Yineth Urquina Córdoba, cantante Inició sus estudios en la Fundación Nacional Batuta. En 2006 formó parte del grupo vocal mixto Preludio de la Universidad de la Amazonia, en Florencia (Caquetá), dirigido por Orlando Perdomo Escandón. Tras su recorrido por diferentes festivales de música del país, inició su labor como solista, también con la asesoría de Perdomo. Desde 2013, luego de viajar a Ibagué, formó parte del Coro Institucional del Conservatorio del Tolima, dirigido por Gloria Yolanda Herrera. Participó en la celebración del cumpleaños de la ciudad con el Coro del Tolima, dirigido por Camila Ospina Fadul y César Augusto Zambrano. En 2014 intervino en un homenaje a la música colombiana con la Banda Sinfónica del Conservatorio, dirigida por el maestro Sergio Sánchez. En la actualidad, recibe formación vocal del contratenor Yohan Antoni Ocampo, profundiza sus estudios en pedagogía infantil y es docente de canto y expresión corporal. Andrés Felipe Rodríguez Hernández, cuerdas pulsadas Es licenciado en Música con énfasis en dirección de cuerdas pulsadas, egresado del Conservatorio del Tolima. Inició sus estudios artísticos en un programa dirigido por la Gobernación del Tolima en la comuna siete de Ibagué, a cargo de Jorge Humberto Jiménez. Luego, perteneció a la academia musical Gran Colombia, en la que se formó en cuerdas típicas con Ricardo Rodríguez. También, ha tomado clases de guitarra con el maestro David Alarcón y asistido a talleres de composición dirigidos por Andrés Acosta, Adrián Camilo Ramírez y Gustavo Niño. Como instrumentista, ha participado en varios certámenes de música andina colombiana, y en 2016 fue nominado al premio a mejor guitarrista en el 25o Concurso Nacional del Bambuco en Pereira (Risaralda), cuando participó como acompañante de la cantante Yineth Urquina. También ha actuado como solista en el auditorio del Museo de Arte del Tolima y la Universidad de Ibagué. Joan Andrés Arias Carrera, multinstrumentista Especialista en pedagogía de la Universidad del Tolima y maestro en Música con énfasis en clarinete, del Conservatorio del Tolima, es docente de los programas de formación musical en la fundación social Fundautrahuilca. Se ha presentado como vocalista e intérprete de instrumentos de viento en procesos sinfónicos y percutidos de la cultura andina latinoamericana en importantes escenarios de Colombia, México, Paraguay, Brasil y China. Ha obtenido reconocimientos, becas y distinciones en concursos infantiles de composición e interpretación y en concursos profesionales nacionales e internacionales, tanto vocales como instrumentales, con el trío Bossanova. Como músico acompañante de Yineth Urquina, ha ocupado los primeros puestos en los festivales Mono Núñez y Colono de Oro.

El Ensamble Sinsonte es un laboratorio creado con la intención de experimentar con las músicas de los Llanos colombo–venezolanos. La agrupación nació en marzo de 2001 y desde su aparición los buenos comentarios y la acogida del público no se han hecho esperar. Su propuesta se centra en expresiones musicales derivadas de corrientes urbanas, buscando fundir lo popular con tendencias académicas. El repertorio comprende composiciones de sus integrantes, adaptaciones de grupos similares y arreglos basados en sonoridades características de diferentes zonas de Colombia, Venezuela y, ¿por qué no?, del mundo.

Colorín Colorado es una destacada agrupación juvenil femenina que nació de las prácticas de grupos de cámara del plan de estudios de la Escuela de música de Ginebra (Valle del Cauca) y la Fundación Canto por la Vida, dirigidas por Samuel Ibarra Conde. Sus integrantes se destacan por la alegría, dedicación, disciplina y pasión con que asumen la música. En sus seis años de recorrido musical han alcanzado una delicada destreza en la ejecución de sus instrumentos que les ha permitido mostrar al público altos niveles de interpretación a través de la amplia sonoridad del formato de cuarteto colombiano. Su extenso y variado repertorio incluye diversos ritmos de la música andina colombiana. En su repertorio incluyen obras de los destacados compositores Luis Uribe Bueno, Francisco Cristancho, Luis A. Calvo, Álvaro Romero, Efraín Orozco, Samuel Ibarra, Jerónimo Velasco, Fulgencio García, Jacob do Bandolim y Pedro Morales Pino, entre otros. Colorín Colorado inició su carrera musical a nivel nacional en el 2013, año en que obtuvo los primeros lugares y premios en los más importantes concursos infantiles y juveniles que promueven la música andina: el primer puesto como grupo instrumental y el gran premio a lo mejor de lo mejor en el concurso Cuyabrito de Oro, en Montenegro (Quindío); ganador absoluto en la modalidad instrumental y el Gran Premio Cacique Tundama, en Duitama (Boyacá). En el 2014 ganó el primer puesto como agrupación instrumental y obtuvo el Gran Zue de Oro a lo mejor de lo mejor en el Concurso de Sogamoso (Boyacá). En el 2015 ocupó el primer puesto en el Concurso Nacional Infantil y Juvenil Ocobo de Oro, en Ibagué. Fue finalista en el XXVI Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas) y en el XXXII Festival Hatoviejo-Cotrafa, en Bello (Antioquia). Ocupó el segundo lugar en el XVI Concurso Nacional de Duetos Ciudad de Cajicá y VIII Concurso de Música Andina Colombiana Instrumental y Vocal, en Cajicá (Cundinamarca). Colorín Colorado ha ofrecido conciertos en el Museo Nacional de Bogotá; en el Congreso Nacional de Música, en Medellín; en los encuentros Bandolitis del Festival Bandola, en Sevilla (Valle del Cauca); en el Encuentro de Música Pamplonilla la loca, en Pamplona (Norte de Santander); en el Encuentro de Estudiantinas, en Tuluá y Versalles (Valle del Cauca), y en la 45a edición del Festival Internacional de la Cultura (FIC) en Tunja (Boyacá). Participó en el 42° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez, con la obra inédita Danza de nubes, de Samuel Ibarra Conde; en el Encuentro de Educación Musical en la Escuela Básica Primaria, en Bogotá; en el Congreso de Música Andina Colombiana (MAC) en Ginebra (Valle del Cauca), y en conciertos en la Universidad del Valle, la Universidad Sergio Arboleda y la Universidad Pedagógica Nacional en Bogotá. Además de interpretar música andina colombiana, Colorín Colorado ha investigado nuevas sonoridades y planteado propuestas musicales con las que las ha descubierto las bondades culturales y artísticas de la música infantil tradicional. Esta es una nueva propuesta performática, que incluye música instrumental, voces y actuación, y que han tenido la oportunidad de presentar en el Festival Centro de Bogotá y en el Encuentro Departamental de Orquestas de Cuerdas del Valle del Cauca, en la ciudad de Versalles, en este departamento.

Diego Largo es estudiante de la Licenciatura en Música en la Universidad Tecnológica de Pereira (UTP) desde el 2012; bandolista en Sinapsis Ensamble, y en Dueto Mejía y Valencia; y director de la Estudiantina Sinapsis UTP con la que ha participado en diferentes eventos nacionales. Pertenece, como concertino, a la Orquesta de Cuerdas Pulsadas de Risaralda (OCPR) desde su primera temporada. En la misma orquesta actuó como director invitado en la temporada 2018. Con Sinapsis Ensamble realizó la producción discográfica Binaural y obtuvo los siguientes reconocimientos: Primer puesto en la Modalidad de Grupos Instrumentales (XXVII Festival Nacional del Pasillo Colombiano), Gran Premio Mono Núñez en la Modalidad Instrumental (XLI Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez) y Mejor grupo Tradición 2015 (I Festival Nacional de Música Colombiana Tradición). Ha participado en clases magistrales de bandola con Fabián Forero, Oriana Medina y Ricardo Sandoval; y de dirección con Germán Posada y Fernando Bustamante. Fue seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2019 y presentarse en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República.

Según la emisora Classic FM del Reino Unido, Tabea Debus pone a prueba la percepción que se tiene de la flauta de pico o flauta dulce; y no se equivoca, pues lo cierto es que ella explora continuamente los horizontes del repertorio para este instrumento. Debus se ha presentado en varias ocasiones en Europa, así como en Singapur, Japón, Malasia y los Estados Unidos. Sus presentaciones más destacadas incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena en el marco de Resonanzen, el festival de música Schleswig-Holstein, el Festival internacional de Edimburgo, el Brecon Baroque, el Antiqua en Bolzano, el Baroque at the Edge, y los festivales de música antigua de Brighton y York. Ha colaborado con reconocidos artistas como Iestyn Davies, Rachel Podger, Richard Egarr, Lawrence Cummings y Dunedin Consort; también con La Serenissima y The English Concert en Rinaldo de Händel. Como solista, Tabea se ha presentado con la English Chamber Orchestra en Cadogan Hall, con Chartwell Sinfonia en St. John’s Smith Square (Londres), con el WDR Rundfunkchor en WDR Funkhaus (Colonia), y con en la sala de conciertos Tonhalle (Zúrich). En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Upon a Ground (ClassicClips), seguido del álbum Cantata per flauto en el 2016 (TYXart). En el 2018, lanzó su tercer álbum como solista, el cual contiene doce nuevas obras basadas en XXIV Fantasie per il Flauto de Telemann (TYXart). En el mismo año fue seleccionada como beneficiara del Young Classical Artists Trust (YCAT). Con frecuencia actúa como invitada en los programas In Tune o Early Music de la BBC. Sus compromisos para la temporada 2018-2019 incluyen presentaciones como solista con la Oxford Sinfonia y la Orquesta del Festival Malcolm Arnold, con la cual interpretará conciertos de Bach, Telemann, Arnold, y Timothy Bowers. Adicionalmente, hará una gira por Colombia, y presentará recitales en el Reino Unido y Alemania, en donde participará en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern. También ofrecerá conciertos con el Ensamble Voyage de jóvenes artistas de The Orchestra of the Age of Enlightenment. Debus nació en Würzburg (Alemania) en 1991. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (HfMDK) con Michael Schneider y en la Royal Academy of Music de Londres con Pamela Thorby. Se graduó de esta última con distinción de honor y recibió el reconocimiento Principal’s Prize por su desempeño académico. Además, fue beneficiaria de una beca Meeker de investigación para la temporada 2016-2017. Formó parte de los jóvenes artistas de St. John’s Smith Square (2015-2016), y participó como artista en el programa de Talentos de la Casa de Händel (2016-2017) y en la Fundación City Music (2016-2018). En el 2016, obtuvo el segundo puesto en el concurso de música Sir Karl Jenkins de The Arts Club. Durante sus estudios, ganó el primer puesto en el concurso internacional Johann Heinrich Schmelzer en el 2014 y el segundo puesto en el concurso internacional Hülsta Woodwinds en el 2011. Junto con Lea Rahel Bader (viola da gamba) y Johannes Lang (clavecín) fundó el ensamble tr!jo, el cual alcanzó el primer puesto en el XVIII Concurso Biagio-Marini (2017) y en el concurso internacional Bach en Berlín (2015). En el 2017 estuvo a cargo del programa titulado ‘El año de la flauta de pico’ patrocinado por el Fondo Jackdaws para la Educación Musical. Actualmente, imparte clases en Wells Cathedral School y en Millfield School en el Reino Unido. También ofrece talleres y seminarios en la Royal Academy of Music de Londres y en la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge.

El quinteto reúne elementos del folclor andino colombiano, aunque es influenciado por diferentes sonoridades jazzísticas y de las músicas del mundo; interpreta bambucos, pasillos, entre otros ritmos tradicionales colombianos y suramericanos. Juan Pablo Cediel (piano), acompañado de cuatro grandes músicos como lo son Jacobo Álvarez (batería), Juan David Mojica (saxofón), César Castro (tiple) y David González (contrabajo), presenta un formato con tímbricas que van desde lo tradicional hasta lo experimental, en el que el juego melódicoarmónico del piano, el saxofón y el tiple se mezcla con la solidez rítmica de la batería y el contrabajo. La interpretación de música propia para este formato es la caracterización del grupo. Con composiciones de Juan Pablo Cediel, el quinteto hace un homenaje a la música colombiana en una travesía musical por el colorido paisaje andino y tropical. Recientemente se presentó, entre otros eventos destacados, en el Festival de Música Andina Colombiana Luis A. Calvo en la Universidad Industrial de Santander (UIS), en el Festival Latinoamericano de Concierto Arte y Conexión, en el Festival de Música Andina Colombiana en San Gil y en el Locus Jazz Festival en Bogotá. Por estos días, grabó el disco Ambivalencia en los estudios de LOCUS_Espacio Creativo con el ingeniero de sonido Kike Martínez.

Hace trece años tuvo el privilegio de escuchar los sonidos emitidos por un instrumento ejecutado por niños de aproximadamente once años, su edad en ese entonces; instrumento que hasta ese día era desconocido para él. Sus angelicales notas envolvieron sus sentidos y lo llevaron a la decisión de aprender a interpretarlo. Comenzó en la Academia Llano y Joropo de Hildo Ariel Aguirre, donde aprendió a interpretar, amar y hacer parte de su vida, sus sentidos, su cuerpo y su diario caminar el arpa, ese gran instrumento que emite hermosas notas musicales y lo ha llevado por un largo trasegar. Desde que empezó su carrera musical, Julia Salvi ha sido uno de sus más grandes apoyos. Ella lo hizo partícipe del Festival Internacional de Música de Cartagena, evento en el que se ha presentado en cuatro ocasiones como joven talento y artista invitado. Actualmente, estudia arpa llanera en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas –ASAB–, lugar a donde llegó con esfuerzo y gracias a María Clara Alarcón, quien le enseñó las bases de la teoría musical y del arpa celta. Su actual maestro, William Castro, le ha dado a conocer el ‘más allá’ del arpa llanera, le ha dado mil y un motivos para tocarla y para hacer del arpa un instrumento con el que se puede interpretar cualquier género musical. Fue elegido por la Fundación Salvi, institución organizadora del Festival Internacional de Música de Cartagena, y por su director artístico, Stephen Prutsman, como Joven Talento del Festival, siendo esta la primera vez que el arpa folclórica se hacía presente en este gran evento. Como artista invitado a la séptima versión del Festival Internacional de Música de Cartagena, realizó tres conciertos junto con el clarinetista italiano Gabriele Mirabassi y con Juan Carlos Contreras, intérprete de cuatro llanero. Asimismo, hizo parte de un ensamble que fusionó la música llanera y colombiana con el jazz en el 2013 en el Claustro La Merced, la Plaza La Trinidad del barrio Getsemaní y en la Sociedad Portuaria en Cartagena. El mismo año, junto con Juan Carlos Contreras, Gabriele Mirabassi y Mario Criales, intérprete de contrabajo, integró el Ensamble AGILE, agrupación con la que se presentó en el lanzamiento del Festival de Cartagena en Europa con presentaciones en France-Amériques en París; en el Auditorio Santa Cecilia de Perugia, Italia; en la Sala del Grillo ‘Giardino di Pinocchio’ en Collodi, Toscana (Italia); y en la Sala Verdi, Fondazione APM en Saluzzo, Italia. En los años 2017 y 2018, Díaz realizó una gira de conciertos como arpista del Ensamble AGILE junto con Mario Criales, Antonio Arnedo (saxofón) y Zahira Noguera (cuatro), participando en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, en Infrasuoni en Vergato (Italia) y en la décimo segunda versión del Festival de Música de Cartagena.

