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Imagen de apoyo de Programa de mano - Corrientes, nueva música colombiana (Colombia)

Por: | Fecha: 03/05/2019

Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano

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Imagen de apoyo de Programa de mano - Juan Manuel Molano, guitarra (Colombia)

Por: | Fecha: 18/03/2019

Foto: Daniel Molano Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 JUAN MANUEL MOLANO guitarra (Colombia) Jueves 11 de abril de 2019 · 7:00 p.m. Villavicencio, Teatro La Vorágine PULEP: TCY755 Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ZZP911 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Daniel Molano JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Nació en Medellín, Colombia. Terminó sus estudios de guitarra clásica en la Universidad EAFIT bajo la dirección de Alejandro Valencia Duque y realizó un intercambio académico con la Universidad de São Paulo (USP) en Brasil, donde estudió con Edelton Gloeden y tuvo clases magistrales con Fabio Zanon y Paulo Martelli. Ha participado en importantes festivales internacionales de música, entre los que se destacan el 49° Festival de Inverno Campos do Jordão (Brasil), el XIII Festival de Música de Santa Catarina FEMUSC (Brasil) y el XI Festival Internacional de Música de Cartagena (Colombia), este último gracias la beca otorgada por la Fundación Salvi. Fue invitado al programa La Retreta del canal Telemedellín y participó en eventos como el Primer Encuentro de Guitarra EAFIT 2017 y el Segundo Festival Internacional de Guitarra de Medellín. También ha ofrecido recitales en São Paulo, Belo Horizonte, Campos do Jordão, Jaraguá do Sul, Medellín, Bogotá, Cali y Jericó. Molano fue ganador del concurso Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT con su interpretación como solista del Concierto del Sur, del compositor mexicano Manuel María Ponce. También ha sido galardonado en varios concursos, incluyendo el primer lugar en el concurso de pregrado de la Universidad EAFIT en las categorías solista y música de cámara, el segundo lugar en el concurso nacional de guitarra clásica El Nogal en Bogotá y el tercer lugar en el V Concurso Internacional de Guitarra Fernando Sor. Molano ha participado en clases magistrales con Johan Fostier (Bélgica), Eduardo Isaac (Argentina), Judicaël Perroy (Francia), Guillem Pérez Quer (España), Thomas Patterson (Estados Unidos), Iván Rijos (Puerto Rico), Mario Ulloa (Costa Rica), Ignacio Rodes (España), Paulo Porto Alegre (Brasil), Cristina Pérez Maideo (Cuba), Julián Cardona (Colombia), Daniel Sá (Brasil), Nilko Andreas Guarín (Colombia), André Rodrigues (Brasil), el Cuarteto de Guitarras de Brasil y el Cuarteto Europeo de Guitarras, entre otros. El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Junto al Generalife (1955) JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999) Suite en do menor, BWV 997 (c. 1740) Prelude Fugue Sarabande Gigue Double JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Adaptación para guitarra de Juan Manuel Molano a partir del arreglo para guitarra de Tilman Hoppstock (n. 1961). INTERMEDIO Un sueño en la floresta (c. 1918) AGUSTÍN BARRIOS ‘MANGORÉ’ (1885-1944) El decamerón negro (1981) El arpa del guerrero La huida de los amantes por el valle de los ecos La balada de la doncella enamorada LEO BROUWER (n. 1939) Fantasía No. 1 (s. f.) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) CONCIERTO No. 17 3 NOTAS AL PROGRAMA A propósito de las piezas que conforman el programa de hoy, habría que decir que todas, menos la Suite, BWV 997, comparten una concepción programática1; todas, menos la Suite, BWV 997, dan cuenta, además, del espíritu nacionalista de sus compositores, y todas, menos la Suite, BWV 997, fueron producto de las mentes de autores hispanoparlantes. No obstante, lejos de querer discriminar y confrontar, habría más bien que hablar de aquello que logra unir las génesis de las cinco piezas que escogió el guitarrista Juan Manuel Molano: la búsqueda estética por la unión entre lo popular y lo académico. Es precisamente con el español Joaquín Rodrigo (1901-1999) que se inicia este programa. Junto al Generalife es una pieza que engloba perfectamente tanto el espíritu de la música programática como el de la nacionalista, que son desarrollados por medio de una exploración técnica del instrumento a partir de elementos de la música popular tales como la improvisación y las melodías con carácter cantabile. El uso del trémolo, un recurso bastante utilizado en la literatura para guitarra, se da en el momento más lírico de la pieza, que es, a su vez, uno de los más complicados técnicamente; se exige la diferenciación entre la melodía que resuena a partir de notas repetidas con los dedos anular, medio e índice de manera secuencial y la melodía paralela que se ejecuta con el pulgar. Alternando con esto, el compositor incluye secciones con escalas y ritmos que recuerdan la música gitana española, desarrollada principalmente en el sur del país, cuna del Generalife –un complejo arquitectónico de jardines en la Alhambra, en Granada, cuyo paisaje funciona como inspiración para la creación de la pieza y que, al igual que esta, consta de varios cuadros con matices contrastantes, pero que narran una misma historia–. El compositor menciona, a propósito de la pieza: «[en el Generalife] se puede hallar el murmullo de las brisas perfumadas, un lejano sonar de campanas y las flores 1 La música programática se refiere a composiciones que evocan conceptos extramusicales. Toma su nombre del programa que se empezó a entregar al público a partir de la Sinfonía fantástica (1930) de Hector Berlioz (1803-1869), quien redactó una explicación de cada uno de los movimientos de la pieza para que los oyentes relacionaran los eventos musicales con la narración del programa. Lo anterior no quiere decir que antes de esto no existiera la música narrativa o descriptiva; un ejemplo son Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, basadas en poemas que describían cada una de las estaciones del año. Simplemente no se le daba ese nombre y nunca fue tan popular como en el siglo XIX. 4 que se guarnecen bajo los mirtos. Y allí también la guitarra se reposa y sueña» (Giménez, citado por Cherouana, 2011, p. 11). Para el momento en que la Suite en do menor, BWV 997 de Johann Sebastian Bach (1687-1750) fue compuesta, la suite ya contaba con varios siglos de desarrollo y, aunque en el siglo xviii ya existía una especie de canon para estructurar este tipo de piezas, desde el siglo xv las suites constituían simplemente series de danzas, que podían ser escogidas de entre un gran repertorio que incluía la alemande, la gigue, la corrente, la galliarde, la pavane, el branle y, más adelante, la sarabande, el pasamezzo y la chaconne, entre otras. Varias de estas danzas fueron incluidas en el ballet de cour, o ballet de corte, cuyo apogeo llegó en el mandato del rey y bailarín Luis XIV, e incluso fueron utilizadas en las tragédie en musique de Jean-Baptiste Lully. Poco a poco los compositores empezaron a preferir ciertos aires y a organizar las danzas según el contraste de tempi o velocidades, además de agruparlas por tonalidades; esto se ve sintomáticamente entre los laudistas franceses de finales del xvii, cuyo instrumento, por la manera en que estaba afinado, privilegiaba determinados tonos. Las danzas más utilizadas llegaron a ser la allemande, la courante, la sarabande y la gigue, aunque también se ven de manera esporádica el loure, el rigaudon, la bourée, la gavotte y el minuet. Además, se empezó a incluir un preludio o fantasía al comienzo de la suite, que inicialmente podía ser improvisado y tenía la función de permitir al ejecutante afinar su instrumento. Posteriormente, los compositores utilizaron el preludio para desarrollar diferentes procedimientos compositivos de manera indistinta y mostrar las posibilidades técnicas y sonoras del instrumento. Vale aclarar que desde el siglo xvi la suite para instrumento solista se gestaba en paralelo con la suite compuesta para ensamble de instrumentos pero que la primera no buscaba, como la segunda, que la música se utilizara únicamente para ser bailada; por el contrario, en la mayoría de las suites o danzas para instrumento solista, los compositores empleaban y citaban los patrones rítmicos de las danzas con el ánimo de desarrollar, complejizar y encontrar nuevas posibilidades de interpretar el instrumento; por tanto, el carácter meramente danzable –si se permite el concepto– se podía ver desdibujado. Es dentro de esta categoría en donde se puede introducir la Suite, BWV 997 y, en general, todas las suites compuestas presuntamente para laúd por Johann Sebastian Bach. ¿Por qué presuntamente y no con plena seguridad? 5 Porque, por ejemplo, para el caso de esta pieza, la única fuente que está escrita en tablatura2 para laúd solamente incluye el preludio (llamado Fantasía), la sarabanda y la giga. Esta fue copiada por el laudista Johann Christian Weyrauch, quien probablemente descartó la fuga y el double (que se trata de una ornamentación de la giga) por su dificultad técnica. Otra opción, que no es aceptada por muchos estudiosos, es que, al igual que la BWV 996, esta suite fuera escrita para el clave-laúd o Lautenwerck, que no era más que un clavecín cuyas cuerdas no eran de metal sino de tripa, por lo que brindaba un sonido suave, muy similar al del laúd. ¿La razón? El compositor podría haber querido el sonido de la cuerda pulsada con la dificultad que brindaba un instrumento de tecla, en donde se puede tocar mucho más cómodamente una fuga. Suite, BWV 997. Tablatura de J. C. Weyrauch (Tomado de Koonce, 2002). 2 La tablatura para instrumentos de cuerda pulsada fue el sistema de notación propio de estos desde el siglo XV, y se diferenciaba de la notación convencional por cuanto su objetivo era guiar al ejecutante directamente en el instrumento. Esto quiere decir que, en lugar de informar las notas de manera abstracta (do, re, mi, etc.), se presenta la información necesaria para que el intérprete sepa exactamente en qué lugar del instrumento se encuentra cada una de las notas. Consta de líneas horizontales que representan las cuerdas del instrumento, con líneas verticales, que representan los compases, y números o letras que indican el número del traste que se debe tocar con la mano izquierda. Esto permitía que personas que no tenían una instrucción musical muy desarrollada pudieran tocar también el instrumento. 6 Continuando, encontramos otra de las obras más representativas del repertorio guitarrístico: Un sueño en la floresta, de Agustín Barrios ‘Mangoré’ (1885-1944). Llamada originalmente Souvenir d’un rêve, la pieza encapsula y logra la convivencia de la complejidad técnica y la aparente sencillez y casi ingenuidad que puede evocar algunas veces la música popular, la cual defendió Barrios en todo momento frente a un público escéptico y ciertamente conservador. Nitsuga (Agustín escrito al revés) Mangoré, como se hizo llamar el compositor en algún momento, se autoproclamó defensor de la música latinoamericana y la convirtió en una constante al momento de crear; sus ganas de reivindicar el sentido de lo popular nunca se vieron mermadas, ni siquiera por el rechazo de una audiencia acostumbrada a escuchar a los grandes monumentos de la guitarra, como Joaquín Turina, Manuel María Ponce, Federico Moreno Tórroba, Dionisio Aguado o Fernando Sor. Por esto escribió su Profesión de fe, en la que relata su génesis artística a partir de una mitología propia. A pesar de su evidente admiración por la música latinoamericana, Barrios nunca ocultó su debilidad por compositores decimonónicos como Robert Schumann y Frédéric Chopin, y tampoco la vio como un rival de su Profesión de fe. Por el contrario, la mayoría de sus piezas dan cuenta del buen matrimonio que creó el compositor entre lo popular y lo académico, y la pieza que se escuchará en el concierto no es la excepción. Aunque menos evidente en la exhibición de elementos meramente folclóricos en comparación con el resto de su obra, Un sueño en la floresta es una muestra diáfana del sincretismo entre el virtuosismo proveniente de la cultura europea y la simplicidad y jocosidad que se puede encontrar en la música popular. El trémolo en esta pieza es protagonista y se desarrolla de una manera bastante compleja, pues contiene una melodía que, al estilo de los lieder o canciones de Robert Schumann o Franz Schubert, pide ser expresada de manera muy fluida y natural a pesar de la dificultad que los recursos técnicos conlleven. El decamerón negro, de Leo Brouwer (n. 1939), es una composición dividida en tres partes; está basada en el libro homónimo del antropólogo alemán Leo Frobenius, que relata historias a la luz de la mitología de las diferentes culturas africanas, y fue dedicada a la guitarrista Sharon Isbin. Para cuando Brouwer compuso esta pieza, en 1981, su poética ya había pasado por algunas etapas en las que había experimentado de manera separada con el nacionalismo y las vanguardias del siglo xx. El hiperromanticismo, como lo denomina el mismo compositor, se trata de una tercera etapa en donde los elementos folclóricos se comunican pacíficamente con algunos elementos 7 vanguardistas, especialmente aquellos que evocan la simplicidad, como, por ejemplo, el minimalismo, que se logra percibir en la pieza que se escuchará hoy, a pesar de que el término por sí solo no haga justicia al producto, según el propio Brouwer: Hay muchos compositores que comparten este compromiso general de nueva simplicidad, como Phillip Glass, W. Kilar, Steve Reich, Gorecki, Jo Kondo, Yoji Juasa y Toshi Ichiyanagi. Describirla solamente como música minimalista no le haría justicia […] Mi nueva manera es parte de un movimiento general hacia la simplicidad, basada en música de nuestros países (Brouwer, 2004, p. 86). El decamerón negro es una pieza que encarna este pensamiento de manera muy clara, pues, a pesar de ser técnicamente compleja, el compositor siempre pensó en la sonoridad del instrumento; por tanto, se trata de una obra idiomática, amable con las posibilidades de la guitarra. En su libro de Estudios simples, Brouwer trata varios de los recursos técnicos que se presentan acá, por lo que resulta muy fácil resolver las dificultades. Además, los elementos del folclor cubano no se esconden y, por ejemplo, en la Balada de la doncella enamorada, el tema recurrente del inicio da cuenta de las síncopas presentes en la música popular cubana. A propósito de la obra y su poética narrativa, cuenta el autor: Tomé una historia del libro El decamerón negro, de León Frobenius [...] que dividí en tres partes. La primera es de un guerrero que quería ser músico y tocar el arpa. La situación de castas era muy estricta, en primer término estaban precisamente los guerreros, luego los sacerdotes, los cultivadores, y en el fondo de esa escalera están los músicos. ¿Cómo fue posible entonces que un grandioso guerrero del clan quisiera ser un músico? Este guerrero al dejar de serlo fue desechado por el clan y expulsado de la tribu. Entonces se fue a las montañas pero sucedió que la tribu comenzó a perder todas sus batallas y es cuando lo van a buscar, le piden, casi de rodillas, que los ayude, a ese que ya no era guerrero, sino músico. Baja de las montañas, gana todas las guerras y regresa a las montañas para convertirse en músico una vez más. Aquí también hay una historia de amor. Después de ser expulsado, ya no podía ver a su mujer, luego de vencer las batallas se la llevó con él. Esa es, simplificada, la historia de [mi] Decamerón negro (Hernández, 1999, p. 216). Para finalizar el concierto, una pieza del tolimense Gentil Montaña (1942-2011), quien, habiendo tenido la oportunidad de estudiar tanto en Colombia como en Europa, logró el sincretismo entre el lenguaje de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso el jazz. En palabras del compositor, «a pesar de que me formé oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo xx, las influencias externas me han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular ‘fusión’» (Montaña, 8 2011). A propósito de esto, la Fantasía No. 1 da cuenta de la creación de un lenguaje idiomático para la guitarra clásica a partir de la adaptación de lenguajes variopintos provenientes de un lugar común: el folclor colombiano. A pesar de que la música que Montaña sentía más cercana provenía de la Región Andina, este sentimiento no le impidió acercarse a ritmos procedentes de diferentes lugares pero que incluso llegaban a tener ciertas similitudes armónicas y rítmicas con géneros como el bambuco, que, a propósito de esta pieza y del género fantasía, se ve alternado, sin orden aparente, con el currulao y el mapalé, que a su vez son presentados dentro de un lenguaje armónico muy cercano al jazz y con recursos técnicos provenientes de la tradición guitarrística europea. Referencias Brouwer, L. (2004). Gajes del oficio. La Habana: Letras Cubanas. Cherouana, L. (2011). Soirée dans Grenade. Granada: Iberia Classical. Hernández, I. (1999). Leo Brouwer. La Habana: Editora Musical de Cuba. Koonce, F. (ed.). (2002). Johann Sebastian Bach: The solo lute Works. San Diego, California: Neil A. Kjos Music Company. Redacción El Tiempo. (29 de septiembre de 2011). Gentil Montaña: “La música andina colombiana es de uno”. El Tiempo. Recuperado de http://www. eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665 Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto. Janosch Hugi PFLANZPLÄTZ, música tradicional suiza (Suiza) Viernes 5 de julio · 7:00 p.m. Teatro La Vorágine Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia Con el apoyo del Instituto Departamental de Cultura del Meta PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Lunes 2 de septiembre · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Viernes 1 de noviembre de · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio PULEP: DOY374. QHU878. YMS104 PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN VILLAVICENCIO JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. PULEP: ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. TSH296 ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Pereira PULEP: ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267. CYV981. IZX751 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO ·v Foto. Rodrigo Iván Díaz ELVIS DÍAZ · Foto. Fabián Guevara Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano

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Imagen de apoyo de Programa de mano - Sebastián Cruz Trío, jazz (Colombia)

Por: | Fecha: 18/03/2019

Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano

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Imagen de apoyo de Programa de mano - Manuela Wanumen, violín (Colombia)

Por: | Fecha: 14/03/2019

Foto. Harrym Ramírez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MANUELA WANUMEN JIMÉNEZ violín (Colombia) Leonardo Cáceres, piano Óscar Moyano, guitarra Jueves 28 de marzo de 2019 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: HYJ598 Jueves 11 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: HXW120 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Harrym Ramírez Manuela Wanumen Jiménez, violín Manuela Wanumen nació en Bogotá en el año 2000. Inició sus estudios de violín a los cinco años y en el 2007 entró a la Fundación UniMúsica. En el 2009 se trasladó a Italia, en donde recibió clases con Nadia Lazaruk y actuó en el Museo Napoleónico de Roma y en la Embajada de Rumania. A finales del 2010 regresó a Bogotá y entró a la cátedra de violín de Fabio Santana. En el 2013 fue invitada a actuar como solista en el concierto didáctico del lanzamiento del programa 40x40 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá que se realizó en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Entre el 2013 y el 2015 fue concertino de la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de UniMúsica. A partir del 2015, recibió clases de teoría en el estudio privado de Alena Krasútskaya y de violín con Richard Biaggini; posteriormente estudió con Juan Carlos Higuita. Ha recibido clases magistrales de violín con Kia Hui-Tan, Simon Bernardini, Andrew Zaplatinsky, Wonji Kim, Sean Wang, Andrey Baranov, Lynn Chang, Emma Steele, Alexis Cárdenas y Corrado Rossi; de música de cámara con Roeland Jagers (del Cuarteto Rubens), Sheldon Person (de la Sinfónica de Houston), Brittany Kotheimer, Jay Jeong, Carlos Vargas y Álvaro Birtrán (del Cuarteto Latinoamericano). Adicionalmente, participó como becaria en el Summer String Academy de Indiana University (Estados Unidos) del 2015, en el Sewanee Summer Music Festival (Estados Unidos) del 2016 y en el Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador) del 2017; este mismo año fue seleccionada para participar en la Orquesta Binacional Colombo-Francesa durante las Temporadas Cruzadas del Año Colombia- Francia. En el 2018 hizo parte del III Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda organizado por el Cuarteto Q-Arte. Actualmente es estudiante de cuarto semestre del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra de violín con Juan Carlos Higuita y en la cátedra de música de cámara con Liz Ángela García. 2 Leonardo Cáceres, piano Docente de piano, pianista acompañante y corepetidor de la Escuela de Música de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Realizó sus primeros estudios en la Escuela Superior de Música de su ciudad natal, Tunja, con Jorge Zorro Sánchez. A los doce años fue merecedor del Premio Nacional de Colcultura y solista con la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Jaime León. Fue merecedor del Premio Nacional de Piano en el 1984. Después de cuatro años de estudios con Pilar Leyva, viajó a la Unión Soviética como ganador del Primer Premio Nacional Convenio ICETEX-URSS en 1988. Terminó sus estudios como profesor de piano, solista y música de cámara en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con N. Suslova, Galina Miceroba y Tatiana Golik. Representó a Colombia en el VIII Festival de Música Contemporánea (Quito, Ecuador). Desde su regreso a Colombia ha llevado a cabo una extensa labor como docente y acompañante en diferentes salas tanto en el ámbito nacional como en el internacional. Óscar Moyano, guitarra Inició sus estudios de música a los diez años en la Academia de Música Germinal de Chía (Cundinamarca), donde tomó clases de teoría musical y guitarra. A los catorce años, comenzó sus estudios de guitarra clásica con Juan Felipe Naranjo en la academia Wayno, con quien se preparó para el ingreso a los cursos básicos del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Allí estudió con Sonia Díaz, Alexander Parra y Gabriela Aedo. En el 2013 entró al programa de música con énfasis en interpretación de guitarra del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutoría de Irene Gómez con quien estudió hasta concluir su carrera en el 2018. Ha participado en conciertos, festivales, clases magistrales y concursos, tanto como solista como en diferentes agrupaciones. Sus mayores áreas de experiencia están en la interpretación musical en vivo, la enseñanza musical, y la composición y grabación de música y audio en estudio. El concierto en Manizales cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Partita No. 2 en re menor para violín solo, BWV 1004 (1717-1723) Allemanda Courante Sarabande Gigue Chaconne JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Despasillo, por favor (2006) LUIS CARLOS SABOYA (n. 1980) Para violín y guitarra INTERMEDIO Capriccio No. 13 en si bemol mayor ‘La risa del diablo’ de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 (c. 1805) Capriccio No. 16 en sol menor de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 (c. 1805) NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) Sonata para violín No. 1 en la menor, Op. 105 (1851) Mit leidenschaftlichem Ausdruck Allegretto Lebhaft ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Para violín y piano CONCIERTO No. 15 4 NOTAS AL PROGRAMA El concierto de hoy es un vaivén de muchas cosas: lo popular y lo académico, los tiempos lentos y rápidos, la expresividad y el virtuosismo, el sentimiento y la técnica, el instrumento solo y con acompañamiento. Manuela Wanumen escogió de forma inteligente un repertorio equilibrado entre obras de distintas épocas, cada una con sus exigencias particulares, pero todas ellas con grandes complejidades. Interpretar las obras de Johann Sebastian Bach siempre generará algo de frustración entre los solistas más autocríticos, inclusive entre los mundialmente conocidos, pues su música no es de este mundo. A pesar de que la obra de hoy encuentra sus raíces en danzas europeas de carácter popular que fueron luego estilizadas entre los compositores doctos, lograr sostener el discurso musical y sobrevivir a la larga y exigente Ciaconna del final no es tarea sencilla. El pasillo de Luis Carlos Saboya será un descanso para sus dedos y mente, pero dejará ver el fondo de su alma, su expresividad y su colombianidad. Luego del intermedio, bajará al Hades para emular primero la risa del diablo, viejo amigo de Paganini, y después interpretar endiabladamente el Capriccio No. 16. Finalmente, cerrará con una larga sonata de Schumann en la que hay un íntimo diálogo con el piano que la acompaña. Partita No. 2 en re menor para violín solo, BWV 1004 Las sonatas y partitas para violín solo de Johann Sebastian Bach (1685-1750) datan del denominado periodo de Köthen (1717-1723), importante en la producción de música de cámara del renombrado compositor alemán. Son una serie de obras que consolidan ese punto en la historia del violín en el que el instrumento empieza a ser tenido en cuenta por sus capacidades como solista, y ya no como un mero acompañante. Hay lugares de desencuentro en la musicología histórica acerca de las primeras obras escritas en el Barroco para violín solo, pero la indicación en puño y letra de Bach de que sus sonatas y partitas debían tocarse ‘senza cembalo’ o ‘senza basse’ demuestra que fueron concebidas para sonar sin acompañamiento alguno. En ese sentido, y de acuerdo con la etapa en la que Bach se encontraba al momento de su escritura, pueden apreciarse como el impulso inicial de la figura del violinista como solista. Además de ser musicalmente ricas y complejas, al mejor estilo de Bach, son también retadoras en el aspecto técnico, lo que muestra la intención del compositor por mejorar el nivel de los músicos a su disposición en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen (Wolf y Emery). Así, estas piezas son didácticas y pedagógicas en un estilo avanzado, pero no por ello pierden su calidad musical. Para diciembre de 1717 las obligaciones de Bach con su anterior empleador, el duque Guillermo de Sajonia-Weimar, habían llegado a un infeliz término: Bach quería ser maestro de capilla –la posición de mayor prestigio para un músico en ese entonces– y el duque negociaba este puesto con otros interesados. Al enterarse de que 5 el príncipe Leopoldo tenía la voluntad de otorgarle el honor de dirigir la música de su corte, Bach solicitó insistentemente y quizás en términos no adecuados la terminación de su anterior contrato, algo que desató la furia del duque, quien lo encarceló por un mes antes de dejarlo partir. Instalado en Köthen, Bach continuó con su incansable rutina de componer música con distintos fines y para distintos formatos. Si bien las obras vocales de inspiración religiosa y de alabanza, como los corales y las cantatas, fueron una constante en aquellos años, la música de cámara también ocupó un lugar importante para la inventiva de Bach. Con músicos a su disposición y estudiantes ávidos de mejorar su técnica, el maestro de capilla escribió obras para pequeños ensambles y piezas para solistas. De su lustro en Köthen quedaron producciones que son consideradas hitos de la música de cámara como los Conciertos de Brandenburgo, la primera parte de El clave bien temperado, algunas piezas para laúd, las suites para violonchelo, y las sonatas y partitas para violín. La partita escogida por Manuela Wanumen para el concierto de hoy está conformada por cinco partes. Las cuatro primeras son típicas de la tradición de ese entonces en la forma de suite (partita y suite pueden tomarse como términos similares): danzas contrastantes inspiradas en construcciones melódicas, rítmicas y armónicas de distintas regiones de Europa. Allemanda (alemana), Courante (italiana o francesa), Sarabande (española) y Gigue (inglesa) se alternan en un vaivén lento-rápido. La última parte, Chaconne o Ciaccona, incluye ambas características en relación con los contrastes de tempo. Es el movimiento más largo y exigente de la obra. Entre los instrumentistas causa terror su dificultad técnica, y entre los musicólogos, confusión. No es claro si Bach escribió la Ciaccona como parte de la partita o más bien la adaptó, pues parece ser más apropiada para tocarse en laúd (Altschuler, 2005, p. 79). También se ha sugerido que la escribió a la memoria de su esposa María Bárbara, quien murió en julio de 1720, el año al que se asocia la composición de la serie de sonatas y partitas (Wolf y Emery). Despasillo, por favor Luis Carlos Saboya (n. 1980) hace parte de la generación joven de compositores colombianos activos en la actualidad que no son fáciles de clasificar estilísticamente. Con su música nos invita a desprendernos de esa acartonada costumbre que tenemos heredada de Europa de hacer una taxonomía de las cosas para poder hablar de ellas con propiedad. ¿Acaso hay que clasificar todo para entenderlo? Quizás no, y menos en un momento tan especial en la contemporaneidad colombiana de la música, con tanto diálogo entre nuestras tradiciones (entre ellas mismas) y otras venidas del extranjero. Esto no quiere decir que nuestros compositores sean inmunes al estudio crítico de su obra. De hecho, lo merecen, pero este no es el espacio para ello, y quien escribe no es el experto. 6 La biografía de Saboya es una pista para crear un discurso inteligible sobre su música. Y se puede hacer de forma sencilla, sin entrar en las particularidades de sus composiciones o su análisis formal. Desde pequeño estuvo expuesto a las músicas tradicionales de los Andes colombianos. Esto significa que es conocedor del pasillo, el bambuco y la guabina (entre otros aires de la región). Estudió las músicas académicas de conservatorio en Tunja y en la Universidad Nacional de Colombia, para luego especializarse en composición en Barcelona. Con el Trío Instrumental Palos y Cuerdas –junto con sus dos hermanos en la bandola y la guitarra– ha explorado músicas de distintos compositores colombianos, ha hecho sus propios arreglos y ha estrenado obras originales. En formato de cuarteto (violín, vibráfono y contrabajo), con músicos del extranjero, se animó a incluir armonías jazzísticas en sus composiciones. Por las razones anteriores, la música de Saboya suena un poco a Colombia y un poco al mundo. El diálogo entre el violín y la guitarra en la pieza de hoy presenta una conducción de voces muy clara, en la que el violín resalta lleno de melancolía en la primera parte –con guiños que nos recuerdan el lirismo de los tangos de Piazzolla, para contrastar con la jovialidad de los pasillos rápidos en la que le sucede. Mientras tanto, la guitarra acompaña con armonías cargadas de color y la inconfundible acentuación. Capriccios Nos. 13 y 16 de 24 capriccios para violín solo, Op. 1 Quién más podría encarnar aquello que Bach predijo con sus piezas para violín como el gran solista si no Niccolò Paganini (1782-1840). La libertad que se le empezó a otorgar al instrumento en el Barroco puede verse materializada décadas más tarde en Paganini como un prototípico músico romántico emancipado: de las cortes europeas posteriores a la Revolución Francesa era asesor o invitado, y no empleado; a sus conciertos en extensas giras por Europa se debía pagar por la entrada, lo que representaba un ingreso económico constante; sus composiciones eran vendidas por casas editoriales; logró administrar su propio negocio de compra y venta de instrumentos durante sus últimos años de vida; inclusive se emancipó de Dios al no aceptar los santos óleos en su lecho de muerte (quizás este hecho alimentó el popular mito de su pacto con el diablo, lo que lo había convertido en el violinista más virtuoso de todos los tiempos). Su irreverencia era tal que muchos de sus contemporáneos despreciaban su tendencia a no seguir al pie de la letra las partituras de otros compositores (Neil). Paganini era entonces un intérprete libre. Y como compositor se permitió, también, antojos a su gusto. Paganini compuso para un tipo de violinistas que no existía en su tiempo. Cambió la postura del cuerpo para sostener el violín, experimentó con distintos tipos de arcos, hizo uso de la scordatura (afinaciones no convencionales) y exprimió la técnica de ambas manos al máximo (Neil). Cuando se publicaron sus 24 capriccios para violín solo, estos fueron juzgados como imposibles de tocar, y la crítica los consideró como 7 un ejercicio ególatra que únicamente buscaba reforzar su histrionismo y pirotecnia musical (Perry, 2004, p. 208). La historia ha probado lo contrario, pues estos capriccios son en la actualidad piezas obligadas entre todos los violinistas de conservatorio, son requisito en concursos y son material de grabación en todo el mundo. Los 24 capriccios fueron compuestos hacia 1805, cuando el joven Paganinni contaba con veintidós o veintitrés años de edad y trabajaba como concertino en la orquesta del Principado de Lucca y Piombino, un estado napoleónico asignado a Elisa Bonaparte, hermana del emperador. En su primera edición, quince años más tarde, aparecen dedicados ‘a todos los artistas’ (alli artisti), lo que sugiere que fueron pensados como un ejercicio compositivo más que como piezas de ocasión. De hecho, parece que Paganini nunca los tocó en público. Aquí la palabra capriccio (capricho) toma sentido en el ámbito musical y lingüístico, pues estas piezas no solo no comprenden una estructura o forma única, sino que surgen de su antojo por componer. Sonata para violín No. 1 en la menor, Op. 105 De los tres compositores europeos en el programa de hoy, Robert Schumann (1810- 1856) es el más cercano a nuestro tiempo. A pesar de ser reconocido por algunos de sus contemporáneos como un compositor romántico, etiqueta que él rechazaba categóricamente, sigue siendo considerado en nuestros días como uno de los mayores exponentes del Romanticismo. Como un agudo crítico musical, fundador, editor y posterior colaborador de la revista Neue Zeitschrift für Musik, Schumann se sentía más cómodo pensándose como un neorromántico, un continuador de una tradición que encontraba sus raíces en el propio Bach. Aquí, Schumann rehúye de las clasificaciones históricas de los estilos musicales y propone una forma distinta de entender la evolución del lenguaje musical académico europeo (o quizás solo alemán). Tal vez por haber nacido en el seno de un hogar donde la actividad literaria era fundamental, y por haberse sumergido con intensidad en las letras –en especial la poesía–, buscó reconocer el carácter poético y expresivo de Bach, más allá de su música vocal. Fue partícipe de la generación de compositores que, liderados por Mendelssohn, rescataron la música de Bach, latente por más de cincuenta años y casi relegada al olvido. Schumann descubrió a Bach a temprana edad y utilizó su obra para pulir su propio estilo de componer estudiándolo con el más fino detalle. Se inspiró en él para escribir famosas fugas y trabajó en acompañamientos para algunas de sus composiciones para instrumento solista, entre ellas las sonatas y partitas para violín (Daverio y Sams). Una de las características de la música de Schumann es un cierto rechazo (aunque con algunas excepciones) al virtuosismo, considerando que el desarrollo técnico no debía ser un fin en sí mismo, sino un medio para embellecer y sublimar la música. Pero, como buen romántico, es decir, al reconocer la importancia de la expresividad de los sentimientos, podía darse el gusto de caer en contradicciones. Cuando era joven y vivía en Heidelberg, hacia 1830, y aún no había decidido dedicarse de lleno 8 a la música, conoció al virtuoso Paganini y cayó rendido ante sus pies. Dicen que el encuentro fue definitivo para Schumann en la decisión de no seguir estudiando leyes para darle gusto a su familia. Veinte años después, cuando trabajaba en la primera sonata para violín, escribía acompañamientos para los 24 capriccios (Daverio y Sams). La sonata para violín que escucharemos hoy fue escrita, a diferencia de las obras de los dos anteriores compositores mencionados, en el periodo más maduro de su vida, cuando ejerció como director musical municipal en Düsseldorf entre 1850 y 1854. Estos fueron años de mucha actividad componiendo en varios géneros, tanto de música sacra como profana, vocal e instrumental, orquestal y de cámara. Es también el ocaso de su vida cuando luchaba contra las fuertes depresiones que lo aquejaban desde joven, los ataques de nervios, el reumatismo, y el agotamiento físico. Un intento de suicidio al arrojarse a las aguas del Rin y varias estancias en clínicas de reposo marcan este periodo. Pero su sonata no refleja la inestabilidad mental y la enfermedad. Es en cambio, como toda su música, una lúcida reacción a la naturaleza no artística del pasado inmediato, cuando la música de mayor aceptación era grandilocuente y espectacular. Referencias Altschuler, E. Were Bach’s Toccata and Fugue BWV565 and the Ciaccona from BWV1004 Lute Pieces? The Musical Times, Vol. 146, No. 1893 (Winter, 2005). Daverio, J. y Sams, E. “Robert Schumann”. Grove Music Online (2001). Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/ gmo/9781561592630.article.40704 Neill, E. “Nicolò Paganini”. Grove Music Online. Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630.article.40008 Perry, J. “Paganini’s Quest: The Twenty-four Capricci per violino solo, Op. 1”. 19th-Century Music, Vol. 27, No. 3 (Spring 2004). Wolf, C. y Emery, W. “Johann Sebastian Bach”. Grove Music Online. Consultado el 27 de enero de 2019. Disponible en: https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630. article.6002278195 Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico y magíster en relaciones internacionales de la Pontificia Universidad Javeriana. Conduce programas radiales en Javeriana Estéreo y UN Radio, en los que presenta hallazgos de sus investigaciones acerca de la música y la historia de los pueblos afrodescendientes de los Estados Unidos. Actualmente cursa un postgrado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Heidelberg (Alemania). Próximos conciertos en Manizales Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Foto. David Castañeda PÁRAMO quinteto de jazz (Colombia) URPI BARCO, jazz (Colombia) Miércoles 19 de junio de 2019 · 7:00 p.m. CRISTIAN DEL REAL, piano (Colombia) Miércoles 21 de agosto de 2019 · 7:00 p.m. GUSTAVO ADOLFO NIÑO, guitarra (Colombia) Miércoles 4 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Martes 8 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Cód. PULEP: XEA716. IFP763. HJI802. OLS648 HANSJÖRG ALBRECHT, órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto Cód. PULEP: VGW197. ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573. JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo Cód. PULEP: ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770. XYA267. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SERIE PROFESIONAL $6.000 $10.000 HANSJÖRG ALBRECHT - Foto: Florian Wagner JUAN MANUEL MOLANO - Foto: Daniel Molano Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá

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Por: | Fecha: 23/05/2019

Foto: Áxel Moncada Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana (Colombia) Jueves 16 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Armenia, Casa de la Cultura de Calarcá PULEP: OBR115 Sábado, 18 de mayo de 2019 · 4:00 p.m. Cali, Auditorio del Centro Cultural Comfandi PULEP: DXD705 Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: OTA770 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Áxel Moncada COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Valentina Álvarez, guitarra; Daniela Dorado, tiple; Valentina Castaño y Estefanía Marín, bandolas Colorín Colorado es una destacada agrupación juvenil femenina que nació de las prácticas de grupos de cámara del plan de estudios de la Escuela de música de Ginebra (Valle del Cauca) y la Fundación Canto por la Vida, dirigidas por Samuel Ibarra Conde. Sus integrantes se destacan por la alegría, dedicación, disciplina y pasión con que asumen la música. En sus seis años de recorrido musical han alcanzado una delicada destreza en la ejecución de sus instrumentos que les ha permitido mostrar al público altos niveles de interpretación a través de la amplia sonoridad del formato de cuarteto colombiano. Su extenso y variado repertorio incluye diversos ritmos de la música andina colombiana. En su repertorio incluyen obras de los destacados compositores Luis Uribe Bueno, Francisco Cristancho, Luis A. Calvo, Álvaro Romero, Efraín Orozco, Samuel Ibarra, Jerónimo Velasco, Fulgencio García, Jacob do Bandolim y Pedro Morales Pino, entre otros. Colorín Colorado inició su carrera musical a nivel nacional en el 2013, año en que obtuvo los primeros lugares y premios en los más importantes concursos infantiles y juveniles que promueven la música andina: el primer puesto como grupo instrumental y el gran premio a lo mejor de lo mejor en el concurso Cuyabrito de Oro, en Montenegro (Quindío); ganador absoluto en la modalidad instrumental y el Gran Premio Cacique Tundama, en Duitama (Boyacá). En el 2014 ganó el primer puesto como agrupación instrumental y obtuvo el Gran Zue de Oro a lo mejor de lo mejor en el Concurso de Sogamoso (Boyacá). En el 2015 ocupó el primer puesto en el Concurso Nacional Infantil y Juvenil Ocobo de Oro, en Ibagué. Fue finalista en el XXVI Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas) y en el XXXII Festival Hatoviejo-Cotrafa, en Bello (Antioquia). Ocupó el segundo lugar en el XVI Concurso Nacional de Duetos Ciudad de Cajicá y VIII Concurso de Música Andina Colombiana Instrumental y Vocal, en Cajicá (Cundinamarca). 2 Colorín Colorado ha ofrecido conciertos en el Museo Nacional de Bogotá; en el Congreso Nacional de Música, en Medellín; en los encuentros Bandolitis del Festival Bandola, en Sevilla (Valle del Cauca); en el Encuentro de Música Pamplonilla la loca, en Pamplona (Norte de Santander); en el Encuentro de Estudiantinas, en Tuluá y Versalles (Valle del Cauca), y en la 45a edición del Festival Internacional de la Cultura (FIC) en Tunja (Boyacá). Participó en el 42° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez, con la obra inédita Danza de nubes, de Samuel Ibarra Conde; en el Encuentro de Educación Musical en la Escuela Básica Primaria, en Bogotá; en el Congreso de Música Andina Colombiana (MAC) en Ginebra (Valle del Cauca), y en conciertos en la Universidad del Valle, la Universidad Sergio Arboleda y la Universidad Pedagógica Nacional en Bogotá. Además de interpretar música andina colombiana, Colorín Colorado ha investigado nuevas sonoridades y planteado propuestas musicales con las que las ha descubierto las bondades culturales y artísticas de la música infantil tradicional. Esta es una nueva propuesta performática, que incluye música instrumental, voces y actuación, y que han tenido la oportunidad de presentar en el Festival Centro de Bogotá y en el Encuentro Departamental de Orquestas de Cuerdas del Valle del Cauca, en la ciudad de Versalles, en este departamento. El concierto en Armenia cuenta con el apoyo de El concierto en Cali cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Anochecer (s. f.) JERÓNIMO VELASCO GONZÁLEZ (1885-1963) Original para piano* Toño (s. f.) ÁLVARO ROMERO SÁNCHEZ (1909-1999) Original para trío típico colombiano* El muñequero (1994) LUIS URIBE BUENO (1916-2000) Blanquita (c. 1937) LUIS ANTONIO CALVO (1882-1945) Original para piano* Un nuevo hogar (2013) SAMUEL IBARRA CONDE (n. 1987) Original para orquesta de cuerdas pulsadas* Iris (1912-1923) / Leonilde (1880-1899) / Una noche (s. f.) / Chispazo (1880-1899) PEDRO MORALES PINO (1863-1926) Original para piano* INTERMEDIO Valentina (2013) SAMUEL IBARRA CONDE Trigueñita (s. f.) FRANCISCO CRISTANCHO CAMARGO (1905-1977) Original para trío típico colombiano* Danza de nubes (2016) SAMUEL IBARRA CONDE Las doce (s. f.) ÁLVARO ROMERO SÁNCHEZ Original para trío típico colombiano* Santa morena (1954) JACOB PICK BITTENCOURT ‘JACOB DO BANDOLIM’ (1918-1969) Original para bandolim, cavaquinho, guitarra y guitarra de siete cuerdas* Coqueteos (s. f.) FULGENCIO GARCÍA PARRA (1880-1945) Original para trío típico colombiano* * Arreglos para cuarteto típico colombiano realizados por Samuel Ibarra Conde CONCIERTO No. 24 4 NOTAS AL PROGRAMA «Tenemos 21 años, en promedio, y llevamos tocando juntas seis años, pero mucho más en el proceso de la escuela». La escuela es la de la Fundación Canto por la Vida, en Ginebra, Valle del Cauca, una hermosa realidad formativa y una experiencia vital y artística que ya ha marcado positivamente por lo menos un par de generaciones de niños y jóvenes. «Aprendimos de los procesos de la escuela, pasamos por los xilófonos, el guitarrillo, otros instrumentos y varios grupos», dice una de las integrantes al describir su proceso formativo allí, que se caracteriza por la integralidad en la construcción de buenos y variados desempeños instrumentales, vocales, corporales y en escena, en un ambiente lúdico de rigor y amor. ¿Cómo se armó el cuarteto? «Nuestra escuela es la de Samuel», responden inmediatamente, refiriéndose a Samuel Ibarra Conde, músico profesional de una reconocida universidad bogotana y con posgrado en Brasil. A partir de esa experiencia general, Ibarra identificó las fortalezas y proyecciones de cada una en su instrumento y las ha guiado: es quien les da las indicaciones técnicas e interpretativas, escoge y arregla –si es el caso– el repertorio, las acompaña y las respalda. Tanto en la escuela como en su proyección artística, el cuarteto se ha preocupado por tratar de reconstruir algo que consideran importante y, de alguna manera, refundido: eso tan inasible que puede denominarse ‘escuela vallecaucana’, especialmente en la bandola, por lo cual tienen como referente principal a Diego Estrada Montoya y su Trío Morales Pino. «Nos gusta la fuerza del maestro Estrada, su manera de tocar; estamos recuperando su forma de tomar el plectro, la predominancia del antebrazo […] todo mezclado con las técnicas que nos trajo Samuel de Brasil». Y estas búsquedas han venido sonando, siguen haciéndolo, y las han hecho merecedoras de primeros premios en prácticamente todos los festivales y concursos regionales y nacionales en modalidad infantil. En las modalidades de mayores el asunto es mucho más difícil, pero están proyectando el recorrido por los concursos, ya que les gusta «conocer gente, aprender de otros, hacer amigos y contactos, darnos a conocer». El pintor y músico Pedro Morales Pino (1863-1926) es fundamental en la construcción del imaginario de la denominada música andina colombiana, ya que devino en un mito fundacional: a pesar de los hallazgos recientes y no tan recientes, sigue denominándosele el ‘padre de la música colombiana’ y sigue afirmándose que fue el primero en llevar los ‘aires nacionales’ al pentagrama, el que se inventó la bandola de seis órdenes y dieciséis cuerdas… en fin. Pues 5 allí hay tanto de leyenda como de desinformación y, por supuesto, de verdad magnificada. Morales fue un informado lector de la realidad de su época y supo captar movimientos internacionales para capitalizarlos en propuestas sonoras y simbólicas que encajaron en la cultura del centro geográfico y político del país. Al igual que sucedió en otros países latinoamericanos, Morales adaptó un tipo de conjunto que mezclaba instrumentos de plectro con instrumentos de pulso y rasgueo: la denominada estudiantina en España que, a diferencia de las tunas, agrupaba músicos profesionales o semiprofesionales. Es conocido el indudable éxito europeo de la Estudiantina Española hacia 1878 en París y otras capitales, y cómo la Estudiantina Española Fígaro, que conformó Dionisio Granados, se encargó de difundir el formato en América Latina. Morales también fue visionario en su aproximación a la tecnología, y fue por ello que planteó el viaje hacia los Estados Unidos con la intención de grabar su música con su agrupación, cosa que no logró, aunque obtuvo resonantes éxitos por sus conciertos. El homenaje que se le hace al ‘rey del pasillo’ en este concierto recoge cuatro de sus más representativas obras en este género: Iris, Leonilde, Una noche y Chispazo, en las que podemos apreciar tanto sus bellas líneas melódicas como un sutil trabajo rítmico1. Al lado de Morales Pino, en Bogotá, desarrollaron su labor interpretativa y compositiva músicos de muy diversas procedencias y formaciones. Junto con Ricardo Acevedo Bernal, el tolimense Fulgencio García Parra (1880-1945) es reconocido por un repertorio que pareciera escrito desde y para la bandola. Activo intérprete y compositor, tocó este instrumento en agrupaciones como la Estudiantina Bogotá, hacia 1910, y el conjunto Arpa Nacional, hacia 1915, y grabaciones de sus obras están reportadas desde las décadas de 1920 y 1930. Su pasillo Coqueteos fue grabado el 12 de marzo de 1924 por la Orquesta Internacional –seudónimo que utilizó la International Novelty Orchestra para sus producciones dirigidas a países de habla hispana–, y hoy escucharemos una versión en lenguaje tradicional, con algunos cambios de tempo y timbre (la tercera sección es presentada en tempo lento, inicialmente en armónicos y luego con cambio de roles), variaciones en la repetición de algunas secciones y un final cromático. En el lado B del disco en que apareció Coqueteos está grabada una danza del caleño Jerónimo Velasco González (1885-1963), otro activo intérprete, director y compositor del escenario musical bogotano de la primera mitad 1 De lo mucho que se ha escrito sobre Morales Pino, bien vale la pena destacar la publicación de su obra, que puede consultarse en http://catalogoenlinea.bibliotecanacional.gov.co/client/search/ asset/71787. También, el Banco de la República publicó un disco antológico: Pedro Morales Pino, obras para piano (2004), con la intérprete Claudia Calderón e interesantes notas de Ellie Anne Duque. 6 del siglo XX. Su nombre está vinculado a agrupaciones como la Estudiantina Nacional, la Estudiantina X y la Estudiantina Arpa Nacional, aunque también a la Orquesta Unión Musical, y es destacable su participación en 1929 en la Feria Exposición Mundial en Sevilla, donde fue galardonado. Anochecer es un vals con claras influencias del estilo vienés decimonónico. Esto se puede ver, por ejemplo, en la breve cita final de los principales temas, aunque es de destacar la forma en que se intercalan frases muy rápidas que le dan una dinámica particular. En su libro sobre Luis Antonio Calvo (1882-1945), de obligada lectura por su rigor y aportes, Sergio Ospina Romero sitúa la grabación del pasillo Blanquita cerca del año 1937, ya hacia el final de la vida del compositor, y comenta que «constituye una propuesta un poco más elaborada y madura que sus primeros pasillos» (Ospina, 2017, p. 369). Esta afirmación puede verse reflejada en el trabajo formal, ya que posee una breve introducción original, seguida de tres secciones contrastantes en tempo lento-rápido-lento, lo que lo aleja del carácter bailable que para la época tenían muchos pasillos del propio Calvo y de otros compositores de música popular. Al decir de este y otros estudiosos, estaba empezando a conformarse por entonces un repertorio que sería etiquetado posteriormente como música popular de concierto, una vertiente que también se presentó en otros países latinoamericanos. En la misma línea compositiva, denominada comúnmente ‘tradicional’, se puede ubicar a un músico vallecaucano muy destacado por su vena: el guitarrista Álvaro Romero Sánchez (1909-1999), integrante de agrupaciones que se volvieron insignia de ese tipo de lenguaje. Como intérprete y compositor, pasó por el conjunto Ecos de Colombia, la Estudiantina Colombia y el Trío Morales Pino, entre los más conocidos, siendo muy valorado por sus diseños melódicos y la coherencia formal de sus obras. Sin duda alguna, el vínculo del Trío Morales Pino con la industria discográfica local en las décadas de 1960-1980 fue definitivo para ello, porque con esta agrupación grabó más de veinte producciones discográficas, algo absolutamente inusual para estos formatos. Escucharemos dos obras de Romero: el pasillo Toño, grabado en el LP titulado El colombiano sabor del Trío Morales Pino, y el bambuco Los doce, dedicado a la Estudiantina Colombia y grabado en el LP Bandolita. Con Francisco Cristancho Camargo (1905-1977) y Luis Uribe Bueno (1916-2000) el panorama musical es un poco distinto ya que ambos introdujeron innovaciones en el tratamiento tradicional de sus obras. En el caso de Cristancho, quien acompañó a Jerónimo Velasco en la exposición de Sevilla de 1929 siendo aún muy joven, es notoria la ampliación de los 7 recursos armónicos, fruto de su trabajo en Europa con las orquestas de Harry Fleming, de Andrés Moltó y de Marek Weber en la década de 1930. A su regreso a Colombia estuvo siempre vinculado a formatos orquestales y a grupos de jazz que alternaban presentaciones en emisoras radiales y en bares y otros sitios de esparcimiento, e hizo arreglos y acompañó a gran número de artistas nacionales e internacionales de moda2. Su pasillo Trigueñita, lleno de contrastes y sorpresas, es una clara muestra de este estilo tan personal. Por su parte, Uribe también estuvo vinculado a la modernidad sonora de mediados de siglo XX, en tanto fue contrabajista y arreglista de la Orquesta de Lucho Bermúdez y posteriormente, ya en Medellín, director musical de la empresa fonográfica Sonolux, teniendo como parte de sus funciones la de viajar a las reuniones de promoción y circulación de música en diversas partes del mundo. Las técnicas de instrumentación para orquesta las aplicó posteriormente a los formatos de instrumentos de cuerda pulsada. Es por ello que su escritura es, casi literalmente, espectacular, con una serie de recursos tímbricos poco usuales y con cortes y transiciones efectistas. Su bambuco El muñequero, original para cuarteto de dos bandolas, tiple y guitarra, es una obra extensa, de más de doscientos compases, escrita hacia el final de su vida. Samuel Ibarra Conde (n. 1987) es el director, orientador y principal arreglista del cuarteto que nos acompaña hoy. Estudioso de la flauta de pico, la guitarra y la bandola, se ha labrado un merecido reconocimiento en los ámbitos musical y académico del país. Su estilo compositivo e interpretativo podría calificarse como una especie de ‘neoclasicismo popular’, entendido como la manera de establecer un fructífero diálogo entre los elementos más característicos de lo ‘tradicional’ y algunos elementos modernizantes, evitando el experimentalismo tan característico de las tres últimas décadas y, como no, haciendo a un lado las tendencias basadas en la fusión intergenérica con músicas transnacionales. Lo suyo no es hacer guiños al jazz, al rock o a otras músicas de este tipo; lo suyo es seguir desarrollando un lenguaje local de músicas populares urbanas aportándole su propia voz. El cuarteto nos presentará tres obras recientes. El pasillo Un nuevo hogar fue compuesto para la inauguración del auditorio de Canto por la Vida, y retoma del pasado algo que muchos compositores actuales han olvidado: el trabajo sistemático con la hemiola de dos tiempos, que configura un nivel de tensión rítmica muy 2 Un buen ejemplo del tipo de música que hacía Cristancho con sus agrupaciones puede apreciarse en la interpretación de su bambuco Bacatá, grabado para uno de los discos de la serie Album Shell de ritmos colombianos, producidos entre 1957 y 1967. Consultar https://youtu.be/ nzoDGXAQgh0 8 trabajado en las décadas finales del siglo XIX y las primeras del XX, a lo que suma cortas secciones de transición que parecieran un homenaje a Uribe Bueno. Valentina está dedicado a las dos Valentinas del grupo, y de allí su estructura: se presenta inicialmente como un bambuco de tempo moderato, con bellos motivos melódicos y una armonía cercana a la utilizada en el complejo del chôro brasileño, lenguaje al que es muy afecto el compositor; posteriormente desemboca en un pasillo más enérgico. Danza de nubes (2016) está dedicada al cuarteto y tiene un carácter romántico. Finalmente, la única obra no colombiana del repertorio es el vals Santa morena, del bandolinista brasileño Jacob Pick Bittencourt (1918-1969), conocido en el mundo entero como ‘Jacob do Bandolim’. Se trata de una variedad de vals rápido y exigente desde el punto de vista interpretativo, variedad que también se dio en muchas partes del mundo. Tenemos acá un homenaje de Ibarra a uno de nuestros ídolos (como intérprete de la bandola comparto esa admiración por Jacob), y a una práctica musical que nos ilustra la vecindad musical entre nuestro cuarteto y el formato conocido como ‘regional carioca’. En este momento, tres de las integrantes del cuarteto están estudiando música profesionalmente, ya sea en la Universidad del Valle o en el Conservatorio Antonio María Valencia en Cali, y ven en Colorín Colorado un proyecto para rato. «Vean, la música andina colombiana es muy linda, los jóvenes no están solo con el reguetón, hay otros géneros muy ricos en sonoridad», concluye una de estas jóvenes mujeres. Bibliografía Ospina, S. (2017). Dolor que canta. La vida y la música de Luis A. Calvo en la sociedad colombiana de comienzos de siglo XX. Bogotá: Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Manuel Bernal. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. Foto. David Alejandro López PRÓXIMO CONCIERTO EN ARMENIA PRÓXIMO CONCIERTO EN CALI AMARETTO ENSAMBLE música tradicional colombiana (Colombia) Miércoles 5 de junio · 7:00 p.m. Hotel Mocawa Plaza - Salón Oruma Con el apoyo de la Alliance Française y Fundación Pregoneros de la música PULEP: ZBQ202 MARÍA CRISTINA PLATA, cantante (Colombia) Viernes 14 de junio · 7:30 p.m. Auditorio del Centro Cultural Comfandi Con el apoyo de Comfandi, Alliance Française, Fundación Hispanoamericana y Centro Cultural Colombo – Japonés PULEP: MTX389 CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés PULEP: XYA267. CYV981. IZX751. XCL642. CPF877 Foto. Catalina Pérez Calderón Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 PULEP: RXM248. QGI573. TSH296. QGI573 Foto. Pedro P. Pachón OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio

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Imagen de apoyo de Grupo Coral Ballestrinque (Colombia)

Por: Grupo Coral Ballestrinque - Coro (Colombia) | Fecha: 31/10/1984

Concierto interpretado por Grupo Coral Ballestrinque. Fue fundado en noviembre de 1969. Sus integrantes son profesionales en distintas disciplinas y la mayoría de ellos, músicos por afición. Cuenta en su repertorio con obras de los más importantes cancioneros renacentistas. En este concierto el grupo interpretó obras de Giovanni Croce, Thomas Ford, Juan Ponce, Anónimo francés, Passereau, Baldassare Donato, Adriano Banchieri, Lelio Olarte, Adolfo Mejía, José Manuel Conde, Francisco E. Diago, Crescencio Salcedo, Emilio Dublanc y Gustavo Leguizamón.

Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano

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Imagen de apoyo de Grupo Ballestrinque, ensamble vocal (Colombia)

Por: Grupo Ballestrinque - Ensamble vocal (Colombia) | Fecha: 18/11/1987

Concierto interpretado por Grupo Ballestrinque. Cuenta en su repertorio con obras de los más importantes cancioneros de la época del Renacimiento. Durante más de cuatro años, el grupo se dedicó al redescubrimiento de la música de la época de la Colonia en Colombia. La música tradicional colombiana y latinoamericana también ha sido parte importante de su repertorio. Ha interpretado obras sinfónico corales con la Orquesta Sinfónica de Colombia y la Filarmónica de Bogotá. Actuó igualmente con los Solistas de Cámara de Colombia. Ha participado en seis festivales de música religiosa de Popayán y en los más importantes festivales de música coral que se han relealizado en el país. En este conciertoel grupo interpretó obras de Anónimo S. XI, Anónimo S. XIII, Anónimo c. 1250, Frankes, Anónimo S. XV, Rey Enrique VIII, Thomas Ford, Hans Leo Hassler, Clément Janequín, Eugenio Arellano, Josefina Severino, Gustavo Adolfo Rengifo, Antonio J. Estévez, Piana y Manzi, William Dawson, Waldemar Henrique, César Isella.

Fuente: Biblioteca Virtual Banco de la República Formatos de contenido: Programas de mano

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