y director de EnSax, ensamble de saxofones. Cuenta con una amplia experiencia como arreglista de música de cámara y música para ensambles, banda y orquesta, y sus obras originales para banda, ensamble e instrumento solo, las cuales han sido estrenadas en Colombia y España. Desde 2007 se desempeña como docente de tiempo completo en la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Christian Lauba (n. 1952), compositor y profesor francés nacido en Túnez, es conocido preferentemente por sus composiciones para saxofón. Estudió idiomas en la Université de Bordeaux, y música en el Conservatoire de Bordeaux con el compositor Michel Fusté-Lambezat. En 1993 fue nombrado profesor de análisis en el Conservatoire de Bordeaux y fue allí donde empezó a componer piezas con técnicas extendidas para el saxofón, incluyendo slap tonguing, respiración circular, multifónicos y el registro altísimo. En relación con estas técnicas, Lauba comenta: Realmente no invento nuevas técnicas, solo amplifico parámetros que ya existen (como la respiración circular en tantas músicas africanas o los slaps que muchos jazzistas han ido dominando desde el comienzo del jazz). Los slaps corresponden, 2 La proporción áurea es un número irracional que descubrieron pensadores de la Antigüedad, que puede hallarse en la naturaleza (flores, hojas, etc.) y en figuras geométricas y a la que se otorga un valor estético: aquello cuyas formas respetan la proporción áurea es considerado bello. La proporción, conocida también como razón áurea, número áureo o divina proporción, tiene una ecuación que se expresa como 1+√5, todo sobre 2, y el resultado es 1,61803398874989 etc. Se representa por la letra griega Φ (phi) en honor al escultor griego Fidias. 8 para mí, a los pizzicati de las cuerdas: ¡todos los violinistas pueden tocarlos, por lo que los saxofonistas también tienen que tocarlos! (Ensign, n. d.). En 1992, Lauba recibió del saxofonista Jean-Marie Londeix, profesor también en el Conservatoire de Bordeaux3, el encargo de escribir una serie de estudios para saxofón, proyecto al que dedicó dos años, trabajando de cerca con Londeix. El resultado fue un conjunto de nueve estudios, Neuf études pour saxophone, divididos en cuatro volúmenes, cada estudio centrado en una o más técnicas extendidas para el saxofón. Jungle es el cuarto de la serie. Es, con mucho, el estudio interpretado con mayor frecuencia de Lauba, probablemente debido a la emoción de las notas rápidas que recorren toda la pieza […] El sonido del slap tongue (‘golpe de lengua’) junto con esta ejecución rápida de notas crea una intensa sensación de energía musical; se genera un contraste dramático entre el fraseo legato de las notas rápidas y el chasquido consecutivo del slap tongue (Ku, 2010, p. 68). Takashi Yoshimatsu (n. 1953) es fundamentalmente un compositor autodidacta. Cuando tenía catorce años, tuvo acceso y estudió las partituras de las sinfonías de Beethoven y Tchaikovsky, lo cual lo impulsó a componer sinfonías. Después de ingresar a la escuela secundaria, comenzó a estudiar composición por su cuenta. Su manera de entender la composición para saxofón tiene particularidades: Yoshimatsu aborda la música para saxofón clásico como un nuevo género. Busca todos los sonidos posibles que el saxofón puede crear —desde un tono hermoso hasta ‘como ruido’— en sus composiciones. La combinación de diversos estilos musicales en una sola pieza es una de las características compositivas de Yoshimatsu, que se puede observar en Fuzzy Bird Sonata; sin embargo, no se limita a una sola manera. Este estilo único, con algunos desafíos técnicos, atrae a los saxofonistas y al público (Nestler, 2010, i). Como el título permite inferirlo, las aves son una fuente de inspiración para Yoshimatsu. Nestler anota que, según el compositor, los pájaros son los mayores ‘fabricantes de melodías’; el movimiento de las alas y el movimiento en el suelo crean el ritmo, y su propio estilo de vida se convierte en el modo de expresión musical (2010, p. 21). Dado este particular interés, Yoshimatsu escribió una serie de piezas de cámara basadas en un pájaro, llamada Tori (traducido como ‘pájaro’), de la cual hace parte Fuzzy Bird Sonata. La obra 3 Es precisamente en el Conservatoire de Bordeaux donde estudia el saxofonista Juan Camilo Trujillo, quien ha tenido la oportunidad de contar con la guía de una alumna de Londeix, Marie-Bernadette Charrier. 9 está dedicada al internacionalmente aclamado saxofonista japonés Nobuya Sugawa, quien la comisionó, y en su autobiografía plantea: Esta pieza mostró un camino hacia el saxofón clásico, que no es ni música clásica ni jazz. La Fuzzy Bird Sonata fue aceptada gradualmente por saxofonistas de otros países. No es exagerado decir que Fuzzy Bird Sonata me dio un boleto al mundo. Un día en un país extranjero, un desconocido me llamó: ‘Señor Fuzzy Bird’ (Nestler, 2010, p. 22). Referencias Ensign, C. (n. d.). Meet the Composer: Christian Lauba. The Saxophonist. Recuperado de https://www.thesaxophonist.org/ Ku, P.-Y. (2010). Four recitals and an essay: Christian Lauba and his saxophone etudes: from an historical perspective. Ottawa: Bibliothèque et Archives Canada. Nestler, E. (2010). The Influence of Japanese Composers on the Development of the Repertoire for the Saxophone and the Significance of the Fuzzy Bird Sonata by Takashi Yoshimatsu. (Tesis doctoral, University of North Texas). O’Riordan, K. (2003). William Albright’s Sonata for Alto Saxophone and Piano: A Study in Stylistic Contrast. (DMA document, Arizona State University). Rueda, O. (12 de mayo de 2022). Banco de la República: Gualajo en recital Juan Camilo Trujillo. [Entrevista por correo electrónico]. Trujillo, J. C. (13 de mayo de 2022). Recital Banco de la República. [Entrevista por correo electrónico]. Vanín, A. (2013). José Antonio Torres Solís ‘Gualajo’: El hombre de las marimbas encantadas. Ministerio de Cultura (Colombia). Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Santiago Cañón-Valencia (Colombia), violonchelo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical