Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 36 Estreno: miércoles 3 de noviembre • 6:00 p.m. ALEJANDRO ZULUAGA TRÍO ensamble de guitarras (Colombia) Foto: Daniella Domínguez RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalIpiales Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LA AGRUPACIÓN Y SUS INTEGRANTES ALEJANDRO ZULUAGA TRÍO, ensamble de guitarras El proyecto Alejandro Zuluaga Trío se concretó en 2013 cuando Alejandro, su fundador, recibió un encargo para escribir una primera pieza para el trío de guitarras TripTripTrip. Desde ese momento, ha escrito varias obras para este ensamble que han sido publicadas en dos de sus discos: Qué cosa tan seria (2014) y Como quien oye llover (2017). En 2017, Alejandro extiende este proyecto y forma este trío junto con Daniel Cleves y David J. Giraldo con el fin de interpretar su música para guitarras acústicas. En este concierto, se presenta una serie de piezas escrita en un lenguaje donde se mezcla la música académica y el jazz, con una escritura inspirada en la tradición clásica y la improvisación, y en la que la riqueza técnica y expresiva de los instrumentos se funden en un repertorio de obras con raíces latinoamericanas. DANIEL CLEVES Daniel realizó sus estudios de pregrado en guitarra eléctrica en la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, y sus estudios de maestría en el Institute of Contemporary Music Performance (ICMP), en convenio con la University of East London (UEL). Ha fungido como músico de sesión para varios artistas y productores en Bogotá como Diva Gash, Alfonso Espriella, Ilona, Donna Pierrot, Nicolás Santos y Sol Okarina. Daniel también ha hecho parte de varias bandas tributo y de música original; se ha desempeñado como compositor y coproductor de música para cortos de cine y jingles de radio y televisión; y es docente en varias instituciones. DAVID J. GIRALDO David es guitarrista, productor y compositor egresado de la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, con posgrados en la Universidad de Agder y la Universidad de Stavanger de Noruega. Cuenta con más de veinte años de experiencia artística en la escena nacional e internacional. Ha participado en diversos proyectos, entre los que se destacan Antípoda (rock/metal), Nortango (tango), Jorge Sepúlveda Sexteto (jazz contemporáneo/música colombiana), Andrés Correa (cantautor) y Tres Gatos (jazz contemporáneo). Actualmente, 4 Conozca más acerca de la agrupación Alejandro Zuluaga Trío David se encuentra trabajando con Antípoda y la agrupación de Alejandro Zuluaga, así como en la producción y grabación de artistas de la escena nacional. ALEJANDRO ZULUAGA Alejandro realizó estudios de pregrado en música en la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, y posteriormente cursó la Maestría en Artes y Tecnología en la Universidad Chalmers en Goteborg, Suecia. Alejandro ha recibido varias distinciones, entre estas, la beca Carolina Oramas concedida por el Icetex, y la beca Stint, otorgada por la Fundación Sueca para la Cooperación Internacional en reconocimiento a la excelencia académica. Sus obras han sido interpretadas en Europa y América Latina. Alejandro se ha desempeñado como compositor, guitarrista y profesor asociado en varias universidades de Colombia. 5 Raya (2017) ALEJANDRO ZULUAGA (n. 1977) Pájaros (2013) Selva (2019) Campanas (2007) Niebla (2017) Luna (2019) Ritual (1998) Verde (2018) Amanece (2016) Azul (2019) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Un arte mágico de evocación Manuel de Falla (1876-1946) El sonido, la música y su asociación con las emociones han estado ligados a la existencia de los seres humanos desde su origen. Nuestros antepasados emplearon los sonidos y la música para su supervivencia y comunicación; crearon asociaciones y códigos que les permitían advertir situaciones de peligro y comunicarse con un lenguaje común. A lo largo de la historia del hombre, nuestro cerebro ha ido evolucionando e incluyendo los sonidos como elemento fundamental en la creación de patrones asociados a las emociones y al entorno. Las emociones traducen los sonidos que percibimos en información. Por ejemplo, podemos captar la alegría o la tristeza solo con el sonido de la voz, al asociar la tristeza a una forma de hablar en un tono más bajo y grave de lo normal, y la alegría con lo contrario. Las propiedades de la música son tales que pueden modificar nuestro estado emocional. Neurólogos investigadores del tema como el científico del cerebro Stefan Koelsch, Profesor de psicología biológica y psicología musical de la Universidad de Bergen (Noruega), afirman: Aunque los investigadores todavía debaten el grado de superposición entre las emociones evocadas por la música y las emociones evocadas en la vida cotidiana, ahora hay evidencia de que la música puede evocar cambios en los principales componentes de reacción de la emoción, incluido el sentimiento subjetivo, la excitación fisiológica (cambios autonómicos y endocrinos), expresión motriz de emoción (como sonreír) y tendencias a la acción (por ejemplo, bailar, cantar, tocar un instrumento, dar golpecitos con los pies y aplaudir, aunque solo sea de forma sutil) (2014, p. 170). En psicología, la evocación es un proceso simbólico asociado a la memoria que implica hacer consciente determinada información, especialmente bajo la forma de imágenes mentales, sensaciones e, incluso, emociones. Estudios relacionados con la capacidad emocional de la música muestran al menos dos maneras de acercamiento al fenómeno: Con respecto a la música, las emociones se pueden considerar de dos maneras diferentes: el reconocimiento de las emociones expresadas en la música y la respuesta 7 emocional evocada por la música. El reconocimiento de las emociones expresadas en la música es la capacidad de los oyentes para conocer/percibir las emociones comunes que expresa una pieza musical. La respuesta emocional evocada es el cambio del estado emocional interno del oyente, como reacción a una pieza musical (Christensen, 2010, p. 1). La investigación sobre la relación entre emoción y estímulo musical incluye aspectos como la posibilidad de relacionar la música con eventos autobiográficos: Las emociones y los estímulos asociados con las emociones pueden ser memorizados. En cuanto a la música, un estímulo musical podría evocar (1) una respuesta condicionada, o podría evocar una emoción porque es (2) asociado con una memoria autobiográfica de un evento. Con respecto a los eventos autobiográficos, la percepción de la música asociada con ese evento puede evocar la representación de la memoria emocional de ese evento. (3) La información musical con cualidad de signo simbólico (debido a la memoria semántica) podría evocar un concepto con valor emocional, que a su vez también podría conducir a una respuesta emocional (Koelsch, 2015, p. 193). El programa de hoy ofrece un ciclo de obras del compositor Alejandro Zuluaga, propicio para experimentar las cualidades de la música mencionadas en las citas anteriores, particularmente una muy importante: el poder de ‘evocar’. El término, de acuerdo con el Diccionario de la Real Academia Española (2020), se define como: 1. tr. Recordar algo o a alguien, o traerlo a la memoria. Evocamos juntos nuestro pasado. 2. tr. Dicho de una cosa: Traer algo a la imaginación por asociación de ideas. El rojo evoca pasión. 3. tr. Llamar a un espíritu o a un muerto. Etimológicamente, el término viene del latín evocare compuesto del prefijo e (por ex), que significa ‘fuera’ y vocāre, ‘llamar’. Es decir ‘llamar afuera’. Esta capacidad de la música ha sido apreciada desde hace muchos años, y fue reconocida y subrayada por el compositor español citado en el epígrafe de estas notas, Manuel de Falla quien, en Introducción a la música nueva, una conferencia que dictó en diciembre de 1916, hace poco más de un siglo, expresó: No me cansaré de repetir que los procedimientos armónicos, por sí solos, no constituyen en manera alguna el distintivo característico de la nueva música; el espíritu nuevo reside, más que en ninguna otra cosa, en los tres elementos 8 fundamentales de la música: el ritmo, la modalidad y las formas melódicas, fuentes al servicio de la evocación (De Falla et al., 1988, p. 37). Y, más adelante, en la misma conferencia, profundiza su idea cuando asevera que a pesar de la gran disparidad estética y técnica entre los compositores de la música nueva comparten todos lo que él llama una ‘aspiración unánime’, que, podríamos decir, es aún vigente: Producir la más intensa emoción por medio de nuevas formas melódicas y modales; de nuevas combinaciones sonoras armónicas y contrapuntísticas, de ritmos obsesionantes que obedecen al espíritu primitivo de la música […] un arte mágico de evocación de sentimientos, de seres y aún de lugares por medio del ritmo y la sonoridad (De Falla et al., 1988, p. 43). Las piezas para trío del programa conforman un ciclo titulado Selva, compuesto por diez piezas en total; de acuerdo con lo expresado por el compositor, cada una puede ser interpretada de manera independiente o en conjunto, en el orden fijado libremente por los intérpretes. La propuesta de componer ciclos de piezas no es ajena al desarrollo de la obra de Zuluaga: Esta idea de ciclos de piezas es algo que he venido desarrollando durante los últimos años, paralelo al ciclo Meditaciones para Radio que contiene tríos y cuartetos para guitarra eléctrica, y al ciclo Lux, para mezzo-soprano, violín, piano y guitarra eléctrica. Este concepto de colecciones de piezas está inspirado en los antiguos maestros y me permite enfocar la atención en un solo formato con el fin de explorarlo técnica y estéticamente con más detalle (Zuluaga, 2021). Como referentes cercanos a su trabajo para trío de guitarras, el compositor señala artistas que incluyen en sus obras espacios para la improvisación: Dentro de los referentes más directos de las piezas para trío tuve como modelo un ensamble muy reconocido en el mundo de la guitarra y la improvisación conformado por Paco de Lucía, John McLaughlin y Al Di Meola; así mismo, tuve como guía a guitarristas flamencos como Tomatito. Estos dos casos tienen en común la particularidad de una figura solista que es acompañada por otros músicos, donde hay secciones totalmente determinadas y al mismo tiempo se da cabida a la improvisación. En las secciones de improvisación, cada guitarrista tiene la oportunidad de replantear las ideas expresadas en las secciones escritas, permitiendo de esta manera no solo la interacción, sino el diálogo en torno a las ideas musicales (Zuluaga, 2021). La técnica guitarrística empleada en las piezas exige formas muy particulares de interpretación y, especialmente, una técnica muy depurada en 9 la mano izquierda dada la enorme cantidad de ligados hammer ons1 y pull offs,2 incluida en el ciclo. De acuerdo con el compositor, «[…] las piezas fueron escritas para que tanto guitarristas clásicos como guitarristas de jazz/rock pudieran interpretar este repertorio, ya que la exigencia de la mano derecha se puede acomodar fácilmente a la forma clásica de pulsar las cuerdas con los dedos o con un plectro» (Zuluaga, 2021). La estructura formal de las piezas sigue sutilmente la construcción tradicional de las canciones, en la que se puede definir secciones como introducción, estrofa, puente, solos y coro de manera que, comenta el compositor, «[…] se crea un contexto más familiar para la escucha de música puramente instrumental y se logra un mayor acercamiento con el público» (Zuluaga, 2021). Estéticamente, este ciclo, Selva, tiene elementos que muestran fuertes resonancias del movimiento que se llamó New Age (Nueva era), que tuvo su origen en las comunidades de curación alternativa en los Estados Unidos a fines de la década de 1970. De acuerdo con el Diccionario Grove, «New Age a menudo se hace eco del legado del minimalismo, ya sea en su repetición, instrumentación o larga duración. Debido a sus cualidades ambientales, la música New Age a menudo acompaña al yoga, a la meditación y a la relajación» (Schreiner, 2014). Los títulos de las obras en el programa están conformados por una sola palabra, un sustantivo, y obran como fuertes estimuladores de esas evocaciones que surgen de imágenes, percepciones, sensaciones y emociones que hacen síntesis entre la música y la memoria de cada uno. El compositor aclara su intención con los títulos: Busco que los títulos sean de alguna manera abstractos para evitar generar un referente concreto hacia algo, como cuando se observa un cuadro de Mark Rothko donde el color predomina sobre la forma, con el fin de que el oyente se enfoque de una manera más directa con el sonido y él mismo pueda crear sus propias impresiones [evocaciones] (Zuluaga, 2021). Y, continúa: Los títulos de las obras, en general, tienen que ver con una impresión subjetiva [evocaciones] que me genera la música mientras la escribo. Algunas me inspiran, por 1 El hammer on es una técnica de ejecución que se realiza en un instrumento de cuerda (de manera especial, en un instrumento de cuerda con trastes, como una guitarra) al llevar rápidamente un dedo de la mano izquierda hacia el diapasón haciendo que suene una nota. 2 El pull-off es una técnica que usan los guitarristas en una cuerda que ya está sonando. Si se ‘tira’ ligeramente de la cuerda mientras se quita el dedo que mantiene presionada la nota, se puede tocar una nueva nota sin volver a tocar la cuerda. El pull-off es, en cierto modo, lo opuesto al hammer on. 10 ejemplo, una sensación de color y, de alguna manera, algún tipo de emoción asociado a este. Estas sensaciones de color están normalmente relacionadas con la naturaleza, un referente que para mí es muy importante al momento de escribir música, y las memorias de viajes que he realizado (Zuluaga, 2021). Las siguientes son algunas muy sintéticas expresiones del compositor en relación con cada una de las piezas del ciclo Selva, aclarando que no pretenden ser retratos de sus títulos, estos son más fuente de inspiración y evocación que otra cosa. El oyente debe recordar que es libre de crear sus propias evocaciones: Raya: se refiere a las rayas de río, un animal muy común del que tengo memoria desde que era un niño porque siempre escuchaba historias de picaduras de este animal con el arpón de su cola. Pájaros: no pienso en un tipo de pájaro específico, más bien en los pájaros que se escuchan al amanecer y que anuncian un nuevo día. Selva: sí, la selva del Amazonas, que tuve la oportunidad de conocer en un festival de música al que me invitaron hace algunos años. Además, he tenido contacto con personas de comunidades indígenas de esa región y con algunas de sus costumbres y tradiciones. Es una imagen muy recurrente no sólo en términos musicales, sino en el diario vivir. Campanas: esta pieza solista la compuse durante los años que viví en Suecia mientras hacía mis estudios de maestría. El sonido de las campanas es algo que me atrae muchísimo, de hecho, tengo grabaciones de campanas de iglesias como recuerdos de algunos viajes. Traté de recrear un poco ese sonido, a mi manera, con la guitarra y de ahí nació esta pieza. Niebla: pienso en bosques como los que hay en el Parque Natural Chicaque, lugares que tienen una atmósfera un poco fría y silenciosa, una geografía muy andina y que disfruto mucho cuando quiero retirarme un poco de la ciudad. Luna: siempre intento mirarla y pensar en su silencio y calma. Un cuerpo celeste que me intriga mucho y que es como un milagro suspendido en el cielo. Ritual: en la época en la que escribí esta pieza escuchaba con frecuencia música para birimbao y particularmente a Nana Vasconcelos. Esa música, aunque no la asociaba a algún ritual específico, siempre me evocaba la imagen de algo místico, sagrado y primitivo que intenté recrear usando la guitarra como un medio para replicar el sonido del birimbao y su carácter tribal. Verde: el verde de la naturaleza, con sus diferentes matices y la sensación que me genera la música al escucharla. Amanece: referencia directamente al momento del amanecer, a la calma, al silencio y a los diferentes colores que van surgiendo a medida que se aclara el día. Azul: es la última pieza que escribí para este ciclo y aquí trato de plasmar la sensación del color que me genera la música, la sobriedad, pero a la vez a la fuerza, y diferentes 11 asociaciones como la del azul del cielo, durante las diversas fases del día e incluso de la noche (Zuluaga, 2021). Referencias Christensen, L. J. D. (2010). Does music evoke emotional responses? Master Thesis. Medialogy, Aalborg University Copenhagen. De Falla, M., & Ibáñez, F. S. (1988). Escritos Sobre Música y Músicos. Colección Austral. Espasa-Calpe, S. A. Koelsch, S. (2014). Brain correlates of music-evoked emotions. Nature Reviews Neuroscience, 15(3), 170-180. Koelsch, S. (2015). Music‐evoked emotions: principles, brain correlates, and implications for therapy. Annals of the New York Academy of Sciences, 1337(1), 193-201. Real Academia Española. (2020). Evocar. En Diccionario de la lengua española. Recuperado el 14 de octubre de 2021, de https://dle.rae.es/ evocar Schreiner, D. (2014). New Age. Grove Music Online. Consultado el 28 de septiembre de 2021. https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic Zuluaga, A. (2021). Información para concierto Banco de la República. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 12 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

El proyecto Alejandro Zuluaga Trío se concretó en 2013 cuando Alejandro, su fundador, recibió un encargo para escribir una primera pieza para el trío de guitarras TripTripTrip. Desde ese momento, ha escrito varias obras para este ensamble que han sido publicadas en dos de sus discos: Qué cosa tan seria (2014) y Como quien oye llover (2017). En 2017, Alejandro extiende este proyecto y forma este trío junto con Daniel Cleves y David J. Giraldo con el fin de interpretar su música para guitarras acústicas. En este concierto, se presenta una serie de piezas escrita en un lenguaje donde se mezcla la música académica y el jazz, con una escritura inspirada en la tradición clásica y la improvisación, y en la que la riqueza técnica y expresiva de los instrumentos se funden en un repertorio de obras con raíces latinoamericanas. DANIEL CLEVES Daniel realizó sus estudios de pregrado en guitarra eléctrica en la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, y sus estudios de maestría en el Institute of Contemporary Music Performance (ICMP), en convenio con la University of East London (UEL). Ha fungido como músico de sesión para varios artistas y productores en Bogotá como Diva Gash, Alfonso Espriella, Ilona, Donna Pierrot, Nicolás Santos y Sol Okarina. Daniel también ha hecho parte de varias bandas tributo y de música original; se ha desempeñado como compositor y coproductor de música para cortos de cine y jingles de radio y televisión; y es docente en varias instituciones. DAVID J. GIRALDO David es guitarrista, productor y compositor egresado de la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, con posgrados en la Universidad de Agder y la Universidad de Stavanger de Noruega. Cuenta con más de veinte años de experiencia artística en la escena nacional e internacional. Ha participado en diversos proyectos, entre los que se destacan Antípoda (rock/metal), Nortango (tango), Jorge Sepúlveda Sexteto (jazz contemporáneo/música colombiana), Andrés Correa (cantautor) y Tres Gatos (jazz contemporáneo). Actualmente, David se encuentra trabajando con Antípoda y la agrupación de Alejandro Zuluaga, así como en la producción y grabación de artistas de la escena nacional. ALEJANDRO ZULUAGA Alejandro realizó estudios de pregrado en música en la Pontificia Universidad Javeriana, sede Bogotá, y posteriormente cursó la Maestría en Artes y Tecnología en la Universidad Chalmers en Goteborg, Suecia. Alejandro ha recibido varias distinciones, entre estas, la beca Carolina Oramas concedida por el Icetex, y la beca Stint, otorgada por la Fundación Sueca para la Cooperación Internacional en reconocimiento a la excelencia académica. Sus obras han sido interpretadas en Europa y América Latina. Alejandro se ha desempeñado como compositor, guitarrista y profesor asociado en varias universidades de Colombia.

Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’, primer lugar en la categoría ‘Solista vocal’ en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y Mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría ‘Obra inédita’ con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza Limosnas, y el primer lugar en el 45o Festival Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita Yo no soy tu amiga en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto Diego Sánchez en el piano, David Ocampo en la guitarra, Julián Croswaithe en el cuatro, Lizeth Suárez en el contrabajo, y Diana Castañeda en la percusión.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 38 Estreno: jueves 11 de noviembre · 6:00 p.m. JIMMY DANIEL SIERRA guitarra (Colombia) CARLOS MATEO PÁEZ guitarra (Colombia) Fotos: Julián Camilo Lerma · Edgar Fernando Parra SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalPereira @BanrepculturalManizales Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Julián Camilo Lerma SOBRE LOS INTÉRPRETES Jimmy Daniel Sierra, guitarra Jimmy inició sus estudios musicales y de guitarra clásica con su padre, Jimmy David Sierra. En el primer semestre de 2016 ingresó al Programa Básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia bajo la tutoría de David Mariño y, en, 2017 ingresó al pregrado, donde su formación guitarrística se encuentra a cargo de Sonia Díaz. Jimmy ha tomado clases con Johan Fostier, Francisco Correa, Jean Carlo Espíndola, Alexánder Parra, Stephen Goss y Carlos Barbosa-Lima, y participó en la ‘Escuela Internacional: tres perspectivas de la guitarra’, donde tomó clases con Julián Navarro, Enric Madriguera y Dan Lippel. Durante 2017 Jimmy formó parte del Ensamble Cóndor, agrupación de música colombiana con la cual ocuparon el segundo lugar en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana en el municipio de Cajicá y con quien se presentó en los auditorios Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional de Colombia, León de Greiff de la Universidad Nacional, Hernando Patiño Cruz de la ciudad de Palmira, Olav Roots del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y en el Planetario de Bogotá. Jimmy también ha actuado en recitales compartidos y como solista en los auditorios Guillermo Uribe Holguín y León de Greiff. Jimmy fue seleccionado para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Actualmente cursa noveno semestre de Música Instrumental con énfasis en guitarra clásica en la Universidad Nacional de Colombia y es integrante de la Orquesta de Guitarras de esta universidad desde 2016. En 2021 ocupó el segundo lugar en el Octavo Premio Nacional de Arte Universitario 2021 de la Universidad del Cauca. 3 Carlos Mateo Páez, guitarra Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trio, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018); el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recordíng Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021); la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019); el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui y Cusco (2019); el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019); el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019); El Festival Charangos al Foto: Edgar Fernando Parra 4 Puerto-Chile (2020); el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central (2018); el Festival Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019); el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018); el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021); el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Conozca más acerca del artista Carlos Mateo Páez 5 JIMMY DANIEL SIERRA, guitarra (Colombia) Fantasía y variaciones brillantes, Op. 30 (s. f.) FERNANDO SOR (1778-1839) Adaptación de Jimmy Daniel Sierra (n. 2000) Les barricades mystérieuses (1717) FRANÇOIS COUPERIN (1668-1733) Original para clavecín Adaptación para guitarra de Jimmy Daniel Sierra Capricho 24, de 24 Caprichos para violín solo (1802-1817) NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) Adaptación para guitarra de Jimmy Daniel Sierra PROGRAMA 6 CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra (Colombia) El jardín de las delicias (2017) Preludio Como un paseo en el aire El coro del lago Festejo CAMILO GIRALDO (n. 1978) Antumiá (s. f.) SEBASTIÁN VILLANUEVA (n. 1987) Egeo (2015) En la alborada Octubre Chakana azul Arreboles JULIÁN VANEGAS (n. 1990) 7 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña La guitarra, su repertorio, su sonoridad y su universo han vivido siempre entre diversos mundos: entre lo popular y lo académico, entre lo mítico y lo intelectual, entre lo oral y lo escrito, entre la razón y la pasión. Sus antepasados, la lira y la kíthara, pasaban de las manos de dioses a las de héroes, y así como acompañaron a Orfeo en la búsqueda incansable de Eurídice, hacían de Apolo el eterno vencedor de innumerables disputas musicales. Siglos más tarde, en el sur de Francia, unos personajes que cantaban al amor prefirieron también las formas primitivas de este instrumento para acompañar su poesía: troubadours y trobairitz crearon el amor cortés, el fin’amor, con la ayuda de las cuerdas pulsadas. Los rebeldes y los músicos ambulantes, goliardos y juglares, alzaron su voz en contra de las instituciones de poder, parodiaron la vida monástica, glorificaron el placer y lo hicieron igualmente acompañados de lo que luego devendría en guitarra. En el siglo XVI comenzó, en igual medida, su aparición en la escena musical cortesana y su reputación como instrumento del bajo mundo, y ya en el siglo XVII le fue imposible escapar a su bagaje, siendo vituperada, despreciada y emparejada con borrachos, malandros y demás personajes que generan incomodidad en la sociedad. Ya en 1611, Sebastián de Covarrubias compara su carácter ruidoso y vulgar con el de la vihuela, instrumento que, para ese entonces, ya perdía popularidad frente a su pariente más joven, más alla mode, más sencillo de tocar y, si se permite la expresión, más ‘fácil y resultón’: Este instrumento [la vihuela] ha sido hasta nuestros tiempos muy estimado, y ha avido excelentissimos músicos: pero despues que se inventaron las guitarras, son muy pocos los que se dan el estudio de la viguela. Ha sido una gran perdida, porque en ella se ponia todo genero de musica punteada, y aora la guitarra no es mas que un cencerro, tan facil de tañer, especialmente en lo rasgado, que no ay moço de cavallos que no sea musico de guitarra (Covarrubias, 1611, fol. 74-r). Les agradará saber que esta mala propaganda se ha ido acabando y que hoy en día, aunque persiste, ha perdido toda su fuerza destructora. El programa de hoy lo demuestra y nos da una degustación de todo lo que puede, de todo lo que es y de todo lo que no es la guitarra: un instrumento con un repertorio propio, aunque también puede tomar prestada y enaltecer música escrita originalmente para otras fuentes de sonido; un instrumento que habla de la 8 música como lenguaje absoluto, pero que es capaz de evocar imágenes, relatos y mitos; un instrumento que genera un diálogo entre lo popular y lo académico sin que nadie haya salido herido… O, por lo menos, fuertemente herido, pues para 1828, momento en que el español Fernando Sor (1778-1839) compuso su Fantasía y variaciones brillantes, Op. 30, el mundo de la guitarra en Europa se encontraba en un verdadero frenesí. Las disputas no eran infrecuentes y, al año siguiente, Charles Marescot publicaría un libro que lo demostraba: la Guitaromanie, como también se llamó a este periodo romántico de furor guitarrístico: Charles Marescot – La guitaromanie: Discusion entre les Carulistes et les Molinistes, 1829 Acá, un bando, los carulistas, los que defendían la utilización de las uñas en la mano derecha, arremetían contra los molinistas, quienes defendían la técnica de la mano derecha sin uñas. Los juicios de valor quedan a voluntad de cada uno. Pero no todo fueron desavenencias; lo que logra la publicación de Marescot es representar cuán importante era el instrumento de seis cuerdas en la vida pública y privada de las grandes ciudades en la primera mitad de siglo XIX, por ejemplo, acompañaba bailes: 9 Charles Marescot – La guitaromanie: La Contredanse, 1829 acompañaba la vida musical nocturna: Charles Marescot – La guitaromanie: La Sérénade, 1829 10 e incluso hacía parte de los rincones más íntimos del hogar: Charles Marescot – La guitaromanie: Les délassemens de l’hiver, 1829 No es difícil entender entonces que un otrora militar español, que tuvo que huir de su país a causa de las implicaciones políticas de la era napoleónica, causara furor en París, uno de los centros artísticos que más músicos extranjeros acogió. Fernando Sor fue conocido por su aporte a la literatura de la guitarra, aunque su obra excede en creces lo que compuso para este instrumento en el que se destacó, además, como intérprete. La pieza que escucharemos hoy fue dedicada a otro de los músicos que edificó el repertorio romántico de la guitarra: Dionisio Aguado, y nos presenta uno de los géneros más explorados y reescritos en la historia de la música: la fantasía, este género longevo, de múltiples personalidades, que ha deambulado desde el siglo XVI; género imposible de reducir a una única forma, y guiado por una ley transversal: la alternancia de elementos contrastantes. Al interior, un tema con variaciones, otro género reconocido especialmente en el siglo XVIII, pero con célebres antepasados que, también desde el siglo XVI, deleitaron en cortes y cámaras, con diferentes alias, como las diferencias y los bassi ostinati. 