Foto: Martin Just Roberts Jueves 13 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Germán Arciniegas Cód. PULEP: NKW993 Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: GMN600 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe (Colombia) Diego Claros, piano (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Villavicencio, el acceso al auditorio de la Biblioteca Germán Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la Carrera 45A # 8-16. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Martin Just Roberts JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe Nació en Bogotá en 1992. A los seis años empezó a estudiar música y a los nueve recibió una beca para estudiar oboe en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, donde se formó musicalmente hasta los dieciséis años. En el 2008 fue aceptado en el programa básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de los maestros Andreas Schneider y Carlos Villanueva, para obtener su grado de músico oboísta seis años más tarde. En el 2017 terminó sus estudios de maestría en la Hochschule für Musik Trossingen (Alemania) con el maestro inglés Nicholas Daniel, y actualmente cursa una maestría de música de cámara en la Hochschule für Musik Karlsruhe, teniendo como profesor a Thomas Indermühle. Ha participado en distintos festivales orquestales de música de cámara y oboe en Colombia, Alemania, Reino Unido y Brasil, como el Mattheiser Sommer-Akademie, Young Euro Classic, Rheingau Musik Festival, Norddeutsche Oboentage, Bogotá es Mozart, Cartagena Festival Internacional de Música, British Isles Music Festival y FEMUSC (Festival de Música de Santa Catarina). En dichos festivales tuvo la oportunidad de recibir clases magistrales con David Walter, Jacques Tys, Christian Schmitt, Jean-Louis Capezzali, Nancy Ambrose King, Tom Owen, Gordon Hunt, David Theodore, Jorge Andrés Pinzón, Nick Deustch, Alex Klein y Luis Carlos Justi. Desde el 2011 es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que ha realizado giras por Colombia, Estados Unidos, Alemania y Austria. En el 2016 fue seleccionado por la Youth Orchestra of the Americas (YOA) para ser parte del Nordic-Baltic Legacy Tour, que llegó a Estonia, Lituania, Letonia, Polonia, Suecia, Dinamarca y Alemania. Con estas dos orquestas trabajó de la mano de los directores Andrés Orozco Estrada, Carlos Miguel Prieto y Benjamin Zander. Fue primer oboe de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá —cargo que obtuvo por concurso— desde la fecha de su fundación hasta el 2015. 2 DIEGO CLAROS piano Músico, pianista y magíster en pedagogía del piano de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo la más alta calificación en sus recitales de grado en pregrado y maestría. Su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical. Se ha desempeñado como pianista para el Concurso Nacional de Clarinetes Claribogotá, como pianista acompañante en las universidades Javeriana, Andes y Nacional y como profesor de piano y pianista del coro en la Universidad de La Sabana. Actualmente es codirector musical y correpetidor en el taller de ópera del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para oboe y piano (1947) HENRI DUTILLEUX (1916-2013) Trío sonata en re menor, BWV 527 (1727-1731) Andante Adagio e dolce Vivace JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para órgano Adagio y allegro, Op. 70 (1849) ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Original para corno y piano INTERMEDIO Cavatina para oboe y piano (1987-2014) GUSTAVO PARRA (n. 1963) Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti (1870-1890) ANTONIO PASCULLI (1842-1924) Original para oboe y orquesta Adaptación para oboe y piano por James Ledward (s. f.) CONCIERTO No. 40 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Cinco compositores, cinco géneros, cinco regiones geográficas, cinco aproximaciones estéticas distintas. El oboísta Juan Sebastián Velasco presenta un programa que encarna la versatilidad de su instrumento, tanto desde su propio idiomatismo, con las obras de Antonio Pasculli, Henri Dutilleux y Gustavo Parra, como desde el préstamo de lenguajes ajenos, con las obras de Johann Sebastian Bach y Robert Schumann; versatilidad que parece una analogía de la formación integral de dichas figuras que, además de trabajar como compositores, se embarcaron, no tímidamente, en los campos de la dirección, la interpretación, la docencia y la creación literaria. Henri Dutilleux (1916-2013) Este longevo compositor recibió a los 89 años un reconocimiento a su poética con el Premio de Música Ernst von Siemens y se convirtió así en el tercer francés en ser elegido por la Academia Bávara de Música, después de Olivier Messiaen y Pierre Boulez; también, solo un año antes de su muerte, la Filarmónica de Nueva York le otorgó el premio Marie-Josée Kravis. Su biografía no conoció la monotonía, y de su legado resaltan, por ejemplo, su trabajo en la Radio Francesa como encargado de producciones musicales; su figura como pianista, arreglista y tutor vocal; su trabajo docente en el conservatorio y en la École Normale de Musique de Paris; la obtención del Grand Prix de Rome en 1938 por su obra L’anneau du roi y, lamentablemente, como se puede contar de muchos compositores que vivieron las dos grandes guerras, su servicio en la Drôle de Guerre o ‘Guerra Falsa’, entre 1939 y 1940. A pesar de no ser principalmente conocido por sus trabajos para vientos, ya que sus obras más celebradas son las orquestales, su técnica compositiva se deja entrever en aquellos. Por ejemplo, en la Sonata para oboe y piano (1947) se hace evidente el resultado de su estricta educación teórica en el Conservatorio de París, pues, ya desde el primer movimiento, la arquitectura contrapuntística y la claridad formal delatan no solo el paso del compositor por las cátedras de profesores como Victor Gallois, Henri Büsser y Philippe Gaubert, entre otros, sino una búsqueda neoclásica del discurso musical. Por otra parte, la admiración de Dutilleux por el lenguaje armónico, casi simbolista, de maestros franceses como Claude Debussy, César Franck, Paul Dukas y Maurice Ravel es diáfanamente representada, no sin manifestar también una curiosidad por la música no académica, como había hecho el grupo de compositores denominados Les Six1 unos veinte años antes. Además, la exigencia técnica de esta obra no es un secreto, y en su génesis se encuentra la razón: la sonata, junto con las obras para fagot, trombón y flauta, le fueron encargadas por Claude Delvincourt, 1 Grupo de compositores integrado por Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, Jean Cocteau y Erik Satie. 5 director del Conservatorio de París, para desarrollar las habilidades técnicas de los estudiantes a partir del estudio de música nueva. Johann Sebastian Bach (1685-1750) Es sabido que Bach nunca vivió fuera de lo que hoy se conoce como Alemania, aspecto que, sin embargo, no puso límites a la vastedad de sus conocimientos sobre la música extranjera. Su manera de incorporarse al lenguaje de compositores como Girolamo Frescobaldi, Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli consistía en hacer copias de sus trabajos, ora como ejercicio pedagógico, ora como ejercicio compositivo, tomando sus temas como base o haciéndoles arreglos para otros formatos. Son conocidas sus transcripciones para órgano de algunos conciertos de Vivaldi; además, no se puede negar que, por ejemplo, en los seis Conciertos de Brandemburgo, la idea de concatenar dos tipos de conciertos: grosso y solo, en una sola estructura formal y con instrumentaciones no tradicionales, fue una de las tantas maneras como Bach se apropió de los procedimientos compositivos foráneos. Las seis sonatas en trío, a las cuales pertenece la BWV 527 en re menor, son otro ejemplo de esta apropiación. A primera lectura se pensaría en que una pieza cuyo título es Trío sonata se referiría a una composición para un ensamble con tres o más instrumentos, uno por cada línea, y la posibilidad de que dos o más instrumentos ejecuten la línea del bajo. Esta era la convención en el siglo xviii. Sin embargo, al referirse a piezas escritas para órgano —que en las manos adecuadas podría, en cierta medida, llegar a equipararse a un ensamble de varios instrumentos—, Bach utiliza la indicación ‘a deux clav. e pedale’, es decir, ‘para dos manuales [de órgano] y pedal’. Para ser más específicos, lo que normalmente ejecutarían tres o más individuos, lo tendría que realizar una sola persona haciendo uso de sus cuatro extremidades: cada mano para una línea melódica y los pies para el pedal. Escritas para su hijo Willhelm Friedemann, se cree que pudieron haber sido creadas por Bach entre su estancia en Weimar y Leipzig. A propósito de su importancia, el biógrafo Johann Nicolaus Forkel hace, en 1802, una descripción de las piezas: Bach compuso [los tríos] para su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, quien, practicándolos, debía prepararse para convertirse en el gran organista que luego fue. Es imposible decir suficientes cosas sobre su belleza. Fueron compuestos cuando el autor estaba en su mayor madurez y pueden considerarse como su principal trabajo de tales características2. Además, su hijo Carl Philipp Emanuel, quien ya se encontraba inmerso en un pensamiento estético contrastante con el de su padre, reconoce el carácter sempiterno 2 “Bach composed [the trios] for his eldest son, Wilhelm Friedemann, who, by practicing them, had to prepare himself to become the great performer on the organ that he afterward was. It is impossible to say enough of their beauty. They were composed when the author was in his most mature age and may be considered as his chief work of this description”. (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 6 de las sonatas al asegurar que estas «fueron escritas en un estilo tan galante que aun suenan bastante bien, y nunca parecerán anticuadas, sino que, por el contrario, sobrevivirán a todas las revoluciones de las modas musicales» (Yearsley, p. 9, 2014). Robert Schumann (1810-1856) En una época previa al psicoanálisis, a la terapia psicológica dirigida y a los tratamientos químicos para la depresión, la única herramienta que pudo utilizar Robert Schumann para combatir la melancolía fue la relación —tan orgánica como explosiva— que desarrolló con la música desde sus primeras clases de piano, a muy corta edad, hasta los episodios más tardíos de delirio, en los que la imposibilidad del silencio generaba un estado de composición involuntaria e indeseada. Esta relación lo llevó a conocer a su esposa, Clara Wieck, y a su apadrinado Johannes Brahms. Su carrera como pianista se vio mermada debido a los excesos de juventud; ya fuera por el misterioso aparato que utilizaba para fortalecer los dedos de sus manos, o ya por los efectos del tratamiento con mercurio para la sífilis, su retiro prematuro de la vida como concertista refleja la persona del compositor. Introspectivo y abierto a la vez; racional y explosivo; calmo y agresivo, este concierto de personalidades conformaba la agotadora psique del compositor. El Adagio y allegro, Op. 70, titulado Romance y Allegro en su primera versión, da cuenta perfecta de esta querella inconsciente y pareciera una materialización musical de los personajes literarios creados por él mismo: Eusebio y Florestán, la manifestación de su lucha interna. Iniciando con un estilo propio de sus lieder, la obra, original para corno y piano, parece una canción o romance sin palabras (Eusebio), que luego introduce un tema enérgico (Florestán), propio del idiomatismo del corno, que hasta no hace mucho tiempo había sido considerado un instrumento de guerra. De igual manera, su estructura se erige como un atenuante para el antagonismo entre el pensamiento clásico y el romántico: una forma rondó, propia del primero, es el cimiento de un desarrollo armónico arriesgado, propio del segundo. Gustavo Parra (n. 1963) Nacido en Ipiales (Nariño), Parra encaminó su experiencia académica inicialmente hacia la dirección de orquesta, que ha ejercido a la par con su aclamada carrera compositiva y docente, aunque la composición no fue un objetivo al comenzar sus estudios musicales profesionales. En una entrevista realizada por María Isabel Quintero en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Parra cuenta de manera descomplicada —como una analogía a la génesis y desarrollo de su catálogo— que sus primeras composiciones las firmaba con el nombre artístico Jerry Lee Davies, pues Gustavo Parra resultaba muy poco atractivo y, por el contrario, el nombre norteamericano se presentaba como una ventana más plausible hacia el reconocimiento del medio compositivo. Narra también que, justamente, gracias a que su foco no se encontraba en la composición, las licencias para componer fuera de los tecnicismos académicos y las categorizaciones estilísticas 7 llegaron a él de manera muy fácil puesto que, en palabras del mismo Parra, él no era un ‘compositor legalizado’ —no tenía que ceñirse a las reglas o a las tendencias técnicas que los estudiantes de composición sí debían seguir—. Los títulos de sus piezas dan cuenta de este alejamiento, e incluso parecerían respuestas al pseudointelectualismo, que puede llegar a ser una afección importante en la composición académica. Algunos títulos destacables son Ñerunfen Gorsóbico Nos. 1, 2 y 3, Piriñonfla extrema, Ñánfiras, Fat Swing, Ganache y Demi Glace, entre otros. Sin embargo, el alejamiento del mundo académico no ha sido completo ni tajante, pues a lo largo de su carrera musical ha participado como director en las orquestas Sinfónica Nacional de Colombia, Sinfónica Juvenil del Perú, Orquesta de Cámara de Caracas, Orquesta de Cámara de Quito, Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, Sinfónica Nacional Batuta y Sinfónica Batuta Bogotá. La Cavatina para oboe y piano escapa al estilo excéntrico de nomenclatura pues, como lo menciona el compositor en la misma entrevista, no todas las piezas se dejan nombrar de cualquier manera y él responde siempre a lo que éstas le piden. Haciendo una interpretación libre de la obra y teniendo en cuenta que el compositor nunca ha querido adherirse a ninguna categoría academicista, se puede decir que hay cierta influencia de aquel grupo de compositores ya citados, a quien Jean Cocteau denominó como Les Six; la utilización de melodías sencillas y de un carácter cantábile, como respuesta a las construcciones meramente intelectuales que se estaban dando en otros lugares de Europa en la primera década del siglo pasado, era una de las principales búsquedas de compositores como Erik Satie (quien no pertenecía al grupo pero suponía una figura ‘paternal’ para los seis compositores), Darius Milhaud y Francis Poulenc. La pieza escrita por Gustavo Parra da cuenta de esta búsqueda y, sin que se presente como una obra técnicamente sencilla para ninguno de los dos instrumentos, expresa una claridad estructural, armónica y melódica que podrían emparentarla con el pensamiento de los compositores franceses, especialmente con el de Francis Poulenc, quien en su catálogo incluye varias obras para maderas (flauta, fagot, clarinete, oboe) y dedica un grandísimo porcentaje de este a la música vocal. Al ser una cavatina, la obra nos remite inmediatamente a una arquitectura vocal pues este término se utilizó durante los siglos XVIII y XIX para designar, bien un aria corta, o bien una estructurada en dos partes contrastantes en carácter y velocidad, respectivamente. Dichas características no aparecen tímidamente en la Cavatina para oboe y piano; en esta se tratan melodías con un carácter vocal muy evidente, además de una estructura formal que se turna entre una primera y tercera parte en un estilo de barcarolle, berceuse o canción de cuna, y una segunda parte con un carácter mucho más agitado que recuerda a la música de cabaret o vaudeville, que estuvo también en la mira de Les Six. Antonio Pasculli (1842-1924) Además de un virtuoso del oboe, Pasculli, nacido en Palermo (Italia), fue también profesor en el conservatorio y director de la banda municipal de dicha ciudad. Es de resaltar que, bajo su mando, los integrantes de la banda debían tocar no solo los instrumentos de viento, sino también instrumentos de cuerda, lo que permitía que su repertorio fuera mucho más extenso que el de una agrupación convencional de este tipo. Por ejemplo, interpretaban adaptaciones de partes de óperas, lo cual constituía una tradición casi ininterrumpida desde la segunda mitad del siglo xviii, cuando el emperador José II fundó en Austria la primera Harmonie, una agrupación conformada por virtuosos instrumentistas de vientos. Al ser una agrupación no convencional para el entorno cortesano de cámara, el repertorio era casi inexistente, y por ello los integrantes del grupo hacían arreglos de partes de óperas de moda para el ensamble. Fue a partir de esta práctica de adaptación de material preexistente que el palermitano elaboró sus composiciones sobre temas de Gaetano Donizetti, quien desarrolló un pensamiento instrumental complejo a partir de la concepción, más psicológica que meramente virtuosa, de los personajes de sus óperas. En el Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti, Pasculli toma algunas arias de esta obra, estrenada en 1840, como Silenzio, silenzio, del Acto I; Spirito gentil, y Dolce zeffiro, il seconda, que es desarrollado como un tema con variaciones, en un procedimiento que desde el siglo xvi había sido utilizado por los compositores para dar cuenta de los diferentes recursos compositivos posibles, además de una búsqueda de la escritura idiomática virtuosa. Bibliografía Quintero, M. I. (2018). Entrevista abierta con Gustavo Parra – Compositor (Colombia). Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango. Disponible en https://www.youtube. com/watch?v=pdh8Pk-r91w Yearsley, D. (2014). Johann Sebastian Bach: Six Trio sonatas, BWV 525-530; Preludes & Fugues, BWV 548 & 552. [CD]. U.S.A.: Musica Omnia. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Leonardo Cáceres, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822 Foto: Leonardo Santos CAMILO ZAMUDIO Boletas: $6.000* percusión Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO LATINOAMERICANO Boletas: $10.000 cuarteto de cuerdas (México) Foto: Sergio Yazbek

Foto: Leonardo Santos Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Cód. PULEP: LIZ408 Jueves 27 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ABZ650 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CAMILO ZAMUDIO percusión (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Ibagué, el ingreso a la Sala Alberto Castilla para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Conservatorio del Tolima en la Calle 9 # 1-18. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la institución. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 CAMILO ZAMUDIO percusión Camilo Zamudio es un músico apasionado por los nuevos sonidos y las músicas populares tradicionales colombianas. La percusión es para él una forma de comunicación y expresión íntima que conecta al oyente con su mundo sonoro. Como percusionista, expone diversos estilos y lenguajes procedentes del contacto y la exploración continua de diferentes géneros musicales, adoptando de esta forma una identidad única presente en su propuesta musical. Ha sido partícipe de múltiples festivales, entre los que se destacan el Festival Internacional de Percusión de Ibagué, el Stage de Marimba y Percusión de Medellín, y el Laboratorio Nacional de Percusión FOSBO. Obtuvo el primer lugar en el Concurso Latinoamericano de Percusión Rafael Zambrano, llevado a cabo en la ciudad de Bogotá en el año 2017. Estudió en la Universidad Autónoma Nacional de México bajo la tutoría de Alfredo Bringas e hizo parte del Ensamble de Música Contemporánea de la Escuela Nacional de Música de México. En México presentó recitales en importantes auditorios como el Museo de Arte Contemporáneo MUAC y la Sala Xochipilli. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Nebojša Jovan Živković, Katarzyna Myćka, Iván Manzanilla, Fernando Meza y Evelyn Glennie. ÁNGELA MARÍA LARA CABRERA, percusión Inició su formación musical en la Red de Escuelas de Formación Musical de Pasto en el 2006, recibiendo clases de percusión. En el 2013, fue ganadora del premio a mejor instrumentista en el Concurso Nacional de Bandas. Participó en diferentes festivales, entre los que se destacan el VIII Encuentro de Orquestas Infanto-juveniles, realizado en Buenos Aires (Argentina) y el proyecto Laboramusic en Alicante (España). Fue integrante de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y miembro de la Filarmónica Joven de Colombia por dos temporadas. Recibió clases magistrales con Alejandro Ruiz, Katarzyna Mycka, Fernando Meza, Martin Piechota, Eriko Minami, Foto: Leonardo Santos 2 entre otros percusionistas. En la actualidad, adelanta sus estudios en percusión sinfónica en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con el maestro Mario Sarmiento. JUAN FELIPE GALVIS BARRIOS, percusión Músico percusionista egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido miembro de la Filarmónica Joven de Colombia en las temporadas 2017- 2018 y estudiante de los maestros Gabriel Galvis, Mario Sarmiento, Juan David Forero y Federico Demmer. Ha participado como percusionista en festivales dentro y fuera del país, como el Laboratorio de percusión (2016) junto a Katarzyna Mycka y Krystina Marcoux; Festival Internacional de percusión de Ibagué (2015, 2016 y 2018) como músico invitado; y Festival de Música de Santa Catarina en Brasil en el 2016. MICHAEL STEVEN ROMERO GÓMEZ, percusión Inició sus estudios musicales en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil bajo la dirección de Juan David Forero y David Cantoni; hizo parte de la orquesta sinfónica de esta institución durante cuatro años. Posteriormente, ingresó a la Universidad Pedagógica Nacional bajo la tutoría de Gabriel Galvis; en dicha institución, integró la banda sinfónica con la que participó en diferentes concursos nacionales. En el 2015, ingresó a la cátedra de percusión de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la enseñanza de Mario Sarmiento y Federico Demmer. Ha participado en diferentes festivales y concursos a nivel nacional y ha sido parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en calidad de músico supernumerario. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Katarzyna Mycka, Tupac Mantilla y Krystina Marcoux. El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Bem-vindo, Op. 16 (1988) NEY ROSAURO (n. 1952) Para vibráfono solo Cadenza (1992) PETER SADLO (1962-2016) Para seis timbales Side by Side (1989) MICHIO KITAZUME (n. 1948) Para multipercusión Ilijaš (1995) NEBOJŠA JOVAN ŽIVKOVIĆ (n. 1962) Para marimba sola INTERMEDIO Meditation No. 1 (2011) CASEY CANGELOSI (n. 1982) Para tambor solo Blues for Gilbert (1982) MARK GLENTWORTH (n. 1960) Para vibráfono solo Tres pequeñas piezas para marimba (2010) JOSÉ GUILLERMO MARTÍNEZ (n. 1983) Pegasus (2005)* BEN WAHLUND (n. 1977) Para tambor solo y ensamble de percusión CONCIERTO No. 42 *Ensamble acompañante: Ángela María Lara Cabrera, Juan Felipe Galvis Barrios y Michael Steven Romero Gómez 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Los instrumentos de percusión utilizados en la tradición académica occidental sorprenden tanto por la variedad en sus formas, timbres, técnicas y los repertorios dedicados a ellos, como por las vastas y variopintas historias que sostienen sus génesis, usos e itinerarios históricos. Aunque la escritura para timbales, redoblante, marimba, xilófono o vibráfono es reciente, la presencia de estos instrumentos en la historia de la música ha sido modesta con respecto al pensamiento del instrumentista virtuoso, pero contundente. Al parecer, desde que el ser humano pensó en términos musicales, la percusión ha cumplido el papel de fiel acompañante en rituales religiosos, banquetes cortesanos, conciertos públicos y círculos intelectuales. El siglo XX, cuna de las vanguardias que produjeron nuevos discursos a partir de la organización no convencional de los elementos musicales, fue también catalizador de nuevos protagonistas; no solamente fue el momento en que vieron la luz nuevos instrumentos musicales, también fue el tiempo en el que se empezó a dar voz a instrumentos que otrora tenían un papel subsidiario, ciertamente relegado en la pirámide social musical. Por esto, no es de extrañar que un concierto que dedique su repertorio a la percusión contenga obras escritas entre la segunda mitad del siglo pasado y los primeros años del que está en curso. Ney Rosauro, Mark Glentworth, Nebojša Jovan Živković, José Guillermo Martínez, Casey Cangelosi, Ben Wahlund, Michio Kitazume y Peter Sadlo son nombres que, a pesar de no hacer parte de ese grupo de compositores que no necesita introducción al interior de públicos acostumbrados a un repertorio conformado por instrumentos más tradicionales –en el mundo académico occidental–, suponen un vastísimo aporte en relación a la técnica y la expansión de las posibilidades de los instrumentos de percusión ya citados; instrumentos que se perciben como protagonistas de narrativas musicales antiguamente dedicadas a cierto tipo de timbres, y de novedosos discursos melódicos, armónicos y rítmicos. El concierto abre con Bem-vindo, Op. 16 (en español, Bienvenido), escrita para uno de los instrumentos más jóvenes que se escucharán hoy: el vibráfono. Creado en la primera década del siglo XX en Estados Unidos, se diferencia de instrumentos con similares medios de ejecución como la marimba, el xilófono 5 y el glockenspiel en tener una especie de turbina por debajo de las placas de metal, que, al ser accionada por medio de un motor, produce un sonido con vibrato. Inicialmente se le llamó vibraharp y sus primeras apariciones como protagonista se dieron gracias a intérpretes de jazz de los años treinta y cuarenta como Lionel Hampton y Milt Jackson, quienes pertenecieron a las bandas de Benny Goodman y Dizzy Gillespie, respectivamente. Su función es tanto armónica como melódica y, por lo general, se toca con cuatro baquetas, dos en cada mano. No obstante, Ney Rosauro (n. 1952), en la obra citada, requiere la utilización de una quinta baqueta y, además, pide alternar entre la cabeza de la baqueta y la parte de madera para generar distintos timbres. La obra fue compuesta en 1988 para celebrar el nacimiento de Ricardo, el hijo del compositor: […] esta pieza requiere un muy alto nivel de madurez técnica y musical para su interpretación y además introduce la técnica de tocar con cinco baquetas. El primer tema que se presenta en la sección introductoria se desarrolla a partir de numerosas variaciones a lo largo de la pieza y está acompañado usualmente de un ostinato rítmico y politonal1. En la sección final, dos pequeños motivos nuevos aparecen junto al mismo ostinato rítmico: el primero en el estilo de las Bachianas Brasileiras del compositor Heitor Villa-Lobos, y el segundo es una cita de una melodía de los gauchos del sur de Brasil, haciendo referencia al lugar de nacimiento de Ricardo2. Para el vibráfono también fue escrita Blues for Gilbert de Mark Glentworth (n. 1960); una de las piezas más tempranas del percusionista, que da cuenta del sonido histórico del instrumento en el contexto de las bandas de jazz y blues urbano comercial a partir de la construcción de melodías con un carácter improvisativo muy evidente que recuerda a los grandes pianistas del siglo XX como Count Basie, Bill Evans o Thelonious Monk, entre otros. La marimba es un instrumento similar en ejecución al ya citado vibráfono, pero cuya historia excede considerablemente en tiempo al instrumento norteamericano. Sus orígenes se pueden encontrar en África que, de alguna 1 El concepto de ‘politonalidad’ se refiere a un recurso muy utilizado por compositores del siglo XX en el que dos o más tonalidades se presentan de manera simultánea (horizontal). Por otro lado, el concepto de ‘ostinato’ se refiere, en este caso, a un patrón rítmico-melódico repetitivo. 2 […] “this piece requires a very high level of technical and musical maturity for its interpretation and introduces the technique of playing with five mallets. The first theme that is presented in the opening section is developed in several variations throughout the piece and is usually accompanied by a rhythmic, polytonal ostinato. In the final section, two other small motives appear with the same rhythmic, polytonal ostinato: the first in the style of the Bachianas Brasileiras from Brazilian composer Heitor Villa Lobos, and the second is a quote of a melody from the gauchos of Southern Brazil, referring to the birthplace of Ricardo”. (Berrido, E.) (Traducción al español por Daniela Peña) 6 manera, sirvió en los siglos XVI y XVII como exportador del instrumento hacia tierras de lo que hoy se conoce como América Latina; no obstante, su adopción como instrumento del repertorio académico occidental tardaría hasta el siglo XX. Al igual que el vibráfono, la marimba es utilizada como un instrumento melódico y armónico y se ejecuta normalmente con cuatro baquetas, pero, a diferencia del primero, las placas que se percuten son de madera y no existe ningún mecanismo que afecte la naturaleza de su sonido. Para este instrumento, el compositor Nebojša Jovan Živković (n. 1962) compuso en 1995 la pieza titulada Ilijaš, que evoca la utilización de instrumentos melódicos de percusión por los pueblos gitanos del este de Europa, además del lenguaje pianístico del virtuoso decimonónico Franz Liszt: Es una composición rapsódica, titulada a partir de un pequeño pueblo en la antigua República de Bosnia en Yugoslavia. Tiene claras relaciones con melodías populares de la pintoresca región de los Balcanes, así como ritmos y escalas cuyas raíces se pueden encontrar incluso en el lejano oriente. En la introducción de la pieza, Živković utiliza una técnica muy inusual para la marimba, produciendo sonidos que nos recuerdan al gran sonido del piano asociado a Franz Liszt3. Y para terminar con los instrumentos melódicos de percusión, se escucharán las Tres pequeñas piezas para marimba del compositor y percusionista caleño José Guillermo Martínez (n. 1983) quien, gracias a su ecléctico bagaje musical, como baterista de heavy metal y percusionista de salsa, por ejemplo, expresa un lenguaje muy versátil que da cuenta tanto del acervo musical colombiano y latinoamericano, como de aquel proveniente de las vanguardias del siglo XX e incluso del rock progresivo. Las tres piezas que hoy nos reúnen, a pesar de sus títulos, quieren evocar el espíritu de tres mascotas: dos gatos y un perro. En palabras del compositor: Escribí estas tres cortas piezas, para honrar las mascotas de mi[s] amigo[s]: dos gatos y un perro. El primer movimiento trata sobre una elegante, inteligente e igualmente impredecible gata. El segundo movimiento es un in memoriam, movimiento para el perro que acompañó a mi amiga por más de diez años, era sabia y fiel (sic). El tercer movimiento es sobre otro gato, un gato joven que es simplemente un dolor 3 […] “is a rhapsodic composition, titled after a small town in the former Yugoslav republic of Bosnia. It has a clear associations with folk tunes of that picturesque Balkan area, as well as mixed rhythms and tonal scales whose roots could be found even further East. In the introduction of the piece, Živković calls for a very unusual marimba technique that produces sounds that remind us of a Franz Liszt grand piano sound” (Živković, N.) (Traducción al español por Daniela Peña) 7 de cabeza… Saben a lo que me refiero, aquel gato que rasguña, salta, juega con tus medias, destruye tus baquetas y rompe cosas por donde pasa4. Los tambores, o membranófonos, han sido parte de la historia occidental y, como ya se mencionó, han pertenecido a diversos contextos acompañando y apoyando rituales, batallas, bailes y espectáculos cortesanos. Su uso más documentado es el de instrumento militar; por ejemplo, Thoinaut Arbeau, en su tratado de danza titulado Orchesotraphy (1586), menciona que los tambores proporcionaban las claves para que los soldados franceses supieran en qué momento debían avanzar o retirarse; sin las fórmulas o patrones rítmicos que codificaban determinados movimientos, estos marcharían erráticamente y no tendrían éxito en las batallas. El autor, además, describe la estructura del instrumento, la manera de sujetarlo y menciona que por lo general estaba acompañado por instrumentos de viento como flautas, cornos o cornetas. Figura 1. Orchesography (Arbeau, 1586, f. 7r, Langres) Aunque ya lejos de un contexto militar, la composición de Casey Cangelosi (n. 1982), Meditation No. 1, utiliza también patrones rítmicos asociados a timbres determinados para la construcción de su discurso. Si bien podría pensarse como un estudio, en realidad es una pieza que busca desarrollar el sonido a partir de la exploración de distintos timbres en un único instrumento y con patrones rítmicos repetitivos. Utiliza principalmente golpes 4 “I wrote these three short pieces, to honor my friend’s pets: two cats and a dog. The first movement is about an elegant, smart, and at the same time unpredictable female cat. Second movement is an “in memoriam” movement for this dog that accompanied my friend for over 10 years, she was wise and faithful. Third movement, is about that other cat, a young cat that is just a pain in the butt… you know what I mean, the one that scratches, jumps, plays with your socks, destroys your mallets, and breaks stuff all over the place…” (Martínez, J.) (Traducción al español por Daniela Peña). al caso del tambor, golpes entre las baquetas y golpes al parche, tanto con las baquetas como con la mano; y es justamente la asociación de determinados patrones con timbres definidos lo que hace que la arquitectura de la pieza sea clara para el oyente. Por su parte, Pegasus presenta al redoblante acompañado, ya no de instrumentos de viento, sino de otros instrumentos de percusión como la marimba, el glockenspiel, el xilófono y la pandereta. A partir del contraste entre momentos polimétricos y polirrítmicos con momentos completamente regulares, que incluso recuerdan a las batucadas brasileras, el percusionista, compositor y docente Ben Wahlund (n. 1977), quien expresa sus creencias religiosas abiertamente, busca representar el balance entre opuestos para llegar al paraíso. Comisionada por el Sr. Rich Ford en el verano de 2005, Pegasus busca comunicar algunos de los sentimientos que hemos compartido Rich y yo a lo largo de mis estudios en la universidad. Ambos hemos sido criados en familias musicales y, habiendo mantenido los principios de la cristiandad muy cerca de nuestros corazones, nos hemos encontrado con retos en los aspectos religiosos y musicales de la vida (…) Me lo imagino [a Rich Ford] diariamente preparándose para una carrera con las distracciones de la vida en sus hombros, y desembarazándose de ellas mientras corre, y encontrando el precioso balance cuando la actividad y el descanso se encuentran en un extraño y hermoso equilibrio5. Tanto la pieza del japonés Michio Kitazume (n. 1948) como la del alemán Peter Sadlo (1962-2016) dan cuenta de la posibilidad de tocar varios instrumentos a la vez, ora de naturalezas idénticas, como en Cadenza para seis timbales, ora de diversas naturalezas como en Side by Side para multipercusión. Ambas piezas, aunque a partir de búsquedas diferentes, logran proyectar una experiencia que trasciende las construcciones meramente rítmicas; la pieza de Kitazume se preocupa principalmente de la adición de células rítmicas a un patrón inicialmente estable y muy sencillo para generar un efecto de expansión en la duración del mismo, muy similar a lo planteado por el pensamiento minimalista en los años sesenta. Por otro lado, Sadlo se preocupa mucho más por las posibilidades melódicas que proporcionan los timbales, utilizando el 5 “Commissioned by Mr. Rich Ford in the summer of 2005, Pegasus aims to communicate some of the feelings that have been shared between Rich and myself over the course of my study at university. Both of us having been raised in musical families and coming to hold the tenets of Christianity dear to our hearts, we have often found ourselves challenged both in religious and musical aspects of life (…) I picture him daily setting out on a run with life’s distractions on his shoulders, only to shake them off as he keeps running and finding that precious balance when activity and rest are at a strange, beautiful equilibrium”. (Wahlund, B.) (Traducción al español por Daniela Peña). recurso del pedal de manera recurrente. A pesar de la disparidad en génesis de cada discurso, los resultados sonoros de los mismos, encarnan una narrativa visual, lograda a partir de un efecto coreográfico intrínseco, propio casi de manera exclusiva de la poética de formatos semejantes. Bibliografía Arbeau, T. (1586). Orchesography, Langres. Berrido, E. (s. f.). Bem-vindo (5 mallets). Disponible en: http://neyrosauro. com/works/bem-vindo Martínez, J. (s. f.). Three Short Pieces for Marimba: Dedicated to Gabriela Rojas. Disponible en: https://josemartinezcomposer.com/works/solo/ three-short-pieces-for-marimba/ Wahlund, B. (s. f.). Pegasus. Disponible en: http://www.blackdogmusicstudio. com/notes/pegasusnotes.pdf Zivkovic, N. (s. f.). Program notes. Disponible en: http://www.zivkovic.de/p-notes. htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Cód. PULEP: MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira Boletas: $10.000 Foto: cortesía familia Figueroa Foto: Stefan Schweigers Foto: Manolo Yllera SON DE MADERA son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.

Concierto interpretado por el grupo Fagotangueando. Fagotangueando inició actividades con una propuesta de música en vivo acompañada de baile. En el 2003 un grupo de cinco fagotes, piano y cinco bailarines hizo su estreno en el teatro Delia Zapata Olivella; el espectáculo tuvo como eje principal los fagotes, instrumentos no característicos dentro del género tanguero. El nombre "Fagotangueando" surgió al ir desarrollando el repertorio del grupo; el fagot y el baile se involucraron creando un espacio en común donde el instrumento, que usualmente es bajo y no solista, era tan protagonista como la parte visual. Después de este comienzo la agrupación tuvo un cambio en su formato musical y de baile; ahora el fagot, acompañado del clarinete y del piano, explora los elementos de un género que, aun cuando a veces es considerado exclusivamente del sur de América, en realidad se ha ido convirtiendo poco a poco en parte de nuestro patrimonio y es cotidiano ver grupos de todas las edades reunirse a escuchar, ver, bailar y disfrutar el tango en todas sus modalidades.

Concierto interpretado por la pianista Luz Ángela Posada. Posada realizó sus primeros estudios musicales con Leonor Pardo de Sáenz y con la ilustre pedagoga Lucía Pérez. Adelantó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad Javeriana e ingresó al Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia en donde fueron sus profesores Pablo Arévalo en piano, Mireya Arboleda en Música de Cámara; así como Blas Emilio Atehortúa, Alicia Lozano, entre otros, hasta obtener el grado laureado de Pianista, en 1976. Admitida directamente en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en la Cátedra de Piano realizó un curso avanzado de especialización con Olga Mijailovna Rukova hasta 1982.

Concierto de jazz celebrado por el pianista estadounidense Eugene Uman y el saxofonista Carlos Averhoff, en el que se interpretaron obras de: Braunislao Kaper, Cole Porter, Eugene Uman, Richard Rodgers, Lorenz Hart, Billy Strayhorn, Duke Ellington, John Coltrane y Charlie Parker.

Concierto celebrado por Harold Martina. Martina nació en Curazao, Antillas Holandesas. De niño recibió sus primeras lecciones de música con los profesores Patrick y Teun Don. Continuó sus estudios de piano con Annamaria Pennella en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, donde obtuvo su grado Cum Laude como concertista. Realizó estudios de perfeccionamiento con el profesor Richard Hauser en la afamada Academia de Música de Viena. Allí se graduó Summa Cum Laude por voto unánime. Era la primera vez que se otorgaba dicha distinción en esta academia, recibiendo un premio especial del gobierno de Austria. En 1975 fue condecorado por la Reina Juliana de Holanda con la Orden Orange-Nassau. En 1980 realizó una gira. De conciertos con la Orquesta de Cámara de Holanda bajo la dirección del maestro David Zimman, en 1984 con el violinista Frank Preuss en Alemania y en 1986 con el violinista Rony Rogoff, por el Japón. Alterna su actividad como concertista con una fructífera labor pedagógica en Medellín, ciudad donde reside y en otras ciudades del país.

Concierto interpretado por el grupo Impromptus VIII. Esta agrupación fue creada en 1985, tomó su nombre de una de las formas musicales características del romanticismo y se impuso como objetivo primordial el rescate y renovación de la música popular latinoamericana. El trabajo constante, las inquietudes y experiencias de sus integrantes han encontrado su síntesis en una propuesta que, en conjunción con la tradición, presenta los aires típicos en una forma más cercana a la generación actual, sobre la base de la exploración de nuevas sonoridades tanto vocales como instrumentales.

Concierto interpretado por el grupo Neue Wiener Concert Schrammeln. Desde 1995 este grupo anima la escena musical vienesa, y gracias a su estilo inconfundible se le conoce mucho más allá de las fronteras de Viena. En la búsqueda de un nuevo sonido vienés, amplía continuamente su repertorio tanto con composiciones nuevas como propias. Particularmente las obras redescubiertas de Los hermanos Mikula de la primera mitad del siglo XX se han convertido en un distintivo del Cuarteto. Las originales interpretaciones del Neue Wiener Concert Schrammeln permite revivir toda las facetas de la música popular vienesa, otorgando especialmente a la canción un lugar no convencional pero ubicándola al mismo tiempo dentro de la música de cámara.

Concierto interpretado por el guitarrista colombiano Juan Mario Cuellar. Cuellar nació en Bogotá donde inició sus primeros estudios musicales, los cuales terminó en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona (España). Fue alumno de los maestros Juan Ruano, César A. Roche y Antonio Francisco Serra. En varias ocasiones ha sido becado por el Ministerio de Educación y Ciencia de España, apoyo que le ha permitido recibir orientación de maestros como José Luis González, Andrés Segovia Ha desarrollado su carrera de concertista en Europa, América y África, continentes donde actúa regularmente en prestigiosas salas de conciertos y por cuyas presentaciones ha recibido elogiosas críticas de la prensa especializada.

Concierto celebrado por el Conjunto Musicámara en el que se interpretaron obras del post-romanticismo de compositores como Antonin Dvorak, César Franck y Johannes Brahms.