Musgo se conformó en el 2015 y durante su trayectoria ha incursionado en el terreno de la improvisación libre, la composición para improvisadores y la composición determinista-contemporánea. Su sonido está caracterizado por la arritmia, la yuxtaposición a menudo explosiva de texturas y la riqueza tímbrica. Ha participado en el primer festival de La Vendimia Records, en el tercer festival de El marrano no se vende y en el festival Agatón de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Colombia.

Hansjörg Albrecht es considerado hoy un osado franqueador de barreras musicales y un pensador no convencional. Como director, se ha forjado un camino propio cuyo trazado va entre el período Barroco y la contemporaneidad, entre los archivos y las nuevas creaciones. Como instrumentalista, su renombre de virtuoso se debe a sus transcripciones para órgano. Director, organista y clavecinista, Hansjörg Albrecht es director artístico del Coro y la Orquesta Bach de Múnich, agrupaciones fundadas por el legendario Karl Richter. También dirige regularmente el Bach Collegium, de Múnich, la orquesta del Teatro di San Carlo, de Nápoles, y el Carl-Philipp-Emanuel Bach Choir, de Hamburgo. Con estas agrupaciones, y en colaboración con orquestas invitadas, le ha aportado al concepto de programa de concierto perfiles muy novedosos y ha sido también invitado frecuente de auditorios y festivales europeos de renombre. Como director se ha desempeñado junto a intérpretes como Dorothee Oberlinger, Arabella Steinbacher, Fazil Say, Vesselina Kasarova, Simone Kermes, Michael Volle y Klaus Florian Vogt. También ha dirigido la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, de Turín; la Orquesta de la Toscana, de Florencia; la Prague Philharmonia; la Orquesta Sinfónica de Praga; la orquesta del Teatro Nacional de Brno; la Orquesta Sinfónica del Estado de Baviera; la Orquesta Sinfónica de la Radio Muniquesa; la Staatskapelle de Weimar; la Konzerthausorchester de Berlín; la Orquesta Sinfónica de Hamburgo; la Orquesta Filarmónica de la Radio Alemana; la Orquesta Filarmónica de Szczecin; la Orquesta de Cámara de Bruselas; la Orquesta de Cámara de Moscú; la orquesta barroca Elbipolis, y las agrupaciones de la Academia Bach, de Stuttgart. Además de sus actividades como director (en Múnich, Hamburgo, Berlín, Salzburgo, Roma, Nápoles, Bruselas, Varsovia, San Petersburgo, Moscú y Tokio, entre otras ciudades), Albrecht es un reconocido solista y músico de cámara, y ha actuado con Abrecht Mayer, Reinhold Friedrich, Yaara Tal & Andreas Groethuysen y Jean Guillou. Ha actuado como organista en varios de los más celebrados auditorios y catedrales de Europa, Rusia, Japón y los Estados Unidos. También ha sido invitado especial de la Orquesta Filarmónica de Israel; de la orquesta de la Ópera de Los Ángeles; la Orquesta de Cámara St. Luke, de Nueva York; la Orquesta de la Suisse Romande; la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia, de Roma; la Camerata de Salzburgo; la Orquesta Filarmónica Checa; la Camerata Báltica, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Albrecht nació en Freiberg, región alemana de Sajonia, e inició su formación musical cantando con el Kreuzchor de Dresde. Más tarde estudió dirección y órgano en Hamburgo, Lyon y Colonia. Aún durante sus estudios sirvió como organista asistente en la principal iglesia de Hamburgo, St. Michaelis, posición que mantuvo durante siete años. Luego trabajó intensamente durante varios años junto al cantante y director Peter Schreier, en calidad de asistente, organista y clavecinista. Si bien el nombre de Albrecht ha alcanzado reconocimiento mundial, sobre todo gracias a sus interpretaciones de Bach, sus programas de concierto abarcan un repertorio de muy amplio espectro y destacan inusuales conexiones entre obras. Su interés por nuevas composiciones se ha manifestado en el estreno de partituras de Thierry Escaich, Enjott Schneider, Philipp Maintz, Xiaogang Ye y Rodion Schtschedrin, entre otros. Con el sello discográfico Oehms Classics, Albrecht ha grabado más de veinte discos compactos, como director y organista, entre los que se cuenta la serie completa de las canciones orquestales del compositor romántico Walter Braunfels, ampliamente comentada por los medios, y también Der Ring Ohne Worte, de Richard Wagner, en la versión orquestal de Lorin Maazel, nominado para el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. En el 2013, Albrecht recibió una nominación al Premio Grammy en la categoría mejor solista instrumental clásico por su grabación de Los planetas, de Gustav Holst, en la transcripción para órgano de Peter Sykes. Su más reciente grabación de la Sinfonía Fausto de Liszt, transcrita para órgano solo por el mismo Albrecht, tuvo su lanzamiento en el verano de 2018. En el 2017, Albrecht completó una gira más por Japón junto a la Bach Orchestra, de Múnich. Dirigió también Don Giovanni en la Ópera de Dubai, en el marco de la interpretación completa del ciclo Da Ponte, de Mozart, así como una serie de El rapto en el serrallo, también de Mozart, en el Teatro di San Carlo, en Nápoles, con la legendaria producción de Giorgio Strehler, que ese mismo año se presentó en La Scala, de Milán, bajo la batuta de Zubin Mehta. Además, recibió invitación para ofrecer conciertos en Moscú y Zúrich, así como recitales solistas en las salas Leipzig Gewandhaus, Berlin Philharmonie, Müpa Budapest, y en Rotterdam. Se estrenó como director con obras de Dvořák y Mozart en la sala Berlin Philharmonie. En diciembre del 2017 debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo con la interpretación del Oratorio de Navidad de J. S. Bach. Los actuales compromisos de su agenda incluyen conciertos en Berlín, Dortmund y la St. Stephen’s Cathedral, en Viena, y en las óperas de Bolonia, Cagliari y Brno, donde presentará la Sinfonía No. 2 de Mahler; también actuará en el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú, el Bach Fest de Ekaterinburg, el Festival de Zúrich, la Elbphilharmonie de Hamburgo y en la Mozart Week Salzburg 2019. Paralelamente a estas actividades, trabajará con la Orquesta de la Ópera de Bolonia, la Lautten Compagney de Berlín y la Händelfestspielorchester de Halle, por primera vez.

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta (Colombia) Juan Carlos de la Pava piano (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: VLN663 Jueves 5 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: DVB444 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Alfonso Venegas Daniel Santiago Guerrero Palacios, flauta Maestro en Música con énfasis en interpretación de flauta, ha participado como solista en varios concursos nacionales. Fue ganador en la categoría instrumental en el IX Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro, realizado en Armenia (Quindío); ganador en la categoría solista instrumental en el XIX Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas); seleccionado como Joven Talento de la Música 2013 por la Alianza Francesa; ganador del XI Concurso de Jóvenes Solistas organizado por la Orquesta Filarmónica de Cali en 2012; ganador del Concurso de Solistas con la Orquesta Sinfónica Javeriana en su versión 2014, y seleccionado para ser parte de la Serie de Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017. Como músico de orquesta, ha formado parte de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y ha participado en sus giras nacionales e internacionales en las temporadas 2015 y 2016. Ha representado a Colombia en concursos internacionales como la 11th Israel International Flute Competition en 2013, en Nazaret (Israel); la 3rd International Flute Competition Maxence Larrieu, en Niza (Francia), en 2015; la 53th Markneukirchen International Instrumental Competition, en 2018 en Markneukirchen (Alemania), y el Concurso de Jóvenes Solistas, en el marco del II Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador), realizado en 2016, donde obtuvo el segundo premio. En 2017 fue seleccionado para actuar junto al reconocido flautista colombiano Gabriel Ahumada y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, así como en calidad de solista, en varios conciertos que incluyeron el estreno en Colombia de repertorio del Barroco alemán. También, en 2018 fue seleccionado como Joven Talento del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Recibió su título de Maestro en Música en la Pontificia Universidad Javeriana. Fue alumno de los maestros Javier Olave y Rafael Rodríguez. Ha recibido clases magistrales con Tadeu Coelho, Alberto Almarza, Leon Berendse, Patrice Bocquillon, Françoise Veilhan, Francesca Canali, Judith 2 Dines, Paco Varoch, Henrik Wiese, Michel Bellavance, Gabriel Ahumada, Gaspar Hoyos, Vincent Lucas, Patrick Gallois, Juliette Hurel y Felix Renggli. Desde 2016 es miembro de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente se desempeña como flautista principal de dicha agrupación. Recientemente fue admitido para cursar su maestría en interpretación en la Haute École de Musique de Lausanne (Suiza), en la cátedra de José-Daniel Castellon. Juan Carlos de la Pava, piano Nacido en Bogotá en 1992. Es egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Entre los tutores que han guiado su proceso de formación se encuentran Karol Bermúdez, Guillermo Gaviria, Sergei Sichkov y Carolina Noguera. Ha realizado conciertos en reconocidos escenarios del país como el Auditorio Eduardo Caballero Calderón en Tunja, Auditorio Luis A. Calvo en Bucaramanga, Sala Múltiple del Banco de la República en Cúcuta, Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta, Auditorio Hernando Aristizábal en Manizales, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional, escenarios en los cuales también ha presentado y estrenado obras de su autoría. Actualmente se desempeña como compositor y pianista, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos por su desempeño en estos campos. Entre estos se encuentran ser seleccionado para presentar una obra de su autoría dentro del programa Plataforma 28 de la Orquesta Sinfónica Nacional y el primer puesto en el primer concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Medellín. Fue seleccionado como pianista de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia para participar en la gira que realizó el ensamble por Europa en 2017. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Fantasía en fa sostenido menor No. 10, TWV 40:11 (c. 1733) GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para flauta sola Canciones melancólicas (2018) JUAN CARLOS DE LA PAVA (n. 1992) Para flauta y piano Mei (1962) KAZUO FUKUSHIMA (n. 1930) Para flauta sola Fantasía, Op. 79 (1898) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Para flauta y piano INTERMEDIO Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 (1886) Allegretto ben moderato Allegro Recitativo-Fantasia: Ben moderato Allegretto poco mosso CÉSAR FRANCK (1822-1890) Original para violín y piano Versión para flauta de Peter-Lukas Graf (n. 1929) CONCIERTO No. 39 4 NOTAS AL PROGRAMA La flauta, también llamada a lo largo de la historia traverso, flauta alemana o flauta de concierto, junto a otro tipo de aerófonos, como la flauta dulce, hace parte de las manifestaciones musicales más tempranas. Su fabricación a partir de materiales accesibles, como huesos, piedras y troncos; su evidente búsqueda de la imitación de sonidos de la naturaleza, y la íntima implicación corporal, tan arraigada en la ejecución del instrumento, han hecho de su presencia algo permanente en la historia de diferentes sociedades. Tal vez por esto, algunas culturas antiguas acogieron la figura de la flauta para adornar o construir sus historias fantásticas, religiosas e incluso épicas. No es desconocido el relato en el que Apolo vence con su kithára al sátiro Marsías, quien había recogido el aulós (un instrumento de viento) maldecido por la diosa Atenea. El mito cuenta que Atenea, al tocar el aulós junto a un arroyo y ver su rostro deformado, lo lanzó lejos de allí, maldiciendo a aquel que lo recogiera. Por desgracia, la maldición recayó en Marsias. Tras su derrota, Apolo decidió, sin piedad, acabar con la vida del sátiro. Los compositores que escucharemos hoy rechazaron la idea de la flauta como instrumento vulgar e imperfecto y, en cambio, contribuyeron a la evolución tanto de su posición en la sociedad musical como de su forma física. Aunque no todas las piezas de este programa fueron escritas originalmente para el instrumento, los flautistas las han visitado de manera permanente, continuando la tradición de tomar material escrito para violín u oboe, por ejemplo, ante la escasa cantidad de repertorio solista para este aerófono antes del siglo XVIII. Con una precisión cronológica, ora intencional, ora coincidencial, y como si se tratara de una analogía con el momento en que el instrumento empezó a tener voz propia, Daniel Guerrero ha decidido iniciar el programa con el alemán Georg Philipp Telemann (1681-1767), un multinstrumentista que trabajó empleado durante gran parte de su vida en la corte de Hamburgo y fue responsable de un gran porcentaje de sus publicaciones. En términos actuales, podría decirse que fue una celebridad o, si se quiere, un rockstar, o, aún más, un gestor cultural de renombre. Enfrentado, anacrónicamente y sin quererlo, al patriarca de la familia Bach, Johann Sebastian, la mítica rivalidad entre estos dos compositores fue impuesta principalmente por autores románticos que prefirieron adoptar 5 como figura de autoridad musical germana a quien encarnó un estilo complejo y extremadamente contrapuntístico y no a quien prefirió crear música según los gustos de la época, sin discriminar región geográfica. Bach no fue profeta en su tiempo; Telemann, definitivamente lo fue. En su autobiografía, este último indica que «aquel que es capaz de componer en beneficio de la mayoría, lo hace mejor que aquel que escribe para pocos» y estas palabras representan completamente su obra, que es tan ecléctica como cuantiosa e inclusiva de los diferentes estilos nacionales (Telemann en Svendsen, 2016, p. 9). Reconocido por componer en un estilo mixto, un goût mêlé o goût réuni, Telemann, quien tuvo la oportunidad de viajar a otras regiones de Europa, quiso incorporar en su obra la elegancia del gusto francés, las estructuras de la música italiana y la escritura contrapuntística de los autores germanos. La colección de fantasías a la cual pertenece la que se escuchará hoy, está aparentemente escrita para violín, sin acompañamiento de bajo; sin embargo, varios especialistas en su obra arguyen que el estilo de composición de las fantasías no corresponde al de sus demás obras para el cordófono frotado y, por el contrario, son bastante similares a otras piezas suyas para traverso. En ellas, el reto de dar la ilusión de polifonía, es decir, de varias voces sonando a la vez, en un solo instrumento, es inmenso y fue logrado por muy pocos en aquella época. Su uso, y el uso en general de las piezas escritas para instrumentos sin acompañamiento de bajo continuo, podría indicar o bien un uso pedagógico para aficionados o avanzados, o bien una colección de preámbulos para piezas que sí tendrían acompañamiento. Sea como fuere, su estructura es generalmente en varias secciones contrastantes, tal y como sucedía con las sonatas o las suites; la No. 10 se asemeja mucho más a este último género, pues podría equipararse con una sucesión de danzas como la corrente, la gavota y el minueto. Damos un gran salto en el tiempo y en la geografía para encontrarnos con el compositor Kazuo Fukushima (n. 1930) y su obra Mei, también para flauta sola, que tiene mucho más de la tradición flautística japonesa del shakuhachi que de la escuela europea de flauta. La pieza contiene bastantes recursos técnicos utilizados en las flautas de bambú como, por ejemplo, los glissandi o deslizamientos continuos de sonidos; y no es en vano, ya que la obra se erige como una especie de momento ritual que evoca la posibilidad que tiene el sonido de la flauta de llegar al mundo de los muertos, pues Mei fue escrita para un amigo del compositor que falleció en un trágico accidente. A pesar de sus inicios autodidactas, Fukushima fue uno de los primeros japoneses que asistió a los reconocidos cursos de verano de música moderna 6 en Darmstadt, donde conoció a uno de sus fundadores, Wolfgang Steinecke (1910-1961), para quien fue escrita la obra. En la dedicatoria de la partitura se lee: Mei, que con el ideograma chino se escribe , significa oscuro, pálido, intangible. Esta música fue compuesta para el difunto doctor Wolfgang Steinecke de Darmstadt, que murió en un trágico accidente. Según la antigua creencia japonesa, se pensaba que el sonido de la flauta podía llegar a los muertos (Fukushima, 1962). La obra más joven del programa es de Juan Carlos de la Pava (n. 1992), músico colombiano formado en la Pontificia Universidad Javeriana. Se trata de una dedicación al flautista que nos presenta el programa de hoy, compañero del compositor, y consta de seis canciones cortas para flauta solista. En sus palabras, Esta obra tiene una dedicatoria a Daniel Guerrero. Él y yo hemos tocado juntos durante toda nuestra carrera en la Javeriana, y siempre que compongo algo para flauta, él me ayuda con la mejor actitud; entonces, creo que ya le debía una dedicatoria como gesto de agradecimiento. Canciones melancólicas está conformada por seis canciones cortas. La palabra melancolía significa tristeza, una tristeza causada por un suceso del pasado que pudo ser positivo o negativo; así, lo que despierta la melancolía no recae en la cualidad de la remembranza, sino en la actitud ante un recuerdo. La obra se trata de cinco ‘actitudes’ frente a un mismo recuerdo (canciones II, III, IV, V y VI), o, en este caso, frente a un material plasmado con un carácter tenue, calmado y difuso, propio de los recuerdos (canción I), que nunca llega a un clímax, porque el pasado es algo ya muerto, que no se desarrolla sino que decae paulatinamente (De la Pava, 2019). A finales del siglo XIX, cada mes de julio se llevaba a cabo en París el concurso o concours del conservatorio. En este, los estudiantes de las diferentes disciplinas musicales competían ante un jurado por los primeros y segundos lugares, cosa que les permitiría graduarse y tener una carrera de prestigio. Las piezas se escogían previamente y también se incluía una obra desconocida para ejecutar a primera vista, con lo cual se buscaba evaluar la capacidad integral interpretativa que tenía cada participante. Hoy escucharemos una de las piezas compuestas exclusivamente para este concours; se trata de la Fantasía, Op. 79, para flauta y piano de Gabriel Fauré (1845-1924), escrita en 1868 a petición de Paul Taffanel, profesor de flauta en el conservatorio y considerado el fundador de la escuela moderna de flauta. Para ese momento, Fauré solo llevaba dos años como profesor en la institución y, aunque en 1905 sería designado director, su cambio de camino 7 ante el conservadurismo de los demás maestros nunca fue un secreto. Sin embargo, puesto que antes se había ganado la vida como profesor de piano, su entendimiento de las necesidades de los estudiantes para adelantar una carrera exitosa luego de pasar por el conservatorio era muy claro, y así lo refleja en esta pieza. Fauré estructuró la Fantasía, Op. 79 en dos partes, como era lo común en las obras compuestas para el concurso: una lenta y lírica, tipo siciliana, que requiere capacidad de expresión y de fraseo del intérprete, y una veloz y virtuosa, que, aunque desarrolla el material de la primera sección, lo que pide al músico es capacidad técnica para tocar pasajes rápidos (para enaltecer aún más su labor como maestro, no hay que olvidar que entre sus pupilos se encontraban Maurice Ravel, Georges Enescu y Nadia Boulanger). Claro está, la pieza no ha de considerarse exclusivamente como un requisito ‘administrativo’ del conservatorio. Por el contrario, es muestra viva del boom creativo que, tras la guerra franco-prusiana, se venía dando en Francia y cuyo objetivo era, a grosso modo, el de crear una estética francesa libre de las influencias germanas e italianas. No en vano el emblema de la Sociedad Nacional de Música, fundada en 1871 por Camille Saint-Saëns, era el ars gallica, un arte que hablaba sobre y para el pueblo francés, independientemente de la posición social. Dentro de este periodo, que en términos de las artes plásticas se denominó Belle époque y que culminaría alrededor del inicio de la Gran Guerra en 1914, fue también compuesta la Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 del belga César Franck (1822-1890), o Père Franck, como lo llamaban sus alumnos. Aunque la fama llegaría muy tarde a su vida –si no luego de su muerte, pues la pieza la compuso a los 64 años–, el prestigio que fue alcanzando el compositor fue tan sólido que hoy en día esta pieza es indispensable para entender la estética francesa decimonónica tardía. Aunque su puesto en el conservatorio era el de profesor de órgano, las clases con sus alumnos muchas veces incluían pequeñas lecciones de composición, situación que no lo hacía muy popular entre sus colegas. No obstante, sus alumnos le tenían gran aprecio, y de ahí el cariñoso apodo de ‘padre Franck’. La Sonata de Franck –o la Frank Sinatra, como es llamada por los intérpretes angloparlantes por su parecido con la pronunciación de Franck’s sonata– fue compuesta para el virtuoso violinista y compositor Eugène Ysaÿe, también belga. Treinta y seis años los separaban, pero el respeto y cariño entre los dos les permitieron hacer caso omiso a la brecha generacional entre ellos. El vínculo se hizo aún más fuerte cuando Franck obsequió esta pieza a Ysaÿe 8 por motivo de su boda. Este, maravillado y honrado por haber recibido tal regalo, no pudo esperar y decidió leerla a primera vista, acompañado por su cuñada en el piano. Luego de tocarla, sus palabras fueron: «Nada en el mundo podría haberme honrado o darme más placer que este regalo. Pero no es solo para mí. Es para todo el mundo» (Ysaÿe en Potter, 2014). Entre lo clásico y lo moderno: este es el lugar donde se inserta la Sonata de Franck, que es constantemente visitada por flautistas. Su búsqueda de estructuras claras da cuenta del pensamiento clásico del Siglo de las Luces, pero las armonías y los colores que aplica su compositor a la pieza hablan de la estética francesa moderna. Su carácter cíclico y la utilización de un material reducido que es desarrollado en los cuatro movimientos acercan la estética decimonónica a los siglos XVII y XVIII y preludian lo que pasará en el siglo XX; además, al recurrir al canon y al concepto de recitativo, la Sonata en la mayor genera un diálogo con el pensamiento renacentista y barroco y equilibra forma y contenido, aspectos igualmente importantes que aún no habían podido tener una conciliación exitosa a gran escala. Bibliografía Fukushima, K. (1962). Mei per flauto solo. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Milano: Edizioni Suvini Zebroni. Svedsen, T. (2016). Notas al programa. Note 1 music. Georg Philipp Telemann: Chamber music with flute. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Potter, T. (2014). Notas al programa. Renaud Capuçon & Khatia Buniatishvili: Franck, Grieg, Dvořák. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Erato/ Warner Classics. Warner Music UK Ltd. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN TUNJA TROMBONE UNIT HANNOVER octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre · 6:30 p.m ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto Foto. Susann Ziegler · PULEP: CSM699 Foto. Cristhian Sastre · PULEP: ZNU727 Serie de los Jóvenes Intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta PULEP: NNV218. ELD368. IBR818 Teatro Mayor Bicentenario Con el apoyo de Alcaldía Mayor de Tunja Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto. Susanna Drescher PULEP: UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m.