Steven Remolina Álvarez, fagot Steven inició su práctica musical a los quince años en Funza (Cundinamarca), en el Centro Cultural Bacatá. Es egresado de la carrera de Estudios Musicales con énfasis en fagot de la Pontificia Universidad Javeriana en donde se formó bajo la dirección de Pedro Salcedo. Durante sus estudios de pregrado, Steven perteneció a la orquesta sinfónica y a la banda sinfónica de la universidad. En su recorrido musical ha tomado clases magistrales con Fabio Cury, Philipp Tutzer, Christian Kunert y Matthias Rácz. De 2017 a 2021, Steven perteneció a la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá bajo la dirección de Carlos Villa; allí empezó como fagot tutti para luego desempeñarse como jefe de fila en 2018. Steven es miembro del Quinteto de Vientos Bacatá, agrupación ganadora de las convocatorias Ciclo de conciertos universitarios 2017 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2018 del Banco de la República. El quinteto se ha presentado, además, en la serie Colón acústico organizada por el Teatro Colón de Bogotá, y en la primera versión del Festival de Música de Portillo, Chile. Actualmente, Steven participa como músico supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. En este concierto, Steven actúa junto con la pianista Beatriz Batista. Juan Sebastián Carreño Cárdenas, trombón Juan Sebastián es músico trombonista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, en donde estudió bajo la orientación del Nestor Slavov. Sus estudios básicos del trombón los realizó en el colegio Centro Don Bosco con Edwin Rojas, y en la Escuela Municipal de Artes de Chía con Orielso Santiago. Juan Sebastián ha recibido clases con los reconocidos maestros Óscar Rodríguez y Germán Díaz Guerrero, y ha participado en talleres con trombonistas de talla internacional, como Jacques Mauger, Pedro Carrero y Christian Lindberg. Juan Sebastián ha sido integrante del banco de supernumerarios de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como trombonista principal de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá. Recientemente Juan Sebastián participó como solista en el estreno del Concierto para cuarteto de trombones y orquesta del compositor colombiano Germán Borda junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá y fue seleccionado por segunda ocasión para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República junto al quinteto de metales HiscaBrass. En este concierto, Juan Sebastián actúa junto con el pianista Diego Claros.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 42 Estreno: miércoles 1° de diciembre · 6:00 p.m. BITUIN jazz latinoamericano (Colombia) Foto: Andrés Garzón MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalSanAndrés Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LA AGRUPACIÓN BITUIN, jazz latinoamericano Bituin es una banda colombiana de música latinoamericana de vanguardia, conformada por dos parejas de hermanos: Santiago y Daniel de Mendoza en la batería y el contrabajo, y Juanita y Valentina Añez en las voces. Vale la pena ver uno de sus conciertos para quedar pasmados por lo inesperado. El cuarteto ha dado más de sesenta conciertos nacionales e internacionales en escenarios como el HKW en Berlín (Alemania) y Jazz al Parque en Bogotá, y en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Colombia). Bituin ha colaborado con reconocidas cantantes de jazz y música latinoamericana como Sofia Rei y Maria Cristina Plata. Desde sus primeros dos álbumes, Entre tu pueblo y mi pueblo (2014) y Paisaje abierto (2011), Bituin ha mezclado lo melódico y lo lírico del cancionero popular de Latinoamérica con el riesgo, el amor por la disonancia y el espíritu vanguardista de las músicas experimentales. Para confirmar que transitan rigurosamente por un camino desprevenido, en ausencia de Foto: Lina Botero 4 Conozca más acerca de la agrupación Bituin instrumentos armónicos, en 2018 lanzaron un tercer álbum, Lluvia en el maizal, que, si bien incluye viejas canciones de otros países del cono sur, consta principalmente de obras de compositores actuales de Colombia. En 2021 Bituin lanzó Divina cosecha, una reproducción extendida –EP, por sus siglas en inglés– con repertorio sudamericano que incluye sonidos y letras que exaltan las virtudes de la naturaleza, de los seres humanos, su espiritualidad y fraternidad; virtudes que conmemoran lo que ha sido considerado sagrado para culturas ancestrales de América Latina. 5 Profeta (2015) ENRIQUE MENDOZA (n. 1974) VALENTINA ÁÑEZ (n. 1989) Vivo en la curva (2017) SANTIAGO JIMÉNEZ (n. 1991) La ciudad (2021) DANIEL DE MENDOZA (n. 1991) Ceguera (2018) LORENZO MÁRQUEZ ‘LUCAS HILL’ (n. 1990) Polo margariteño (s. f.) TRADICIONAL Cuando Dios el mundo hacía (s. f.) ANÓNIMO Vidala de la ribera (2014) CARLOS ESTEBAN GÓMEZ (n. 1988) De costumbre (2021) SANTIAGO DE MENDOZA (n. 1989) Jota carupanera (s. f.) TRADICIONAL PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Otras canciones de Bituin Sin la presunción conceptual que normalmente acompaña a los gestos transgresores, Bituin debutó hace una década con Paisaje abierto, un disco que sentó un precedente en el ámbito de la música local: con desparpajo, humor y una pizca de ingeniosa ironía lograron desmarcarse de los límites estrictos del jazz y la interpretación purista de algunas músicas populares latinoamericanas. Entre tu pueblo y mi pueblo, su segundo disco, Bituin apuntaló la búsqueda que se consolidó en 2018 con Lluvia en el maizal, una grabación elocuente que, guardando el rastro de las anteriores, fue más allá del contexto continental y se concentró en la exploración del repertorio local, aportando versiones de compositores colombianos –actuales y vigentes– como ‘Kike’ Mendoza, Santiago Jiménez, Abelardo Carbonó, Carlos Esteban Gómez, Lorenzo Márquez y Edson Velandia. Cuando todavía nos cuesta escaparnos de los complejos colonialistas, la osadía de Bituin es necesaria en tanto que mirar hacia adentro –y escarbar con entusiasmo nuestras tradiciones ambiguas– es una de las tantas formas que tenemos para espantar la vergüenza atávica que nos acompaña desde el tiempo en el que fuimos conquistados. Afortunadamente, la del cuarteto conformado por las hermanas Juanita y Valentina Áñez, y los hermanos Santiago y Daniel de Mendoza es una pesquisa que escapa, también, de la postal patriotera y nos sitúa en un lugar donde –si se nos permite el plural– los ‘folclores’ son impuros y se prestan, tanto a la refrescante parodia, como a la sofisticada espontaneidad. Profeta (Enrique Mendoza/ Valentina Áñez) Del EP Divina cosecha Además de su abnegada labor como pedagogo, el guitarrista y compositor bogotano ‘Kike’ Mendoza ha escrito algunas de las páginas memorables del jazz experimental colombiano en la última década. Parte de su obra –que gravita entre las antípodas del ruido y el lirismo– ha sido versionada, entre otros, por el quinteto de vientos Vientox, la saxofonista María Valencia, el trío de punk-jazz Pérez y Bituin. Luego de Parientes, incluida en Lluvia en el maizal, recientemente 7 el cuarteto retomó otra pieza de Mendoza titulada Profeta, cuya sonoridad resulta tan disparatada como la letra escrita por Valentina Áñez. Al arreglo en clave andina –con insertos sutiles de trap– se le ajustan versos encabezados por verbos conjugados en subjuntivo imposible. ¿Feliz accidente o premeditada anarquía gramatical? Tratándose de Bituin puede ser un neologismo en función de la rima. De lo que sí estamos seguros es de que esa conjugación distorsionada resalta la voz anhelante de una profeta que vaticina: «Honranme a mí / no como a Caín / Amaranme a mí / como a su maíz». Vivo en la curva (Santiago Jiménez) Del disco Lluvia en el maizal Santiago Jiménez, mejor conocido como Soy Un Inversau, es un guitarrista y compositor bumangués que antes de fijar su residencia en Viena dejó una obra crucial en el ámbito bogotano del rock, la canción experimental y la composición, que se manifestó con proyectos como Benjamín, Tristán Alumbra y Mamíferos. Su estilo musical –al que le caben adjetivos tan disímiles como denso y tenue– echa mano de rítmicas enrevesadas y elementos variopintos que, sin el más mínimo asomo de pudor, toman prestados del ruidismo y del punk Spinetta y Edson Velandia. De la maqueta original que Jiménez le compartió a Bituin solo quedó una letra hermética que podrá tener tantas interpretaciones como oyentes tenga la canción. La ciudad (Daniel de Mendoza) Durante la temporada en la que vivió en Xalapa, México, el contrabajista Daniel de Mendoza compuso varias obras dentro de las que se encuentra La ciudad. Según su autor, «(…) surge de la experiencia de vivir en una ciudad ajena, acogedora, pero, a la vez, solitaria y fría». Musicalmente, resalta Daniel, está inspirada en O sacrum convivium –una obra coral de Oliver Messiaen– e incorpora, asimismo, algunos tintes pentatónicos andinos. Salvo en el registro de este concierto virtual, la canción no ha sido incluida en ninguna producción fonográfica del grupo. Ceguera (Lorenzo Márquez) Del disco Lluvia en el maizal Hace un par de años el guitarrista y compositor bogotano Lorenzo Márquez decidió apartarse del jazz y las músicas instrumentales para liberar un puñado de canciones amorosas que nacieron al mismo tiempo cuando se aventuraba 8 a vivir en las montañas. Una de ellas es Ceguera, cuya letra –que emerge de la desilusión– se nos revela con un mensaje sucinto y optimista. Polo margariteño (Tradicional) Del disco Lluvia en el maizal Nueva Esparta es un archipiélago formado por las islas Margarita, Coche y Cubagua. Ubicado en la región insular al noreste del país, es uno de los veintitrés estados que constituyen la República Bolivariana de Venezuela. Allí nació el polo, el género musical icónico de la costa venezolana, cuya génesis se puede rastrear en la cadencia andaluza. Quizás la tonada más recordada de este estilo de canción juglaresca –cantada normalmente en forma de décima– es Polo margariteño, que, a lo largo de su devenir y en sus cientos de variaciones líricas, se ha concentrado en el mar, los pescadores y el día a día de quienes pueblan aquellas ensoñadas ínsulas. La de Bituin es atrevida y delirante en tanto que se vale del caos rítmico para desafiar uno de los versos célebres de la copla: «El cantar tiene sentido, entendimiento y razón». Cuando Dios el mundo hacía (Anónimo) Del EP Divina cosecha Uno de los eminentes musicólogos de América Latina es el uruguayo Lauro Ayestarán (1913-1966), quien, en 1941, junto con Flor de María Rodríguez, su esposa, iniciaron sus investigaciones del folclore uruguayo, labor que los llevó a recorrer el interior del país con una grabadora portátil. Hasta la temprana muerte de Ayestarán, lograron reunir alrededor de 4000 registros de veteranos músicos populares que, además de viejos romances hispánicos, cantaban milongas, cifras y estilos. Este último, también llamado triste o décima, es un antiguo canto rural rioplatense de carácter melancólico muy difundido tanto en Uruguay como en Argentina, Paraguay y el centro de Chile. De los estilos recopilados por la pareja, Cuando Dios el mundo hacía estremece por la campechanía de José Barrios, un anodino cantor cuya voz podemos apreciar en la antología Un mapa musical del Uruguay, publicada en 2003 por el legendario sello Ayuí/ Tacuabé. Vidala de la ribera (Carlos Esteban Gómez) Del disco Lluvia en el maizal Elemento esencial en las ceremonias festivas y religiosas de las comunidades andinas del noroeste argentino son los cantos con caja, siendo la tonada, la 9 baguala y la vidala los géneros más representativos. Nacida del cruce inevitable entre ritos indígenas y tradiciones del carnaval europeo, la vidala ha estado presente en la vida cotidiana de provincias como Catamarca, La Rioja y Santiago del Estero. En los años treinta y cuarenta del siglo XX, a consecuencia de las migraciones del campo a la ciudad, estas manifestaciones pasaron de la ceremonia sagrada a ser parte relevante de la música popular, mejor conocida como folclore argentino. Allí se instala Vidala de la ribera, una reinvención actual de aquella tradición –«dolorosa y abismal», al decir de la musicóloga Leda Valladares– que Carlos Esteban Gómez, viejo amigo de la infancia de quienes integran Bituin, compuso originalmente para guitarra y voz. Jota carupanera (Tradicional) Del disco Lluvia en el maizal Junto a los polos y los galerones, las jotas son algunas de las manifestaciones de música raizal más representativas que se han practicado históricamente en dos de las regiones político-administrativas de Venezuela: la Insular y la Nororiental. En esta última, exactamente en el Estado de Sucre, se encuentra ubicado El Pilar, la capital del Municipio Benítez. Allí nació el 12 de julio de 1947 Gualberto Ibarreto, quien con cuarenta años de actividad artística es una de las voces más queridas y apreciadas del folclore venezolano. En su primer disco, publicado en 1975, aparece la Jota carupanera, una tonada popular de versos achispados –tan prosaicos como metafísicos– cuyo título alude al gentilicio de Carúpano, una bella ciudad costera donde, tradicionalmente, la jota se interpreta a golpe de cuatro. La versión libre de Bituin elude a los convencionalismos y nos sitúa en un lugar imaginario del Caribe en el que la jota carupanera se encuentra con el merengue dominicano. De costumbre (Santiago de Mendoza) Según Juanita Áñez, De costumbre es un ejercicio colectivo que partió de una idea de Santiago de Mendoza. «Como si fuera un estudio de música, donde van cambiando las tonalidades, es una queja inconclusa entre dos mujeres que, finalmente, queda en el lugar de la incertidumbre», anota la cantante, quien también afirma que no se basaron en un ritmo específico, como ha sido habitual en otras de las composiciones originales del cuarteto. Salvo en el registro de este concierto virtual, la canción no ha sido incluida en ninguna producción fonográfica del grupo. 10 Discografía recomendada Bituin. (2011) Paisaje abierto. [FLD]. Bituin. (2014). Entre tu pueblo y mi pueblo. [MSF]. Bituin. (2018). Lluvia en el maizal. [FLD]. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 11 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 44 Estreno: jueves 9 de diciembre · 6:00 p.m. Foto: 0102 Producciones - David Lainez Foto: Alex Alfaro Foto: Carolina Ramírez Páez SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Banrepcultural @SaladeConciertosLuisAngelArango LAURA ESPINAL piano JULIÁN CAMILO LERMA viola LIZETH VEGA cantante TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 UNA TEMPORADA INUSUAL Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 SOBRE LOS INTÉRPRETES LAURA ESPINAL, piano Laura Espinal es egresada del programa de piano clásico del Departamento de Música de la Universidad EAFIT con Rodrigo Vasco. Inició a temprana edad su acercamiento al piano, de la mano de Margarita María Velásquez. Su interés por la exploración de otras músicas la llevó a ser integrante de las agrupaciones Animales Eléctricos y La Greca. Su afición por la literatura y la filosofía (en 2014 fue ganadora de las IX Olimpiadas de Filosofía del Colegio San Ignacio de Loyola) le ha facilitado relacionar la práctica instrumental con la reflexión y la construcción de nuevas propuestas artísticas. En 2018, Espinal obtuvo el primer puesto en la categoría de música de cámara del IV Festival- Concurso Nacional Infantil y Juvenil Pianissimo, y el segundo puesto en esta misma categoría en el Concurso de Pregrado del Departamento de Música de EAFIT; dos años atrás había ocupado el segundo puesto en la categoría solistas de este último concurso. Actualmente, Laura Espinal es profesora de piano y de filosofía en el Instituto Musical Diego Echavarría; y se encuentra explorando propuestas artísticas que le permitan mostrar al público nuevas formas de experimentar la música clásica, en virtud de lo cual trabaja en la construcción de sus conciertos en torno a conceptos que rodean la vida cotidiana. Espinal cree en la necesidad de transformar y actualizar nuestro contexto cultural mediante propuestas arriesgadas que estén a la vanguardia en las artes. Foto: 0102 Producciones - David Lainez Conozca más acerca de la artista Laura Espinal 3 JULIÁN CAMILO LERMA, viola Nació en Bogotá. Empezó a tocar el violín y la viola a temprana edad con bajo la dirección de Ruth Margarita Sarmiento Corredor en el Colegio San Bartolomé La Merced y en la Escuela de Música Allegro. Inició su carrera musical en el Programa Infantil y Juvenil de la Pontifica Universidad Javeriana, con Carmen Matute (violín) y Sandra Liliana Arango Calderón (viola). Tiempo más tarde dejaría el violín y continuaría como violista en el Programa Básico de Estudios Musicales del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Julián Camilo ha participado en diferentes festivales nacionales, entre ellos los Festivales Suzuki, en Bogotá; el Primer Festival de Violas de la Universidad EAFIT, en Medellín; y el Tercer, Cuarto y Quinto Festivales Interuniversitarios de Violistas de Bogotá. Julián Camilo fue seleccionado para conformar el Ensamble Americano en la Suzuki Association of the Americas Conference (Minnesota, Estados Unidos), participó en el Festival de Música Latinoamericana de Lima (Perú) y fue seleccionado como becario de las clases magistrales del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Ha sido invitado a participar en el Programa de Cuerdas y Piano del Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Quito, Ecuador), en el Aruba Symphony Festival Orchestra, en el Festival Internacional de Música de Santa Catarina ( Jaraguá do Sul, Brasil) y en la edición 50 del Festival de Inverno Campos do Jordão, como estudiante con beca integral (Sao Paulo, Brasil). En 2018 y 2019, Julián Camilo fue integrante de la Filarmónica Joven de Colombia, proyecto de la Fundación Bolívar Davivienda, con la que participó en giras nacionales y en las giras internacionales ‘Tocando fibras’ (Centroamérica) y ‘Orgullo sin fronteras’ (Europa). Dentro de la Fundación, participó en la convocatoria La Joven en Acción, realizando actividades pedagógicas como docente en el II Festival de Orquestas Sinfónicas Infantiles y Juveniles de Música Latinoamericana - Ciudad Musical, en Ibagué, y ofreciendo conciertos de música de cámara en el marco de los conciertos Tairona Joven. Foto: Alex Alfaro. 4 Julián Camilo ha recibido clases magistrales con Renato Bandel, Clara Takarabe, Asbjørn Nørgaard, Wei Joung, Randolph Kelly, Peter Pas, Craig Mumm, Stephen Wyrczynsky, Michel Willi, Roger Tapping, Delphine Tissot, Irina Sopova, Hsin-Yung Huang, Mikhail Zetmsov, Julia Dinerstein y Rafaell Altino. LIZETH VEGA, cantante (Colombia) Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’, primer lugar en la categoría ‘Solista vocal’ en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y Mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Foto: Carolina Ramírez Páez 5 Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría ‘Obra inédita’ con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza Limosnas, y el primer lugar en el 45º Festival Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita Yo no soy tu amiga en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto Diego Sánchez en el piano, David Ocampo en la guitarra, Julián Croswaithe en el cuatro, Lizeth Suárez en el contrabajo, y Diana Castañeda en la percusión. Conozca más acerca de la artista Lizeth Vega 6 PROGRAMA LAURA ESPINAL, piano Aria (Cantiga) de Bachianas brasileiras No. 4, W264 (1930-1941) HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959) JULIÁN CAMILO LERMA, viola Sonata para viola, Op. 25 No. 1 (1922) Breit. Viertel Sehr frisch und straff. (Viertel) Sehr langsam Rasendes Zeitmaß. Wild. Tonschönheit ist Nebensache Langsam, mit viel Ausdruck PAUL HINDEMITH (1895-1963) LIZETH VEGA, cantante Así es mi amor (s. f.) ARMANDO MANZANERO (1935-2020) Arreglo de David Ocampo Ciro 7 SOBRE EL PROGRAMA Aria (Cantiga) de Bachianas brasileiras No. 4, W264 Por Ellie Anne Duque1 Heitor Villa-Lobos (1887-1959) obró un cambio radical y particularmente imaginativo en el devenir de la música brasilera moderna. No solo supo responder a las exigencias del nacionalismo como ideología cultural y materia básica de la música, sino que también participó en la generación de un lenguaje moderno para la música del siglo XX. Las obras de Heitor Villa-Lobos, junto con las del argentino Alberto Ginastera y las del mexicano Carlos Chávez, representaron los mejores logros de la música latinoamericana de la primera mitad de aquel siglo. Les correspondió demostrar el dominio de las técnicas de composición europeas mientras paralelamente indagaban acerca de un estilo nacionalista y desarrollaban un lenguaje personal. Cada uno de ellos lo hizo de diferente manera y con diversos resultados. Villa-Lobos partió de sus orígenes populares para realizar un análisis concienzudo de la música tradicional del Brasil en sus más variadas expresiones. La imaginación desbordante de Villa- Lobos, un compositor prácticamente autodidacta, lo indujo a desarrollar un estilo profundamente personal y espontáneo moldeado por las impresiones más diversas. El elemento constante en la obra de este gran músico brasilero son los sonidos tradicionales del Brasil, que conoció de primera mano como intérprete y en sus innumerables viajes por el país. 1 Ellie Anne Duque es musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección e Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista Ensayos. Historia y teoría del arte, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX. 8 A partir de 1905, Villa-Lobos se convirtió en un viajero incansable: por dos años recorrió el norte de Brasil, tocando en conjuntos que interpretaban chôros (música de salón popular del país) y estudiando las expresiones musicales locales. De regreso a Río de Janeiro, Villa-Lobos ingresó al Conservatorio para estudiar música, pero, descontento con las tendencias dodecafónicas que se imponían en el momento, decidió estudiar las obras de los grandes clásicos y aprender el oficio de compositor por sí mismo. En 1907 emprendió otra gira por el país que duraría cinco años. Regresó a Río en 1912 y se dedicó de lleno a la música y a la composición. Aún en sus obras más tempranas, Villa-Lobos incorpora armonías modernas, virtuosismo instrumental y visiones imaginativas de la temática brasilera. El compositor aseguraba que existía un parentesco entre los temas y las formas empleados por Bach y la música popular brasilera. Con esta idea, entre 1930 y 1944, creó un conjunto de nueve obras (posteriores a los chôros) tituladas Bachianas brasileiras, en las que demuestra los vínculos que para él existían entre el espíritu de la música de Bach y la música de su tierra. En estas nueve obras se encuentran diversos procesos característicos de la creación popular y citas literales que reciben un desarrollo de gusto barroco, sobre todo en el aspecto polifónico. En el plano instrumental, las Bachianas al igual que los chôros, ofrecen una notable variedad de medios: conjuntos de violonchelos, orquesta, piano, combinaciones con voces, dúo de flauta y fagot, etc. La Bachiana No. 4 fue escrita originalmente para piano y posteriormente orquestada por él mismo. Se trata de una suite en cuatro secciones. La primera de ellas parte del tema de la Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach y construye un pasaje muy evocador teñido de añoranza. El ambiente se suaviza considerablemente en el Coral, que conserva la estructura en acordes del Barroco y la melodía sencilla del coral luterano; una nota repetida actúa como recordatorio del paisaje de Brasil, a manera de canto insistente de un ave. Retornan las saudades en la tercera sección, el Aria que se escucha en este recital, la cual está basada en una melodía conmovedora, trabajada en variaciones de tiempo acelerado. Como toda buena suite, esta Bachiana termina con una danza animada basada en un patrón rítmico que se ejecuta, tradicionalmente, en el berimbau. 9 Sonata para viola, Op. 25 No. 1 Por Jaime Ramírez Castilla2 Después de la Primera Guerra Mundial, Paul Hindemith (1895-1963) adoptó una estética musical que sería posteriormente identificada como Neue Sachlichkeit (‘nueva objetividad’), en la cual la atención hacia la exuberancia armónica y la coherencia formal y tonal características de finales del siglo xix fueron sustituidos por la priorización del ritmo como elemento fundamental para el discurso musical. Adicionalmente a sus actividades como pianista, teórico y compositor, Hindemith se desempeñó como violinista y violista, con lo que consiguió una amplia solvencia profesional en Alemania. Hindemith encontró en la viola un medio para explorar sus recientes inclinaciones hacia la nueva objetividad, lo que consiguió en la Sonata para viola, Op. 25 No. 1, compuesta en 1922 y publicada un año más tarde. La obra está organizada en cinco movimientos. El primero tiene un carácter elegíaco, resultado de acordes que ponen en marcha una idea melódica que desemboca directamente en el siguiente movimiento. El segundo responde melódicamente a aquella introducción que, por fin, empieza a cobrar agilidad rítmica para lograr momentos de gran lirismo. En el tercer movimiento resuena una zarabanda cuyo carácter melancólico es sorpresivamente interrumpido por cambios dinámicos y contrastes en los registros. El cuarto movimiento es posiblemente uno de los más memorables fragmentos de la literatura para viola del siglo xx: escrito con métricas amalgamadas a una velocidad descomunal, Hindemith sugiere que debe tocarse de «manera frenética y salvaje, donde la belleza del sonido es irrelevante». La obra cierra con un movimiento conciliador caracterizado, donde curvas melódicas intensamente expresivas parecen recordar diversos momentos de los movimientos precedentes. 2 Jaime Ramírez Castilla inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del programa infantil y juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y producciones discográficas, entre otras funciones. 10 Así es mi amor Por Manuel Bernal3 Pareciera que para las y los músicos locales que no entran en los parámetros de la denominada ‘nueva música colombiana’ (NMC) o no hacen ‘fusión’ con algún género transnacional o son difíciles de encuadrar en la tan cacareada economía naranja, solamente quedara como espacio de ejecución el circuito de concursos y festivales que se dan a nivel municipal, departamental y nacional, además de algunos escenarios y eventos locales, así como la producción independiente de discos y videos, ambos no masivos y de circulación destinada a un público especializado. Otra realidad acá es que ese circuito se agota relativamente rápido para sostener una actividad artística de largo aliento, tanto así que hasta hay una broma al respecto de ello: «se pasa de joven promesa a vieja gloria en unos pocos años». El panorama es complejo. Se escuchan voces que llaman a la modernidad y a la interacción con el mundo, a dejar la postura estática y museística que impide tomar nuevas rutas, a transformar la mirada nostálgica, a ampliar la singularidad sonora, a romper los paradigmas tradicionales, a dialogar con otros lenguajes mediante formatos experimentales y a tener una relación dinámica con otras vertientes musicales, entre muchas otras invitaciones. Y sí, eso es necesario y afortunadamente hay mucho de ello en el quehacer sonoro del país. Pero también se escuchan otras voces que, asentadas en la práctica cotidiana, caen en la cuenta de que los discursos desde la industria, con criterios y objetivos transnacionales, y las influencias del posmodernismo —estamos en tiempos, por ejemplo, del posgénero musical— tampoco tienen presentes las particularidades de una cantidad de consumidores y practicantes de músicas que están por fuera de esa esfera de sentido. La gran tarea para 3 Manuel Bernal Martínez es musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. 11 muchos músicos, a la luz de esas tensiones entre continuidad y cambio, es definir su estilo, en el sentido amplio de la palabra: no se trata solamente de qué suena sino, fundamentalmente, de cómo suena, de cómo se proyecta en escena, de cómo ser creativo sin caer en clichés (folclóricos o de la industria). Menuda tarea. Es en el panorama inicialmente descrito que la cantante Lizeth Viviana Vega desarrolla su carrera. Ganadora del Festival Mono Núñez y también del Torneo Internacional del Joropo en la modalidad ‘Voz estilizada’, se mueve a cabalidad en ambos escenarios regionales. Nació en la población de Cumaral y fue criada en los llanos, aunque desarrolló su carrera profesional de licenciatura en música con énfasis en canto y dirección coral en una universidad bogotana. Como gran parte de las últimas generaciones de intérpretes y compositores de músicas locales, su hoja de vida está plagada de participaciones en concursos locales y nacionales, en los que ha tenido una destacada figuración, con primeros y segundos lugares. Tiene una bella voz, capaz de moverse en los estilos de las músicas que trabaja, pone su cuota de cambio con el tipo de formatos que la acompañan, y su cuota de continuidad con el repertorio. Lizeth nos presenta, en arreglo de David Ocampo Ciro, un vals del recordado cantante y compositor mexicano Armando Manzanero Canché (1935-2020), quien es otro gran ejemplo de artista polifacético que supo mantenerse activo en la industria del entretenimiento; basta recordar que empezó a componer en la década de 1950, que sus últimas grabaciones son de 2013 y que al año siguiente ganó un premio Grammy. Así es mi amor es un ejemplo del tipo de textos románticos presentes en tantos géneros populares, que describe este sentimiento «como la risa de un pequeño saludable / como el profundo de la mar, casi insondable / como gorrión que disfrutó la primavera / como un lucero que brilló la noche entera». 12 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Bituin es una banda colombiana de música latinoamericana de vanguardia, conformada por dos parejas de hermanos: Santiago y Daniel de Mendoza en la batería y el contrabajo, y Juanita y Valentina Añez en las voces. Vale la pena ver uno de sus conciertos para quedar pasmados por lo inesperado. El cuarteto ha dado más de sesenta conciertos nacionales e internacionales en escenarios como el HKW en Berlín (Alemania) y Jazz al Parque en Bogotá, y en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Colombia). Bituin ha colaborado con reconocidas cantantes de jazz y música latinoamericana como Sofia Rei y Maria Cristina Plata. Desde sus primeros dos álbumes, Entre tu pueblo y mi pueblo (2014) y Paisaje abierto (2011), Bituin ha mezclado lo melódico y lo lírico del cancionero popular de Latinoamérica con el riesgo, el amor por la disonancia y el espíritu vanguardista de las músicas experimentales. Para confirmar que transitan rigurosamente por un camino desprevenido, en ausencia de instrumentos armónicos, en 2018 lanzaron un tercer álbum, Lluvia en el maizal, que, si bien incluye viejas canciones de otros países del cono sur, consta principalmente de obras de compositores actuales de Colombia. En 2021 Bituin lanzó Divina cosecha, una reproducción extendida –EP, por sus siglas en inglés– con repertorio sudamericano que incluye sonidos y letras que exaltan las virtudes de la naturaleza, de los seres humanos, su espiritualidad y fraternidad; virtudes que conmemoran lo que ha sido considerado sagrado para culturas ancestrales de América Latina.

LAURA ESPINAL, piano Laura Espinal es egresada del programa de piano clásico del Departamento de Música de la Universidad EAFIT con Rodrigo Vasco. Inició a temprana edad su acercamiento al piano, de la mano de Margarita María Velásquez. Su interés por la exploración de otras músicas la llevó a ser integrante de las agrupaciones Animales Eléctricos y La Greca. Su afición por la literatura y la filosofía (en 2014 fue ganadora de las IX Olimpiadas de Filosofía del Colegio San Ignacio de Loyola) le ha facilitado relacionar la práctica instrumental con la reflexión y la construcción de nuevas propuestas artísticas. En 2018, Espinal obtuvo el primer puesto en la categoría de música de cámara del IV Festival- Concurso Nacional Infantil y Juvenil Pianissimo, y el segundo puesto en esta misma categoría en el Concurso de Pregrado del Departamento de Música de EAFIT; dos años atrás había ocupado el segundo puesto en la categoría solistas de este último concurso. Actualmente, Laura Espinal es profesora de piano y de filosofía en el Instituto Musical Diego Echavarría; y se encuentra explorando propuestas artísticas que le permitan mostrar al público nuevas formas de experimentar la música clásica, en virtud de lo cual trabaja en la construcción de sus conciertos en torno a conceptos que rodean la vida cotidiana. Espinal cree en la necesidad de transformar y actualizar nuestro contexto cultural mediante propuestas arriesgadas que estén a la vanguardia en las artes. JULIÁN CAMILO LERMA, viola Nació en Bogotá. Empezó a tocar el violín y la viola a temprana edad con bajo la dirección de Ruth Margarita Sarmiento Corredor en el Colegio San Bartolomé La Merced y en la Escuela de Música Allegro. Inició su carrera musical en el Programa Infantil y Juvenil de la Pontifica Universidad Javeriana, con Carmen Matute (violín) y Sandra Liliana Arango Calderón (viola). Tiempo más tarde dejaría el violín y continuaría como violista en el Programa Básico de Estudios Musicales del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Julián Camilo ha participado en diferentes festivales nacionales, entre ellos los Festivales Suzuki, en Bogotá; el Primer Festival de Violas de la Universidad EAFIT, en Medellín; y el Tercer, Cuarto y Quinto Festivales Interuniversitarios de Violistas de Bogotá. Julián Camilo fue seleccionado para conformar el Ensamble Americano en la Suzuki Association of the Americas Conference (Minnesota, Estados Unidos), participó en el Festival de Música Latinoamericana de Lima (Perú) y fue seleccionado como becario de las clases magistrales del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Ha sido invitado a participar en el Programa de Cuerdas y Piano del Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Quito, Ecuador), en el Aruba Symphony Festival Orchestra, en el Festival Internacional de Música de Santa Catarina ( Jaraguá do Sul, Brasil) y en la edición 50 del Festival de Inverno Campos do Jordão, como estudiante con beca integral (Sao Paulo, Brasil). En 2018 y 2019, Julián Camilo fue integrante de la Filarmónica Joven de Colombia, proyecto de la Fundación Bolívar Davivienda, con la que participó en giras nacionales y en las giras internacionales ‘Tocando fibras’ (Centroamérica) y ‘Orgullo sin fronteras’ (Europa). Dentro de la Fundación, participó en la convocatoria La Joven en Acción, realizando actividades pedagógicas como docente en el II Festival de Orquestas Sinfónicas Infantiles y Juveniles de Música Latinoamericana - Ciudad Musical, en Ibagué, y ofreciendo conciertos de música de cámara en el marco de los conciertos Tairona Joven. LIZETH VEGA, cantante Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’, primer lugar en la categoría ‘Solista vocal’ en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y Mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría ‘Obra inédita’ con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza Limosnas, y el primer lugar en el 45o Festival Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita Yo no soy tu amiga en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto Diego Sánchez en el piano, David Ocampo en la guitarra, Julián Croswaithe en el cuatro, Lizeth Suárez en el contrabajo, y Diana Castañeda en la percusión.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 44 Estreno: miércoles 15 de diciembre · 6:00 p.m. JUAN CARLOS HIGUITA violín (Colombia) MAC McCLURE piano (Estados Unidos) Fotos: Nicolás Caballero · Hernando Toro RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalGirardot Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LOS INTÉRPRETES Juan Carlos Higuita, violín Juan Carlos Higuita es un destacado violinista colombiano, solista, músico de cámara, pedagogo y gran conocedor del repertorio latinoamericano contemporáneo, lo que le significó una nominación al Grammy Latino. Actualmente es profesor de violín y de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana. Es integrante de la Sociedad de Cámara de Bogotá y del Ensamble CG, especializado en música contemporánea. Durante nueve años fue primer violín del cuarteto Q-Arte, uno de los principales cuartetos de Latinoamérica. Con excelencia académica realizó estudios de pregrado en pedagogía instrumental en la Universidad de Música de Viena, y un pregrado y una maestría en violín concertista en el Conservatorio de la misma ciudad. Durante su permanencia en Viena, fue discípulo de Roswitha Randacher, Jusuf Karajev y Timon Hornig. Recientemente, bajo la tutoría de Richard Young, recibió el título de Magíster en música con énfasis en música de cámara de la Pontificia Universidad Javeriana. Su participación en cursos de violín barroco, violín jazz e improvisación, así como en clases magistrales y de perfeccionamiento con Herman Krebbers, Gidon Kremer, Zakhar Bron, le han permitido interpretar diversos géneros con gran versatilidad. En su trayectoria profesional, Juan Carlos ha sido invitado a actuar como solista con las orquestas más importantes de Colombia, participando como concertino o músico invitado en agrupaciones como Florilegium Musicum Wien, Orpheon Consort Wien, Orpheus Ensemble München, Tonkünstler Ensemble y City of London Sinfonia. Su gran interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con diferentes agrupaciones en distintos festivales: el Festival Internacional para Guitarra en Núrembeg (Alemania), Die Lange Nacht der Musik en Viena (Austria), el Festival de Música Antigua en Gijón (España), el Festival Foto: Nicolás Caballero 4 Conozca más acerca del artista Juan Carlos Higuita Internacional de Música de Cartagena (Colombia), el Chicago Latino Music Festival (EEUU), el Festival Instrumenta Oaxaca (México), entre otros. Juan Carlos Higuita ha participado como intérprete o profesor invitado en programas de diferentes teatros y universidades de Estados Unidos de América, Italia, Austria, Alemania, Francia, España, Holanda, Turquía, México, Brasil, Perú, Ecuador y Colombia. También ha realizado grabaciones para la televisión francesa, la radio de Austria y la televisión italiana. Entre sus últimas producciones discográficas se encuentra el disco Serenade, compuesto por repertorio nacionalista español; el disco Songs and Sonets, con obras de E. Toldrá junto al pianista Mac Mcclure y el disco Paisajes sonoros, con obras para violín solo. Su especial sonoridad con demostrada técnica, así como su versatilidad hacen de él un intérprete fuera de serie Blas Emilio Atehortua, compositor colombiano Juan Carlos Higuita es uno de los violinistas más sobresalientes de América Latina en la actualidad. Poseedor de gran destreza técnica, lo que más destaca en él, sin embargo, es su carismática personalidad musical. Saúl Bitrán, primer violín del Cuarteto Latinoamericano Juan Carlos Higuita es un violinista excepcional. Su entrega denota no solo precisión, sino también un apasionado sentido interpretativo y musical Alejandro Escuer, flautista y compositor mexicano 5 Mac McClure, piano Nació en Florida (Estados Unidos), Mac McClure es licenciado en filología de la Universidad de Carolina del Norte (Estados Unidos). Empezó sus estudios musicales con Consuelo Colomer, y continuó con Michael Zenge y Phyllis Rappeport. En 1984 se trasladó a Barcelona para estudiar con Carlota Garriga en la Academia Marshall, institución fundada en 1901 por Enrique Granados. A partir de 1991 trabajó con Alicia de Larrocha el repertorio español y clásico. Mac ha estrenado obras de Montsalvatge, Mompou, Morera, Arauco y Henze, Garriga, Llorca y Ortega. En adición del repertorio tradicional para piano y orquesta, ha interpretado obras de Del Aguila, Daugherty, Falla, Garriga, Turina y Suriñach. Entre sus más de cuarenta grabaciones en CD (disponibles en plataformas digitales como iTunes, Spotify o Amazon), se destaca la primera grabación mundial de las canciones de Isaac Albéniz y la coordinación de la grabación de la obra completa de la música de Xavier Montsalvatge. También sobresale la primera grabación mundial del Quinteto Op. 49 de Enrique Granados, que recibió excelentes críticas en Gramaphone e International Record Review. Un dato curioso: su primer CD de piano solo fue dedicado a las transcripciones para piano de música de Bach, realizadas por Liszt, Saint-Saëns y Busoni. Todas son producciones de Columna Música. Junto con Albert Moraleda, McClure fundó en 2008 el sello discográfico Klassic Cat, que ya cuenta con dieciséis títulos en el mercado. Con la Editorial Boileau, ha editado y publicado ediciones de música para piano, música vocal, y música de cámara de Joaquim Cassadó, Joan Comellas, Enrique Granados, Manuel Valls, Frederic Mompou, Isaac Albéniz y Robert Gerhard. Mac McClure actúa con frecuencia en España y Europa. Debutó en el Festival Internacional de música de Peralada, en una producción vanguardista del Barbero de Sevilla de Rossini, realizada por Carlos Santos. Ha participado en diversos festivales en España, China, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Serbia, Austria y Estados Unidos. Foto: Hernando Toro 6 Conozca más acerca del artista Mac McClure Desde 2010 es profesor asociado en la Universidad Nacional de Colombia. En agosto de 2011 fue nombrado director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, cargo que desempeñó hasta julio de 2015. En enero de 2013 fue nombrado miembro de la junta directiva de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 2016. En 2020 actuó en los Estados Unidos, España, Escocia, Francia, Corea, Austria, Serbia, China e Italia. 7 El Jaramillo variado (c. 1831) NICOLÁS QUEVEDO-RACHADELL (1803-1874) Zambra granadina de la Suite española No. 2, Op. 97 (1888) ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909) Torre Bermeja, de Doce piezas características Op. 92 (1888) Granada de la Suite española No. 1 (1882-1889) Pieza para violín solo (2006) JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966) Sonata para violín No. 3 (1887) Allegro molto Allegretto espressivo alla romanza Allegro animato EDVARD GRIEG (1843-1907) PROGRAMA 8 SOBRE EL PROGRAMA Por Jaime Ramírez El violín ha mantenido un papel protagónico en la historia de la música de los últimos trescientos años. A pesar de ser un instrumento extremadamente complejo en su construcción y en su práctica, ha generado una fascinación especial; la popularidad y aceptación de este instrumento le ha permitido ser un elemento fundamental en el desarrollo musical de muchísimas tradiciones. A lo largo de los años, los compositores han encontrado en el violín un canal de comunicación y experimentación estética que paradójicamente parece no tener límites expresivos; bien sea mediante la música para diversos tipos de ensambles, o bien para la música del violín solo, el repertorio del instrumento se ha expandido constantemente. El concierto que hoy nos convoca es una invitación a recorrer algunas de estas exploraciones. El repertorio de este concierto nos conecta con tradiciones que parecerían ser irremediablemente distantes; las obras para violín solo de este programa nos permitirán conocer repertorios, que, si bien mantienen una brecha de aproximadamente doscientos años con sus fechas de composición, evidencian una clara conexión emocional que parece no sucumbir al paso del tiempo. Asimismo, las obras para violín y piano de este programa nos conectarán con exploraciones sonoras por medio de géneros tan tradicionales como la suite y la sonata para establecer un vínculo emocional que recorre extremos opuestos del continente europeo. El violín será nuestro agente para reconectarnos y reconocernos con tradiciones paradójicamente distantes y al tiempo inherentemente cercanas. El Jaramillo variado La obra que abre este programa refleja el resurgimiento de un repertorio que gradualmente ha recuperado su vigencia artística y académica gracias a la investigación de la reconocida musicóloga Ellie Anne Duque. Nicolás Quevedo-Rachadell (1803-1874) fue un militar venezolano que llegó a Bogotá junto con Simón Bolívar en 1827; si bien mantuvo una activa carrera militar, también fue un violinista cuyas prácticas musicales resonaron con particular profundidad en nuestro territorio, donde el desarrollo musical era relativamente moderado en comparación con el de otras ciudades latinoamericanas a inicios del siglo XIX. Nicolás Quevedo-Rachadell fue 9 el padre de Julio Matías Quevedo Arévalo (1829-1897), quien sería uno de los más influyentes compositores colombianos de la segunda mitad del siglo XIX; adicionalmente, uno de los nietos de Quevedo-Rachadell fue Guillermo Quevedo Zornoza (1882-1964), quien también se estableció como reconocido compositor en el Tolima y en su natal Zipaquirá. Desde finales del siglo XIX, la familia Quevedo se estableció en Zipaquirá y, desde 1964, la casa que habitó la familia fue donada al municipio; desde 1984 dicha casa, y sus contenidos, se consolidaron en lo que hoy se conoce como Museo Quevedo Zornoza. El legado de la familia Quevedo se ha constituido como pieza fundamental para la reconstrucción de las memorias artísticas y la preservación del patrimonio cultural del país. Parte considerable de los archivos documentales de la familia Quevedo fue organizada y curada gracias a la investigación de Ellie Anne Duque y Jaime Cortés Polanía. En este proceso se logró conocer diversos elementos de la actividad musical de Colombia durante el siglo XIX. Entre los archivos musicales de Quevedo-Rachadell, se encuentran recopiladas obras para una amplia variedad de instrumentos que incluye obras vocal-instrumentales, obras para diversos tipos de ensambles, obras para piano solo, obras para violín solo y para dos violines, así como copias y transcripciones de otros compositores. Dentro de estos archivos, gran parte de las obras instrumentales corresponden a danzas y piezas de salón. Sobre El Jaramillo variado, Duque señala: Mención muy especial merece la obra para violín solo, El Jaramillo variado, único en el repertorio colombiano del temprano siglo XIX. La pieza sobresale dentro de la colección no solo porque desconocemos los antecedentes de la misma (tanto en Venezuela como en Colombia) y por su carácter idiomático e intenciones academizantes que la separan del repertorio para el baile. El tema de 20 compases es de índole abstracta, así el título sugiera la posible existencia de un aire denominado Jaramillo. Pero el tiempo es de vals en ¾ y cabe la posibilidad de que el título sea un homenaje o dedicatoria a alguien de apellido Jaramillo (Duque, 2011, pp. 73 y 77). Como se indica líneas atrás, El Jaramillo variado es un vals para violín solo organizado como un tema y variaciones. En su obra, Quevedo-Rachadell se acoge al modelo de variaciones virtuosas sobre un tema; a medida que la obra se desenvuelve, el solista explora todos los artilugios técnicos y musicales para despertar sorpresa y fascinación entre las audiencias. En tanto que se cristalizaba el proyecto académico de Duque sobre la obra de Quevedo- 10 Rachadell, se realizaron diversos eventos de socialización académica; entre estos eventos se presentaron algunas conferencias con interpretaciones de varias de sus obras. A lo largo de estos eventos, también de la mano de Juan Carlos Higuita, El Jaramillo variado había retornado a las audiencias después de un eclipse de más de ciento cincuenta años. Con mucha seguridad, un grupo cada vez mayor de obras producto de estos esfuerzos académicos volverá a las salas de conciertos con creciente frecuencia1. Selección de obras de Isaac Albéniz adaptadas para violín y piano Hacia la segunda mitad del siglo XIX e inicios del siglo XX, diversos países entrarían en un estado de emancipación cultural mediante un expansivo nacionalismo; gracias a la labor de privilegiados embajadores musicales, cada cultura encontraría figuras heráldicas que llevarían sus tradiciones musicales para ser compartidas y reconocidas por diversos países alrededor del mundo. En lo referente a la música española, el pianista y compositor Isaac Albéniz (1860-1909) desempeñó esta labor de manera excepcional. Gran parte de su obra está centrada en composiciones para la escena (óperas y zarzuelas) y en obras para piano; especialmente desde sus obras para piano, Albéniz logró proyectar diversos estilos de la música tradicional española por medio de suites o colecciones de obras cortas. En general estas obras de alusiones nacionalistas se caracterizan por un brillo tímbrico particular, en el que elementos de marcado lirismo melódico parecen cobrar vida a través de células rítmicas que podrían transportar al oyente directamente al interior de escenas de danzas tradicionales españolas. Las tres obras de Albéniz recopiladas en la siguiente selección para este programa corresponden a adaptaciones realizadas por Juan Carlos Higuita y Mac McClure a partir de movimientos independientes de suites o colecciones de obras para piano. En estas tres selecciones, Zambra granadina, Torre Bermeja y Granada, el ensamble busca rescatar la brillante sonoridad de las obras para piano de Albéniz, al tiempo que explota la exuberancia melódica de su escritura para encontrar un dinámico diálogo camerístico entre el violín y el piano. En cada una de estas obras hay elementos marcadamente rítmicos que soportan líneas melódicas que permiten tanto al piano como al violín asumir un protagonismo bastante teatral al compás de la música tradicional española. 1 El lector puede acceder al video de una de las conferencias sobre la vida y obra de Quevedo- Rachadell, a cargo de Ellie Anne Duque en: https://youtu.be/3fNRhVqV3cc 11 Pieza para violín solo Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) ha sido uno de los músicos más influyentes en la escena artística colombiana de los últimos veinte años; a la par de haber desarrollado una carrera encomiable como compositor, ha logrado balancear su actividad académica con diversas responsabilidades en la dirección y gestión institucional, desempeñándose con igual solidez tanto en el sector público como en el sector privado de las artes en Colombia y a nivel internacional. Su labor institucional le ha permitido conocer estrechamente diversas fibras de la sociedad que se entretejen por medio de las artes. De manera análoga, mediante su quehacer creativo, como académico y compositor, ha logrado desarrollar un auténtico lenguaje musical; acogiendo una variada gama de tendencias estéticas, logra canalizarlas en una propuesta artística que permite reconocer una identidad cultural contemporánea que entra en comunión con las más sofisticadas expresiones de la vanguardia musical internacional2. En marzo de 2006 se realizó en Colombia el Concurso Nacional de Violín ‘Olga Chamorro’ con la intención de honrar la vida y obra de esta maestra, quien fue una de las más destacadas pedagogas del violín, y cuya labor fue determinante en la formación inicial de incontables violinistas colombianos. El reconocido violinista y director Adrián Chamorro organizó un concurso de violín que convocara a los más destacados jóvenes violinistas del país. Para este concurso se comisionó a Juan Antonio Cuéllar una obra para violín solo con el objetivo de ser empleada como obra obligatoria en una de las etapas del concurso. La obra compuesta por Cuéllar para este concurso corresponde a su única obra para violín solo. Años después del concurso, esta obra, dedicada a la memoria de la maestra Olga Chamorro y conocida sencillamente bajo el título Pieza para violín solo, ha mantenido una vigencia constante tanto en las salas de concierto como en los repertorios de diversas grabaciones. Fiel a su propósito inicial como ‘obra de concurso’, la Pieza para violín solo exige al instrumentista desplegar una amplia variedad de destrezas instrumentales y exigencias técnicas; por un lapso no mayor a los cuatro minutos y medio, el violinista debe demostrar toda su ‘pirotecnia’ instrumental al tiempo que busca 2 Para conocer de manera más actualizada la labor del compositor Juan Antonio Cuéllar, el lector puede acceder a su página: https://www.juanantoniocuellar.com. Asimismo, para acceder al concierto realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Angel Arango en conmemoración de la vida y obra de Juan Antonio Cuéllar, puede consultar el siguiente enlace: https://babel. banrepcultural.org/digital/api/collection/p17054coll30/id/134/download 12 plasmar una idea musical lo suficientemente expresiva que logre convencer al jurado y fascinar a las audiencias. Sonata para violín No. 3 El programa de este concierto finaliza con una de las más importantes obras de la música de cámara del compositor noruego Edvard Grieg (1843-1907). Si bien el repertorio más conocido de Grieg corresponde a su Concierto para piano (compuesto en 1868) y a las suites orquestales Peer Gynt (dos suites derivadas de la música instrumental para una obra de teatro con el mismo nombre) y Holberg (hecha a partir de una suite originalmente para piano), el catálogo de obras de Grieg es admirablemente amplio y recorre una variada cantidad de géneros tanto instrumentales como vocales. A lo largo de la obra de Grieg se puede apreciar cómo decanta los principios del Romanticismo musical, absorbidos durante sus años de formación en Leipzig; rescata diversas tradiciones nacionalistas, que también encontraron resonancia en la obra de otros compositores europeos y norteamericanos; y también anticipa muchas exploraciones estéticas que serían determinantes para la vanguardia musical de inicios del siglo XX en Europa. Las obras más representativas del repertorio camerístico de Grieg son sus tres sonatas para violín y piano, una sonata para violonchelo y piano, y dos cuartetos para cuerda (uno de ellos incompleto). De estas obras, el Cuarteto para cuerdas en sol menor junto con la Sonata para violín No. 3 corresponden a su lenguaje maduro y reflejan una estética compositiva bastante sofisticada; en particular, la Sonata No. 3 presenta incursiones en un lenguaje cromático y armónico mucho más aventurado, adelantándose de alguna manera a gestos que serán posteriormente característicos del Impresionismo y el Neoclasicismo. La Sonata No. 3 fue compuesta en los últimos meses de 1886, no obstante, después de algunas presentaciones privadas en Bergen (Noruega) en el verano de 1887 y algunas correcciones, el estreno oficial de la obra se realizó en diciembre de 1887 en Leipzig. Para esta ocasión Grieg interpretó las partes al piano y Adolf Brodsky interpretó el violín; la obra gozó de gran aceptación desde su estreno y fue publicada ese mismo año por la editorial Peters. La Sonata No. 3 está construida bajo el modelo tradicional de tres movimientos. Sin embargo, la aproximación al lenguaje musical que se desenvuelve a través de sus movimientos es abiertamente ambiciosa, y busca desde su primer movimiento desarrollar una sonoridad exuberante y llena 13 de contrastes. El primer movimiento se adapta al modelo de la forma sonata; claramente presenta la oposición de entidades temáticas, que, más allá de asociarse con ‘temas’ o ‘melodías’, da pie a pensar en dos estados de ánimo que de manera turbulenta se entrelazan a lo largo de la obra para explorar una paleta expresiva que solo llega a conciliar sus oposiciones en un apasionado final que parece necesitar la llegada del segundo movimiento. El segundo movimiento está notoriamente controlado por elementos de profundo lirismo que contrastan en la sección media del movimiento con una filigrana de motivos rítmicos alternados entre los dos instrumentos; el movimiento cierra de manera cíclica retomando algunos elementos que caracterizaron su inicio, pero con una melancólica memoria del proceso recorrido a lo largo de toda la sonata. El movimiento final inicia con un enérgico contraste entre elementos rudimentariamente breves; de forma progresiva, pequeñas células rítmicas se van encajando de manera paradójicamente sofisticada hasta desembocar en sonoridades de gran majestuosidad instrumental. La obra completa cierra de una forma apoteósicamente agitada, en la que se pueden recordar los diversos elementos que paso a paso fueron haciendo parte de este drama musical. Referencias Duque, E. A. (2011). Nicolás Quevedo Rachadell: Un músico de la Independencia. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, pp. 73 y 77. Jaime Ramírez Inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del programa infantil y juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y producciones discográficas, entre otras funciones. 14 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Juan Carlos Higuita, violín Juan Carlos Higuita es un destacado violinista colombiano, solista, músico de cámara, pedagogo y gran conocedor del repertorio latinoamericano contemporáneo, lo que le significó una nominación al Grammy Latino. Actualmente es profesor de violín y de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana. Es integrante de la Sociedad de Cámara de Bogotá y del Ensamble CG, especializado en música contemporánea. Durante nueve años fue primer violín del cuarteto Q-Arte, uno de los principales cuartetos de Latinoamérica. Con excelencia académica realizó estudios de pregrado en pedagogía instrumental en la Universidad de Música de Viena, y un pregrado y una maestría en violín concertista en el Conservatorio de la misma ciudad. Durante su permanencia en Viena, fue discípulo de Roswitha Randacher, Jusuf Karajev y Timon Hornig. Recientemente, bajo la tutoría de Richard Young, recibió el título de Magíster en música con énfasis en música de cámara de la Pontificia Universidad Javeriana. Su participación en cursos de violín barroco, violín jazz e improvisación, así como en clases magistrales y de perfeccionamiento con Herman Krebbers, Gidon Kremer, Zakhar Bron, le han permitido interpretar diversos géneros con gran versatilidad. En su trayectoria profesional, Juan Carlos ha sido invitado a actuar como solista con las orquestas más importantes de Colombia, participando como concertino o músico invitado en agrupaciones como Florilegium Musicum Wien, Orpheon Consort Wien, Orpheus Ensemble München, Tonkünstler Ensemble y City of London Sinfonia. Su gran interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con diferentes agrupaciones en distintos festivales: el Festival Internacional para Guitarra en Núrembeg (Alemania), Die Lange Nacht der Musik en Viena (Austria), el Festival de Música Antigua en Gijón (España), el Festival Internacional de Música de Cartagena (Colombia), el Chicago Latino Music Festival (EEUU), el Festival Instrumenta Oaxaca (México), entre otros. Juan Carlos Higuita ha participado como intérprete o profesor invitado en programas de diferentes teatros y universidades de Estados Unidos de América, Italia, Austria, Alemania, Francia, España, Holanda, Turquía, México, Brasil, Perú, Ecuador y Colombia. También ha realizado grabaciones para la televisión francesa, la radio de Austria y la televisión italiana. Entre sus últimas producciones discográficas se encuentra el disco Serenade, compuesto por repertorio nacionalista español; el disco Songs and Sonets, con obras de E. Toldrá junto al pianista Mac Mcclure y el disco Paisajes sonoros, con obras para violín solo. Mac McClure, piano Nació en Florida (Estados Unidos), Mac McClure es licenciado en filología de la Universidad de Carolina del Norte (Estados Unidos). Empezó sus estudios musicales con Consuelo Colomer, y continuó con Michael Zenge y Phyllis Rappeport. En 1984 se trasladó a Barcelona para estudiar con Carlota Garriga en la Academia Marshall, institución fundada en 1901 por Enrique Granados. A partir de 1991 trabajó con Alicia de Larrocha el repertorio español y clásico. Mac ha estrenado obras de Montsalvatge, Mompou, Morera, Arauco y Henze, Garriga, Llorca y Ortega. En adición del repertorio tradicional para piano y orquesta, ha interpretado obras de Del Aguila, Daugherty, Falla, Garriga, Turina y Suriñach. Entre sus más de cuarenta grabaciones en CD (disponibles en plataformas digitales como iTunes, Spotify o Amazon), se destaca la primera grabación mundial de las canciones de Isaac Albéniz y la coordinación de la grabación de la obra completa de la música de Xavier Montsalvatge. También sobresale la primera grabación mundial del Quinteto Op. 49 de Enrique Granados, que recibió excelentes críticas en Gramaphone e International Record Review. Un dato curioso: su primer CD de piano solo fue dedicado a las transcripciones para piano de música de Bach, realizadas por Liszt, Saint-Saëns y Busoni. Todas son producciones de Columna Música. Junto con Albert Moraleda, McClure fundó en 2008 el sello discográfico Klassic Cat, que ya cuenta con dieciséis títulos en el mercado. Con la Editorial Boileau, ha editado y publicado ediciones de música para piano, música vocal, y música de cámara de Joaquim Cassadó, Joan Comellas, Enrique Granados, Manuel Valls, Frederic Mompou, Isaac Albéniz y Robert Gerhard. Mac McClure actúa con frecuencia en España y Europa. Debutó en el Festival Internacional de música de Peralada, en una producción vanguardista del Barbero de Sevilla de Rossini, realizada por Carlos Santos. Ha participado en diversos festivales en España, China, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Serbia, Austria y Estados Unidos. Desde 2010 es profesor asociado en la Universidad Nacional de Colombia. En agosto de 2011 fue nombrado director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, cargo que desempeñó hasta julio de 2015. En enero de 2013 fue nombrado miembro de la junta directiva de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 2016. En 2020 actuó en los Estados Unidos, España, Escocia, Francia, Corea, Austria, Serbia, China e Italia.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 45 Estreno: jueves 16 de diciembre · 6:00 p.m. JÓVENES COMPOSITORES 2021 Q-ARTE, cuarteto de cuerdas (Colombia) Foto: Q-Arte: Carlos Lema RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @Banrepcultural Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango JÓVENES COMPOSITORES El sector cultural de un país crece, progresa y se fortalece a partir de los aportes que efectúan diferentes actores y disciplinas. El campo de la composición musical exige creatividad, innovación y constancia, y se espera que de él surjan voces artísticas y apuestas estéticas propias. Sin embargo, en el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados. El Banco de la República, en respuesta a esta necesidad, creó Jóvenes Compositores, un programa que, al igual que los encargos de obra, los conciertos retrospectivos que rinden homenaje a compositores colombianos y las producciones discográficas que surgen de estas dos últimas iniciativas, es una apuesta del Banco de la República por reconocer, apoyar y visibilizar el talento de los creadores de nuestro país. El programa Jóvenes Compositores, por medio de una convocatoria anual, busca promover el desarrollo profesional de los jóvenes creadores; los seleccionados pueden contar con la guía y el seguimiento de dos compositores colombianos con trayectoria, y compartir sus composiciones con artistas profesionales que las pongan al servicio del público por medio de un concierto. En este recital virtual que hoy nos convoca se presentan las obras de cuatro jóvenes compositores seleccionados en la primera versión de la convocatoria Jóvenes Compositores. De 54 jóvenes que se presentaron, Tomás Díaz Villegas, Marius Alexander Díaz, Danna Lorena Botero y Óscar Alejandro Parada fueron los seleccionados y, en esta ocasión, es el reconocido cuarteto de cuerdas colombiano Q-Arte quien da vida a sus productos creativos. Conoce más sobre el programa Jóvenes Compositores Síganos en 2 SOBRE LOS JÓVENES COMPOSITORES TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. Foto: Lorena Marsiglia 3 MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ-Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). Foto: ©escuelareinaofia 4 ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. Foto: Laura Catalina Serpa Lucio 5 DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Foto: Sandra Marcela Murcia Talero 6 SOBRE LA AGRUPACIÓN Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas Santiago Medina y Liz Ángela García, violines; Sandra Liliana Arango, viola; y Diego García, violonchelo El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Foto: Gabriel Castro 7 Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales. Conozca más acerca de la agrupación Cuarteto Q-Arte 8 De vuelta al terruño (2020) Inquietud Huida Coraje Añoranza TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Paisaje colombiano con narcos (2021) MARIUS ALEXANDER DÍAZ (n. 1985) (Cero)Tonina (2021) ÓSCAR ALEJANDRO PARADA (n. 1986) Vatnajökull (2021) DANNA LORENA BOTERO (n. 1998) PROGRAMA 9 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Cualquier sonido puede suceder a cualquier otro sonido, cualquier sonido puede sonar simultáneamente con cualquier otro sonido o sonidos, y cualquier grupo de sonidos puede ser seguido por cualquier otro grupo de sonidos, lo mismo que cualquier grado de tensión o matiz puede ocurrir en cualquier medio bajo cualquier tipo de acento o duración. La proyección exitosa dependerá de las condiciones contextuales y formales que prevalezcan, y de la destreza y el espíritu del compositor (Persichetti, 1961, p. 13). Este concierto, dedicado a la música contemporánea, es un aporte del Banco de la República al desarrollo y crecimiento de jóvenes compositores. Ofrece un espacio para la experimentación, donde el reto y el riesgo son bienvenidos, fomentados y celebrados. El programa incluye la guía y el seguimiento, por parte de compositores de trayectoria y, además, la oportunidad de compartir sus composiciones con artistas profesionales que las presentan al público. Cuando se asiste a un concierto de música contemporánea, más aún, a uno como este en el que las obras presentadas son estrenos, una de las preguntas naturales que aparece es ¿qué tipo o estilo de música escucharemos? Una posible respuesta la ofrecen las ideas, que encabezan estas notas, expresadas por el compositor estadounidense Vincent Persichetti (1915-1987), quien dedicó buena parte de su vida a la enseñanza. Su tratado Twentieth-Century Harmony inicia y termina con las mismas palabras, exactamente igual, con lo que el compositor llamó su ‘párrafo favorito’: una expresión nítida del punto al cual llegó el siglo pasado la música llamada académica. Las ideas de Persichetti siguen hoy vigentes cuando los compositores tienen una muy amplia gama de medios a su disposición y se orientan más hacia las relaciones con el contexto que a los problemas de la identidad personal o la innovación técnica. Las obras presentadas hoy son una muestra sensible de problemas que vivimos a nivel global o local: el cambio climático, la violencia, el desplazamiento y las dificultades de tipo psicológico. Tomás Díaz (n. 1990) nació en Manizales y es compositor, investigador y guitarrista. Actualmente, está llevando a cabo un doctorado en composición instrumental en la Universidad de Montreal. Tomás Díaz es un buen ejemplo de los avances en la educación musical en Colombia, que se transformó 10 sustancialmente en los últimos treinta años y hoy cuenta con un nivel de excelencia comparable con el ámbito internacional. El compositor habla desde su propia experiencia: Para empezar, la formación que recibí en Medellín fue sobresaliente. Los profesores están bien preparados y casi todos translucen una pasión por la enseñanza. Con cierta frecuencia, había invitados en la facultad, lo que ayudaba a formarse poco a poco una idea de cómo eran las cosas afuera. En un viaje a Estados Unidos en el 2015, comprobé que mis conocimientos musicales podían competir en el mismo nivel (Espinosa, 2020). Su obra muestra una preocupación por uno de los problemas de nuestro país: el desplazamiento como consecuencia de la violencia que nos azota desde hace décadas: De vuelta al terruño es una obra inspirada en la nostalgia que los desplazados sienten por su tierra en la distancia. El primer movimiento retrata la inquietud de quienes sufren el hostigamiento que los hace huir finalmente. La música se hila a través de continuas interrupciones e irregularidades rítmicas. El segundo movimiento plasma la huida a partir de un moto perpetuo lleno de gestos melódicos angulares y combinaciones instrumentales volátiles. A continuación, se evoca el coraje de las víctimas y su fortaleza para afrontar las vicisitudes de su periplo. La sonoridad se torna plena y vigorosa. Por último, la obra concluye con una impresión musical de la añoranza que embarga al desterrado cuando ya se ha instalado en territorios extraños. La textura, sutil y expresiva, parece flotar en medio de un mar de imbricaciones rítmicas y dinámicas. En síntesis, la obra pretende ser un recorrido imaginario por algunos de los sentimientos que suscita el desplazamiento forzado (Díaz, 2021). Marius Díaz (n. 1985), compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, nació en Bogotá, y residió y se formó como compositor en La Habana (Cuba), entre 2002 y 2015, como lo expone en entrevista reciente: Yo podría decir que aprendí a hablar primero en cubano que en colombiano […] No quiere decir que antes no hubiera estudiado o tenido vínculos con la música, pero todavía no tenía un perfil profesional de la carrera como compositor. Realmente mi obra nace en Cuba (Yllarramendiz, 2020). Díaz, afirma acerca de su obra: Paisaje colombiano con narcos es una propuesta musical donde coexisten el orden y el equilibrio con el desorden y el caos. Su intención programática es proporcionar una representación del narcotráfico en Colombia. El narco repercute de forma caótica en la actualidad del país. A través de un sistema que involucra diferentes sectores de la sociedad, condiciona nuestro desarrollo social. Este fenómeno sirve de inspiración al autor para proyectar una partitura con diferentes elementos en comunión. 