11 Con este género dialoga también el Capricho No. 24 de Niccolò Paganini (1782-1840), la obra más conocida de quien fuera la mayor celebridad del violín en el siglo XIX. El estilo de vida de ese personaje sería envidiado por cualquier rockstar de las décadas de los setenta y los ochenta, y su popularidad sobrepasaría de lejos la de los influencers que tanto dan de que hablar hoy en día. Esa figura lánguida, esbelta, enigmática y caótica, ese maestro del espectáculo, que se sabía un virtuoso y que tenía plena seguridad en sus extravagantes capacidades, nunca dudó en explotarlas para atraer a su público: […] subrayaba la cualidad diabólica de sus conciertos, y apelaba a todos los recursos, excepto el de aparecer en escena envuelto en una llama azulada. Ofrecía saturnales más que conciertos. Uno de sus trucos consistía en romper una cuerda en medio de una composición, y continuar hasta el final con solo tres cuerdas. O bien extraía un par de tijeras, cortaba tres de las cuerdas y hacía milagros sólo con la cuerda sol (Schonberg, 2004, p. 170). Los espectáculos de Jimmy Hendrix resultarían conservadores al lado de este genovés que, además, fue un reconocido guitarrista. Se dedicó a extender las posibilidades del violín hasta niveles extravagantes y el Capricho No. 24 es una muestra de ello, pues se trata de un catálogo de variaciones, casi a manera de estudio, cuyo objetivo principal es exprimir la técnica del instrumento y de su intérprete, llegando a lugares que parecían imposibles hasta ese entonces. Y con la técnica viajamos a los albores del siglo XVIII, a Francia, a la corte de Versalles, en donde François Couperin (1668-1733) se desempeñó como organista, maestro de música de cámara, además de profesor de composición y acompañamiento del pequeño Duque de Borgoña, nieto de Luis XIV. El tecladista, que provenía de un largo linaje de músicos, se preocupó especialmente por la enseñanza del clavecín; publicó un tratado pedagógico llamado L’art de toucher le clavecin (El arte de tocar el clavecín), en el que explica minuciosamente la edad recomendada para comenzar a estudiar el instrumento, la posición del cuerpo, la posición de las manos, las digitaciones más favorables, entre muchos otros aspectos. Además, publicó cuatro libros para el instrumento, divididos, a su vez, en lo que el propio compositor llamó ordres (órdenes), es decir, grupos de piezas en la misma tonalidad. En el Segundo libro, de 1717, se encuentra la pieza titulada Les barricades mystérieuses (Las barricadas misteriosas), cuyo título el compositor logró mantener, hasta hoy, en un misterio. Lo que sí se sabe es que está escrita en el llamado style brisé o style luthé, que hacía referencia a la manera como los laudistas franceses arpegiaban las cuerdas de su instrumento, y que, como la 12 mayoría de las piezas de estas colecciones, evoca imágenes o retratos, que el compositor buscaba representar con los dedos, según se consigna en el prefacio del Primer libro1. François Couperin fue un personaje que buscó la unión entre sonidos e imágenes; además, alejándose de las disputas contemporáneas al buen estilo de la Guitaromanie, buscaba igualmente la unión entre el estilo francés y el italiano, que desde siglos había enfrentado inoficiosamente a compositores e intérpretes. También, y aunque no fue el único, buscó la unión entre los lenguajes ‘hablados’ por laudistas y clavecinistas, así como hoy lo hace Jimmy Daniel Sierra, al traducir esta pieza enigmática al lenguaje de la guitarra moderna. La segunda parte del concierto está dedicada a la música de compositores colombianos. Carlos Mateo Páez lo inicia con El jardín de las delicias de Camilo Giraldo Ángel (n. 1978), compositor, docente e intérprete; integrante de múltiples proyectos artísticos en los que la búsqueda por las temáticas provenientes del folclore colombiano es inminente. Sea con el trío de guitarras Trip Trip Trip, con su colectivo audiovisual retroVISOR, con La quinta del lobo (proyecto interdisciplinario que amalgama las artes electrónicas, la danza y la música) o en su faceta como solista, el compositor indaga en ritmos, instrumentos y relatos pertenecientes a las culturas indígena, africana y urbana de Colombia. Títulos como Chucuchucu, Aire de cumbia y Manguaré dan cuenta de la poética del compositor. No obstante, El jardín de las delicias se aleja de alguna manera de esta poética y se preocupa más por la exploración de un lenguaje idiomático de la guitarra, no por medio de pasajes exageradamente virtuosos, sino de sonoridades propias y orgánicas en el instrumento, que dan cuenta del título de cada movimiento: Como un paseo en el aire y El coro del lago y Festejo, que, sin tener un discurso enteramente programático, sí nos remiten de alguna manera al tríptico de El Bosco, además de llevarnos a un viaje y reconciliar géneros, aparentemente distantes y antagónicos, como el preludio, el choral, el paseo vallenato y el festejo peruano. Julián Vanegas (n. 1990) es un compositor y charanguista que se ha preocupado por generar espacios de convivencia armoniosa entre las esferas académica y popular de la música. En Egeo, una obra escrita para Isatis Trío, conformado por guitarra, charango y violonchelo, hay una historia, tres personajes y un color como elemento unificador. Al igual que Couperin, Vanegas pretende representar retratos, aunque esta vez en movimiento, y la 1 Pieces de clavecin composées par Monsieur Couperin - Premier livre, 1717. 13 descripción de cada uno de los movimientos, valga la redundancia, recuerda incluso a la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz. En palabras del compositor: Esta obra relata la navegación de un navío por el mar Egeo, en donde hay tres personajes que conviven durante esta navegación: una doncella, un pescador y un príncipe. Cada movimiento relata un momento de la navegación y a su vez hace pensar en un tono de azul distinto que cambia según el clima y el reflejo del cielo sobre el mar: I. Los preparativos para zarpar, la playa y el cielo azul despejado. II. Una tormenta que golpea duramente la navegación, la ira de los dioses se hace sentir aquí. III. Una noche jovial con marinos borrachos cantando y danzando bajo el brillo de las estrellas. IV. Los arreboles al atardecer que muestran el azul más encendido de la tarde, el navío se pierde en el horizonte (Vanegas, 2021). Antumiá fue compuesta por Sebastián Villanueva (n. 1987) dentro del ciclo El Maravelí, literatura oral y guitarra solista, y, como lo hace Egeo, se inserta en el marco de la mitología, pero esta vez en el contexto del Pacífico colombiano. El compositor reunió relatos y leyendas del pueblo emberá, como el del duende Levantisco, la leyenda del Sol y la Luna, el Piso de Tumaco y el de Antumiá, el espíritu del agua, o ‘Madre de agua’, que tiene cuerpo de hombre y cara de oso perezoso, y que puede ser, al mismo tiempo, guardián y destructor. La elección de la pieza por parte de Páez es digna de ser narrada; según cuenta, cuando empezó a montarla, no tenía la partitura de la pieza; inició como un ejercicio de escucha, de improvisación, de desarrollo tímbrico y de respuesta corporal a las necesidades sonoras que la pieza iba pidiendo. Esto se añade al hecho de que Villanueva es un gran improvisador que nunca se limita a lo que está en el papel y suele destinar secciones de sus piezas al repentismo, así que Páez decidió seguirle el juego e incluir sus propias improvisaciones, generando una colaboración entre intérprete y compositor que, aunque parece moderna, ya era antigua en aquellos tiempos en que Orfeo buscaba a Eurídice. Referencias Covarrubias, S. D. (1611). Tesoro de la Lengua Castellana. Madrid. Marescot, C.d. (1829). La Guitaromanie. París. https://s9.imslp.org/files/ imglnks/usimg/1/13/IMSLP491678-PMLP796083-La_Guitaromanie_ (Charles_de_Marescot)_fac_Marieh.pdf 14 Schonberg, H. C. (2004). Los grandes compositores I. De Claudio Monteverdi a Hugo Wolf. Barcelona: Ediciones Robinbook. Vanegas, J. (octubre de 2021). Información para concierto Banco de la República [comunicación virtual]. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 15 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 40 Estreno: miércoles 17 de noviembre · 6:00 p.m. JOSHUA DAVID SIERRA piano (Colombia) Foto: Felipe Carrero SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisÁngelArango @BanrepculturalIbagué Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 SOBRE EL INTÉRPRETE Joshua David Sierra, piano Joshua David Sierra nació en Bogotá e inició sus estudios musicales y de piano con su padre, Jimmy David Sierra. A los 16 años ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde su formación pianística estuvo a cargo de Mariana Posada. Ha participado también en clases magistrales con Piotr Oczkowski y Jason Ponce. En 2015, Joshua ocupo el primer lugar como representante del nivel básico para participar en el curso de verano de Hotchkiss School. En 2016 viajo a Lakeville (Connecticut, Estados Unidos) para asistir a dicho curso en calidad de becario, donde tomó clases con Luiz de Moura Castro, Mina Perry, Fabio Witkowski y Priya Mayadas, y en donde también actuó en un recital compartido en el auditorio Katherine M. Elfers Hall. Ese mismo año ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música la Universidad Nacional de Colombia, agrupación con la que presentó el Concierto para piano y orquesta No. 1 de Ludwig van Beethoven. Joshua David Sierra ha actuado en recitales compartidos y como solista en los auditorios Olav Roots y Guillermo Uribe Holguín de la Universidad Nacional de Colombia y en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional. Bajo la dirección de su maestra, Mariana Posada, Joshua presentó su recital de grado en julio de 2021, culminado así sus estudios de pregrado en la Universidad Nacional de Colombia. Conozca más acerca del artista Joshua David Sierra Foto: Felipe Carrero 3 Carnaval, Op. 9 (1834-1835) Préambule Pierrot Arlequin Valse noble Eusebius Florestan Coquette Réplique Papillons Lettres dansantes Chiarina Chopin Estrella Reconnaissance Pantalon et Colombine Valse allemande Paganini Aveu Promenade Pause Marche des Davidsbündler contre les Philistins ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Cuadros de una exposición (1874) Promenade I I. Gnomus Promenade II II. Il Vecchio Castello Promenade III III. Tuileries IV. Bydlo Promenade IV V. Ballet de los polluelos en el cascarón VI. ‘Samuel’ Goldenberg y ‘Schmuÿle’ Promenade V VII. El mercado de Limoges VIII. Catacombæ: Sepulchrum Romanum - Cum mortius in lingua mortua IX. La cabaña sobre patas de gallina X. La gran puerta de Kiev MODEST MUSSORGSKY (1839-1881) PROGRAMA 4 SOBRE EL PROGRAMA Carnaval, Op. 9 En una época previa al psicoanálisis, a la terapia psicológica dirigida y a los tratamientos químicos para la depresión, la única herramienta que pudo utilizar Robert Schumann (1810-1856) para combatir la melancolía que siempre lo acompañó, fue la relación —tan orgánica como explosiva— que desarrolló con la música. Desde sus primeras clases de piano, a muy corta edad, hasta los episodios más tardíos de delirio, en los que la imposibilidad del silencio generaba un estado de composición involuntaria e indeseada, el carácter y el genio del compositor exprimieron el espíritu de la música, tan angelical como demoniaco. Esta relación lo llevó a conocer a su esposa, Clara Wieck, y a su apadrinado Johannes Brahms. Su carrera como pianista se vio mermada debido a los excesos de juventud. Ya fuera por el misterioso aparato que utilizaba para fortalecer los dedos de sus manos o bien por los efectos del tratamiento con mercurio para la sífilis, su retiro prematuro de la vida como concertista refleja la persona de este abanderado del grito del Romanticismo. Schumann nunca comulgó con el canon clásico; las formas que imperaban en el siglo anterior no le decían nada y, aunque estas aparecen en su obra, nunca son producto de un proceso mecánico sino de un plan retórico meticuloso. El pensamiento íntimamente romántico que promulgaba al arte como analogía de la vida y no como un mero artificio le impedía creer en formas cerradas y predeterminadas que, si bien organizadas, no tenían la capacidad de expresar los complicados movimientos del alma y la mente. ¡Como si todas las imágenes mentales debieran subordinarse a una o dos formas! ¡Como si cada idea no naciera de su propia forma preestablecida! ¡Como si cada obra de arte no tuviese su propio sentido y por consiguiente su propia forma! (Schönberg, H.C., 2004, p. 207). Introspectivo y abierto a la vez; racional y explosivo; calmo y agresivo; el Carnaval, Op. 9 representa el caleidoscopio de personalidades que conformaba la agotadora psique del compositor. La obra da perfecta cuenta de esta querella inconsciente y pareciera una materialización musical de las vidas literaria y 5 personal, que, al final, fueron una sola. Está conformada por cuatro notas que representan las cuatro letras que deletrean Asch, el pueblo en donde vivía su amiga y antigua prometida Ernestine von Fricken, a quien aseguró en una carta que consideraba el nombre de dicho pueblo muy musical, pues sus letras podían ser traducidas en notas (A=La; S=Mi bemol; C=Do; H=Si). Curiosamente, dichas letras también hacen parte del apellido del compositor. En la escena del Carnaval aparecen los espíritus de Eusebio y Florestán, personajes literarios creados por él mismo que representaban la lucha interna entre su personalidad apacible y colérica. También aparecen Pierrot, Arlequín, Pantaleón y Colombina, personajes de la Commedia dell’Arte; su esposa, Clara Wieck (Chiarina) y Ernestine (Estrella), además de dos de los personajes más representativos de la escena musical decimonónica, Frédéric Chopin y Niccolò Paganini. Sus compañeros combatientes de la Davidsbündler (o Cofradía de David) que, con el papel como arma buscaba combatir a los filisteos o detractores de la música nueva, son los protagonistas de la marcha que finaliza la obra. Cuadros de una exposición La muerte y la enfermedad han dejado muchas veces de lado su matiz lóbrego con el fin de servir como insumo para la creación artística. Este es el caso de Cuadros de una exposición del ruso Modest Mussorgsky (1839-1881), que fue compuesta para piano solo como un homenaje a la prematura muerte de Víktor Hartmann, arquitecto, pintor, escultor y gran amigo del compositor. La pieza fue orquestada después por Maurice Ravel y es ampliamente interpretada en ambas versiones; ha probado además su perennidad al servir de germen para la versión libre que realizó la agrupación de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, en 1970. Está estructurada no solamente a partir de las apreciaciones sobre algunos de los cuadros del artista, sino sobre lo que significó la experiencia de una exposición póstuma que su amigo en común, Vladimir Stasov, decidió gestionar en un intento de consolar al compositor, quien, a partir de una nefasta coincidencia, sentía culpabilidad, por la muerte de Hartmann: Su pena se mezclaba con sentimientos de culpa, pues recientemente había estado paseando con Hartmann cuando el arquitecto tuvo un ataque y no podía respirar. En lugar de llevarle a un médico, Mussorgsky trató de calmar al afligido Hartmann: 6 «Descansa un poco, almita, y luego seguiremos (…)». «Cuando recuerdo esta conversación, me siento desdichado, porque me comporté como un cobarde con temor a la enfermedad. Este temor existía porque yo temía preocupar a Hartmann, ¡así que me comporté como un tonto niño de escuela!» (Kramer, 1993, p. 535). Se inicia con la Promenade (paseo o caminata, en francés), que musicaliza el momento en que el espectador/oyente pasa de un cuadro a otro, y según Mussorgsky, busca representar su propia fisionomía; esta pieza va dando a conocer algunas pinturas a partir de las cuales el compositor creó pequeñas historias e imágenes musicales. Algunas de las imágenes que se utilizaron para la composición de esta pieza no se conservan actualmente, pues se trataban de bocetos que conoció el compositor; por ejemplo, Gnomo, que representaría la figura de una especie de cascanueces con figura de gnomo, y se trata de una de las piezas más sombrías de la serie. Hay otras, como Samuel Goldenberg y Schmüyle, que unen dos dibujos, uno de un judío rico y otro de uno pobre. Y se encuentra también La gran puerta de Kiev que constaba del diseño arquitectónico de una estructura hecha para «conmemorar el día en que Alejandro II escapó al asesinato de Kiev» (Kramer, 1993, p. 538). La gran puerta de Kiev1 Judío rico2 Judío pobre3 1 Tomado de https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3271647. Viktor Hartmann, dominio público. 2 Tomado de https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2145065. Viktor Hartmann, dominio público. 3 Tomado de https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2147741. Viktor Hartmann, dominio público. 7 Al final, la razón principal por la que la pieza es de las más reconocidas del compositor y del repertorio ruso de finales del siglo xix es porque esta encarna de manera manifiesta todos los preceptos que alguna vez mencionó Stasov sobre este grupo de cinco rusos, Mogúchaya kuchka (Могучая кучка), que representarían el inicio de una escuela rusa, despojada de cualquier influencia innecesaria de Europa: [1] Un factor primario es la apertura mental, la ausencia de preconceptos y de fe ciega (…) [la escuela rusa] nunca ha aceptado sin discusión los juicios de las ‘autoridades establecidas’ (…) [2] Además, ninguno de nuestros grandes, de Glinka en adelante, ha tenido jamás mucha confianza en la educación académica, ni nunca la ha mirado con el servilismo y el temor supersticioso con los que todavía hoy se la rodea en muchas partes de Europa (…) La respetan [la música de la tradición académica europea], hacen uso de sus dones, pero no exagera su importancia ni se arrodillan ante ella (…) [3] Otro rasgo distintivo importante de nuestra escuela es la constante búsqueda del carácter nacional (…) [5] Por último, hay otro elemento que caracteriza fuertemente a la escuela musical rusa, y es la destacada predilección por la música de programa (Stasov, 1883)4. Basta con escuchar esta pieza para entender lo que Stasov explica en su texto. Desde la Promenade se escuchan las sonoridades de algún cántico popular eslavo; la pieza es evidentemente programática, pues se explica a partir de la representación de imágenes extramusicales y, además, queda claro que a Mussorgsky nunca le interesó que su música transgrediera los preceptos aceptados. El statu quo nunca fue un obstáculo para el compositor, quien buscaba la verdad antes que la belleza. Los acordes disonantes, la construcción no pianística, las métricas compuestas y la aparición de melodías elaboradas a partir de intervalos no convencionales, entre muchas otras cosas que se podrán apreciar, hacen que Cuadros de una exposición dé cuenta tanto de la ausencia de fe ciega, como del rechazo por el servilismo a la tradición académica europea, que menciona Stasov. Él le dio voz a este grupo de compositores que se reunían a estudiar las obras de Beethoven, Schumann, Liszt y Berlioz, claro está, de manera completamente autónoma, sin un dogma académico detrás y, por tanto, sin una adoración inútil hacía los grandes de Europa. 4 Tomado de: Di Benedetto, 1982. Traducción al italiano: Silvio Bernardini y Fausto Malcovati (1981). 8 Referencias Di Benedetto, R. (1982). Historia de la música: El siglo XIX - Primera parte. Madrid: Ediciones Turner, S.A. Kramer, J. (1993). Invitación a la música. Buenos Aires: Javier Vergara Editor S.A. Schonberg, H.C. (2004). Los grandes compositores: De Claudio Monteverdi a Hugo Wolf. Barcelona: Ma Non Troppo - Ediciones Robinbook. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 9 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 39 Estreno: miércoles 17 de noviembre · 6:00 p.m. DUETO IDILIO voces y guitarras (Colombia) WUILMER LÓPEZ arpa llanera (Colombia) Fotos: Daniel Machado · Edward Messa SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalLeticia @BanrepculturalNeiva Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 SOBRE LOS INTÉRPRETES Dueto Idilio, voces y guitarras El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Foto: Daniel Machado 3 Wuilmer López, arpa llanera Wuilmer López nació en Bogotá en 1996. Inició sus estudios como arpista con Hildo Ariel Aguirre Daza en la Academia Llano y Joropo, en Bogotá, es profesional en música de la Universidad INCCA de Colombia. A su corta edad, ya ha obtenido muchos éxitos tocando el arpa llanera e interpretando repertorios tradicionales colombianos y latinoamericanos, y con músicas del mundo. Ha ofrecido recitales en diferentes escenarios de músicas académicas y populares en América Latina, Asia y Europa, dentro de los que se destacan el Teatro Colón de Bogotá, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Entre las producciones discográficas del Wuilmer se encuentran Entre dos arpas (2016), Arpas de Colombia (2008, 2013 y 2020), Arpasión (2020) y Algeciras (2021). Ha participado y ha sido ganador de importantes festivales y concursos nacionales e internacionales realizados en Colombia, Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia. Conozca más acerca del artista Wuilmer López Foto: Edward Messa 4 PROGRAMA DUETO IDILIO, voces y guitarras (Colombia) El torbellino soy (c. 2000) CLARA CALDERÓN (n. 1957) Bambuco mío (2019) JUANITA SOSSA (n. 1993) El guaro (s. f.) TRADICIONAL Planta sagrada (2014) GUSTAVO ADOLFO RENGIFO (n. 1953) WUILMER LÓPEZ, arpa llanera (Colombia) Misterio (2018) WUILMER LÓPEZ (n. 1996) Casual (2016) Algeciras (2016) Ondarolázo (2018) Enarmonía (2020) Mar de bordones (2015) 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Sergio Ospina Romero Dueto Idilio Tenemos que empezar con una aclaración importante. El Dueto Idilio es en realidad un cuarteto: dos voces, tiple y guitarra. Aquello de ‘dueto’ tiene que ver más con la tradición musical que ha inspirado sus faenas musicales y a la que se han articulado con un sonido fresco y original: la de los duetos de antaño. Fieles en su mayoría a los géneros y estilos musicales más emblemáticos en la música andina, entre ellos el bambuco, el pasillo, la danza y el torbellino, aquellos duetos de antaño fijaron todo un paradigma con respecto a la interpretación de estas músicas, e incluso, con respecto a lo que podría ser —y en la opinión de algunos ‘debía ser’— la música nacional colombiana. Para muchos, sin duda, la sola mención de algunos de estos duetos legendarios desencadena, inevitablemente, una evocación nostálgica de otros tiempos, y con ello, de recuerdos, sensaciones, y formas de ser y sentir simplemente inconmensurables. Duetos como los de Espinosa y Bedoya, los hermanos Martínez, Garzón y Collazos, los Tolimenses o Silva y Villalba marcaron toda una época y asentaron buena parte de su música, de manera indeleble, en varias generaciones. Además de la incorporación de sensibilidades estéticas inconfundiblemente más urbanas y ‘modernas’ —si se le compara con sus contrapartes de ‘antaño’—, el Dueto Idilio es un cuarteto que suena a dueto en virtud de una operación de aritmética musical en apariencia sencilla, pero con profundas implicaciones. Lo que otrora hicieran dos músicos ahora lo hacen cuatro. En efecto, en Silva y Villalba, como era el caso con la mayoría de sus colegas, cada músico tocaba un instrumento —el tiple o la guitarra— a la vez que cantaba la primera o la segunda voz, usualmente al mismo tiempo. De este modo, el trasegar armónico del acompañamiento instrumental respaldaba el trasegar melódico y a la vez armónico de las voces. En raras ocasiones sonaba solo una de las voces, por lo que tal simultaneidad de timbres vocales y de armonías —instrumentales y vocales— terminó convirtiéndose en la identidad musical por antonomasia de tales duetos y de incontables empréstitos musicales hasta el día de hoy. Pero en el Dueto Idilio, los cuatro roles se reparten cómodamente entre cuatro músicos. Mientras Jefferson y Julián se concentran exclusivamente 6 en la producción del acompañamiento instrumental en el tiple y la guitarra, respectivamente, Juanita y Laura toman las riendas del canto, cada una en un registro musical diferente, como otrora lo hicieran Silva y Villalba, aunque con una flexibilidad interpretativa que trasciende con creces la de aquellos. El paso de dos a cuatro músicos y lo que ello implica en materia de arreglos instrumentales, en la forma de las canciones y en la puesta en escena del grupo no es una innovación menor. Basta con comparar alguna grabación o algún video de cualquiera de los duetos de tiempos pasados con una presentación del Dueto Idilio y las repercusiones saltan, literalmente, a la vista, a la vez que se pueden escuchar claramente. Comparar lo que ocurre en el performance, y musicalmente en uno y en otro caso no es —o no debería ser— una forma de prescribir una alternativa como mejor que la otra, bien sea en la forma de aquella máxima de ‘todo tiempo pasado fue mejor’ o, por el contrario, al asumir que la sofisticación musical inevitablemente implica el perfeccionamiento de un modelo anterior. Lejos de desafiar radicalmente el legado de los duetos de música andina tradicional colombiana, el Dueto Idilio se nutre de ella, y en el camino, la enriquece. Y si a algunos, desde el furor folclorista, les parece que atenta contra ciertas venerables costumbres musicales heredadas de décadas anteriores, al menos podrán aceptarlo como una alternativa cautivadora, y muy a tono con la industria y el mundo del entretenimiento musical en el siglo XXI. Todo ello, teniendo en cuenta un factor adicional: el protagonismo vocal de las mujeres en un ámbito musical que hasta hace unas pocas décadas era dominado casi exclusivamente por voces masculinas. Lograr actualizar universos musicales que muchos habían simplemente relegado al ámbito de la evocación nostálgica no es, de nuevo, un logro menor. Para este concierto, el Dueto Idilio nos presenta cuatro piezas que permiten apreciar un diálogo fluido tanto con repertorios ‘de antaño’ como con composiciones recientes. De lo primero una clara muestra es El guaro, una canción popularizada, entre otras versiones, por la interpretación que en su momento hizo el dueto de Garzón y Collazos. La palabra ‘guaro’ aglutina no solo tipos muy distintos de bebidas alcohólicas, sino escenarios sociales a menudo contrastantes, aunque en cuestiones de borracheras y del amor, como insiste la canción, la diferencia entre un trago y otro a veces no parezca importar mucho: «[…] para el que toma aguardiente, qué caramba, el coñac es cosa vana». Lo mismo podría decirse, quizás, de las distintas formas en la que es posible interpretar una canción como esta, desde el estilo reiterativo de Garzón y Collazos hasta los matices que de suyo agrega el Dueto Idilio. Por otra parte, las otras tres canciones, El torbellino soy, Planta sagrada y Bambuco mío, 7 son mucho más afines, en su arquitectura musical original, con la propuesta del Dueto Idilio. Esto, por la forma en que interpelan sensibilidades artísticas y hasta temas que resuenan con elocuencia en la Colombia contemporánea, aunado a la manera en que ponen en evidencia toda una serie de diálogos y negociaciones entre los mundos urbano y rural; el mismo tiempo de diálogos que podemos imaginar, pero entre el pasado y el presente, al convocar en un mismo texto o en un mismo escenario a los duetos de antaño y a los duetos-cuartetos de hoy. Wuilmer López Este concierto nos ofrece la oportunidad de apreciar un talento musical como pocos, expresado por medio de un repertorio que brilla por la diversidad de tradiciones e influencias que han ayudado a darle forma. Tal diversidad estilística es quizás uno de los síntomas más evidentes de la personalidad musical polifacética del Wuilmer López (n. 1966), quien a su corta edad ya ha cosechado ovaciones en escenarios de distintas partes del mundo, perfilándose, sin duda, como uno de los arpistas colombianos más destacados del medio. Y es que, si bien Wuilmer López conoce y domina el universo interpretativo y musical asociado tradicionalmente con el arpa llanera, sus intereses musicales se expanden mucho más allá de dicho mundo cultural. En la música de Wuilmer López conviven los golpes llaneros con la música popular de distintos lugares de América Latina, el Caribe y el mundo mediterráneo, así como con el jazz, la música académica (clásica y contemporánea) e incluso la música electrónica. Su versatilidad técnica en la interpretación del arpa está inspirada en la larga tradición de arpistas llaneros, pero, al mismo tiempo, su propuesta artística deja ver una fascinante combinación de aspectos musicales procedentes de múltiples tradiciones y corrientes estilísticas. Entre estos aspectos pueden destacarse, por ejemplo, el énfasis en la improvisación, el uso de acordes enriquecidos, el interés por cualidades sonoras que por momentos evoca las faenas creativas de algunos compositores contemporáneos, y una búsqueda incesante por fusionar distintos géneros musicales. Tales innovaciones están materializadas, en primer lugar, en su propio instrumento. Al igual que muchas arpas tradicionales, la suya está hecha de madera de cedro. Aunque a diferencia de estas, la tapa es de pino abeto alemán, la misma madera que se utiliza para fabricar otros instrumentos de cuerda como algunas guitarras clásicas. Además, el arpa de Wuilmer es un híbrido entre el arpa típica de los Llanos colombo venezolanos y el arpa paraguaya. Esto resulta en un sonido mucho más profundo y resonante en los bajos, 8 pues está hecha con cuerdas entorchadas como suele ser el caso en un bajo eléctrico o en el arpa paraguaya. Tal adaptación tiene implicaciones sonoras muy significativas pues no solo sirve para producir un timbre en cierto modo único, sino que juega un papel crucial para que el arpa funcione mejor como instrumento solista, cosa que no suele ser muy recurrente en la música llanera tradicional. Al mismo tiempo, mientras que el arpa llanera tiene por lo general treinta y dos cuerdas, la de este arpista tiene treinta y cuatro, y a esto se suma un sistema de llaves y palancas por medio del cual es posible cambiar de tonalidades en tiempo real. Esto último es muy importante a la hora de acceder a una amplia gama de repertorios y mundos musicales. En el arpa llanera convencional se interpretan piezas que están por lo general en una misma tonalidad de principio a fin. Eventualmente, los arpistas experimentados hacen ajustes técnicos con sus manos para alterar unas pocas notas de modo que se pueda, de ser necesario, hacer uso de otra escala o tonalidad que comparta varias notas con la escala en que se encuentra afinado el instrumento. Pero por regla general si se quiere tocar una nueva pieza en una tonalidad distinta, es necesario volver a afinar el arpa. En virtud de las modificaciones tecnológicas hechas a su instrumento, Wuilmer puede interpretar piezas más complejas que exigen el paso por distintas tonalidades y el uso de un espectro más amplio de notas musicales, con un nivel de libertad interpretativa comparable, por ejemplo, con el de un piano. Por todo lo dicho hasta el momento, resulta claro que Wuilmer López está siguiendo, en cierto modo, los pasos de músicos como el también arpista Édmar Castañeda, quien lleva ya varios años descollando en la escena jazzística de Nueva York. No obstante, aunque Édmar y Wuilmer comparten muchas características relacionadas, entre otras cosas con su virtuosismo y creatividad, el segundo de estos ha logrado consolidar en muy poco tiempo una voz musical propia, que le ha asegurado un reconocimiento de largo alcance y que permite anticipar una carrera brillante como intérprete y compositor. El repertorio que presenta Wuilmer incluye seis piezas musicales excepcionales, todas de su propia autoría: Misterio, Casual, Algeciras, Ondarolázo, Enarmonía y Mar de bordones. En conjunto, se trata de un programa que ofrece una excursión musical mediante distintos estilos en la música iberoamericana, pero forjados y en cierto modo reinterpretados a la luz de un nuevo sentido de musicalidad, fruto de la experiencia única de Wuilmer con su instrumento. Misterio, por mencionar un ejemplo, es un vals organizado primordialmente con base en tres acordes y estructurado en tres secciones, 9 como lo suelen estar muchas obras de jazz: tema principal, improvisación y repetición del tema principal. En el tema principal, la melodía se superpone con una fluidez cautivadora al ostinato del acompañamiento en los bajos, resultando por momentos en un contrapunto rítmico tan enriquecido que pareciera crear la ilusión de estar escuchando varias arpas al mismo tiempo. Algeciras es una bulería flamenca organizada en grupos de doce tiempos, escrita por Wuilmer bajo el influjo de la música de Paco de Lucía. Algeciras además es el segundo apellido de Wuilmer y la tierra natal de Paco de Lucía, y esto, lejos de ser simplemente una casualidad anecdótica, es una expresión de los diálogos musicales, en esencia transnacionales, que le dan vida a una pieza tan innovadora y atractiva como esta. Contrario a la idea que fija ciertas tradiciones musicales dentro de los confines exclusivos de un país o de ciertos patrones folcloristas de interpretación, Algeciras es un encuentro formidable entre sonoridades flamencas y llaneras que pone en evidencia la forma en que la música es con frecuencia una transgresora incorregible de fronteras nacionales. A la misma influencia flamenca responde Mar de bordones, una composición que hace parte de Entre dos arpas, el álbum que lanzó Wuilmer en 2016 y que se encuentra disponible en casi todas las plataformas digitales de streaming. Empero, quizás con más atrevimiento que Algeciras a la hora de experimentar musicalmente, Mar de bordones pone de manifiesto un nuevo género híbrido, algo así como un pajarillo-flamenco, en el que, además, figuran otros golpes llaneros como el joropo tuyero y el gaván. Si Algeciras y Mar de bordones convocan diálogos transnacionales para gestar nuevos escenarios de innovación, puede decirse que Ondarolázo es, como el arpa misma de Wuilmer, el resultado de la combinación de recursos musicales diversos y en principio sin ninguna conexión aparente entre sí. Para empezar, Ondarolázo pone en diálogo el merengue venezolano con la onda nueva —el género musical desarrollado por el compositor venezolano Aldemaro Romero a finales de la década de 1970 justamente como fruto de la combinación, dentro de un mismo horizonte estético, de elementos procedentes del joropo, el jazz y el bossa nova—. Ondarolázo, adicionalmente, hace alusión a otro tipo de fusión, es más subjetiva y está asociada a la propia identidad cultural de Wuilmer López: un bogotano (o ‘rolo’) incursionando en la onda nueva, el mismo ‘rolo’ que en otros conciertos y grabaciones ha descollado con su forma de revitalizar, desde el arpa llanera, la música de Ernesto Lecuona, Astor Piazzolla, Michel Camilo y muchos otros. Este concierto es sin duda una demostración elocuente del talento de Wuilmer 10 López como intérprete y como compositor, en especial a la hora de resignificar múltiples estilos dentro de una propuesta musical fresca y con el potencial de consolidar el arpa como un referente inconfundible de modernidad musical. Sergio Ospina Romero es profesor de musicología en la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana. Sus investigaciones se concentran en la primera mitad del siglo XX, en especial, en temas relacionados con tecnologías de grabación y reproducción mecánica del sonido, el jazz y la música popular de América Latina. Es el autor de dos libros, Dolor que canta (ICANH, 2017) y Fonógrafos Ambulantes (Gourmet musical, en prensa), así como de varias publicaciones que han aparecido en revistas y libros de distintos lugares del continente, incluyendo Journal of the American Musicological Society, Ethnomusicology, Keyboard Perspectives, Latin American Music Review, Journal of Folklore Research, Resonancias, Boletín Música, Revista Argentina de Musicología, Anuario Colombiano de Historia Social y de la Cultura, Maguaré, Historia y Sociedad, y Ensayos: Historia y Teoría del Arte. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. Sergio es el pianista y director de Palonegro, un ensamble de música latinoamericana y jazz latino, con el que grabó recientemente el álbum Two Minutes Apart, disponible en todas las plataformas digitales. 11 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Jimmy Daniel Sierra, guitarra Jimmy inició sus estudios musicales y de guitarra clásica con su padre, Jimmy David Sierra. En el primer semestre de 2016 ingresó al Programa Básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia bajo la tutoría de David Mariño y, en, 2017 ingresó al pregrado, donde su formación guitarrística se encuentra a cargo de Sonia Díaz. Jimmy ha tomado clases con Johan Fostier, Francisco Correa, Jean Carlo Espíndola, Alexánder Parra, Stephen Goss y Carlos Barbosa-Lima, y participó en la ‘Escuela Internacional: tres perspectivas de la guitarra’, donde tomó clases con Julián Navarro, Enric Madriguera y Dan Lippel. Durante 2017 Jimmy formó parte del Ensamble Cóndor, agrupación de música colombiana con la cual ocuparon el segundo lugar en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana en el municipio de Cajicá y con quien se presentó en los auditorios Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional de Colombia, León de Greiff de la Universidad Nacional, Hernando Patiño Cruz de la ciudad de Palmira, Olav Roots del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y en el Planetario de Bogotá. Jimmy también ha actuado en recitales compartidos y como solista en los auditorios Guillermo Uribe Holguín y León de Greiff. Jimmy fue seleccionado para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Actualmente cursa noveno semestre de Música Instrumental con énfasis en guitarra clásica en la Universidad Nacional de Colombia y es integrante de la Orquesta de Guitarras de esta universidad desde 2016. En 2021 ocupó el segundo lugar en el Octavo Premio Nacional de Arte Universitario 2021 de la Universidad del Cauca. Carlos Mateo Páez, guitarra Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trio, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018); el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recordíng Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021); la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019); el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui y Cusco (2019); el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019); el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019); El Festival Charangos al Puerto-Chile (2020); el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central (2018); el Festival Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019); el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018); el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021); el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República.

Dueto Idilio El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Wuilmer López Wuilmer López nació en Bogotá en 1996. Inició sus estudios como arpista con Hildo Ariel Aguirre Daza en la Academia Llano y Joropo, en Bogotá, es profesional en música de la Universidad INCCA de Colombia. A su corta edad, ya ha obtenido muchos éxitos tocando el arpa llanera e interpretando repertorios tradicionales colombianos y latinoamericanos, y con músicas del mundo. Ha ofrecido recitales en diferentes escenarios de músicas académicas y populares en América Latina, Asia y Europa, dentro de los que se destacan el Teatro Colón de Bogotá, Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Entre las producciones discográficas del Wuilmer se encuentran Entre dos arpas (2016), Arpas de Colombia (2008, 2013 y 2020), Arpasión (2020) y Algeciras (2021). Ha participado y ha sido ganador de importantes festivales y concursos nacionales e internacionales realizados en Colombia, Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia.

Joshua David Sierra nació en Bogotá e inició sus estudios musicales y de piano con su padre, Jimmy David Sierra. A los 16 años ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde su formación pianística estuvo a cargo de Mariana Posada. Ha participado también en clases magistrales con Piotr Oczkowski y Jason Ponce. En 2015, Joshua ocupo el primer lugar como representante del nivel básico para participar en el curso de verano de Hotchkiss School. En 2016 viajo a Lakeville (Connecticut, Estados Unidos) para asistir a dicho curso en calidad de becario, donde tomó clases con Luiz de Moura Castro, Mina Perry, Fabio Witkowski y Priya Mayadas, y en donde también actuó en un recital compartido en el auditorio Katherine M. Elfers Hall. Ese mismo año ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música la Universidad Nacional de Colombia, agrupación con la que presentó el Concierto para piano y orquesta No. 1 de Ludwig van Beethoven. Joshua David Sierra ha actuado en recitales compartidos y como solista en los auditorios Olav Roots y Guillermo Uribe Holguín de la Universidad Nacional de Colombia y en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional. Bajo la dirección de su maestra, Mariana Posada, Joshua presentó su recital de grado en julio de 2021, culminado así sus estudios de pregrado en la Universidad Nacional de Colombia.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 41 Estreno: miércoles 24 de noviembre · 6:00 p.m. STEVEN REMOLINA fagot JUAN SEBASTIÁN CARREÑO trombón Foto: Andrea Camila Garzón Guerra Foto: Celia Alejandra Hurtado Acosta SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalCali @BanrepculturalTunja Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 SOBRE LOS INTÉRPRETES Steven Remolina Álvarez, fagot Steven inició su práctica musical a los quince años en Funza (Cundinamarca), en el Centro Cultural Bacatá. Es egresado de la carrera de Estudios Musicales con énfasis en fagot de la Pontificia Universidad Javeriana en donde se formó bajo la dirección de Pedro Salcedo. Durante sus estudios de pregrado, Steven perteneció a la orquesta sinfónica y a la banda sinfónica de la universidad. En su recorrido musical ha tomado clases magistrales con Fabio Cury, Philipp Tutzer, Christian Kunert y Matthias Rácz. De 2017 a 2021, Steven perteneció a la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá bajo la dirección de Carlos Villa; allí empezó como fagot tutti para luego desempeñarse como jefe de fila en 2018. Steven es miembro del Quinteto de Vientos Bacatá, agrupación ganadora de las convocatorias Ciclo de conciertos universitarios 2017 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2018 del Banco de la República. El quinteto se ha presentado, además, en la serie Colón acústico organizada por el Teatro Colón de Bogotá, y en la primera versión del Festival de Música de Portillo, Chile. Actualmente, Steven participa como músico supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. En este concierto, Steven actúa junto con la pianista Beatriz Batista. Foto: Andrea Camila Garzón Guerra Conozca más acerca del artista Steven Remolina Álvarez 3 Juan Sebastián Carreño Cárdenas, trombón Juan Sebastián es músico trombonista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, en donde estudió bajo la orientación del Nestor Slavov. Sus estudios básicos del trombón los realizó en el colegio Centro Don Bosco con Edwin Rojas, y en la Escuela Municipal de Artes de Chía con Orielso Santiago. Juan Sebastián ha recibido clases con los reconocidos maestros Óscar Rodríguez y Germán Díaz Guerrero, y ha participado en talleres con trombonistas de talla internacional, como Jacques Mauger, Pedro Carrero y Christian Lindberg. Juan Sebastián ha sido integrante del banco de supernumerarios de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Actualmente se desempeña como trombonista principal de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá. Recientemente Juan Sebastián participó como solista en el estreno del Concierto para cuarteto de trombones y orquesta del compositor colombiano Germán Borda junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá y fue seleccionado por segunda ocasión para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República junto al quinteto de metales HiscaBrass. En este concierto, Juan Sebastián actúa junto con el pianista Diego Claros. Foto: Celia Alejandra Hurtado Acosta Conozca más acerca del artista Juan Sebastián Carreño Cárdenas 4 PROGRAMA STEVEN REMOLINA, fagot Sonata en sol menor para fagot y continuo, Op. 24 No. 5 (s. f.) Allegro con espressione Adagio Rondeau. Allegro FRANÇOIS DEVIENNE (1759-1803) Sonata para fagot y piano, Op. 10b (2003) Allegro Adagio Final PEDRO SARMIENTO (n. 1977) JUAN SEBASTIÁN CARREÑO, trombón Trombonsillo (2017) CAROLINA CALVACHE (n. 1985) Do-Si-Ficando (2020) JUAN DANIEL OVIEDO REINA (n. 1990) 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña El fagot es un instrumento que nos recuerda escenas de caracteres variopintos y aparentemente opuestos: el abuelo de Pedro, en Pedro y el lobo de Sergei Prokofiev; el frenesí primitivo en La consagración de la primavera de Igor Stravinsky, y es gracias a él que reconocemos el pas de quattre (paso de cuatro); o una de las más famosas escenas del Lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Sin embargo, su posición en la historia de la música no fue siempre igual de glamurosa y pasarían años, incluso siglos, para que el bajo de las maderas recibiera el protagonismo que siempre mereció. Lo mismo sucede con el trombón, la superficie de su timbre ha opacado la profundidad y las infinitas posibilidades que este instrumento tiene y que ha tenido para ofrecernos desde su nacimiento. Suele ser reducido a un instrumento de masa sonora, de estruendo, de desfiles y celebraciones al aire libre. Su carácter lírico, no obstante, ha sido opacado, a pesar de que, en su debut en la escena musical, una de sus funciones era la de interpretar música escrita originalmente para voces, nada más y nada menos que en el contexto sacro. Las liturgias se veían enriquecidas con el imponente sonido de este instrumento, y ya desde finales del siglo XV acompañaba igualmente escenas religiosas, como la de la Asunción de la Virgen, plasmada en el fresco del florentino Filippino Lippi. Filippino Lippi – Assunzione (1489-1491)1 1 Tomado de https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Filippino_lippi,_cappella_carafa,_assunzione.jpg Imagen de dominio público 6 El repertorio que escucharemos hoy hace un plot twist en los relatos de estos dos instrumentos y nos lleva por caminos inesperados de la mano de François Devienne, Pedro Sarmiento, Carolina Calvache y Juan Daniel Oviedo. El itinerario comienza en la Ilustración, un periodo en donde la razón alumbraba todos los espacios estéticos del siglo XVIII y cuyos ideales lograron seducir a todas las disciplinas artísticas y académica. La música, mejor que cualquier otra, absorbió los preceptos del pensamiento ilustrado y los tradujo en estructuras rastreables por cualquier oído, fuese de un músico entrenado o de un aficionado sin conocimientos teóricos. La uniformidad y la claridad en las formas, además de la sonoridad de lo que ahora llamamos Clasicismo no surgieron de un día para otro, pero sí contrastan con las estructuras del Barroco que basaban gran parte de su discurso en la oposición de una cantidad innumerable de afectos, pasiones o emociones. Las estructuras narrativas nos han sido familiares siempre. Al escuchar o contar una historia nos sentimos en casa viendo cómo un personaje resuelve los conflictos que se crearon alrededor de su relato, la satisfacción inunda nuestra experiencia estética y la tentación de percibirla como un triunfo propio es a veces inevitable. Y fue esto lo que los compositores quisieron plasmar en las formas musicales del siglo XVIII que, tanto los oídos entrenados como los que no lo estaban, pudieran sentir una estructura narrativa en las piezas de las cuales fueran testigos, que esa familiaridad intrínseca se hiciera manifiesta y se comprendiera el paso a paso de los procesos musicales, consciente o inconscientemente. Es así como diferentes compositores se embarcaron en la tarea de expresar sus ideas por medio de estructuras predeterminadas, es decir, su discurso se debía acomodar a una forma específica, como sucedió en el siglo XVII y principios del XVIII. La difícil empresa fue lograda con total éxito y, aunque corto, el Clasicismo es uno de los periodos más estudiados e interpretados en la actualidad y, por lo mismo, es fácil caer en la falacia de que la claridad de su discurso es sinónimo de simpleza y monotonía. Por fortuna existieron figuras como Johann Stamitz, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, compositores que lograron un diálogo entre la complejidad, la elegancia y la sencillez, y son prueba de que el aburrimiento no tiene cabida en la música de este periodo. 7 Otro abanderado del discurso clásico fue François Devienne (1759- 1803), llamado por algunos el ‘Mozart francés’, cuya corta, pero atareada trayectoria profesional soporta la facilidad y naturalidad con que el compositor se enfrentó a los preceptos estéticos de la época en la que vivió. Solista en el fagot y en la flauta, miembro de diferentes orquestas y bandas militares en Francia y en Suiza, compositor de opéra-comique, funcionario de lo que luego se conocería como el Conservatorio de París, escritor de un método para flauta, impulsor de la revolución con una alta cuota de canciones patrióticas, este personaje le otorgó dignidad al fagot y lo introdujo en el discurso galante que, en sus inicios, se había decantado por los timbres de flautas y violines. La Sonata en sol menor para fagot y continuo, Op. 24, No. 5 es un ejemplo perfecto de esta amalgama de elementos que conforman el gran complejo de la música durante la Ilustración: formas claras para el oyente, melodías agradables de escuchar, y una complejidad oculta que impone al intérprete la capacidad de transmitir elegancia, fluidez y naturalidad detrás de unos requisitos técnicos en la búsqueda de un virtuosismo moderado. El fagot, poco a poco ha sido desarrollado como instrumento solista y, como se mencionó, sus momentos más estelares los tuvo en el siglo XX cuando los compositores entendieron su poder expresivo. Ahora, en el siglo XXI, otros autores han relevado lo que en su momento hicieron Stravinsky, Prokofiev y Tchaikovsky, para enaltecer el nombre de este basso profondo. Uno de ellos es el colombiano Pedro Sarmiento (n. 1977), guitarrista, compositor y académico, alumno de Sonia Díaz y de Blas Emilio Atehortúa. Su obra se conforma, casi en su totalidad, de encargos, por lo que hay una cuota de individualidad y de trabajo en equipo en cada una de sus piezas. Este es el caso de la Sonata para fagot y piano, Op. 10b (2003) encargada por Sandra Duque para su concierto de grado: Básicamente, es como la toma de medidas que hace un sastre. Hay que conocer tanto las particularidades del intérprete como las de su instrumento. Por ejemplo, cuando empecé a escribir la Sonata para fagot, encargada por Sandra Duque, ella usaba en ese momento un instrumento que no sonaba bien en el registro muy agudo, así que me pidió que no escribiera nada en ese registro y seguí su indicación (Banco de la República, entrevista a Sarmiento, 2017). 8 Cuenta el compositor que la obra, originalmente pensada como un concierto para fagot, se quedó inicialmente «guardada en un cajón». Después de haber recorrido muchos caminos que aparentemente no llevaban a ningún lugar, haber recibido una mención de honor del Premio Nacional de Música en Composición y haber sido editada por el propio compositor, la obra llegó a manos de Zulma Bautista, organizadora del Concurso Nacional de Fagot, quien propuso que la sonata fuera utilizada como la obra colombiana impuesta para los concursantes. Fue estrenada en 2013 por la ganadora de dicho concurso, Angie Bazzani, quien un año más tarde realizaría el estreno de la versión de cámara, en la Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. A propósito de los senderos que ha transitado esta obra, tenemos las palabras del compositor: Varios factores afectaron durante años que la obra pudiese estrenarse públicamente como concierto o sonata; de hecho, algunos fagotistas que la conocían la presentaron como parte del repertorio de sus audiciones de pregrado y posgrado; este fue el caso de las fagotistas Sandra Duque y Lía Uribe, quien además publicó el artículo To Be Colombian: Four Composers and Their Works for Bassoons, en la revista Double Reed (v.37, n.4, Winter Edition, 2015), donde incluyó esta obra junto a las de Atehortúa, Pinzón y Hasler, como parte de la finalización de su doctorado (Sarmiento en Gaviria, notas al programa, 2017). La segunda parte de este concierto la protagoniza el pasillo, ese aire que se devanea entre lo nacional y lo extranjero, y que fue conocido alguna vez como ‘vals del país’, el género que, junto con el bambuco, logró amenizar una época teñida de zozobra y oscuridad, como lo relata José Ortega Ricaurte: En la parte musical de las reuniones, también tomaban parte los contertulios: «Roberto Merizalde toma la batuta y la murga rompe a tocar el pasillo lento de Emilio Murillo titulado ‘Para ti’. La luna, burlona y risueña contempla aquel cuadro típico santafereño, mientras las notas de una verdadera música nacional dan un tinte de alegría a la melancólica ciudad que soporta resignada los rigores de una guerra civil» (Rodríguez, s. f.). Este ritmo aún nos dibuja la complejidad de la guerra, sus contradicciones, sus paradojas; su unión con la tristeza y la alegría, con el amor y el desencanto, con lo criollo y lo europeo. El pasillo se nos presenta hoy de manera disruptiva, utilizando como herramienta un aliado inesperado: el trombón. Ese instrumento del que hablábamos al inicio, que se ha alejado de su pasado 9 lírico, va a cantarnos en este concierto de la mano de dos compositores colombianos. Carolina Calvache (n. 1985), pianista clásica de formación que decidió alojarse dentro de una esfera musical, en apariencia diferente: el jazz, aunque conversando constantemente con sus aprendizajes más formales. Es también compositora y de ella hoy escuchamos Trombonsillo, obra engendrada en 2005, pero publicada y grabada doce años después. A propósito del génesis de la obra, la compositora nos dice lo siguiente: El librito de mis ideas musicales lo traje a Estados Unidos. Años después, desempolvé el libro y me encontré con esas melodías y el cifrado armónico. En ese entonces yo empezaba a tocar con Achilles Liarmakopoulos; a él siempre le ha gustado la música latina y me preguntaba siempre por nueva música. Así que le mostré lo que tenía en el libro, le encantó y me dijo que la desarrollara y escribiera para tocar como concierto2. Además, cuenta cómo este pasillo da cuenta de sus recuerdos musicales más tempranos y de por qué decidió utilizar al trombón como un instrumento suave, con una capacidad de expresión melódica que es muy poco explorada, que cierra el ciclo y nos lleva a su pasado más remoto, cuando su función era imitar la voz humana: Para mí el pasillo es una forma que me identifica con la cultura colombiana. Yo crecí escuchando esa música de una manera tradicional, entonces es algo muy fácil crear este tipo de melodías, que son tan curvas como las montañas de mi país (…) Después de componer Trombonsillo, varios trombonistas me contactaron para que les escribiera cosas como en el mismo estilo (…) Creo que mis melodías funcionan bien para el trombón porque mi registro de voz está en el mismo registro donde el trombón canta bonito (…) Yo veo el trombón de una manera más dulce que el típico low note register brass sound. Y la música que hago es así, si alguien quiere explorar el registro donde el trombón puede ser más bonito, mas dreamy, o melancólico, más vulnerable, creo, yo me pongo ahí3. Finalmente, nos encontramos con Do-Si-Ficando, una pieza de Juan Daniel Oviedo (n. 1990), saxofonista, compositor y arreglista, con un interés particular en divulgar la música popular del país. En esta obra, el canto está a cargo de la voz más inesperada y logra sacar al barítono de los metales de su vivienda convencional, mostrando su versatilidad y las posibilidades expresivas que se esconden en su aparente dureza. 2 Comunicación vía correo electrónico con la compositora, en noviembre de 2021. 3 Comunicación vía correo electrónico con la compositora, en noviembre de 2021. 10 Referencias Banco de la República (2017). Entrevista abierta a Pedro Sarmiento. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=eAYasYLTf5E&t=760s Rodríguez, M. E. (s. f.). Música nacional: El pasillo colombiano. https:// www.academia.edu/8296909/M%C3%9ASICA_NACIONAL_EL_ PASILLO_COLOMBIANO Sarmiento, P. en Gaviria, G. (2017). La música de Pedro Sarmiento. Notas al programa del concierto realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel. Recuperado de https://babel.banrepcultural.org/digital/ collection/p17054coll30/id/140/rec/4 Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 11 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!