Concierto interpretado el grupo barroco Florilegium. Creado en 1991 por Ashley Saloman y Neal Peres Da Costa, el Ensamble Florilegium no tardó en llamar la atención del público y la crítica, y en ubicarse como uno de los grupos más rigurosos y exuberantes en la interpretación del repertorio de los siglos XVII y XVIII. Su conformación le permite abarcar desde sonatas a trío hasta sinfonías clásicas y repertorio religioso.

Concierto interpretado por la clavecinista Carole Cerasi. Cerasi nació en Suecia de padres turco/sefardies, y su primera lengua fue el francés. Se interesó en el clavecín a lo 11 años y a los 14 fue invitada por Kenneth Gilbert a participar en el curso que dictaba en el museo Vleeshuis de Antwerpe. Además de Gilbert, sus más influyente guías fueron Jill Sever y Gustav Leonhar.

Concierto interpretado por la agrupación de música barroca Tientos. Esta agrupación, "la nueva música antigua” como la definiera la prensa en 1995, es el resultado de muchos año de investigación e interpretación de la música del Renacimiento y el Barroco; su repertorio está conformado por obras que datan de 1500 a 1780 aproximadamente.

Concierto interpretado por El Combattimento Consort de Amsterdam. Fundado en 1982, está conformado por los más sobresalientes músicos holandeses y se ha ganado una extraordinaria reputación por su manera de interpretar las obras, tanto conocidas como desconocidas, de los periodos barroco y preclásico. Su vasto repertorio incluye a Bach, Vivaldi, Rameau, Purcell, Telemann, Locatelli, Albinoni, Muffat, Zelenka, Biber y Schmelzer, entre otros muchos, como también obras de compositores aún no suficientemente divulgados de los Pafses Bajos, entre los cuales cabe mencionar a Hellendaal y Wassenaer.

Miércoles 14 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Jueves 15 de febrero de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Lars Bjarnø · Código PULEP: JLC408 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Paul Hillier, director Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que dependiendo del programa se permitirá o no el ingreso a la sala una vez iniciado el concierto. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. 1 BIBLIOTECA LUIS ÁNGEL ARANGO – 60 AÑOS En 2018, la Biblioteca Luis Ángel Arango está de aniversario. Nuestra biblioteca cumple sesenta años de servicio y de ser uno de los ejes fundamentales del desarrollo de la labor cultural del Banco de la República. Bajo su dirección se desarrolló no solo una labor enfocada en el fortalecimiento de una colección bibliográfica dispuesta para consulta y préstamo sino labores tan apreciadas y fuertes hoy día como son los proyectos de los museos de la Manzana Cultural y la labor musical que se desarrolla desde la Sala de Conciertos. Toda la labor cultural del Banco de la República se irradia a nivel nacional hacia 28 ciudades que reciben el préstamo de libros, conciertos y exposiciones de diferentes índoles. Asimismo, desde las diferentes ciudades, se propende por la recuperación de la memoria local y por gestionar proyectos que después impactan al resto del país. La Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, que desde un principio se propuso presentar a artistas representativos de la música de cámara nacional e internacional, ha evolucionado, junto con la biblioteca, en la manera de entender sus servicios, sus usuarios y su papel en la vida cultural del país. Es así como, con el paso del tiempo, sus criterios de programación han tenido ajustes y su orientación ha dado giros para fortalecer al sector musical nacional, procurando siempre mantener el propósito de celebrar la creatividad y musicalidad local, regional y universal, y servir como punto de encuentro entre diferentes generaciones de músicos y públicos. La Temporada Nacional de Conciertos 2018 continúa una labor iniciada durante la primera expansión de la biblioteca en 1966. Inicia la temporada con Stimmung, una obra escrita por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen en 1968, en la que se reúnen varias de las inquietudes estéticas y, por qué no, espirituales y políticas de la época. De esta forma la sala y la biblioteca continúan con su labor de conectar a Colombia con el mundo y al mundo con nuestro país. En esta sala ha sido interpretada música del siglo XII pasando por los grandes nombres de la música occidental como son Bach, Mozart o Beethoven, pero también artistas colombianos –compositores e intérpretes- que han sido protagonistas estelares del desarrollo de la música en el país como creadores y educadores. La temporada 2018 presenta a artistas muy variados que presentarán música antigua, clásica, moderna y contemporánea, así como jazz y música de diferentes lugares del mundo. Esperamos que nos acompañen en esta celebración que, a lo largo del año, contará con artistas de España, Sur África, Francia, Suiza, Israel, Suecia, Reino Unido, Alemania, Portugal, México, Nueva Zelanda y, desde luego, Colombia. Entre toda esta oferta vale resaltar tres cosas: primero, el énfasis que habrá en el primer semestre en la música vocal con la presentación de los ensambles Theatre of Voices, La main harmonique, Vocalconsort Berlin, Ensamble Villancico y Stile Antico; segundo, el estreno de una obra comisionada por el Banco de la República al compositor nariñense Gustavo Parra –el estreno lo realizará el ensamble mexicano CEPROMUSIC- y; tercero, el homenaje que se le rendirá en octubre al compositor vallecaucano Luis Carlos Figueroa. En 2018 estamos de aniversario y nuestra programación musical es solo una parte de las actividades. Esperamos que puedan aprovechar toda la oferta cultural recogida en esta celebración. ¡Bienvenidos! 2 THEATRE OF VOICES ensamble vocal (Dinamarca) Else Torp, soprano Signe Asmussen y Randi Pontoppidan, mezzosopranos Wolodymyr Smiskewych y Jakob Skjoldborg, tenores Jakob Bloch Jespersen, bajo barítono Ian Dearden, diseño sonoro Theatre of Voices fue fundado en California por Paul Hillier, pero su sede principal se encuentra actualmente en Dinamarca. Sus interpretaciones abarcan música de Perotin, Dowland, Carissimi, Buxtehude y Bach, y ha participado en proyectos con varios compositores contemporáneos de Foto: Klaus Holsting 3 renombre como Berio, Pärt, Reich, Cage, Pelle Gudmundsen-Holmgreen y Stockhausen. Theatre of Voices trabaja y graba con la London Sinfonietta y el Cuarteto Kronos. Además, se presenta frecuentemente en el Festival de Edimburgo, el Centro Barbican y el Carnegie Hall, en conciertos con boletería totalmente agotada. En el 2008 abrieron el Festspiele de Berlín con la obra Stimmung, de Stockhausen, a petición del compositor mismo, y participaron en los Proms de la BBC. En los últimos años han hecho giras por Hong Kong, Australia, Suecia, Reino Unido, México, Estados Unidos, Italia, Francia, Polonia, Bélgica, Alemania, Portugal, Luxemburgo y Holanda. Entre sus últimos lanzamientos se cuentan Stimmung, de Stockhausen, The Little Match Girl Passion, de David Lang —por el que el grupo recibió un Premio Grammy en el 2010, el mismo año de su vigésimo aniversario de fundación—, Stories (Berio, Cage, Berberian), The Christmas Story y Creator Spiritus, de Arvo Pärt, todos bajo el sello Harmonia Mundi. También, con el sello Dacapo Records, Theatre of Voices lanzó las Cantatas escandinavas de Buxtehude, el primero de una serie de cinco álbumes. En el 2013 Theatre of Voices fue nominado al Premio de Música del Consejo Nórdico, y en el 2014 la pieza titulada My Heart’s in the Highlands, del álbum Pärt: Creator Spiritus, interpretada por el grupo, fue utilizada en La Grande Bellezza, película de Paolo Sorrentino, que ganó un Óscar. Esta misma pieza apareció en Mojo Magazine como una de las favoritas de la banda Nick Cave and the Bad Seeds. El ensamble también ofrece talleres y trabaja en proyectos cinematográficos. Actualmente trabaja con el documentalista danés Phie Ambo y el compositor islandés nominado al Óscar, Jóhann Jóhannsson (The Farmer and the Universe, Arrival, Mary Magdalene). Theatre of Voices cuenta con el patrocinio del Consejo Danés para las Artes. 4 Paul Hillier, director Hillier ha sido el director artístico de Theatre of Voices desde 1990. Director y fundador del Ensamble Hilliard y actual director de la orquesta Ars Nova Copenhagen, su carrera abarca el canto, la dirección y la publicación de múltiples escritos sobre música. Sus libros acerca de Arvo Pärt y Steve Reich, así como varias antologías de música coral, han sido publicados por Oxford University Press. Ha trabajado como profesor en la Universidad de California en Santa Cruz y Davis, y entre 1996 y 2003 fue el director del Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana. En el 2006 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico (OBE) por su contribución a la música coral, y en el 2007 lo fue con la Orden de la Estrella Blanca de Estonia. Ese mismo año recibió el Grammy otorgado a la mejor grabación coral (con el Coro de Cámara de la Filarmónica de Estonia). En el 2008 fue nombrado director artístico y director de orquesta principal del Coro Nacional de Cámara de Irlanda, y en el 2009 fue invitado a formar parte del nuevo coro Casa da Musica, en Oporto, Portugal. Ganó un segundo Grammy en el 2010 con Theatre of Voices y Ars Nova Copenhagen, y en el 2013 recibió la distinción Ridder af Dannebrog (Caballero de la Orden de Dannebrog), otorgado por Su Majestad La Reina de Dinamarca. Foto: Ditte Capion 5 PROGRAMA Stimmung (1968) KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007) CONCIERTOS Nos. 1 y 2 Este concierto no tiene intermedio. Una vez haya iniciado el concierto no se permitirá el ingreso a la sala. 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Karlheinz Stockhausen (1928-2007) es uno de los compositores alemanes de mayor reconocimiento en nuestros días. Su legado artístico fue determinante para el desarrollo de las nuevas corrientes estéticas de la vanguardia europea y, junto a Pierre Boulez, se le considera una de las más importantes influencias pedagógicas para las nacientes generaciones de músicos. Gracias especialmente a su relación con la escuela de Darmstadt y las diferentes escuelas de investigación de París, logró crear nichos artísticos en los que innumerables compositores e intérpretes desarrollarían proyectos de creación y exploración estética fundamentales para el desarrollo intelectual europeo en los años de postguerra y cuyas innovaciones siguen alimentando nuevas tendencias hasta nuestros días. Stockhausen nació en 1928 en Burg Mödrath, cerca de Colonia, y tuvo una formación musical tardía y congestionada por problemas familiares alimentados por los estragos de la guerra. Su madre, recluida desde 1933 en un sanatorio por diversos problemas psiquiátricos, fue asesinada por el régimen nazi cuando Karlheinz tenía catorce años; el padre, un granjero que posteriormente se dedicó a la educación, también murió durante la guerra en 1945. El joven Stockhausen fue llevado a una institución de formación pedagógica en Xanten, en la región de Düsseldorf, donde estuvo trabajando en un hospital militar. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial regresó a Colonia, ingresó a la Rheinische Musikschule en 1947 y obtuvo su título en Educación Musical en 1951, a la edad de veintitrés años. En 1951, Stockhausen asistió por primera vez al Ferienkurse für Neue Musik, en Darmstadt, donde estableció una fuerte amistad con el compositor Karel Goeyvaerts, un antiguo alumno de Messiaen, y en donde adquirió un renovado interés por la composición. En 1952, en su viaje a París para estudiar con Messiaen, conoció a Pierre Boulez, Pierre Schaeffer y otros artistas que progresivamente fueron determinantes en la vanguardia sonora parisina. Desde entonces, la actividad compositiva de Stockhausen creció a tal punto que para 1953 ya era reconocido como uno de los más importantes compositores en las áreas del serialismo y la música electrónica. Stockhausen regresó a la escuela de Darmstadt, donde enseñó con regularidad desde 1956; a partir de entonces, el reconocimiento de la escuela de Darmstadt como foco 7 de creación artística fue en aumento y Stockhausen se estableció como uno de los compositores más visibles en ese medio. Allí fortaleció su actividad como compositor y alimentó su reflexión en la docencia a través de una intensa labor con un colectivo de intérpretes que diseminaron con bastante éxito las nuevas tendencias con las que se identificaría la vanguardia musical europea. Para la década de los sesenta, el reconocimiento internacional de Stockhausen trascendía los círculos de la élite musical europea y era considerado uno de los artistas más influyentes del momento; para entonces los índices de ventas de sus grabaciones para el sello Deutsche Grammophon solo eran superados por las grabaciones de Stravinsky. La aceptación de Stockhausen en la cultura popular se irradió hacia las nuevas generaciones, al punto de que incluso su imagen aparece incluida en la portada del disco de los Beatles Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). El reconocimiento del músico alemán ha estado alimentado asimismo por una reflexión estética y pedagógica determinante para las nuevas tendencias artísticas en los más diversos campos. Si bien en los últimos años de su vida el nombre de Stockhausen estuvo más bien encasillado en los excesos logísticos de su ciclo de óperas Licht y curiosidades de su vida familiar y espiritual, es innegable que su legado estético e intelectual es punto de referencia para definir los avances artísticos de nuestra época. Composición digital por Jacobo Ramírez Vizcaya1. 1 Composición digital a partir de imágenes de dominio público (imagen del LP de los Beatles) y de página del web de la fundación de Stockhausen para la nueva música (firma y símbolo del compositor). 8 Stimmung: una realización estética de la modulación del carácter a través de la transformación tímbrica «Cuando escuchamos sonidos somos transformados; dejamos de ser lo mismo después de escuchar ciertos sonidos. Esto se maximiza cuando escuchamos sonidos organizados, sonidos organizados por otro ser humano: música.» Karlheinz Stockhausen2 Si bien la reflexión anterior puede ser una afirmación bastante abierta y corre el riesgo de tomarse con ligereza, plantea al mismo tiempo una idea germinal sobre nuestra capacidad para resonar con el poder transformador de la música en sus más extensas y variadas manifestaciones. Asimismo, se relaciona directamente con la concepción de Stimmung y la manera en que la obra se desenvuelve en el tiempo. El término stimmung tiene un significado abierto a reconsideraciones que expanden su traducción literal. En el ámbito musical se traduce como ‘afinación’ o ‘entonación’. Corresponde al verbo stimmen, que también significa ‘armonizar’ o ‘concordar’, y se relaciona directamente con la palabra stimme, que se traduce como ‘voz’. En un contexto más amplio, la expresión stimmung se puede emplear para indicar que dos personas están de acuerdo respecto a algo o incluso que se encuentran de buen humor y ‘resuenan’ emocionalmente. Si bien es evidente que stimmung es un título apropiado para una obra escrita para un sexteto vocal cuyos integrantes afinan armónicamente, la ambivalencia de la expresión es fundamental para entender cómo la obra evoluciona a medida que cada miembro del ensamble transforma su respuesta musical para acomodarse al estado emocional característico de cada módulo de la forma musical. Es así como Stimmung se constituye en una exploración de transformación sonora (y emocional) constante. La obra crece progresivamente a través de la pronunciación de diversos fonemas, sílabas, palabras desarticuladas e incluso nombres con implicaciones místicas. Stimmung está organizada en cincuenta y un módulos o secciones, cada una de las cuales está dirigida por 2 Tomado de un fragmento de las conferencias ofrecidas por el compositor en Inglaterra entre 1972 y 1973 y grabadas por Allied Artists. Los fragmentos de las conferencias están disponibles en el sitio web de la Fundación Stockhausen para la Música (http:// www.karlheinzstockhausen.org). Stimmung fue compuesta en 1968; de alguna manera representa parte de las propuestas estéticas cuyos conceptos se cristalizaron teóricamente a través de las conferencias presentadas por el compositor a inicios de la década de los setenta. 9 un cantante ‘líder’ que abre su módulo y que determina qué cantantes deben entrar en estas secciones particulares, así como su manera de interactuar con él. Cada voz femenina lidera un módulo ocho veces y cada voz masculina lidera un módulo nueve veces. Estas secciones crecen acústicamente a través de repeticiones a medida que sus textos generan pulsaciones que reverberan orgánicamente, acomodándose a las transformaciones tímbricas que se desenvuelven en el tiempo. Una vez que el líder de cada módulo determina que el carácter emocional de su sección ha sido alcanzado o transformado suficientemente, define la salida hacia el siguiente módulo y asimismo hacia una nueva transformación, es decir, hacia un nuevo stimmung. El orden de estos módulos queda a discreción de los intérpretes, así como la organización de los textos junto con algunos modelos de variación. Por esta razón, el desarrollo formal de la obra se convierte en una transformación única que crece orgánica e irrepetiblemente para cada interpretación. Mediante este método de composición, Stockhausen mantiene su inclinación hacia el indeterminismo asociado a las ‘composiciones procesuales’, en las que los intérpretes participan activamente tomando decisiones compositivas que afectan el resultado final de cada interpretación. La manera en que los timbres se desenvuelven atmosféricamente en el tiempo constituyó una influencia determinante en su época, por lo cual Stimmung se considera un punto de referencia e inspiración para el estilo de ‘composición espectral’ que se desarrolló principalmente en París durante los años setenta. La manipulación de los timbres y su ámbito armónico son también elementos determinantes para Stimmung. Toda la obra deriva inicialmente sus alturas a partir de los primeros ocho parciales la serie armónica3 de la nota si bemol. A lo largo de la obra, los intérpretes manipulan 3 La serie armónica es un fenómeno acústico por el cual cada sonido (o altura) es acompañado por frecuencias adicionales que reverberan con mayor o menor intensidad. El sonido inicial para cada serie es llamado ‘fundamental’ y las frecuencias acompañantes son llamadas ‘armónicos’ o ‘parciales’; el tipo y cantidad de armónicos que acompañan cada sonido son elementos determinantes para el timbre de cada instrumento o incluso para cada cuerpo emisor de sonido. En la gráfica se presenta la serie armónica de la nota si bemol, cuyos primeros armónicos, junto con su fundamental, son empleados en Stimmung. 10 una atmósfera acústica a través de la exploración de diferentes segmentos de la serie armónica, generando armónicos con la voz que, al entrar en reverberación con otras sílabas, se transforman en diversas pulsaciones sonoras que invaden el escenario expansivamente al amplificarse por medios electrónicos. En julio de 1982, Stockhausen explicaba en su correspondencia al director Gregory Rose las circunstancias que lo condujeron a componer empleando exclusivamente armónicos generados por la voz; esta determinación técnica, revolucionaria para la música occidental de la época (Stimmung fue compuesta en 1968), fue concebida como método de composición por razones puramente pragmáticas: Regresaba de un tour por México (muy caliente) a una pequeña casa sobre la bahía en Madison (Connecticut) que mi esposa Mary había arrendado. Ella vivía allí con nuestros dos pequeños niños. Yo empecé a componer esta obra con muchas melodías, cantando en voz alta todo el tiempo. Pero después de pocos días, mi trabajo solo era posible durante la noche (la bahía estaba congelada, todo era hielo y nieve y terriblemente frío). Los niños necesitaban silencio también durante el día (Simón acababa de nacer). Así que empecé a murmurar, no canté en voz alta de nuevo, empecé a escuchar cómo mi cráneo vibraba, dejé de escribir melodías con fundamentales, me centré en el si bemol bajo, empecé nuevamente y escribí Stimmung probando todo personalmente, murmurando las melodías con armónicos. No hay nada oriental, nada filosófico: solo dos bebés, una casa pequeña, silencio, soledad, noche, nieve, hielo (también la naturaleza dormía): ¡un milagro!4. Como Stockhausen indica en el fragmento anterior, la composición de la obra inició después de una prolongada temporada de viajes, en los que pasó por California, Hawái y varias ciudades mexicanas. De manera especial su estadía en México se caracterizó por la visita a diversas ruinas de templos y culturas precolombinas; allí el compositor se sentaba por horas en constante contemplación, reviviendo en su imaginación los rituales que habrían tenido lugar en los antiguos templos, hasta el punto de resonar emocionalmente con cada cultura. Las impresiones generadas en Stockhausen durante el viaje fueron decisivas, no solo por el acercamiento a los rituales y legados de culturas ancestrales, sino también por la capacidad de empatía emocional generada a partir de las transformaciones y los contrastes tanto de las estructuras con el paisaje como de las personas con su entorno. 4 Fragmento de una carta de Stockhausen al director Gregory Rose, escrita el 24 de julio de 1982. Citado por Gregory Rose y Helen Ireland en las notas a la grabación de Stimmung, a cargo de Singcircle, bajo la dirección de Gregory Rose, para el sello Hyperion (CDA66115, 1986). Traducción del texto: Jaime Ramírez Castilla. 11 De esta manera, y casi paradójicamente, la obra no está concebida exclusivamente como una obra meditativa, sino también como una exploración de transformación acústica. Los textos incorporan diversos nombres de entidades místicas de diferentes culturas, pero también palabras de uso común, como los nombres de los días de la semana en varios idiomas y diferentes efectos vocales; asimismo, el texto incorpora tres breves poemas escritos por Stockhausen en 1967, que se caracterizan por sus juegos de palabras y sus implicaciones eróticas. A medida que avanza la obra, las palabras se desprenden de sus significados. Así como los intérpretes determinan en gran parte el orden de las secciones, son también los intérpretes quienes deciden qué nombres místicos incorporan. Stockhausen indica cuándo incorporar los nombres místicos y algunas variaciones tímbricas; en veintinueve de las cincuenta y un secciones, los intérpretes deben incorporar estos nombres, pero cada cantante tiene once nombres de dónde escoger. Por esto, no todos los nombres se emplean en una misma interpretación y no siempre se emplean los mismos nombres; de acuerdo con las indicaciones del compositor, cada integrante presenta las palabras hasta que, mediante repeticiones, se integran a la sección asimilando el carácter que prevalece por la atmósfera sonora de ese momento. Nombres mágicos presentes en Stimmung5 Abassi-Abumo: Creador del cielo (Nigeria, África) Aeolus: Dios del viento (Grecia) Ahura mazda: Dios de la sabiduría, dios supremo (Persia) Allah: Creador todopoderoso (Islam) Atum-Ra: Dios sol (Egipto) Chalchihuitlicue: Dios del mar y el agua salada (cultura azteca) Chang ti (también llamado Shangdi): Gobernante del cosmos (budismo chino) Chronos: Dios del tiempo (Grecia) Diana: Diosa de la luna, la cacería y la natividad (Grecia) Dionysos: Dios de la fertilidad y del vino (Grecia) Elohim: Deidad (cultura hebrea) Elyon: Dios celestial (cultura hebrea) Gaia: Diosa de la tierra (Grecia) Geb: Dios de la tierra (Egipto) Grogoragally: Dios sol (Australia) 5 Parte considerable de este listado fue generosamente proporcionada por Paul Hillier para la elaboración de estas notas. Otra parte proviene de la versión de Gregory Rose, citada en la nota anterior. 12 Halakwulup: Ancestro de la tierra y también nombre de la población y su lenguaje (Tierra del Fuego) Hera: Protectora de las mujeres y del matrimonio (Grecia) Hina-a-tuatua-a-kakai: Dios del brillo de la luna (Hawái, Polinesia) Indra: Dios de la sabiduría, lucha, dios de la creación (India) Isis: Diosa maternal (Egipto) Kala: Madre tierra (India) Luminut: Dios terrenal (Sulawesi, Indonesia) Mulugu: Creador celestial (etnia kikuyu, África) Munganagana: Dios del viento (Australia) Nazami: Creador celestial (África) Nut: Diosa del cielo (Egipto) Osiris: Dios de la fertilidad y la muerte (Egipto) Poseidón: Dios de los mares (Grecia) Quetzalcoatl: Dios de los dioses, dios de los sacerdotes (culturas tolteca y azteca) Rhea: Diosa de la fertilidad y madre de Zeus (Grecia) Rangi: Dios del cielo (etnia maorí, Polinesia) Shiva: Dios de la destrucción (India) Sedna: Diosa del mar y los animales marinos (cultura inuit, Alaska y Canadá) Singbonga: Dios sol bengalí Sussistinako: Dios del cielo (cultura amerindia sia) Tamoi: Dios celestial guaraní (Paraguay) Tangaroa: Dios sol, creador (etnia maorí, Polinesia) Teteoinnan: Madre de los dioses (cultura azteca) Tlaloc: Dios de la lluvia (cultura azteca) Tochi: Abuela de los dioses (cultura azteca) Ueueteotl: Dios del fuego (cultura azteca) Uitzilopochtili: Dios de la guerra, el sol y los sacrificios humanos, regente de Tenochtitlan (México) Uranos: Dios de los cielos (Grecia) Usi Afu: Dios de la tierra (Timor, Indonesia) Usi Neno: Dios del sol (Timor, Indonesia) Uwoluwu: Creador celestial (etnia akposo, Ghana, África) Varuna: Diosa de la ley y sabiduría (India) Venus: Diosa del amor (Roma) Viracocha: Dios de la civilización quechua (Perú) Vishnu: Dios superior y dios de protección (hinduismo) Wakantanka: Dios del trueno (tribu amerindia sioux) 13 Xochipili: Dios de las flores, las artes y la comodidad: (cultura azteca) Yah-Weh: Dios de Israel (cultura hebrea) Yadilqil: Hombre celestial (pueblo amerindio navajo) Yoni: La mujer eterna (India) Zeus: Dios celestial y rey del Olimpo (Grecia) Primeras versiones de Stimmung y su conexión con la versión actual Stimmung fue comisionada a Stockhausen por la agrupación Collegium Vocale de Colonia, ensamble que estaba conformado por jóvenes recientemente graduados de la Rheinische Musikschule, donde el mismo Stockhausen había sido estudiante. Para marzo de 1968, el compositor se encontraba de regreso en Alemania y se reunió con el Collegium Vocale para poner en marcha el estreno de Stimmung después de varios meses de ensayos. La obra se estrenó en París en diciembre de ese año y el ensamble continuó interpretándola en más de un centenar de presentaciones. Para la década de los setenta, la versión del Collegium Vocale se estableció tan sólidamente que pronto se consideró la ‘versión oficial’ y fue grabada bajo la cercana supervisión del mismo compositor; se le conoce actualmente como la ‘versión París’, sobre la cual Stockhausen posteriormente publicó las ‘partituras’ con todas las indicaciones técnicas implementadas para esta versión en particular. A mediados de la década de los setenta, el director británico Gregory Rose se embarcó en la nueva producción de Stimmung junto a su ensamble Singcircle. Esta nueva versión tuvo gran acogida en todo el Reino Unido y fue posteriormente grabada para el sello Hyperion en 1983. En esta ocasión, Stockhausen también participó directamente: interactuó con el ensamble, mantuvo correspondencia directa con Rose e incluso fungió como ingeniero de sonido en una de las presentaciones de la obra en el Barbican Center de Londres. En esta nueva producción de Stimmung, Paul Hillier fue uno de los integrantes del ensamble Singcircle y trabajó bajo la dirección de Gregory Rose y la supervisión de Stockhausen. Hasta el momento, las grabaciones de Stimmung por Collegium Vocale en la década de los setenta y por Singcircle en la década de los 80 han sido consideradas las mejores de la época al atestiguar una relación directa con el compositor. Años después, Paul Hillier asumió la dirección del ensamble Theatre of Voices que nos acompaña en esta oportunidad. Con ánimos renovados, Hillier se dio a la empresa de crear una nueva producción de la obra; habiendo 14 trabajado anteriormente con Stockhausen y bajo la dirección de Gregory Rose, Hillier conocía de cerca la obra y las minucias interpretativas requeridas por el compositor. Para la versión de Theatre of Voices, Hillier reanudó la colaboración directa de Stockhausen, quien aconsejaba tanto elementos musicales como logísticos (atuendos, iluminación, mobiliario, etc.), pero se aseguró de que no se perdieran las libertades interpretativas que la obra brindaba al ensamble. La versión que hoy nos convoca atestigua el desarrollo de un legado artístico que desde sus primeras interpretaciones cuenta con el aval oficial del compositor, en una sinergia creativa que responde a la renovación estética que ha vivido a través de los años. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. 15 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 ROY ASSAF TRÍO, jazz (Estados Unidos) Domingo 18 de febrero · 11:00 a.m. BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRÍO jazz (Estados Unidos) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene una corrección realizada en el primer párrafo del texto introductorio incluido en la primera página. Asimismo, contiene un retoque en la diagramación del contenido en la página dos y una corrección ortográfica en la última página de divulgación de próximos conciertos.

Foto: María Paula Suescún SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ ensamble vocal (Colombia) Barbara de Martiis, directora (Colombia) Jueves 22 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: CIL415 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 SCHOLA CANTORUM DE LA CATEDRAL DE BOGOTÁ La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá es una manifestación cultural del humanismo cristiano gracias a su formación en el ámbito de la Música Sacra. Fundada por el cardenal Rubén Salazar Gómez, arzobispo de Bogotá, en el año 2011, esta experiencia pedagógica acoge a niños y adolescentes en un proceso orientado a su madurez social desde la perspectiva de las artes relacionadas con la liturgia de la Iglesia. Los pueri cantores (niños que cantan), seleccionados por audición, reciben una educación musical con énfasis en técnica vocal, y práctica coral gregoriana y polifónica. También se les ofrece instrucción suficiente sobre la lengua latina y la disciplina litúrgica, pues su campo fundamental de acción son las conmemoraciones de la Catedral en los ciclos de Adviento, Navidad, Cuaresma y Pascua. La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá ha hecho parte de la dinámica artística de la ciudad durante seis años de actividad ininterrumpida, distinguiéndose por la transparencia de sonido, la expresividad y la versatilidad para abordar repertorios de diversas épocas y estilos. En el año 2013, realizó un programa dedicado a la música francesa del siglo XIX, en compañía del organista Pascal Marsault y del Coro Juvenil Javeriano, dirigido por Alejandro Zuleta. Entre 2015 y 2016, estrenó Ceremony of Carols de Benjamin Britten y del mismo autor, presentó Réquiem de Foto: María Paulina Suescún 2 guerra con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Olivier Grangean. Con Gorka Sierra y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara, presentó Stabat Mater, de Pergolesi, en el contexto del V Festival de Música Sacra de Bogotá. Durante tres años consecutivos, ha sido elegida para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, y ha ofrecido varios conciertos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En el 2017, participó en el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri cantores en Río de Janeiro, en donde tuvo la oportunidad de ser uno de los coros elegidos para participar en el concierto de gala que tuvo lugar en el Auditorio Cecília Meireles, y tuvo la oportunidad de cantar en la misa que el Santo Padre Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. El 20 de septiembre del 2017, con un concierto en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, presentó su primer disco compacto, Canticum Novum, que reúne algunas de las más representativas obras sacras para voces blancas y órgano. Integrantes Valentina Ávila Juan David Calceto Juanita Calceto Juliana Calceto Lorena Carrillo Chiara Castaño Catalina Díaz Juan José González María Alejandra Hidalgo Mariana Hidalgo Isabel López-Torrijos Laura Malpica María Paula Mas Juan David Pedraza Brayan Sánchez Sara Tolosa Eliana Vanegas Isabel Zuleta Manuela Zuleta Aprendices María Angélica Álvarez María Juanita Álvarez Ángela Sofía Betancourt Ángela María Chuquín Gabriel León Alejandra Mendoza Sara Valentina Peñuela 3 Barbara de Martiis, directora Inició su formación musical a muy temprana edad en la Escuela de Expresión Musical, bajo la dirección de la maestra Gloria Valencia Mendoza, y más adelante recibió sus primeras clases de técnica vocal con la soprano Marina Tafur. En 1995 recibió el título de maestra en Música con énfasis en Dirección Coral, convirtiéndose así en la primera mujer graduada del entonces Programa de Estudios Musicales de la Pontificia Universidad Javeriana. En 1992 fundó, en compañía del maestro Alejandro Zuleta, la Sociedad Coral Santa Cecilia, coro semiprofesional ganador del premio Excelencia Coral 2001, otorgado por el Ministerio de Cultura. Como directora asistente de la Sociedad Coral Santa Cecilia, participó en montajes de grandes obras del repertorio coral sinfónico: El Mesías, de G. F. Händel; Oratorio de Navidad; Misa en si menor; Magnificat; Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan, de J. S. Bach; Misa de Coronación y Misa en do menor, de W. A. Mozart, y Carmina Burana, de Carl Orff. Así mismo, dirigió el Ave Maria de Josquin des Prés y el Ave Verum Corpus de William Byrd en el Festival de Música de Cartagena 2010. Desde el 2010 hasta el 2015 fue docente en la Especialización en Dirección de Coros Infantiles y Juveniles de la Pontificia Universidad Javeriana, y desde el 2016 trabaja como docente en la Facultad de Artes de esta misma institución. Desde la conformación de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá en octubre del 2011, Barbara es su directora artística, y con ella ha ofrecido numerosos conciertos en diferentes escenarios, en los cuales difunde la música sacra de los grandes compositores. En el 2016, y luego del fallecimiento del maestro Alejandro Zuleta, su esposo y colega, Barbara asumió la dirección musical de la Sociedad Coral Santa Cecilia. Desde ese momento ha presentado con la Orquesta Filarmónica de Bogotá el Réquiem de Mozart, el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, Carmina Burana de Carl Orff y la música del ballet Zorba, el griego, de Mikis Theodorakis, que se presentó en el Teatro Mayor con el Ballet de Santiago de Chile. Foto: María Paulina Suescún 4 Keyner Ramírez, piano y clavecín Nació en Tunja en 1986. Inició sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja, donde se graduó como bachiller musical a través del Convenio ICBA-COLBOY. Allí, desde 1997 y hasta 2002 adelantó estudios de flauta traversa con el maestro Jorge Zabala. En el año 2004 inició sus estudios de piano con la maestra Pilar Leyva Durán en la Facultad de Música de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, donde obtuvo el título de Maestro de Música con área mayor en piano. Ha recibido clases magistrales de piano con Eugene Alcalay, Bruno Robillard y Franck Pantin, entre otros. Fue flautista integrante de la Sinfónica de Boyacá entre 2002 y 2003. En 2010, realizó estudios especializados de órgano, análisis musical e improvisación bajo la cátedra de los organistas Pascal Marsault, Nicolas Loth y Michel Bouvard en el Conservatorio Nacional de la región de Toulon, Francia. Ha ofrecido conciertos en diversas salas de Alemania y Francia, y en Colombia se ha presentado en la iglesia de San Ignacio, el auditorio José Mosser, la sala Otto de Greiff, el auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional, el Teatro de Cristóbal Colón y la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, entre otras. Ha participado como pianista en montajes musicales con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como pianista acompañante y organista de la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá, y participa también como solista en diversos festivales y conciertos de música sacra. Laura Nieto, violín Nació en Bogotá. Inició sus estudios de violín con la profesora Amparo Botero. Es egresada con Grado de Honor del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde recibió su formación básica y universitaria con los maestros Fabio Santana y Liz Ángela García. Participó en el programa de becarios del X Festival Internacional de Música de Cartagena , en el Festival de Música de Santa Catarina −FEMUSC− (Brasil), en el Festival Internacional Alfredo de Saint Malo (Panamá), en el JOA-Jeune Orchestre de l’Abbaye aux Dames, Festival de Saintes (Francia), y en el I y II Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda organizado por la Universidad Nacional de Colombia, sede Bogotá. También participó en el IV Taller de Práctica Orquestal de la Orquesta Filarmónica de Medellín, y en el I y II Taller de técnica e interpretación del violín organizado por la Universidad Antonio Nariño en Bogotá. Se presentó como solista con la Orquesta Juvenil Collegium Musicum del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado activamente en clases magistrales ofrecidas por Benny Kim, Ala Voronkova, Francesco D’Orazzio, Lin He, Mary Ann Mumm, Birgit Kolar, Dimitri Petoukhov, Rubén Darío Reina, Krzysztof Wisniewski y Adrián Chamorro, entre otros. Es integrante de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá desde sus inicios, en febrero de 2014, orquesta en la que fue jefe de segundos violines y hoy en día es integrante de los primeros violines. 5 PROGRAMA Poesia in musica Arrullos, plegarias y poemas sacros The Call de Five Mystical Songs (1911) RALPH VAUGHAN WILLIAMS (1872-1958) Narození Páně, Op. 339 No. 1 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Ninna Nanna al Bambino Gesù (1630) ORAZIO MICHI (1594-1641) En prière (1890) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Na nebe vstoupení Páně, Op. 339 No. 2 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ Bate, bate las alas (s. f.)* JOSÉ DE CASCANTE (1646-1702) Abends, will ich schlafen gehn de la ópera Hänsel und Gretel (1893) ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921) INTERMEDIO 6 The Birds (1929) BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Esti Dal (1938) ZOLTAN KODÁLY (1882-1967) Cantique de Jean Racine, Op. 11 (1865) GABRIEL FAURÉ Mariä Wiegenlied, Op. 76 No. 52 de Schlichte Weisen (1903-1912) MAX REGER (1873-1916) Cesta k ráji, Op. 339 No. 3 de Tři Legendy (1952) BOHUSLAV MARTINŮ Nada te turbe (2013) CLAIRE SOKOL, OCD (n. 1954) * Solistas: Juanita Calceto, Juliana Calceto, Isabel Zuleta, y Manuela Zuleta. CONCIERTO No. 11 7 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña … la Música más alegre, y deliciosa de todas, es aquella que induce una tranquilidad dulce en la alma, recogiéndola en sí misma, y elevándola, digámoslo así, con un género de rapto extático sobre su propio cuerpo, para que pueda tomar vuelo el pensamiento hacia las cosas divinas. Esta es la Música alegre que aprobaba S. Agustín (…) porque su propio efecto es levantar los corazones abatidos de las inclinaciones terrenas a los afectos nobles (Feijoo, tomo I, discurso XIV, 1726)1. Con estas palabras se refería a la música sacra el benedictino Benito Jerónimo Feijoo y Montenegro, y aunque en este capítulo, que hace parte del Theatro crítico universal (1726), el autor se expresa con relación a ‘la música de los templos’, su discurso puede imbuirse dentro del espíritu del programa de hoy, cuyo principal objetivo es explorar la creación devocional alitúrgica. A pesar de que la declaración de Feijoo puede apreciarse como anacrónica y en algunos casos contradictoria, frente a las obras que conforman el programa, no es descabellado pensar que detrás de la poética de los compositores escogidos por la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá y por su directora Barbara de Martiis pudieron estar presentes, de alguna manera, las últimas líneas del discurso del religioso español. Escucharemos, entonces, obras de carácter devocional pero que no forman parte de la liturgia; en palabras de la directora: «En esta ocasión hemos escogido un repertorio compuesto exclusivamente por obras cuyos textos no son litúrgicos. En las obras elegidas los autores utilizan para su composición poemas, arrullos, plegarias y rimas populares dedicados al Señor y a sus Misterios» (De Martiis, 2017). De esta manera, las fuentes de los textos utilizados son diversas. Provienen de la cultura popular, como en los casos del checo Bohuslav Martinů (1890-1959) y del popular compositor húngaro Zoltán Kodály (1882-1967); de la mente de místicos religiosos, como en el caso de las obras de Ralph Vaughan Williams (1872-1958) y Claire Sokol, OCD (n. 1954); o de intelectuales devotos como Jean Racine e Hilaire Belloc, quienes sirvieron de inspiración a las composiciones de Gabriel Fauré (1845-1924) y Benjamin Britten (1913-1976), respectivamente; incluso se escuchará la plegaria que los pequeños Hansel y Gretel hacen, antes de irse a dormir en una de sus noches en el bosque, en la ópera homónima del compositor Engelbert Humperdinck (1854-1921). 1 Tomado de: http://www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm 8 Otra particularidad que se puede apreciar en la construcción del programa es que da cuenta de la vida de Jesús: tanto de su figura adulta como de su papel de niño redentor; niño en cuyos hombros está el destino de la humanidad cristiana, tal como lo plasmó José de Cascante (1646-1702) en su villancico, o niño inocente que se resguarda en los brazos de su madre para encontrar la placidez que más tarde le será arrebatada, como fue representado en la Ninna nanna, o canción de cuna, y en la Mariä Wiegenlied de Max Reger (1873-1916). En fin, un universo variopinto de imágenes sacras −no litúrgicas− que nos insertan en una poética devocional privilegiada, si se quiere, pues, según De Martiis: La expresión personal de lo sacro a través de la poesía es sin duda el mayor atractivo del programa. Estas obras, que no toman como base los textos de la liturgia, ni tampoco textos bíblicos, les permiten a los compositores ciertas libertades expresivas, cierto, ‘desbordamiento’ que no tendría cabida dentro de la liturgia (De Martiis, 2017)2. En lo que se refiere a las obras de Martinů y Kodály, podemos apreciar un grupo de piezas de carácter muy diferente, pero con varios encuentros; en el caso de las tres piezas del compositor checo se evidencia un lenguaje bastante coloquial que, tratándose de rimas populares checas, no es una sorpresa. En las tres canciones, nos cuentan tres de los momentos cumbres en la vida de Jesús: el nacimiento, la entrada al cielo y el camino al paraíso. Sin embargo, se evidencia que si bien el personaje de Jesús es el eje, la figura de María es la que lleva la voz: en el nacimiento, anticipando su dolor; en la entrada al cielo, manifestándolo; y en el camino del paraíso, intercediendo por el dolor de un alma ajena. En el caso de Esti Dal (Canción nocturna) aunque se trata de un texto popular, este carácter es resaltado de una manera menos evidente pues si bien el espíritu de las palabras no es tan coloquial, se trata de una plegaria que habla de un individuo que pide la bendición del Señor para pasar una buena noche; no obstante, puede tratarse también de una colectividad que, en tiempos de guerra, pide la salvación por medio de una oración. Esto se dio aprovechando, por un lado, el interés y el apoyo institucional que tenían los compositores húngaros para escribir en formatos corales, en contextos religiosos antes de la década de los cuarenta; y por otro, el interés de varios compositores nacionales, empezando por Kodály, por proteger el folclor, y utilizar el canto colectivo y popular como germen para la poética académica. Las piezas que nos muestran la ‘incipiente’ vida de Jesús expresan dos polos: el de un niño ordinario, que juega y que busca el arrullo de su madre; y el de un niño con un destino extraordinario. 2 Entrevista realizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango a Barbara de Martiis en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes (2017). 9 En el caso de la pieza de Max Reger, la simplicidad y la ternura del texto nos hacen pensar en una madre cuidando de su hijo. En The Birds, canción dedicada a la difunta madre de Britten, se plasma la imagen del niño Jesús, quien ante los imponentes regalos presentados por los ángeles, se decanta por no jugar y por dar vida: «And yet with these/Hi would not play/He made Him small fowl out of clay/ And bless’d them till they flew away» (Y sin embargo con estos él no jugó/se hizo pequeños pájaros de arcilla/y los bendijo hasta que volaron). A pesar de las vívidas imágenes anteriores, la complejidad de la infancia de Jesús se ve mayormente reflejada en la Ninna nanna al Bambino Gesù, atribuida al compositor Orazio Michi (1594-1641), pero entendida en muchos casos como una Napolitana, es decir, una especie de ostinato o tema de carácter popular con un patrón melódico o armónico repetitivo, una obra que no necesariamente tiene un autor definido. Esta se encuentra en un manuscrito publicado en Roma entre los años 1641 y 1660, bajo el título de Ninna nanna, dormi figlio y sin indicaciones de autor. El tema del arrullo al Niño Jesús es recurrente en las publicaciones italianas del siglo XVII; compositores como Tarquino Merula, Paolo Sabbatini y Constantino Baselli incluyen en sus publicaciones algunas canzonnetas espirituales a modo de canción de cuna para El Niño Jesús. Más aún, es recurrente la concepción de su llanto como anticipación al sufrimiento que le espera; en otras palabras, las canciones de arrullo de María al Niño sugieren una correspondencia en clave literaria de la Navidad y la Pasión. En el texto, María, quien está arrullando a su hijo, pretende brindarle la tranquilidad del sueño por medio del canto, advirtiendo al mismo tiempo que ésta le será arrebatada en razón del sacrificio que el niño realizará por aquellos que pecan: «Altri pecca e tu ne piangi/e la vita in morte cangi,/e ne godi del dolore/per dar vita al peccatore» (Otros pecan y eres tú quien llora/y cambias la vida con la muerte/y te gozas del dolor/para dar vida al pecador). Bate, bate las alas, es un villancico de Navidad del maestro de capilla de la Catedral de Bogotá, trata también del nacimiento de Jesús, equiparando su figura con la de un pájaro que baja del cielo y, nuevamente, adelantando el final de su historia al relacionarlo con el Fénix: «Pájaro hermoso del cielo/que para Fénix naciste». Además de consistir en una obra de especial importancia para la Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá, ya que se encuentra en el archivo musical de dicha institución, dicha pieza nos remite nuevamente a las declaraciones de Benito Jerónimo Feijoo, claro está que, lejos de elogiar, su discurso se basa en expresar su inconformidad frente a la permeabilidad que ha sufrido la música sacra, respecto a los géneros populares: Las cantadas que ahora se oyen en las Iglesias, son, no cuanto a la forma, las mismas que resuenan en las tablas. Todas se componen de Menuetes, Recitados, Arietas, Alegros, y a lo último se pone aquello que llaman Grave; pero de eso es 10 muy poco, porque no fastidie. ¿Qué es esto? ¿En el Templo no debiera ser toda la Música grave? ¿No debiera ser toda la composición apropiada para infundir gravedad, devoción y modestia? Lo mismo sucede en los instrumentos. Ese aire de canarios, tan dominante en el gusto de los modernos, y extendido en tantas Gigas, que apenas hay sonata que no tenga alguna, ¿qué hará en los ánimos, sino excitar en la imaginación pastoriles tripudios? El que oye en el órgano el mismo menuet que oyó en el sarao, ¿qué ha de hacer, sino acordarse de la dama con quién danzó la noche antecedente? De esta suerte, la Música, que había de arrebatar el espíritu del asistente desde el Templo terreno al Celestial, le traslada de la Iglesia al festín. Y si el que oye, o por temperamento, o por hábito, está mal dispuesto, no parará ahí la imaginación (Feijoo, 1726)3. Con este escarnio, el autor se está refiriendo a que ya desde el siglo anterior se venía manifestando la secularización de la música sacra, en otras palabras, el lenguaje de la música secular empezaba a permear los contextos litúrgicos y devocionales y la música que se escuchaba en los templos ya no evidenciaba el carácter grave que tenía la capacidad de «levantar los corazones abatidos de las inclinaciones terrenas a los afectos nobles». El villancico, que en sus inicios trataba temas populares y religiosos indistintamente, se fue convirtiendo poco a poco en un género religioso, dedicado en su gran mayoría al tema del nacimiento de Jesús. Su relación con los tonos del teatro español («las mismas [melodías] que resuenan en las tablas») lo hicieron a su vez preso de las críticas y aliciente para la devoción, especialmente en el Nuevo Mundo, en donde las publicaciones abundan y explotan su carácter vernáculo, incluyendo obras en lenguas como el náhuatl. Santa Teresa de Ávila y su texto Nada te turbe, musicalizado por la carmelita Claire Sokol, nos presenta una visión mucho menos descriptiva y terrenal de la figura de Jesús; junto a Cantique de Jean Racine, de Gabriel Fauré, figuran como las obras preferidas por los integrantes del coro, según su directora Barbara de Martiis, en una entrevista realizada por el Banco de la República: −¿Cuál es su obra favorita? ¿Por qué? −La respuesta a esta pregunta siempre la dan los niños de la Schola. En esta ocasión hubo un empate entre la Cantique de Jean Racine del compositor francés Gabriel Fauré, una de las más hermosas páginas de la música coral, presentada en esta ocasión en una adaptación para voces blancas de Alejandro Zuleta, y Nada te turbe, una expresiva y apasionada musicalización del poema de Santa Teresa compuesta por la monja carmelita, Claire Sokol, con motivo del quinto centenario del nacimiento de la santa (De Martiis, 2017)4. 