11 Por un lado, la Serie de Fibonacci1 cuya aplicación se observa en diferentes ramas del pensamiento, sirve de patrón modular sobre el cual se desarrollan diferentes relaciones. Las alturas, duraciones y tensiones entre otros elementos, entran en juego con esta sucesión numérica. […] Por otra parte, el aleatorismo controlado2 funciona como elemento de ruptura, discontinuidad, indeterminabilidad y caos, donde evolucionan las dinámicas y los timbres. Se puede destacar como influencia la música del compositor cubano Leo Brouwer, particularmente su serie de paisajes y la obra del artista neerlandés Maurits Cornelius Escher3 (Díaz, 2021). Óscar Parada (n. 1986), músico guitarrista, compositor y pedagogo bogotano, cursó sus estudios de pregrado en la Universidad El Bosque. Recientemente, concluyó la Maestría en Composición en la Pontificia Universidad Javeriana. Previamente, en 2010, se graduó en la misma universidad como arquitecto. Sobre la relación entre la arquitectura y la música, presentes en su formación, el compositor indica: «mi formación como arquitecto me ha permitido nutrir mis procesos compositivos y ha influenciado la visión metódica y estructurada con la que me acerco a la composición. En arquitectura, los elementos de punto, línea, plano y volumen son básicos para crear un objeto formal, y este proceso mental me ha sido útil para conceptualizar y llevarlo a la creación musical». Su proyección como músico encuentra en la educación un rol importante: «en el ejercicio de la pedagogía he encontrado un espacio en el cual puedo nutrir mis conceptos por medio de la retroalimentación y, así mismo, compartir mi conocimiento con otras personas. Pienso que es por medio de la creatividad y la innovación que el músico deja huella. Para mí, la composición humaniza al músico» (Parada, 2021). Sus influencias en la composición tienen diferentes procedencias: «hay varios compositores de banda sonora, como Hans Zimmer, John Williams y Philip Glass. También Michael Torke, por los procesos que sigue y la influencia que tiene de la música popular. En cuanto a esta última, un compositor con el 1 La Serie de Fibonacci, para alguna mejor llamada ‘sucesión’, fue descrita en Europa por Leonardo de Pisa, matemático italiano del siglo XIII también conocido como Fibonacci. Inicia con los números 0 y 1, a partir de estos, cada término es la suma de los dos anteriores. Ej: 0,1,1,2,3,5,8,13, etc. 2 La música aleatoria nace en 1950. Es un método de composición que utiliza el azar como principio constructivo, por tanto, la improvisación tiene un rol principal. El término aleatorio viene del latín alea (dados). En el aleatorismo controlado el compositor establece para sus obras una serie de elementos y deja al intérprete la posibilidad de elegir entre diferentes posibilidades interpretativas. 3 La obra de Escher contiene planteamientos paradójicos como los que se dan en la convivencia simultánea, aparentemente imposible pero real, de conceptos antagónicos como dentro-fuera, cóncavo-convexo y arriba-abajo. 12 que crecí: Gustavo Cerati, quién experimentó en varios campos de la música y también compuso para películas» (Parada, 2021). (Cero)Tonina es una obra que se inspira en el trastorno de ansiedad que se manifiesta por una deficiencia de serotonina. La estilización del título pretende por medio de la homofonía hacer referencia al número cero como símbolo de la disminución de serotonina en el sistema nervioso. En el cuarteto se contraponen dos planos, uno que llamo plano lírico contra otro que llamo plano mecánico. Las características de cada uno de éstos se enfrentan para generar disonancias e inestabilidad, representando el concepto de la ansiedad (Parada, 2021). Damián Ponce de León, uno de los tutores del programa, es enfático al destacar el valor del proyecto: «este nuevo espacio es de una importancia inmensa ya que la labor compositiva se vuelve estéril cuando el creador, especialmente en su etapa de formación, no confronta sus ideas con la realidad del montaje y las observaciones de los intérpretes y el público» (Ponce de León, 2021). Sus apreciaciones sobre los ganadores de la convocatoria, que estrenan hoy sus obras, subrayan la pluralidad del grupo: «me gustó por su diversidad que viene nutrida de formaciones, orígenes e intereses muy diversos. Mientras en Óscar vemos su conexión con músicas como el jazz, en donde el ritmo es protagónico, en Tomás y Danna vemos una formación más académica y por ende una forma muy diferente de indagar en el sonido y las ideas musicales. Todos me parecieron perfiles interesantes y me alegró ver cómo se nutre con más y más personalidades y diferentes perfiles el universo de la composición nacional» (Ponce de León, 2021). El proceso de acompañamiento y guía a los compositores por parte de los tutores fue complementario: «mientras Rodolfo [Acosta] hizo un recuento brillante y minucioso de cada detalle gráfico y técnico de las piezas, yo quise reflexionar e indagar sobre lo estético y la constante necesidad de cuestionar los objetivos puramente técnicos y teóricos de la creación musical con su resultado sonoro y su capacidad de comunicar al oyente, más allá de discursos especializados» (Ponce de León, 2021). Danna Botero (n. 1998) es estudiante de Composición e Ingeniería de Sonido en la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá. En su proceso de formación en esta instituión ha participado en el semillero de investigación en teoría de la música y ha sido monitora de Teoría de la música, Procesamiento de señales y Síntesis por computador. En los últimos años se ha interesado 13 en la música electrónica y su combinación con la música instrumental. La música electrónica le ha permitido desarrollar la relación entre la composición y la ingeniería de sonido. «Desde hace cerca de dos años me ha interesado combinar formatos de cámara con la programación y la síntesis por computador, adicionados al procesamiento de señales», comenta Botero, «a partir de los nuevos timbres generados busco la creación de un discurso musical que sea interesante para el público». Por otro lado, su trabajo de grabación es una fuente de conocimiento de la acústica de los instrumentos. Al respecto observa: «creo que lo que más me interesa de la composición es el timbre, su combinación con la armonía y el proceso de estructurar un espacio de tiempo con sonidos. Por supuesto, siempre teniendo al oyente como referencia, pensando en sus procesos auditivos y perceptivos con el propósito de que asimile mi música, aunque no sea de fácil comprensión» (Botero, 2021). La obra en el programa de hoy es consecuente con los planteamientos anteriores: Vatnajökull, para cuarteto de cuerdas, toma su título del principal glaciar de Islandia. La idea principal de la obra consiste en establecer una dualidad entre los conceptos de armonicidad (representado por el intervalo de quinta justa) e inarmonicidad (generado mediante la utilización del ruido, los trémolos, las técnicas extendidas y los armónicos), creando una unidad hermética que sugiere una analogía con los elementos a la vez dispares y unitarios de un glaciar (volcanes, cristales, nieve, estalactitas, destellos de luz, entre otros). La exploración tímbrica presente en la obra representó en su momento un reto importante, en la medida que la diversidad de sonoridades y técnicas utilizadas permitían posibilidades de desarrollo y de dirección musical muy variadas. La exploración tímbrica se ha convertido en un reto importante y constituye uno de los principales focos de atención dentro de mi catálogo de composición (Botero, 2021). Referencias Botero, D. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Botero, D. (2021). Concierto BLAA: Vatnajökull. [Correo electrónico] Díaz, M. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Díaz, T. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Espinosa, L. (17 de enero de 2020). “Tomás, un embajador de la música”. Entretenimiento, La Patria. Manizales (Caldas). https://www.lapatria. com/entretenimiento 14 Fundación Santo Domingo (FSD). (14/04/21). “Marius Díaz, Compositor”. Becas de la Fundación Santo Domingo. https://www.facebook.com/ FundacionSantoDomingo Parada, O. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Parada, O. (2021). Concierto BLAA, (Cero) Tonina. [Correo electrónico] Persichetti, V. (1961). Twentieth century harmony. New York: WW Norton. Yllarramendiz, L. (24 de mayo de 2020). “Colar un café colombo-cubano”. Música de Concierto y Cultura en Cuba. Radio Nacional Musical. Habana (Cuba). https://radiomusicalnacional.wordpress.com/author/ radiomusicalnacional/ Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 15 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ- Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas
 El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales.

Foto: Sebastián Mejía Ocampo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 ANDRÉS FELIPE PALACIOS (Colombia) guitarra Martes 1° febrero de 2022 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: CEV811 Jueves 3 de febrero de 2022 · 6:30 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QBW192 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE ANDRÉS FELIPE PALACIOS, guitarra Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Foto: Sebastián Mejía Ocampo 2 Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República. Conozca más acerca del artista Andrés Felipe Palacios www.youtube.com/c/AndresFelipePalacios www.facebook.com/AndresFelipeGuitar1 www.facebook.com/AndresFelipePalaciosguitarist/ www.instagram.com/andres.felipe.palacios/ 3 PROGRAMA Fantasía P1a (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Transcripción para guitarra de Andrés Felipe Palacios (n. 1988) Gran obertura, Op. 61 (s. f.) MAURO GIULIANI (1781-1828) Fantasía dramática para guitarra, Op. 31 (c. 1856) NAPOLEÓN COSTE (1805-1833) Elegía (s. f.) JOHANN KASPAR MERTZ (1806-1856) INTERMEDIO Sonata para guitarra (1932) Allegro moderato Minueto Pavana triste Final ANTONIO JOSÉ MARTÍNEZ (1902-1936) Fantasía para guitarra, Op. 107 (1971) Preludio Scherzo Arietta Fugetta Arietta Marcha Postludio MALCOLM ARNOLD (1921-2006) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo La guitarra: un instrumento que ha vivido siempre entre diversos mundos, entre lo popular y lo académico, lo mítico y lo intelectual, lo oral y lo escrito, y la razón y la pasión. Los opuestos se han convertido en la fuente más fértil de creación para la vida de la guitarra en el mundo, y el programa de hoy está basado justamente en dos géneros que se han erigido como el hábitat perfecto para las disputas y las reconciliaciones entre opuestos: la fantasía y la sonata. I – La Fantasía Ha sido interpretada de múltiples maneras y tenido infinitas formas, sujetas siempre a la geografía, el tiempo, el gusto y, claro está, los caprichos del compositor. La fantasía implica libertad, pero no una sola libertad, se trata de una libertad con muchos matices, una libertad que tiene diferentes acentos y que ha sido recibida de múltiples formas a lo largo de la historia. Una libertad que puede que no entendamos ahora, pero que en algún momento le habló directamente a quienes la escuchaban en cortes, en palacios, o en cámaras domésticas. Una libertad que permitía que, para fortuna de todos, las divisiones entre lo vocal y lo instrumental fueran una ilusión y que la propiedad privada de los recursos instrumentales se tornara, por un momento, en un bien común. En palabras de Thomas Morley: El principal y mayor tipo de música que se hace sin un texto es la Fantasía; esto es cuando un músico toma un punto [melodía] y lo utiliza y modifica a su antojo, haciendo mucho o poco con él, de acuerdo con como sea mejor según su concepto. En esta [la fantasía] se muestra más arte que en cualquier otro tipo de música, pues el compositor no está atado a nada, sino que puede añadir, reducir y alterar como le plazca1 (Morley, en Strunk, 1985, pp- 86-87). A Fancy, o Fantasía P1a, según el catálogo de Diana Poulton, es una muestra de la imposibilidad de reducir los géneros musicales a una sola forma. 1 “The most principal and chiefest kind of music which is made without a ditty is the Fantasy, that is when a musician taketh a point at his pleasure and wresteth and turneth it as he list, making either much or little of it according as shall seem best in his own conceit. In this may more art be shown than in any other music because the composer is tied to nothing, but that he may add, diminish and alter at his pleasure.” (Morley: A Plain and Easy Introduction to Practical Music (London, 1597). (Traducción al español de Daniela Peña Jaramillo) 5 Hace parte de la obra de uno de los más célebres laudistas de finales del siglo XVI y comienzos del XVII, John Dowland (1563-1626), y tiene, por lo menos, dos versiones, como solía suceder en aquel entonces, cuando pensar en una obra cerrada e inmodificable no cabía en el quehacer musical. Aunque Dowland es ahora una de las figuras ineludibles en el repertorio para guitarra y laúd, siendo este último su instrumento y para el cual fue compuesta esta pieza. La vida de Dowland no fue un triunfo constante, fue rechazado, contratado, solicitado y despedido por cortes de la corona inglesa, e incluso se vio inmerso, sin quererlo, en un complot organizado por un grupo de católicos en contra de la Reina. El júbilo que sentía por componer y tocar siempre estuvo escoltado por un carácter apesadumbrado que parecía disfrutar la compañía del dolor y su música no escapó a esta dualidad. Semper Dowland, semper dolens (‘siempre Dowland, siempre afligido’), además del título de una de sus pavanas, fue un lema que caracterizó su poética pero que algunas veces, como en el caso de la Fantasía que escucharemos hoy, fue ignorado, de alguna manera, por el compositor. Haciendo justicia a las palabras de Morley, su contemporáneo, esta obra nos muestra todo lo que puede llegar a ser una fantasía. Podemos ver la libertad, que no es la misma libertad del siglo XIX, ni del XXI, pero que, a partir de sus múltiples secciones, permite que la polifonía y el contrapunto imitativo convivan con lo que pareciera un aire o una canción popular acompañada por un laúd; que los recursos más propios y sutiles del instrumento convivan con lo que pareciera una fanfarria más propia de un instrumento de viento, en un contexto bélico, al aire libre, que de aquel instrumento de cuerda pulsada que tocaban los ángeles. Estas guerras, sin embargo, a veces las percibimos como un espejismo, como algo remoto que está en los libros de historia, pero que no se siente completamente real; podrá ser la falta de fotografías o de archivos de video lo que nos prive de identificarnos con esos escenarios de violencia; también puede ser que las representaciones gráficas que están a nuestro alcance se nos han mostrado con un romanticismo que ha logrado ocultar la barbarie que las inspiró. Sin embargo, lo bélico siempre ha sido fuente de creación y todas las mentes fértiles siempre han utilizado su poética para contar una historia de guerra, para conmemorar a sus protagonistas o simplemente para expiar los demonios que su huella dejó. El Op. 31 de Napoleón Coste (1805-1883) se titula Fantasía dramática y está divida en dos secciones, Le départ (La partida) y Le retour (el regreso). Aunque podría parecer lógico pensar en la partida y el regreso al interior de 6 una historia de amor, que no era un tema inusual en el siglo XIX, este no fue el caso. El compositor francés quiso realizar un pequeño monumento sonoro al ejército francés, que partió en 1854 hacia Sevastopol buscando la victoria contra su contraparte rusa y comenzando, a su vez, con el Asedio de Sevastopol. Los soldados regresaron triunfantes en septiembre del año siguiente, dando fin a la guerra de Crimea. La fecha, 29 décembre 1855!... que aparece en la partitura, conmemora la procesión de victoria que se llevó a cabo en París, en la Place Vendôme. Elegie (Elegía) del compositor bohemio Johann Kaspar Mertz (1806- 1856) se erige como una de las piezas más exigentes dentro del repertorio guitarrístico gracias a la cantidad de recursos técnicos que se requieren para poder interpretar de manera correcta la retórica decimonónica temprana, tan evidente en toda la obra de Mertz. Y, aunque el título no lo refleja, el espíritu de la fantasía colma la estructura y la poética de esta pieza. Para el momento de su composición, la guitarra gozaba ya de gran popularidad en varias regiones europeas, especialmente en Francia, Italia, Alemania y finalmente Austria, que, como veremos, acogió al virtuoso Mauro Giuliani, justamente en 1806, momento en el que el instrumento pasó de ser un elemento de refinamiento doméstico, a competir con el piano en la escena del virtuosismo musical. Fue precisamente gracias al acercamiento hacia la música para piano de Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn y Franz Schubert, que Mertz ayudó al posicionamiento de la guitarra como un instrumento, que compartía el cariño del aristócrata diletante con el del virtuoso de profesión. Su esposa, Josephin Plantin, pianista, implantó el germen de dichos compositores en Mertz y es así como mucha de la música del compositor va a reflejar ciertos tintes del lenguaje pianístico del siglo XIX, especialmente aquel en donde una melodía lírica es secundada por un acompañamiento virtuoso. Elegía refleja dicho recurso compositivo, claro está, con una dificultad técnica mucho mayor, por ejemplo, a la de las piezas incluidas en la célebre colección titulada Bardenklänge Op. 13, en donde, si bien la retórica de principios del siglo XIX es inminente, la técnica no desempeña un papel protagónico. Esta pieza da cuenta perfectamente de la simbiótica dupla entre una melodía y un virtuosismo eminentemente románticos. II – La Sonata La sonata fue, de alguna manera, hija de la fantasía y de su carácter combativo, pero su madurez y su momento de mayor celebridad llegaron en el siglo XVIII, 7 el de la Ilustración que, así como recogía lo que se había hecho en el pasado más inmediato, buscaba que el orden, la simetría y la sencillez del lenguaje fueran su norte. En la sonata también hay antagonismos, pero estos están perfectamente estructurados: hay conflictos, pero siempre son resueltos; hay múltiples secciones, pero todas tienen una función clara dentro de su estructura narrativa. El siglo XIX empezaba a emanciparse poco a poco de estas formas, pero no las abandonó por completo: muestra de ello es que, por ejemplo, las grandes oberturas con las que se daba inicio a las óperas, estas tenían aún la estructura de una sonata del siglo XVIII; Gioachino Rossini las utilizaba y el guitarrista Mauro Giuliani (1781-1829), incapaz de escapar a su fascinación por el mundo lírico, se ciñó a dicha tradición con su Gran obertura Op. 61. Giuliani nació y murió en Italia, pero gran parte de su vida profesional la llevó como músico de la cámara de la princesa María Luisa, archiduquesa de Austria, y su fama excedió el Imperio Austrohúngaro, llegando hasta Francia. Fue admirado por compositores como Niccolò Paganini, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, e incluso fue violonchelista en el estreno de la Sinfonía No. 7 de este último. Sus obras son ficha segura en el repertorio de los guitarristas actuales, y la Gran obertura es una de sus piezas más interpretadas; la orgánica unión entre un lenguaje, a la vez lírico e instrumental, apto para cualquier público, junto con la complejidad técnica, amparada, eso sí, por un íntimo conocimiento del instrumento, hacen de la obra de este compositor, un ‘microuniverso’ de lo que fuera el Romanticismo temprano, que no soltaba del todo el gusto por el orden y las formas de la Ilustración, pero que miraba hacia un futuro en donde la libertad y la expresión de todas las facetas de las pasiones humanas volviera a regir la creación musical. Mauro Giuliani personifica el espíritu de la época en la que fue celebrado y su música nos narra la historia de aquel periodo lleno de contradicciones. Tal vez por esto, en mayo de 1829, cuando la vida de este virtuoso llegó a su fin, un periódico de Nápoles publicó las siguientes palabras: «En la mañana del octavo día de este mes, Don Mauro Giuliani, el famoso guitarrista, murió en esta ciudad. En sus manos, la guitarra se tranformaba en un arpa que apaciguaba los corazones de la humanidad.»2 (En Tampalini, 2009). Otro compositor que no se caracteriza por la facilidad técnica de sus creaciones fue Antonio José Martínez (1902-1936). En su corta vida 2 On the morning of the 8th day of this month Don Mauro Giuliani, the famous guitarist, died in this city. In his hands, the guitar was transformed into a harp that soothed the hearts of mankind. (Traducción de Daniela Peña Jaramillo) 8 solamente escribió dos obras para guitarra, la Sonata y unos arreglos sobre una canción popular burgalesa; tal vez por esta razón y porque el compositor no era guitarrista, la interpretación de su música para el instrumento no suele ser una tarea fácil. Martínez celebró enfáticamente el triunfo del Frente Popular español en 1936, justo antes de que el país se viera sumido en la tristemente célebre Guerra Civil y afirmaba que «(…) el socialismo bien entendido y bien dirigido es cosa perfecta». Pero el mundo prefranquista no estaba hecho para artistas que quisieran hablar o, mejor, que quisieran hablar ‘al revés’. El compositor fue además fundador de Burgos Gráfico, revista en donde se publicaban artículos que arremetían contra la cultura y la política conservadoras, y se defendían las mezclas culturales que, aquellos afines con el pensamiento del general Francisco Franco buscaban silenciar. Y eso hicieron, no solo con la música, sino con la vida de Antonio José; como sucedió con el poeta Federico García Lorca, amigo del compositor, unos meses antes, la cobardía triunfó y en octubre de 1936, a los 34 años, fue ejecutado por un escuadrón de falangistas que le acusaban de profesar ideales judeo-fascistas. Su voz dejó de sonar y su música también; fue prohibida durante los cuarenta años que duró la dictadura y solo en 1980 se logró publicar un volumen con su obra. En 1981 se tocó por primera vez, después de cuarenta y siete años, la Sonata para guitarra, que había sido estrenada en 1934 por Regino Sainz de la Maza, a quien la obra fue dedicada. La Sonata para guitarra de Martínez no es sencilla de interpretar, pero el resultado sonoro crea una ilusión de sencillez para quien la escucha. Además, está construida a partir de un motivo que va reapareciendo cada tanto en los distintos movimientos; a este recurso le han llamado ‘forma cíclica’ y ya había sido utilizado en varias ocasiones por Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, entre muchos otros; lo que genera es una sensación de regreso a casa que puede llegar a ser reconfortante para el oyente. III – Finale Como si se tratara de una estructura musical, la última pieza del programa, la Fantasía para guitarra, Op. 107 de Malcolm Arnold (1921-2006), contiene elementos del género al que pertenece, pero también del otro género que nos reunió hoy, la sonata. Las secciones dispersas, aleatorias y antagónicas las cambió el compositor por movimientos individuales, y la recurrencia del tema del inicio recuerda a la estructura narrativa y cíclica que ya nos había presentado Martínez. Lo anterior no es de extrañar, pues Arnold fue, además 9 de un sinfonista, una figura muy prolífica en el ámbito de la música para cine, que es narrativa por naturaleza. La pieza, compuesta en 1971, refleja ya una madurez en el lenguaje del instrumento por parte del compositor, adquirida a partir de las otras dos piezas que tuvieron como protagonista a la guitarra: el Concierto, dedicado a Julian Bream, y la Serenata para guitarra y cuerdas de 1967. Reconocido como una mente ecléctica que no se limitó a lo evidente y lo obvio en el siglo XX, Arnold nos deja hoy con una clausura perfecta a la figura itinerante y paradójica que ha sido la guitarra, que tampoco se ha contentado con los límites que se le han impuesto. Referencias Strunk, O. et al (1998). Source readings in music history (Rev. ed. / Leo Treitler, general editor.). Norton. Tampalini, Giulio. (2009). Mauro Giuliani: Rossiniane Op. 119-124; Variazioni Op. 45 e 107; Grande Ouverture Op. 61. Musicmedia Edizioni Musicali [CD]. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto: Nicolás Achury Foto: Armin Linke TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡San Andrés, prográmate en septiembre para el concierto de Margret Köll (Alemania), arpa barroca! Este concierto también se presentará en Armenia y Bogotá ¡Tunja, prográmate en julio para que el concierto de Laura Lambuley (Estados Unidos / Colombia), ensamble de jazz! Este concierto también se presentará en Girardot, Villavicencio y Bogotá