Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Nicolás Achury MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO LAURA LAMBULEY PROJECT (Colombia) jazz Miércoles 13 de julio de 2022 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas PULEP: USL548 Viernes 15 de julio de 2022 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: KRU442 Domingo 17 de julio de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: JOD318 Martes 19 de julio de 2022 · 6:00 p.m. Tunja, Teatro Mayor Bicentenario PULEP: KSJ445 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 EL RETORNO DE LO EFÍMERO La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música. Leonardo da Vinci El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República, y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas sensaciones nuestros sentidos. La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún medio digital. Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte, la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta 2 y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos colombianos. Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno— ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León. Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete, improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas. Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero, a la experiencia de la música en vivo. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 3 ACERCA DE LOS ARTISTAS Laura Lambuley, piano Desde niña y dentro de su círculo familiar, Laura Lambuley se sumergió profundamente en el estudio y la práctica de diversas músicas regionales colombianas. Igualmente, a temprana edad inició estudios formales de piano y, luego de madurar y apropiar diversos lenguajes del inmenso repertorio pianístico, abordó una nueva etapa de consolidación a lo que ella misma llama una relación balanceada y confluente entre la música y el instrumento. Esto, le permitió obtener importantes reconocimientos y constituirse en una muestra de desarrollo de las músicas regionales colombianas y del repertorio pianístico. Laura ha sido reconocida con importantes distinciones como la beca Jóvenes Talentos 2009 del ICETEX. Fue invitada a participar en la celebración internacional de la Independencia de Colombia en el Gran Concierto Nacional realizado en el Parque Simón Bolívar de Bogotá en 2008 y en Jamaica en 2010; en 2012 fue convocada por el Banco de la República para realizar una gira de conciertos por diferentes ciudades de Colombia y en 2018 fue invitada de honor por la Embajada de Colombia en México para representar a Colombia en el Festival Cultural de Zacatecas. En 2007 Laura grabó su primer trabajo discográfico Llano en blanco y negro, trabajo que la impulsó artísticamente a participar en importantes escenarios de Colombia, Jamaica, España y Estados Unidos. Ha sido acreedora de varios premios en Colombia, entre los que se encuentran el primer puesto en el x Concurso Nacional de Interpretación 'Ciudad de Bogotá' en la categoría de piano, realizado en 2008 en homenaje al maestro Oriol Rangel; ganadora en la convocatoria Ciclos de conciertos en la modalidad de Música Colombiana del Instituto Distrital de Cultura y Turismo en 2003 y 2005, y seleccionada para la Serie de los jóvenes intérpretes 2004 del Banco de la República. Laura ha compartido escenario con importantes músicos como Édmar Castañeda, Aquiles Báez, Samuel Torres, Rodner Padilla, John Benítez, Robert Foto: Nicolás Achury 4 Quintero, y ha colaborado con agrupaciones como el emblemático Ensamble Gurrufío de Venezuela y la Orquesta Filarmónica de Praga. Ha sido docente de la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia y la Academia Superior de Artes de Bogotá, de donde es egresada; fue docente del programa de piano de pregrado de la Facultad de Artes de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, entidad donde tuvo la oportunidad de dirigir el Ensamble de Música Colombiana; fue integrante del comité de acreditación, así como del grupo de investigación musical Coma, y dirigió el departamento de piano. En 2009 Laura se trasladó a Estados Unidos para continuar sus estudios de postgrado en piano jazz en la ciudad de New York, los cuales culminó en Miami en la Universidad Internacional de Florida (FIU) bajo la tutoría del maestro Mike Orta. Actualmente es co-fundadora de L Music en la ciudad de Miami y se mantiene activa en el ámbito académico. Laura se encuentra promoviendo su segundo trabajo discográfico Mestizo, trabajo que realizó en colaboración con grandes artistas y productores de talla internacional. Rodner Padilla, bajo Rodner es bajista, compositor, arreglista y productor musical venezolano. Ha sido tres veces ganador del Grammy Latino como músico, productor e ingeniero de su agrupación C4 Trío con los discos De repente, Sirena y Tiempo al tiempo; fue nominado al premio Grammy Latino por el álbum Gualberto + C4, así como a los Premios de la academia de la grabación (NARAS), por el disco Pa’ Fuera. Su trabajo ha sido reseñado en varias revistas especializadas en Estados Unidos y Venezuela. Como bajista, ha actuado con algunos de los más importantes músicos como Gustavo Dudamel y la Orquesta Sinfónica Juvenil de Venezuela Simón Bolívar con Rubén Blades; ha actuado con Óscar de León, Sergio George, José Alberto ‘El Canario’, París Jazz Big Band, Franco de Vita, Gilberto Santa Rosa, entre otros. Su intensa actividad como bajista le ha valido premios internacionales, incluido el Grammy Latino en 2011, con el álbum de Ilan Chester Tesoros de la música Venezolana, y el premio a Mejor Ensamble Nuevo Formato y Mejor Bajista en el Torneo Internacional de Joropo en Villavicencio, Colombia. Padilla se Foto: Rodner Padilla 5 ha presentado en Estados Unidos, Francia, España, Italia, Alemania, Bélgica, Inglaterra, Escocia, Holanda, Marruecos, Canadá, Colombia, Ecuador, México, Costa Rica, Perú, Cuba y otros países de América Latina y el Caribe. Henry Linarez, cuatro venezolano Considerado como uno de los más grandes exponentes del cuatro venezolano, sus composiciones y sonido han recibido el reconocimiento y las mejores críticas de expertos en la industria musical. Comenzó a profundizar en el cuatro venezolano de la mano de su padre Henry Linares. Henry ha dado conciertos en diferentes países de América y Europa. En su carrera destacan proyectos importantes junto a importantes artistas como el cantante venezolano Nacho, Tony Succar, Miguelito Díaz, Daniela Padrón, el Trío Venezuela, Yasmil Marrufo, Astrid Celeste Marrufo, Saúl Vera, Jesús Florido, Laura Lambuley, Desorden Público, Franco de Vita, Simón Díaz, Juan de Los Santos Contreras, Fonseca, Luis Silva, entre otros. En la actualidad vive en la ciudad de Miami y forma parte de diferentes proyectos como músico y productor en los Estados Unidos; cuenta con cuatro producciones discográficas como solista y mantiene su actividad como conferencista y exponente de los valores culturales de Venezuela y Latinoamérica. Juan Ernesto Laya, maracas Juan Ernesto nació en Valencia, Venezuela. Con las maracas venezolanas ha acompañado a innumerables artistas nacionales e internacionales en diferentes géneros musicales. Ha participado en gran cantidad de producciones discográficas, siendo merecedor de un reconocimiento por ser el músico con más producciones grabadas en Venezuela (más de 4000); en 2009 lanzó su nueva producción Suena maraquero. Durante 20 años formó parte del Ensamble Gurrufío, con quien llevó la música venezolana a importantes escenarios internacionales. Dirigió la cátedra de maracas de Foto: Henry Linarez Foto: Juan Ernesto Laya 6 El Sistema en Venezuela. Actualmente, continúa enseñando en Miami y participando en importantes proyectos musicales. Conozca más acerca de Laura Lambuley Project es.lauralambuley.com Laura Lambuley Laura Lambuley Laura Lambuley @lauralambuleyfanpage @lauralambuley @lauralambuley La realización de este concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 7 PROGRAMA Mestizo (2016-2018) LAURA LAMBULEY (n. 1980) Pandemic (2021) I. The News A Song for Simon (2016) Para piano y bajo Motherhood (2014-2018) Madrugada azul (s. f.) ÉDMAR CASTAÑEDA (n. 1978) Arreglo para cuatro, piano, bajo y maracas de Laura Lambuley El avispero (s. f.) ALBERTO ‘BETO’ VALDERRAMA (n. 1949) Arreglo para cuatro, piano, bajo y maracas de Laura Lambuley El vals del duende (s. f.) ALEJANDRO DOLINA (n. 1944) Pajarillo (2008) LAURA LAMBULEY Pandemic (2021) II. The Farewell Black Nile (1964) WAYNE SHORTER (n. 1933) Arreglo para cuatro, piano, bajo y maracas de Laura Lambuley Sonrisas (s. f.) ÉDMAR CASTAÑEDA Arreglo para cuatro, piano, bajo y maracas de Laura Lambuley Pandemic (2021) III. Hope LAURA LAMBULEY Quitapesares (2008) 8 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Lo que hoy conocemos como música llanera —encabezada estilísticamente por el joropo y sus aires rítmicos derivados— es una tradición joven y estereotipada que se consolidó en el panorama nacional a partir de la segunda mitad del siglo xx, tras la aceptación unánime del formato de arpa, cuatro y maracas. Moldeada al estilo venezolano, como consecuencia de la difusión discográfica y radial proveniente del país vecino, se estableció un canon riguroso que, entre el ámbito rural y el urbano, ha permanecido como una música regional arrinconada dentro de estrictas fronteras geográficas y simbólicas. Es por ello que los acercamientos entre estas músicas y otras prácticas de la música popular como el jazz son incipientes. Para entender dichos cambios y las problemáticas arraigadas a los idealismos de pureza, vale la pena acercarse al libro El arpa llanera y su tradición en el Torneo Internacional del Joropo, en el cual la arpista y musicóloga Doris Arbeláez Doncel analiza con rigor académico los supuestos nacionalistas que han sustentado la identidad de la música llanera en Colombia. A propósito, Arbeláez resalta a la agrupación Mayele, que en 1995 se presentó por primera vez en el Torneo Internacional del Joropo, ganando el segundo lugar: «La pieza que presentaron (…) terminó de posicionar a los bogotanos dentro de los músicos de vanguardia del joropo. Conservando su estilo modernizador en el planteamiento armónico y de textura del conjunto, pero creando piezas muy centradas en los golpes y los estilos ‘criollos’ del joropo, estos músicos hicieron parte de los primeros grupos que hacían referencia a piezas del jazz y el pop en los instrumentales del concurso» (Arbeláez, 2016, p. 104). Este gesto innovador que, según la autora, «(…) encontró rechazo en algunos músicos de la vieja guardia, y generó choques relacionados con la reivindicación de lo ‘criollo’ (…)» (Arbeláez, 2016, p. 104), sirve como punto de partida para trazar la genealogía de cierto estilo de jazz con acento llanero que apenas se empezó a practicar veinte años atrás y del que hasta ahora empezamos a descubrir rasgos en común y divergencias. Sin bien el recuento es escaso, hay nombres que resaltan, como lo es el caso de Guafa Trío, Édmar Castañeda, Lucía Pulido, Cachicamo, Sinsonte y Laura Lambuley. 