Por el cual se modifica parcialmente el Arancel de Aduanas para establecer un desdoblamientode las subpartidas arancelarias 0709999000 0910999000 y 1211909000

Miércoles 21 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Cód. PULEP: WDP937 Jueves 22 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: KOA985 Jueves 1° de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: BPU955 Foto: Diana Mejía Malagón MARÍA ELVIRA HOYOS violonchelo (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Florencia, el ingreso al auditorio Ángel Cuniberti para personas con movilidad reducida es por la entrada principal, frente al parqueadero. Es necesario dar aviso al personal de la agencia cultural para su ubicación en las primeras filas de la parte superior. En Neiva, el ingreso al auditorio para personas con movilidad reducida es por la carrera 5 con calle 6. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Diana Mejía Malagón MARÍA ELVIRA HOYOS violonchelo María Elvira actualmente realiza sus estudios de pregrado en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudia bajo la dirección del maestro Diego García desde el año 2013. Ha actuado en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en los años 2007 y 2011. En mayo del 2016, fue ganadora del tercer premio del concurso internacional Jóvenes solistas FIME y, en mayo del 2017, fue ganadora del segundo premio del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali. María Elvira ha recibido clases magistrales con Natalie Clein, Andrés Díaz, Peter Schmidt, Horacio Contreras, Francisco Vila, Brinton Smith, Johannes Moser y Jakob Koranyi. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, el Acordanza Ensamble, la Filarmónica Juvenil de Cámara, orquesta que dirige su hermano, el violinista Leonardo Federico Hoyos, y la Filarmónica Joven de Colombia. Ha realizado conciertos como solista en el Auditorio Fabio Lozano, el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional de Colombia, la Sala Otto de Greiff, y la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República de Bogotá. María Elvira nació en 1997 y a la edad de siete años inició sus estudios de violonchelo con su padre, el maestro Luis Rafael Hoyos, ex miembro de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y de la Orquesta Sinfónica de Colombia. Posteriormente, continuó sus estudios de violonchelo con el maestro polaco Henryk Zarzycki. 2 Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel trompeta Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel, trompetista de veinticuatro años, nació en 1993 en la ciudad de Tuluá (Valle del Cauca, Colombia). Inició su vida artística a los cinco años de la mano de su padre, el maestro Gustavo Adolfo Jaramillo. Hizo parte de la Banda Luis Mario Lopeda de la Unidad Central del Valle del Cauca, en la que se desempeñaba como percusionista. Posteriormente, a los diez años de edad, se unió como trompetista a la Banda Juvenil Santa Cecilia de San Pedro Valle fundada por el maestro Luis Mario Lopeda. Es egresado de la Escuela de Artes Talento Humano con el título de Técnico en Música. Actualmente cursa décimo semestre de música con énfasis en interpretación (trompeta) en la Universidad del Valle. Ha recibido clases magistrales con los maestros Francisco ‘Pacho’ Flores de Venezuela, Luis González Martí de España, Eric Aubier y Sylvain Maillard de Francia, Florian Kirner de Alemania y Mark Hughes de Estados Unidos. Fue representante de Colombia en el Festival Internacional de Folclore dos Açores, Portugal. Se ha desempeñado como solista de la Banda Departamental del Valle del Cauca, también como solista, primera trompeta y jefe de grupo en la Orquesta y Banda Sinfónica de la Universidad del Valle. Fue seleccionado como trompetista titular de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia para las temporadas 2016 y 2017. El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de Foto: Daniel Jaramillo Pimentel 3 PROGRAMA Pieza para violonchelo solo (2009) DANIEL LEGUIZAMÓN (n. 1979) Ricercar No. 4 (c. 1689) Ricercar No. 5 (c. 1689) DOMENICO GABRIELLI (1659-1690) Sonata para violonchelo solo, Op. 25 No. 3 (1922) Lebhaft, sehr markiert Mäßig schnell, Gemächlich Langsam-Ruhig Lebhafte Viertel Mäßig schnell PAUL HINDEMITH (1895-1963) INTERMEDIO Suite para violonchelo solo (1920) Preludio-fantasía Sardana (danza) Intermezzo e danza finale GASPAR CASSADÓ (1897-1966) Lejano (2017) GUSTAVO JARAMILLO (n. 1993) Para violonchelo y trompeta CONCIERTO No. 6 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta Instrumento bajo de la familia del violín, el violonchelo comenzó su vida a partir del siglo XVI relegado a un rol de acompañamiento; y solo desde el último cuarto del siglo XVII (particularmente en Bolonia) comenzó a desarrollar una voz propia. Allí, unas mejorías en sus cuerdas permitieron generar cambios en el diseño del cuerpo del instrumento, redefiniendo así su potencial técnico y expresivo. A partir del ejemplo boloñés, compositores de toda la península itálica (como Vivalidi, Bononcini, Geminiani o A. Scarlatti, entre otros) comenzaron a explorar el chelo, llegando incluso a escribir para él sin acompañamiento alguno. Este último formato conllevó un gran desarrollo técnico, llegando a una de sus cúspides en las seis suites que Johann Sebastian Bach compuso entre finales de la década de 1720 y principios de aquella de 1730. Después de esto, la noción de ‘violonchelo no acompañado’ desapareció durante dos siglos, apenas con alguna excepción como en los caprichos de Carlo Alfredo Piatti (1822-1901). No sería sino hasta el siglo XX que los cambios en el lenguaje musical estimularon la reaparición de este formato y desde la segunda mitad del siglo, el número de piezas para violonchelo creció hasta hacerse prácticamente incontable. El recital de hoy plantea un interesante vistazo a esta rica tradición, no limitándose a lo ocurrido hace siglos al otro lado del mundo, sino planteándonos la pregunta de qué puede significar para nosotros aquí y ahora. El bogotano Daniel Leguizamón (n. 1979) es uno de los compositores más sobresalientes de su generación, con una creciente obra caracterizada por el reto que implica a intérpretes, público y, claro, al creador mismo. Su Pieza para violonchelo solo fue terminada en 2009, poco después de haber culminado sus estudios posgraduales en Montevideo, con los icónicos Coriún Aharonián y Graciela Paraskevaídis. La pieza cierra una primera década creativa de Leguizamón y ejemplifica refinadamente varios elementos fundamentales de su técnica y estilo compositivos. Lo primero que nos podría impactar de su Pieza para violonchelo solo −en la medida en la cual conozcamos el instrumento− es la scordatura1 que utiliza: 1 Utilizamos el término italiano scordatura para subrayar que un compositor ha cambiado la afinación tradicional de un instrumento dado. 5 Las dos cuerdas centrales del instrumento están reafinadas para facilitar relaciones interválicas complejas que luego serán explotadas por Leguizamón en la creación de la particular sintaxis de la pieza. El segundo impacto es la extrema austeridad del lenguaje musical. Nada hay aquí de melodías bucólicas o ritmos que pretenden ‘ser colombianos’; lo que hay en primer plano es el verdadero sonido del violonchelo y su dramática contraparte dialéctica, el silencio. Estos dos elementos elaboran un discurso que nos invita a abrir los oídos y ser escuchas activos, no solo de lo que hace el intérprete, sino de lo que ocurre a raíz de los sonidos y silencios producidos. En este sentido, la resonancia se torna en un elemento clave para la escucha, bien sea por su rol de puente en la relación poética entre silencio y sonido, o bien por lo que permite en cuanto a la generación de batimientos2. A partir de los intervalos generados por la scordatura e intensificados por el uso de cuartos y octavos de tono, Leguizamón utiliza estos batimientos como uno de los elementos fundamentales de su sintaxis. Así, mientras el intérprete toca dos alturas largas y aparentemente estáticas, el aire mismo a nuestro alrededor se acelera y desacelera a la manera de un teatro de sombras hecho solo con sonido. Estos elementos tan sutiles se ven retados cada tanto por rugidos de arco presionado y por un pizzicato que, cual lentísimo reloj, parece llamarnos a contemplar el paso de un tiempo sicológico inusitado. Domenico Gabrielli (1659-1690) fue un compositor y violonchelista boloñés reconocido por su música vocal −tanto litúrgica como secular− y por su revolucionario trabajo en torno al violonchelo. Fue ampliamente admirado como primer gran virtuoso del instrumento y hoy lo recordamos como el primer compositor, junto con Giovanni Battista Degli Antoni (c. 1636-1698), en desarrollar un repertorio del cual el violonchelo fuese el protagonista. Gabrielli dejó obras vocales e instrumentales con tramos en los cuales el chelo aparece como instrumento obbligato3, así como las primeras sonatas acompañadas donde es el solista, e incluso un canon para dos violonchelos. 2 Dos alturas generan otros sonidos, ‘frecuencias de combinación’, por la suma y resta de sus frecuencias; cuando una frecuencia ‘diferencial’ es muy grave, ya no la percibimos como una altura sino como un batimiento. 3 Dado que antiguamente era común que, por ejemplo, una melodía fuese ejecutada por cualquier instrumento que pudiese producir las notas necesarias, el vocablo italiano obbligato se usó en el barroco para aclarar cuando debía ser tocada por un instrumento específico. 6 Lo más significativo de esta producción, sin embargo, son sus siete ricercari4 para violonchelo solo, serie que apareció publicada hacia 1689 y de la cual escucharemos los números 4 y 5. Cada uno de los ricercari de Gabrielli está en una tonalidad diferente, lo cual permitió al compositor explorar el comportamiento del chelo en diferentes campos tonales. En todos los ricercari encontramos una escritura idiomática y de una dificultad técnica importante. Además, escuchamos elementos tonales tempranos que fueron estableciendo los paradigmas que dominarían las estructuras del siglo XVIII, como planteamientos y desarrollos motívicos que llevan a modulaciones prototípicas, aunque con algunas sorpresas armónicas. El Ricercar No. 4 está en mi bemol mayor y en la inusual métrica de 6/4, mientras que el No. 5 está en do mayor y en un muy común 4/4. En ambas piezas nos encontramos con un tratamiento armónico que explota secuencias modulantes y una exploración de los diferentes registros del violonchelo. De esta manera, Gabrielli lo plantea en un momento como el ágil instrumento melódico que estaba inventando y en otro, como el discreto bajo que sostenía el acompañamiento de antaño. En largos tramos, sin embargo, los roles se superponen en un contrapunto virtual que anuncia mucho de lo que haría Bach cuatro décadas después. El 1° de agosto de 1921 se realizó el tercer y último concierto de la primera edición del Festival de Donaueschingen, encuentro anual que se convertiría en uno de los eventos más importantes del mundo en la difusión de lo que ha sido considerada ‘música contemporánea’ en estas diez décadas. La última pieza de aquel programa fue el Cuarteto de cuerdas No. 3 de un alemán desconocido de veintiséis años llamado Paul Hindemith (1895-1963). Como el grupo designado por el festival para hacer este estreno rehusó hacerlo, el compositor se vio obligado a resolver el problema por su cuenta. Aprovechando que él mismo era violista y su hermano Rudolf, violonchelista, improvisaron un cuarteto, completándolo con los violinistas Walter Caspar y Licco Amar. El apellido de este último fue el que le dio nombre al legendario Cuarteto Amar que, desde ese día y a lo largo de la década de 1920, desarrollaría una brillante carrera, justamente fundamentada en las nuevas creaciones para 4 Las palabras, también italianas, ricercar, ricerare o ricercari son utilizadas para describir dos tipos de composición instrumental que comenzaron a aparecer desde finales del siglo XV. Una es casi una improvisación homofónica transcrita a partitura (usualmente en tablatura); la otra, una composición contrapuntística imitativa de mayor complejidad. En repertorios hispánicos, con frecuencia aparecen los términos ‘recercada’ o ‘tiento’ para significar lo mismo. 7 cuarteto de aquella época. Para 1922, ya Hindemith se había establecido como el compositor dominante de Donaueschingen y en los siguientes años, el Amar se convertiría en la agrupación más programada del Festival. En aquella segunda edición, cuenta la leyenda, Hindemith asumió el reto −por un concurso o por una apuesta perdida, según la narración− de componer una obra para violonchelo en una noche. Así nacieron cuatro de los cinco movimientos de su Sonata para violonchelo solo, Op. 25 No. 3, la cual dedicaría al nuevo violonchelista del cuarteto, Maurits Frank. Siendo joven, ya Hindemith había abandonado ciertas reminiscencias posrománticas que aún aparecían en sus primerísimas obras y las habría reemplazado por un estilo más austero y moderno. Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad) fue el nombre dado a esta tendencia, estructurada sobre una tonalidad ampliada y disonante, guiada por el ímpetu rítmico de una métrica frecuentemente cambiante y caracterizada por un discurso ágil y a veces agresivo. En general, la antigua pretensión de una música supuestamente refinada, elegante y ‘bonita’ fue reemplazada por una propuesta desnuda y esencial, de alguna manera más acorde con el ambiente que se vivía en la República de Weimar. El primer movimiento −Lebhaft, sehr markiert (Animado, muy marcado)− comienza con densos acordes que luego son elaborados melódicamente. La intensidad de los golpes de arco da un carácter áspero y casi violento, intensificado por el amplio registro que se cubre y por ciertos ritmos de intención primitivista. Los movimientos segundo y tercero −Mäßig schnell, Gemächlich (Moderadamente rápido, sin afán) y Langsam (Lento), respectivamente− se enfocan más en un desarrollo melódico comparablemente delicado, aunque igualmente cromáticos y complejos. El velocísimo cuarto movimiento pide ser tocado ‘sin expresión alguna y siempre pianissimo’, ejemplificando ese neobarroquismo de ritmos obsesivos que caracterizó la música de Hindemith por aquella época. Finalmente, el quinto movimiento vuelve a un tempo más visceral y a una mayor brusquedad de expresión que, sin embargo, se extingue en un gesto excepcional que parece casi una broma de cierre. El catalán Gaspar Cassadó (1897-1966) fue uno de los más aclamados violonchelistas de su generación, gracias, en parte, a haber sido el más longevo e importante discípulo del legendario Pau Casals, quien fue su profesor en París. Allí, el joven virtuoso tuvo también la oportunidad de estudiar composición con Maurice Ravel y tener contacto con Manuel de Falla. De ambos compositores heredó un leguaje armónico posimpresionista, la fe en 8 la importancia de la melodía y cierto interés por la caracterización étnica en la composición. Este último aspecto se vería acentuado por las complejidades políticas que debió vivir Cassadó como europeo, pero más aún, como catalán, en los turbulentos dos primeros tercios del siglo XX. Para 1926 la carrera interpretativa de Cassadó ya estaba establecida, pero la compositiva apenas comenzaba. Como es de suponer, aprovechó su profundo dominio del chelo para construir sobre él un corpus creativo y, en efecto, la mayoría de sus composiciones (y de la cantidad enorme de transcripciones que hizo) lo involucran. Cassadó conoció bien las Suites de Bach (fue su maestro Casals quien las ‘redescubrió’) y resulta evidente que estas lo estimularon al componer su propia Suite para violonchelo solo, obra en la cual logró, no un trabajo de principiante, sino una obra que demuestra ya una madurez técnica y estética. El Preludio fantasía parte de una abstracción de sarabanda, la cual moldea a través de una ornamentación supremamente refinada hasta hacerla casi irreconocible. Por momentos, posibles referencias a otras músicas tradicionales de la península ibérica parecen asomarse: tal vez un breve giro melódico canario o una sugerencia de un ritmo de acompañamiento andaluz. Nunca, sin embargo, se llega a la obviedad y cada cambio métrico o cada floritura nos distraen de lo que casi reconocemos. El segundo movimiento es más explícito, incluso desde su título: Sardana (Danza). Este gesto nacionalista catalán es perfectamente comprensible, teniendo en cuenta que la dictadura militar de Miguel Primo de Rivera había disuelto la Mancomunidad de Cataluña apenas un año antes de la composición de la Suite. La sonoridad creada por el uso de dobles cuerdas recuerda aquella instrumentación de vientos que tipifica la sardana; no obstante, ni siquiera en este contexto Cassadó acepta la cita ni la paráfrasis directa. Este mismo pudor define el Intermezzo e danza finale, aunque una jota aragonesa podría asomarse, haciendo referencia no solo a giros melódicos sino a la cuerda pulsada, recordándonos así las guitarras y bandurrias de aquel repertorio. Nacido en Tuluá, el trompetista Gustavo Andrés Jaramillo Pimentel (n. 1993) tuvo una formación y un desempeño inicialmente enmarcados en la tradición de banda. Posteriormente se graduó de la Escuela de Artes Talento Humano y en la actualidad estudia su instrumento principal en la Universidad del Valle, en Cali. Se ha desempeñado como solista de la Banda Departamental del Valle del Cauca y como solista, primera trompeta y jefe de grupo en la Orquesta y Banda Sinfónica de la Universidad del Valle. Fue seleccionado como trompetista titular de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia. En una nota de su propia autoría, el mismo Jaramillo describe Lejano, para violonchelo y trompeta, como una obra tripartita en la cual varios aspectos generan una fusión entre elementos propios de lo que él describe como ‘lo sinfónico’ y, por otra parte, el jazz. En particular, este último referente parece hacerse presente a raíz de melodías que elaboran progresiones armónicas características de aquella familia de músicas, de la forma de la presente pieza, de la preocupación por dar un espacio a la improvisación y, seguramente, de ritmos que de alguna manera parafraseen aquellas prácticas musicales. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Próximos conciertos en FLORENCIA STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Miércoles 11 de abril de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia AMARETTO ENSAMBLE música tradicional (Colombia) Miércoles 6 de junio de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia Próximos conciertos en NEIVA AMARETTO ENSAMBLE música tradicional (Colombia) Miércoles 23 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: MOJ954 SON DE MADERA son xarocho (México) Martes 23 de octubre de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: CRO132 Temporada Nacional de Conciertos 2018 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Interpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Diego Salamanca Bustamante Cód. PULEP: BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ, cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene la inclusión de los movimientos en las obras de Paul Hindemith y Gaspar Cassadó —páginas 3—.

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Foto: Laura María Gómez Alzate CHRISTIAN CORREA tenor (Colombia) ALEJANDRO ROCA piano (Colombia) Jueves 8 de marzo de 2018 · 6:00 p.m. Medellín, Paraninfo de la Universidad de Antioquia Cód. PULEP: YGG901 Jueves 15 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: YKE410 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 CHRISTIAN CORREA tenor Nació en Bogotá, ciudad donde también inició su formación vocal con la soprano Beatriz Mora y, posteriormente, culminó sus estudios de pregrado en la Universidad Central, bajo la dirección de Alejandro Roca, Sarah Cullins y Marco Gualdrón. Ha participado en talleres de canto con Javier Camarena, Jaume Aragall, Charles Castronovo, Fernando de la Mora, Louise Toppin, Cynthia Sanner, Enric Martínez-Castignani, entre otros. Entre los años 2008 y 2013 formó parte del taller de ópera de la Universidad Central, en el que interpretó los papeles de Aeneas en Dido y Aeneas, Bill en A Hand of Bridge, Alfred en Die Fledermaus, Ruggero en La Rondine y Rinuccio en la ópera Gianni Schicchi junto a Valeriano Lanchas y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Ha participado como solista en algunas producciones del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y del Teatro Colón de Bogotá, específicamente en las óperas Salomé de Richard Strauss, Macbeth de Giuseppe Verdi y en la ópera Sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, donde interpretó el rol de Lisander, en el marco del evento Ópera al Parque. Fue integrante del Coro de la Ópera y participó en montajes como Carmina Burana, Porgy and Bess, Oedipus Rex, King Arthur, Orfeo y Euridice; y en las óperas Cavalleria rusticana, La Bohème, Madame Butterfly, Romeo y Julieta, Las bodas de Fígaro, La Traviata, Don Carlo, Carmen, entre otras. En el 2012 ganó el segundo puesto de la categoría juvenil en el Concurso Nacional de Canto. Participó en la gala lírica de Los Nuevos Talentos con la Orquesta Sinfónica de Colombia en Ópera al Parque. En el 2013 fue ganador del programa Becarios del VII Festival Internacional de Música de Cartagena. En el 2015 ganó la Beca de la Fundación Carolina para continuar sus estudios de posgrado en el Conservatori del Liceu de Barcelona, bajo la dirección de Eduard Giménez. Foto: César Bedoya O. 2 Alejandro Roca piano Alejandro Roca nació en Cali, Colombia. Actualmente se destaca como uno de los pianistas y directores de orquesta más especializados en el repertorio vocal en Suramérica. Después de graduarse del Conservatorio Antonio María Valencia de Cali, bajo la tutoría de Lucía Mora, se trasladó a Barcelona, donde estudió en el Conservatori del Liceu de Barcelona con Stanislav Potchekin y donde se especializó en repertorio vocal con maestros de la talla de Manuel Cabero, Dalton Baldwin y Ángel Soler. Luego cursó la maestría en dirección de orquesta en la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutoría de Guerassim Voronkov. Ha ofrecido recitales en España, Italia, Alemania, Polonia, Estados Unidos, Venezuela, Ecuador, Uruguay y Colombia, y ha sido pianista de diversos concursos y clases magistrales en compañía de intérpretes como Dawn Upshaw, Dmitri Hvorostosvky y William Matteuzzi. En el ámbito de la música de cámara, ha sido colaborador de Michael Collins, Francesco Manara y Carlos Villa, entre otros y de los mejores cantantes colombianos, entre ellos, Juanita Lascarro, Juan José Lopera, Martha Senn, César Gutiérrez y Valeriano Lanchas, destacándose su continuo trabajo con éste último desde 2005. Fue invitado a dictar un taller sobre zarzuela en la Universidad de Indiana (Estados Unidos) y a inaugurar la serie Las Américas en concierto en Mannes School of Music en Nueva York. Los últimos años se ha desempeñado como director musical y coach en el Corso Estivo per Giovani Cantanti Lirici Scuola Italia en Sant´Angelo in Vado, Italia (Curso de verano para jóvenes cantantes líricos). Ha sido director académico del Festival Internacional de Música de Cartagena, festival en el que también ha colaborado en las producciones de ópera como director asistente. Recientemente, estrenó y grabó, por encargo del Banco de la República de Colombia, el ciclo Oración del compositor colombiano Andrés Posada; este trabajo lo realizó junto a Juanita Lascarro. El concierto en Medellín cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Rückert Lieder (1901-1902) Ich atmet’ einen linden Duft! Liebst du um Schönheit Blicke mir nicht in die Lieder! Ich bin der Welt abhanden gekommen Um Mitternacht GUSTAV MAHLER (1860-1911) Vago soneto (s. f) Gotas de ajenjo (s. f) Canción de cuna (s. f) Más que nunca (s. f) JAIME LEÓN FERRO (1921-2015) INTERMEDIO Tres sonetos de Petrarca, S. 270a (1842-1846) Bendetto sia il giorno Pace non trovo I’ vidi in terra angelici costumi FRANZ LISZT (1811-1886) Sole e amore (1888) Terra e Mare (1902) E l’uccellino (1899) Morire?(1917) GIACOMO PUCCINI (1858-1924) CONCIERTO No. 10 4 NOTAS AL PROGRAMA Jaime Ramírez A partir de la segunda mitad del siglo XVIII, el lied −como género musical− evidenció un cambio tanto en su connotación social como en el tipo de retos musicales que presentó para los compositores. Si bien desde sus inicios el lied mantuvo una fuerte preferencia como uno de los principales géneros de música de consumo doméstico, los compositores que escribían para voz y piano eran en su mayoría considerados compositores aficionados o ‘especializados’ en este formato; los compositores más reconocidos en otros géneros, como la música sinfónica o la ópera, solamente participaban en la composición de lieder (lied en plural) para entretener a los aficionados. Es por esto que muchos de los lieder escritos por los más estimados compositores del siglo XVIII no representan retos técnicos tan altos desde el aspecto interpretativo y su discurso musical es mucho menos ‘aventurado’ en comparación con las obras de otros géneros. Aunque es bien reconocido que la transformación estética desde el Clasicismo hasta el Romanticismo fue un proceso gradual caracterizado por contrastes superpuestos, hay ciertos hechos que dieron paso a una nueva mentalidad, una mentalidad romántica que redefinió la función estética y social del lied. Algunos de estos eventos determinantes fueron: el surgimiento de una clase social media, una burguesía que podía ‘comprar’ su derecho a una educación superior; el desarrollo de las artes liberales a nivel universitario en Europa; el auge renovado por la literatura de escritores como Goethe, Heine y Schiller, quienes desarrollaron una nueva identidad cultural alejada de la anquilosada aristocracia; la producción en serie tanto de instrumentos como de música impresa que permitió llevar todo tipo de ‘escenas musicales’ a las salas de la clase media. Esta renovación de la Hausmusik (música de consumo doméstico) preparó el terreno que el lied reclamó con propiedad por parte de compositores y escritores, intérpretes y audiencias; es a partir de este renovado concepto del lied que el repertorio de este recital cobra vida emancipando la relación entre el texto y la música a través de la visión de cuatro grandes compositores: Mahler, León, Liszt y Puccini. Gustav Mahler (1860-1911) es indudablemente una de las figuras determinantes en la continuación de la tradición musical austrogermánica en el ocaso del siglo XIX y los turbulentos inicios del siglo XX. Hoy en día 5 se asume que junto con Anton Bruckner, y obviamente con Richard Strauss, dicha tradición encuentra en el legado sinfónico de Mahler un paradigma estético, en el que su interminable paleta de emociones se plasmaba mediante una orquestación exuberante alcanzando un poder expresivo abrumador y lleno de contrastes. En las composiciones de Mahler se sintetizan los dos géneros musicales más destacados de la tradición austrogermánica: la música sinfónica y la música vocal representada por el lied. En muchas de sus sinfonías, siguiendo de alguna manera el legado de la Novena sinfonía de Beethoven, hay un componente vocal bastante protagónico; asimismo muchas de sus obras vocales fueron concebidas, y estrenadas, como lieder con acompañamiento sinfónico continuando con la sinergia de ambos géneros que había sido perpetuada por muchos compositores de finales del siglo XIX. Algunas de las obras vocales más reconocidas de Mahler son sus adaptaciones a los textos del poeta alemán de inicios del siglo XIX, Friedrich Rückert (1788-1866). De estas obras, Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos) es probablemente la más reconocida por las audiencias, dado su carácter sombrío y desgarrador, en el que resuenan impresiones muy personales del poeta. Kindertotenlieder fue estrenada en Viena en 1905 bajo la batuta del mismo Mahler; en esta ocasión, también se realizó la premier de Sieben Lieder aus letzter Zeit (Siete canciones para los últimos días). Este último título contenía una selección de cinco poemas −también de Rückert− más dos selecciones de la colección de canciones tradicionales alemanas Des Knaben Wunderhorn1 (El corno mágico del niño). Con el tiempo, se empezó a publicar la selección de los cinco poemas de Rückert bajo el título Rückert Lieder, separándola de los otros dos títulos tomados del Wunderhorn. El Rückert Lieder quedó entonces conformado por los cinco poemas de Rückert que pertenecían a la publicación inicial mencionada arriba, funcionando sencillamente como una formalidad en el título, aunque sin desconocer la recurrencia de la obra de Rückert en las composiciones de Mahler. Estas cinco obras no conforman necesariamente un ciclo de canciones en la medida en que no están ligadas a través de un hilo conductor 1 Des Knaben Wunderhorn fue considerada una de las antologías más importantes de poemas y canciones tradicionales, de las cuales se idealizó el folklore característico del Romanticismo alemán de siglo XIX. Muchos escritores, pintores y compositores han encontrado en Des Knaben Wunderhorn una fuente de inspiración que los conecta a una larga tradición. En el caso de Mahler, diversas selecciones fueron presentadas en otros lieder y también, dichas obras reaparecieron en varias de sus sinfonías. 6 dramático; de esta manera, el orden en que se presentan estas obras puede reacomodarse de acuerdo a las intenciones particulares de cada intérprete o a diversas consideraciones técnicas. Blicke mir nicht in die Lieder! (¡No mires mis canciones!) es un lied organizado en dos estrofas muy similares, en las cuales el poeta pide a su audiencia no divagar en los procesos creativos de las obras en lugar de contemplar el producto final. El texto hace alusión a la continua labor de las abejas, que es dibujada musicalmente por Mahler. Ich atmet’ einen linden Duft (Percibía un suave aroma) también está organizado en dos estrofas y hace una analogía entre la manera en que se esparce el aroma de las ramas de tilo con la manera en que se percibe la presencia del amado; en esta obra, el suave movimiento del acompañamiento parece imitar el correr del viento que lleva la fragancia de las hojas a todos los rincones del auditorio. Ich bin der Welt abhanden gekommen (Estoy perdido en el mundo) hace alusión al sentimiento de paz del poeta en el momento de alejarse de todos los conflictos mundanos para dedicarse a sus intereses más profundos: su descanso, su cielo y su canción. Liebst du um Schönheit (Si amas por la belleza) es un lied organizado en cuatro estrofas, de las cuales las tres primeras son variaciones del mismo material musical y la última cierra acentuando las palabras ‘amor’ y ‘siempre’; en este lied el poeta señala la importancia del amor como fin en sí mismo en lugar del amor a la belleza, la juventud o la riqueza. Um Mitternacht (A medianoche) es el lied más largo de toda la colección y el que mayor nivel de contraste proporciona; en esta obra, el poeta recorre las angustias del hombre que solo puede quedar rendido a un poder supremo que lo guarde y proteja durante la noche. La formación musical del polifacético director, pianista y compositor cartagenero Jaime León Ferro (1921-2015) se caracterizó por un eclecticismo que buscó los más altos referentes estéticos del momento. Sus itinerantes años de formación lo llevaron a desarrollar su talento de la mano de grandes maestros de la música; en Colombia, León estudió con Guillermo Uribe Holguín, Lucía Pérez y, brevemente, trabajó con Claudio Arrau. La relación con Arrau fue uno de los dinamizadores que llevó a León a Estados Unidos para ingresar a The Juilliard School y estudiar con Carl Friedberg, uno de los últimos discípulos de Clara Schumann y Johannes Brahms. Luego de su graduación como pianista, León mantuvo una intensa relación con el medio artístico colombiano, la cual se vio interrumpida por diversas razones que lo llevaron a retornar, después del 9 de abril de 1948, a 7 Nueva York para continuar sus estudios en dirección. Habiendo desarrollado una exitosa carrera como director y pianista a nivel internacional, León regresó a Colombia en 1977 como asesor musical de Colcultura, cargo que luego cambió para ocupar el podio como director de diferentes y destacadas instituciones colombianas tales como la Orquesta Sinfónica de Colombia, la Ópera de Colombia y el Teatro Colón. Si bien León compuso su primera obra para voz y piano en 1951 −Aves y Ensueños−, solamente hasta 1977 grabó su primera producción en este género gracias al auspicio de la Organización de los Estados Americanos en colaboración con la soprano colombiana Carmiña Gallo; progresivamente el compositor encontró un ímpetu renovado hacia los géneros vocales2. León escribió alrededor de diez canciones tomando de base los textos del poeta colombiano Eduardo Carranza (1913-1985); dos de las obras incluidas en el repertorio de hoy, Vago soneto y Canción de cuna, pertenecen a esta selección. Las otras dos obras del maestro presentadas en el programa corresponden, asimismo, a obras de poetas colombianos: Gotas de ajenjo, poema de Julio Flórez (1867-1923) y Más que nunca, poema de Maruja Vieira (n. 1922). En Vago soneto, el texto está lleno de alusiones a etéreas figuras que al atardecer parecen cobrar vida; la ambigüedad inherente del texto se enmarca en líneas flexibles y cromáticas que se ascienden ‘humantemente’ entre el piano y la voz. En contraste, en Canción de cuna, León proyecta una atmósfera inocente; sobre un suave vaivén del piano se dibuja musicalmente el arrullo de un niño por parte de diferentes elementos de la naturaleza. Estas dos canciones sobre los textos de Carranza se caracterizan por su brevedad; el texto en ellas se desenvuelve tranquilamente sobre un acompañamiento del piano bastante cercano. Por otro lado, en Gotas de ajenjo, la relación entre el piano y la voz es más aventurada: aquí el piano presenta una textura ondulante simulando el fluir de las olas (a manera de una barcarola), sobre las cuales la voz se levanta apasionadamente en líneas mucho más largas e insistentes. El título Gotas de ajenjo correspondía a la colección de poemas de Julio Flórez, como ya se mencionó, publicadas bajo el mismo título en 1909; sin embargo, Jaime León 2 Victoria Sofía Botero ha desarrollado una de las más completas investigaciones sobre la obra vocal de Jaime León a través de su tesis para la Universidad de Missouri. Este texto es una fuente inagotable de información sobre la vida y obra del maestro. Ver: Botero, V. The Art Songs of Jaime Leon: A Textual and Musical Analysis. (Missouri: Universidad de Missouri, 2011). 8 decidió publicar posteriormente la canción bajo el título Cuando lejos, muy lejos, correspondiente a las primeras líneas del texto; en la actualidad, ambos títulos se emplean indistintamente. La selección de obras de Jaime León cierra con Más que nunca, obra basada en uno de los poemas más populares de Maruja Vieira publicado por primera vez en su antología Campanario de lluvia en 1947. Pese a que esta selección de obras de León no fue concebida como un ciclo, el poema de Maruja Viera proporciona una perfecta atmósfera para un apacible cierre donde el tema recurrente del agua reaparece desde el texto con el fin de inspirar texturas ondulantes en el acompañamiento del piano para que el cantante presente una amorosa y tranquila despedida. La segunda parte del programa se caracteriza por la selección de obras de Liszt y Puccini, dos grandes compositores del siglo XIX que si bien fueron ampliamente reconocidos en diversos géneros, tienen una producción de lieder prácticamente desconocida por muchos; no obstante, en estas obras se esconden conexiones con aquellos repertorios que les dieron marcado reconocimiento. Franz Liszt (1811-1886), cuyo legado en la composición fue determinante para la consolidación de importantes géneros del Romanticismo como el poema sinfónico, es considerado uno de los más destacados exponentes del repertorio virtuoso para piano de su época. De manera análoga a Paganini en el violín, la obra pianística de Liszt expandió las posibilidades técnicas del instrumento al tiempo que le permitió consolidar la imagen paradigmática de un virtuoso itinerante con amplio y frenético reconocimiento de las audiencias. Los talentos excepcionales de Liszt fueron cultivados a temprana edad bajo la guía de Czerny y Salieri en Viena, y posteriormente, con Cherubini en París; su formación musical contó con reconocidos maestros de las dos capitales musicales europeas del momento. El éxito y reconocimiento no se hicieron esperar para el joven Liszt y en París se rodeó por una élite musical y literaria. Por medio de la novelista y amante de Chopin, George Sand, Liszt conoció a la Condesa Marie d’Agoult. Así como George Sand, la Condesa d’Agoult también era una escritora con sofisticados refinamientos artísticos; era una hábil pianista. Chopin le dedicó a la Condesa sus Estudios Op. 25. Por su parte, la Condesa, usando el seudónimo de Daniel Stern, escribió en 1846 la novela Nélida, basada en una historia de amor y despecho por los cuales 9 una mujer abandonó su posición social para convertirse en una amante que vivía en el exilio3. Claramente, Nélida tiene un fuerte contenido autobiográfico, pues refleja el romance entre Liszt y la Condesa Marie d’Agoult, quienes se conocieron en 1834 e iniciaron la relación amorosa que tuvo lugar por más de diez años y cuyos frutos fueron tres hijos: Blandine, Cósima y Daniel; su relación se desarrolló en un ‘peregrinaje’ amoroso por Suiza e Italia. En 1838, Liszt y la Condesa d’Agoult vivieron en Italia, donde compartieron su pasión por la lectura de Dante y Petrarca. En este año, Liszt compuso sus primeras obras para voz y piano sobre tres de los sonetos de Petrarca; cada soneto trata sobre diversos estados emocionales de un amado abatido y extasiado por su amada. Años más tarde, Liszt insertaría estos tres sonetos en su versión para piano dentro de la colección Años de peregrinaje, la cual está conformada a su vez por tres colecciones. Tal colección reúne, a manera de suite, más de veinte pequeñas piezas para piano y es considerada una de las obras maestras de la literatura pianística; su carácter cosmopolita y exótico es producto de los Sonetos de Petrarca, cuya inserción delatan la fuerte influencia del bel canto con el cual Liszt tuvo un contacto directo durante su estadía en Italia. El recital de hoy finaliza con una selección de cuatro lieder de Giacomo Puccini (1858-1924), quien, sin duda alguna, es considerado junto con Rossini, Donizetti, Bellini y Verdi uno de los más grandes y exitosos compositores de la ópera italiana; su legado en obras maestras como Tosca, La Bohème y Madama Butterfly representa la más exuberante expresión artística que definió a la ópera italiana de inicios del siglo XX como uno de los géneros artísticos más importantes de la cultura occidental. Las obras incluidas en el cierre de este programa fueron compuestas durante los años de mayor reconocimiento de Puccini y destinadas a eventos sociales específicos o presentaciones privadas, alejadas de la pirotecnia logística asociada a sus grandes óperas, pero manteniendo un intenso lirismo melódico y su tradicional apasionamiento expresivo. Sole e amore fue compuesta en 1888 sobre un texto del propio Puccini, en esta se compara el florecer del amor en el corazón del poeta con la salida 3 Si el lector desea profundizar sobre la vida y obra de la Condesa Marie d’Agoult (Daniel Stern), puede encontrar en el archivo de la Biblioteca Luis Ángel Arango algunas de sus obras, las cuales incluyen sus Memorias (Número topográfico: 928.4 S73m2) y Las Cartas de Liszt a la Condesa d’Agoult (Número topográfico: 836.8 F71c) entre otros títulos relacionados. 10 del sol al amanecer; su melodía anticipa una de las líneas que años más tarde Mimi emplearía al final del cuarteto del Acto 3 de La Bohème. Terra e mare fue compuesta en 1902 sobre los textos de Enrico Panzacchi, escrita para el Boletín Anual de Artes y Letras, y publicada el mismo año bajo la dirección de Edoardo de Fonseca en Milán. Puccini genera un paralelo entre los torrenciales cambios de la naturaleza y el drama interno del protagonista, sin caer en la trivialidad de alusiones programáticas. E l’uccellino es una canción de cuna compuesta para conmemorar la muerte del hijo de un amigo de la familia de Puccini. Escrita en 1899 sobre el texto de Renato Fucini, la obra compara el canto de un pájaro con el alma humana que asciende al cielo para llegar a su descanso eterno. Morire? fue compuesta en 1917 sobre un poema de Giuseppe Adami para ser empleada en una obra de caridad para la Cruz Roja Italiana durante la Primera Guerra Mundial. En su texto, Giuseppe Adami, quien fue amigo cercano y colaborador de Puccini, se cuestiona sobre la incertidumbre que a todos nos da ‘el después’ de la muerte. Puccini, por su parte, proporciona una trágica intensidad que posteriormente reutilizaría, con la misma melodía, en la primera aria de Ruggero de la ópera La Rondine, compuesta ese mismo año4. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 4 Robert Ignatious Leteliier proporciona una completa contextualización de todas las canciones compuestas por Puccini en la información que acompaña la grabación de Krassimira Stoyanova (soprano) y Maria Prinz (piano) para el sello Naxos. CD 8.573501 (2017). 11 Rückert Lieder (1901-1902) Gustav Mahler (1860-1911) Textos: Friedrich Rückert (1788-1866) Ich atmet’ einen linden Duft! Ich atmet’ einen linden Duft! Im Zimmer stand Ein Zweig der Linde, Ein Angebinde Von lieber Hand. Wie lieblich war der Lindenduft! Wie lieblich ist der Lindenduft! Das Lindenreis Brachst du gelinde! Ich atme leis Im Duft der Linde Der Liebe linden Duft. Liebst du um Schönheit Liebst du um Schönheit, O nicht mich liebe! Liebe die Sonne, Sie trägt ein gold’nes Haar! Liebst du um Jugend, O nicht mich liebe! Liebe der Frühling, Der jung ist jedes Jahr! Liebst du um Schätze, O nicht mich liebe. Liebe die Meerfrau, Sie hat viel Perlen klar. Liebst du um Liebe, O ja, mich liebe! Liebe mich immer, Dich lieb’ ich immerdar. Blicke mir nicht in die Lieder! Blicke mir nicht in die Lieder! Meine Augen schlag’ ich nieder, Wie ertappt auf böser That; Selber darf ich nicht getrauen, Ihrem Wachsen zuzuschauen: Deine Neugier ist Verrath. ¡Olía un suave aroma! ¡Olía un suave aroma! En la habitación había un ramito de tilo, un regalo de alguien amado. ¡Qué delicioso era el aroma del tilo! ¡Qué delicioso es el aroma del tilo! ¡Ese ramito de tilo que suavemente cortaste! Suavemente aspiro el aroma del tilo, el aroma del amor. Si amas la belleza Si amas la belleza, ¡Oh, no me ames a mí! ¡Ama al sol, que tiene cabellera rubia! Si amas la juventud, ¡Oh, no me ames a mí! ¡Ama a la primavera, que rejuvenece cada año! Si amas los tesoros, oh, no me ames a mí. Ama a la ondina, que tiene muchas perlas. Si amas el amor, ¡Oh sí, ámame a mí! !Ámame siempre, yo te amaré por siempre! ¡No miréis mis canciones! ¡No mires mis canciones! Agacho mis ojos, como sorprendido en un acto malo. No creo poder siquiera verlas crecer: tu curiosidad es traición. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 12 Bienen, wenn sie Zellen bauen, Lassen auch nicht zu sich schauen, Schauen selber auch nicht zu. Wenn die reichen Honigwaben Sie zu Tag gefördert haben, Dann vor allen nasche du! Ich bin der Welt abhanden gekommen Ich bin der Welt abhanden gekommen, Mit der ich sonst viele Zeit verdorben, Sie hat so lange nichts von mir vernommen, Sie mag wohl glauben, ich sei gestorben. Es ist mir auch gar nichts daran gelegen, Ob sie mich für gestorben hält, Ich kann auch gar nichts sagen dagegen, Denn wirklich bin ich gestorben der Welt. Ich bin gestorben dem Weltgetümmel, Und ruh’ in einem stillen Gebiet. Ich leb’ allein In meinem Himmel, In meinem Lieben, in meinem Lied. Um Mitternacht Um Mitternacht Hab’ ich gewacht Und aufgeblickt zum Himmel; Kein Stern vom Sterngewimmel Hat mir gelacht Um Mitternacht. Um Mitternacht Hab’ ich gedacht Hinaus in dunkle Schranken. Es hat kein Lichtgedanken Mir Trost gebracht Um Mitternacht. Um Mitternacht Nahm ich in Acht Die Schläge meines Herzens; Ein einz’ger Puls des Schmerzens War angefacht Um Mitternacht. Las abejas, al construir sus celdas, tampoco se dejan ver, ni siquiera de ellas mismas. Cuando los ricos panales muestren a pleno día, ¡Serás la primera en probarlos! He desaparecido del mundo Me he ocultado del mundo donde antes perdía tanto tiempo; hace ya tanto que no sabe de mí, que bien podría creer que estoy muerto. Para mí no hace diferencia que piense que he muerto, no puedo decir lo contrario, pues en verdad he muerto para el mundo. Muerto estoy para el bullicio mundano, y descanso en un entorno sereno. Vivo a solas en mi propio cielo, en mi amor, en mi canción. A medianoche A medianoche me desperté y observé el cielo; ninguna estrella del firmamento me sonrió a medianoche. A medianoche llevé el pensamiento más allá de las oscuras barreras. Ningún pensamiento luminoso me trajo consuelo a medianoche. A medianoche presté atención a los latidos de mi corazón; un pálpito de agonía estalló a medianoche. 13 Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra Um Mitternacht Kämpft’ ich die Schlacht, O Menschheit, deiner Leiden; Nicht konnt’ ich sie entscheiden Mit meiner Macht Um Mitternacht. Um Mitternacht Hab’ ich die Macht In deine Hand gegeben! Herr über Tod und Leben Du hältst die Wacht Um Mitternacht! A medianoche luché la batalla, ¡Oh humanidad! de vuestras penas; no hubiera podido decidirla con mi fuerza a medianoche. A medianoche puse esa fuerza en tus manos. ¡Señor, sobre la vida y la muerte vos veláis a medianoche! Jaime León Ferro (1921-2015) Vago soneto Texto: Eduardo Carranza (1913-1985) Es la mano del humo la que escribe el epitafio de esta bella tarde y es el rostro del humo el que sonríe como si fuera un hermoso viaje. La luna se anticipa a los jazmines como un aroma se evapora el valle. y entre los dedos de la lejanía es la rosa del humo la que se abre. Es la boca del humo la que calla y es la frente del humo la que sueña para mis ojos este vago mundo. En su rama el primer lucero canta solo se oye fluir sobre la tierra mi corazón que sube como el humo. Gotas de ajenjo Texto: Julio Flórez (1867-1923) Cuando lejos, muy lejos en hondos mares en lo mucho que sufro pienses a solas. Si exhalas un suspiro por mis pesares mándame ese suspiro sobre las olas, cuando el sol en sus rayos desde el oriente rasga las blancas gasas de las neblinas. Si una oración murmuras por el ausente deja que me la traigan las golondrinas. Cuando pierda la tarde sus tristes galas y en cenizas se truequen las nubes rosas, mándame un beso ardiente sobre las brisas que juegan entre las hojas. Que yo cuando la noche extienda su manto, yo que llevo en el alma sus mudas huellas te enviaré con mis quejas un dulce canto en la luz temblorosa de las estrellas. 14 Canción de cuna Texto: Eduardo Carranza (1913-1985) Eres del viento y de la tarde ese te mece, esa te arrulla y la mirada te la perfuma, la rosa que en tu pecho arde y de la lluvia mi hijo eres. En la ventana liquida infanta, tu vago reino te narra a veces esa te canta. Eres del aire y de la tierra como los ángeles como tu padre y de las nubes y de la luna como tu madre. Más que nunca Texto: Maruja Vieira (n. 1922) Porque amarte es así de dulce y hondo como esta fiel serenidad del agua que corre por la sequía derramando su amorosa ternura sobre el campo. Te amo en este sitio de campanas y árboles en esta brisa, en estos jazmines y estas dalias. La vida y su belleza me llegan claramente cuando pienso en tus ojos bajo este cielo pálido. Sobre la hierba limpia y húmeda mis pisadas no se oyen no interrumpen el canto de los pájaros. Y la neblina desciende con la luz de la tarde y en tu ausencia y mi angustia más que nunca te amo. Tres sonetos de Petrarca 270a (1846) Franz Liszt (1811-1886) Texto: Francesco Petrarca (1304-1374) Benedetto sia ‘l giorno Benedetto sia ‘l giorno, e ‘l mese, e l’anno, E la stagione, e ‘l tempo, e l’ora, e ‘l punto E ‘l bel paese e ‘l loco, ov’io fui giunto Da’duo begli occhi che legato m’ànno. E benedetto il primo dolce affanno Ch’i’ ebbi ad esser con Amor congiunto, E l’arco e la saette ond’ i’ fui punto, E le piaghe, ch’infino al cor mi vanno. Benedette le voci tante, ch’io Chiamando il nome di Laura ho sparte, E i sospiri e le lagrime e ‘l desio. E benedette sian tutte le carte Ov’io fama le acquisto, e il pensier mio, Ch’è sol di lei, si ch’altra non v’ha parte. Bendito sea el día Benditos sean el día, el mes y el año, y la estación, el tiempo, la hora, el sitio, y la bella comarca y el paraje donde dos bellos ojos me atraparon. Y bendito el primer dulce afán que me llevó a unirme al Amor, y el arco y las saetas que apuntaron y alcanzaron a herirme el corazón. Benditos sean los muchos gritos que di llamando a Laura por su nombre, y los suspiros, el deseo y las lágrimas. Y benditos sean todos los versos que dediqué a su fama, y mi pensamiento, que es solo de ella, que ninguna otra comparte. 15 Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra Pace non trovo Pace non trovo, e non ho da far guerra; e temo, e spero; e ardo, e son un ghiaccio; e volo sopra il cielo, e giaccio in terra; e nulla stringo, e tutto il mondo abbraccio. Tal m’ha in pregion, che non m’apre né serra, né per suo mi riten né scioglie il laccio; e non m’ancide Amor, e non mi sferra, né mi vuol vivo, né mi trahe d’impaccio. Veggio senz’ occhi, e non ho lingua e grido; e bramo di perir, e cheggio aita; e ho in odio me stesso, e amo altrui. Pascomi di dolor, piangendo rido; egualmente mi spiace morte e vita, in questo stato son, o Laura, per voi I’ vidi in terra angelici costumi I’ vidi in terra angelici costumi, E celesti bellezze al mondo sole; Tal che di rimembrar mi giova, e dole: Che quant’io miro, par sogni, ombre, e fumi. E vidi lagrimar que’ duo bei lumi, Ch’han fatto mille volte invidia al sole; Ed udì’ sospirando dir parole Che farian gir i monti, e stare i fiumi. Amor! senno! valor, pietate, e doglia Facean piangendo un più dolce concento D’ogni altro, che nel mondo udir si soglia. Ed era ‘l cielo all’armonia s’intento Che non si vedea in ramo mover foglia. Tanta dolcezza avea pien l’aer e ‘l vento. No encuentro paz No encuentro paz, y no quiero la guerra; temo y espero; ardo y soy de hielo; vuelo alto por el cielo y yazgo en tierra; nada sujeto y abrazo todo el mundo. Amor me ha encarcelado, ni me encierra ni abre, no me tiene cautivo ni me afloja el lazo y ni me mata ni quita mis cadenas; no quiere que yo viva, ni acaba mi tormento. Miro sin ojos; no tengo lengua, y grito; deseo morir, y pido ayuda; me odio a mí mismo, y amo a otra persona. Me alimenta el dolor; llorando, rio; me desagradan tanto muerte como vida, en tal estado estoy, Laura, por vos. En tierra vi conductas de ángel En tierra vi conductas de ángel bellezas celestiales en el mundo; tales que su recuerdo me regocija y duele, pues miro apenas sueños, sombras y humo. Y vi llorar las dos hermosas luces que mil veces dieran al sol envidia; y entre suspiros escuché palabras que moverían montañas y detendrían los ríos. Amor, sentido, valor, piedad y duelo hacían con ese llanto música más dulce que cualquier otra escuchada en el mundo. Y estaba el cielo tan atento a la armonía, que en las ramas no se veía mover ninguna hoja, tanta dulzura saturaba el aire, el viento. 16 Giacomo Puccini (1858-1924) Sole e amore (1888) (Sol y amor) Texto: Giacomo Puccini (1858-1924) Il sole allegramente Batte ai tuoi vetri. Amor Pian pian batte al tuo cuore, E l’uno e l’altro chiama. Il sole dice: O dormente, Mostrati che sei bella. Dice l’amor: Sorella, Col tuo primo pensier pensa a chi t’ama! El sol alegremente toca tu vientre. Amor con suavidad toca tu corazón, y uno y otro te llaman. y dice el sol: durmiente, muestra que bella eres. Y dice amor: ¡Hermana, tu primer pensamiento sea para quien te ama! Terra e Mare (1902) (Tierra y mar) Texto: Enrico Panzacchi (1840-1904) I pioppi, curvati dal vento rimugghiano in lungo filare. Dal buio, tra il sonno, li sento e sogno la voce del mare. E sogno la voce profonda dai placidi ritmi possenti; mi guardan, specchiate dall’onda, le stelle del cielo fulgenti. Ma il vento piu’ forte tempesta de’ pioppi nel lungo filare. Dal sonno giocondo mi desta... Lontana è la voce del mare! Los álamos, doblados por el viento, reflexionan en largas filas. Desde la oscuridad, entre el sueño, los escucho y sueño con la voz del mar. Y sueño con la voz profunda de plácidos ritmos poderosos; me miran, reflejadas por las olas, las estrellas del cielo brillante. Pero el viento, más fuerte, atormenta de los álamos la larga hilera. De mi sueño gozoso me despierta... ¡Lejana está la voz del mar! E l’uccellino (1899) (Y el pajarillo) Texto: Renato Fucini (1843-1921) E l’uccellino canta sulla fronda: Dormi tranquillo, boccuccia d’amore: Piegala giù quella testina bionda, Della tua mamma posala sul cuore. E l’uccellino canta su quel ramo: Tante cosine belle imparerai, Ma se vorrai conoscer quant’io t’amo, Nessuno al mondo potrà dirlo mai! E l’uccellino canta al ciel sereno: Dormi, tesoro mio, qui sul mio seno. Y el pajarillo canta entre la fronda: duerme tranquila, amorosa boquita: reclina esa cabecita rubia, y ponla en el seno de tu madre. Y el pajarillo canta en esa rama: muchas cositas bellas que aprenderás pero si quieres saber cuánto te amo, ¡Nadie en el mundo te lo podrá decir! Y el pajarillo canta en el sereno cielo: duerme, tesoro mío, aquí en mi pecho. 17 Morire? (1917) (¿Morir?) Texto: Giuseppe Adami (1878-1946) Morire? E chi la sa qual è la vita? Questa che s’apre luminosa e schietta, ai fascini, agli amori, alle speranze, o quella che in rinunce s’è assopita? È la semplicità timida e queta che si tramanda come ammonimento, come un segreto di virtù segreta perché ognuno raggiunga la sua meta, o non piuttosto il vivo balenare di sogni nuovi sovra sogni stanchi, e la pace travolta e l’inesausta fede d’avere per desiderare? Ecco io non lo so. Ma voi che siete all’altra sponda sulla riva immensa ove fiorisce il fiore della vita, son certo lo saprete. ¿Morir? ¿Y quién sabe qué es la vida? ¿Esta que se abre luminosa y franca a los encantos, los amores y esperanzas, o esa que en la renuncia se adormece? ¿Es la simplicidad tímida y muda que se entrega como advertencia, como un secreto de virtud ignota por la que todos alcancen su objetivo, o más bien el relámpago vivaz de nuevos sueños sobre sueños caducos, y la paz derribada y la inagotable fe que requieren los deseos? Aquí yo no lo sé. Pero tú que estás del otro lado, en la orilla inmensa donde florece la flor de la vida, seguro estoy de que lo sabes. Textos traducidos por Alberto de Brigard. Próximos conciertos en MEDELLÍN PALO CRUZAO, música llanera (Colombia) Miércoles 23 de mayo de 2018 · 6:30 p.m. Comfama, Plazuela de San Ignacio Cód. PULEP: NJT243 CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Sábado 23 de junio de 2018 · 5:00 p.m. Comfama, Plazuela de San Ignacio Cód. PULEP: RGJ978 Temporada Nacional de Conciertos 2018 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Thomas Millet Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo

Concierto celebrado por el organista Juan Manuel Estévez. Después de iniciar sus estudios de clavecín con el maestro Rafael Puyana en Bogotá, su ciudad natal, Juan Manuel Estévez permaneció un año en Suiza donde profundizó sus conocimientos de música barroca en la Schola Cantorum de Basilea. De regreso a Colombia siguió sus estudios en la Escuela Superior de música de Tunja, bajo la dirección del maestro Jorge Zorro. Fue igualmente asistente de dirección del Coro de la Universidad de los Andes.

Concierto celebrado por el contrabajista Jeff Bradetich y la pianista Marjori Tanka, en el que se interpretaron obras de: Henry Eccles, Ernst Bloch, Manuel de Falla, Johann Sebastian Bach, Joan Deak, Astor Piazolla, Pablo Casals y Vittorio Monti.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LAUREANO QUANT bajo barítono (Colombia) JESÚS DAVID PRIETO piano (Colombia) Jueves 5 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio Mario Santo Domingo de la Biblioteca Piloto del Caribe Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta – CLENA Cód. PULEP: UVD701 Jueves 12 de julio de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ZVL341 Foto: María Camila Ramírez Spitia TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Barranquilla, el ingreso al Auditorio Mario Santo Domingo para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Auditorio de la Biblioteca Piloto del Caribe, ubicada en Vía 40 No. 36-135 Antigua Aduana, espacio que se encuentra habilitado permanentemente. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Laureano Quant, bajo barítono Ingresó a la carrera de estudios musicales en la Universidad Javeriana en el 2012, en donde estudió composición con Guillermo Gaviria y canto lírico con Carolina Plata. Fue ganador del segundo puesto en la subcategoría juvenil del Premio Nacional de Canto organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el 2016. Ha cantado como solista en importantes auditorios de Bogotá, y actuado en el Réquiem de Fauré, en la Misa Tango de Luis Bacalov con la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB) y en la Fantasía coral de Beethoven junto a la Orquesta Sinfónica Javeriana en la gala de Ópera Javeriana. En el 2017 participó en las clases magistrales organizadas por el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo en conjunto con la Royal Opera House de Londres. Laureano fue becado para participar en el 2017 en el programa de verano SongFest de The Colburn School (Los Ángeles, California), en donde trabajó con los pianistas Martin Katz y Graham Johnson, con cantantes y maestros como Sanford Sylvan, Roberta Alexander y William McGraw, y con el compositor John Musto. Actualmente es miembro del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Como compositor ha tomado clases con maestros como Óscar Murcia, Carolina Noguera, Julián Valdivieso, Guillermo Gaviria y Christopher Wendell Jones. Ha grabado algunas de sus obras con diferentes agrupaciones musicales como el Cuarteto Tana (2013), el Cuarteto Q-Arte (2013) y el quinteto de cobres Lituus Brass (2014). Jesús David Prieto, piano Cursó el programa básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional de la misma universidad con Piedad Pérez. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov con la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012, y para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el 2014. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, el dúo alemán Grau Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Fahrt zum Hades, D. 526 (1817) FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (1816) Der Doppelgänger de la colección de canciones Schwanengesang, D. 957 (1828) I canti della sera (1908) L’assiolo canta Alba di luna sul bosco Tristezza crepuscolare L’incontro FRANCESCO SANTOLIQUIDO (1883-1971) Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (1932-1933) Chanson romanesque Chanson épique Chanson à boire MAURICE RAVEL (1875-1937) INTERMEDIO Sombras (2017) Las voces silenciosas Estrellas fijas LAUREANO QUANT (n. 1993) The Vagabond del ciclo de canciones Songs of Travel, IRV 77 (1904) RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) Silent Noon del ciclo de canciones The House of Life, IRV 25 (1903) Let Us Garlands Bring, Op. 18 (1938-1942) Come Away, Come Away, Death Who is Sylvia? Fear o more the Heat o’ the Sun O Mistress Mine It was a Lover and his Lass GERALD FINZI (1901-1956) CONCIERTO No. 29 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Hacia el final del siglo xviii ciertos hechos definieron una nueva mentalidad romántica que reconstruyó la función estética y social del lied1. Dentro de estos eventos sobresalen: el surgimiento de una clase social media, una burguesía que podía ‘comprar’ su derecho a una educación superior, el desarrollo de las artes liberales a nivel universitario en Europa, el auge renovado por la literatura de escritores como Goethe, Heine y Schiller, quienes desarrollaron una nueva identidad cultural alejada de la anquilosada aristocracia y la producción en serie tanto de instrumentos como de música impresa que permitió llevar todo tipo de ‘escenas musicales’ a las salas de la clase media. En el programa de hoy, Laureano Quant hace un recuento de la renovación germinal del lied sobre el siglo xix, momento en el que el género fue adoptado por diversos compositores. De la misma manera el lied, a lo largo del siglo xx, fue acomodado a los vestigios funcionales de un lenguaje tonal que todavía reclamaba una fuerza expresiva, pero que se ha mantenido vigente hasta nuestros días. La obra de Franz Schubert (1797-1828) desde el lied representa claramente el proceso de renovación estética de inicio del siglo xix. Junto a Robert Schumann y Hugo Wolf, el legado de Schubert definió un nuevo paradigma para este género que progresivamente ganaba más aceptación por la sociedad europea y particularmente por la élite artística vienesa. En la obra vocal de Schubert cada texto cobra vida a través de una atmósfera sonora donde el piano y la voz recrean con delicada minuciosidad todos los detalles e intenciones del poeta. La relación entre el texto y la música en los lieder de Schubert generan una sinergia profunda y cada decisión musical ayuda a descubrir con mayor intensidad la vida que reverbera dentro de cada poema. Para este programa, Laureano Quant seleccionó tres obras de Schubert; de manera muy apropiada ha tomado un punto de partida desde el cual se desprenden diversas exploraciones a temáticas que serán fundamentales para este recital: el amor, la noche y la fatalidad del destino humano; tres conceptos que con infinidad de matices logran tejer una filigrana emocional intensa y cambiante. Fahrt zum Hades, D. 526 (Viaje al inframundo) fue compuesta en enero del 1817, pero se publicó póstumamente en 1832. Sobre un texto de Johann Maryhofer, Schubert despliega un aria con dramatismo y solemnidad característicos, marcando las analogías entre morir y ser olvidado. En esta obra se presentan de manera casi subliminal dos elementos de la fatalidad humana: por un lado, el acompañamiento del piano presenta el tradicional ‘bajo lamento’, cuya línea descendente por grados 1 Lied: canción en lengua vernácula alemana. 4 conjuntos se asocia con la presencia de la muerte y por otro, el piano mantiene una figura rítmica en tresillos donde resuena con lentitud apesadumbrada la fatalidad que el mismo ritmo caracterizaría en su famoso lied, Erlkönig. Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (Letanía para la festividad de todas las almas) es una obra devocional compuesta en agosto de 1816 e impregnada por una profundidad emocional que se debate entre la fluidez melódica de la voz y la uniformidad del acompañamiento en el piano. Como es común en las letanías, los versos se reiteran con cada estrofa a manera de procesión y cada repetición se sumerge visceralmente con mayor intensidad expresiva. Al parecer, esta obra contenía una afiliación muy íntima para Schubert, quien señalaba en las entradas de su diario de junio del mismo año, dos meses antes de haber finalizado la composición de esta obra, sus recuerdos de su madre recientemente fallecida. Der Doppelgänger (El doble) fue compuesta sobre un texto de Heinrich Heine en 1828, año de la muerte de Schubert. La obra está escrita a manera de una passacaglia, sobre un bajo reiterativo con un apesadumbrado carácter fúnebre. Desde su inicio, la obra representa la gélida inmovilidad de una casa abandonada por el amor, donde solo habita el fantasmagórico reflejo del poeta quien en la soledad sufre las penas de su abandono. Francesco Santoliquido (1883-1971) fue un compositor italiano graduado del Liceo de Santa Cecilia en Roma en 1908. A partir de entonces se mantuvo activo como compositor y maestro de música entre Roma y Túnez, al tiempo que también se dedicó a la composición y publicación de pequeños poemas e historias tanto en italiano como en inglés. Su lenguaje musical puede considerarse neorromántico y es clara la influencia de Wagner y Debussy en su obra. Sin embargo, a medida que Santoliquido permanecía más tiempo en Túnez, sus obras empezaron a incorporar algunas influencias del lenguaje local con marcado exotismo y orientalismo. Si bien sus obras se interpretaban con cierta regularidad, con la publicación de sus escritos fascistas a finales de los años treinta su popularidad y aceptación disminuyeron, cayendo en una prolongada negación tanto por parte de las audiencias como de la academia. I canti della sera (Los cantos del atardecer) corresponden a un ciclo de cuatro canciones que fueron escritas -tanto el texto como la música- por Santoliquido; el ciclo fue compuesto en 1908 y se publicó en 1912 en Milán. En esta obra el compositor evoca escenas crepusculares donde el amor y la naturaleza cobran forma a la luz de diversas imágenes. El lenguaje melódico de Maurice Ravel (1875-1937) se caracteriza tanto por su fluidez como por su equilibrio y claridad. Igualmente, cada una de sus indicaciones demandan atención escrupulosa del intérprete en la medida en que cada composición ha sido cuidadosamente calculada: en su creatividad y meticulosidad resonaba la influencia de su padre, un reconocido ingeniero e inventor francosuizo. En su vida diaria, Ravel se caracterizó por su pulcritud y refinamiento, cualidades que también 5 se proyectaron sobre sus composiciones y que deben ser atendidas constantemente por los intérpretes. Asimismo, su obra presenta una riqueza melódica inagotable que fue alimentada por una constante búsqueda de innovación y una fascinación por diversas tradiciones musicales y su exotismo. Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (Don Quijote a Dulcinea) es un ciclo de tres miniaturas vocales que constituyen la última obra vocal compuesta por Ravel. Este ciclo fue inicialmente compuesto para una película sobre El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, donde el famoso bajo ruso Feodor Chaliapin sería el protagonista. Para este proyecto, cinco compositores más habían sido convocados y por problemas logísticos la obra de Ravel no fue incluida en la película. Posteriormente, en 1934 el barítono francés Martial Singher estrenó la obra en París en su versión para voz y orquesta bajo la dirección de Paul Paray. A lo largo del ciclo, sobre los textos del poeta Paul Morand, Ravel proporciona diferentes facetas de don Quijote, acompañado de alusiones a tres ritmos de danzas típicamente españolas: la guajira, caracterizada por el intercambio entre la subdivisión binaria y ternaria del pulso; la zorzica, proveniente de la región vasca escrita en ritmo quíntuple; y la tradicional jota, reconocible por su carácter vibrante y ritmo ternario. En Chanson romanesque se presenta al noble Quijote como un personaje culto e intelectual, con los más altruistas ideales y un amor irrefrenable por Dulcinea. Por su parte, en Chanson épique don Quijote rinde sus armas en el altar, en plegarias a San Miguel y San Jorge. Finalmente, Chanson à boire es una pieza de taberna, donde el héroe cae bajo los efectos del alcohol y con cierta elegancia sus ruidosas carcajadas resuenan hasta en el acompañamiento del piano. La segunda parte del programa abre con obras de Laureano Quant (n. 1993), quien se ha caracterizado a través de su trayectoria académica por abordar sus intereses como compositor y como intérprete con igual disciplina y dedicación. Habiendo finalizado sus estudios como compositor, Quant encontró en la convocatoria para este ciclo de los Jóvenes Intérpretes la posibilidad de proponer una exploración desde la composición que respondiera a las necesidades temáticas que el programa iba exigiendo. De esta manera, Quant buscó para sus obras a interpretar el día de hoy un poeta colombiano que mediante la irregularidad rítmica permitiera mayor flexibilidad en la línea musical, sin las limitaciones de una métrica predecible. Después de examinar varias obras y autores, el compositor encontró en la obra de José Asunción Silva una amplia gama de recursos expresivos, donde resonaban con facilidad los conceptos que se iban articulando a lo largo del repertorio hoy expuesto: el amor, la noche y la fatalidad del destino humano. A partir del poema Voces silenciosas, Quant definió una sonoridad intensamente cromática que si bien reverberaría entorno a la nota si bemol (la cual se encuentra constantemente presente como un pedal), no generaría relaciones armónicamente funcionales. A medida que la obra avanza, el cromatismo se diluye en sonoridades 6 aparentemente diatónicas y el texto brilla con marcada claridad programática para recaer prontamente en el denso cromatismo inicial. Para Estrellas fijas, Quant buscó una técnica completamente diferente que evocaría hacia el final de la obra el estatismo nefasto que inspirarían los ojos del ser amado que permanecen inmóviles, sobreviviendo aún a la descomposición. En esta obra, a medida que el texto describe la crudeza de la naturaleza del amor en descomposición, el piano sintetiza todos los elementos de construcción musical y su función trasciende el simple acompañamiento para envolver el registro del cantante. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) es uno de los compositores británicos más reconocidos del siglo xx junto a Benjamin Britten y Edward Elgar. Habiendo recibido una formación musical cosmopolita, que incluyó a maestros tan importantes como Max Bruch (en Berlín en 1897) y Maurice Ravel (en París en 1908), Vaughan Williams Bruch logró consolidar un lenguaje musical que, al ser intensificado por su investigación del legado musical británico, rápidamente se convirtió en paradigma estético de su generación. En su obra se integran con creativa naturalidad elementos de la canción tradicional inglesa con las posturas de la vanguardia musical europea del siglo xx. El programa de hoy reúne dos selecciones de ciclos diferentes que fueron publicados entre 1903 y 1904. The Vagabond (El vagabundo) es la primera obra que abre el ciclo Songs of Travel, IRV 77 (Canciones de viaje), que fue compuesto sobre los textos de Robert Louis Stevenson y fue estrenado en Londres en 1904. A pesar de ser un ciclo, al momento de su publicación el editor prefirió romperlo en dos volúmenes para que salieran al mercado en momentos distintos (1905 y 1907) y adicionalmente, de manera póstuma, se insertó una última canción al ciclo. The Vagabond es posiblemente la canción más conocida del ciclo y presenta al personaje central en una faceta abierta y descomplicada. Además, a medida que el piano presenta en el registro bajo una marcha constante, el solista impregna la obra con el optimismo triunfal de un viajero que parte sin otro objetivo que deambular por el mundo. Silent Noon (Melodía silenciosa) fue compuesta en 1903 pero en 1904 fue incluida en un ciclo que reunía las canciones sobre sonetos de Dante Rossetti bajo el título The House of Life (La casa de la vida). Silent Noon se caracteriza por una sensualidad exuberante donde las figuras sincopadas del piano se entremezclan con un constante y tranquilo movimiento que sostiene a la voz, mientras abre su registro con amplitud y libertad. En la sección central de la obra, los arpegios del piano parecen suspender el tiempo para envolver con sus registros al cantante en una atmosfera de ensueño y así, lentamente, volver al material inicial antes de cerrar el movimiento. El programa cierra con Let Us Garlands Bring, Op. 18, colección compuesta por el británico Gerald Finzi (1901-1956) a partir de textos William Shakespeare. Finzi fue un compositor meticuloso y atento a la conservación de la tradición musical inglesa y sus obras fueron sometidas a constantes periodos de revisión y 7 reorganización antes de ser publicadas. Habiendo compuesto poco más de un centenar de obras, su catálogo muestra una fuerte inclinación hacia las obras para voz con acompañamiento de piano. Si bien sus canciones fueron publicadas en grupos, no necesariamente fueron concebidas como un ciclo al no estar conectadas por una línea dramática; sin embargo, Finzi organizaba cada grupo para generar una conexión interna de acuerdo a la temática de cada texto. Let Us Garlands Bring reúne cinco obras compuestas entre 1938 y 1942 y fue estrenada el 12 de octubre de 1942 para conmemorar el cumpleaños setenta de Ralph Vaughan Williams. Finzi dedicó la colección a Vaughan Williams a manera de regalo de cumpleaños. Come Away, Come Away, Death (Ven, ven, muerte) inicia con una apesadumbrada marcha fúnebre en el piano a partir de la cual tratan de escapar los motivos ascendentes de la voz. La obra está organizada en dos secciones siguiendo la estructura del texto y generando un arco expresivo que cierra con la aparición del lamento fúnebre que había iniciado el ciclo. De manera contrastante, Who is Sylvia? (¿Quién es Silvia?) es la alegre celebración de un nuevo amor. El piano en esta obra propone células de ritmos brillantes sobre las cuales la voz presenta tres estrofas organizadas también a manera de arco y que están separadas por breves interludios instrumentales. Fear no more the Heat o’ Sun (No temas más al ardor del sol) recupera la melancolía mortuoria que abrió la colección, ahora envuelta en un halo religioso y solemne, donde el piano y la voz desbordan el escenario casi de manera fantasmagórica. La obra también insinúa una forma cíclica en la que el material inicial reaparece al final haciendo una última despedida. O Mistress Mine (¡Oh señora mía!) fue la última canción de la colección en ser compuesta. Finzi describió esta obra como una «placentera y ligera adaptación de un trovador» (Kimball, 390). Caracterizada por su espíritu jovial, el compositor continúa en esta obra las alegorías sobre un amor renovado. Esta temática permite cerrar la colección de Finzi con It was a Lover and his Lass (Era una muchacha con su enamorado), donde el compositor celebra la espontaneidad del amor mediante diversos patrones rítmicos entre el piano y la voz, enriquecidos por efectos sonoros que hacen alusión a componentes del texto dentro de una atmósfera casi pastoril. Bibliografía Kimball, C. (2006). Song: A Guide to Art Song Style and Literature. Milwaukee, WI, EE.UU.: Hall Leonard. Jaime Ramírez ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En el 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde el 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en el 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, Ramírez mantiene una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 8 FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fahrt zum Hades, D. 526 (1817) (Viaje al inframundo, D. 526) Texto: Johann Maryhofer Der Nachen dröhnt, Cypressen flüstern - Horch, Geister reden schaurig drein; Bald werd’ ich am Gestad’, dem düstern, Weit von der schönen Erde sein. Da leuchten Sonne nicht, noch Sterne, Da tönt kein Lied, da ist kein Freund. Empfang die letzte Thräne, O Ferne! Die dieses müde Auge weint. Schon schau’ ich die Danaiden, Den fluchbeladnen Tantalus; Es murmelt todesschwangern Frieden, Vergessenheit, dein alter Fluß. Vergessen nenn’ ich zwiefach Sterben, Was ich mit höchster Kraft gewann, Verlieren –wieder es erwerben– Wann enden diese Qualen? wann? Der Nachen dröhnt, Cypressen flüstern Horch, Geister reden schaurig drein; Bald werd’ ich am Gestad’, dem düstern, Weit von der schönen Erde sein. La barca vibra, los cipreses susurran ¡Escucha! Los espíritus hablan sombríamente; pronto estaré en la orilla tenebrosa, lejos de donde está la hermosa tierra. Allá no brillan el sol o las estrellas, no suena una canción, no hay un amigo. Recibe las últimas lágrimas, ¡Oh distancia! que brotan de estos ojos cansados. Pronto avisaré las Danaides, al maldito Tántalo; murmura paz mortífera y olvido tu antiguo río. Pienso que el olvido es doble muerte, lo que gané con toda mi fuerza, perder –y de nuevo conquistar– ¿Cuándo terminará este dolor? ¿Cuándo? La barca vibra, los cipreses susurran ¡Escucha! Los espíritus hablan sombríamente; pronto estaré en la orilla tenebrosa, lejos de donde está la hermosa tierra. Litanei auf das Fest Aller Seelen, D. 343 (1816) (Letanía para la fiesta de todas las almas) Texto: Johann Georg Jacobi (1740-1814) Ruhn in Frieden alle Seelen, Die vollbracht ein banges Quälen, Die vollendet süßen Traum, Lebenssatt, geboren kaum, Aus der Welt hinüber schieden; Alle Seelen ruhn in Frieden! Und die nie der Sonne lachten, Unterm Mond auf Dornen wachten, Gott, im reinen Himmelslicht, Einst zu sehn von Angesicht: Alle, die von hinnen schieden, Alle Seelen ruhn in Frieden! Descansen en paz todas las almas, las que culminaron un inquieto tormento, las que cumplieron dulces sueños, saciadas, apenas nacidas, de la vida, y del mundo separadas; ¡Todas las alamas descansen en paz! Y las que nunca rieron al sol, velando entre espinas bajo la luna, a Dios, en la pura luz celestial, esperando una vez contemplar: todas las que de aquí partieron, ¡Todas las almas descansen en paz! 9 Der Doppelgänger de la colección de canciones Schwanengesang, D. 957 (1828) (El doble de la colección de canciones Canto del cisne, D. 957) (1828) Texto: Heinrich Heine (1797-1856) Still ist die Nacht, es ruhen die Gassen, In diesem Hause wohnte mein Schatz; Sie hat schon längst die Stadt verlassen, Doch steht noch das Haus auf demselben Platz. Da steht auch ein Mensch und starrt in die Höhe Und ringt die Hände vor Schmerzensgewalt; Mir graust es, wenn ich sein Antlitz sehe - Der Mond zeigt mir meine eigne Gestalt. Du Doppelgänger, du bleicher Geselle! Was äffst du nach mein Liebesleid, Das mich gequält auf dieser Stelle So manche Nacht, in alter Zeit? La noche es silenciosa, reposan las calles, en esta casa vivía mi amor; ella dejó hace tiempo la ciudad, pero la casa continúa en su mismo lugar. También hay allí un hombre que alza la mirada y retuerce las manos, angustiado; me horrorizo al ver su rostro: la luna me muestra mi propia faz. Tú, mi doble, tú, pálido camarada, ¿Por qué remedas las penas de amor que en este sitio padecí tantas noches, en otro tiempo? FRANCESCO SANTOLIQUIDO (1883-1971) I canti della sera (1908) (Los cantos del atardecer) Texto: Francesco Santoliquido L’assiolo canta Vieni! Sul bosco splende serena la notte dell’estate e l’assiolo canta. Vieni, ti voglio dir quel che non dissi mai. E sul sentiero fioriscono le stelle, magici fiori. Inoltriamoci insieme e là nel folto ti dirò perchè piansi una triste sera che tu non c’eri. Inoltriamoci insieme. Un mistero c’invita, Odi: l’assiolo canta. Canta el búho ¡Ven! Sobre el bosque, serena resplandece la noche de verano y canta el búho. Ven, decirte quiero eso que no se dice. Sobre el sendero florecen las estrellas, mágicas flores. Adelantémonos juntos y ahí entre las ramas te diré por qué lloré una triste noche en que no estabas. Entremos juntos. Nos invita un misterio, escucha: canta el búho. Alba di luna sul bosco Guarda, la luna nasce tutta rossa come una fiamma congelata nel cielo, Lo stagno la riflette e l’acqua mossa dal vento par rabbrividire al gelo. Aurora de luna en el bosque Mira, la luna nace toda roja como una llama congelada en el cielo, el estanque la refleja y al agua mecida por el viento parece estremecerla el hielo. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 10 Che pace inmensa! il bosco addormentato, si riflette nello stagno. Quanto silenzio intorno! Dimmi: È un tramonto o un’alba per l’amor? ¡Qué paz inmensa! el bosque adormecido, se refleja en el estanque. ¡Cuánto silencio alrededor! Dime: ¿es un atardecer o un alba para el amor? Tristezza crepuscolare È la sera. Dalla terra bagnata sale l’odore delle foglie morte. È l’ora delle campane, è l’ora in cui respiro il vano profumo d’un amore passato. E sogno e piango. È la sera. È la sera, una sera piena di campane, una sera piena di profumi, una sera piena di ricordi e di tristezze morte. Piangete, piangete campane della sera, empite tutto il cielo di malinconia. Ah! piangete ancor! Questa è l’ora dei ricordi, è l’ora in cui l’antica fiamma s’accende nel core disperatamente e lo bruccia! Campane, odore di foglie morte, tristezze dissepolte. Tristeza crepuscular Llega la noche. De la tierra mojada viene aroma de hojas muertas. Es la hora de las campanas, es la hora en que respiro el vano perfume de un amor pasado. Y sueño y lloro. Llega la noche. Es la tarde, una tarde llena de campanas, una tarde llena de perfumes, una tarde llena de recuerdos y de tristezas muertas. Llorad, llorad, campanas de la tarde llenad el cielo todo de melancolía. ¡Ay! ¡Llorad un poco más! Esta es la hora del recuerdo, es la hora en que en el corazón la antigua llama arde desesperadamente ¡Y lo quema! Campanas, aroma de hojas muertas, tristezas desenterradas. L’incontro Non mi ricordo più quando noi c’incontrammo la prima volta ma fu certo una lontana sera tutta soffusa di pallide tristezze lungo un benigno mar! A noi giungevano di lontano suoni di campane e di greggi ed una pace strana ci veniva dal mare. Questo rammento! Cosa dicemmo quel giorno, Lo rammentate? El encuentro ¡No recuerdo cuando nos encontramos por primera vez, pero seguro fue una tarde lejana toda impregnada de pálidas tristezas junto a un benigno mar! De lejos nos llegaban los sonidos de campanas y rebaños con una paz extraña que procedía del mar. ¡Eso recuerdo! ¿Qué dijimos aquel día, lo recuerdas? 11 Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. Io non ricordo più. Ma che importa? Oggi mi fiorisce in cuore la dolcezza appassita di quell’ora lontana. E m’è dolce stringere nella mia la vostra mano bianca e parlarvi d’amor, anch’oggi vengono di lontano suoni di campane e di greggi e anch’oggi il mar come allora ci sorride lontano. Ma oggi forse m’amate un poco, non sorridete più. Ah! La vostra mano trema. Se oggi le belle labbra voi mi darete non scorderemo più questa dolce ora d’amor! Yo no recuerdo nada. Pero ¿qué importa? Hoy florece en mi corazón la dulzura marchita de aquella hora lejana. Y me es dulce sujetar entre la mía tu blanca mano y hablarte de amor, hoy también llegan de lejos los sonidos de campanas y de rebaños y también el mar, hoy como entonces, nos sonríe lejano. Pero hoy quizás me amas un poco, no sonrías más. ¡Ah! Tu mano tiembla. Si me das hoy tus bellos labios no olvidaremos nunca esta dulce hora de amor. MAURICE RAVEL (1875-1937) Don Quichotte à Dulcinée, M. 84 (1932-1933) (Don Quijote a Dilcinea. M. 84) Textos: Paul Morand (1888-1976) Chanson romanesque Si vous me disiez que la Terre A tant tourner vous offensa, Je lui dépêcherais Pança: Vous la verriez fixe et se taire. Si vous me disiez que l’ennui Vous vient du ciel trop fleuri d’astres, Déchirant les divins cadastres, Je faucherais d’un coup la nuit. Si vous me disiez que l’espace Ainsi vidé ne vous plaît point, Chevalier Dieu, la lance au poing, J’étoilerais le vent qui passe. Mais si vous disiez que mon sang Est plus à moi qu’à vous ma Dame, Je blêmirais dessous le blâme Et je mourrais vous bénissant. Ô Dulcinée! Canción novelesca Si me dijerais que la tierra con su mucho girar a vos ofende, yo haría que Panza se encargara de dejárosla fija y en silencio. Si vos dijerais que os hastía ver el cielo de astros tachonado, desgarrando los espacios celestes de un golpe la noche acabaría. Si vos dijerais que el espacio por estar tan vacío no os place, andante caballero, lanza en ristre, de estrellas el viento llenaría. Mas si vos dijerais que mi sangre es más mía que vuestra, bella dama, yo palidecería ante el reproche y moriría, siempre bendiciéndoos. ¡Oh Dulcinea! 12 Chanson épique Bon Saint Michel qui me donnez loisir De voir ma Dame et de l’entendre, Bon Saint Michel qui me daignez choisir Pour lui complaire et la défendre, Bon Saint Michel veuillez descendre Avec Saint Georges sur l’autel de la Madone au bleu mantel. D’un rayon du ciel bénissez ma lame Et son égale en pureté Et son égale en piété Comme en pudeur et chasteté: Ma Dame. Ô grands Saint Georges et Saint Michel, L’ange qui veille sur ma veille, Ma douce Dame si pareille A Vous, Madone au bleu mantel! Amen. Canción épica Buen San Miguel que me otorgas licencia para ver a mi dama y escucharla, buen San Miguel que me elegiste como su acompañante y su defensa, buen San Miguel bajad, si os place, junto a San Jorge, hasta el altar de la Madona del celeste manto. Con un rayo del cielo bendecid mi espada y a aquella que la iguala en pureza, aquella que es al par piadosa igual de pudorosa y casta: Mi Señora. Oh nobles San Jorge y San Miguel, el ángel que protege mis vigilias, mi dulce dama que tanto se parece a vos, Madona del celeste manto. Amén. Chanson à boire Foin du bâtard, illustre Dame, Qui pour me perdre à vos doux yeux Dit que l’amour et le vin vieux Mettent en deuil mon coeur, mon âme! Je bois à la joie! La joie est le seul but Où je vais droit... Lorsque j’ai bu! A la joie, à la joie! Je bois à la joie! Foin du jaloux, brune maîtresse, Qui geint, qui pleure et fait serment D’être toujours ce pâle amant Qui met de l’eau dans son ivresse! Je bois à la joie! La joie est le seul but Où je vais droit... Lorsque j’ai bu! A la joie, à la joie! Je bois à la joie! Canción para beber Mal haya aquel bastardo, ilustre dama, que por hacerme menos a vuestros ojos dice que amor y el vino añejo entristecen mi corazón, ¡oh alma mía! ¡Yo bebo alegremente! La alegría es la única meta a la que voy derecho... Cuando he bebido. ¡Alegría! ¡Alegría! ¡Bebo alegremente! Mal haya el que por celos ¡oh señora! Gime, solloza y asegura ser siempre un amante pálido que diluye con agua sus bebidas. ¡Yo bebo alegremente! La alegría es la única meta a la que voy derecho... Cuando he bebido. ¡Alegría! ¡Alegría! ¡Bebo alegremente! 13 Para una mejor audición recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. LAUREANO QUANT (n. 1993) Sombras (2017) Textos: José Asunción Silva (1865-1896) Las voces silenciosas ¡Oh voces silenciosas de los muertos! Cuando la hora muda y vestida de fúnebres crespones, desfilar haga ante mis turbios ojos sus fantasmas inciertos, sus pálidas visiones... ¡Oh voces silenciosas de los muertos! En la hora que aterra no me llaméis hacia el pasado oscuro, donde el camino de la vida cruza los valles de la tierra. ¡Oh voces silenciosas de los muertos! Llamadme hacia la altura donde el camino de los astros corta la gélida negrura; hacia la playa donde el alma arriba, llamadme entonces, voces silenciosas, ¡hacia arriba!... ¡hacia arriba!... Estrellas fijas Cuando ya de la vida el alma tenga, con el cuerpo, rota, y duerma en el sepulcro esa noche, más larga que las otras, mis ojos, que en recuerdo del infinito eterno de las cosas, guardaron sólo, como de un ensueño, la tibia luz de tus miradas hondas, al ir descomponiéndose entre la oscura fosa, verán, en lo ignorado de la muerte, tus ojos, ... destacándose en las sombras. 14 RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) The Vagabond del ciclo de canciones Songs of Travel, IRV 77 (1904) (El vagabundo del ciclo de canciones Canciones de viaje, IRV 77) Texto: Robert Louis Stevenson (1850-1894) Give to me the life I love, Let the lave go by me, Give the jolly heaven above, And the byway nigh me. Bed in the bush with stars to see, Bread I dip in the river – There’s the life for a man like me, There’s the life for ever. Let the blow fall soon or late, Let what will be o’er me; Give the face of earth around, And the road before me. Wealth I seek not, hope nor love, Nor a friend to know me; All I seek, the heaven above, And the road below me. Or let autumn fall on me Where afield I linger, Silencing the bird on tree, Biting the blue finger. White as meal the frosty field Warm the fireside haven Not to autumn will I yield, Not to winter even! Let the blow fall soon or late, Let what will be o’er me; Give the face of earth around, And the road before me. Wealth I ask not, hope nor love, Nor a friend to know me; All I ask, the heaven above, And the road below me. Dadme la vida que quiero, dejad que pase el aluvión, dadme el alegre cielo sobre mí y que el camino me conduzca. Lecho en el bosque contemplando los astros, pan remojado en el arroyo – esa es la vida para un hombre como yo, esa es la vida para siempre. Que caiga pronto o tarde el golpe, que pase lo que haya de pasar; dadme el rostro de la tierra alrededor y el camino ante mí. No pido riqueza, esperanza o amor, ni un amigo que me conozca; sólo deseo el cielo sobre mí y el camino bajo mis pies. Oh dejad que llegue el otoño cuando yo esté en el campo, callando al pájaro en la rama, mordiendo los dedos ateridos. Blanco como harina el campo helado tibio refugio junto a la hoguera ¡No me le rendiré al otoño, ni al mismo invierno! Que caiga pronto o tarde el golpe, que pase lo que haya de pasar, dadme el rostro de la tierra alrededor, y el camino ante mí. No pido riqueza, esperanza o amor ni un amigo que me conozca; solo deseo el cielo sobre mí y el camino bajo mis pies. 15 Silent Noon del ciclo de canciones The House of Life, IRV 25 (1903) (Mediodía silenciosa del ciclo de canciones La casa de la vida, IRV 25) Texto: Dante Rossetti (1828-1882) Your hands lie open in the long fresh grass, The finger-points look through like rosy blooms, Your eyes smile peace. The pasture gleams and glooms ‘Neath billowing clouds that scatter and amass. All round our nest, far as the eye can pass, Are golden kingcup fields with silver edge Where the cow-parsley skirts the hawthorn hedge. Tis visible silence, still as the hour glass. Deep in the sunsearched growths the dragon-fly Hangs like a blue thread loosened from the sky: So this winged hour is dropt to us from above. Oh! clasp we to our hearts, for deathless dower, This close-companioned inarticulate hour When twofold silence was the song of love. Tus manos descansan abiertas en la larga hierba, tus dedos se entrevén como botones de rosa, tus ojos sonríen paz. El prado brilla y se opaca bajo nubes que se agrupan y dispersan. Alrededor de nuestro nido, tan lejos como alcanza la vista, hay dorados campos de caléndulas con visos de plata donde los perifollos verdes rozan el seto de espino. Es silencio visible, como un reloj de arena. En lo profundo de los brotes soleados surgen libélulas suspendidas como hilos azules caídos del cielo: así nos llega esta hora alada de lo alto. ¡Oh! Atemos a nuestros corazones, como eterno tesoro, esta hora de callada cercanía cuando dos silencios eran una canción de amor. GERALD FINZI (1901-1956) Let Us Garlands Bring, Op. 18 (1942) Textos: William Shakespeare (c. 1564-1616) Come Away, Come Away, Death Come away, come away, death, And in sad cypress let me be laid; Fly away, fly away, breath; I am slain by a fair cruel maid. My shroud of white, stuck all with yew, O prepare it! My part of death, no one so true Did share it. Not a flower, not a flower sweet, On my black coffin let there be strown; Not a friend, not a friend greet My poor corpse, where my bones shall be thrown. A thousand, thousand sighs to save, Lay me, O where Sad true lover never find my grave, To weep there! Ven, ven, muerte Ven, ven, muerte y que me entierren junto a un triste ciprés; vete, vete, aliento; una cruel doncella me mató. ¡Un sudario blanco, ataúd de tejo, preparad! Mi cuota de muerte, nadie tan fiel la recibió. Ni una flor, ni una dulce flor, debe arrojarse sobre mi ataúd; ni un amigo, ni un saludo amigo, para mi pobre cuerpo, cuando arrojen mis huesos. Ahorraros miles de suspiros, dejadme allí, ¡Oh! donde nunca un amante más fiel llegue a mi tumba para allí llorar. Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. 16 Who is Sylvia? Who is Silvia? what is she? That all our Swains commend her? Holy, faire, and wise is she. The heavens such grace did lend her, That she might admired be. Is she kinde as she is faire? For beauty lives with kindness; Love doth to her eyes repair, To help him of his blindness: And being help’d, inhabits there. Then to Silvia, let us sing, That Silvia is excelling; She excels each mortal thing Upon the dull earth dwelling. To her let us Garlands bring. ¿Quién es Silvia? ¿Quién es Silvia? ¿Qué es ella para que todos nuestros galanes la alaben? Santa, bella y sabia es. Los cielos le dieron tanta gracia que admirada ha de ser. ¿Es tan gentil como bella? Porque conviven belleza y cortesía; cupido acude a sus ojos por ayuda para su ceguera: y al recibirla, permanece allí. Entonces, cantemos a Silvia, porque Silvia prevalece; está sobre toda cosa mortal que habita la tediosa tierra. Traigamos guirnaldas para ella. Fear no more the Heat O’ the Sun Fear no more the heat o’ the sun, Nor the furious winter’s rages; Thou thy worldly task hast done, Home art gone, and ta’en thy wages: Golden lads and girls all must, As chimney-sweepers, come to dust. Fear no more the frown o’ the great; Thou art past the tyrant’s stroke; Care no more to clothe and eat; To thee the reed is as the oak: The sceptre, learning, physic, must All follow this, and come to dust. Fear no more the lightning flash, Nor the all-dreaded thunder-stone; Fear not slander, censure rash; Thou hast finish’d joy and moan: All lovers young, all lovers must Consign to thee, and come to dust. No exorciser harm thee! Nor no witchcraft charm thee! Ghost unlaid forbear thee! Nothing ill come near thee! Quiet consummation have; And renowned be thy grave! No temas más al ardor del sol No temas más al ardor del sol, ni a la furiosa ira del invierno; hiciste ya en el mundo tu tarea, vuelve a casa llevando tu salario: nobles jovencitos polvo serán como cualquier deshollinador. No temas más el desdeño de los grandes; estás más allá del alcance del tirano; no te preocupes por ropa ni comida, para ti da lo mismo caña o roble: cetros, saberes y fármacos irán por esa vía, y polvo serán. No temas más a los relámpagos ni los temibles golpes de los truenos; ni las calumnias, censuras o regaños, terminaron las dichas y las quejas: jóvenes amantes por fuerza deberán aceptarlo como tú, y polvo serán. ¡Los exorcistas no te herirán, ni la hechicería te vencerá! ¡Los fantasmas sueltos te evitarán, nada malo a ti se acercará! Ten tranquila culminación; ¡Honrada sea tu tumba! 17 O Mistress Mine O mistress mine, where are you roaming? O stay and hear, your true love’s coming That can sing both high and low. Trip no further, pretty sweeting; Journeys end in lovers’ meeting, Ev’ry wise man’s son doth know. What is love? ‘Tis not hereafter; Present mirth hath present laughter; What’s to come is still unsure. In delay there lies no plenty; Then come kiss me, sweet and twenty; Youth’s a stuff will not endure. ¡Oh señora mía! Oh señora mía ¿por dónde andas? Detente y escucha llegar a tu amante, que alto y bajo puede cantar. No busques más, dulzura bella, toda ruta termina en amoroso encuentro, lo sabe cualquier hijo de vecino. ¿Qué es el amor? No es el futuro dichas actuales brindan risas hoy; lo que vendrá aún es incierto. Aplazar no trae abundancia; entonces bésame una y mil veces; la juventud no es cosa duradera. It Was a Lover and His Lass It was a lover and his lass, With a hey, and a ho, and a hey nonino That o’er the green corn-field did pass. In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. Between the acres of the rye, With a hey, and a ho, and a hey nonino, These pretty country folks would lie, In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. This carol they began that hour, With a hey, and a ho, and a hey nonino, How that a life was but a flower In the spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. And therefore take the present time With a hey, and a ho, and a hey nonino, For love is crowned with the prime In spring time, the only pretty ring time, When birds do sing, hey ding a ding a ding; Sweet lovers love the spring. Era una muchacha con su enamorado Era una muchacha con su enamorado, con un jey, con un jo y un jey nonino paseando por el verde maizal. En primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Entre los campos de centeno, con un jey, con un jo y un jey nonino, a estos campesinitos les gusta reposar en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Y comenzaron esta canción en esa hora, con un jey, con un jo y un jey nonino, en la que la vida semeja una flor en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Y por lo tanto, aprovecha el presente, con un jey, con un jo y un jey nonino, porque el amor se corona en sazón en primavera, ese tiempo bonito, cuando las aves cantan jey ding-ding- a-ding; los enamorados aman la primavera. Textos traducidos por Alberto de Brigard. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) Boletas: $10.000 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos.

Concierto interpretado por Pedro Amorim y su grupo. Influenciado por Jacob do Bandolim, Pedro Amorim decidió interpretar la mandolina y dedicarse al género del charo. Debutó como miembro del grupo Nó em Pingo D' Água, con el cual grabó por primera vez en Funarte un disco conmemorativo del centenario de Joao Pernambuco, en 1993. Conformó con Mauricio Carrilho y Paulo Sérgio Santos la agrupación O Trio y grabó con ellos, en el mismo año en París (Francia), el disco compacto O Trio, grabación que recibió el premio Sharp en la categoría de música instrumental. También grabó en París con Teca Calazans y O Trio el disco Samba de Bamba.

Concierto celebrado por el pianista holandés David Kuyken y el oboísta australiano Bart Schneemann, en el que se interpretaron obras de Francis Poulence, Robert Schumann, Béla Bartók, Luciano Berio y Camille Saint-Saens.

Concierto interpretado por el grupo Pro Música del Rosario. Esta agrupación comenzó sus actividades en 1969 con el propósito de contribuir a la interpretación y difusión de la música antigua, y con el ánimo de apoyar la formación musical, desde la primera edad, a través de grabaciones discográficas de repertorio dirigido a los niños. Su labor se completa, posteriormente, con la realización de espectáculos didáctico-musicales a cargo de ocho o nueve integrantes de Pro Música Antigua Rosario. Para la interpretación de las obras utilizan violas da gamba, guitarra, charango, cuatro, bajo eléctrico, flautas dulces, flauta travesera, cromornos, bombarda, acordeón, sikus, pincullos, metalófonos, panderetas, tambores, caja china, claves, bongó, maracas, cabasha, güiro, triángulo, cascabeles, platillos, campanitas e instrumentos informales.