Foto: Richard Puche Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 RICARDO PUCHE contrabajo (Venezuela) Felipe Calle, piano (Colombia) Miércoles 6 de marzo de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Paraninfo Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia Cód. PULEP: FPJ816 Jueves 14 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WQF359 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Ricardo Puche, contrabajo Nacido en Maracaibo, Venezuela, a los nueve años comenzó sus estudios de contrabajo con el Sistema Nacional de Orquestas Sinfónicas de Venezuela, de la mano de Fernando Caicedo y Luis Mora. Ha sido miembro de numerosos ensambles, entre ellos el Ensamble de Percusión del Fuego. Como miembro de la Orquesta Sinfónica Rafael Urdaneta obtuvo el puesto de principal, y con esta representó a Venezuela en varias giras nacionales e internacionales, incluyendo el Festival de la Cultura en Bérgamo (Italia), en el 2011. En el 2015 se radicó en Bogotá, donde adelantó estudios en la Universidad Nacional de Colombia con Jaime Ramírez Castilla. Ricardo ha sido miembro de la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá, agrupación con la que ha realizado montajes orquestales para empresas privadas; de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que representó al país en giras nacionales e internacionales, incluyendo la Gira Europa 2017; Filmex Producciones, donde trabajó como actor ejecutando el contrabajo en la serie de televisión Loquito por ti, de Caracol TV; la Big Band de la Universidad Nacional de Colombia; la Orquesta Filarmónica Nueva Filarmonía; la Big Band Sinfónica de Juan Carlos Coronel, y la Orquesta de las Américas, donde fue principal de fila y director, representando a Colombia y Venezuela –junto con el maestro Dominic Seldis, contrabajista principal de la Orquesta del Concertgebouw de Holanda– en Ucrania, Polonia, Alemania y Escocia. Fue ganador del festival Pirastro Elite Soloist, de la mano del maestro Jeff Bradetich en la University of North Texas en Denton (Estados Unidos). También fue seleccionado para participar en el Festival Internacional de Esmeraldas, en Quito (Ecuador), y en el programa Jóvenes Becarios para el Festival Internacional de Música de Cartagena 2019. Ricardo es endorser de la marca estadounidense de bajos eléctricos Lakland Basses en Colombia. Foto: Richard Puche 2 Felipe Calle, piano Culminó sus estudios con una beca del gobierno colombiano en el Cleveland Institute of Music en Cleveland, Estados Unidos, bajo la tutela de Anita Pontremoli y Elizabeth DeMio. Actualmente reside en Bogotá donde actúa de manera continua en las más importantes salas de la ciudad y del país. Ha participado como pianista acompañante en diferentes eventos como el Vancouver International Art Song Festival en Canadá, el Fórum Internacional de flauta y piano en Luxemburgo, el Instituto Franz Schubert en Viena y el Curso de Verano para jóvenes cantantes liricos en Sant’Angelo in Vado en Italia. Ha recibido clases magistrales con Martin Katz, Elly Ameling, Margo Garrett, Roger Vignoles, Julius Drake, el compositor Jake Heggie y los solistas de la Academia de Música Antigua de Berlín. En Colombia recibió su título de pianista en el Conservatorio de la Universidad Nacional bajo la dirección de Ángela Rodríguez, habiendo adelantado estudios de música de cámara con Robert De Gennaro. Ha actuado como pianista en diferentes certámenes como el Taller Nacional de dirección Coral, el Festival de Música Sacra de Bogotá, el Concurso Nacional de Corno, el Encuentro Latinoamericano de Flauta organizado por la Universidad Nacional y la Academia Nacional de Oboe. Ha sido solista con las Orquestas Sinfónica Juvenil y del Conservatorio de la Universidad Nacional y ha grabado en vivo para diferentes emisoras culturales de Bogotá, así como para la serie monográfica de compositores colombianos del Banco de la Republica en el 2017. Se ha desempeñado como pianista correpetidor de los talleres de Canto Lírico del Teatro Colón y en las Universidades Nacional de Colombia, Central, Javeriana y de los Andes. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de Próximos conciertos en Tunja DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta (Colombia) Juan Carlos de la Pava, piano (Colombia) Jueves 5 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m Auditorio Eduardo Caballero Calderón de la Gobernación de Boyacá TROMBONE UNIT HANNOVER, octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m Teatro Suárez CÓD. PULEP: DVB444. CSM699. 3 PROGRAMA Sonata T. 40 (s. f.) Allegro Moderato Adagio Rondo-Moderato JOHANN MATTHIAS SPERGER (1750-1812) Original para contrabajo y viola Adaptación para contrabajo y piano por Klaus Trumpf (n. 1940) Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ (s. f.) GIOVANNI BOTTESINI (1821-1889) Para contrabajo y piano INTERMEDIO Sonata para el bajísimo, para piano imaginario y contrabajísimo (2015) Andante Adagio Alegre triste SANTIAGO PASCUAL PIANUD (n. 1990) Sonata 1963 (1963) Slow and Peaceful Moderate 4 – Swing Molto adagio Allegro energico FRANK PROTO (n. 1941) Para contrabajo y piano Bass Trip (2003) PĒTERIS VASKS (n. 1946) Para contrabajo solo CONCIERTO No. 9 4 NOTAS AL PROGRAMA El contrabajo es un instrumento que se ha mantenido en constante desarrollo, pese a lo cual hoy día no existe una versión completamente estandarizada del instrumento respecto a su método de afinación, número de cuerdas, tipos de arcos empleados y muchos otros elementos de construcción que sí se han estabilizado en los demás instrumentos de cuerda frotada. A través de la historia, el contrabajo se ha caracterizado por una enorme flexibilidad en relación con los estilos musicales con que puede asociarse: desde ensambles de cámara y de jazz hasta bandas, orquestas y otras agrupaciones vernáculas han incluido al contrabajo como miembro estructural en sus formatos y géneros. Paradójicamente, uno de los instrumentos más grandes y aparatosos en la historia de la música se caracteriza por su marcada adaptabilidad a los diferentes géneros. El concierto que hoy nos convoca reúne tradiciones que vienen desde los inicios del repertorio solista de los siglos XVIII y XIX y se encuentran con las diversas exploraciones del contrabajo en la estética de los siglos XX y XXI. El programa hace un recorrido por cuatro siglos de historia vistos desde la inesperada perspectiva de un contrabajo. Johann Matthias Sperger (1750-1812) · Sonata T. 40 La obra que abre el programa pertenece a uno de los compositores más representativos de la escuela vienesa de contrabajo del siglo XVIII. Johann Matthias Sperger nació en 1750 en Feldsberg (hoy conocida como Valtice, en la República Checa) y murió en la ciudad alemana de Ludwigslust en 1812. Reconocido como un virtuoso instrumentista y prolífico compositor en pleno apogeo del Clasicismo, Sperger inició estudios musicales en su ciudad natal y alrededor de 1767 viajó a Viena para formarse en composición con Johann Georg Albrechtsberger. Después de los primeros años en Viena, su carrera profesional, itinerante y relativamente inestable, lo llevó por diversas ciudades europeas para desempeñarse no solo como contrabajista o compositor, sino también como afinador de pianos, copista y profesor de oboe y fagot. Finalmente se estableció en Ludwigslust en 1789 y, desde entonces, consolidó su producción como compositor y contrabajista. Dejó un legado de cuarenta y cinco sinfonías, más de treinta conciertos (dieciocho de ellos para contrabajo) y varias obras para ensambles de cámara. La Sonata T. 40 fue compuesta inicialmente para contrabajo y viola cuando Sperger, aún radicado en Ludwigslust, viajó a Italia en 1789; por esta razón, en el manuscrito original de la obra el compositor se identifica como Sige. Giovanni Sperger. El investigador y contrabajista Klaus Trumpf consolidó, 5 a finales del siglo XX, la Sociedad Internacional Johann Mathias Sperger y se dedicó a la recuperación y reedición de su obra; por eso, la mayoría de sonatas para contrabajo y piano de Sperger que actualmente se conocen son el resultado de la labor de Trumpf. En el caso particular de estas sonatas, la readaptación no consistió solamente en pasar la parte de la viola acompañante al piano, pues la parte de contrabajo también debía acomodarse a la afinación del contrabajo moderno. En el siglo XVIII, el contrabajo empleado en Viena era más cercano al violone o a la viola da gamba que al contrabajo actual; el empleado por Sperger era un instrumento de cinco cuerdas, con trastes movibles y afinado a la manera vienesa1. Siguiendo el esquema tradicional del género, la Sonata T. 40 está organizada en tres movimientos. El primero es una forma sonata cuyo contraste temático, además de mantener el conflicto y resolución tonal propios de esta forma, presenta cambios de carácter musical que pueden asociarse a diversos personajes de una ópera; el primer tema es imponente y vigoroso, mientras que el segundo se caracteriza por su melodía vocal y bien conectada en los diferentes registros. Las secciones de transición sorprenden a la audiencia con células rítmicas que 1 Como se mencionó anteriormente, el contrabajo es el único instrumento de cuerdas frotadas que ha mantenido vigentes diferentes tipos de afinación. Si bien la afinación por cuartas se considera el sistema más ‘tradicional’ para el instrumento y actualmente se emplea en la mayoría de las orquestas, otros tipos de afinación reaparecen frecuentemente respondiendo a repertorios específicos. A continuación se presentan los tipos de afinación más conocidos para el instrumento: Afinación “tradicional” Afinación vienesa Afinación solista Afinación por quintas Este tipo de afinación coexistió con otros sistemas desde el siglo XVIII y se consolidó desde finales del XIX como el más estable a nivel mundial. Actualmente, la afinación por cuartas es el sistema empleado por las orquestas profesionales. Es un sistema más cercano al violone y se empleó especialmente en Viena durante el siglo XVIII. Con este tipo de afinación se concibieron las obras de Dittersdorf, Vanhal, Sperger e incluso la música orquestal del momento. La idea de afinar el contrabajo un tono arriba a partir del sistema tradicional permite que el instrumento tenga un timbre más brillante. Este sistema fue empelado frecuentemente por Bottesini (aunque en un bajo de tres cuerdas) y en la actualidad la mayor parte del repertorio solista se escribe para este tipo de afinación. Esta afinación se empleó con frecuencia durante el siglo XVIII en toda Europa (excepto en Alemania y Austria), y progresivamente fue reemplazada por la afinación por cuartas. En la actualidad, algunos contrabajistas, como Joel Quarrington, han retornado a este sistema. 6 exploran el registro a través de arpegios, mientras que las secciones de cierre mantienen un estilo ágil y descomplicado. El segundo movimiento presenta una línea melódica que se desenvuelve con naturalidad a medida que responde a los diversos contrastes dinámicos e inflexiones armónicas propuestas por el piano. La sonata cierra con un rondó cuyo estribillo inicial, optimista y brillante, alterna con cada uno de los episodios, que proponen contrastes emocionales al acentuar los cambios tonales de cada parte. A medida que el estribillo reaparece después de cada sección contrastante, se recupera el carácter inicial de manera casi humorística, y con cada repetición parece haber una ligera improvisación en el estilo de la época. Giovanni Bottesini (1821-1889) · Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ La obra de Giovanni Bottesini fue determinante para el desarrollo del contrabajo como instrumento solista. A lo largo del siglo XIX surgieron compositores que propulsaron la escritura idiomática para sus instrumentos, expandiendo hasta el límite las capacidades técnicas de estos. Fue así como la figura de este virtuoso itinerante que deslumbraba a las audiencias con su pirotecnia instrumental se popularizó por todo el mundo. El caso de Bottesini sigue la tendencia marcada por Lizst y Thalberg en el piano, o Paganini y Vieuxtemps en el violín: no en vano recibió el sobrenombre de ‘Paganini del contrabajo’. En este tipo de compositores virtuosos era común recurrir a la popularidad de las más reconocidas óperas del momento para captar rápidamente la atención de las audiencias; mediante las fantasías instrumentales sobre una ópera, el compositor podría desarrollar obras de gran envergadura enlazadas por la familiaridad temática de cada ópera, al tiempo que centraría su atención en una búsqueda irrefrenable de recursos virtuosísticos. La Fantasía sobre ‘La Sonnambula’ es una obra temprana de Bottesini. Compuesta durante sus últimos años como estudiante en el Conservatorio de Milán e incluida recurrentemente en sus múltiples viajes alrededor del mundo, fue carta de presentación del compositor en la que reflejaba la sinergia creada por la exuberancia melódica del bel canto italiano y el tour de force instrumental característico del repertorio virtuoso del momento. La obra está estructurada en tres secciones que se presentan después de una virtuosa introducción por parte del contrabajo. La primera de ellas se basa en el quinteto D’un pensiero, tomado del final del primer acto de la ópera de Bellini. Posteriormente, luego de un breve interludio del piano se presentan tres variaciones sobre el número final de la ópera, y después de un segundo interludio del piano se alude brevemente a otro material melódico tomado del Acto I de la ópera, para desembocar en la coda. A medida que la obra llega a su final, las exigencias técnicas parecen acumularse con prontitud para cerrar de manera eufórica y triunfal esta fantasía. 7 Santiago Pascual Pianud (n. 1990) · Sonata para el bajísimo La vida itinerante del compositor colombiano Santiago Pascual Pianud le ha permitido reflejar en su obra diversas tradiciones y estilos musicales que cobran vida a través de una propuesta estética muy personal. Pianud nació en 1990 en Cartagena, donde inició su formación musical, y posteriormente viajó a Cuba para continuar sus estudios de piano y, de teoría y contrapunto. En el 2009 ingresó al Conservatorio Superior de Estrasburgo para estudiar composición y piano. Luego de una estadía de tres años regresó a Colombia para radicarse en Bogotá e ingresar, en el 2014, al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia como estudiante de composición. El estilo musical de Pianud es bastante ecléctico y delata una profunda admiración por diversos estilos de música que, al interactuar creativamente, proyectan un lenguaje muy personal caracterizado por la curiosidad, la reflexión y el balance entre la sátira y la sofisticación. En su obra ha explorado diversos géneros que incluyen desde grandes agrupaciones, como la orquesta y la banda sinfónica, hasta ensambles de cámara en varios formatos. En la actualidad ha centrado su interés en la composición para el proyecto Sexteto Pinó Moré, donde se desempeña como director. La Sonata para el bajísimo surgió en el 2015 como un proyecto académico cuyo objetivo era componer una obra para un instrumento de cuerda frotada y piano. Al ver que el formato para contrabajo y piano no había sido tan desarrollado como otras combinaciones disponibles, Pianud asumió el reto de explorar y enriquecer este repertorio; entonces, después de un periodo de investigación sobre el instrumento y las obras escritas para este, se cristalizó la sonata, dispuesta en tres movimientos que exploran diversos estilos musicales y las sinergias tímbricas provenientes de ambos instrumentos. El título de la obra busca despertar la curiosidad de la audiencia y formar un juego de palabras que describen algunos criterios de construcción. Si bien la expresión el bajísimo puede asociarse morbosamente a pasiones profundamente oscuras o prohibidas, progresivamente la obra desarrolla las relaciones tímbricas entre el contrabajísimo y un piano que en ocasiones parece estar casi ausente ‘como un amigo imaginario’, pues su timbre no debe opacar la proyección del contrabajo. Por otra parte, ambos instrumentos se modifican ligeramente para generar nuevas relaciones sonoras: los borradores insertados en el piano permiten emular la agonizante proyección del pizzicato en el contrabajo, mientras que el empleo de un plectro en el contrabajo produce un ataque del sonido particularmente angular. La obra cierra con un Alegre triste que recurre al tradicional virtuosismo de los finales que convergen en el éxtasis de la danza; en este caso, desde una alusión a la cumbia, los instrumentos de forma gradual se desdibujan psicodélicamente 8 para escapar de la tristeza de su despedida. Con un último aliento, la sonata cierra con el satírico retorno de uno de los motivos más empleados en nuestro contexto para finalizar las obras. Frank Proto (n. 1941) · Sonata 1963, para contrabajo y piano Frank Proto nació en Brooklyn, Nueva York. Inició sus estudios de piano a la edad de siete años y solo hasta los dieciséis centró su interés en el contrabajo; posteriormente finalizó su carrera académica en la Manhattan School of Music, bajo la orientación de David Walter. La Sonata 1963 surgió realmente de la necesidad de encontrar una obra para ser incluida en su recital de grado. Fue su primera composición y, de alguna manera, da cuenta de la sinergia de estilos musicales en los que Proto se desenvolvía: durante la década de los sesenta estuvo vinculado a varias orquestas y ensambles de cámara, al tiempo que se movía con facilidad en los principales clubes de jazz de la escena neoyorquina. Desde 1966 se vinculó a la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, donde por más de treinta años pudo dedicarse a profundizar en sus inclinaciones hacia la composición, lo que resultó en un extenso catálogo de obras. La producción de Proto abarca composiciones y arreglos para diversos formatos instrumentales de cámara y orquestales, así como un amplio listado de obras para contrabajo que han gozado de gran difusión internacional; muchas de ellas son consideradas parte fundamental del repertorio contemporáneo para el instrumento. Con la Sonata 1963 Proto buscaba crear una obra que proyectara una identidad típicamente norteamericana y, de manera particular, que reflejara sus propios y más cercanos intereses: la música académica y el jazz. Si bien la obra está organizada en cuatro movimientos, realmente se articula en dos grandes secciones, cada una de las cuales agrupa dos movimientos. Cada sección inicia con un movimiento lento de carácter casi elegíaco, que desemboca en otro movimiento enérgico e intensamente dinámico. La obra finaliza con una propuesta intrincadamente contrapuntística en la que reaparecen diversos elementos que han participado en los movimientos anteriores. Pēteris Vasks (n. 1946) · Bass Trip, para contrabajo solo Pēteris Vasks nació en Aizpute (Letonia), donde inició sus estudios de composición y contrabajo, para continuarlos más adelante en Riga. Allí, rápidamente logró vincularse como contrabajista a varias orquestas profesionales, al tiempo que se mantuvo siempre activo como compositor. En la actualidad, Vasks se desempeña como profesor de composición en Riga y su reconocimiento en esta área ha escalado internacionalmente. Sus obras se caracterizan por el empleo de sonoridades atmosféricas que envuelven a la audiencia en un halo 9 meditativo dentro del cual resuenan de modo intermitente ciertos elementos de la tradición musical letona. A su estilo de composición se asocia un carácter reflexivo en el que sonoridades espiritualmente contemplativas contrastan con disrupciones trágicas que parecen retratar las dicotomías propias de nuestros días. Si bien Vasks posee un conocimiento profundo del contrabajo y se desempeñó profesionalmente como contrabajista por muchos años, su catálogo de composiciones se centra preferiblemente en formatos orquestales, corales y ensambles de cámara. Su listado de obras para contrabajo solo contiene dos títulos: una sonata para contrabajo solo, compuesta en 1986, y Bass Trip, obra que cierra nuestro encuentro. Bass Trip fue comisionada para el concurso musical ARD celebrado en Múnich en el 2003. La obra dura aproximadamente diez minutos y está compuesta en un solo movimiento que se desenvuelve a través de los contrastes entre una sonoridad basada en células melódicas acompañadas casi a manera de coral y elementos angularmente rítmicos que incrementan la tensión progresivamente para preparar vehementes alusiones al material inicial. Bass Trip se desarrolla en forma cíclica acumulando cada vez mayor intensidad, hasta desembocar en una coda caracterizada por un estado de apaciguada introspección, donde el intérprete debe cantar o silbar mientras se acompaña a ritmo de vals desde el contrabajo. En este epílogo, la melodía –que parece haber estado escondida a lo largo de toda la obra– y la sencillez del acompañamiento cierran de forma sublime los contrastes emocionales que propulsaron progresivamente toda la pieza. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. ENSAMBLE LINEA (Francia) Jean-Philippe Wurtz, director (Francia) Domingo 17 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Domingo 31 de marzo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Florencia, Girardot, Ibagué, Leticia, Neiva y Popayán SEBASTIÁN CRUZ TRÍO jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 7 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cartagena, Montería y Sincelejo HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio Cód. PULEP: FMI890. HZJ132. FBK975. VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. DECISO DÚO, flauta y guitarra Jueves 21 de marzo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Quibdó MUSGO, música contemporánea Jueves 4 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín MANUELA WANUMEN, violín Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali Cód. PULEP: IUN286. JWE864. HXW120. ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos en Bogotá $6.000 SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos en Bogotá $10.000 ENSEMBLE LINEA - Foto. (c) Ensemble Linea DECISO DÚO - Foto. Ariel Arango Prada Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en

Foto: Jorge Andrés Estayo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DIEGO LARGO bandola (Colombia) Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Pereira, Sala Múltiple de la Agencia Cultural del Banco de la República PULEP: KVU167 Jueves 13 de junio de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: IZX751 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Jorge Andrés Estayo DIEGO LARGO, bandola Diego Largo es estudiante de la Licenciatura en Música en la Universidad Tecnológica de Pereira (UTP) desde el 2012; bandolista en Sinapsis Ensamble, y en Dueto Mejía y Valencia; y director de la Estudiantina Sinapsis UTP con la que ha participado en diferentes eventos nacionales. Pertenece, como concertino, a la Orquesta de Cuerdas Pulsadas de Risaralda (OCPR) desde su primera temporada. En la misma orquesta actuó como director invitado en la temporada 2018. Con Sinapsis Ensamble realizó la producción discográfica Binaural y obtuvo los siguientes reconocimientos: Primer puesto en la Modalidad de Grupos Instrumentales (XXVII Festival Nacional del Pasillo Colombiano), Gran Premio Mono Núñez en la Modalidad Instrumental (XLI Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez) y Mejor grupo Tradición 2015 (I Festival Nacional de Música Colombiana Tradición). Ha participado en clases magistrales de bandola con Fabián Forero, Oriana Medina y Ricardo Sandoval; y de dirección con Germán Posada y Fernando Bustamante. Fue seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2019 y presentarse en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Diego Largo actuará con el acompañamiento de Julián Castro (bandola), Stewart Jaramillo (guitarra), Luisa Mañunga (contrabajo) y Daniel Bañol (percusión). El concierto en Pereira cuenta con el apoyo de 2 Michel (c. 1988) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) Original para bandola, tiple y guitarra Adaptación para bandola sola por Oriana Medina Berceuse (2007) FABIÁN FORERO VALDERRAMA (n. 1966) Original para bandola sola Estudio No. 6 (2002) Original para bandola sola El calavera (s. f.) PEDRO MORALES PINO (1863-1926) Original para piano Arreglo para bandola sola por William Posada El saltarín (1976) LUIS LAGUNA (1926-1984) Original para conjunto de música popular venezolana Adaptación para bandola y guitarra por David Ciro Danza de los amantes efímeros de Tres paisajes colombianos (1994) FRANCISCO GONZÁLEZ (n. 1953) Original para violín y guitarra Adaptación para bandola y guitarra por Diego Largo Canaro en París (1925) ALEJANDRO SCARPINO (1904-1970) y JUAN CALDARELLA (1891-1978) Original para piano Arreglo para bandola y guitarra por Diego Largo Tiquiriquitica (2017) STEWART JARAMILLO (n. 1997) Original para bandola y guitarra Fla-flu (c. 1938) JOSÉ MARÍA DE ABREU (1911-1966) Original para conjunto de música popular brasileña Arreglo para bandola y guitarra por Diego Largo INTERMEDIO PROGRAMA 3 Brasilerinho (c. 1950) WALDIR AZEVEDO (1923-1980) Original para conjunto de música popular brasileña Arreglo para dos bandolas por William Posada El fusagasugueño (1888-1889) PEDRO MORALES PINO Original para piano Arreglo para dos bandolas por Germán Posada Blue Bossa (c. 1963) McKINLEY HOWARD ‘KENNY’ DORHAM (1924-1972) Arreglo para bandola, guitarra, contrabajo y percusión por Tritijazz Armaggedon (1964) WAYNE SHORTER (n. 1933) Arreglo para bandola, guitarra, contrabajo y percusión por Tritijazz Reincarnation of a Lovebird (c. 1960) CHARLES MINGUS (1922-1979) Arreglo para bandola, guitarra, contrabajo y percusión por Tritijazz CONCIERTO No. 28 4 NOTAS AL PROGRAMA Tenemos para este concierto a un joven bandolista, claro representante de las generaciones recientes que se abren a múltiples espacios de sentido, en tanto conocen y son producto de tradiciones locales, pero a su vez tienen estudios musicales paralelos en escuelas populares, instituciones universitarias y con reconocidos instrumentistas. Además de ello, interactúan con muchos otros músicos y tipos de música, y son exitosos en múltiples proyectos y agrupaciones artísticas. En el caso de la bandola, Diego Largo lo explica de varias maneras pese a que siempre aparecen términos relacionados (‘académico’, ‘academización’, ‘profesionalización’): «Llevo ocho años con la bandola […] comencé en la universidad y en la Estudiantina Sinapsis […] mi profesor fue Oscar David Ríos y he tenido clases magistrales con Germán [Posada], con Ricardo Sandoval, Diego Saboya, Fabián Forero, Oriana Medina...». Es bonito escucharlo hablar del pasado reciente como un referente fundamental, del cual se siente continuador y al que hay que seguir aportando. «Uno siente que Bogotá ha sido la cuna, con ustedes, pero desde hace rato en otras partes surgen procesos muy interesantes […] gracias a que [la bandola] lleva en la academia un tiempo, corto si se compara con el violín o la guitarra, pero está dando lugar a procesos sólidos». Diego Largo sienta su postura claramente: «[La bandola] es un instrumento muy nutrido, con mil posibilidades, con un gran campo de exploración». Y tal vez eso es lo más interesante de la bandola actual, aunque una somera revisión histórica da cuenta de que, en mayor o menor grado, así ha sido a lo largo de su existencia. El instrumento y las prácticas musicales con él son variopintas, múltiples, incluso contradictorias, pero se han dado saltos cualitativos importantes: por ejemplo, ya no se da la ‘pelea’ acerca de cuál es ‘la verdadera bandola’, pensándola desde su construcción y morfología. Nos reconocemos en múltiples modelos, en tendencias constructivas y de sonoridad, en propuestas que nacen por todas partes, en el desarrollo de la familia instrumental, y en la creación de instrumentos diseñados para la iniciación infantil, entre muchos otros retos, propuestas y hallazgos. Otro tanto puede decirse del repertorio o de las técnicas para su interpretación. A pesar de la homogenización que está casi que implícita en la rigidez de los planes de estudios universitarios, la misma práctica del aula, la creatividad de los músicos y la conexión con la realidad artística aseguran la heterogeneidad. 5 Para este concierto, Diego Largo planteó tres tipos de acercamientos. En primera instancia, la bandola solista o en dueto, dando cuenta de una producción cada vez mayor y en reconocimiento a quienes lo han guiado. En segundo lugar, el dúo con guitarra para interpretar principalmente música latinoamericana y para desarrollar propuestas de escritura. Finalmente, un tipo de formato acústico en el que ubica su exploración en otro tipo de inquietudes. Fabián Forero Valderrama (n. 1966) es el más destacado bandolista de las últimas generaciones y el primero que se comprometió con la construcción y publicación de un repertorio solista propio del instrumento. Es el mejor ejemplo de la dinamización académica de la bandola. En una época en que no existían espacios de estudio profesional del instrumento en el país, se hizo merecedor de una beca en Europa que culminó exitosamente en el 2000, cuando se tituló en instrumentos de plectro en España. Docente universitario del instrumento y de otras asignaturas, realizó las dos publicaciones fundacionales de repertorio para bandola solista, que son hitos para el instrumento y que, mediante su estudio, han abierto caminos a otros. En este concierto, Diego Largo nos presentará una obra de cada publicación: la bellísima Berceuse (Canción de cuna) compuesta en el 2007 y el Estudio No. 6, compuesto en 1999 y publicado en el 2003, que es mucho más técnico. «Las escogí por el contraste entre ellas, mientras la canción de cuna me permite explorar los colores y la expresividad intimista, el estudio es más de carácter fuerte» (Forero, 2007). Uno de los caminos abiertos por las publicaciones de Fabián Forero fue tomado por Oriana Ximena Medina Parada, estudiante de Forero en la Maestría de Interpretación en Bandola, quien culminó su proceso con la grabación y partituras de adaptaciones que elaboró sobre diversos géneros y autores de la región andina colombiana. Cito las palabras de Forero, en el prólogo de la publicación: En estas versiones para bandola solista, aspectos como la precisión y la intensidad rítmicas de los géneros trabajados; el vuelo y el esplendor melódicos de las frases; el gusto en la armonización y el encadenamiento de los acordes; la diversidad y pertinencia de las texturas exploradas, son conseguidos con total efectividad. Amplia y diversa es esta paleta de recursos técnicos (Medina, 2016, p.10). El pasillo Michel (c. 1988), del guitarrista tolimense Gentil Montaña (1942-2011), fue objeto de una de estas adaptaciones y, desde mi punto de vista, es uno de los más altos logros de dicho trabajo. Al respecto, el concertista de hoy menciona: «Ese pasillo… cuando lo toco… no me imagino cómo lo logró [la arreglista]». 6 Un juicio similar aplica al arreglo elaborado por William Humberto Posada Estrada para el emblemático pasillo El calavera, sin fecha de composición precisa y grabado en Nueva York en julio de 1910 por la Lira Antioqueña para Columbia Records. Su compositor es Pedro Morales Pino (1863- 1926), a quien los discursos nacionalistas de primeras décadas del siglo XX convirtieron en el mito fundacional de lo que en la época se denominaba ‘música colombiana’. Sin lugar a dudas, la apuesta por un formato de moda (la estudiantina de origen español), con instrumentos locales (bandola y tiple), el manejo de un amplio repertorio que incluyó desde fragmentos de música ‘clásica’ hasta la presentación de obras originales en géneros locales, la apuesta por la internacionalización del grupo y del repertorio (giras internacionales, intención de grabar) fueron fundamentales para este posicionamiento del compositor, director, arreglista y bandolista. También de Morales se nos presenta el bambuco El fusagasugueño, compuesto entre 1888 y 1889 según Jaime Rico Salazar, durante una estadía del compositor en el municipio cundinamarqués de Fusagasugá. El arreglo para dos bandolas es de Germán Albeiro Posada, hermano de William, uno de los más importantes dinamizadores de conjuntos de cuerda pulsada en el país. A Francisco González (n. 1953) lo conocimos a comienzos de este siglo, en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango con ocasión de la venida de una agrupación que se nos tornó emblemática: el ensamble Recoveco, un conjunto de colombianos y venezolanos radicados en Francia. Este manizalita, con estudios en guitarra y composición, y esta agrupación, acuñaron por entonces un término interesante y polémico para su manera de enfrentar el repertorio: música tradicional evolutiva. Con ello quisieron señalar «…la importancia de la espontaneidad y creatividad en cuanto a la ejecución (improvisación, variación) y una gran libertad en la instrumentación (casi siempre acústica), además del respeto de las normas estilísticas…», como lo escribió Cristóbal Soto en el cuadernillo de su primera producción discográfica, en 1997. La Danza de los amantes efímeros comienza con un vals, que va alternando con una sección lenta y expresiva en compás cuaternario. Original para guitarra y violín, fue grabada en la segunda producción titulada Recoveco bicho… y hecho, del año 2001. Las obras de compositores colombianos escogidas para este concierto terminan con Tiquiriquitica de Stewart Jaramillo (n. 1997), compañero de vida y andanzas de Diego Largo. Es una obra original para ellos dos, para guitarra y bandola, un bambuco «de carácter un poco más contemporáneo, moderno en cuanto a la armonía y la forma, con melodías no tan cantábiles 7 […] es una manifestación de nuestra actualidad», comenta al respecto. ¿La razón del título?: una incógnita. Luis Laguna (1926-1984) es toda una institución en la música popular venezolana, fundamental para el desarrollo de lo que más adelante se llamaría la ‘onda nueva’: una tendencia de la música popular venezolana cargada de influencias brasileñas, corriente no muy aceptada en sus principios y atacada por la más pura ortodoxia de las escuelas de música de la época. Su merengue venezolano El saltarín, compuesto en 1976, es una bella muestra de ese estilo intermedio entre una música de tradición urbana con un estilo decantado desde comienzos del siglo XX, y toda la explosión actual de lenguajes. Por otra parte, no podía faltar un tango. Alejandro Scarpino (1904-1970), bonaerense, fue bandoneonista, director de orquesta y compositor del tango, mientras Juan Caldarella (1891-1978), de origen italiano, fue guitarrista, director de orquesta, compositor y actor, quien desarrolló su carrera también en el tango. Diversas fuentes dicen que, como homenaje a la importante gira que hizo el grupo de Francisco Canaro en Francia en 1925, Scarpino bautizó de esa manera a un tango ya compuesto pero aún sin título, cuando leyó el titular de una crónica periodística mientras iba en tranvía. La partitura de Canaro en París tiene el subtítulo Gran tango de salón para piano y es una de esas piezas espectaculares por su diseño melódico. En el arreglo para bandola y guitarra de Diego Largo, se presenta elementos de exploración de bandola solista. Originarios de Brasil, hay dos temas con tintes identitarios. En primera instancia está el choro Fla-flu, de José María de Abreu (1911-1966), cuya partitura fue registrada en 1938. Es un título que recoge un momento importante de la entronización del fútbol como el deporte brasileño por excelencia, durante el paso de las ligas aficionadas hacia la profesionalización, en el Estado de Río de Janeiro, en la década de 1930. Periodistas de diarios como O Jornal do Sport y O Globo construyeron todo un escenario mediático y deportivo alrededor del partido entre los clubes cariocas Flamengo y Fluminense, y la sigla Fla-flu, debida a Mario Filho, deviene casi que una marca registrada del clásico partido entre los dos equipos. Por supuesto, los músicos también se sumaron a ello y Abreu, pianista, trompetista y guitarrista, quien trabajaba principalmente en emisoras de radio, aprovechó este auge para posicionar su composición. Por otra parte, el cavaquinhista Waldir Azevedo (1923-1980) registró en 1950 otro choro, Brasileirinho, que lo catapultó a la fama por su título y por la dificultad de su interpretación. Hay algunas fuentes que afirman que la composición data de 1947. Bien vale la pena mencionar que 8 Azevedo fue el más importante promotor del cavaquinho melódico y solista, ya que el rol del instrumento hasta ese momento era fundamentalmente de acompañamiento, en gran variedad de conjuntos y géneros1. El arreglo para dos bandolas explota, por supuesto, la velocidad de ambos instrumentistas, el intercambio de roles y diversos tipos de acompañamientos y efectos: en voces paralelas, en melodías contrapuntísticas, en acordes, con armónicos, percusión… Finalmente, se nos muestra un acercamiento al jazz, esta vez no desde la inclusión de elementos de géneros locales en un discurso jazzístico, tan común en estas épocas, sino desde una de sus prácticas más emblemáticas: tocar los denominados jazz standards. Diego Largo manifiesta que es parte de su proceso de aprendizaje, que le interesa ‘ir a las fuentes’, en este caso, a las fuentes de una práctica de improvisación ya decantada. Escucharemos tres clásicos del género. De McKinley Howard ‘Kenny’ Dorham (1924-1972), trompetista y cantante que formó parte de las orquestas de Dizzie Gillespie y de Billy Ecstine, así como del quinteto de Charlie Parker, su famoso Blue Bossa, grabado por vez primera en 1963. Wayne Shorter (n. 1933), saxofonista a quien consideran heredero de John Coltrane, fue un músico muy importante en el desarrollo del hard-bop, el jazz modal y la fusión, llegando incluso a incorporar elementos del funk en sus últimas producciones. Armaggedon apareció en el cuarto álbum de Shorter, titulado Nigth Dreamer, en 1964. Y de Charles Mingus (1922-1979), contrabajista, compositor, director de big-band y pianista, su célebre tema Reincarnation of a Lovebird, que fue grabado en el álbum homónimo de 1960. Para estas interpretaciones, tenemos un cuarteto acústico de bandola, guitarra, contrabajo y percusión (redoblante, charles, plato y percusión menor), cuyo nombre es Tritijazz, que hace un tratamiento tradicional del jazz, a lo que agregan lo que denomina ‘la rara’: introducciones y algunas secciones con otros lenguajes, entre lo atonal, lo aleatorio e incluso lo dodecafónico. Diego Largo ya funge como director en el campo de las cuerdas pulsadas y elabora arreglos para diversos formatos. Con la bandola está empezando a desarrollar un repertorio solista y quiere continuar su formación profesional con una maestría... Definitivamente, con sus calidades, la bandola y sus 1 Henrique Cazes, quien estuvo con su conjunto en la Sala de la Biblioteca Luis Ángel Arango hace años, en su método para este instrumento titulado Escola Moderna do Cavaquinho (Río de Janeiro: Lumiar Editora, 1988) afirma que este tipo de guitarra soprano tuvo su origen en Portugal para luego dispersarse por sitios como las Islas de Madeira, las Azores, Brasil, Indonesia y Hawai. Es antecesor del ukelele (pulga saltarina, en lenguaje local) tan popular en la actualidad en Colombia. prácticas se verán enriquecidas. «Quiero que este concierto sea una sorpresa, que el público se encuentre con algo que es exótico de alguna manera, que no suele encontrarse, abrirse a nuevos pensamientos y sonoridades, un encuentro entre culturas colombianas, latinoamericanas y estadounidenses». Referencias Forero, Fabián. 12 estudios latinoamericanos para bandola colombiana (Bucaramanga: Sic, 2003) y Arte y ejecución en la bandola andina colombiana. Diez estudios-caprichos (Bucaramanga: Sic, 2007). Medina, Oriana. (2016). Diez adaptaciones para bandola solista de géneros andinos colombianos. Manuel Bernal es candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. Foto. Fabián Medina PRÓXIMO CONCIERTO EN PEREIRA Sala Múltiple de la Agencia Cultural del Banco de la República Con el apoyo de la Emisora Cultural Remigio Antonio Cañarte MARÍA CRISTINA PLATA cantante (Colombia) Jueves 13 de junio · 7:00 p.m. PULEP: WKO183 CRISTIAN DEL REAL piano (Colombia) Jueves 22 de agosto · 7:00 p.m. PULEP: ZQJ817 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: XCL642. CPF877. LLL233. OAX481. ZNU727 PULEP: QGI573. TSH296. RBP923. BFV997 TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 Foto: Terry Vaught Foto. Laura Isabel Morales SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y novavetera PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio Con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio · 11:00 a.m.

Foto: Juan Felipe Calderón Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 LOS TAITAS trío de jazz (Colombia) Miércoles 8 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Santa Marta, Biblioteca Gabriel Garcia Márquez del Banco de la República PULEP: YXY137 Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo, CLENA PULEP: PPN491 Viernes 10 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Cartagena, Centro de Formación para la Cooperación Española PULEP: ADR767 Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: HQF982 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LOS TAITAS La unión de Juan Felipe Calderón (batería), Diego Pascagaza (bajo) y Giovanni Caldas (piano) ha dado lugar a la conjugación de diversos elementos. La música tradicional, la música contemporánea, la improvisación y la creación colectiva, unidas en composiciones propias del grupo y temas tradicionales, conforman la propuesta moderna y fresca de un nuevo jazz colombiano que surge en la ciudad de Bogotá. Este trío, que busca conservar un formato totalmente acústico, ha participado en varias temporadas del Festival Internacional de Jazz Universitario en Manizales (2014, 2015, 2017 y 2018), el Festival de Jazz en Medellín (2015), Sevijazz (2017) y otros importantes escenarios musicales a lo largo de sus cinco años de trayectoria. Actualmente el trío se encuentra promocionando su más reciente producción discográfica, Los Taitas, en la que hacen una propuesta profunda de nueva música colombiana. JUAN FELIPE CALDERÓN, batería Inició sus estudios musicales en el programa infantil de la Universidad de Caldas, en Manizales. En el 2004 ingresó a la banda sinfónica del Colegio San Luis Gonzaga como percusionista. En el 2008 ingresó a la carrera de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá, donde, en el 2015, obtuvo los títulos de ingeniero de sonido y maestro en música con énfasis en batería jazz. Ese mismo año recibió la beca Armand Zildjian para estudiar en el Drummers Collective de Nueva York. Ha participado en diferentes festivales nacionales e internacionales de jazz, músicas tradicionales y de la escena comercial. Actualmente lidera e integra diversas agrupaciones en la ciudad de Bogotá. DIEGO PASCAGAZA, bajo Inició su carrera a los once años. Es graduado del énfasis en jazz de la Pontificia Universidad Javeriana. Inició sus estudios musicales con Antonio ‘El pollo’ Burbano en Cali, en el 2006, y los continuó con Luis Ruiz, Fernando Silva, Alexander Cuesta Moreno y Luis Guevara. Ha participado en el Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez (2013 y 2014) con el grupo Afrotumbao, en el festival Salsa al Parque (2013) con la orquesta Barambada y en el Festival Nacional Antioquia le canta a Colombia (2014), en el que ocupó el primer puesto en la modalidad vocal como músico acompañante de la cantante Clarens Sánchez. 2 Trabajó con Ávila Estudios, donde participó como bajista en grabaciones para diferentes artistas. Con el quinteto de la pianista Melissa Pinto estuvo presente en los festivales de jazz de Cali, Pasto y Medellín, y en los años 2015 y 2016, con este mismo proyecto realizó una gira nacional programada por el Banco de la República. Ha tenido la oportunidad de trabajar con Nina Rodríguez, el grupo Caleidofonio, el saxofonista italiano Gianni Bardaro y la cantante Victoria Sur, invitado por su director musical, Nicolás Ospina. En la actualidad trabaja con diferentes proyectos en Bogotá, entre los que se destacan Cununao, Los Sobrinos, Afrotumbao y María Mulata. GIOVANNI CALDAS, piano Pianista, director y compositor nacido en Cali, ha trabajado con los artistas internacionales Oscar Stagnaro, Robby Ameen (baterista de Rubén Blades y de Seis del Solar), Dafnis Prieto (nominado como mejor álbum de latin jazz en los Latin Grammy), Gilberto Santa Rosa, Marcial Isturiz y Gerardo Rosales. Ha participado como pianista en grupos destacados en Colombia como ChocQuibTown, South People, Espiral 7, Punto Baré Big Band, El Callegüeso y la Mambanegra, Jorge Herrera and Friends, Herencia de Timbiquí, Sángo Groove y Afrotumbao. Ha hecho parte de los festivales Rock al Parque, Jazz al Parque, Petronio Álvarez, Festiafro, Ajazzgo, Atlantijazz, Tamborimba, Utopía Jazz Festival, Masái Jazz Festival, Bogotá Music Market y el festival de verano de Berklee School of Music, entre otros. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de El concierto en Cartagena cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Wiphala (2015) JUAN FELIPE CALDERÓN (n. 1990) El taita (2014) Doñacla (2013) Al alba (s. f.) TRADICIONAL Versión para trío de jazz por Los Taitas Transubstanciación (2015) GIOVANNI CALDAS CUÉLLAR (n. 1990) Aliteración (2017) EFMR7. Puyandé (2017) JUAN FELIPE CALDERÓN CONCIERTO No. 22 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso de acuerdo con las indicaciones que para ello brinden los artistas. 4 NOTAS AL PROGRAMA Suele decirse que la música está compuesta de tres elementos básicos e ineludibles: melodía, armonía y ritmo. Algunas veces, estos tres componentes son completamente evidentes, mientras que otras, alguno de ellos puede estar sutilmente escondido. El jazz es fiel al primero de estos casos y siempre, siempre, lleva melodía, armonía y ritmo. En el jazz primitivo, por ejemplo, para que una melodía manifieste la ambigüedad de sentimientos a los que esta música normalmente alude –alegría y melancolía–, no basta con que tenga una estructura pentatónica: también debe estar rítmicamente sincopada. Y si se pretende convertirla en verdadero jazz, debe acompañarse de una armonía con acordes más complejos que los simplemente triádicos1. Este método se repite, aunque con incontables variaciones, en todos los estilos de jazz que han surgido en cada rincón del mundo. En el jazz hay formatos instrumentales pequeños, en los que uno o dos músicos pueden lograr un buen balance entre melodía, armonía y ritmo. Instrumentos armónico-melódicos como el piano y la guitarra han sido utilizados en solitario, tanto en discos como en recitales, por músicos de la talla de Thelonious Monk y Joe Pass, entre muchos otros de cuya grandeza como jazzistas nadie dudaría. Cuando a estos formatos se suma una voz o un instrumento melódico, el resultado es una música con mayor capacidad expresiva: con más jazz y con más swing2. Pero dentro de los pequeños formatos, es quizá el trío el que permite un desarrollo más completo y complejo del lenguaje jazzístico, donde las melodías son más distinguibles, las armonías más audaces, y el ritmo más libre. Esta disposición permite, finalmente, sostener una pieza musical para que cada uno de los integrantes del combo haga alarde de sus capacidades como verdadero jazzista, es decir, como improvisador. Con tres jazzistas en tarima se cumple, además, con el 1 Una escala pentatónica está conformada por cinco notas, normalmente sobre una escala mayor o una escala menor. En las prácticas del blues y del jazz se toman notas prestadas de una u otra escala para lograr esa ambigüedad de sentimiento. La síncopa es el desplazamiento de los acentos en un compás, y es una característica común en la mayoría de la música que pueda clasificarse como jazz. Finalmente, un acorde triádico es aquel que se estructura sobre tres notas que no son inmediatamente seguidas en una escala (do-mi-sol, por ejemplo). En el jazz se agregan otras notas a estos acordes para llenarlos de tensión y de color. 2 Parece ser que la palabra jazz es una abreviación de jazz it up, una expresión callejera de Nueva Orleans (ciudad en la que nació este género musical), que invitaba a los músicos a incrementar la velocidad de lo que tocaban, para darle animosidad. Swing, por su parte, se entiende como un ritmo bailable, pues el jazz de las décadas de 1920 a 1940 –veinte años llamados ‘la era del swing’– era la música que se tocaba en los salones de baile, principalmente en Chicago y Nueva York. 5 requisito mínimo para entretener por largo rato a una audiencia, bien sea en la intimidad de los pequeños bares –el inexorable escenario del jazz– o en las salas de concierto de mediano y gran tamaño. Y dentro de la gran variedad de tríos que puedan conformarse con tanta gama de instrumentos, el formato con piano, contrabajo y batería –como el del concierto de hoy– es algo así como la santísima trinidad del jazz (en adelante se le llamará trío con piano a este formato). Este sentido de trinidad que comparte una única esencia ha llevado a algunos de los más grandes jazzistas, siendo los estadounidenses el mayor ejemplo, a grabar en formato de trío con piano. Lo hicieron los pianistas Duke Ellington, Thelonious Monk, Bud Powell, Oscar Peterson, Bill Evans, Keith Jarrett y un largo etcétera, liderando sus propios proyectos. También lo hicieron algunos contrabajistas, como Ray Brown, Charles Mingus y Eddie Gómez. A esta lista se suman los bateristas Max Roach y Art Blakey. Los discos que existen con este tipo de trío, que empezaron a producirse probablemente desde la década de 1950 y sin cesar hasta nuestros días, que sobreviven en las pocas tiendas de discos que aún no han cerrado y que están disponibles en el mundo digital son prueba de la trascendencia de este formato. Un buen trío con piano debe tener unas dinámicas de trabajo particulares. Hay un ideal detrás del quehacer jazzístico, que, aunque quizá haya sido romantizado y hasta politizado, no ha perdido vigencia y que en el trío debe tratarse con sumo cuidado. Se trata de la noción de democracia y libertad3. Democracia, en el sentido de que los involucrados en la práctica musical tienen, cada uno, voz y voto. Ninguno de ellos está acompañando a los demás, sino que está haciendo un aporte para que el resultado colectivo goce de lo que se dijo al principio: de melodía, armonía y ritmo, pero con un determinado carácter –llámesele, en la tradición estadounidense, blues, swing, hot, cool, etc., o en la colombiana, viajao, tumbao, sabrosiao y demás invenciones idiomáticas criollas–. Libertad, en la medida en que una de las características más llamativas y esperadas del jazz es la improvisación, ese momento de despliegue de la inventiva de quien se suelta a tocar su instrumento para hacerlo sobresalir, demostrando sus habilidades y, preferiblemente, rompiendo las reglas del juego. 3 No se sabe bien si los jazzistas estadounidenses, especialmente los afrodescendientes, reconocieron en su música estos valores como implícitos, o si más bien fue una estrategia política que usaron los distintos gobiernos de Estados Unidos durante la guerra fría para responder a la campaña de desprestigio cultural que sobre ellos había iniciado la Unión Soviética. Debe entenderse que hablar de democracia y libertad en el jazz es reconocer que, en alguna medida, durante la segunda mitad del siglo XX, la cultura estadounidense sirvió de apoyo a una política exterior imperialista. 6 En el trío con piano, entonces, el contrabajo y la batería –que no son instrumentos armónico-melódicos– no harán de simple base rítmica para que el piano sea el protagonista de la noche4. El contrabajo iniciará algunos temas sugiriendo el carácter y ritmo general de la pieza, y lo hará con o sin uso del arco5; en otros casos, presentará la melodía principal para luego variarla, extenderla o contraerla e improvisar sobre ella. La batería podrá, también, iniciar algunos temas, marcar cortes, moderar los contrapunteos entre piano y contrabajo, llevar al trío a momentos de clímax y, por supuesto, improvisar tanto en solitario como en diálogo con los demás instrumentos. En sintonía con lo que se ha dicho, el concierto de hoy resalta porque se trata de un tipo de ensamble que no ha sido tan recurrente en la escena del jazz colombiano. Si bien en muchos de los proyectos jazzísticos nacionales encontramos pianistas, contrabajistas (o bajistas eléctricos) y bateristas, parece ser que nuestros músicos tienen una tendencia a incluir en sus ensambles al menos un instrumento puramente melódico. Tal vez esta situación refleja que el jazz colombiano ha sido encauzado por músicos de otra tradición, la de los vientos, como es el caso de la familia Arnedo, referencia mínima de la escena local. Esto tiene sentido, además, si se revisa la formación superior en músicas populares de las universidades colombianas, donde en su mayoría se enseña, además de estos tres instrumentos (junto a la guitarra), el saxofón, la trompeta y la flauta traversa. En los festivales de jazz en Colombia escasean los tríos y pululan las agrupaciones de cuatro o más integrantes. Para retomar la analogía, nuestra concepción del jazz es, entonces, no una santísima trinidad, sino una familia extendida, con ángeles, arcángeles, serafines y querubines. Inclusive, lo que se escuchará hoy es la presentación de un disco que fue grabado en cuarteto con saxofón. Para quienes están familiarizados con la ópera prima de Los Taitas, un disco que lleva el mismo nombre del grupo, parte del interés se deberá centrar en las técnicas que Juan Felipe Calderón, Diego Pascagaza y Giovanni Caldas utilizarán para suplir lo que fue grabado antes por el saxofón. Pero ya se dijo que con piano, contrabajo y batería se cuenta con suficientes elementos para 4 Normalmente, el contrabajo y la batería son considerados la sección rítmica de una agrupación más numerosa. Es común que ambos instrumentos toquen de forma acoplada. En las big bands, el piano y la guitarra entran a formar parte de esa sección para dejar las melodías principales a los vientos y la voz. 5 El contrabajo es originalmente un instrumento de cuerda frotada, como el violín, la viola y el violonchelo. En el jazz suele tocarse sin arco porque así genera, por su registro grave, una sensación más percutiva. No obstante, algunos contrabajistas en el jazz se animan, una que otra vez, a recurrir al arco, generalmente en inicios o finales de los temas o en las improvisaciones. 7 esta tarea. Y los tres músicos, a pesar de su juventud, han desarrollado carreras interesantes, moviéndose entre distintos estilos, desde el jazz más puro hasta las músicas tradicionales colombianas, pasando por el latin y las fusiones. Esto significa que no solo están familiarizados con el lenguaje y la técnica jazzística, sino que seguramente pueden adaptarse según la necesidad. Han tocado en diferentes formatos junto a reconocidos músicos de este y otros países, por lo que su recital en trío con piano seguramente dejará ver su bagaje y acervo musical. Wiphala es un tema de estructura sencilla, en el que resalta un giro melódico sincopado que se presenta en distintas tonalidades, con variaciones y desarrollos sutiles (como las variaciones de la bandera wiphala, símbolo de algunos pueblos ancestrales de los Andes suramericanos). El cambio entre secciones va marcado por un ritmo incisivo que da paso a las improvisaciones, al retorno al tema principal y al final. Es el tipo de composición que, por la economía de recursos y su melodía cantable, no solo es entretenida, sino que además funciona como material pedagógico. Podría ser adaptada a distintos formatos instrumentales y orquestarse para una big band, pues no parece haber sido escrita pensando en asuntos idiomáticos del piano (o del saxofón en el caso del disco). El taita inicia con una atmósfera introspectiva y misteriosa, junto con un ritmo tranquilo y constante, para ir complejizando y densificando todo el material a lo largo del tema. Vale la pena prestar atención a las líneas melódicas del contrabajo y su manera de entrar en contrapunto con el piano, pues aquí este no actúa en completa sintonía con la batería, sino más bien como un instrumento melódico paralelo. Seguramente este tema es un ejercicio experimental de creación colectiva sobre unas cuantas ideas del autor de la obra. Esta y la anterior composición hacen referencia en sus títulos al indigenismo latinoamericano, pero más allá, en lo musical, habría que preguntarle a su autor, Juan Felipe Calderón, acerca de sus motivaciones e inspiración. La identidad colombiana de Los Taitas y su apuesta por hacer un jazz nacional quedan en completa evidencia con los dos siguientes temas a presentar. Doñacla, estructurado en dos partes contrastantes, tiene un inconfundible acento caribeño en el que prima un ritmo sincopado, sostenido por contrabajo y batería, que acompaña largas improvisaciones en el piano. Algo similar sucede con EFMR7. Puyandé que sugiere una mezcla de dos ritmos de las costas del norte de Colombia: la puya y el chandé. 8 Al alba es una canción que hace parte de la tradición del Pacífico Sur colombiano, una fuente de recursos sonoros de la que nuestras músicas contemporáneas populares han bebido, pero no lo suficiente. En particular, esta es una canción que en su versión tradicional es muy sencilla: está escrita en tonalidad menor sobre una progresión de acordes de tónica, subdominante y dominante, y nada de síncopas. Seguramente su sencillez se deba a que se trata de una suerte de villancico o canción de cuna, que reza: Al alba, al alba, al alba la marimba y el tambor. ¡Qué bonito canta un negro adorando al Niño Dios! San José tendió la cama con flores de Alejandría, pa’ que durmiera su esposa, la dulcísima María. San José estaba celoso con la preñez de María, y en el vientre de su madre, el Niño se sonreía. La versión de Los Taitas de esta canción es, sin duda, un grandioso ejemplo (y debe decirse que muy bien logrado) de las capacidades que tiene el lenguaje del jazz para resignificar otras músicas, reivindicando así su propia condición de arte complejo. El método para hacerlo es tomar cada elemento musical de una pieza, aire o estilo en particular y estudiar su esencia hasta que todo se haga evidente. Es una especie de deconstrucción en el sentido filosófico o literario. A través de esta técnica veremos cómo el ensamble lleva, de manera orgánica, el inicio sencillo de la canción hasta un clímax complejo en el que casi toda noción de simpleza se diluye para dar paso a una experiencia un poco más académica y experimental. En este concierto se incluirán dos temas que no hacen parte del disco Los Taitas y que son composiciones del pianista Giovanni Caldas. Se espera que estén cargados de fusión entre la salsa y la música del Pacífico, típicos de la natal Cali del compositor, así como de los pianistas estadounidenses que él tanto admira y ha estudiado. Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en Relaciones Internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un posgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Foto. David Castañeda Foto. Peggy Peterson Próximos conciertos en Santa Marta Próximos conciertos en Barranquilla CUARTETO PRISM, cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Jueves 17 de octubre · 7:00 p.m. Biblioteca Gabriel Garcia Márquez del Banco de la República PULEP: RKA817 PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) En el marco de Barranquijazz CUARTETO PRISM, cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Viernes 18 de octubre · 7:00 p.m. Auditorio Mario Santo Domingo, CLENA Con el apoyo de CLENA PULEP: JLM766. BVU468 PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio PULEP: ADF704. RXM248. QGI573. TSH296 COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV, flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés PULEP: OTA770. XYA267. CYV981. IZX751. XCL642. CPF877 Foto: David Castañeda Foto: Axel Moncada Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000

Concierto interpretado por el sexteto Cinco Más Uno. Esta agrupación, formada por seis músicos militares integrantes de la Banda Sinfónica de la Escuela Militar de Aviación, se estableció en 2006 con la intención de crear un nuevo formato en grupos de cámara. Con el apoyo del Coronel Manuel de Jesús Guitarilla Giraldo, el sexteto empezó su trabajo musical con el firme propósito de difundir nuestra música en todo el territorio nacional. El propósito de su director musical, Técnico Tercero Luis Alfonso Ocaña Lagos, es destacar los instrumentos más utilizados en las regiones colombianas, tanto en la Andina como en las costas Pacífica y Atlántica, para crear un sonido original, una identidad y un nuevo formato en grupos de cámara, y para interpretar nuestra música con un estilo diferente y muy colombiano.

Concierto interpretado por la flautista Susana Palacios David en compañía del pianista Fabián Rojas. Palacios nació en Medellín en 1985. Inició sus estudios en el Instituto de Bellas Artes con el maestro Mario Ospina, y más tarde ingreso al preparatorio de música de la Universidad de Antioquia donde estudió con el maestro Rugo Espinosa. En 2004 viajó a Bogotá para ingresar a la Pontificia Universidad Javeriana y allí obtuvo el título de Maestra en Música con énfasis en Interpretación, bajo la tutoría del maestro Rafael Rodríguez. Fue becaria de la Fundación Mazda para el Arte y la Ciencia entre 2004 y 2006.

Concierto interpretado por el saxofonista Yüber Lambertino Moreno en compañía del pianista Raúl Mesa. Moreno inició sus estudios de saxofón con el maestro Rafael Forero en 1997; en el año 2006 ingresó a la carrera de Música instrumental en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutoría de Luis Eduardo Aguilar, donde adelanta sus estudios actualmente. Desde 2006 hace parte del cuarteto de Saxofones "Saxonando", agrupación con la cual ha obtenido importantes logros, como el primer puesto en el Concurso de música de cámara, categoría jóvenes intérpretes, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá, y ser parte de la programación de conciertos didácticos 2009, también de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

Concierto interpretado por la pianista Sandra Bibiana Cáceres. Cáceres nació en Bogotá en 1971. Inició sus estudios musicales a la edad de seis años en la ciudad de Barranquilla con el maestro José Camacho. En 1980 ingresó al Departamento de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió con las maestras Lilia Andrade y Mireya Arboleda. Se desempeñó además como pianista repetidora de la Orquesta de la institución. Al finalizar el nivel básico en 1988 fue invitada por el maestro Boris Romanov a continuar sus estudios en la Escuela Superior de Música del Conservatorio Tchalkovsky de Moscú; desde septiembre de ese año perteneció a la cátedra de plano dirigida por la maestra Natalia Suslova. y a la de música de cámara con Tatiana Golik y Helena Borodosk.

Concierto interpretado por la soprano Nancy Stefanie Húerfano, en compañía de la pianista Mariana Posada. Húerfano ingresó en 2003 a la Fundación Artística Gentil Montaña, donde estudió canto popular y lírico con la soprano Cárol González y el barítono Ramón Calzadilla. Fue vocalista del grupo de blues “Duendes y Hongos”, con el que ganó el concurso Exhimus 2003 - Percepciones Musicales de un Museo, convocado por el Ministerio de Cultura, la Radiodifusora Nacional de Colombia y el Museo Nacional; de este concurso salió un disco grabado en vivo que recopila las canciones ganadoras. En 2004 ingresó al Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde culminó el ciclo básico de canto y sus estudios de pregrado (Música instrumental con énfasis en Canto Lírico), bajo la dirección de la maestra Ángela Inés Simbaqueba.

Concierto interpretado por la violinista María Camila Ortiz Godoy, en compañía del pianista José David Acosta Acero. Ortiz nació en Bogotá en 1986. A los siete años inició sus estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la dirección del maestro Marcelino Prats. Los continuó en el nivel básico con el maestro Eduardo Berrío y con la maestra Alexandra Lukianova. ingresó a la carrera de música instrumental de la Universidad Nacional de Colombia, y allí continúa su formación con el maestro Eduardo Berríos.

Concierto interpretado por el Grupo Impromptus. Esta agrupación fue creada en 1985, tomó su nombre de una de las formas musicales características del Romanticismo y se impuso como objetivo primordial el rescate y renovación de la música popular latinoamericana. El trabajo constante, las inquietudes y experiencias de sus integrantes han encontrado su síntesis en una propuesta que, en conjunción con la tradición, presenta los aires típicos en una forma más cercana a la generación actual, sobre la base de la exploración de nuevas sonoridades tanto vocales como instrumentales.