9 Influenciada por las ideas revolucionarias de Nueva Cultura —icónico colectivo artístico que ayudó a fundar su madre y su padre en Bogotá, a mediados de la década de los setenta—, la pianista Laura Lambuley hace parte de una generación de artistas que reaccionaron ante los paradigmas ortodoxos que durante años mantuvieron sitiadas a las músicas raizales. Resultado de su tesis de grado, en 2008 publicó Llano en blanco y negro, disco en el que se develan las posibilidades creativas del joropo en el piano. A este le siguió Mestizo, grabación publicada en 2020, en la que cristaliza una búsqueda que se sumerge tanto en el jazz y el joropo, como en la música de cámara. En primera persona, Laura Lambuley nos cuenta los pormenores del repertorio que hoy tendremos el gusto de escuchar1. «En el 2019 viajé a los Estados Unidos con el propósito de tener un acercamiento más profundo con el jazz y poder aprender de sus raíces y estilos dentro del contexto cultural del país; esto con el objetivo de incorporar más elementos a mis procesos creativos, ampliar mi lenguaje en la improvisación y, por supuesto, conocer más músicos con quienes entablar diálogos creativos. La primera obra que salió de esta búsqueda fue Mestizo, luego Motherhood y en medio del camino A Song for Simon». «Con Mestizo quise identificarme no solo con mi raza, sino también con el resultado de mi hacer creativo, en el que se encuentran y mezclan culturas de muchos lugares y tiempos. La pieza comienza con una introducción a modo de tonada, seguida por una entrada rápida. Contiene joropo con secciones por derecho y por corrido —Onda Nueva—, progresiones armónicas españolas y de pajarillo sobre las cuales se abre el espacio para improvisar. Muchas veces en mi rutina de práctica me siento a improvisar sobre algún patrón o ciclo armónico y en algunas ocasiones he logrado buenos momentos de inspiración y creatividad; así que, a veces, decido conservar algunas de estas ideas que salen en el momento para usarlas luego en mis composiciones. Mestizo fue compuesta a partir de muchas de estas improvisaciones». «Dentro de esta misma camada entra Motherhood. Es una pieza muy especial, pues, al igual que sucedió con Mestizo, logré fusionar varios estilos que hacen parte de mi identidad como artista: el joropo y el jazz. En lo que tiene que ver con el joropo, usé dos golpes que no había unido antes en ninguna de mis composiciones: el quitapesares y la chipola. Además de este aspecto meramente musical, la pieza tiene un contexto aún más poderoso: 1 Las reflexiones sobre el programa fueron generosamente proporcionadas por Laura Lambuley para la elaboración de estas notas. 10 ¡surgió cuando fui madre por segunda vez! Lejos de mi familia, esta vez me tocó asumir el embarazo en otras circunstancias, a veces difíciles de sortear. Fue un gran reto encontrar la forma de no suspender mi oficio creativo durante ese periodo. En la introducción del bajo —soberbiamente interpretada por mi querido Rodner Padilla— quise representar musicalmente el momento de la concepción. Luego sigue una sección rápida sobre la base de quitapesares que más adelante se une con una chipola. En medio de todo este juego rítmico y de improvisación, intento expresar la valentía, determinación e incondicionalidad que mostramos las mujeres cuando nos enfrentamos a ser madres. Así que Motherhood es un homenaje a la maternidad desde mi identidad como intérprete». «Así mismo, marcada por la maternidad, compuse A Song for Simon. A ritmo de vals, fue originalmente pensada para piano solo. Luego, para mi segundo trabajo discográfico, fue adaptada para piano y orquesta, y finalmente adaptada nuevamente en su versión de concierto para uno de mis formatos favoritos: piano y bajo. Es una melodía llena de melancolía en la que intento expresar la tristeza que me suscita presenciar la tragedia de niños expuestos a la guerra, el hambre y la pobreza. Al mismo tiempo, es una tonada sin letra en que manifiesto mi gratitud por tener la suerte de que mi hijo, Simón, haya tenido la oportunidad de crecer a mi lado en un contexto feliz». «Me gusta también —a manera de contraste— incluir en el programa una obra para piano solo. Es el caso de El vals del duende, un hermoso vals en forma de tango escrito por el poeta, escritor y compositor argentino Alejandro Dolina (n. 1944)». «Pandemic es una [obra] que está dedicada a las personas y familias que se vieron afectadas por la pandemia. Los tres movimientos —The News, The Farewell y Hope— son mi forma particular de acompañar el viaje de quienes se fueron y de abrazar a quienes permanecen. Además de ser una oración y una forma de pedir perdón, esta composición es mi manera de evocar a la esperanza». «Pajarillo y Quitapesares son obras que están incorporadas a mi piel y siempre las incluyo en el repertorio. Significan mi familia, mi nicho, mi tradición. En ellas he incluido elementos del piano clásico y también utilizo muchos recursos que he abstraído de músicos llaneros que han sido referencia durante todo mi aprendizaje: Joseíto Romero, Darío Robayo, Abdul Farfán, Mario Tineo, Juan Pablo Rodríguez, Carlos Orozco y mi propio padre Néstor Lambuley». 11 «Siempre tuve la ilusión de hacer una colaboración con Édmar Castañeda (n. 1978). Después de varios años tuve la oportunidad de arreglar para piano y arpa Sonrisas, una obra de su autoría que logramos grabar en medio de la pandemia. Para mi significa años de amistad y hermandad». «Desde hace varios años suelo incluir un estándar de jazz en el repertorio. Durante un tiempo fue Take Five, al que en esta ocasión reemplacé por Black Nile, una pieza original del saxofonista Wayne Shorter (n. 1933), que me llamó la atención por su carácter rítmico y su armonía colorida. Habitualmente, la forma en la que he generado la comunicación entre joropo y jazz nace desde lo tradicional hacia el jazz, pero acá lo hago de manera inversa: tomo el estándar y lo permeo con colores y ritmos de la música tradicional. Generalmente, me gusta mucho el efecto que tiene el 5/8 en forma de merengue venezolano y aquí lo usamos para lograr un contraste de métricas que disfruto mucho interpretando». Referencias Arbeláez, Doris. (2016). El arpa llanera y su tradición en el Torneo Internacional del Joropo. Editorial Pontificia Universidad Javeriana. Audiciones recomendadas Laura Lambuley Ensamble. (2008). Llano en blanco y negro. Edición de la autora Laura Lambuley. (2020). Mestizo. Edición de la autora Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 12 Foto: Carolina Ramírez Páez ¡Septiembre en Villavicencio! Concierto de Lizeth Vega (Colombia) cantante 13 Foto: Pablo Stredel ¡Octubre en Girardot! Concierto de María Camila Flórez (Colombia) violín Este concierto se realiza también en Pereira y Bogotá 14 Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

"Revivir la práctica histórica del canto autoacompañado mediante un vibrante gesto colectivo es el objetivo que motiva a Concerto di Margherita. El ensamble nació en Basilea (Suiza) en 2014, a partir del encuentro entre Francesca Benetti, Tanja Vogrin, Giovanna Baviera, Rui Stähelin y Ricardo Leitão Pedro durante sus estudios en la Schola Cantorum Basiliensis. El conjunto centra su investigación en el repertorio de madrigales italianos con el objetivo de revivir el ambiente musical de la corte Este de Ferrara de finales de los siglos xvi y xvii, cuyo protagonista indiscutible, el ‘concerto delle dame’, era una auténtica fuente de inspiración para escribir nueva música y descubrir una nueva voz. Compuesto en su tiempo por Laura Peperara, cantante y virtuosa arpista de Mantua, Anna Guarini, cantante y laudista, y Livia d’Arco, cantante e intérprete de la viola da gamba, el ‘Concerto delle dame principalissime’ estuvo a menudo respaldado por figuras masculinas como Ippolito Fiorino, maestro de capilla, compositor y tiorbista, y el bajo Giulio Cesare Brancaccio. En 2015 Concerto di Margherita debutó en una gira por Italia con dos musicólogos de alto nivel, Anthony Newcomb y el argentino Pedro Memelsdorff, actuando en escenarios como el Palazzo Schifanoia en Ferrara, Villa i Tatti (The Harvard Center for Italian Renaissance Studies) en Florencia, y la Fondazione Giorgio Cini en Venecia. El ensamble se presenta con frecuencia en los festivales de música antigua europeos más renombrados, incluidos York Early Music Festival, Festival d’Ambronay, Internationale Händel-Festspiele Göttingen, Freunde Alte Musik Basel y Festival Alte Musik Zürich. Fue merecedor en 2019 del premio del público en el Eeemerging Festival del Centre Culturel de Rencontre et Festival d’Ambronay, que apoya de manera constante al ensamble desde 2017. El trabajo de Concerto di Margherita y su constante búsqueda de una expresividad entre voces e instrumentos, se proyecta hacia un futuro de experimentación y análisis del repertorio de madrigales italianos entre los dos siglos. El debut discográfico de Concerto di Margherita Il gioco della cieca: Madrigali Canzoni & Villanelle per cantare et sonare (febrero de 2022), grabado con el sello Arcana-Outhere Music, ofrece arreglos con una amplia gama de obras instrumentales y vocales inspiradas en la música de Wert, Gastoldi y Monteverdi."

"Brayan Ruiz, bandola Brayan Ruiz percibe el repertorio para la bandola andina colombiana de manera global. Su trabajo como intérprete abarca música tradicional colombiana, latinoamericana, clásica, jazz y repertorio para el instrumento solista. Se ha consolidado como uno de los mejores bandolistas del país, actuando con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional. Brayan es Maestro en Música con Énfasis en Ejecución Instrumental egresado de la Universidad El Bosque. Para el inicio de sus estudios superiores accedió al programa ‘Ser pilo paga’ (2017) y se formó con Fabián Forero Valderrama. En el año 2020 fue seleccionado para participar en la Filarmónica de Música Colombiana de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. En 2021 fue elegido para la Serie de los jóvenes intérpretes del Banco de la República, ganó la convocatoria de IDARTES ¡Esto se compone! en la categoría de intérprete y fue invitado para participar como solista en el V Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá interpretando el ‘Concierto en do mayor, RV 425’ de Antonio Vivaldi. Ha sido integrante de la Orquesta Colombiana de Bandolas, la Filarmónica de Música Colombiana y el cuartero de bandolas Perendengue. Con estas agrupaciones se ha presentado en importantes escenarios del país como el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, el Teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez, el Teatro Cafam de Bellas Artes, el Teatro Santiago Londoño, el Auditorio Tadeo Lozano y la Sala Otto de Greiff. En este concierto, Brayan estará acompañado por el guitarrista Giovanni Rodríguez, el pianista Juan Camilo Guerrero Bastidas, el bajista Daniel Rodríguez y el baterista Sergio Ferreira. El guitarrista y arreglista Giovanni Rodríguez se graduó como Licenciado en Música con Énfasis en Dirección de Orquesta de la Universidad Pedagógica Nacional. Comenzó sus estudios musicales en la Academia Luis A. Calvo en 2010 con Johan Olaya y Yimy Robles. Ha dirigido agrupaciones como Oviedo Rodríguez Dúo, Laura Chaparro y Giovanni Rodríguez, y el proyecto de la solista Laura Mateus, agrupaciones en las cuales también ha sido arreglista. El pianista Juan Camilo Guerrero Bastidas ha participado en numerosos proyectos musicales de Pasto como pianista, entre los que se destaca la agrupación Latin Boys Jazz Ensamble, elegidos para actuar en el festival Pasto Jazz 2015 y Buga Jazz 2016. En 2015 viajó en representación de Colombia y, junto con la agrupación Amadeus Orquesta, se presentó en el festival FIMU realizado en Belfort, Francia. En 2016 ganó el premio Correo del Sur cómo mejor intérprete de piano y artista revelación junto con la agrupación Latin Boys Jazz Ensamble. En 2020 fue contratado como pianista y productor musical para una cadena hotelera en la ciudad de Los Cabos, México. Daniel Rodríguez se formó como intérprete de bajo eléctrico y productor de audio en la Universidad El Bosque. Ha incursionado en la producción de audio participando en la grabación de artistas como The Klaxon y la creación del pódcast ‘La caverna del ruido’. Es profesor de la escuela de música Sonarte. El baterista Sergio Ferreira terminó sus estudios en ejecución instrumental en el Instituto Canzion Colombia en 2020 y continuó su formación musical en la Universidad El Bosque. Su estilo de interpretación se distingue por su gran sentido de la musicalidad, sutileza tímbrica, delicadeza técnica y sonido único. Ha acompañado a artistas de diferentes géneros como R&B, rap, ‘worship’ y músicas colombianas. "

"Conformado en 2017 en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, el quinteto de metales HiscaBrass ha actuado en diferentes salas de conciertos en Bogotá. En 2020 y 2021 algunos de sus integrantes, que son parte de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá, actuaron en escenarios como el Auditorio Fabio Lozano, el Auditorio Teatro Villa Mayor, el Auditorio Biblioparque Marqués de San Jorge, el Auditorio Jardín Botánico de Bogotá y el Teatro Estudio del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En el ámbito académico HiscaBrass participó como ponente en el Festival de Música de Cámara del Festival Zaquesazipa en Funza, y en una gira de clases y conciertos por Nariño, por ser ganador de la Beca de Circulación Nacional de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. HiscaBrass está conformado por los trompetistas Andrés David Quiñones Castrillón y Andrés Felipe Estrada Casanova, el cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla, el trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas y el tubista David Steven Cristancho Bernal. El trompetista Andrés David Quiñones Castrillón ingresó a los quince años al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia e inició sus estudios de trompeta con Fernando Mauricio Parra, y posteriormente con Juan Fernando Avendaño realizó sus estudios de Maestría en Interpretación y Pedagogía en la Universidad Nacional de Colombia de donde se graduó en 2021. El trompetista Andrés Felipe Estrada Casanova inició sus estudios musicales en la Escuela de Música Mayor Alejandro de Samaniego, Nariño, y es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Formó parte de la Banda Sinfónica de Nariño con la cual obtuvo varios premios y distinciones a nivel nacional. Fue seleccionado para pertenecer a la Filarmónica Joven de Colombia, The Orchestra of Americas, Sinfonietta de México, Orquesta Filarmónica de Bogotá y Banda Sinfónica Juvenil de Colombia. Ganó el primer puesto en el Concurso Latinoamericano de Trompeta y el segundo puesto en el Concurso Nacional de Trompeta. El cornista Jair Sebastián Virgüez Sevilla inició sus estudios musicales en la Escuela de Formación Musical del Centro Cultural Bacatá de Funza. En 2019 recibió el título de Músico Cornista en la Universidad Nacional de Colombia. Fue integrante de la Banda Sinfónica de Cundinamarca y la Filarmónica Joven de Colombia y profesor de corno francés en el Centro Cultural Bacatá de Funza. El trombonista Juan Sebastián Carreño Cárdenas se graduó del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia bajo la orientación de Nestor Slavov. Sus estudios básicos del trombón los realizó en el Colegio Centro Don Bosco con el maestro Edwin Rojas y en la Escuela Municipal de Artes de Chía con Orielso Santiago. Ha sido supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Fue seleccionado como solista para ser parte de la ‘Serie de los jóvenes intérpretes’ del Banco de la República de Colombia en 2020. El tubista David Steven Cristancho Bernal es egresado del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2010 inició sus estudios musicales en la escuela de música del municipio de Guayabal de Síquima, Cundinamarca. En la tuba fue orientado inicialmente por William Andrés Castillo Acuña y, desde 2014, por el profesor Fredy Romero Nieto. Ha sido instrumentista de la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca, y fue seleccionado como músico temporal de Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. "

"Con una propuesta fresca, dinámica y muy llamativa, Nosso Dúo nació a finales de 2019 con la necesidad de explorar diferentes músicas latinoamericanas y llevarlas a públicos de diferentes edades. Lo conforman Michael Pérez en la flauta y David Ocampo Ciro en la guitarra, músicos con amplia trayectoria y experiencia en la interpretación de músicas colombianas que han formado parte de diferentes agrupaciones galardonadas en los festivales y concursos más importantes de música del país, como el Festival Mono Núñez y el Festival Colombia al Parque. Actualmente, el dúo está trabajando en la producción discográfica ‘Travesía’ del trío instrumental Tr3s en Uno, del cual son integrantes desde 2015. Michael, aunque nació en Bogotá, ha construido su carrera artística en Ibagué, formándose de manera continua. Es Maestro en Música del Conservatorio del Tolima y ha actuado junto con la Corporación Banda Sinfónica del Tolima, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá y fue integrante por tres años de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá. David es Especialista en Educación Musical del Conservatorio del Tolima y Licenciado en Música de la Universidad Tecnológica de Pereira. Es intérprete del tiple y la guitarra, y compositor y arreglista para formatos de diversas organologías como coros, estudiantinas, orquestas de cuerdas pulsadas, ensambles vocales-instrumentales y bandas sinfónicas."

"Steven Remolina inició su práctica musical a los quince años en Funza (Cundinamarca), en el Centro Cultural Bacatá. Es egresado de la carrera de Estudios Musicales con énfasis en fagot de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde se formó bajo la dirección de Pedro Salcedo. Durante sus estudios de pregrado, Steven perteneció a la orquesta sinfónica y a la banda sinfónica de la universidad. En su recorrido musical ha tomado clases magistrales con Fabio Cury, Philipp Tutzer, Christian Kunert y Matthias Rácz. Entre 2017 y 2021 perteneció a la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá bajo la dirección de Carlos Villa; allí empezó como fagot ‘tutti’ para luego desempeñarse como jefe de fila en 2018. Steven es miembro del Quinteto de Vientos Bacatá, agrupación ganadora de las convocatorias Ciclo de conciertos universitarios 2017 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2018 del Banco de la República. El quinteto se ha presentado, además, en la serie Colón acústico organizada por el Teatro Colón de Bogotá, y en la primera versión del Festival de Música de Portillo, Chile. Actualmente, Steven participa como músico supernumerario en la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. En este concierto, Steven actúa junto con la pianista Beatriz Batista. "

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Vincy Ng RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TRÍO SITKOVETSKY (Alemania) trío con piano Jueves 28 de julio de 2022 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QRS637 Viernes 29 de julio de 2022 · 7:00 p.m. Pereira, Sala Múltiple del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: NEA517 Domingo 31 de julio de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: IES485 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 EL RETORNO DE LO EFÍMERO La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música. Leonardo da Vinci El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República, y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas sensaciones nuestros sentidos. La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún medio digital. Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte, la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta 2 y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos colombianos. Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno— ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León. Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete, improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas. Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero, a la experiencia de la música en vivo. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 3 ACERCA DEL ENSAMBLE Trío Sitkovetsky, trío con piano El Trío Sitkovetsky se ha consolidado como un trío con piano excepcional de la actualidad, con presentaciones sensacionales en las principales salas de concierto del mundo. A Alexander Sitkovetsky (violín) y Wu Qian (piano), se les unió recientemente el violonchelista germano-coreano Isang Enders, con quien continuaron su exitosa trayectoria musical. Su enfoque reflexivo y comprometido ha llevado al conjunto a ser aclamado por la crítica y a ser invitado a salas de concierto de renombre en todo el mundo, como el Concertgebouw de Ámsterdam, la Alte Oper de Frankfurt, el Palais des Beaux Arts, el Musée du Louvre, el Auditori de Barcelona, el Wigmore Hall y el Lincoln Center de Nueva York. En la temporada 2021/2022, tiene conciertos en los Países Bajos (Concertgebouw de Ámsterdam, TivoliVredenburg, Haarlem), Italia (Trieste, Milán y Rimini) y hará una gira por el Reino Unido, Irlanda y América Latina. También se presentará en varios festivales de primavera y verano en Europa. Recientemente, el trío regresó al Festival Rheingau Musik y se presentó por primera vez en el Perth Festival of the Arts, el Konzert Theater Bern, el Kammermusik Basel, el Mikkeli Festival, el Frederiksvaerk Festival, el Bellerive Festival y el Festival de Avila. Entre lo más destacado de las temporadas anteriores se cuenta una residencia en el Hong Kong City Hall, que incluyó interpretaciones del Triple concierto, Op. 56 de Beethoven con la Hong Kong Sinfonietta, así como música de cámara. El ensamble también realizó una gira por Asia, con conciertos en Corea del Sur, Singapur y Japón. En mayo de 2019 los músicos interpretaron el estreno mundial de un nuevo Triple concierto de Charlotte Bray con la Orquesta Philharmonia. Adicionalmente, se han presentado en la sala St. George en Bristol, Beethovenhaus Bonn, Frederiksvaerk y Hindsgavl Festival en Dinamarca, y han sido invitados a tocar en el Rheingau Musik Festival y con la Chamber Music Society of Lincoln Center. El trío ha interpretado el Triple concierto de Foto: Vincy Ng 4 Beethoven con la Konzerthausorchester de Berlín, la Filarmónica de los Países Bajos, la Sinfónica de Múnich y la Anhaltische Philharmonie Dessau. Destacan también sus actuaciones en los festivales de Music@Menlo en California, Chamber Music Society of Lincoln Center, Hong Kong International Chamber Music Festival y el Menuhin Festival de Gstaad, así como en los festivales de música de Bergen, Rheingau y Cheltenham. Además, se han embarcado en numerosas giras, incluida una por los Estados Unidos con conciertos en San Francisco y Washington D.C.; por China con presentaciones en Beijing, Shangai y Guangzhou, y una exitosa gira por Australia con Música Viva, recibiendo numerosas críticas elogiosas. Además de haber ganado el primer puesto en el premio internacional de música de cámara Commerzbank, obtuvieron el premio de música de cámara Nordmetall en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern y el premio de música de cámara Philharmonia-Martin. Por otra parte, se destacan las instituciones de las que el Trío Sitkovetsky ha recibido apoyo como la Fundación Hattori, el Fondo de Beneficencia de los Músicos, el Fidelio Trust y la Fundación Artística Global Suiza. Lanzaron su primera grabación para BIS Records en 2014, en la que se incluyeron obras de Smetana, Suk y Dvořák con gran éxito, según la crítica. Esto condujo a otros lanzamientos de obras de Brahms y Schubert con el Sello Wigmore Live y a otra grabación para BIS de Tríos de Mendelssohn en 2015. Grabaron su tercer disco para BIS que incluyeron los Tríos Op. 1 y Op. 70 de Beethoven, y el Allegretto en si bemol mayor para trío con piano, WoO 39, como parte de su ciclo completo de Beethoven, que fue publicado —con destacados resultados— a tiempo para las celebraciones del cumpleaños del compositor en la primavera de 2020. En junio de 2021 el Trío Sitkovetsky publicó su más reciente álbum con BIS Records. Conozca más acerca de Trío Sitkovetsky www: sitkovetskytrio.com @SitkovetskyTrio @sitkovetskytrio 5 Piezas de fantasía para violín, violonchelo y piano, Op. 88 (1842) Romance Humoreske Duett Finale ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Trío con piano (1914) Modéré Pantoum. Assez vif Passacaille. Très large Final. Animé MAURICE RAVEL (1875-1937) INTERMEDIO Trío con piano No. 1 en si mayor, Op. 8 (1889) Allegro con brio Scherzo. Allegro molto Adagio Finale. Allegro JOHANNES BRAHMS (1833-1897) PROGRAMA 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Schumann El compositor alemán Robert Schumann (1810-1856) ejerció una influencia decisiva sobre las generaciones de compositores románticos del siglo xix no solo por su música, sino por su actividad como escritor y crítico, la relación que buscó entre la música y el mundo literario, su actividad como pianista concertista, su generosidad como director orquestal, y su vida personal agitada marcada por la enfermedad y la locura. Luego de una gran cantidad de obras para piano y canciones, Schumann se embarcó en la composición de música de cámara, un género que para 1842 alternaba entre la expresión íntima del compositor y el mundo del concierto público. En un año, Schumann escribió los tres cuartetos del Opus 41, el Quinteto con piano en mi bemol mayor, el Cuarteto con piano también en mi bemol mayor, la Fantasía para trío, el Andante con variaciones para dos pianos, dos violonchelos y corno (publicado como obra para dos pianos). En sus escritos Schumann consideró que el cuarteto debía evitar los gestos sinfónicos y ser una conversación en la cual cada instrumento tuviera algo que decir. También le parecía importante tener conocimiento íntimo del género para no imitar a Haydn, Mozart y Beethoven. Del primero de ellos aprendió el uso de motivos únicos, plenos de potencial para el desarrollo; de Mozart, la flexibilidad de la forma; y de Beethoven, la unidad temática y tonal. Sobre Schumann pesó enormemente la herencia de Beethoven, en todo sentido (formal y técnico); el compositor construyó desde la gran tradición germana una escuela de técnica imponente y contenido novedoso. Su ilustre antecesor había sentado las bases para desarrollar grandes formas musicales (de extensa duración) con base en variaciones, a la vez que daba toques finales y lapidarios a la evolución de la sonata clásica. Por su parte, Franz Schubert había plasmado el carácter efímero y etéreo de la pieza romántica, y había trazado el rumbo de la pieza de carácter, descriptiva y de ejecución virtuosística. Correspondió a Schumann enmarcar su herencia dentro de las fuertes tendencias literarias y poéticas del siglo, junto con las demandas de un nuevo público de las ciudades, ávido de asistir a conciertos públicos. 7 La primera pieza (movimiento) de la obra Piezas de fantasía es breve y pensativa, según las instrucciones del compositor: no muy rápida y con expresión interna. De entrada, se reconoce la gran influencia de Haydn en el manejo de los tres instrumentos. Este Romance es un trozo evocador, melancólico y sencillo. El segundo movimiento hace las veces de scherzo, pasaje de buen humor y viveza rítmica basado en el tiempo de marcha, motivo rítmico que aparece aún en las secciones de contraste. En el dueto del tercer movimiento, predomina la conversación, de gran intensidad melódica, entre las dos cuerdas, mientras el piano provee un acompañamiento ripioso y discreto. Para el final, el compositor retorna a la marcha que se combina con episodios contrastantes como el que incluye cánones imitativos. Una coda plena de energía concluye la obra. Ravel Desde 1908 Maurice Ravel (1875-1937) había manifestado interés en escribir un trío con piano, pero no concretó su proyecto sino hasta 1914 en la localidad de St. Jean-de-Luz, cerca de su pueblo de origen. Terminó el primer movimiento en marzo, y para la época de la declaratoria de la Primera Guerra Mundial, en agosto, aún estaba trabajando en su composición. Según las palabras del compositor, su obra tenía ‘algo’ de Saint-Saëns. Pese al ambiente bélico, en el año de 1914 Ravel logró terminar varios trabajos: se estrenaron los Tres poemas, orquestó Carnaval de Schumann y Las sílfides de Chopin (obras para ser danzadas por Nijinsky en Londres, en donde también se escuchó Daphnis); compuso las Dos melodías hebreas e inició la escritura de Le tombeau de Couperin y las Tres canciones. El Trío se escuchó por primera vez en enero de 1915 y al finalizar las Tres canciones interrumpió su actividad musical para enlistarse en el ejército francés en calidad de conductor. Para Ravel era muy importante el dominio y la redefinición de las formas clásicas y cuando se comprometía a escribir una de ellas, el ejercicio le resultaba supremamente exigente, pues debía moverse en estructuras antiguas con una mirada moderna. Esta dualidad se aprecia en sus piezas de cámara más importantes: el Cuarteto en fa, las dos sonatas para violín y piano, la Sonata para violín y violonchelo, y el Trío. El primer movimiento del Trío es sutil y discreto, en gran parte por el uso de escalas modales antiguas que contribuyen a la ambigüedad tonal. Se alternan dos secciones claramente diferenciadas por el ritmo; la primera es de carácter más decidido y la segunda, mucho más vaporosa. El mismo compositor consideró que tenía un aire vasco evidente en el uso de ritmos asimétricos al inicio de la obra, similares a los encontrados en los esbozos para su concierto para piano sobre temas vascos. El título del segundo 8 movimiento, Pantoum, hace referencia a un verso malayo en el que las líneas segunda y cuarta de una cuarteta se convierten en las líneas primera y tercera de la siguiente. La ornamentación de las melodías, su gracia y ritmo sincopado, recuerdan la música española empleada por Ravel en otras composiciones. Las ideas del segundo movimiento se presentan en dos líneas independientes que se entrecruzan para producir una tercera secuencia lógica. El tema de la Passacaille es presentado por el piano en primera instancia, luego se escucha en el chelo y finalmente es entonado por el violín. El tema se ejecuta en diversas alturas con acompañamientos variados y paulatinamente se construye un intenso clímax sonoro que se desvanece para crear un gran arco musical. El final es muy activo y el piano se encarga de crear un telón de fondo arpegiado sobre el cual las cuerdas trinan y presentan sus melodías mucho más pausadas. La ambivalencia rítmica que va y viene entre compases asimétricos de 5/4 y 7/4 se remonta a los gestos del primer movimiento. En este Trío de Ravel se concretan muchos de sus rasgos estilísticos más sobresalientes: referencias formales y estructurales clásicas, inspiración en músicas consideradas exóticas, recreación de ambientes armónicos lejanos y ambiguos que cuestionan el sistema tonal mediante el empleo de escalas modales medioevales, gran técnica instrumental, recreación de estados anímicos sutiles y simbolistas, y, finalmente, dardos modernistas certeros en lo armónico (empleo de la disonancia) y lo rítmico (asimetría y complejidad). Brahms Existen dos versiones contrastantes del Trío con piano No. 1 de Johannes Brahms (1833-1897), la primera escrita en 1854 y la segunda, la revisión en su época de madurez de 1889. En la primera, el compositor, entonces de 21 años de edad, concibió un ejercicio romántico, lleno de eventos impetuosos y libres, inspirado en un personaje de E. T. A. Hoffmann. Firmó la obra con el seudónimo de Kreisler hijo, clara indicación de la relación anímica del Trío con el carácter variable del personaje literario que también inspiró a Robert Schumann en su Kresileriana para piano solo. Esta obra de juventud, revisada muchos años después, revela una faceta compleja de Brahms, cuya música de cámara se caracteriza por la fidelidad a los ideales clásicos, pero que, en este temprano intento, se asemeja mucho más al ideal schubertiano. La tonalidad, si mayor, es poco clásica, como también lo es el discurso anímico en perpetua alteración. Brahms escribió tres tríos para piano, violín y chelo, y dos tríos para otras combinaciones (piano, violín y corno, y piano, clarinete y chelo). En los cinco casos, el piano no desempeña un papel de acompañamiento, sino que 9 proporciona elementos sonoros muy importantes para la textura de las obras y aporta diálogos activos de dimensiones imitativas en todas las obras. Para 1854 Brahms estaba afianzando su estilo original, había rechazado los experimentos con el poema sinfónico de Liszt y había entablado una amistad cercana con el célebre violinista Joachim, quien lo alentaría en su carrera. Su originalidad y genialidad habían sido proclamadas por Robert Schumann. El Trío Op. 8 surge inmediatamente antes de una larga estadía de Brahms en Düsseldorf, a donde acudió para acompañar a Clara Schumann luego del intento de suicidio de Robert Schumann y la desafortunada reclusión del compositor en una clínica de reposo que precipitó su muerte en 1856. El primer movimiento responde al diseño tradicional de la forma sonata clásica. El trabajo en la tonalidad principal con el primer tema es extenso y se prolonga por sesenta compases antes de introducir el cambio mediante la modulación. Esta primera idea es una melodía expresiva y de gran intensidad anímica que se escucha en el registro tenor del piano para luego ser tomada por el chelo. Brahms introduce la tonalidad menor, a manera de contraste, junto con la actividad en tresillos que se escuchará a lo largo del movimiento. El segundo movimiento se enmarca en el concepto beethoveniano del Scherzo enérgico con un pasaje en quintas que evoca el ambiente de la cacería; la sección media del movimiento, o trío, ofrece un rico contraste temático y tonal, con un ambiente ensoñador de ‘canción de cuna’, a la vez que prepara el retorno del Scherzo con su drama interno y aceleración rítmica. El piano retoma el último acorde del Scherzo para presentar el tema homogéneo, a manera de coral en acordes, y del Adagio en el que hace gala de un espléndido colorido armónico por el que se mueven libremente las melodías entonadas por las cuerdas. El Allegro final se inicia en si menor y ofrece una rica actividad rítmica. Un fortissimo anuncia el contraste en re mayor y luego de un desarrollo variado se construye el cierre de la obra sobre los primeros compases del movimiento final. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos xix y xx. 10 Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

"El Trío Sitkovetsky se ha consolidado como un trío con piano excepcional de la actualidad, con presentaciones sensacionales en las principales salas de concierto del mundo. A Alexander Sitkovetsky (violín) y Wu Qian (piano), se les unió recientemente el violonchelista germano- coreano Isang Enders, con quien continuaron su exitosa trayectoria musical. Su enfoque reflexivo y comprometido ha llevado al conjunto a ser aclamado por la crítica y a ser invitado a salas de concierto de renombre en todo el mundo, como el Concertgebouw de Ámsterdam, la Alte Oper de Frankfurt, el Palais des Beaux Arts, el Musée du Louvre, el Auditori de Barcelona, el Wigmore Hall y el Lincoln Center de Nueva York. En la temporada 2021/2022, tiene conciertos en los Países Bajos (Concertgebouw de Ámsterdam, TivoliVredenburg, Haarlem), Italia (Trieste, Milán y Rimini) y hará una gira por el Reino Unido, Irlanda y América Latina. También se presentará en varios festivales de primavera y verano en Europa. Recientemente, el trío regresó al Festival Rheingau Musik y se presentó por primera vez en el Perth Festival of the Arts, el Konzert Theater Bern, el Kammermusik Basel, el Mikkeli Festival, el Frederiksvaerk Festival, el Bellerive Festival y el Festival de Avila. Entre lo más destacado de las temporadas anteriores se cuenta una residencia en el Hong Kong City Hall, que incluyó interpretaciones del ‘Triple concierto, Op. 56’ de Beethoven con la Hong Kong Sinfonietta, así como música de cámara. El ensamble también realizó una gira por Asia, con conciertos en Corea del Sur, Singapur y Japón. En mayo de 2019 los músicos interpretaron el estreno mundial de un nuevo ‘Triple concierto’ de Charlotte Bray con la Orquesta Philharmonia. Adicionalmente, se han presentado en la sala St. George en Bristol, Beethovenhaus Bonn, Frederiksvaerk y Hindsgavl Festival en Dinamarca, y han sido invitados a tocar en el Rheingau Musik Festival y con la Chamber Music Society of Lincoln Center. El trío ha interpretado el ‘Triple concierto’ de Beethoven con la Konzerthausorchester de Berlín, la Filarmónica de los Países Bajos, la Sinfónica de Múnich y la Anhaltische Philharmonie Dessau. Destacan también sus actuaciones en los festivales de Music@Menlo en California, Chamber Music Society of Lincoln Center, Hong Kong International Chamber Music Festival y el Menuhin Festival de Gstaad, así como en los festivales de música de Bergen, Rheingau y Cheltenham. Además, se han embarcado en numerosas giras, incluida una por los Estados Unidos con conciertos en San Francisco y Washington D.C.; por China con presentaciones en Beijing, Shangai y Guangzhou, y una exitosa gira por Australia con Música Viva, recibiendo numerosas críticas elogiosas. Además de haber ganado el primer puesto en el premio internacional de música de cámara Commerzbank, obtuvieron el premio de música de cámara Nordmetall en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern y el premio de música de cámara Philharmonia-Martin. Por otra parte, se destacan las instituciones de las que el Trío Sitkovetsky ha recibido apoyo como la Fundación Hattori, el Fondo de Beneficencia de los Músicos, el Fidelio Trust y la Fundación Artística Global Suiza. Lanzaron su primera grabación para BIS Records en 2014, en la que se incluyeron obras de Smetana, Suk y Dvořák con gran éxito, según la crítica. Esto condujo a otros lanzamientos de obras de Brahms y Schubert con el Sello Wigmore Live y a otra grabación para BIS de ‘Tríos’ de Mendelssohn en 2015. Grabaron su tercer disco para BIS que incluyeron los ‘Tríos Op. 1 y Op. 70’ de Beethoven, y el ‘Allegretto en si bemol mayor para trío con piano, WoO 39’, como parte de su ciclo completo de Beethoven, que fue publicado —con destacados resultados— a tiempo para las celebraciones del cumpleaños del compositor en la primavera de 2020. En junio de 2021 el Trío Sitkovetsky publicó su más reciente álbum con BIS Records. "

Foto: Camilo Rodríguez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 RÍO ARRIBA (Colombia) jazz Jueves 21 de julio de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: REH310 Jueves 8 de septiembre de 2022 Barranquilla PULEP: PGI372 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DEL ENSAMBLE Río Arriba, jazz Río Arriba es una agrupación musical de la ciudad de Barranquilla, constituida en el año 2017 por los integrantes María Angélica 'Mary Ángel' Múnera, Alberto Puentes, Jesús Vergara, Waldir Acosta y Jesús Maturana. Su paso por la academia los llevó a querer incursionar en exploraciones sonoras por medio del jazz y de las distintas células rítmicas que atesora el Caribe colombiano. Desde hace algunos años, iniciaron un proceso de creación musical y búsqueda de una identidad artística que favoreció a la agrupación, haciéndola ganadora de la Serie Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República; de la convocatoria El escenario es tu casa de la Secretaría de Cultura, Patrimonio y Turismo de Barranquilla, en el marco del aislamiento preventivo obligatorio por la pandemia COVID-19; del tercer lugar a mejor banda de jazz en el VII Festival Voces del Jazz y del Caribe de Cartagena de Indias (2019); y permitiéndole su participación en distintas franjas culturales a nivel local como Barranquijazz Al Bordillo y La Vitrina de Telecaribe. Foto: Camilo Rodríguez 3 PROGRAMA Ideas de Carnaval Echa pa’ cá (2020) WALDIR ACOSTA (n. 1997) MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA (n. 1998) ALBERTO PUENTES (n. 1996) Forró Brasil (1979) HERMETO PASCOAL (n. 1936) Original para Big Band. Adaptación para voz, piano, guitarra, bajo eléctrico y batería de Alberto Puentes basado en el arreglo de Debora Gurgel (s. f.) Dulzura de mamá (2020) ALBERTO PUENTES MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA JESÚS MATURANA (n. 1996) Capítulo I: Renacer (2020) MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA ALBERTO PUENTES JESÚS MATURANA JESÚS VERGARA (n. 1995) Capítulo II: Clamor al alba (2020) ALBERTO PUENTES WALDIR ACOSTA MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA DANIELA BRUGES (n. 2001) Capítulo III: Susurros y perlas (2022) ALBERTO PUENTES MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA Ciudad de fuego (2020) Sensualidad negra (2021) WALDIR ACOSTA I Adore You (2008) ESPERANZA SPALDING (n. 1984) Original para voz, piano, contrabajo, batería y percusión menor Arreglo para voz, piano, guitarra, bajo eléctrico y batería de Waldir Acosta Río arriba (2020) MARÍA ANGÉLICA ‘MARY ÁNGEL’ MÚNERA ALBERTO PUENTES 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Por causa de la inminente coyuntura sanitaria, en 2020, el quinteto barranquillero Río Arriba tuvo un viraje radical en sus dinámicas creativas: ante la imposibilidad de hacer conciertos, sus integrantes enfocaron su trabajo en la elaboración colectiva de piezas originales que, dos años más tarde, desembocaron en Ideas de Carnaval. Así titularon una puesta en escena que, por un lado, mezcla diversas fuentes sonoras provenientes del Caribe, Brasil, el pop, el rock y el soul y, por otro, resalta, mediante el ejercicio lírico, historias de la cotidianidad, la tradición, y la idiosincrasia de la fiesta y la celebración del Carnaval de Barranquilla. Alberto Puentes, su pianista, nos comparte algunos detalles esenciales de la historia de Río Arriba y del repertorio que podremos escuchar en esta ocasión: - ¿Qué encierra el nombre de Río Arriba? «El apelativo nace del deseo de exaltar algunos elementos representativos de Barranquilla, ciudad en la que crecimos, unos, y que acogió a otros integrantes de la agrupación. En esa permanente búsqueda notamos que un lugar común, entre los distintos actores culturales, ha sido destacar a la ciudad como Puerta de Oro de Colombia; entonces nos distanciamos de esa tendencia y optamos por exaltar, más bien, el río Magdalena, arteria fluvial a la que Barranquilla le debe su desarrollo económico e industrial, y a la que nos hemos podido acercar con la apertura de nuevos espacios públicos cerca de su rivera. De hecho, la composición que cierra Ideas de Carnaval alude directamente al nombre de la agrupación. Se trata de una pieza asentada en un aire de tambora que describe la travesía de un bocachico que nada a contracorriente para cumplir con su ciclo de vida y preservar su especie. El concepto del pez nadando “río arriba” es el eje central de nuestra identidad como grupo: encontrar aguas más puras y cristalinas allí donde nace el río». - Barranquilla tiene una tradición musical muy cercana al jazz, incluso el ritmo entró y se practicó en Colombia allí por primera vez en los años veinte. Hablemos de la escena del jazz en la ciudad. «Como usted bien menciona, la cultura del jazz en Barranquilla no es nada reciente y data de comienzos de la década de [1920] cuando se dio la creación 5 de varias orquestas locales dedicadas a amenizar los eventos de la alta sociedad barranquillera. Durante varias décadas el consumo de jazz en la ciudad fue cosa de unos pocos melómanos que se reunían en espacios como los ya desaparecidos Chick Corea Jazz Bar y Cascatinha Jazz Bar. Allí se encontraban frecuentemente para apreciar conciertos de personajes históricos como Viola Camacho, Daniel Moncada y Antonio María Peñaloza. Fue hasta 1997, con la creación de Barranquijazz y del concurso de bandas locales, que hubo un aumento significativo tanto en el público afín al género como en los artistas interesados en realizar este tipo de música. Recuerdo especialmente proyectos y nombres como Agua e’ Yuyo, Latin Sampling, Ethnia Latin & Jazz, Bruno Böhmer Camacho, Einar Escaf y Leonardo Donado. Actualmente, la escena ha tenido un nuevo impulso con la creación de un programa académico de la Universidad del Norte, enfocado en la formación de intérpretes de jazz. Asimismo, cabe destacar las iniciativas curriculares de Bellas Artes y la Universidad Reformada. Esto, más los festivales y algunos espacios intermitentes en bares y restaurantes, impulsan una escena muy variada en la que se destacan propuestas contemporáneas que quisiera resaltar: La Bandita, Vereda Jazz, Por La Orillita y Jazz, Gonzalo Lubo Quintet, Tríptico, Nicolle Horbath, OR Band, Puerta de Oro y Nacho Nieto». - ¿Y en qué lugar de ‘esta movida’ se localiza Río Arriba? «Río Arriba es una agrupación conformada por una nueva generación de músicos que contamos con la fortuna de conocer el jazz desde la academia local. El fácil acceso a la información y la buena guía de nuestros maestros nos permitió nutrirnos del lenguaje armónico y los recursos de la improvisación para fusionarlos con la riqueza de nuestros ritmos caribeños. Pese a esa ventaja con respecto a generaciones anteriores, somos conscientes de que a la escena local del jazz le hace falta mucho por recorrer. Es nuestra responsabilidad como artistas y gestores retomar los antecedentes y propiciar la apertura de nuevos espacios». - Hablemos puntualmente da cada una de las piezas que componen Ideas de Carnaval. «Ideas de Carnaval inicia con una chalupa titulada Echa pa´cá, pieza de la que quisiera contar una simpática anécdota. Resulta que a finales de 2020 nos inscribimos en un concurso de bandas locales. Una vez admitidos, nos enteramos de que dentro del itinerario del evento teníamos programadas no una, sino ocho presentaciones y que uno de los requisitos era interpretar una 6 composición inédita diaria. Si bien teníamos adelantadas algunas ideas, las piezas aún no estaban terminadas y faltaba hacer el montaje de estas. Como si fuera poco, la admisión al concurso nos fue comunicada un sábado y la primera presentación estaba programada para ese mismo lunes. Decidimos aceptar el reto pese al poco tiempo con el que contábamos y nos mudamos juntos con el fin de tener jornadas creativas y ensayos intensivos. Echa pa’cá fue uno de los frutos de dichas jornadas de trabajo. Narra la historia de una persona que siente atracción hacia otra, pero que tiene temor de dar el primer paso. Como dice el dicho popular: “parece chiste, pero es anécdota”. Enseguida nos detenemos en una pieza original del gran Hermeto Pascoal (n. 1936). Forro Brasil ha hecho parte crucial de la carrera profesional de nuestra cantante Mary Ángel, quien, como el resto de la agrupación, profesa admiración por el vasto universo sonoro brasileño. El nivel de complejidad vocal y del ensamble fueron los principales argumentos para hacerlo parte de este concierto. A ritmo de bullerengue y cumbia se desenvuelve Dulzura de mamá, otra pieza que surgió durante la azarosa jornada creativa que tuvimos previa al concurso que mencioné anteriormente. Aunque la idea se formó tiempo atrás, la letra se escribió durante esos días de trabajo. Es una canción de cuna cantada por una madre a su bebé. Curiosamente ninguno de nosotros tiene hijos; sin embargo, decidimos dedicarla a un bebé debido a la delicadeza y belleza de la melodía que habíamos escrito. A continuación, aparece un tríptico integrado por Renacer, Clamor al alba, y Susurros y perlas. Los aires de bullerengue, mapalé y cumbia se mezclan en esta suerte de relato que inicia con una ruptura amorosa, su consecuente nudo dramático y, finalmente, la redención. En la última parte de la pieza recurrimos a una metáfora acuática que nace en la costumbre local de visitar el mar y la playa con el único fin de encontrar un lugar de sosiego. En contraste con el carácter nostálgico del tríptico, Ciudad de fuego describe el ambiente que se vive en Barranquilla durante los días de carnaval: como la vida ordinaria se esfuma, se paraliza el acontecer cotidiano y la atención de la gente se concentra en el hedonismo cuyo epicentro es la cumbia. Esta canción la escribimos para una convocatoria de estímulos de la Secretaría de Cultura de Barranquilla, de la cual fuimos ganadores. Llegando a la última etapa de Ideas de Carnaval, se asoma la chalupa titulada Sensualidad negra, cuyo título lo tomamos de un poema que aparece en Tambores en la noche, el célebre libro del no menos renombrado poeta cartagenero Jorge Artel. El trabajo de composición de la letra de la canción lo 7 hicimos en colaboración con Jorge Camilo Artel, nieto del poeta. En esencia, narra la historia de un hombre que es rechazado por una mujer. Finalmente, antes de cerrar con Río arriba, hacemos de nuevo otra parada en Brasil y sus ritmos felices. Se trata de I adore You, una composición original de la cantante y contrabajista Esperanza Spalding (n. 1984), quien en su disco Esperanza (2008) se rinde al encanto, entre otras cosas, del ‘partido alto’, como se le conoce a una de las variantes más populares de la samba. En nuestro caso, fue el eje central del proyecto de grado de Mary Ángel. La complejidad armónica, rítmica y melódica del tema hicieron que su montaje fuera todo un reto». Glosario Bullerengue: de indudable ancestro africano, el bullerengue es una danza y una práctica musical anidada en los departamentos de Córdoba, Sucre, Bolívar y parte de Antioquia. Tradicionalmente, una agrupación de bullerengue está conformada por una o varias voces entonadoras —generalmente femeninas—, cinco o más coristas —que acompañan con palmas, tablitas o totumas— y dos hombres que interpretan, simultáneamente, el tambor alegre y el tambor macho. Históricamente se conocen tres variantes rítmicas principales de esta música afrocaribeña: el bullerengue sentao, la chalupa y el fandango de lengua. Cumbia: desde sus albores inexactos, en algún lugar y en algún momento de la geografía y la historia del Caribe colombiano, la cumbia se ha ido transformando lentamente en un fenómeno musical que hoy en día alcanza repercusiones universales. Según El libro de las cumbias colombianas (2017) es una categoría gaseosa que se refiere indistintamente a varios tipos de música tropical; sin embargo, en el citado libro se mencionan tres manifestaciones populares de la cumbia sobre las que hay consenso: las cumbias del conjunto de flauta de millo, las cumbias de acordeón (en las que su principal exponente es Andrés Landero) y las cumbias de orquestas y conjuntos. Chalupa: cadenciosa y desarrollada en compás binario, la chalupa, una de las tres variantes rítmicas del bullerengue, hunde sus orígenes en los antiguos cabildos cartageneros de la región de San Basilio, donde originalmente se utilizaba en los rituales fúnebres. Una de las chalupas más conocidas del cancionero caribeño es La vida vale la pena, cuya interpretación más recordada es la de Petrona Martínez, su autora. 8 Mapalé: según el Diccionario de americanismos, el mapalé se refiere a un «baile popular por parejas, originario de la costa atlántica colombiana, de ritmo muy rápido, que se acompaña con el palmoteo de los danzantes». Junto a la cumbia y el bullerengue constituye una de las danzas más emblemáticas del Carnaval de Barranquilla. Samba: símbolo de identidad nacional en Brasil, la samba es un género musical de raíces africanas, que aunque aparece de diversas formas en varios estados del país, es considerada una expresión urbana de Río de Janeiro, donde se desarrolló durante las primeras décadas del siglo xx. Su formato más conocido incluye un bombo de surdo, un cavaquinho, una guitarra y un pandeiro. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 9 Foto: Paul Ghezzo ¡Septiembre en Barranquilla! Concierto de Tierney Sutton Band (Estados Unidos) jazz Este concierto se realiza también en Santa Marta y Bogotá Samuele Telari (Italia) acordeón · Foto: Kaupo Kikkas TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Foto: Ángel Hurtado Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES GUAITA (Colombia) jazz Jueves 4 de agosto de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: RPJ792 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DE LA AGRUPACIÓN Guaita, jazz Es un enérgico cuarteto de jazz colombiano creado en 2019. Tiene como influencias el jazz, el rock y la música de la India, teniendo como eje principal la música tradicional colombiana; a esto lo describen como ‘jazz raizal’. Guaita significa ‘aguante’, palabra que describe el mensaje del proyecto y define su estética. El proyecto cuenta con cuatro músicos: David Jaramillo Vesga (flautas), Juan Pablo Camacho Osorio (bajo), Juan Pablo Rodríguez Rey (guitarra) y Cristian García Martínez (batería). Como sello característico de su sonido, Guaita unifica instrumentos tradicionales como la gaita colombiana (Caribe), la flauta de carrizo (Cauca) y la quena (Los Andes) con la flauta traversa, ampliando sus posibilidades para interactuar como cuarteto. Su debut oficial fue en Popayán, siendo el grupo invitado por la Universidad del Cauca y la Universidad Autónoma del Cauca para participar en el marco de la temporada musical 2019 ‘Unicauca está sonando’. La agrupación ha desarrollado su carrera en Bogotá, presentándose en diferentes espacios de la escena musical y del jazz como matik-matik, Teatro Libélula Dorada, San Café Jazz Club y el Bolón de Verde. En 2021 la agrupación participó en el Festival Internacional de Jazz de Santander que se realizó de manera virtual. Foto: Ángel Hurtado 3 Ha sido ganadora de convocatorias para festivales como el Festival de Jazz de Teusaquillo (2020), el Festival de Jazz y Blues del Teatro Libélula Dorada (2021), el iv Festival de Músicas del Bolón de Verde y seleccionados para ser parte de la Serie de los jóvenes intérpretes (2021). En 2021 lanzaron su primer trabajo discográfico titulado Martha, inspirado en cuatro tradiciones musicales colombianas —currulao (del Pacífico sur), chirimía caucana, formato de gaitas y música wiwa y arhuaca (de la Sierra Nevada de Santa Marta)—, con la inclusión de técnicas rítmicas de la música carnática (música clásica del sur de India). Martha es un trabajo dedicado a la ‘desfronterización’ y descolonización de la música, buscando la eliminación de barreras ideológicas y políticas para lograr un sonido auténtico, sin llegar al límite de la apropiación cultural, además de ser una dedicatoria musical a los seres amados que parten de esta vida. 4 PROGRAMA Los artistas anunciarán el orden de interpretación de las obras durante el concierto. Serpiente de río (2019) JUAN PABLO RODRÍGUEZ (n. 1988) Media noche (2019) CRISTIAN GARCÍA (n. 1997) Vuelo (2018) JUAN PABLO CAMACHO (n. 1994) Tisra (2021) JUAN PABLO RODRÍGUEZ Alabama (1963) JOHN COLTRANE (1926-1967) Río Molino (2018) DAVID JARAMILLO (n. 1994) El curso del tiempo (2019) JUAN PABLO RODRÍGUEZ 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega Desde hace más de tres décadas buena parte de la búsqueda estética del jazz en Colombia se ha arraigado en la exploración de algunas músicas tradicionales provenientes del Pacífico, el Caribe y la zona Andina. En menor medida, las sonoridades indígenas —ya sean arhuacas o caucanas, entre otras— han permanecido al margen, y hasta hace muy pocos años han ganado protagonismo en el escenario del jazz local. En este contexto se anida el cuarteto Guaita, cuyos jóvenes integrantes han enclavado su propuesta en una ambigua categoría denominada ‘jazz raizal’. Y decimos ‘ambigua’ pues, aunque el nombre alude directamente a prácticas sonoras enraizadas en lo tradicional, el concepto se extiende más allá de estos contornos. Ellos mismos la explican de la siguiente manera: «El jazz es un concepto universal que no se define tras un estilo de interpretación específico; es, más bien, la coexistencia de diversas variables como la espontaneidad, la escucha viva y la improvisación. Allí surge la intención de explorar el jazz desde todo el espectro musical que nos ha formado como intérpretes y compositores. En ese sentido, lo que nosotros llamamos ‘jazz raizal’ hace referencia a un gran árbol que crece alrededor de rizomas disímiles como la música clásica, las músicas indígenas, el jazz —en todas sus manifestaciones mudables—, el rock, el reggae o la improvisación libre». Para soportar la anterior reflexión, vale la pena retomar las palabras del historiador Rafael Oliver, quien en el corolario del Real Book Colombia define los avatares estilísticos del jazz nacional en los últimos años: «Este último período, la primera década del siglo xxi hasta la actualidad (…) podría pensarse como un momento en el que, en efecto, existe una escena de jazz en Colombia. Se suele citar la fusión como el centro de este prolífico período, y si bien parece haber una prevalencia de discos que encuentran su inspiración o su identidad en las músicas tradicionales, lo cierto es que existe un amplio abanico de sonidos y que se aprecian toda clase de subgéneros: jazz clásico, free, latin, fusión (con ritmos extranjeros y locales) experimental, jazz moderno y contemporáneo, y lugares en el medio o al borde, pues la búsqueda estética de los músicos del jazz en Colombia siempre ha estado presionando los límites mismos de lo que podría definirse como jazz, lo cual genera un proceso que mueve las fronteras de la disciplina constantemente». 6 Consecuente con lo que representa este largo proceso de identidad —que incluye ejercicios de memoria y reivindicación— el nombre del cuarteto no es circunstancial ya que evoca una expresión quechua —muy utilizada por algunas comunidades indígenas locales— que significa aguante. El gesto, tan cargado de simbolismo político, insinúa que, a pesar de todas las formas históricas de exclusión, a través del tiempo se han preservado músicas que hoy inspiran a músicos inmersos en otras realidades. Conformado en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá durante 2019, Guaita se ha escindido de los convencionalismos que pesan sobre la palabra jazz y recoge influencias que van desde 1280 Almas y La Pestilencia, hasta Edson Velandia, Briela Ojeda, Bahía, El León Pardo, Hombre de Barro, Mucho Indio, Cachicamo, Curupira, Pérez Trío y La Gran Resbalosa. Fracciones del anterior inventario aparecen atomizadas en piezas extáticas y enérgicas que, salvo el caso de la emblemática Alabama, han sido creadas por los cuatro miembros de la agrupación. Acerca del repertorio Serpiente de río En la víspera del debut en vivo de Guaita, los integrantes del cuarteto tuvieron una experiencia reveladora. «Allí fuimos a un río donde nuestra intención era oficializar el origen del grupo», cuenta Juan Pablo Rodríguez (n. 1988), su autor. «Fue un bautizo simbólico en el que nadamos y nos sumergimos en el agua. De repente, vimos una serpiente rosada que pasó fugazmente entre nosotros y se escondió dentro de la maleza que había al otro lado del río. Percibimos que estaba asustada y que nosotros estorbábamos su paso. Ese momento tan extraño quedó marcado en nuestras memorias al punto de que escribí una melodía para que David la tocara en la quena. Esto, también porque quería hacer una alusión a Popayán, el lugar donde aconteció el suceso». Medianoche El carácter de esta composición del baterista Cristian García (n. 1997) late en el romanticismo crepuscular de la creación artística. Asimismo, marca el origen del cuarteto. Cuenta García que, al día siguiente de haberla creado, casualmente el guitarrista Juan Pablo Rodríguez lo invitó a una sesión de grabación con el objetivo de ayudar a un ingeniero de sonido, quien tenía como tarea registrar a cuatro músicos simultáneamente. Allí coincidieron 7 con Juan Pablo Camacho y el flautista David Jaramillo Vesga. «¡Nunca habíamos tocado juntos», señala Cristian! Él mismo recuerda que cayó en la cuenta de que tenía las partituras de Medianoche en la maleta y no dudó en compartirla con sus azarosos compañeros. «Fue amor a primer oído», recalca al rememorar una coincidencia que más tarde los unió en Guaita. Vuelo Compuesta en 2018 por Juan Pablo Camacho (n. 1994), Vuelo nació cuando el bajista se hizo una sencilla y emocionante pregunta: ¿Qué se siente volar? Respecto a la sensación que sobrevino en la respuesta, Camacho apunta lo siguiente: «Imaginaba como si fuera un sueño lúcido; sentía cómo me desprendía del suelo. Los movimientos podían ser fluidos y podía virar en cualquier dirección. Me imaginé volando alto, por encima de las montañas, llegando luego a las nubes, sintiendo el viento en mi cara, en mi cuerpo, como si algo debajo soportara mi peso. Fue una emocionante sensación de levedad mezclada con libertad que dibujó una sonrisa en mi rostro. Fue como bailar sin tapujos: soltar y entregarse al festejo». Tisra La música carnática, o música clásica del sur de la India, contiene conceptos melódicos y rítmicos (ragas y talas) que se popularizaron en el jazz a partir de la década de 1960 gracias a las exploraciones de John Coltrane, Yusef Lateef, John McLaughlin o Pat Martino. En Colombia, el caso más recordado es el disco Bunde nebuloso, editado en 2001 por Juan Sebastián Monsalve, quien ha ejercido una poderosa influencia en la historia musical de Guaita. No es fortuito, entonces, que el bajista y compositor haya asesorado el trabajo de grado en el que Juan Pablo Rodríguez creó cinco piezas basadas en técnicas rítmicas de las músicas carnáticas, y su simbiosis con elementos de las tradiciones sonoras colombianas. Una de ellas, en clave de currulao, es Tisra, cuyo nombre significa ‘tres’ en sánscrito. Alabama El domingo 15 de septiembre de 1963, una docena de cartuchos de dinamita explotaron en la Iglesia Baptista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama. El acto, organizado por racistas blancos, tuvo como saldo cuatro niñas asesinadas. En respuesta al brutal ataque, John Coltrane (1926-1967) escribió Alabama, basando las frases del saxofón en la cadencia del discurso leído por Martin 8 Luther King en el funeral. Cincuenta y seis años después, la estremecedora obra de Coltrane sonó en Popayán durante el debut de Guaita que coincidió con las protestas sociales de 2019. Para aquella ocasión David Jaramillo hizo un arreglo que evoca las marchas ceremoniales de la chirimía caucana y evocaron el lamento del saxofonista interpretando la melodía con flautas de carrizo. Río Molino Esta obra apareció originalmente en el álbum epónimo de Los Lindos Payaneses, chirimía de la cual hace parte el flautista David Jaramillo (n. 1994), quien, a propósito del nombre de la pieza, reflexiona: «Se debe a la creencia de renombrar el territorio: en la plaza de mercado Barrio Bolívar de Popayán pasa el río Molino cuyas aguas nacen en los páramos, llevan la memoria de los campos a la ciudad y allí se transforman radicalmente. Es una metáfora de lo que sucede con el bambuco que, en el contexto urbano, inevitablemente suena diferente». En relación con sus aspectos formales, David desglosa minuciosamente su composición, no sin antes aclarar que antes de la academia se hizo músico y flautista en las montañas del Cauca: «Rio Molino es mi primer bambuco. Allí reflejo mis influencias de la música clásica pues tiene una forma de sonata con rasgos de Romanticismo temprano y su progresión armónica está basada en el ‘bajo lamento’ del Renacimiento. Esto último me sirvió para poner en música la sensación que imaginé para el agua que llega del páramo y se enfrenta a la ciudad. También utilicé, particularmente en la introducción, ideas prestadas del tintinnabuli, aquella técnica compositiva inventada por Arvo Pärt. De allí —cuya fuente inicial parte del campanero ruso— me inspiré para hacer una suerte de paisaje sonoro que evoca al centro de Popayán con sus iglesias y sus campanas». El curso del tiempo Desde ‘Pacho’ Galán hasta Francisco Zumaqué, pasando por Antonio Arnedo, Ricardo Gallo y Santiago Botero, por nombrar algunos casos muy relevantes, la cumbia ha sido uno de los motivos musicales recurrentes en el devenir del jazz colombiano. Guaita no ha sido ajeno a dicha tradición como queda demostrado en El curso del tiempo, una pieza original de Juan Pablo Rodríguez, quien la describe así: «Está inspirada en la cumbia colombiana, con una melodía que se podría considerar genérica, pero cuyo valor reside en los cambios rítmicos abruptos, y los elementos armónicos y melódicos más afines 9 al jazz contemporáneo donde prima la inestabilidad y las disonancias. Fue de las primeras composiciones que traje al grupo; nos acercó musicalmente a la identidad que estamos construyendo, basándonos en el concepto del ‘jazz de raíz’». Bibliografía recomendada Smith, Marvin. (2003). John Coltrane. Jazz, racismo y resistencia. Retratos del viejo topo. Mendoza, K. y Sepúlveda, J. (2021). Real Book Colombia. Editorial Pontificia Universidad Javeriana. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Santiago Cañón-Valencia (Colombia), violonchelo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical