Concierto interpretado por el grupo Alla Francesca, conjunto vocal-instrumental dirigido por Pierre Hamon y Brigitte Lesne, está confomado por tres miembro pero puede extender e a diez para ciertos programas, y se especializa en la interpretación del vasto repertorio de la Edad Media, principalmente europeo (con énfasis en el de Francia, España e Italia) de desde el verso lírico de los trovadores del siglo XI a la rica variedad de los estilo polifónico del siglo XV Desde su fundación en 1989, la agrupación ha construido un gran prestigio internacional a través de sus conciertos en todo el mundo y de sus grabaciones.

Foto: Paola Enciso Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 JULIÁN CASAS clarinete (Colombia) Diego Claros, piano (Colombia) Jueves 20 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio Banco de la República PULEP: WKQ425 Jueves 27 de febrero de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 7 PULEP: YYA168 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Paola Enciso JULIÁN CASAS PATIÑO, clarinete (Colombia) Julián Casas nació en Ibagué en 1999 e inició sus estudios de clarinete en 2008 en el Colegio Salesiano de León XIII, con clases a cargo de Rubby Patricia Rodríguez, hasta 2010. Al año siguiente ingresó al programa de formación musical e instrumental de la misma institución con Jaime Rojas, y posteriormente, con Diego Pinzón. Obtuvo el título de técnico en música y en 2017 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudia actualmente bajo la dirección de José Gómez. Ha tomado clases con Laura Ruiz, Lester Chio, Gervasio Tarragona, Edwin Rodríguez, Guillermo Marín y Juan Ferrer. Entre sus logros y reconocimientos se destacan ocupar el tercer lugar en la categoría solistas en el Festival Artístico Salesiano (FAS) 2014, formar parte de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia edición 2015 y ganar el premio de música de cámara en el Festival QuindiClarinete 2019 con el Ensamble de Clarinetes de Bogotá. Actualmente se desempeña como clarinetista de la Banda Sinfónica Javeriana. Diego Alexánder Claros López, piano (Colombia) Inició sus estudios musicales en el Conservatorio del Tolima, ahora Institución Educativa Técnica Musical Amina Melendro de Pulecio, en la ciudad de Ibagué, donde recibió el título de bachiller musical con énfasis en piano, con grado de honor como mejor instrumentista y distinción al mérito por su excelencia académica y musical. Posteriormente, ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde sus primeras maestras de piano fueron Mercedes Cortés y Mariana Posada, y terminó estudios con Ángela Rodríguez. Obtuvo la más alta calificación en el recital de grado y fue ganador de la versión XIX del Concurso Mejores Trabajos de Grado de Pregrado de la Universidad Nacional de Colombia en 2009. En 2015, se graduó como magíster en pedagogía del piano de esta misma universidad, bajo la tutoría de Mac McClure. También adelantó estudios de maestría en dirección sinfónica con Guerassim Voronkov. 2 Ha recibido clases magistrales de Vida Kalojanova, Felipe Aguirre, Janusz Olejniczak y Marco Sollini. Participó en el taller Bach y el Piano, dictado por el reconocido maestro Abraham Abreu, especialista en música barroca. En 2010 fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, con el trío Voz de Ébano, lo que le permitió ofrecer conciertos en diferentes ciudades del país. Además de su desempeño como instrumentista, fue estudiante activo de las cátedras de composición y dirección de la Universidad Nacional, siendo sus maestros Moisès Bertran, Harold Vásquez-Castañeda, Gustavo Parra, Patricia Vanegas y Zbigniew Zajac. Trabajó como profesor de piano en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia. Fue profesor del área teórica y pianista preparador en el taller de ópera de la Universidad Nacional de Colombia, a cargo de la maestra Ángela Simbaqueba, con quienes realizó importantes montajes que gozaron de gran acogida, como las óperas Amahl and the Night Visitors de Gian Carlo Menotti, Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, Atzar de Albert Guinovart, Una voce in off de Xavier Montsalvatge, Les Mamelles de Tirésias de Francis Poulenc, The Turn of the Screw de Benjamin Britten, y El último día de Francisco Pizarro de Moisès Bertran. Ha sido pianista colaborador en tres versiones del Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, y en 2014 ofreció un recital como acompañante de canto lírico en la prestigiosa Academia Marshall, en Barcelona. Se desempeñó como preparador teórico de la cátedra de dirección sinfónica de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB) de la Universidad Distrital, y su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical académico. Actualmente funge como pianista colaborador y profesor del área teórica de la maestría en dirección sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia y como pianista colaborador en la ASAB, en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad de los Andes. Además, es profesor de piano y pianista del coro de la Universidad de La Sabana y miembro del ensamble de música de cámara La Sociedad. 3 PROGRAMA Sonatina para clarinete y piano, H. 356 (1956) BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Introducción y rondó, Op. 72 (1898) CHARLES-MARIE WIDOR (1844-1937) Sonata para clarinete y piano (1942) Grazioso Andantino-Vivace e leggiero LEONARD BERNSTEIN (1918-1990) INTERMEDIO Sonatina para clarinete y piano (1981) Allegro calmato Lento, quasi andante Con brio JOSEPH HOROVITZ (n. 1926) 4 NOTAS AL PROGRAMA INTRODUCCIÓN Alrededor de 1690, un constructor de instrumentos en Núremberg llamado Johann Christoff Denner parece haber agregado un par de llaves al antiguo chalumeau, incrementando así su rango en dos octavas. A la postre, el cambio logrado fue tan significativo que el resultado, más que la mejoría del instrumento original fue la invención de uno nuevo: el clarinete. A lo largo del siglo xviii este fue sobreponiéndose a sus limitaciones, y para finales del siglo comenzó a generalizarse apareciendo como instrumento orquestal en el rico contexto de música de cámara y, poco a poco, como solista. Hacia 1840, el constructor Louis-Auguste Buffet y el clarinetista Hyacinthe Klosé, ambos franceses, tomaron y aplicaron al clarinete el famoso sistema Boehm, desarrollado poco antes en Múnich. Este sistema replantea la ubicación de las perforaciones de los instrumentos de madera (flauta, oboe, clarinete y fagot) e implementa un sistema mecánico de llaves para abrir y cerrar dichas perforaciones. El fin de tal diseño es lograr que estos instrumentos sean totalmente cromáticos, adquieran una afinación mucho más precisa y obtengan una sonoridad más estable en sus diferentes tesituras. Las ventajas de este nuevo instrumento fueron enormes y su impacto se hizo evidente en el repertorio que estimuló, del cual surgieron obras maestras para clarinete solista, tales como las de Schumann o, a finales de siglo, Brahms. El siglo xx vio florecer el clarinete, tanto el soprano como sus hermanos pícolo y bajo, y convertirse en uno de los instrumentos más versátiles de Occidente y preferido de sus compositores. Comenzando con las maravillosas orquestaciones de Rimski-Korsakov, Schoenberg o Ravel, y llegando hasta las paradigmáticas obras para clarinete solo compuestas por Stravinsky, De Elías o Lachenmann, el clarinete moderno ha continuado su desarrollo técnico, rompiendo muchas de sus antiguas limitaciones con técnicas actuales, como multifónicos y respiración circular, entre tantas otras. El presente recital nos brindará, ante todo, una muestra de los logros del instrumento en el siglo pasado, en particular como vehículo que permitió conectar tradiciones populares y académicas para beneficio de todos. 5 EL REPERTORIO Martinů Nacido en Bohemia, en los últimos años del Imperio austrohúngaro, Bohuslav Martinů (1890-1959) vivió la transformación de su tierra natal en la República de Checoslovaquia, al final de la Primera Guerra Mundial. Lleno de espíritu nacionalista, inició estudios formales de música en Praga, pero en 1923 decidió viajar a Francia para continuarlos con Albert Roussel. Nunca volvería a vivir en su patria, y en 1941 incluso dejaría Europa, trasladándose a los Estados Unidos para huir de la Segunda Guerra Mundial. Tras unos años de posguerra en los que alternó los dos continentes, finalmente murió en Suiza, dejando una copiosa obra que, a pesar de todo, es recordada como emblemática de la expresión checa del siglo xx. La Sonatina para clarinete y piano, H. 356 es una obra tardía compuesta en 1957, apenas dos años antes de la muerte del compositor, en un período de incertidumbre en el cual se debatía entre vivir en Nueva York y regresar a Europa. La obra inicia con una breve introducción en piano antes de que el clarinete presente el principal material temático. El diálogo entre los dos instrumentos se desenvuelve con ricos juegos rítmicos y métricos que podrían evidenciar influencias populares, sea de músicas de Europa central, de jazz o incluso músicas afrocaribeñas. Martinů elabora una rica armonía que, aunque densamente cromática, sigue siendo tonal, desarrollando su discurso con una construcción motívica propia del sofisticado estilo necolásico que caracteriza su música tardía. Unos ágiles pasajes y una pausa general llevan a una segunda sección dominada por un tema juguetón, de armonía bastante más simple. Breves reapariciones de los gestos rápidos nos llevan de regreso a una reexposición literal que será contrastada por una ágil coda en tempo allegro. El segundo movimiento, según la partitura, ‘atacado sin pausa’, es marcadamente contrastante y desarrolla un lírico canto que recorre todo el registro del clarinete mientras el piano acompaña con una textura de coral. El movimiento cierra con unas discretas reminiscencias del material del movimiento inicial, preparándonos para el tercer movimiento, el cual dará nuevos desarrollos a algunas ideas previamente escuchadas. También posiblemente atacado sin pausa, este movimiento final explora el potencial virtuosístico del dúo, regocijándose en nuevos juegos sincopados y llenando la melodía de ornamentos y exuberantes trinos. 6 Widor Aunque activo como compositor, el francés Charles-Marie Widor (1844- 1937) fue más reconocido como organista, algo que no sorprende por ser nieto e hijo de constructores de órganos y tener a su propio padre como primer maestro de interpretación. Después de estudiar formalmente en Bruselas, regresó a París, donde obtuvo el puesto de organista de la iglesia de Saint Sulpice en 1870, trabajo que mantuvo durante sesenta y cuatro años, hasta ser sucedido por su discípulo, Marcel Dupré. Paralelamente desarrolló otros trabajos: fue crítico musical, director coral y docente del conservatorio de París. Allí reemplazó, en 1890, al gran César Franck como profesor de órgano y, seis años más tarde, a Théodore Dubois como profesor de composición, contando con Varèse, Milhaud y Honegger entre sus alumnos más notables. Como compositor, Widor es principalmente recordado por obras para su propio instrumento, en especial las monumentales sinfonías para órgano. Introducción y rondó, Op. 72, hace parte de una producción comparativamente pequeña de música de cámara y, en efecto, es lo único que compuso para clarinete. Widor escribió la pieza en 1898 por encargo del Ministerio de Educación, para ser pieza de concurso (es decir, de un simple examen anual, no de lo que nosotros entendemos por ‘concurso’) para el conservatorio de París, y, de hecho, está dedicada a Cyrille Rose, profesor de clarinete de esta institución. Comparada con su producción organística, es una pieza de poca monta, musicalmente sencilla, simplemente enfocada en aspectos de evaluación de un virtuosismo instrumental. A pesar del título, la verdad es que el característico motivo ascendente aparece desde el primer gesto melódico del piano, con el cual abre la pieza. Por ello, en realidad sentimos más un permanente desarrollo de este motivo que el tradicional contraste seccional que tipifica un rondó. El único contraste estructuralmente importante aparece en el centro de la obra, con un più largo que presenta un llamativo gesto de salto ascendente, resuelto por un descenso melódico. Estos polos opuestos serán retomados por el compositor para dar una sensación de redondez a la forma antes de terminar el trozo. Bernstein El estadounidense Leonard Bernstein (1918-1990) desarrolló una labor como director sumamente destacada y, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, hasta legendaria. Además de esto, se desempeñó como pianista y compositor, frecuentemente con éxito, pero no con la misma trascendencia. En este último rol encontramos en Bernstein a un músico ecléctico que da 7 evidencia de una influencia neoclásica mezclada con una sensibilidad por la música popular tipo Tin Pan Alley y, en ocasiones, elementos de música tradicional judía. Si bien gozó de una amplia formación musical en la Universidad de Harvard (en Massachusetts) y el Instituto de Música Curtis (en Pennsylvania), esta se enfocó en el campo de la dirección. Al único compositor que reconoció como maestro fue a Aaron Copland, con quien desarrolló una cercana amistad a partir de 1938, pero con quien nunca estudió. La Sonata para clarinete y piano, que terminó en 1942, es considerada la primera obra del catálogo compositivo de Bernstein. El primer movimiento, Grazioso, es una forma sonata construida sobre dos temas poco contrastantes, cuyos desarrollos recuerdan algo del neoclasicismo de Hindemith, incluso en las sonoridades cuárticas que abundan en él, y a Stravinsky en algunos giros melódicos recurrentes. El segundo movimiento comienza con un Andantino en el cual se enfrentan fragmentos escalares en el solista y delicados acordes ascendentes en el acompañante. Un ágil Vivace e leggiero irrumpe sorpresivamente para llevar a cabo brillantes elaboraciones rítmicas en métricas constantemente cambiantes. Un Lento molto parece congelar esta irregular danza, y de él Bernstein reitera el proceso de contraste formal lento-rápido, para así llevarnos a la conclusión de la obra de manera contundente. Horovitz Nacido en el seno de una familia judía austríaca, Joseph Horovitz (n. 1926) debió emigrar a Inglaterra en 1938 para escapar de la invasión nazi de Viena. En Londres estudió composición con Gordon Jacob y, en París, con la afamada Nadia Boulanger. Durante la década de 1950 comenzó a ser reconocido por su trabajo escénico (óperas, ballets y música para teatro), y además cultivó un estilo ligero que le permitió trabajar en cine y televisión con éxito. Así, estableció una reputación como compositor, arreglista, director y pianista de notable versatilidad, que permitió su nombramiento como profesor de composición en el Colegio Real de Música de Londres, en 1961. En su vertiente de compositor de música de concierto, Horovitz ha desarrollado varias facetas: ciertas obras de tono más serio toman como punto de partida la escuela inglesa de Ralph Vaughan Williams, Gustav Holst y Frederick Delius. Otro frente importante —y característicamente británico— ha sido su amplio e influyente trabajo con los formatos de banda sinfónica o de cobres. Finalmente, obras como la Sonatina para clarinete y piano exhiben un estilo neoclásico con una marcada influencia del jazz clásico, elementos seguramente aprendidos en sus días parisinos. 8 El Allegro calmato inicial está basado en el principio de la forma sonata, el piano abriendo con un acompañamiento en moto perpetuo de semicorcheas, sobre el cual el clarinete presenta un jovial material temático. De inmediato, el motivo principal comienza a ser variado hasta llegar a una sección central donde el movimiento del piano es reemplazado por acordes rítmicamente irregulares. Una reexposición variada cierra este movimiento y nos prepara para el segundo, Lento, quasi andante, en el que un sentido lirismo en el clarinete se despliega gradualmente a partir del sobrio acompañamiento del piano. Tras una pausa del solista, una parte central ligeramente más activa establece el principal contraste del movimiento, antes de que reaparezca el material inicial, que cierra el arco formal con elegante equilibrio. La Sonatina finaliza con un llamativo y pegajoso movimiento marcado ‘Con brio’, construido con dos temas recurrentes, el primero reminiscente del ragtime, y el segundo, caracterizado por notas incisivamente repetidas. Estos materiales se alternan, varían y contrastan una y otra vez, dándonos la sensación de estar bailando en una espiral que poco a poco se cierra sobre sí misma. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libros, enciclopedias, revistas (físicas y virtuales) y programas de mano. BETTY GARCÉS, soprano (Colombia) ANTONIA VALENTE, piano (Italia) Viernes 28 de agosto de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: YLM293 Foto: Cristóbal de la Cuadra Próximos conciertos en Girardot Auditorio del Banco de la República Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ CORO FILARMÓNICO INFANTIL Domingo 1° de marzo · 11:00 a.m. DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Jueves 5 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA cuarteto de clarinetes con percusión Jueves 28 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín Jueves 4 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín ANDRÉS FELIPE PALACIOS R., guitarra Jueves 11 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales Coro filarmónico infantil - Foto. Kike Barona PULEP: SPX202. VXB235. QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126. WYZ758 Boletas disponibles en NUEVO HORARIO Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: OEY112. XGM165. UZS572. UDE329. JNY980. XPD926 LES TALENS LYRIQUES* ensamble de música antigua (Francia) Miércoles 4 de marzo · 7:30 p.m. CHRISTOPHE ROUSSET* clavecín (Francia) Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué * Estos conciertos cuentan con el apoyo de Les Talens Lyriques · Foto: Eric Larrayadieu Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 DÚO LEBENSFREUDE violín y guitarra (Colombia) Miércoles 26 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: ROR662 Viernes 28 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Leticia, Sala Múltiple del Banco de la República PULEP: KTD386 Jueves 5 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 10 PULEP: VXB235 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Gustavo Adolfo Peña Arbeláez, violín Juan Pablo Barrero Junco, guitarra El Dúo Lebensfreude se caracteriza por conocer, profundizar y difundir repertorios de música universal y latinoamericana existentes para el formato de violín y guitarra. El dúo está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima, bajo la dirección de los maestros John Quijano y José de los Santos Pérez. Peña y Barrero han presentado recitales en importantes salas de conciertos del país como la Sala Beethoven, en Cali; el Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima, el Auditorio de la Universidad del Tolima y la Sala del Centro Cultural del Banco de la República, en Ibagué; el Auditorio Euclides Jaramillo Arango de la Universidad del Quindío, en Armenia; y el Auditorio Fabio Lozano, en Bogotá. Han sido ganadores de diferentes concursos como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Peña interpreta un violín Januarius Gagliano de 1732 y Barrero, una guitarra del lutier Miguel Duarte, de 2017. El concierto en San Andrés cuenta con la colaboración de la Academia de artes Arts & Fun y la Escuela de música La Esfera 2 PROGRAMA Sonata concertata en la mayor, MS. 2 (1803) Allegro spiritoso Adagio assai espressivo Rondo. Allegretto con brio, scherzando NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) Selección de Siete canciones populares españolas (1914) El paño moruno Nana Canción Polo Asturiana Jota MANUEL DE FALLA (1876-1946) Original para voz y piano Transcripción para violín y guitarra de Miguel Llobet INTERMEDIO Historia del tango (1986) Bordel 1900 Café 1930 Nightclub 1960 Concert d’aujourd’hui ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para flauta y guitarra Despasillo, por favor (2006) LUCAS SABOYA (n. 1980) 3 NOTAS AL PROGRAMA Niccolò Paganini (1782-1840) es quizás el nombre que más hace eco cuando se piensa en el violín como instrumento solista. Virtuoso sin igual en su tiempo, carismático e inteligente, Paganini fue una de las estrellas musicales del periodo clásico-romántico en Europa occidental. Pero además de su excepcional talento y gusto al escribir para el violín, Paganini también tuvo una relación cercana con la guitarra, instrumento que en aquel momento había empezado a llamar la atención de los compositores académicos en varias regiones de Europa. Paganini escribió más de cien obras para guitarra solista y casi la misma cantidad de piezas para dúo con violín. Fue quizás este compositor quien sentó las bases para que en adelante ambos instrumentos sellaran una relación de complemento. Esto lo hizo mediante la sonata a dúo como fórmula compositiva de la época. Si bien lo más común en este tipo de sonatas era escribir para un instrumento melódico —generalmente el violín— con acompañamiento de piano, Paganini cambió este último por la guitarra. Su primera obra importante en este formato fue la Sonata concertata. Vale la pena hacer un par de comentarios acerca del nombre de la pieza. Durante el Clasicismo y el Romanticismo, la sonata se convirtió en el paradigma formal que impulsaría la figura del solista. El espíritu de la época, entendido como moderno o ilustrado, hacía del individuo el centro de atención del pensamiento, las ciencias, las artes y las letras. Es por esto que la sonata ha sido definida desde otras orillas como un acto de elocuencia —como la oratoria— que reivindica dos tipos de individualidades: la del compositor y su capacidad de escribir una pieza con coherencia, lógica y orden; y la del solista y su capacidad de leerla e interpretarla de la misma manera. La sonata, bien sea como pieza sencilla de instrucción o como obra compleja para los profesionales, se ajusta a dos necesidades del momento: poder hacer música en la intimidad del hogar, solo o acompañado, y poder tocar para un público. Debido a las limitaciones de ciertos instrumentos por su volumen, rango de notas o capacidades armónico-melódicas, surgen entonces las sonatas a dúo. De otro lado, el término italiano concertato (concertado) se empezó a usar en Italia y Alemania desde finales del siglo xvi para hacer referencia a eventos en los que se reunían grupos de músicos a fin de tocar juntos de manera armoniosa. De allí que la palabra nos remita automáticamente a la idea de concierto. En la Sonata concertata en la mayor, MS. 2 de Paganini, 4 se conjugan estas ideas en la medida en que es una sonata al estilo clásico, implica la interacción de dos instrumentos, y es suficientemente interesante musicalmente y exigente en lo técnico como para pasar de la sala de la casa a la sala de conciertos. Paganini escribió la Sonata concertata en 1803 cuando vivía en la ciudad-estado de Lucca, occidente de Italia (hoy, parte de la Toscana). El joven Niccolò había dejado su natal Génova poco tiempo atrás como consecuencia de la expansión del imperio napoleónico y buscó establecerse en una ciudad con rica vida cultural para continuar su carrera como concertista. Lucca era entonces conocida por ser la cuna de Luigi Boccherini y Filippo Manfredi, dos compositores versados en la escritura para instrumentos de cuerda frotada. La llegada de Paganini generó sentimientos encontrados entre un público conocedor y a la vez conservador: la técnica novedosa y el virtuosismo único del genovés, así como su actitud engreída en tarima, no se ajustaban al canon estético local, y algunos vieron esto como artificioso y exagerado. Pero el talento de Paganini era innegable y al poco tiempo fue nombrado primer violín de la orquesta estatal. Cuando en 1805 la ciudad pasó a ser parte del Principado de Lucca y Piombino, la princesa Elisa Bonaparte (hermana de Napoleón) nombró a Paganini director de la orquesta. La estabilidad económica que encontró desde su llegada a Lucca le permitió a Paganini dedicar parte de su tiempo a la composición, actividad que hasta ese momento no había tomado muy en serio. Las obras de sus primeros años allí pueden verse como propias de un periodo de afianzamiento en la escritura para violín y guitarra, tanto en su versión solista como a dúo. Muchas de las piezas de entonces son de tipo pedagógico, pero no por ello ausentes de musicalidad o inaptas para su presentación en público. Algo que puede considerarse especial en la Sonata concertata es que da la impresión de ser una obra pensada para explorar las capacidades protagónicas de la guitarra y abandonar así su anterior rol de acompañante. La guitarra clásica moderna, con características similares a las que se conocen hoy en día (forma, tamaño, número de cuerdas y afinación), es un instrumento que surgió durante la segunda mitad del siglo xviii y que gozó de buena recepción en España, Francia e Italia perfilándose allí como instrumento solista. Para inicios del xix el compositor ya contaba con un repertorio cada vez más retador en lo técnico y más serio en lo musical. En este contexto, Paganini escribió una sonata a dos instrumentos en la que la guitarra resalta, pero respetando aspectos formales de la época: no es una pieza para solista y acompañamiento sino para dos instrumentos que dialogan; está estructurada en tres movimientos 5 contrastantes en tempo y tonalidad; su primer movimiento, en forma sonata, es animoso, mientras que el segundo es lento, y el tercero, como podía suceder, es un rondó. Si bien el violín tiene momentos de protagonismo a lo largo de toda la obra, también juega un papel de acompañante cuando la guitarra resalta. Por supuesto, Paganini hace todo esto respetando la expectativa del oyente que sabe que va a escuchar una ‘sonata concertada’ entre dos instrumentos, y el diálogo que establece entre ambos es de exquisito balance. Manuel de Falla (1876-1946) ha sido reconocido con el tiempo como el compositor más ilustre de España de la primera mitad del siglo xx. La importancia del compositor radica en haber gravitado en varios movimientos musicales de su época para dejar un legado de obras nacionalistas, neoclásicas e impresionistas; robustecer el repertorio de la zarzuela y otros estilos musicales-escénicos, y facilitar los puntos de encuentro entre lo popular español y la tradición académica. Además del entusiasmo mundial por no pocas de sus obras, las Siete canciones populares españolas son el conjunto de piezas vocales en lengua castellana más comúnmente interpretadas en el ámbito de la música clásica. Las canciones anunciadas parecen ser un asunto de interés continuo y vigente entre teóricos musicales, compositores e intérpretes. Originalmente escritas para voz y piano, las canciones han sido ampliamente referenciadas en la musicología y han sido objeto de arreglos para otros instrumentos, bien sea cambiando el instrumento acompañante, adaptando la música al formato orquestal o hasta suprimiendo la parte cantada para hacer énfasis en la melodía por medio de un instrumento puramente melódico como el violín. En el concierto de hoy se presentará un arreglo instrumental de este último tipo hecho por el guitarrista barcelonés Miguel Llobet; en este, se omite una de las canciones, llamada Seguidilla murciana, segunda en la lista original, y se modifica el orden de las piezas. Falla escribió las Siete canciones populares españolas cuando vivía en París en medio de una suerte de autoexilio entre 1907 y 1914. Aunque español hasta el tuétano, Falla era también un cosmopolita y desde sus primeras composiciones fue notorio que en su lenguaje había algo del influjo debussiano, especialmente en el tratamiento de la armonía, que este llenaba de color con notas ajenas a los acordes triádicos. Su obra no llamaba la atención en los círculos académicos españoles, que en ese entonces parecían tener predilección por músicas más ‘auténticas’ o ‘fieles’ a la tradición, y eso lo llevó a buscar suerte en la capital francesa, ciudad de inagotable vida cultural en la que el compositor interactuó con grandes compositores como el propio Debussy, Stravinsky y Ravel. 6 A su regreso a España en 1914, Falla ya era reconocido internacionalmente y no pasó mucho tiempo para que publicara las canciones en las que llevaba trabajando varios años. Las letras son reproducidas de canciones populares españolas, en su mayoría anónimas, y son armonizadas al propio estilo de Falla, ese que antes habían rechazado sus compatriotas. Si bien el trabajo fundamental de Falla con las canciones fue el de resignificarlas musicalmente, vale la pena tener las letras de estas como referencia: El paño moruno (Gregorio Martínez Sierra) Al paño fino, en la tienda, una mancha le cayó. Por menos precio se vende, porque perdió su valor. ¡Ay! Nana (anón.) Duérmete, niño, duerme, duerme, mi alma, duérmete, lucerito, de la mañana. Nanita, nana. Duérmete, lucerito de la mañana. Canción (anón.) Por traidores, tus ojos voy a enterrarlos. No sabes lo que cuesta del aire, niña, el mirarlos, madre, a la orilla. Dicen que no me quieres, ya me has querido. Váyase lo ganado del aire, por lo perdido, madre, a la orilla. Polo (anón.) ¡Ay! Guardo una pena en mi pecho que a nadie se la diré. ¡Malhaya el amor, malhaya y quien me lo dio a entender! ¡Ay! Asturiana (anón.) Por ver si me consolaba, arriméme a un pino verde. Por verme llorar, lloraba. Y el pino como era verde, por verme llorar, lloraba. Jota (anón.) Dicen que no nos queremos, porque no nos ven hablar. A tu corazón y al mío se lo pueden preguntar. Ya me despido de ti, de tu casa y tu ventana. Y aunque no quiera tu madre. Adiós, niña, hasta mañana. Astor Piazzolla (1921-1992) es el artífice de que el tango haya pasado del entorno popular local entre Buenos Aires y Montevideo a elegantes salas de concierto, primero en París y Nueva York, y luego en el resto del mundo. Piazzolla había llegado de Nueva York (donde creció) a la capital argentina a finales de la década de los treinta con la ilusión de vivir de escribir y tocar tangos, pero su propuesta de música elegante y de escucha, en oposición a la anterior tradición del tango que se bailaba, no fue recibida con entusiasmo. 7 Su tratamiento de esta música de naturaleza popular era cosmopolita, cercano al jazz en lo armónico y estilizado como la música académica, y por ello, incomprendida en su momento. A Piazzolla le tomó tiempo encontrar su vocación como músico pues su sonido era ecléctico. No hacía ni tango de lleno, ni jazz, ni música clásica al ciento por ciento. Y su poca consciencia sobre esto implicaba la falta de voz propia en sus composiciones. Ello cambió en la década de los cincuenta cuando Piazzolla se mudó a París para estudiar con la pianista Nadia Boulanger, la pedagoga musical más influyente del siglo xx. Boulanger reconoció pronto el verdadero talento del argentino y le pidió llevar su bandoneón a clase. El resto es una historia de éxito de más de tres décadas. La suite Historia del tango fue compuesta en 1985 en un punto en la carrera de Piazzolla en el que este se había interesado por la guitarra clásica. En el tango de vieja guardia la guitarra se utilizaba como un instrumento acompañante, importante en el ensamble, pero con poco protagonismo. En los grupos que lideró Piazzolla desde la década de los sesenta, se podía escuchar destacada una guitarra solista, pero esta era eléctrica y se caracterizaba por su sonido al estilo del jazz, especialmente en los solos. En 1980 el compositor decidió explorar la guitarra clásica y escribió la serie Cinco piezas y, a partir de entonces, empezó a planear una obra de mayor envergadura en la que la guitarra clásica conversara con un instrumento melódico. Piazzolla ya había escrito para flauta traversa en el pasado y, de hecho, el instrumento ya se había usado en el tango de vieja guardia, por lo que la combinación se hacía lógica. Si bien la obra fue escrita para este formato, dada la cercanía en registro de la flauta con el violín, además de que este último también ha estado presente en el tango desde sus inicios, la obra puede tocarse con cualquiera de los dos instrumentos. Historia del tango es una sucesión de escenas que representan el desarrollo de este género musical. De allí sus nombres alusivos a lugares y el cambio en el espíritu de cada uno: el burdel de inicios del siglo xx, pues se supone que allí nació el tango, y una sonoridad graciosa y festiva; el café de los años treinta como sitio de encuentro para tertuliar y escuchar música —ya no bailarla—, de allí su carácter más reflexivo y expresivo; el club nocturno de los sesenta y la vida bohemia, y finalmente, la vanguardia, el lenguaje del momento a mediados de la década de los ochenta cuando Piazzolla ya era un compositor maduro. Lucas Saboya (n. 1980) puede ser, hoy por hoy, uno de los compositores de música andina colombiana de mayor peso. Su música hace constante 8 presencia en múltiples festivales a lo largo y ancho del territorio nacional, bien sea de músicas académicas o populares, pues el lenguaje del compositor se ajusta muy bien a la tendencia actual de cerrar las brechas entre ambos mundos. Además, Saboya como compositor e intérprete, solista o acompañante, ha representado al país en América y Europa, por lo que puede decirse con seguridad que su música es pertinente. Despasillo, por favor es un pasillo lento estructurado en dos partes contrastantes lento-rápido. Entre una y otra se juega con la métrica tradicional de este aire, primero en compás de tres cuartos y luego en uno de seis octavos. Como con la pieza anterior de Piazzolla, Despasillo, por favor puede tocarse con flauta o violín sin alterar el espíritu o la intención de la composición. Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Se graduó como magíster en relaciones internacionales de la misma institución con una investigación acerca de la diplomacia del jazz durante la guerra fría, un estudio sobre la promoción mundial del jazz estadounidense como herramienta propagandística contra el comunismo internacional. Desde 2015 conduce programas radiales en torno al jazz y las músicas afroamericanas en Javeriana Estéreo y UN Radio. Actualmente, investiga sobre las representaciones del jazz en la literatura estadounidense mientras cursa una maestría en estudios americanos en la Universidad de Heidelberg, Alemania. NOWHERE JAZZ QUINTET, jazz (Colombia) Sábado 30 de mayo de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: BCQ332 ENSAMBLE SAYR, música tradicional persa (Irán) Viernes 31 de julio de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: SZD363 TRES PALOS ENSAMBLE oboe, clarinete y fagot (Colombia) Viernes 4 de septiembre de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: TKS737 ANTONIO ARNEDO Y SAM FARLEY saxofón y piano (Colombia / Estados Unidos) Viernes 23 de octubre de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: ZKL549 ENSAMBLE S TRES PALOS ENSAMBLE · Foto: Paola Enciso AYR · Foto: Nathaniel Huard Próximos conciertos en San Andrés Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Próximos conciertos en Leticia Sala Multiple del Banco de la República Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: XGM165. UZS572. UDE329. JNY980 PULEP: QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195 CHRISTOPHE ROUSSET clavecín (Francia) * Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 · NUEVO HORARIO PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ * Este concierto cuenta con el apoyo de Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin Foto: Edward Messa

Foto: Eric Larrayadieu Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 LES TALENS LYRIQUES ensamble de música antigua (Francia) Christophe Rousset director (Francia) Miércoles 4 de marzo de 2020 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 9 PULEP: OEY112 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. 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Con un amplio repertorio vocal e instrumental, que abarca el período que va desde el primer barroco hasta los inicios del Romanticismo, los músicos de Les Talens Lyriques pretenden resaltar las grandes obras maestras de la historia de la música, a la vez que proporcionan una perspectiva con obras menos difundidas o poco conocidas, pero muy importantes, pues actúan como eslabones perdidos del patrimonio musical europeo. Este trabajo musicológico y editorial, que contribuye a su reputación, es una prioridad para el conjunto. El repertorio de Les Talens Lyriques incluye obras de Monteverdi, Cavalli, Landi, Händel, Lully, Desmarest, Mondonville, Cimarosa, Traetta, Jommelli, Martín y Soler, Mozart, Salieri, Rameau, Gluck, Beethoven, Cherubini, García, Berlioz, Massenet, Gounod, Saint-Saëns, entre otros. La recreación de estas obras va de la mano de una estrecha colaboración con los directores de escena y coreógrafos: Pierre Audi, Jean-Marie Villégier, David McVicar, Eric Vigner, Ludovic Lagarde, Mariame Clément, Jean-Pierre Vincent, Macha Makeïeff, Laura Scozzi, Natalie van Parys, Marcial di Fonzo Bo, Claus Guth, Robert Carsen, David Hermann, Christof Loy, Jetske Mijnssen, Alban Richard y David Lescot. El ensamble explora no solo la ópera, sino también otros géneros: madrigales seculares, cantatas, aires de corte, sinfonías y el vasto corpus de música sacra. La temporada 2019-2020 lleva el título de 'Naciones', ya que Europa y sus naciones ocupan un lugar destacado en los programas y viajes de Les Talens Lyriques. La idea de ‘Naciones’ también se refleja en la diversidad de los escenarios del ensamble en esta temporada, que incluye presentaciones en Francia, Austria, Alemania, Rumania y Colombia. 2 La abundante discografía del conjunto comprende unas sesenta referencias con diferentes sellos: Erato, Fnac Music, Auvidis, Decca, Naïve, Ambroisie, Virgin Classics, Ediciones Singulares (Palazzetto Bru Zane), Outhere y Aparté. Les Talens Lyriques grabó la famosa banda sonora de la película Farinelli (1994) de Gérard Corbiau, que vendió más de un millón de copias. Desde 2007, los músicos del ensamble trabajan en un proyecto destinado a acercar a los niños de edad escolar a la música por medio de un programa de ambiciosas acciones artísticas e innovadoras iniciativas educativas. Son residentes en escuelas de París y de la región parisina (Île-de-France), donde crearon una clase de orquesta y un pequeño coro conocido como Le petit choeur des Talens. El ensamble tiene el placer de editar grabaciones de obras maestras como el Fausto de Gounod (PBZ), Isis de Lully (Aparté), Betulia Liberata de Mozart (Aparté) y Stabat Mater de Pergolesi (Outhere) desde 2019. Les Talens Lyriques recibe subvenciones del Ministerio de Cultura francés, en la ciudad de París, y un generoso apoyo de su Círculo de Patrocinadores. El conjunto desea agradecer a sus principales mecenas, la Fundación Annenberg / GRoW - Gregory y Regina Annenberg Weingarten, Madame Aline Foriel- Destezet, y Mécénat Musical Société Générale. Desde 2011 los músicos del conjunto son artistas asociados residentes en la Fundación Singer-Polignac en París. Les Talens Lyriques es miembro fundador de la FEVIS (Federación de conjuntos vocales e instrumentales especializados) y de la PROFEDIM (Unión profesional de productores de música, festivales, conjuntos y distribuidores independientes). CHRISTOPHE ROUSSET, director El fundador del ensamble Les Talens Lyriques y clavecinista internacionalmente reconocido, Christophe Rousset, es un músico y director de orquesta apasionado por la ópera y el redescubrimiento del patrimonio musical europeo. Sus estudios de clavecín con Huguette Dreyfus en la Schola Cantorum de París y luego con Bob van Asperen en el Real Conservatorio de La Haya, así como la creación de su propio conjunto, Les Talens Lyriques (en 1991), le han permitido comprender perfectamente la riqueza y la diversidad de varios repertorios. Foto: Eric Larrayadieu 3 Christophe Rousset se presenta regularmente como director invitado en espacios tan importantes como el Liceu de Barcelona, el San Carlo de Nápoles, La Scala de Milán, la Opéra Royal de Wallonie, la Royal Opera House de Londres, la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Hong Kong, la Orchestre du Théâtre Royal de la Monnaie de Bruselas y la Orchestra of the Age of the Enlightenment. También trabaja en el campo de la investigación y la escritura: publicó una monografía dedicada a Jean-Philippe Rameau y una a François Couperin (Actes Sud, 2007 y 2016, respectivamente), y hace de manera regular ediciones críticas. En 2017 se publicó una serie de entrevistas de Camille de Rijck en las que Christophe Rousset comparte sus reflexiones sobre la música: L’impression que l’instrument chante, Éditions de la Cité de la Musique – Philharmonie de Paris (La rue musicale – Entretiens). Christophe Rousset es Caballero de la Legión de Honor francesa, Comendador de la Orden de las Artes y las Letras, y Caballero de la Orden Nacional del Mérito. Le Tales Lyriques cuenta con el apoyo de Este concierto cuenta con el apoyo de 4 PROGRAMA Sonate à huit, H. 548 (1685) Grave Récit de la basse de viole – Sarabande Récit de la basse de violon – Bourrée Gavotte – Gigue – Passacaille – Chaconne MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704) Selección del primer libro de Pièces à une et à deux violes (1686) Prélude Allemande Courante Sarabande Gigue Tombeau de Mr Meliton MARIN MARAIS (c. 1656-1728) Sonata en trío en la mayor ‘La Superbe’ (c. 1695) Lentement Gaiement Très lentement Légèrement Air tendre Gaiement FRANÇOIS COUPERIN (1668-1733) INTERMEDIO Le tombeau de M. de Lully (1695) Lentement – Gravement Gai Lentement Vivement Les regrets – Grave JEAN-BAPTISTE FÉRY REBEL (1666-1747) Sonata en cuarteto ‘La Sultane’ (c. 1695) [Gravement] [Gaiement] Air – Tendrement Légèrement FRANÇOIS COUPERIN 5 NOTAS AL PROGRAMA Cuando en 1682 Luis XIV (1638-1715) decidió convertir el palacio de Versalles en su nueva residencia permanente, buscaba no solo alejarse de la sociedad parisina, sino crear un nuevo entorno en el que pudiera reinar como monarca absoluto. En este castillo construido para celebrar la gloria y magnificencia del rey sol quedó plasmado todo el fasto y brillo de la corte francesa de la ‘edad de oro’. Las artes, la música y el teatro acompañaban la vida diaria de la corte, en espacios como la capilla real (celebraciones litúrgicas), la gran caballeriza (actos protocolarios, paradas militares) y la cámara del rey (opera, ballet, tragedias líricas y música para el entretenimiento de la corte). El monarca, que amaba la música y la danza, promovió la creación de una escuela nacional francesa que se distinguiera de la italiana (omnipresente en el panorama musical europeo desde el comienzo del siglo xvii). La rivalidad entre ambas escuelas motivó a los músicos de la corte francesa a cultivar un estilo propio representado principalmente por Jean Baptiste Lully (1632- 1687)1. El músico florentino supo ganarse el favor del rey hasta obtener el puesto de superintendente de la música de la corte y director de la academia real de música. En esta posición, Lully controló la producción musical francesa (especialmente la música para escena) imponiendo por decreto a intérpretes y compositores el uso del estilo francés2. La música italiana, por su parte, caracterizada según los franceses por ser excesiva y pasional, tuvo que esperar la muerte de Lully para circular con libertad en el medio musical francés. Camille Saint-Saëns (1835-1921) afirmó en su libro Au courant de la vie (1914): Lully fue un verdadero flagelo para la escuela francesa; después de haber suplantado a Perrin y Cambert, quienes debieron exiliarse en Inglaterra, reinó sin par durante su larga carrera, no dejando lugar a nadie cerca de él (…). Sin embargo, no debían faltar en Francia músicos talentosos condenados a la inacción y a la oscuridad. A pesar del ‘totalitarismo musical’ ejercido por Lully, algunos músicos franceses se atrevieron a explorar el estilo italiano (en especial, la Sonata que Corelli había hecho tan popular). Uno de los primeros en hacerlo fue Marc- Antoine Charpentier (1643-1704). Inició sus estudios en Roma, donde conoció el estilo de Giacomo Carissimi (c. 1605- 1674). A su regreso trabajó 1 Paradójicamente de origen italiano. 2 Con lo que suscitó el antagonismo de muchos músicos de la corte. 6 para algunos notables como Mlle de Guise o Philippe d’Orléans y colaboró con el dramaturgo Molière (reemplazando en este trabajo a Lully). Al final de su vida fungió como maestro de capilla de la Sainte Chapelle, dedicando la mayor parte de su obra al repertorio vocal sacro. La Sonate à huit H. 548 (1685), único ejemplo de este tipo en la obra de Charpentier, se anticipa a ‘la reunión de los gustos’ por la fusión de los elementos franceses e italianos que se evidencian en su escritura: aquí confluyen el lirismo italiano y la organización de la suite de danzas francesa. Escrita para ocho voces3 (dos flautas traversas, dos violines, una viola da gamba, un violonchelo4, un clavecín y una tiorba) es también un ejemplo de la unión entre la familia de la viola da gamba (símbolo de la música francesa) y la de los violines (representante de la música italiana)5. En el segundo movimiento, Récit de la viole seule (Recitativo de la viola da gamba sola), y el cuarto, Récit de la basse de violon (Recitativo del violonchelo), puede leerse la intención de conciliar ambos universos. Esta sonata es un ejemplo de elegancia, refinamiento y lirismo único en la música de cámara de la época. Por muy impopulares que resultaran las medidas de Lully, sus méritos musicales también fueron notables: además de ser el fundador de la ópera francesa, en la que cultivó la solemnidad y elegancia de la obertura, supo mantener el favoritismo del rey por más de treinta años. Formó y apadrinó a muchos músicos que —por temor o gratitud— contribuyeron a enaltecer su memoria. Uno de ellos, Marin Marais (c. 1656-1728), le dedicó su primer libro Pièces à une et à deux violes (1686), exponiendo en su dedicatoria: «Los más grandes genios confiesan que no hay camino más seguro y más fácil para tener éxito en esta profesión que estudiar vuestras obras». Marais fue considerado por sus contemporáneos y sucesores como el más grande violista de su tiempo (junto con Forqueray). Acerca de él escribió Jean Rousseau6 (1644-1699) en su Traite de la viole (1687): «(…) la ciencia y bella ejecución lo distinguen de todos los demás, y hacen que con razón lo admiren todos aquellos que lo oyen». Años más tarde afirmo Hubert Le Blanc: «El 3 Muchas de las cuales tocan la misma melodía, por ejemplo, las flautas y los violines. El violonchelo, el clavecín y la tiorba tocan la misma línea (bajo continuo). Así, solo la viola da gamba tiene una voz independiente: en total las ocho voces se reducen a cuatro líneas melódicas. 4 En realidad se trataba de un ‘basse de violon à 5 cordes’ literalmente ‘violín bajo’; instrumento ligeramente más grande que el violonchelo. 5 De acuerdo con Hubert Le Blanc en Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncelle (1740) (Defensa de la viola da gamba contra las aspiraciones del violín y las pretensiones del violonchelo): «El violín provino de los italianos; la flauta, de los alemanes; el clavecín, de los ingleses, y de los franceses, la viola de gamba». 6 No confundir con Jean Jacques Rousseau (1712-1778). 7 imperio de la viola fue fundado y fuertemente establecido por el padre Marais (…)». Nombrado ‘ordinario de música de la cámara del rey’, su nombre fue leyenda entre los defensores de la viola y de la música francesa. En aquel que fue el primero de los cinco libros que Marais dedicó a la viola quedaron consignadas las reglas de interpretación y de técnica que colocaron el instrumento a la vanguardia de la música europea de la época. De las piezas para dos violas y bajo continuo incluidas en el libro, escucharemos una selección de danzas en re menor Prelude, Allemande, Courante, Sarabande y Gigue además del Tombeau de Mr Meliton en sol menor, homenaje al organista Pierre Meliton, quien había muerto en 1684. Tras la muerte de Lully (1687), la influencia italiana en el paisaje musical francés se hizo más notable aunque esto no fuera del agrado de todos7. François Couperin (1668-1733)8 fue uno de los primeros en promover la unión de ambos estilos. En el prefacio de su obra Les goûts-réünis (Los gustos reunidos) (1724) declaró: El gusto italiano y el gusto francés han compartido desde hace tiempo (en Francia) la republica de la música; (…) las primeras sonatas9 italianas que aparecieron en París hace más de treinta años y que me animaron a componer otras más adelante no hicieron ningún mal a mi espíritu, ni a las obras del señor Lully, ni a aquellos de mis ancestros, quienes serán siempre más admirables que imitables. Couperin fue el mayor representante de la escuela francesa de clavecín. De ello dan fe obras como L’art de toucher le clavecin o las suites para clavecín —además de su música de cámara entre la que se cuentan varias sonatas—10. Trabajó en la Chapelle Royale como organista y fue nombrado ordinaire de la chambre du roi. La trio sonata La Superbe (c. 1695) forma parte de un grupo de sonatas inspiradas en la escritura de Arcangelo Corelli (1653-1713), principal promotor de este género. Escrita para dos violines y bajo continuo, consta de varios movimientos contrastantes11. 7 Las tensiones entre ambas escuelas condujeron algunos años más tarde a la ‘querella de los bufones’ (1752) entre los defensores de la ópera francesa (representada por Rameau) y los defensores da la ópera italiana (representada por J. J. Rousseau). 8 Llamado ‘el grande’ para distinguirlo de otros miembros de su familia también reconocidos músicos, entre ellos Louis Couperin, su tío. 9 La palabra exacta usada por Couperin no fue sonata (en italiano) sino ‘sonade’, una mezcla entre francés e italiano que representaba la fusión de las dos escuelas. 10 Cultivó la suite francesa (a la que le dio el nombre de ‘ordre’) tanto como la sonata italiana. 11 Los títulos evocadores y descriptivos que usaba Couperin podían sobrepasar la idea de ‘retrato musical’ para referirse no solo a la imagen de una persona sino a una idea, una intriga, una emoción o un concepto abstracto como es el caso de La Superbe, que evoca magnificencia y suntuosidad. 8 La sonata para cuarteto La Sultane (c. 1695), por otro lado, fue escrita para cuatro voces (dos violines, dos violas de gamba y continuo) y, a diferencia de la sonata a trío, cuenta con una voz independiente para la segunda viola, lo que la hace única en la escritura de Couperin. Compuesta igualmente por varios movimientos contrastantes, es elegante y refinada como el personaje que busca representar: la sultana. Esta alusión recuerda el interés por el exotismo orientalista de la corte francesa de la época. Jean-Baptiste Féry Rebel (1666-1747) comenzó muy joven a estudiar violín con Lully. Fue un alumno brillante y su carrera —casi tan prometedora como la de su mentor— lo llevó a desempeñarse como primer violín de la orquesta de los 24 violines del rey12, compositor de la corte, maestro de la real academia de música y, finalmente, director del Concert Spirituel13. Como muchos de sus contemporáneos, experimentó con las formas italianas (especialmente, la sonata). Como homenaje póstumo a su maestro compuso en 1695 el Tombeau de M. de Lully14, obra que fue publicada en 1712 dentro del Recueil de douze sonates a deux et trois parties (Colección de doce sonatas a dos y tres partes). Para Philippe Vendrix, «entre todas las formas instrumentales que llevaron durante el Barroco la marca de una inspiración poética, el tombeau ocupa un lugar privilegiado». Más adelante agrega: «El tombeau musical no es la invención de un músico. Nació de la intención de los miembros de los salones privilegiados de otorgarle a la música una calidad oratoria». Fue en estos salones donde el género construyó su fama. La capacidad expresiva de estas composiciones favorecía una dialéctica musical que trascendía la simple descripción, impulsándola más allá de la retórica de la lamentatio. La mayor parte de los tombeaux fueron escritos para un instrumento solista (laúd, clavecín, tiorba, viola da gamba), lo que convierte a esta obra, en forma de trio sonata, en un ejemplo único de este género. REFERENCIAS Couperin, F. (1724). Les goûts réunis. Paris, Chez l’auteur. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf. fr/ark:/12148/btv1b9009970v/f4.item.r=les%20gouts%20reunis%20 partition.zoom 12 Una de las primeras orquestas barrocas al servicio del rey de Francia. 13 Sociedad independiente organizadora de conciertos. 14 Tombeau traduce tumba o sepulcro. 9 Le Blanc, H. (1740). Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncelle. Amsterdam, Chez Pierre Mortier. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://archive. org/details/defensedelabasse0000lebl/page/28 Marais, M. (1689). Pièces à une et a deux violes composées par M. Marias. Paris, Chez l’autheur. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k11679114/ f5.item Rousseau, J. (1687). Traité de la viole. Paris, Chez Christophe Ballard. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k581157/f42.item Saint-Saëns, C. (1914). Au courant de la vie. Paris, Dorbon aîné. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf. fr/ark:/12148/bpt6k9780512n/f18.image Vendrix, P. (1994). La transfiguration du poétique : le tombeau en musique. Revue de langue et de littérature française. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://halshs.archives-ouvertes.fr/ halshs-00230186/document Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: XGM165. UZS572. UDE329. JNY980 PULEP: QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195 CHRISTOPHE ROUSSET clavecín (Francia) * Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 · NUEVO HORARIO PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ * Este concierto cuenta con el apoyo de Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin Foto: Edward Messa

Concierto interpretado por el violinista Carlos Villa. Desde sus primeras presentaciones a la edad de ocho años en Colombia, país de su nacimiento, Carlos Villa ha recibido los más altos elogios del público y de la prensa. Graduado del famoso “Curtis Institute of Muisc” en Philadelphia, ha ofrecido recitales y conciertos por toda Europa, las Américas y Australia, figurando como solista bajo los más grandes directores, entre ellos Klemperer, Giulini, Sawallisch y Munchinger.

Concierto interpretado por la Orquesta de Cuerdas dirigida por Ernesto Díaz, con la participación de simón Galindo como solista. Este conjunto está compuesto en su mayoría por alumnos del Conservatorio de la Universidad Nacional, algunos profesores y miembros de la Orquesta Sinfónica de Colombia.

Concierto interpretado por el ensamble de música contemporánea Voc 2. Con su temporada de conciertos 2009 en Suiza y Alemania -que incluyó el estreno de dos obras especialmente comisionadas para el ensamble, en escenarios como el festival "Voices – Fete des musiciens (STV-ASM)" de Lausanne-, VOC 2 consolidó un trabajo iniciado desde el año 2006, con importantes frutos como la comisión de nuevas obras y el proyecto de grabación de un disco con el sello Telos. Actualmente el ensamble cuenta con el apoyo de la Fundación Suiza para la Cultura Prohelvetia y de la Fundación lsabelle Zogheb.

Como expresa su propio título, con este libro pretendemos ofrecer al lector un manual para el estudio teórico del presupuesto y de los gastos del Sector Público desde una perspectiva económica. El libro se compone de cinco secciones que acogen a quince capítulos, dotados todos ellos de una estructura similar: un breve espacio introductorio en el que se justifica y se detalla el contenido del capítulo y el desarrollo de los apartados enunciados en ese espacio inicial. He aquí a continuación la reseña del contenido del texto, desglosado en esas cinco secciones o bloques temáticos.

Concierto interpretado por la Netherlands Chamber Orchesta, dirigida por David Zinman. Esta agrupación se fundó en 1955, para satisfacer una necesidad cultural de Holanda. Los gobernantes y directivos culturales holandeses, observando el panorama musical de su país, llegaron a la conclusión de que los gustos musicales del mismo estaban cambiando desde una marcada preferencia por los románticos y el repertorio de gran; orquesta hacia un creciente interés por la literatura del barroco y la música moderna. que integran aún casi todos los músicos que la fundaron, se compone de 14 violines, 5 violas, 4 violoncelos, 2 contrabajos, un c1avecín, 2 oboes y 2 trompas. Su repertorio completo reúne cuatro siglos de música y suma 160 obras.