3 Tomado de: http://www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm 4 Entrevista realizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango a Barbara de Martiis en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes (2017). 11 De la mano de En prière del mismo Fauré y The Call, de Ralph Vaugham Williams, las dos obras citadas nos brindan el elemento místico del programa, alejándose de las descripciones biográficas de la vida de Jesús, germinando a partir de un llamado al redentor, haciendo eco a la cultura decimonónica y erigiendo la figura del redentor como un compañero en la construcción moral del individuo a partir de manifestaciones estéticas. Bibliografía Feijoo, Benito Jerónimo. 1726. Teatro crítico universal. Madrid. Tomado de www.filosofia.org/bjf/bjft114.htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 12 Poesia in musica Arrullos, plegarias y poemas sacros The Call de Five Mystical Songs (1911) Ralph Vaughan Williams (1872-1958) Texto: George Herbert (1593-1633) The Call Come, my Way, my Truth, my Life: such a way as gives us breath, such a truth as ends all strife, such a life as killed death. Come, my Light, my Feast, my Strength: such a light as shows a feast, such a feast as mends in length, such a strength as makes his guest. Come, my Joy, my Love, my Heart: such a joy as none can move, such a love as none can part, such a heart as joys in love. La llamada Ven, mi Camino, mi Verdad, mi Vida: un camino tal que nos da el aliento, una verdad tal que termina toda lucha, una vida tal, que mata la muerte. Ven, mi Luz, mi Banquete, mi Fuerza: una luz tal que muestra un banquete, un banquete tal que aumenta en duración, una fuerza tal que lo hace su invitado. Ven, mi Gozo, mi Amor, mi Corazón: un gozo tal que nadie puede mover, un amor tal que a nadie separa, un corazón tal que se goza en el amor. Narození Páně, Op. 339 No. 1 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Narození Páně Prýščí se studená vodička z kamena A v ní se umývá panenka Maria. A jak se umyla, na břeh vystoupila, Na břeh vystoupila, syna porodila. Synáčku, můj milý, já bych už snídala, rybičky z Dunaja. Poshov, má matičko, Až ti jich nalovím, Z ledu oheň složím, Tobě jich přistrojím. Synáčku, můj milý, Jak bys jich nalovil, Když ses dnes narodil. Ty tomu, matičko, Ty tomu nevěříš, A já sem syn Boží, Já sem všechno stvořil. Nacimiento del Señor Brota agua fría de la piedra, y en ella se lava la Virgen María. Y apenas se lavó, se subió en la ribera y dio a luz a su hijo. Mi hijo querido, me comería para desayuno pescados del Danubio. Espera, mamita mía, cuando los pesque, haré fuego del hielo, y te los prepararé. Querido hijito mío, ¿cómo los pescarás, si apenas naciste hoy? Tú no lo crees Madre, no puedes creerlo, yo soy el hijo de Dios, y todo lo que hay yo mismo lo creé. 13 Strčil ručku do moře A ulovil úhoře, Strčil ručku do říčky A ulovil rybičky. Znal oheň na ledě, Smažil rybky v medě, Toť matičko snídaní za tvoje kolébání. Metió la manita en el mar y pescó anguilas, metió la manita en el río y capturó los peces. Hizo el fuego del hielo, fritó los pescados en miel, he aquí el desayuno, madrecita, por mecerme en la cuna. Ninna Nanna al Bambino Gesù (1630) Orazio Michi (1594-1641) Texto: anónimo Ninna Nanna al Bambino Gesù Ninna Nanna, Ninna Nanna Dormi figlio, dormi amore. Figlio dormi, dormi amore. Con quel pianto e quella voce, brami ohimé, brami la croce. Or ch’é tempo di dormire, dormi figlio e non vagire. Verrá il tempo del dolore. Dormi amore. Ninna Nanna. . . Quella bocca pien di miele Brama latte, aceto e fiele. Or ch’é tempo di dormire, verrá il tempo del patire. Verrá il tempo del dolore. Dormi amore. Ninna Nanna. . . Altri pecca e tu ne piangi e la vita in morte cangi, e ne godi del dolore per dar vita al peccatore complirai questo desio. Dormi, Oh Dio. Arrurú al niño Jesús Arrurrú, Arrurrú duerme hijo, duerme amor. Hijo duerme, duerme amor. Con aquel llanto y aquella voz, deseas, Ay, deseas la cruz. Ahora que es tiempo de dormir, duerme hijo y no gimas. Llegará el tiempo del dolor. Duerme amor. Arrurrú, Arrurrú... Aquella boca llena de miel desea leche, vinagre y hiel. Ahora que es tiempo de dormir, vendrá el tiempo del sufrir. Llegará el tiempo del dolor. Duerme amor. Arrurrú, Arrurrú... Otros pecan y eres tú quien llora y cambias la vida con la muerte, y te gozas del dolor para dar vida al pecador cumplirás este deseo. Duerme, Oh Dios. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 14 En prière (1890) Gabriel Fauré (1845-1924) Texto: Stephán Bordèse (1847-1919) En Prière Si la voix d’un enfant peut monter jusqu’à vous. O mon Père, Ecoutez de Jésus devant vous a genoux, Lla prière! Si vous m’avez choisi pour enseigner vos lois sur la terre, Je saurai vous servir, auguste Roi des rois, O Lumière. Sur mes lèvres Seigneur, mettez la vérité salutaire, Pour que celui qi doute, avec humilité Vous révère! Ne m’abandonnez pas, donner moi la douceur nécessaire, Pour apaiser les maux, soulager la douleur, la misère. Révélez-vous à moi, Seigneur en qui je crois, et j’espère ; Pour vous je veux souffrir et mourir sur la croix, au Calvaire! En oración Si la voz de un hijo puede llegar hasta ti, ¡Oh, mi Padre, escucha de Jesús, de rodillas, delante de ti, la oración! Si me has escogido para enseñar tu ley en la tierra, yo sabré servirte, augusto Rey de reyes, Oh Luz. ¡Sobre mis labios, Señor, pon la verdad salvadora, para que aquel que dude, con humildad te venere! No me abandones, dame la dulzura necesaria para aplacar las heridas, calmar el dolor, la miseria. ¡Revélate a mí, Señor en quien creo y espero, por ti deseo sufrir y morir sobre la cruz, en el Calvario! 15 Na nebe vstoupení Páně, Op. 339 No. 2 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Na nebe vstoupení Páně Když milý pan Ježíš do nebe vstupoval, Matičku svou milou na zemi zanechal. Synáčku, můj milý, a já prosím Tebe, Rač mě sebou vzíti do věčného nebe, Do nebe. Nemůže, matičko, nemůže to býti, Ty musíš, matičko, na zemi umříti. Až budu, synáčku, na zemi umírat, Nedej mi, synáčku, ďáblu přistupovat. Nebuj se matičko, ďábla šeredného, Já pro tebe pošlu, anděla krásného, Neboj se. Anděla krásného, dvanáct apoštolu A já sám třináctý půjdu pro tě dolu. Půjdeš matičko, půjdeš mezi námi Jak jasný měsíček mezi hvězdičkami. Za koho, matičko, ty budeš prositi, Toho já, matičko, nebudu souditi. Rozmilé dušičky nermuťte se nyní, Máte pomocnici, panenku Marii. Entrada en el cielo del Señor Cuando el Señor Jesús se fue al cielo, dejó a su madre amada en la tierra. Querido hijito, te ruego, llévame al cielo eterno contigo, al cielo. No puede ser, madrecita, no puede ser, tú debes, madrecita, en la tierra morir. Cuando esté muriendo en la tierra, hijito mío, no permitas al diablo acercarse. No temas madrecita al demonio horrible, yo te enviaré a un ángel hermoso, no temas. Un ángel hermoso, doce apóstoles y yo mismo, decimotercero, iré por ti abajo. Tu vendrás madrecita, vendrás entre nosotros, como una luna brillante entre las estrellas. Por quién tú, madrecita, vayas a pedir a ese, madrecita, no lo juzgaré. Queridas almas, no se lamenten ahora, tienen a una intercesora, la Virgen María. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 16 Bate, bate las alas (s. f.) José de Cascante (1646-1702) Villancico de Navidad Bate, bate las alas pájaro hermoso que si de tu cielo bajas, al polvo llamáronte las fuentes y los arroyos gloria de nuestro valle. Llega mis ojos gloria de nuestro valle porque anegues en ello tus plumas de ojo tocarán luego a fuego. Toquen, toquen a fuego din, din, din dan, dan, dan tocarán luego a fuego y a nieve y todo. Coplas Pájaro hermoso del cielo que para Fénix naciste de una paloma sin mancha madre una vez, siempre Virgen. Si desnudo estás, sin alas de pluma el aire te viste con penachos de lucero y garzotas de jazmines. El alma y el corazón me has llevado por lo humilde entre rigores de nieve y tormentos de rubíes. 17 Abends, will ich schlafen gehn de la ópera Hänsel und Gretel (1893) Engelbert Humperdinck (1854-1921) Texto: Adelheid Wette (1858-1916) Abends, will ich schlafen gehn Abends, will ich schlafen gehn, Vierzehn Engel um mich stehn: Zwei zu meinen Häupten, Zwei zu meinen Füßen, Zwei zu meiner Rechten, Zwei zu meiner Linken, Zweie, die mich decken, Zweie, die mich wecken, Zweie, die mich weisen, Zu Himmels-Paradeisen. Cuando en la noche voy a dormir Cuando en la noche voy a dormir, catorce ángeles velan mi sueño: dos en mi cabecera, dos a mis pies, dos a mi derecha, dos a mi izquierda, dos me arropan, dos me despiertan, dos me indican el camino al Paraíso. The Birds (1929) Benjamin Britten (1913-1976) Texto: Hilaire Belloc (1870-1953) The Birds When Jesus Christ was four years old The angels brought Him toys of gold which no man ever had bought or sold. And yet with these Hi would not play. He made Him small fowl out of clay, and bless’d them till they flew away: Tu creasti Domine. Jesus Christ, Thou child so wise. Bless mine hands and fill mine eyes, and bring my soul to Paradise. Los pájaros Cuando Jesucristo tenía cuatro años los ángeles le llevaron juguetes de oro que ningún hombre jamás había comprado o vendido. Y sin embargo con estos Él no jugó. Se hizo pequeños pájaros de arcilla, y los bendijo hasta que volaron: Tú lo has creado, Señor. Jesucristo, Tú, niño tan sabio. Bendice mis manos y llena mis ojos, y lleva mi alma al Paraíso. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra. 18 Esti Dal (1938) Zoltan Kodály (1882-1967) Texto de origen popular Esti Dal Erdő mellett est vélëdtem, Subám fejem alá tëttem, Öszszetëttem két kezemet, Úgy kértem jó Istenëmet: Én Istenëm, adjál szállást, Már mëguntam a járkálást, A járkálást, a bujdosást, Az idëgen földön lakást. Adjon Isten jó éjszakát Küld je hozzám szent angyalá Bátorítsa szívünk álmát, Adjon Isten jó éjszakát. Canción nocturna Mientras me acostaba por la noche, en el borde del bosque, tiré la frazada hasta mi mentón, uní mis manos implorándote, mi buen Señor: Señor, concédeme un lugar para quedarme, porque ya me he cansado de vagabundear, de esconderme, de vivir en una tierra extranjera. Mi Señor, concédeme una buena noche, envíame tu ángel bendito Para darle coraje a los sueños de nuestros corazones, mi Señor, concédeme una buena noche. Cantique de Jean Racine, Op. 11 (1865) Gabriel Fauré (1845-1924) Texto: Jean Racine (1639-1699) Cantique de Jean Racine Verbe égal au Très-Haut, notre unique espérance, Jour éternel de la terre et des cieux, De la paisible nuit nous rompons le silence, Divin sauveur, jette sur nous les yeux! Répands sur nous le feu de ta grâce puissante, Que tout l’enfer fuie au son de ta voix. Dissipe le sommeil d’une âme languissante, Qui la conduit à l’oubli de tes lois! O Christ, sois favorable à ce peuple fidèle Pour te bénir maintenant rassemblé, Reçois les chants qu’il offre à ta gloire immortelle, Et de tes dons qu’il retourne comblé. Himno de Jean Racine Palabra igual al Todopoderoso, nuestra única esperanza, luz eterna de la tierra y los cielos; rompemos el silencio de la noche tranquila, ¡Divino Salvador, pon tus ojos sobre nosotros! Extiende el fuego de tu gracia poderosa sobre nosotros, que el infierno entero huya al sonido de su voz. ¡Disipa el sueño de un alma que languidece, que la conduce al olvido de tus leyes! Oh, Cristo, mira con favor a este pueblo fiel, qué se ha reunido para bendecirte, recibe su canto ofrecido para tu gloria inmortal, y que permanezca con los dones que le has concedido. 19 Para una mejor audición de la obra recomendamos pasar la página con cuidado. Mariä Wiegenlied, Op. 76 No. 52 de Schlichte Weisen (1903-1912) Max Reger (1873-1916) Texto: Martin Boelitz (1874-1918) Mariä Wiegenlied Maria sitzt im Rosenhag Und wiegt ihr Jesuskind, Durch die Blätter leise Weht der warme Sommerwind. Zu ihren Füßen singt Ein buntes Vögelein: Schlaf, Kindlein, süße, Schlaf nun ein! Hold ist dein Lächeln, Holder deines Schlummers Lust, Leg dein müdes Köpfchen Fest an deiner Mutter Brust! Schlaf, Kindlein, süße, Schlaf nun ein! El arrullo de María María se sienta entre los rosales y mece a su Niño Jesús, entre tanto, en la copa de los árboles susurra la brisa cálida de verano. A sus pies canta un pájaro multicolor: ¡Duerme, dulce niño! ¡Duérmete ya! ¡Encantadora es tu sonrisa, y más encantador el placer de tu sueño, apoya tu fatigada cabecita firme contra el pecho de tu madre! ¡Duerme, dulce niño! ¡Duérmete ya! Cesta k ráji, Op. 339 No. 3 de Tři Legendy (1952) Bohuslav Martinů (1890-1959) Basada en rimas populares checas Cesta k ráji Byla cesta u šlapaná, Od samého Krista Pána. Kráčely po ní dvě duše, Za nima velká hříšnice. Když k nebeským dveřim prišly, Hned na dveře udeřily. Svatý Petře, vemte klíče, Podivte se kdo to tluče? Tlučou to, Pane devě duše, Za něma velká hříšnice. Ty dvě duše mně sem pusťte, Hříšnou duši odtaď kažte. Camino al paraíso En un camino transitado por el mismo Señor Cristo, caminaban dos almas, y detrás de ellas una gran pecadora. Cuando a la puerta del cielo llegaron, de una vez a la puerta golpearon. San Pedro, coge las llaves, mira quién golpea. Señor, golpean dos almas, y detrás de ellas una gran pecadora. A las dos almas las dejas entrar, a la pecadora la sacas. 20 Ukažte jí cestu dolu, Kady hříšní do pekla jdou. Šla od nebe plakající, A svých hříchů litující. Potkala ji matka Boží, Odkad kráčíš, hříšná duše? Vrat se se mnou, hříšná duše, Poprosím za tě Ježíše. Když k nebeským dveřim prišly, Zas na dveře udeřily. Svatý Petře, vemte klíče, Podivte se kdo to tluče? Tluče tam, Pane matka tvá a za ní zas hříšnice ta. Mou matičku mně sem pusťte, Hříšnou duši odtaď kažte. Ne tak, ne tak synu milý, Odpusť hříšné duši viny. Optej se ji matko milá, Kolik svátků osvětila? Já sem svátku nesvětila, Almužny jen troník dala, Ten troníček malý peníz, Ten ti do nebe spomůž Muéstrale el camino hacia abajo, por donde los pecadores van al infierno. Se fue ella llorando del cielo, arrepentida por sus pecados. Se encontró con la madre de Dios ¿De dónde vienes alma pecadora? vuelve conmigo, alma pecadora, le pediré por ti a Jesús. Cuando a la puerta del cielo llegaron, una vez más la golpearon. San Pedro, coge las llaves, mira quién golpea. Señor, golpea tu madre y detrás de ella de nuevo la pecadora. Mi madrecita que entre, y a la pecadora la sacas. No es así, mi hijo querido, perdona al alma pecadora. Por favor, madrecita, pregúntale, ¿Cuantas fiestas guardó? No he guardado fiestas di muy pocas limosnas, el centavo que diste, aunque sea muy pequeño, te ayudará a llegar al cielo. Nada te turbe (2013) Claire Sokol, OCD (n. 1954) Texto: Santa Teresa de Ávila (1515-1582) Nada te turbe, nada te espante; todo se pasa, Dios no se muda; la paciencia todo lo alcanza. Quien a Dios tiene, nada le falta. Solo Dios basta. Traducción: Barbara de Martiis Edición: Banco de la República LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Thomas Millet Cód. PULEP: TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

Viernes 16 de febrero de 2018 · 7:00 p.m. Pasto, Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: VYA410 Domingo 18 de febrero de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: BXV343 Foto. Chris Sorensen ROY ASSAF TRIO jazz (Estados Unidos) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Pasto, el ingreso para personas con movilidad reducida es por la entrada principal Calle 19 No. 21-27. Serán guiadas por el personal del Banco, quienes las conducirán hasta el ascensor. Para agilizar su ingreso sugerimos informar con anticipación sobre su visita al teléfono 7213001. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Chris Sorensen ROY ASSAF TRIO Para Roy Assaf Trio, el repertorio a interpretar en cada concierto es solo una guía, un bosquejo sobre el que empiezan a crear improvisaciones libres, que evolucionan en canciones en el momento en el que se enfrentan a su audiencia. Nunca planean completamente sus presentaciones; éstas siempre son diferentes y novedosas. Tampoco se imponen limitaciones, pueden navegar cerca o lejos de la forma y en ocasiones utilizar solo parte de una composición, lo que posibilita la transformación de cada pieza en un estilo diferente. Los tres músicos presentan su nuevo ‘estilo’ colectivamente. A pesar de llamarse ‘Roy Assaf Trio’, Roy, Raviv y Ronen lideran el grupo conjuntamente e introducen una perspectiva que nunca antes se había visto en un trío de piano. Todo esto y más se crea de manera orgánica en cada concierto en vivo. Mediante una muestra de su proceso, le explican su concepto al público e invitan a los oyentes a hacer un viaje que nunca olvidarán. Roy Assaf, piano Raviv Markovitz, contrabajo Ronen Itzik, batería Roy Assaf Piano A los veintitrés años, después de graduarse del Berklee College of Music, el pianista de jazz israelí, Roy Assaf, se trasladó a la ciudad de Nueva York para perseguir sus sueños. Al cabo de unos meses, conoció al legendario bajista y productor John Lee. Al poco tiempo, Roy ya estaba de gira por el mundo tocando en los festivales, clubes y salas de concierto más prestigiosos con The Dizzy Gillespie All Stars, una agrupación integrada por James Moody, Jimmy Heath, Paquito D’Rivera, Roy Hargrove, Lewis Nash, Randy Brecker, Antonio Hart y otros maestros del jazz. Rápidamente comenzó 2 a recibir llamadas de algunas de las agrupaciones contemporáneas de jazz más influyentes: Slide Hampton Sextet, The Mingus Big Band, las bandas de Steve Turre, Roberta Gambarini Quartet, David Sanborn Group, Claudio Roditi Quartet y muchas otras. Mientras terminaba su maestría en la Escuela de Música de Manhattan, Roy se logró posicionar como uno de los pianistas jóvenes más cotizados en la escena del jazz de Nueva York. En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Respect bajo el sello Jazz Legacy Productions, acompañado por Reuben Rogers en el bajo y Greg Hutchinson en la batería. Roy ya se sentía listo para formar su propia agrupación. «Mi sueño siempre ha sido formar parte de una agrupación que trabaje junta todo el tiempo» –explica– «una agrupación con una conexión musical especial donde se compartan un mismo sonido, tiempo y sensibilidad. Quiero tocar con músicos que me causen admiración y compartir mi propia voz, como músico y como ser humano». La particularidad que hace destacar al trío es su manera de combinar interludios improvisados con el repertorio, el cual, como ya se mencionó, se modifica en cada presentación. Esto genera experiencias frescas y emocionantes tanto para ellos como para el público. Se han presentado en todos los Estados Unidos, en Europa, Japón, Sudamérica y Canadá. «Me encanta tocar en agrupaciones de otras personas, pintando sus composiciones con los colores que oigo en mi cabeza», dice Roy. «Sin embargo, por el momento me emociona poder entregarme a mi propia personalidad como pianista, compositor y líder de la agrupación. Quiero llevar mis historias personales a mi música y descubrir lo que los músicos pueden aportar al trío desde sus propias experiencias. Es una expedición hacia fronteras desconocidas. Llevamos al público en un viaje de exploración con nosotros cada vez que subimos al escenario». 3 PROGRAMA El trío presentará una selección de las siguientes obras que anunciará al público durante el concierto. El orden no está definido. Second Row Behind the Painter (2014) ROY ASSAF (n. 1982) Babel (2014) Never Will I Marry (1960) FRANK LOESSER (1910-1969) It’s a Dance (1988) MICHEL PETRUCCIANI (1962-1999) I Got it Bad (And That Ain’t Good) (1941) DUKE ELLINGTON (1899-1974) Kvar Acharei Chatzot (s. f.) NAOMI SHEMER (1930-2004) The Cove (s. f.) ROY ASSAF Zemer Leammon (s. f.) FLOKLORE ISRAELÍ Budva (2014) ROY ASSAF CONCIERTO No. 3 Este concierto no tiene intermedio. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Dos de las piezas que escucharemos en esta presentación no han sido incluidas en alguno de los cuatro discos que Roy Assaf ha grabado hasta la fecha. Se trata de Zemmer leammon y The Cove, la primera es una versión en clave jazz de una popular canción israelí y la segunda, un ejercicio rítmico del pianista que toma elementos del funk. El resto del repertorio que hoy disfrutaremos aparece en Second Row Behind the Painter, registro en el que Assaf decidió imaginar el estudio como si se tratara de un club de jazz. Dicha espontaneidad premeditada le permitió hacer varias tomas de cada corte que, al final, sumaron más de cinco horas de sesión. Al final, el pianista pudo escoger cuál toma era la apropiada. El experimento tuvo tan buenos resultados que el disco fue calificado con cuatro estrellas sobre cinco en el prestigioso portal All About Jazz (www.allaboutjazz.com). Second Row Behind the Painter - Roy Assaf (n. 1982) ‘Sinagoga’ es un término de origen griego −usado probablemente por los judíos helenísticos− que hace referencia al lugar de la asamblea o la congregación. Como institución central del judaísmo, ‘la casa de la asamblea’ es un lugar de culto y, al mismo tiempo, es un espacio reservado para la enseñanza de la tradición y la lengua hebraica. El recuerdo de esta sagrada arquitectura, que invita a la meditación y al silencio, no solo reafirma las tradiciones religiosas de Assaf sino que lo remite a un ciego prodigioso y extraño que solía sentarse frente a él durante los servicios del Yom Kipur. La composición, luminosa y absorta, da título a un disco con el que Assaf presentó al público su nuevo trío en el año 2014. Babel - Roy Assaf (n. 1982) Dirigida por el cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu, Babel (2006) es una película que, a través de tres historias en apariencia disímiles, reflexiona acerca de la soledad y la paradoja de la comunicación en el mundo globalizado. Este filme dramático inspira a Roy Assaf, quien conjura el escenario calamitoso con una pieza galopante que permite el lucimiento de la base rítmica del trío integrado por Raviv Markovitz en el contrabajo y Ronen Itzik en la batería. 5 Never Will I Marry - Frank Loesser (1910-1969) Luego de una fulgurante carrera que inició en Broadway en 1948, el compositor y letrista Frank Loesser presentó en 1960 uno de sus musicales más controvertidos. Se trató de Greenwillow, drama fantasioso que sucede en el imaginario pueblo del mismo nombre. Estrenado el 8 de marzo en el Alvin Theatre de Nueva York, dirigido por el legendario George Roy Hill, el musical contó con la presencia de Anthony Perkins, quien se encontraba grabando ese mismo año la clásica película Psicosis de Alfred Hitchcock. El imberbe Perkins cantó uno de los momentos inmortales de Broadway: la desesperada Never Will I Marry, en la que Gideon –el protagonista de la historia– lamenta su triste destino. It´s a Dance - Michel Petrucciani (1962-1999) Junto a Brad Mehldau, Kenny Barron, Uri Caine y Keith Jarrett, el francés Michel Petrucciani tuvo un lugar en el Olimpo de los pianistas de jazz más sobresalientes de la década de los noventa. Su prematura muerte a los treinta y seis años de edad –víctima de una infección pulmonar, derivada de una grave enfermedad ósea- privó al mundo de un virtuoso que, a la manera de su admirado Bill Evans, se dejaba escuchar entre atmósferas nocturnas y envolventes. It´s a Dance es una pieza que perfectamente da cuenta del alto vuelo de Petrucciani, quien acá desnuda sus rasgos más líricos e intimistas. Fue incluida originalmente en Michel plays Petrucciani (1988), segunda grabación del pianista para el emblemático sello Blue Note, en la que lo acompañaron Eddie Gómez en el contrabajo, Al Foster en la batería y la actuación especial del guitarrista recientemente desaparecido John Abercrombie. I Got it Bad (And That Ain’t Good) - Duke Ellington (1899-1974) Con música de Duke Ellington y letras de Paul Francis Webster, I Got it Bad (And That Ain’t Good) fue una de las once canciones escritas por Ellington para la revista musical Jump for Joy, que se estrenó el 10 de julio de 1941 en el Mayan Theatre de Los Ángeles. El interés y la participación de Ellington en el Movimiento por los Derechos Civiles fue uno de los principales motores del musical que, a propósito, se empeñó en desmentir los estereotipos discriminatorios dentro de la industria cinematográfica y teatral de la época. La puesta en escena fue tan polémica e incómoda que Duke Ellington fue espiado por el FBI hasta bien entrada la década de los sesenta. I Got it Bad (And That Ain’t Good) –cantada por Ivie Anderson– fue lanzada por el sello Victor en octubre de 1941 como cara A de un sencillo en cuyo reverso aparece la célebre Chocolate Shake. 6 Kvar Acharei Chatzot - Naomi Shemer (1930-2004) Naomi Shemer nació el 13 de julio de 1930 en el Kibutz Kvutzat Kinneret. Esta cantante y poeta fue llamada ‘la primera dama israelí de la canción y la poesía’. Su tendencia nacionalista, enraizada con la exaltación de las tradiciones y con temáticas particulares como el amor y la austeridad de la vida rural, recorre el centenar de composiciones que escribió hasta su muerte en el 2004. Si bien será eternamente recordada por la exaltada Jerusalén de oro –canción que es considerada un segundo himno nacional en su patria natal– Shemer dejó piezas magistrales como Kvar Acharei Chatzot (en hebreo, Ha pasado la noche) que ya hacen parte del folclor musical judío. Budva - Roy Assaf (n. 1982) Muy joven, luego de una intensa actividad académica en Tel Aviv, Roy Assaf emigró a Estados Unidos donde se enlistó en el Berklee College of Music. Allí tuvo clases personalizadas con Danilo Pérez, Kenny Werner, Sonny Bravo y Michel Camilo, entre otras luminarias del mundo del jazz. Finalmente, ya instalado en Nueva York, debutó con Andarta (2008), un disco junto al contrabajista Eddy Khaimovich. Cuatro años más tarde –con un ensamble en el que reunió ‘pesos pesados’ de la talla de Reuben Rogers, Greg Hutchinson y Roy Hargrove– el pianista israelí presentó en público Respect Vol. 1 (2012), una grabación en la que le rinde tributo a Count Basie, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Chick Corea y Keith Jarrett, entre otros pianistas que a lo largo de su vida han influenciado notablemente su estilo. Un año antes de este tributo que fue muy bien recibido por la crítica local, Assaf desplegó Augmented Reality (2011), disco híbrido que resume tradiciones folclóricas judías, sonoridades populares latinas y coqueteos con cierta sensibilidad balcánica, esta última presente en Budva, una carta de amor a la costera ciudad de Montenegro. Otra versión de la composición se encuentra en el disco Second Row Behind the Painter (2014). Discografía recomendada Assaf, Roy & Eddy Khaimovich Quartet. (2008). Andarta. Origin Records. Assaf, Roy. (2012). Respect Vol. 1. Jazz Legacy Productions. Assaf, R.; Itzik, R.; Roeder, J. (2011). Augmented reality. Daywood Drive Records. Roy Assaf Trío. (2014). Second Row behind the Painter. One trick Dog Records. 7 Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Martes 22 de mayo · 7:00 p.m. Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Temporada Nacional de Conciertos 2018 CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana (Colombia) Martes 21 de agosto · 7:00 p.m. Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: ZYJ636 Próximos conciertos en PASTO Foto: Francisco Carranza Foto: Rodrigo Velásquez 8 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/musica/jovenes-interpretes/convocatoria-2019/condiciones Sala de Conciertos Luis Ángel Arango @Banrepcultural Inscríbete por internet a partir del lunes 11 de septiembre de 2017 1 Si eres seleccionado, audiciona en vivo del lunes 17 de septiembre al lunes 15 de octubre de 2018 3 Graba tu video de preselección y envíalo antes del viernes 23 de marzo de 2018 2 Son tres sencillos pasos: AKUA, JI 2017 · Foto: Jorge Luis Altamirano Jóvenes Intérpretes 2019 BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido / Nueva Zelanda) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Domingo 25 de febrero · 11:00 a.m. JOSÉ LUIS GALLO, guitarra (Colombia) Domingo 4 de marzo · 11:00 a.m. CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Domingo 11 de marzo · 11:00 a.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. VOCALCONSORT BERLIN, ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. CUARTETO FAURÉ, cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Diego Salamanca Bustamante Cód. PULEP: BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Códigos PULEP: JLC408. BXV343. ROO242. BQS454. CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Interpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo

JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: IUP477 Foto: Grzegorz Ryński Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo P El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas. Para acceder a esta tarifa debe presentar la boleta del concierto al momento de realizar el pago por el servicio de parqueadero. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected]. co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 JOSEPH-MAURICE WEDER piano Joseph-Maurice Weder ingresó al Musikhochschule en Basel a los doce años, bajo la guía del profesor Adrian Oetiker. Entre 2011 y 2015 estudió con Filippo Gamba y asistió a clases magistrales con Piotr Anderszewski, Dmitri Alexeev, Homero Francesch y Louis Lortie. Desde que inició su carrera internacional, al ganar el premio Swiss Ambassador y debutar en el Wigmore Hall de Londres en el 2013, rápidamente cautivó las audiencias de los públicos más exigentes en Europa. Weder se ha presentado en numerosas salas de concierto como la Berliner Phillharmonie, el Miskverein y la Wiener Konzerthaus en Vienna y el Wigmore Hall de Londres. Como solista se ha presentado con la Südwestdeutsche Philharmonie, la orquesta de cámara de la Filarmónica de Kazajistan, la Sinfonieorchester Basel, la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de Brasília, la Orquesta de Cámara de Bratislava y la orquesta de cámara de la Filarmónica de Bavaria. Adicionalmente, Weder ha realizado giras por Sur América, actuando en Brasil, Argentina, Colombia, Perú, Ecuador y Uruguay; y por Europa, presentándose en Alemania, Italia, España, Noruega y Suiza. En música de cámara, Joseph-Maurice Weder ha actuado junto a artistas como Gautier Capuçon, Nelson Goerner, Kian Soltani, Marc Bouchkov y Pedro Franco-López. En el 2016, acompañó en el piano a Raquele Magalhães y a la soprano Petra Froese. Su variada discografía incluye discos de los conciertos de Chopin en versión para ensamble de cámara para el sello alemán Oehmsclassic; el Concierto para piano No. 3 de Beethoven con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava en Eslovaquia en el 2007; y el álbum The London Recital, grabado en vivo en el Wigmore Hall, que incluye sonatas de Schubert y Barhms. Su grabación más reciente, dedicada a obras de Liszt y Schumman, fue producida para el sello alemán MDG. Este concierto cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Seis bagatelas, Op. 126 (1824) Andante con moto, cantabile e con piacevole Allegro Andante, cantabile ed espressivo Presto Quasi allegretto Presto - Andante amabile e con moto LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Tres piezas de Im Labyrinth (2002) Wolken vor dem Mondlicht Zwiespalt Kathedrale BALZ TRÜMPY (n. 1946) INTERMEDIO Sonata para piano 1.X.1905 (1905) Predtucha Smrt LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Sonata No. 3 en fa menor, Op. 5 (1853) Allegro maestoso Andante espressivo Scherzo. Allegro energico - Trio Intermezzo. Andante molto Finale. Allegro moderato ma rubato JOHANNES BRAHMS (1833-1897) CONCIERTO No. 20 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Los orígenes del piano como instrumento se pierden en el pasado lejano, cuando los humanos descubrieron que tensar una cuerda atada a la rama de un árbol no solo servía como arco para lanzar flechas y mejorar sus posibilidades como cazadores sino que, además, la cuerda de su arco producía un sonido. Más tarde también descubrieron que la longitud y espesor de la cuerda afectaba la altura del sonido producido. Con los elementos anteriores, los fundamentos del arpa, el primer instrumento de cuerdas tensadas, ya estaban dispuestos. La existencia del arpa permitió la construcción del clavecín, cuyas cuerdas tienen un mecanismo análogo para tañer, como también la invención del piano, en el cual se produce el sonido por el golpe de martillos contra las cuerdas. El piano moderno tiene su antecedente inmediato en el trabajo de Bartolomeo Cristofori (1655-1731), constructor de instrumentos, quien trabajó para la corte de los Medici en Florencia. El piano evolucionó a partir de los modelos de Cristofori y rápidamente desplazó al clavecín gracias, principalmente, a que podía producir una gama más amplia de dinámicas, desde muy suave a muy fuerte, por lo que podía ser utilizado tanto en los espacios amplios de las salas de concierto como en los espacios pequeños del hogar. Para inicios del siglo xix el piano había sido acogido con gran entusiasmo por los compositores. Una muestra de esa valoración es la siguiente carta de Beethoven, del 3 de febrero de 1818, al constructor de pianos Broadwood, agradeciéndole el regalo de un piano de cola que le había sido enviado a Viena en diciembre de 1817. Jamás sentí un placer mayor que el que me causa el anuncio de la llegada de este piano, con el que me honra como regalo. Lo consideraré como un altar sobre el cual depositaré las más bellas ofrendas de mi espíritu al divino Apolo. Tan pronto como reciba su excelente instrumento, le enviaré inmediatamente los frutos de los primeros momentos de mi inspiración para que sirvan como un recuerdo de parte mía para mi querido B. Espero que sean dignos de su instrumento. Mi querido señor y amigo, acepte mi más cálida consideración, de parte de su amigo y muy humilde servidor, Louis Van Beethoven1. (Beethoven, Kalischer, Shedlock, & Hull, 1926, p. 249. Trad. G. Gaviria). 1 J’amais je n’eprouvais pas un plus grand Plaisir de ce que me causa votre Annonce de I’arrivée de Cette Piano, avec qui vous m’honorèe de m’en faire présent, je regarderai Comme un Autel, ou je deposerai les plus belles offrandes de mon Esprit an divine Apollon. Aussitôt Comme, je recevrai votre Excellent instrument, je vous enverrai d’en abord les Fruits de I’inspiration des premiers moments, que j’y passerai, pour vous servir d’un Souvenir de moi à vous mon très cher B., et je ne souhaits ce que, qu’ils soient dignes de votre instrument. Mon cher Monsieur et ami recevés ma plus grande Consideration de votre ami et très humble serviteur. Louis van Beethoven. 4 Las obras incluidas en el recital presentan en su primera parte dos series de piezas cortas y en la segunda dos obras de gran formato, sonatas. Precisamente, el recital se inicia con las Seis bagatelas, Op. 126 de Ludwig van Beethoven (1770-1827), probablemente compuestas en el piano Broadwood, seguidas por una selección de Im Labyrinth (El laberinto) de Balz Trümpy, una colección de veintiún piezas, un poco a la manera del Álbum de la juventud de Robert Schumann, de acuerdo con el compositor. Ludwig van Beethoven compuso en total veintiséis Bagatelles, veinticuatro como parte de los Op. 33, 119 y 126, y dos publicadas separadamente, entre ellas la muy conocida Für Elise (Para Elisa), que fue escrita alrededor de 1810. El Op. 33, publicado en 1803, comprende siete Bagatelles, algunas de ellas compuestas varias décadas atrás. El Op.119 presenta once piezas, de las cuales los números siete al once fueron compuestas en 1820 para la academia de piano Wiener Pianoforte-Schule de Friedrich Starke. Las restantes seis son piezas escritas en años anteriores, recolectadas para incluirlas en este opus. El término bagatelle, bagatela en castellano, genéricamente hace alusión a una «cosa de poca importancia o valor». Según el Diccionario Grove es «una breve pieza de música en una vena ligera. El título no implica una forma específica» (Brown, 2001). El término apareció por primera vez como el nombre de una de las piezas de una suite de Marin Marais (1656-1728), publicada en París en 1692. «Desde Beethoven la bagatela usualmente ha recibido título descriptivo, y la mayoría de las veces los compositores las han publicado en grupos o series» (Brown, 2001). En cuanto a las del Op. 126 de Beethoven, Otto von Irmer, en los comentarios de la edición Henle de 1975, señala que: Hay tres bocetos que datan de diferentes tiempos y una copia fiel, que muestra cuánto ocuparon estos trabajos la atención de Beethoven. Las concibió como un ciclo (es decir, para ser interpretadas consecutivamente), como puede verse en la siguiente anotación marginal del boceto de la primera Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Ciclo de pequeñas piezas). Beethoven escribió a Schott que estas Bagatelas “son probablemente las mejores que he escrito”2 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). 2 Of these Bagatelles we have three sketches dating from different times and a fair copy, which shows how very much these works occupied Beethoven’s attention. He intended them as a cycle (i. e. to be played consecutively), as can be seen by the following marginal annotation on the sketch of the first Bagatelle: “Ciclus von Kleinigkeiten” (Cycle of little Pieces). Beethoven wrote Schott that these Bagatelles “are probably the best I’ve written”. 5 Este comentario probablemente está relacionado con las palabras que el editor Peters Verlag había dicho de las piezas del Op. 119 «Sus piezas no valen nada y debe considerar que no es digno que pierda el tiempo con tales trivialidades que cualquiera puede escribir»3 (Irmer, 1975. Trad. G. Gaviria). Balz Trümpy (n. 1946) estudió en la Academia de Música de Basilea con especialización en piano, teoría musical y composición. Fue asistente de Luciano Berio entre 1975 y 1978, y durante el mismo período recibió varias comisiones de investigación del IRCAM en París. Desde 1979 hasta su jubilación en 2011, fue profesor de teoría musical y composición en la Hochschule für Musik de Basilea. Sus composiciones se han presentado en festivales en Donaueschingen, las Jornadas Mundiales de la Música ISCM, el Festival de Davos y en el Festival de Lucerna, entre otros. En mensaje al autor de estas notas, Trümpy comenta acerca de su obra: La colección contiene 21 piezas de piano de diversos grados de dificultad en el estilo del Álbum para la juventud de Schumann. Los títulos se pueden entender en el sentido de piezas de personajes románticos, a pesar de que están compuestos en un lenguaje musical contemporáneo. Labyrinth fue escrita y dedicada a la clase de piano de Yvonne Troxler4 (B. Trümpy. 2018. Trad. G. Gaviria). La pianista Yvonne Troxler, a quien está dedicado el ciclo, nació en Suiza, pero vive en Nueva York. Como maestra, a Troxler le gusta trabajar con una variedad de estudiantes de todos los niveles y edades. «Siempre estoy muy entusiasmada con las diferentes personalidades que veo cuando enseño. Y me gusta descubrir dónde está la pasión de cada estudiante. Allí es donde creo que realmente comienza el aprendizaje, cuando sucede con pasión» (Bloomingdale School of Music, 2018). Las piezas en el programa de autoría de Trümpy son: Kathedrale (Catedral), que tiene la indicación lento y pesado, se inicia con una alusión lejana a La catedral sumergida de Debussy; Wolken vor dem Mondlicht (Nubes frente a la luz de la luna), que oscila entre el tempo lento y aceleraciones con rubato y alterna pasajes armónicos con otros en contrapunto a dos voces; y Zwiespalt (Desacuerdo), que emplea una textura en dos líneas. Para Trümpy, la composición representa 3 “Your pieces are not worth the money and you should consider it beneath your dignity to waste time with such trivia that anyone can write.” 4 Die Sammlung enthält 21 Klavierstücke von verschiedenen Schwierigkeitsgraden in der Art von Schumanns Album für die Jugend. Die Titel können durchaus im Sinne von romantischen Charakterstücken verstanden werden obwohl sie in einer zeitgenössischen Musiksprache komponiert sind. Im Labyrint wurde geschrieben für die Klavierklasse von Yvonne Troxler und ist ihr gewidmet. 6 la «posibilidad de transportar algo de otras dimensiones a nuestra realidad de tiempo y espacio»5 (Trümpy, 2016. Trad. G. Gaviria). La segunda parte del recital se inicia con una sonata de Leoš Janáček (1854-1928), cuya motivación se originó el 1° de octubre de 1905, cuando los residentes de habla checa de Brno, entonces parte del imperio austro-húngaro, se tomaron las calles exigiendo la creación de una universidad checa en la ciudad. Los residentes de habla alemana de Brno, recelosos del poder checo, organizaron una contra-protesta. El gobierno envió tropas y František Pavlík, un trabajador de veinte años, murió como resultado de una herida con bayoneta. Leoš Janáček, quien estuvo presente en la protesta, compuso poco tiempo después, como tributo a la revuelta y a Pavlík, la Sonata para piano 1.X.1905. Ludmila Tučková estrenó la sonata en Brno el 27 de enero de 1906. La obra tenía tres movimientos, pero durante los ensayos Janáček quemó el último diciendo que era una «marcha fúnebre pesimista». Luego, tampoco se sintió cómodo con los otros dos movimientos y los lanzó al río Vltava. Sin embargo, Tučková había copiado secretamente los primeros dos movimientos y en 1924, el año de las celebraciones del cumpleaños número setenta de Janáček, los tocó en homenaje al compositor. Janáček, permitió la publicación de la pieza y escribió una nota corta como programa: La escalera de mármol blanco del Besední dum en Brno. Un simple trabajador František Pavlík cayó allí, manchado de sangre. Solo vino a demostrar su entusiasmo por la educación superior y fue asesinado por crueles homicidas. Leos Janáček 6 (Tyrrell, 2011. Trad. G. Gaviria). En su estreno la pieza se anunció como From the Street 1 October 1905, que luego se acortó en la publicación como 1.X.1905. Brno finalmente tuvo su universidad en 1919, la Universidad Masaryk, que otorgó su primer doctorado honorario a Janáček. La ceremonia se realizó el 28 de enero de 1925 y en el diploma se enuncian las razones para el doctorado honoris causa en filosofía: teniendo en cuenta que Tan brillante creador de música ha obtenido grandes logros para la cultura de su nación, inventado un nuevo tipo de ópera, revivido el canto coral, creado numerosas obras sinfónicas, incorporado elementos nuevos y originales al arte contemporáneo de la música y siguiendo los pasos de sus predecesores se ha dedicado incansablemente a estudiar, explorar y coleccionar las canciones 5 Possibility to transport something from other dimensions into our reality of time and space. 6 The white marble staircase of the Besední dum in Brno. A simple worker Frantisek Pavlik fell there, stained with blood. He only came to demostrate his enthusiasm for higher education and was kulled by cruel murderers. Leos Janacek. 7 populares de Moravia7 (Diario de Capital Municipal Provincial de Brno No. 2, 1925, p. 29. Trad. G. Gaviria). En The Sonata Since Beethoven, William S. Newman afirma que «cuatro maestros sirven como el punto focal de esta época [Romanticismo]: Schubert, Chopin, Schumann y Brahms» (1969, 109), subrayando que: Si algún compositor se puede ubicar como el primero después de Beethoven ciertamente debe ser Johannes Brahms (1833-1897) […]. Ningún otro compositor prestó tanta atención a los problemas de la idea de sonata, encontró esos problemas tan compatibles con su propia naturaleza musical y métodos, y ha recibido tanta aceptación universal y aprecio por sus soluciones a esos problemas8 (Newman, 1969, 321. Trad. G. Gaviria). Con relación a la Sonata en fa menor, Op. 5 No. 3, Newman recuerda que Fue la única obra grande compuesta durante ese mes de octubre de 1853, cuando Brahms estuvo con los Schumann [Robert y Clara] (y antes del problema de Robert con la locura), aunque el propio Brahms mismo comentó que los dos movimientos andante interrelacionados se originaron antes9 (Newman, 1969, 334. Trad. G. Gaviria). El mes siguiente, el 16 de noviembre de 1853, Brahms escribió a Robert Schumann que había «copiado la Sonata y sustancialmente alterado el final»10 (Eich, 2017). Finalmente, el compositor envió desde Hamburgo el manuscrito al editor Senff, el 26 de diciembre, indicándole: «lo he limpiado con mucho cuidado de manera que ahora probablemente se deje tocar en público. Por favor, excúseme por la demora»11 (Eich, 2017. Trad. G. Gaviria). El Andante del segundo movimiento tiene un epígrafe incluido por el compositor en la partitura que quizás señala el carácter general de la sonata. Es el inicio del poema Junge 7 protože jako geniální hudební tvůrce získal si skvělé zásluhy o kulturu svého národa tím, že vynašel nový typ operní, že obrodil sborový zpěv, že vytvořil četná díla symfonická, vnesl nové a originální prvky do soudobého umění hudebníhoa že ve stopách svých předchůdců věnoval se neúnavnému studiu, poznávání a sbírání lidové písně moravské. 8 If any one composer is to be placed first in the century and a half since Beethoven it certainly must be Johannes Brahms […] what other front-rank composer in this century and a half has given so much of his attention to problems bearing on the sonata idea, has found those problems so compatible with his own musical nature and methods, and has met with such universal acceptance and appreciation in his solutions to those problems. 9 It was the only major work written largely during that one month of October, 1853, when Brahms was with the Schumanns (and before Robert´s commitment for insanity), although Brahms himself said the two interrelated andante movements originated earlier. 10 Written down the f minor Sonata and substantially altered the finale. 11 I have cleaned it very carefully so that it can now probably let itself be seen in front of people. Please forgive me that it took so long. 8 Liebe de Otto Julius Inkermann (1823-1862), cuyo seudónimo era C. O. Sternau, publicado en 1851 (Macdonald, 2012, p.75. Trad. G. Gaviria). Cae la tarde, brilla la luz de la luna Dos corazones se unen en el amor y se mantienen felizmente abrazados12 Bibliografía Beethoven, L., Kalischer, A. C., Shedlock, J. S., & Hull, A. E. (1926). Beethoven’s letters. London & Toronto: J.M. Dent & Sons Ltd. Bloomingdale School of Music. Yvonne Troxler piano, chamber music, and way out. Recuperado de http://www.bsmny.org/faculty/Yvonne-Troxler Brown, M. (2001). Bagatelle. Grove Music Online. Recuperado de http://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Eich, K. (2017). Piano Sonata f minor op. 5. Kiel: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Encyklopedie dějin města Brna - Profil události. (2018). Encyklopedie.brna.cz. Consultado: 20 de marzo de 2018. Recuperado de http://encyklopedie. brna.cz/home-mmb/?acc=profil_udalosti&load=78 Irmer, O. von. (1975). “Comments”. Complete Bagatelles, Ludwig van Beethoven. Cologne: Urtext Edition. G. Henle Verlag. Newman, W. S. (1969). The sonata since Beethoven: the third and final volume of a history of the sonata idea (Vol. 3). Chapel Hill, NC, USA: University of North Carolina Press. Macdonald, H. (2012). Music in 1853: the biography of a year. Suffolk, United Kingdom: Boydell Press. Ripin, E., Pollens, S., Belt, P., Meisel, M., Huber, A., Cole, M., Hecher, G., Pascual, B., Hoover, C., Tyrrell, J. (2011). Janacek: Years of a Life Volume 2 (1914-1928): Tsar of the Forests. London, England: Faber & Faber. Trümpy, B. (2016). Oracula Sybillae. WER73352. SCHOTT MUSIC & MEDIA GmbH, Mainz, Germany. https://en.schott-music.com/shop/oracula-sibyllae- no344538.html 12 Der Abend dämmert, das Mondlicht scheint / Da sind zwei Herzen in Liebe vereint / Und halten sich selig umfangen Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Gabo&Mafe Fotografía Cód. PULEP: QMS654. INW719. VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia)

Jueves 1° de marzo de 2018 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: FOE554 Jueves 8 de marzo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: TCW389 Foto: Emiliano Torres Quintero QUINTETO DE VIENTOS BACATÁ (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Buenaventura, las personas con movilidad reducida podrán ingresar al Centro Cultural haciendo uso de las rampas ubicadas en la entrada principal. El acceso al auditorio será a través de sus puertas principales, usando el ascensor hasta el segundo piso. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 Foto: Emiliano Torres Quintero QUINTETO DE VIENTOS BACATÁ Miguel Rubiano, oboe Daniel Alsina, flauta traversa Michelle Camargo, clarinete Daniel Rodríguez, corno francés Steven Remolina, fagot Integrado por estudiantes de la Pontificia Universidad Javeriana, el Quinteto de Vientos Bacatá inició su proyecto en el año 2016. Es un ensamble de flauta, clarinete, fagot, corno francés y oboe que interpreta tanto el repertorio académico de diferentes épocas y estilos, como piezas de música colombiana y de otros países latinoamericanos. El conjunto está conformado por músicos jóvenes interesados en que sus interpretaciones brinden una versión diferente de las obras originales, debido a que se acercan a las piezas sin ideas preconcebidas, lo cual permite una apreciación fresca de cada una de ellas y por tanto, llena de nuevas concepciones, energía y pasión. La actividad de este ensamble abarca la interpretación, grabación y adaptación de obras para el formato del quinteto, además de un intenso trabajo de aprendizaje en el campo de la interpretación. El quinteto ha realizado conciertos en los principales auditorios y salas de conciertos de Bogotá. Fue seleccionado para participar en el Ciclo de Conciertos Universitarios 2017 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2018. Acompañantes Luz Carime Espitia y Brandon García, percusión 2 PROGRAMA Preludio a la siesta de un fauno (1891-1894) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Original para orquesta Arreglo para quinteto de vientos por Daniel Alsina (n. 1993) Tres piezas breves (1930) Allegro Andante Assez lent–Allegro scherzando–Vivo JACQUES IBERT (1890-1962) Quinteto en sol menor, Op. 56 No. 2 (1820) Allegretto Andante Menuetto allegretto Allegretto FRANZ DANZI (1763-1826) INTERMEDIO Suite fantástica, Op. 14 (1990) Danza de los vampiros Marcha de soldados El sueño de la sirenita El trencito vagabundo AMPARO ÁNGEL (n. 1942) Aires tropicales (1994) Alborada Son Habanera Vals venezolano Dizzyness Contradanza Afro PAQUITO D’ RIVERA (n. 1948) CONCIERTO No. 8 3 NOTAS AL PROGRAMA Guillermo Gaviria El quinteto de vientos apareció como género entre 1800 y 1820, con obras particularmente de Giuseppe Cambini (1746-1825), Franz Danzi (1763- 1826) y Anton Reicha (1770-1836). Después de este periodo, desapareció de la escena del siglo xix y solo un siglo después de sus inicios, en la década del veinte, el Opus 24 de Hindemith, Kleine Kammermusik (1922), le dio un nuevo impulso y motivó la composición de un número importante de quintetos durante el resto del siglo xx. Su particular conformación −flauta, oboe, clarinete, corno y fagot− ofrece una diversidad de timbres y contrastes que lo diferencian sustancialmente del cuarteto de cuerdas, como lo expresa con propiedad Millard Laing: El quinteto de vientos, con sus extremos contrastes de color, nunca ha sido una contraparte del cuarteto de cuerdas. Ofrece lo opuesto a la suavidad de las mezclas del cuarteto: sus miembros representan diferentes polos de la orquesta, y su fuerza radica en sus contrastes, más que en su eufonía. Todos los miembros del quinteto tienen diferentes poderes de expresión, y estos poderes varían dentro de sus rangos. Dinámicamente, el quinteto como conjunto es mucho más restringido que el cuarteto de cuerdas, sin embargo, su efecto masivo puede ser mucho más poderoso que el del cuarteto (Laing, 1952, 43)1. El programa de hoy incluye obras que son una muestra amplia de la flexibilidad del quinteto. La primera parte presenta música de autores europeos, incluyendo a Franz Danzi, de los inicios de la composición para este formato. La segunda parte está dedicada a obras de dos compositores latinoamericanos: Paquito D´Rivera, que enfatiza rasgos musicales de nuestras culturas y Amparo Ángel, cuya obra exhibe un alegre espíritu infantil. 1 “The quintet of winds, with its extremity of color contrasts, has never been a counterpart of the string quartet. It presents the opposite of the quartet’s smoothness of blends--its members represent different poles of the orchestra, and its strength lies in its contrasts, rather than its euphony. The members of the quintet all have different powers of expression, and these powers vary with each successive degree within their ranges. Dynamically the quintet as a body is much more restricted than the string quartet, yet its massed effect can be much greater in power than that of the quartet” (Laing, 1952, 43) (Traducción al español realizada por el autor de estas notas al programa). 4 Claude Debussy (1862-1918), padre del llamado ‘Impresionismo musical’, nació el 22 de agosto de 1862, en el pueblo de Saint Germain en Laye, cerca de París; era hijo de un comerciante. Inició clases de piano a la edad de siete años y a los diez años, en 1872, ingresó al Conservatorio, en donde estudió con César Frank y Ernest Guiraud. En 1884 ganó el Prix de Rome, y en su estadía en Villa Medici, en Roma, conoció a Franz Liszt. En septiembre de 1894 concluyó Prélude à l´après-midi d´un faune (Preludio a la siesta de un fauno), su obra orquestal de mayor impacto; y el 21 de diciembre del mismo año, invitó a Stéphane Mallarmé, autor del texto que la inspiró, al estreno en uno de los conciertos de la Société Nationale: «Cher maitre: no hace falta decir lo feliz que me haría si tuviera la amabilidad de honrar con su presencia el arabesco que, quizás con excesivo orgullo, creo que ha dictado la flauta de su fauno» (Nichols, 2001, 93). La música evoca un mundo pagano, en el que el fauno se adormece a la sombra de la tarde en un día de verano. El compositor subraya el sentido en el que se aproximó al poema en una carta dirigida al crítico musical Willy (Henry Gauthier-Villars) el 10 de octubre de 1895: ¿Acaso es el Prélude à l´après-midi d´un faune, cher Monsieur, el sueño escondido en el fondo de la flauta del fauno? Para ser más exactos, se trata de la impresión general del poema. Si mi música hubiera tenido que seguir el texto de cerca, pronto se habría quedado sin aire, como un caballo de carga compitiendo por el Grand Prix contra un pura sangre (Nichols, 2001, 93. Junyent, Trans.). Jacques Ibert (1890-1962) es uno de los compositores franceses más populares del siglo xx. Nació en una familia ‘muy musical’ y con bastantes recursos económicos. Su padre era violinista aficionado y su madre una pianista de muy buen nivel. Cursó estudios como oficial naval, que abandonó, al igual que los negocios, para dedicarse a la música. Sin embargo, a pesar de tener la posibilidad de formarse como intérprete del piano o del violín, por su influencia familiar, Ibert se interesó en la composición. Estudió música en el Conservatorio de París de 1910 a 1914 con Gabriel Fauré y Paul Vidal. Después de ganar el Grand Prix de Rome en 1919, estuvo tres años en la Villa Medici, escribiendo Escales para orquesta e Histoires para piano, obras que le trajeron rápidamente fama mundial. Los musicólogos generalmente enmarcan su estilo dentro de lo que se conoce como neoclasicismo, aunque con una influencia importante de Maurice Ravel y la música de los Impresionistas. Trois Pièces Brèves (Tres piezas breves) para quinteto de vientos fue compuesta en 1930. La obra se basa en la música incidental que Ibert escribió 5 para una comedia en cinco actos, Le stratagème des roués, que terminó a principios de 1930 para una presentación de marzo. De acuerdo con Hubert Culot (2014), al parecer, el teatro para el cual escribió la obra tenía poco presupuesto, por lo que el compositor resolvió escribir para quinteto de vientos en lugar de para un conjunto más grande. Trois Pièces Brèves «está en el repertorio de los quintetos de viento de todo el mundo, y merecidamente. Constituye un ejemplo revelador del arte de Ibert marcado por la concisión, el hábil uso de los instrumentos y el encanto melódico»2. Franz Danzi (1763-1826) nació en Mannheim, Alemania; fue hijo de un violonchelista de la orquesta de la ciudad. Inició sus estudios de piano, violonchelo y composición a temprana edad. Ingresó a los quince años a la Orquesta de Mannheim y luego se trasladó a Múnich. En esta ciudad empezó una carrera como director, posición que ocupó en Stuttgart y en Karlsruhe, en donde falleció en 1826. Aunque sus primeras óperas se presentaron en Mannheim y Múnich, fue en Stuttgart y en Karlsruhe en donde obtuvo reconocimiento como productor de ópera y director. Su estilo como compositor presenta elementos armónicos que preludian el Romanticismo, sin embargo, en lo fundamental, se mantiene dentro de la tradición clásica. Danzi fue el primer compositor por fuera de París en seguir las ideas de Anton Reicha, pionero de la escritura para quinteto. Compuso nueve quintetos probablemente entre 1820 y 1824, Op. 56, 67 y 68, tres bajo cada opus. Los tres del Op. 56 están dedicados a Reicha. La estructura formal de todos sus quintetos respeta la propuesta de cuatro movimientos: forma sonata, lento, minueto y rondó. Amparo Ángel (n. 1942) nació en Popayán, Colombia. Inició sus estudios musicales a la edad de cinco años en su ciudad natal, en el Conservatorio de Música de la Universidad del Cauca, donde tuvo formación musical en las áreas teóricas, instrumental y práctica coral con maestros europeos, bajo la dirección de Wolfgang Schneider. A la edad de diez años, se trasladó a Bogotá, donde obtuvo su grado de bachiller y continuó sus estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Los estudios superiores de piano los desarrolló con Lucía Pérez y Eduardo de Heredia. 2 “This is in the repertoire of all wind quintets around the world, and deservedly so. They form a telling example of Ibert’s art marked by concision, deft use of instruments and melodic charm” (Culot, 2014). (Traducción al español realizada por el autor de estas notas al programa). 6 Entre 1976 y 1985, realizó estudios teóricos y prácticos de composición, orquestación sinfónica, de cámara y contrapunto en clases privadas con el compositor Luis Antonio Escobar. A partir de 1977, llevó a cabo estudios de composición y orquestación con el compositor Blas Emilio Atehortúa. Hizo alusión a la formación de su estilo musical en una entrevista con Alejandra Quintana, publicada dentro del libro Mujeres en la música de Colombia: un género de géneros: Pienso que una formación musical tiene su sello. Yo me formé, como los compositores actuales, en la academia, en la música erudita, la música que nos viene de la cultura occidental. […] Esta formación que tuve de niña, muy estricta pero llena de satisfacciones, me ayudó a crear una estética hacia lo clásico y lo romantico, y… esa es la tendencia que tengo. Pero como a partir del siglo xx la música giró hacia el rompimiento con la armonía y todo lo establecido, quedaron parámetros que ningún músico puede desconocer. Entonces creo que mi música no solo es el estilo neoclásico-neoromántico, que lo siento y fluye espontáneamente, sino que también tiene elementos de la música contemporánea (Quintana, 2012). La Suite fantástica Op. 14, una de las obras de la compositora, está inspirada en una serie de cuentos cortos para niños. Ángel recuerda la concepción y el estreno de la suite: La obra fue compuesta para quinteto de vientos, una agrupación muy completa que semeja una orquesta. Es música muy alegre. El estreno se hizo en el Teatro Colón de Bogotá, en el Festival de Música Contemporánea, con una representación en escena de bailarines vestidos de soldaditos y un tren deambulando por el escenario (Quintana, 2012). A continuación el comentario que apareció en el programa de mano del concierto del 28 de abril de 2001 en el Teatro Colón, del Séptimo Festival Internacional de Música Contemporánea: Danza de los vampiros es una obra sobre aquellos extraños seres que, con sus grandes alas parecen envueltos en una capa. El corno y el fagot se encargan de marcar el ritmo de esta estrambótica danza y los otros instrumentos de tocar la melodía. En Marcha de soldados, un pequeño pelotón de soldados, marcha dirigido por un capitán. La melodía se la turnan la flauta, el oboe, el clarinete y en ocasiones el corno. 7 El sueño de la sirenita es un cuento en que una sirenita, que vive en el fondo del mar, sueña con un príncipe. En ocasiones se acerca a la orilla, con la esperanza de verlo. En una ocasión sueña, deliciosamente, que baila un vals con su príncipe, un vals extraño, mezcla de melodía y ritmo de seres humanos y sirenas. El trencito vagabundo recorre valles y montañas, y cuando viaja normalmente, se escucha una melodía característica, pero, a veces, se olvida quién es y se pone a hacer cosas locas. La música, entonces, enloquece también, y cuando el trencito se acuerda de quién es y vuelve a tener juicio, la música vuelve a ser lo que era antes. Música y trencito son uno solo. Paquito D´Rivera (n. 1948), nació en La Habana, Cuba. Actuó a los diez años con la Orquesta Nacional de Teatro, estudió en el Conservatorio de Música de La Habana y, a los diecisiete años, se convirtió en solista de clarinete y saxofón de la Sinfónica Nacional de Cuba. Fue miembro fundador de la Orquesta Cubana de Música Moderna, grupo que dirigió por dos años. Además, fue miembro fundador y codirector del innovador conjunto musical Irakere, que realizó una extensa gira por América y Europa, y ganó varias nominaciones Grammy (1979, 1980) y un Grammy (1979). Además de su carrera como instrumentista, Paquito D’Rivera ha desarrollado su expresión creativa como compositor. Boosey and Hawkes es el editor exclusivo de sus composiciones. Sus obras revelan sus intereses musicales que contemplan ritmos y melodías afrocubanas, influencias encontradas en sus numerosos viajes y sus orígenes clásicos. Aires tropicales es una suite en siete movimientos que destaca los estilos populares en Cuba desde el siglo xviii y, además, ritmos de la música latinoamericana, fuente de su inspiración. Fue comisionada por el Aspen Wind Quintet y estrenada en 1994. La presentación de Alborada, vacilante y tentativa como corresponde a su título (una ‘canción de la mañana’) termina casi antes de empezar. El Son, con su incansable ostinato latino en la línea del fagot y el corno, es el movimiento más extenso de los siete. Toma su inspiración (y su título) de la forma de baile cubano más popular de finales de 1800, con sus raíces en los ritmos africanos. La insinuante y seductora Habanera presenta el oboe, el clarinete y el fagot en un homenaje a la danza que se cree que fue el antepasado del tango. El tono agridulce continúa en el Vals venezolano, un vals dedicado al [compositor] Antonio Lauro. Dizzyness, un homenaje a la leyenda del jazz Dizzy Gillespie, emplea un lenguaje armónico más complejo, para un efecto que de hecho es 8 un poco mareado. La Contradanza, otra danza cubana tradicional dedicada al compositor cubano Ernesto Lecuona, evoca las imágenes más vívidas de una verdadera danza en la suite. Afro comienza con un lento solo de flauta, seguido pronto por una danza cada vez más enérgica sobre otro ostinato africano (Bade, 2012.).3 Bibliografía Bade, D. (2012). “Aires tropicales for woodwind quintet”. Music and Musicians Database. Los Angeles Philharmonic Association. Recuperado de https://www.laphil.com Culot, H. (2014). Jacques Ibert: oeuvres pour vents. Review. Timpani, B00ISKSEFW. Recuperado de http://www.musicweb-international. com/ Laing, M. M. (1952). Anton Reicha’s Quintets for Flute, Oboe, Clarinet, Horn and Bassoon: Diss. Univ. of Michigan 1952. University of Michigan. Nichols, R. (2001). Vida de Debussy. (V. Junyent, Trans.). Ediciones AKAL, España. (Trabajo original publicado en 1998). Séptimo Festival Internacional de Música Contemporánea (2001). “Fantasías para los Niños”. Recuperado de https://www.amparoangelcompositora. com Quintana, A., Triana, A. F., Romano, A. M., Martínez, A. Q., et. Al. (2012). Mujeres en la música en Colombia: el género de los géneros. Editorial Pontificia Universidad Javeriana. 3 “The Alborada introduction, hesitant and tentative as befits its title (a “morning song”) is over almost before it begins. The Son, with its relentless ostinato Latin bass line in the bassoon and horn, is the most extended movement of the seven. It takes its inspiration (and its title) from the most popular Cuban dance form of the late 1800s, with its roots in African rhythms. The insinuating and seductive Habanera features the oboe, clarinet, and bassoon in an homage to the dance widely believed to be the ancestor of the tango. The bittersweet tone continues in the Vals venezolano, a waltz dedicated to Venezuela’s Antonio Lauro. Dizzyness, an homage to jazz legend Dizzy Gillespie, employs the most complex harmonic language, for an effect that is indeed a bit dizzy. The Contradanza, another traditional Cuban dance dedicated to Cuban composer Ernesto Lecuona, evokes the most vivid images of actual dancing in the suite. The concluding Afro begins with a slow flute solo, followed soon by an ever more energetic dance over yet another African ostinato” (Bade, 2012). (Traducción al español realizada por el autor de estas notas al programa). 9 Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. HERENCIA DE TIMBIQUÍ música tradicional del Pacífico (Colombia) Jueves 19 de abril de 2018 · 10:00 a.m. Auditorio de la Caja de Compensación Comfenalco Valle Cód. PULEP: WTV412 Temporada Nacional de Conciertos 2018 STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Viernes 27 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: SSQ195 Próximos conciertos en BUENAVENTURA Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical CAROLINA CALVACHE CUARTETO, jazz (Colombia / Estados Unidos) Sábado 10 de marzo · 6:00 p.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ, cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Balazs Borocz Cód. PULEP: CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene la adición del nombre de los percusionistas que acompañaron en concierto al Quinteto de vientos Bacatá —página 1—, y contiene retoques en la diagramación del contenido a lo largo de las notas al programa.

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA clarinete (Colombia) JESÚS DAVID PRIETO piano (Colombia) Jueves 24 de mayo de 2018 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón - ICBA Cód. PULEP: EAF370 Jueves 31 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: NYE709 TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Tunja, el acceso al Auditorio Eduardo Caballero Calderón para personas con movilidad reducida es por la entrada principal ubicada en la Carrera 10 # 19-17. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA, clarinete Inició sus estudios de clarinete en la escuela de música de Moniquirá bajo la tutoría del maestro Hernando Pinzón. Posteriormente, pasó a formar parte de la escuela superior de música de Tunja bajo la tutoría del maestro Fredy Pinzón, para luego ser admitido en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra del maestro Héctor Pinzón; actualmente cursa octavo semestre en esta institución. En el 2011 fue ganador del primer premio de la Primera Semana del Clarinete realizada en Tunja y semifinalista del concurso de clarinete Claribogotá en el año 2012. Ha tenido participación activa en festivales de clarinete como Segunda Semana del Clarinete de Tunja, realizado en el marco del Festival Internacional de la Cultura. Ha recibido clases magistrales con Guillermo Marín, Christopher Jepperson, Hernán Darío Gutiérrez, Luis Carlos Erazo, Edwin Rodríguez, Ricardo Dourado Freire, Benito Meza, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, José Franch-Ballester, Ana Catalina Ramírez, Marco Antonio Mazzini, Lenin Izaguirre, entre otros. JESÚS DAVID PRIETO, piano Comenzó sus estudios de piano a los siete años de edad. Luego de varios años de formación en clases particulares, ingresó al programa básico del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, en donde cursó con un nivel destacado las cátedras de Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional en la misma universidad con Piedad Pérez, obteniendo la máxima calificación posible en su trabajo de grado. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov junto a la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012. Fue pianista repetidor en las fundaciones Arte Lírico y Azury Marmolejo en el año 2013 y pianista en el montaje, conciertos y grabación del reestreno de la zarzuela El castillo misterioso realizado por la Universidad de los Andes. En el 2014 fue seleccionado por concurso para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, Jiaqi Li, Miguel Ángel Scebba, Bernhard Parz, Roman Zaslavsky, Juan Carlos Gutiérrez, el dúo alemán Grau-Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. En el desarrollo de la maestría continuó su formación pianística con el maestro Mac McClure. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Sonata para clarinete y piano (1934) Molto moderato Vivace ARNOLD BAX (1883-1953) ‘Time Pieces’ para clarinete y piano, Op. 43 (1982-1983) Allegro risoluto Andante espressivo Allegro moderato Andante molto - Allegro energico ROBERT MUCZYNSKI (1929-2010) INTERMEDIO Sonata para clarinete y piano, Op. 214 (2005) Diálogos - Cadenza Scherzo Andantino Finale presto BLAS EMILIO ATEHORTÚA (n. 1943) Bucolique (1957) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Tema y variaciones (1974) Tema Variación 1 - Larghetto misterioso Variación 2 - Presto Variación 3 - Moderato Variación 4 - Adagio Variación 5 - Tempo di valza Variación 6 - Prestissimo JEAN FRANÇAIX (1912-1997) CONCIERTO No. 26 3 NOTAS AL PROGRAMA Guillermo Gaviria El clarinete actual es resultado de siglos de evolución en su construcción. Aunque es difícil rastrear los orígenes específicos del instrumento, los que se pueden considerar como sus antecesores se encuentran en diversos lugares del mundo, entre estos el antiguo Egipto, Grecia y el Imperio Romano. Uno de los instrumentos que se relaciona directamente con el clarinete es el llamado chalumeau, también considerado como predecesor del oboe. El clarinete, como tal, apareció alrededor del siglo XVIII, como lo menciona Eric Hoeprich en The Clarinet […] hacia 1700 la confluencia de las actividades de fabricación de instrumentos en Europa condujo a la creación de los primeros clarinetes, que eventualmente obtuvieron su lugar entre los que se encontraban ya establecidos como el oboe, la flauta y el fagot (2008:11). Johann Christoph Denner (1655-1707), constructor de instrumentos y reconocido como el inventor, en su idea de mejorar el chalumeau, construyó un nuevo instrumento que era más que una evolución. Entre sus principales cambios se mencionan la adición de dos llaves que permitieron ampliar su rango a más de dos octavas y mejorar la boquilla y la forma de la campana. El nombre del nuevo instrumento se asignó poco después y, sobre las razones para esto, hay varias teorías. Una de ellas, de acuerdo con Johann Gotfried Walther, en 1732, es que «de lejos sonaba no muy distinto a una trompeta» (Rendall, 1971:1). Clarinette (en italiano) es un diminutivo de clarine, que viene a su vez Chalumeau Clarinete de Denner Clarinete actual 4 de clarion, una especie de trompeta básica. El clarinete rápidamente reemplazó al chalumeau y para las primeras décadas del siglo XIX ya era un instrumento estándar en las orquestas. Desde entonces, el instrumento de Denner ha sido modificado y mejorado por numerosos constructores, ampliando su rango y convirtiéndolo en un instrumento muy versátil. El programa de hoy presenta dos compositores de habla inglesa en la primera parte y dos de habla francesa en la segunda, con un colombiano en medio de ellos. Se inicia con la Sonata para clarinete y piano de Arnold Edward Trevor Bax (1883-1953), quien nació en Streatham, en el sur de Londres (Inglaterra). Sus padres tenían medios económicos que le permitieron vivir y desarrollar sus intereses sin preocupaciones financieras. A los diecisiete años ingresó a la Royal Academy of Music en donde permaneció durante cinco años, recibiendo la influencia de dos reconocidos pedagogos de música: Frederick Corder (1852-1932) en la composición y Tobias Matthay (1858-1945) en el piano. Igualmente, recibió clases de clarinete de Julian Egerton (1848-1945). En sus clases de composición, Corder enfocaba sus ejemplos en las obras de Franz Liszt y Richard Wagner, quienes se convirtieron en las primeras influencias de Bax. En 1902, siendo estudiante de la Royal Academy, Bax, quien era un lector voraz, «en cada hora no dedicada a la música, leí febrilmente toda la literatura que puede encontrar, poesía y prosa, británica y continental (Hannam, 2008:11)», descubrió la poesía del irlandés William Butler Yeats (1865-1939). The Wanderings of Oisin and Other Poems, su primera lectura, es un poema épico que toma la forma de un diálogo entre Oisin, un guerrero y poeta celta, y San Patricio, patrono de Irlanda, responsable de convertirla al cristianismo. El primer libro se inicia con estos versos en donde habla San Patricio: Ustedes que están encorvados, calvos y ciegos, / Con un corazón pesado y una mente errante, / Han conocido tres siglos, los poetas cantan, / De coqueteo con una cosa demoníaca1 (Yeats, 2010. Trad. G. Gaviria). El poema de Yeats impactó de manera transcendental a Bax, quien diría, citado por William Hannam, «el celta dentro de mí se reveló». Y agregó: «En un pasaje famoso de Renan, el bretón, declaró que, “el celta se ha agotado alguna vez al confundir los sueños con la realidad”, pero yo creo, por el contrario, que el celta sabe con más claridad que los hombres de la mayoría de las razas, cuál es la diferencia entre los dos, y elige deliberadamente seguir el sueño. Sin duda hay un cazador incansable de sueños en mi propio maquillaje. Me encanta la vida. Soy un habitante que valora este mundo... sin embargo, una parte de mí no hace parte de eso»2 (Hannam, 2008:12, Trad. de G. Gaviria). 1 You who are bent, and bald, and blind, / With a heavy heart and a wandering mind, / Have known three centuries, poets sing, / Of dalliance with a demon thing. 2 “In a famous passage the Breton, Renan, declared that, ‘The Celt has ever worn himself out in mistaking dreams for reality,’ but I believe that, on the contrary, the Celt knows more clearly than the men of most races the difference between the two, and deliberately chooses to follow 5 La Sonata para clarinete y piano, está dedicada a su amigo Hugh Prew, clarinetista aficionado, quien fue compañero de cricket en el equipo Old Broughtonians en la década de 1920. El estreno ocurrió en junio de 1935, en el London Contemporary Music Centre, y estuvo a cargo del célebre clarinetista Frederick Thurston, acompañado al piano por Harriet Cohen (segunda esposa de Bax). La sonata es una muestra de sus mejores talentos: el empleo idiomático de los instrumentos y su precisión para caracterizar estados de ánimo y del alma (Payne, 1980:310). La segunda obra es ‘Time Pieces’, para clarinete y piano, Op. 43 del polaco-estadounidense Robert Muczynski (1929-2010), quien nació en Chicago (Estados Unidos). Muczynski estudió composición con Alexander Tcherepnin en la DePaul University a finales de la década de 1940, y más tarde se convirtió en profesor de composición y compositor en residencia en la Universidad de Arizona (Estados Unidos). Es principalmente conocido por sus composiciones para piano, pero tiene una amplia variedad de composiciones para clarinete, flauta, saxofón y otros instrumentos de viento. Time Pieces fue termindada en septiembre de 1983 y está dedicada al clarinetista Mitchell Lurie, a quien acompañó Muczynski en agosto de 1984 en el estreno de la pieza en el Clarinet Congress de la International Clarinet Society en Londres. De acuerdo con Muczynski […] esta composición es un conjunto de cuatro piezas contrastantes, cada una resaltando alguna característica específica del clarinete en términos de alcance, destreza técnica, color y expresividad... El título de la obra, Time Pieces, no tiene nada que ver con relojes mecánicos o relojes de pulso. No es un juego de palabras sino la conciencia de que todo existe en el tiempo: historia, nuestras vidas y... de una manera especial... música3 (Rice, 2016:138, Trad. de G. Gaviria). Albert Rice menciona que la obra interesa a intérpretes de nivel avanzado, dado que Muczynski desarrolla sus ideas con un alto grado de capacidad técnica y musical. Señala que la escritura para el clarinete es idiomática, a pesar de algunos pasajes que requieren bastante práctica. Es una prueba de resistencia que exige una muy buena coordinación entre los dos intérpretes, por su variedad amplia de contrastes dinámicos y desafíos rítmicos. La segunda parte del programa abre con la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, del compositor colombiano Blas Emilio Atehortúa (n. 1943), nacido en Santa Helena, Antioquia. Atehortúa estudió en el Conservatorio de la Universidad the dream. There is certainly a tireless hunter of dreams in my own make-up. I love life. I am an appreciative inhabitant of this world […] yet a part of me is not of it.” 3 This composition is a suite of four contrasting pieces, each highlighting some specific characteristic of the clarinet in terms of range, technical prowess, color, and expressiveness…. The title of the work, Time Pieces, has nothing to do with mechanical clocks or watches. It is not a play on words but rather an awareness that everything exists in time: history, our lives and…in a special way…music. 6 Nacional de Colombia, en donde sus maestros más importantes fueron José Rozo Contreras, profesor de instrumentación y orquestación para banda, y Olav Roots, profesor de composición, dirección de orquesta y orquestación sinfónica, con quien entabló una muy productiva amistad. Posteriormente, en 1963, a los veinte años, viajó a Buenos Aires con una beca a estudiar al Instituto Torcuato Di Tella dirigido por el compositor Alberto Ginastera. Allí tuvo la oportunidad de contar con la guía de los compositores más destacados de Europa y los Estados Unidos. Recibió su diploma en 1964 firmado por Alberto Ginastera, Olivier Messiaen, Aaron Copland, Riccardo Malipiero, Bruno Maderna, Gilbert Chase, Pola Suárez Urtubey, José Vicente Asuar y Luigi Dallapiccola, figuras indudables de la composición de la posguerra (Friedman, 2011). La musicóloga colombiana Ellie Anne Duque, quien le ha dedicado varios de sus escritos, subraya la participación activa del compositor «en el desarrollo consciente de una identidad cultural nacional y latinoamericana con referencias internacionales» (Duque, 1999). En cuanto a la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, Duque menciona que, en esta, el compositor «reafirma la claridad de sus procedimientos», a través de técnicas que le son familiares: El empleo de cadenzas le permite abordar las necesidades del diálogo expresivo; el scherzo es el mejor vehículo para trabajar la lúdica de su estilo, mientras el empleo de ostinati le permite armonizar aspectos muy clásicos de sus pensamiento con los paisajes sonoros más estáticos, de la música contemporánea (Duque, 2008:7). Eugène Bozza (1905-1991), nacido en Niza, Francia, fue un estudiante destacado en el Conservatorio de París, ganando primeros premios en violín en 1924, dirección en 1930 y composición en 1934. Igualmente, obtuvo el Gran Premio de Roma. Dirigió la orquesta de la Opéra Comique, en París, hasta 1948 y luego fue director del Conservatorio Valenciennes. Sus obras incluyen varias óperas, ballets y obras sinfónicas y corales. Sin embargo, su reconocimiento internacional se relaciona con sus trabajos de cámara, particularmente los compuestos para ensambles de instrumentos de viento. Paul Griffiths, en su artículo en el New Grove, afirma que las obras de Bozza muestran «en un alto nivel las cualidades características de la música de cámara francesa de mediados del siglo XX: fluidez melódica, elegancia de la estructura y una preocupación constante por las posibilidades instrumentales»4 (1980:148. Trad. G. Gaviria). Los intérpretes valoran sus obras, precisamente por las cualidades que menciona Griffiths, como se puede apreciar en el siguiente texto acerca de Bucolique: Eugène Bozza le permite al ejecutante de Bucolique mostrar la habilidad técnica y expresividad de sus habilidades como clarinetista. Esta pieza fue dedicada a Ulysse Delécluse, el décimo profesor de clarinete del Conservatorio de París. Bucolique 4 Displays at a high level the qualities characteristic of mid-20th-century French chamber music: melodic fluency, elegance of structure and a consistently sensitive concern for instrumental capabilities. 7 significa “pastoral”, y se inicia con arpegios rapsódicos de forma libre que muestran la amplia gama del clarinete. Después una breve cadencia, la sección lírica recuerda la Première Rhapsodie de Debussy. Finalmente, empujando los límites de la velocidad y la agilidad de la digitación, Bozza presenta un Scherzo a una rapidez vertiginosa, creando fuegos artificiales musicales que hacen este un final deslumbrante5 (Case-Ruchala, 2014. Trad. G. Gaviria). Jean René Désiré Françaix (1912-1997) nació en Le Mans y murió en París, Francia. Sus talentos musicales excepcionales se desarrollaron libremente, propiciados por un entorno familiar favorable: su padre era director del Conservatorio de Le Mans y su madre profesora de canto. Sus condiciones musicales eran tales, que su ilustre maestra Nadia Boulanger, a quien se confió su formación musical cuando tenía diez años, en 1922, escribió a su madre: «Señora, no sé por qué estamos perdiendo el tiempo enseñándole armonía, él conoce la armonía. No sé cómo, pero él la sabe, nació sabiéndola. Hagamos contrapunto»6 (Françaix, n.d. Trad. G. Gaviria). En la misma línea de reconocimiento de su talento, el 10 de enero de 1923, Maurice Ravel, en respuesta al padre de Jean, Alfred Françaix, reflexiona sobre lo que debe ser la educación musical de un niño (Ravel, 1990:232): Entre los dones de este niño, he observado sobre todo el más fructífero que un artista puede poseer, el de la curiosidad. De ahora en adelante, esos preciosos dones no deben ser sofocados, pues se corre el riesgo de dejar que esta sensibilidad juvenil se marchite. La técnica es esencial; pero armonía, contrapunto, fuga, los principios de la composición y el análisis de las partituras en detalle solamente pueden ser estudiados de manera útil cuando su musicalidad se haya desarrollado. En primer lugar, se debe permitir que asimile los materiales de la música instintivamente. Tema y variaciones, para clarinete y piano, fue compuesta en 1974 como respuesta a la tradicional comisión de la ‘Pièce de Concours’ del Conservatorio Superior de París, por solicitud de Ulysse Delécluse, el mismo a quien Bozza dedicó su Bucolique. El tema de las variaciones está basado en un llamado de tres notas como homenaje a O-li-vier, nieto de Françaix, a quien está dedicada la pieza. Las variaciones son de gran exigencia técnica y virtuosismo, con melodías memorables y ritmos jazzísticos. 5 Eugène Bozza allows the performer of Bucolique to show off the technical skill and expressiveness of their clarinet abilities. This piece was dedicated to Ulysse Delécluse, the 10th professor of clarinet at the Paris Conservatory. Bucolique means “pastoral”, and opens with free-form rhapsodic arpeggios that display the extensive range of the clarinet. After a short cadenza, the lyrical section is reminiscent of Debussy’s Première Rhapsodie. Finally, pushing the limits of tempi and fingers, Bozza displays a Scherzo at breakneck speed, creating musical fireworks that make this ending dazzling. 6 Madame, je ne sais pas pourquoi nous perdons du temps à lui apprendre l’harmonie, il sait l’harmonie. Je ne sais pas comment, mais il la sait, il est né la sachant. Faisons du contrepoint. 8 Bibliografía Griffiths, P. (1980). “Bozza, Èugene”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Case-Ruchala, C. (2014). Treading uncharted waters. Doctoral Recital Series 2014. Arizona State University, USA. https://repository.asu.edu Duque, E. A. (1999). “Blas Emilio Atehortúa. Una obra sólida y oficio de compositor”, Revista Credencial Historia, No. 120, Bogotá. http://www.banrepcultural.org/ biblioteca-virtual/credencial-historia Duque, E. A. (2008). “Notas al programa”, El compositor y su obra, Concierto dedicado al maestro Blas Emilio Atehortúa. Sala de Conciertos, Banco de la República, Bogotá. http://quimbaya.banrep.gov.co/conciertos/documentos Françaix, J. (n. d.). Jean Françaix (1912-1997). Biographie succincte. http://www. jeanfrancaix.com Friedmann, S. (2011). “Blas Emilio Atehortúa: Tallando una vida de timbres, acentos y resonancias”. Premio de Vida y Obra, Ministerio de Cultura, Colombia. Hannam, W. B. (2008). Arnold Bax and the poetry of Tintagel (Doctoral dissertation, Kent State University). Payne, A. (1980). “Bax, Arnold”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Ravel, M., & Orenstein, A. (1990). A Ravel Reader: Correspondence, Articles, Interviews. Courier Corporation. Rendall, F. G., & Bate, P. (1971). The clarinet: some notes upon its history and construction. E. Benn. Rice, A. R. (2016). Notes for Clarinetists: A Guide to the Repertoire. Oxford University Press. Yeats, W. B. (2010). The Collected Works of W. B. Yeats Vol. I: The Poems. Simon and Schuster. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Boletas: $6.000 Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAUREANO QUANT, bajo barítono Jesús David Prieto, piano Jueves 12 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla XIMENA PÉREZ MEJÍA , saxofón Diego Claros, piano Cristian Guataquira, cuatro llanero Jueves 26 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 16 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ZVL341. TBA776. FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: María Camila Ramírez Spitia LAUREANO QUANT bajo barítono Jesús David Prieto, piano Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania)