El ensamble Vocalconsort Berlin fue fundado en el 2003 por los directores culturales y artísticos Folkert Uhde y Markus Schuck, y en el mismo año debutó con éxito interpretando L’Orfeo de Monteverdi en el Festival de Música Antigua de Innsbruck (Austria) bajo la dirección de René Jacobs. El grupo, con sede en Berlín, se especializa en música del Barroco temprano y tardío, aunque también ha presentado con frecuencia obras del Romanticismo y contemporáneas. Es uno de los coros más destacados en Alemania por su variabilidad y flexibilidad, lo que le permite presentarse en diferentes formatos, desde un cuarteto solista hasta un coro de cámara grande con múltiples partes en solitario. El sonido homogéneo y dinámico de Vocalconsort Berlin ha llevado al grupo a trabajar bajo la dirección de renombrados directores especializados en música antigua como Jos Van Immerseel y René Jacobs. También bajo la dirección de Marcus Creed, Pablo Heras-Casado, Daniel Reuss, Olof Bomon y Ottavio Dantone. Ha trabajado junto a excelentes ensambles como el Kammerorchester Basel, la Akademie für Alte Musik Berlin, la Accademia Bizantina, el Scharoun Ensemble y el Ensemble MusikFabrik. En el escenario, Vocalconsort Berlin ha colaborado con directores y coreógrafos de renombre internacional como Sasha Waltz, Hans-Werner Kroesinger, Barrie Kosky y Luc Perceval. Vocalconsort Berlin ha ofrecido actuaciones en eventos tales como Zeitfenster, Zermatt Festival y Rheingau Musik Festival, así como en las renombradas salas de conciertos de Amberes y Gent, Ferrara, Ámsterdam, Bruselas, Tel Aviv, Barcelona, Londres, París, Viena, el Festival de Salzburgo, The Handel Festival y la Cité de la Musique de París. Desde el 2006, Vocalconsort Berlin está vinculado como ensamble residente junto con Sasha Waltz & Guests, el Ensemble Kaleidoskop y la Akademie für Alte Musik Berlin en el Radialsystem V en Berlín.

Concierto interpretado por el grupo Alla francesca. Fundada en la década de 1990, desde sus inicios la agrupación Alla francesca se ha dado a la exploración de todo tipo de músi cas del Medioevo (canciones para solista en diversas lenguas romances, piezas concebidas específicamente para instrumentos particulares, polifonías y músicas populares cuyas raíces se remontan hasta esta antigua edad), hasta llegar al repertorio del Renacimiento temprano. Este concierto también se celebró las siguientes ciudades: - Honda, el lunes 18 de noviembre de 2013 a las 3:00 pm en el Auditorio Cámara de Comercio. - Ipiales, el miércoles 20 de noviembre de 2013 a las 7:30 pm en el Auditorio Agencia Cultural.

La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá es una manifestación cultural del humanismo cristiano gracias a su formación en el ámbito de la Música Sacra. Fundada por el cardenal Rubén Salazar Gómez, arzobispo de Bogotá, en el año 2011, esta experiencia pedagógica acoge a niños y adolescentes en un proceso orientado a su madurez social desde la perspectiva de las artes relacionadas con la liturgia de la Iglesia. Los pueri cantores (niños que cantan), seleccionados por audición, reciben una educación musical con énfasis en técnica vocal, y práctica coral gregoriana y polifónica. También se les ofrece instrucción suficiente sobre la lengua latina y la disciplina litúrgica, pues su campo fundamental de acción son las conmemoraciones de la Catedral en los ciclos de Adviento, Navidad, Cuaresma y Pascua. La Schola Cantorum de la Catedral de Bogotá ha hecho parte de la dinámica artística de la ciudad durante seis años de actividad ininterrumpida, distinguiéndose por la transparencia de sonido, la expresividad y la versatilidad para abordar repertorios de diversas épocas y estilos. En el año 2013, realizó un programa dedicado a la música francesa del siglo XIX, en compañía del organista Pascal Marsault y del Coro Juvenil Javeriano, dirigido por Alejandro Zuleta. Entre 2015 y 2016, estrenó Ceremony of Carols de Benjamin Britten y del mismo autor, presentó Réquiem de guerra con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Olivier Grangean. Con Gorka Sierra y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara, presentó Stabat Mater, de Pergolesi, en el contexto del V Festival de Música Sacra de Bogotá. Durante tres años consecutivos, ha sido elegida para participar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, y ha ofrecido varios conciertos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. En el 2017, participó en el XLI Congreso de la Federación Internacional de Pueri cantores en Río de Janeiro, en donde tuvo la oportunidad de ser uno de los coros elegidos para participar en el concierto de gala que tuvo lugar en el Auditorio Cecília Meireles, y tuvo la oportunidad de cantar en la misa que el Santo Padre Francisco celebró en el Parque Simón Bolívar durante su visita a Bogotá. El 20 de septiembre del 2017, con un concierto en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, presentó su primer disco compacto, Canticum Novum, que reúne algunas de las más representativas obras sacras para voces blancas y órgano.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: RVI578 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 CUARTETO ATTACCA El aclamado Cuarteto Attacca se ha convertido en uno de los principales ensambles jóvenes de los Estados Unidos. El grupo se formó en 2003 en The Juilliard School, y en 2007 hizo su debut como agrupación profesional en el Weill Recital Hall de Carnegie Hall, como parte de la Serie de Artistas Ganadores de Concursos Internacionales. Desde 2011 hasta 2013 fue el cuarteto de cuerdas residente de exalumnos de Juilliard, y en la temporada 2014-2015 fue reconocido como cuarteto residente del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Recientemente, el Cuarteto Attacca finalizó la grabación de la obra maestra de Haydn Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, con arreglo musical de Andrew Yee y del cuarteto mismo. En una reseña del disco publicada en Gramophone, Donald Rosenberg escribió: «El Cuarteto Attacca explora una amplia gama de emociones, exhibiendo enorme sensibilidad ante los matices e interacciones… Sobresalen en todo sentido y su sonido es tan vívido que ningún detalle expresivo de Haydn pasa desapercibido». Amy Schroeder, violín Según el Washington Post, la violinista Amy Schroeder «es una artista sorprendente que combina imaginación y virtuosismo». Estudió con Sally Thomas y el Cuarteto Juilliard en The Juilliard School, donde también obtuvo diplomas de pregrado y maestría en música, así como un diploma de artista. Schroeder se ha presentado como solista con un gran número de orquestas, incluyendo la Filarmónica de Buffalo, la Sinfónica de Amherst, la Sinfónica de Clarence, la Sinfónica de Hilton Head y la Orquesta Juvenil del Gran Buffalo, así como en el Festival de Música de Cámara de Thiers, la Escuela de Música de Meadowmount y la Academia de Música de Occidente. Alex Fortes, violín Reconocido por su versatilidad y calidez, Alex Fortes ha actuado recientemente como solista y músico de cámara en Francia, Alemania, Dinamarca, Austria e Indonesia, así como en Norteamérica con grupos de cámara como los cuartetos Henschel , Dalí y Momenta, la Orchestra of St. Luke’s, The Knights, Quod Libet y A Far Cry. Su álbum Dreams and Prayers fue nominado a un Grammy y fue considerado por Alex Ross, crítico del New Yorker como «uno de los diez mejores álbumes de 2014». Próximamente lanzará un álbum con el Cuarteto Henschel y el pianista Donald Berman, con música de Christopher Theofanidis. 2 Sus recientes arreglos de Lieder y otra música de cámara de Schubert fueron calificados por el Boston Globe como «uniformemente ingeniosos y complementarios ... inteligentes, sutiles». En 2016, la agrupación A Far Cry estrenó su arreglo de las Variaciones Goldberg de Bach con Sarah Darling en colaboración con la pianista Simone Dinnerstein. Ha participado en residencias educacionales en inglés y español relacionados con el espíritu empresarial, actuación musical y educación, en universidades y escuelas públicas de todos los Estados Unidos. Se graduó de Harvard College y de Mannes College of Music; sus maestros incluyen a Mark Steinberg, Hernan Constantino, Peter Zazofsky, Mary Gerard y Michael Gaisle. Nathan Schram, viola Aclamado por el New York Times como un «solista elegante» con un sonido «espiritual con intensidad líquida», Nathan Schram es un cotizado violista, compositor y arreglista. Ha trabajado con varios de los grandes compositores de la actualidad y ha estrenado música de Steve Reich, Nico Muhly, Becca Stevens, Timo Andres, David Bruce y Elliot Cole, entre otros. Schram también es miembro fundador de Speed Bump, un ensamble dedicado a la improvisación y a sus propias composiciones. Ha colaborado con varios de los grandes artistas de la actualidad, entre ellos Björk, Itzhak Perlman, Becca Stevens, Gabriel Kahane, Gilbert Kalish, Simon Rattle, Philip Setzer y Joshua Bell. Andrew Yee, violonchelo El violonchelista Andrew Yee ha sido alabado por Michael Kennedy, del periódico The Telegraph de Londres, como «dotado de un virtuosismo cautivador… recuerden que oyeron su nombre por primera vez en este medio». Es miembro fundador del Cuarteto Attacca y recibió sus diplomas de pregrado y maestría en The Juilliard School, en donde estudió con Fred Sherry, Darrett Adkins y Joel Krosnick. Yee se ha presentado con los Solistas Internacionales de Sejong y ha dado recitales como solista y de música de cámara a lo largo y ancho de los Estados Unidos. Sus compromisos incluyen presentaciones en diferentes escenarios del Kennedy Center, en Washington D. C., el Alice Tully Hall de Lincoln Center, el Festival Spoleto, el Carnegie Hall y otros escenarios, en donde ha hecho presentaciones como solista de la Rapsodia húngara de Popper, el Concierto para dos violonchelos de Vivaldi y el Concierto para violonchelo de Dvořák. Andrew Yee toca un violonchelo construido por Nathan Slobodkin en 2002, basado en el violonchelo ‘Ex Messeas’ Guarneri del Gesù de 1731. Nota: El violinista Alex Fortes reemplazará a la violinista Keiko Tokunaga en las presentaciones del Cuarteto Attacca en Colombia. 3 PROGRAMA Entr’acte (2011) CAROLINE SHAW (n. 1982) Valencia (2012) Selecciones de John's Book of Alleged Dances (1994) Toot Nipple Alligator Escalator Pavane: She's So Fine Stubble Crotchet JOHN ADAMS (n. 1947) INTERMEDIO Cuarteto en re menor No. 14, D. 810 ‘La muerte y la doncella’ (1824) Allegro Andante con moto Scherzo. Allegro molto - Trio Presto - Prestissimo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) CONCIERTO No. 37 4 NOTAS AL PROGRAMA El programa de hoy incluye, en su primera parte, obras de dos compositores estadounidenses contemporáneos activos, Caroline Shaw y John Adams, ambos con trazas del estilo minimalista y ganadores del importante Premio Pulitzer. En la segunda parte se interpretará el cuarteto de un vienés que vivió entre el periodo clásico y el romántico, Franz Schubert, un ‘inmortal’. Caroline Shaw (n. 1982), compositora, violinista y vocalista estadounidense, estudió en Rice University, en Yale University y se doctoró en 2010 en Princeton University. Inició sus estudios de violín a los dos años, bajo la guía de su madre. Su niñez incluyó, además del violín, el canto. Su vinculación al conjunto Yale Baroque como violinista y al coro de la New Haven’s Christ Church, donde cantó motetes renacentistas de Byrd, Tallis y Josquin, le permitieron desarrollar experiencias como músico barroco y como vocalista que, indudablemente, dejaron huellas que se revelarían en sus futuras composiciones. Ejemplo de esto es su Partita para 8 voces (Allemande, Courante, Sarabande y Passacaglia), con la que ganó el Premio Pulitzer de Música en 2013, lo que la convirtió en la persona más joven que haya recibido este premio. El estreno de la Partita fue realizado por el conjunto vocal Roomful of Teeth (Premio Grammy 2014), con el que actúa regularmente. Como violinista, se presenta con el conjunto de música contemporánea estadounidense ACME. La relación de Shaw con la escritura para cuarteto de cuerdas es estrecha, resultado de ser violinista, como lo expresa en una entrevista reciente con el periodista Kyle Petersen: Es gracioso, realmente me siento mucho más cómoda escribiendo para cuarteto de cuerdas que para cualquier otra cosa […] He pasado mucho tiempo tocando ese repertorio, y cada vez que me pongo a escribir algo para estos cuatro instrumentos, es un espacio increíble para estar allí. Siento como que puedo nadar en un mar de colores y texturas y fragmentos de música de cuarteto del pasado, y luego puedo cortar y mezclar y remover y saltear (o freir) algo nuevo (Petersen, 2019). El primer cuarteto que compuso es precisamente el que inicia el programa de hoy: Entr’acte fue escrito en 2011 después de escuchar al Cuarteto Brentano tocar el Op. 77 No. 2 de Haydn, con su sobrio y conmovedor cambio a re bemol mayor en el trío del minueto. Está estructurado como un minueto y un trío, tocando [riffing] sobre esa 5 forma clásica, pero llevándola un poco más lejos. Me encanta la manera en que algunas músicas (como en los minuetos del Op. 77) de repente te llevan al otro lado del espejo de Alicia, en una especie de absurda y sutil transición tecnicolor (Shaw, 2019). Entre'acte fue estrenado por el Cuarteto Brentano en Princeton University, en abril de 2011. La segunda obra del programa, el cuarteto de cuerdas Valencia, es una muestra de la cuidadosa observación y sensibilidad de la compositora por la comida natural: Hay algo exquisito en la construcción de una naranja común. (Las tiendas de comestibles de todo el país a menudo ofrecen la [variedad] Valencia como opción estándar). Cientos de cápsulas de jugo de brillantes colores, increíblemente delicadas, listas para explotar. Es una cosa de la naturaleza muy simple, pero al mismo tiempo tan compleja y extraordinaria. En 2012, actué en el MoMA [Museo de Arte Moderno de Nueva York] con la música y artista de performance Glasser - [interpretamos] una canción que ella describió como acerca de la belleza simple de la fruta. Más tarde, ese verano escribí Valencia para un concierto que estaba tocando con algunos buenos amigos en Manchester-by-the-Sea, Massachusetts. Decidí canalizar el enfoque valeroso e intuitivo de Glasser hacia la melodía y la textura, de modo que Valencia se convirtió en un abrazo sin ataduras de la arquitectura de la naranja común [llamada] Valencia, a través de armónicos ondulantes y acordes y melodías algo viscosas. También es una forma de celebración de la conciencia de la comida natural, sin adornos, que todavía está disponible para nosotros (Shaw, 2019). Valencia se estrenó en una librería en Manchester-by-the-Sea, Massachusetts, en agosto de 2012, con Lorna Tsai y Caroline Shaw, violines; Sage Cole, viola, y Shay Rudolph, violonchelo. En relación con la acogida que ha tenido su música por parte de intérpretes y del público general, Shaw afirma: Soy muy afortunada de haber tenido tanta atención en los últimos años […] Viene con mucha responsabilidad, sin embargo, y mi solución ha sido trabajar tan duro como puedo y, lo más importante, lo más honestamente posible. No me importa si me recuerdan después de que me haya ido. Pero sí me importa que, durante mi poco tiempo en esta tierra, me [comunique] con calidez con aquellos con quienes comparto este espacio (Petersen, 2019). John Adams (n. 1947), clarinetista y director de orquesta estadounidense, es uno de los compositores contemporáneos que aparece incluido con mayor frecuencia en programas de concierto. Inició sus estudios de clarinete bajo la guía de su padre, cuando apenas contaba seis o siete años, y los continuó con Felix Viscuglia, clarinetista de la Orquesta Sinfónica de Boston. A la edad 6 de diez años comenzó a tomar lecciones de teoría y composición, y luego, también muy joven, tocó en una orquesta aficionada y una banda sinfónica. Todo esto le permitió adquirir la experiencia de tocar en un ensamble de dimensiones y aprender de primera mano una buena cantidad de repertorio clásico tradicional, además de marchas y piezas jazzísticas propias del repertorio de banda. A sus quince años, en 1962, la participación en un campo de verano musical a la orilla de un lago en el occidente de Maine le brindó la oportunidad de dirigir diversas obras del repertorio clásico con la orquesta y la banda, y de asistir a la proyección de West Side Story. «Fue el momento en que me sentí más estimulado frente a la posibilidad de convertirme en un artista que podría forjar un lenguaje fertilizado en la vida americana» (Adams, 2008, 23). Posteriormente, estudió composición en Harvard University con Leon Kirchner, Earl Kim, Roger Sessions, Harold Shapero y David Del Tredici, periodo durante el cual actuó ocasionalmente como clarinetista con la Orquesta Sinfónica de Boston. Entre los muchos reconocimientos que ha recibido Adams, se incluye el Premio Pulitzer (2003) otorgado por su obra On the Transmigration of Souls, para orquesta, coro, coro de niños y cinta pregrabada. Su escritura, llena de polirritmias y altamente virtuosa, hace considerables exigencias a los instrumentistas. Adams ha mantenido relaciones cercanas con grupos particulares, como el Ensemble Modern, el Schoenberg Ensemble y el Cuarteto Kronos, y con los solistas Emanuel Ax, Michael Collins y Gidon Kremer, quienes han colaborado de cerca en su composición y han sido capaces de enfrentar los desafíos presentados por su música. John Adams compuso John’s Book of Alleged Dances (El libro de John de las supuestas danzas) en 1994, en una época en que estaba ampliando su lenguaje más allá de la simplicidad armónica de sus piezas anteriores. De las diez danzas que componen la obra, se escucharán hoy en el concierto Toot Nipple, Alligator Escalator, Pavane: She's So Fine y Stubble Crotchet, que corresponden a las cuatro que no van acompañadas de una pista de percusión grabada, como lo explica el propio Adams en la reseña de la obra: Las Alleged Dances [Supuestas danzas] fueron las piezas escritas después del Concierto para violín, una obra compleja que tomó un año completo componer. El concierto me animó a ir más lejos con la escritura para cuerdas, y algunas de las técnicas y gestos 7 a los que me había acercado aparecen nuevamente en este cuarteto de cuerdas, solo que con una apariencia menos seria. El libro es una colección de diez danzas, seis de las cuales están acompañadas por una pista de percusión grabada, hecha de sonidos de piano preparados. El piano preparado fue, por supuesto, el invento de John Cage, quien primero colocó gomas de borrar, tuercas, tornillos y otros objetos de amortiguación en las cuerdas del piano de cola, transformándolo así en una especie de gamelán pigmeo. […] Las danzas fueron “supuestas” porque sus pasos aún no se habían inventado (aunque ahora, algunos coreógrafos, incluido Paul Taylor, han creado piezas a partir de ellas). El tono general es seco, gracioso, sardónico. La música fue compuesta pensando en las personalidades de los intérpretes de [el Cuarteto] Kronos (Adams, 1994). John’s Book of Alleged Dances fue comisionado por el California Center for the Arts para el Cuarteto Kronos y estrenado por esta agrupación el 19 de noviembre de 1994 en el auditorio del California Center, en Escondido, California. Franz Schubert (1797-1828), pianista y compositor austríaco, es el único de los compositores de la llamada Primera escuela de Viena que nació en esa ciudad. Fue el duodécimo de catorce hermanos, de los cuales solo cinco llegaron a la edad adulta. Su padre era un maestro de escuela. A la edad de doce años, Schubert era un violinista y pianista competente. Trató de convertirse en maestro de escuela, como su padre, pero, como no le gustaba el trabajo rutinario, resolvió enfocarse en la composición. Para 1818, su única fuente de ingresos, por escasos que fueran, era la composición. De acuerdo con Brown en el Diccionario Grove de la Música, la riqueza y la sutileza de su lenguaje melódico y armónico, la originalidad de sus acompañamientos, su elevación a través suyo de géneros marginales y la naturaleza enigmática de su vida, sin acontecimientos notables, han invitado a una amplia gama de lecturas, tanto del hombre como de su música, que se mantienen entre las más debatidas en los círculos musicales (Brown et al., 2001). Durante la mayor parte de su vida adulta, Schubert sufrió de ciclotimia, definida por la Real Academia de la Lengua como ‘trastorno bipolar en el que se alternan fases maníacas y depresivas’. En el caso de Schubert, se volvió mucho más extrema a mediados de la segunda década de su vida, y sus amigos reportaron periodos de oscura desesperación y violenta ira. Adicionalmente, en un periodo de gran productividad, entre enero y marzo de 1824, cuando completó las Variaciones sobre Trockne Blumen para flauta y piano, el Cuarteto de cuerdas en la menor y el Cuarteto de cuerdas en re 8 menor ‘La muerte y la doncella’, la salud de Schubert, que venía comprometida, tuvo un giro crítico para mal: los síntomas de la sífilis que padecía se hicieron más evidentes. Brown describe en el Grove, cómo, según los reportes de Schwind, cercano amigo del músico, lesiones en la boca y la garganta, dolores de huesos y dolor en su brazo izquierdo llegaron a impedirle tocar el piano. El tratamiento que el Dr. Berhardt, su médico, introdujo, fue una nueva dieta: «días alternos de chuletas de cerdo y un plato llamado panada, que combinaba harina, agua, pan rallado y leche, adicionado con porciones generosas de té y baños frecuentes completaron el régimen» (Brown et al., 2001). Los sentimientos hacia sí mismo, expresados por Schubert en una carta a Kupelwieser, otro de sus amigos, no podían ser más críticos y depresivos: Soy la criatura más infeliz y más desgraciada del mundo. Imagina a un hombre cuya salud es siempre quebradiza y a quien el desánimo hace empeorar cada vez más las cosas en lugar de mejorarlas. Imagina a un hombre, digo, cuyas esperanzas más luminosas han oscurecido; a quien la felicidad del amor y la amistad no tienen más que ofrecer, sino dolor, en el mejor de los casos; a quien el entusiasmo (al menos de la variedad estimulante) por todas las cosas bellas amenaza con abandonarlo, y te pregunto: ¿no es un ser miserable e infeliz? «Mi paz se fue, mi corazón está adolorido, nunca lo encontraré». Ahora bien, podría cantar todos los días, ya que al retirarme a la cama todas las noches, tengo la esperanza de no volver a despertarme, y cada mañana recuerda solo el dolor de ayer (Brown et al., 2001). El Cuarteto en re menor, compuesto en 1824, fue estrenado en 1831. Su primer movimiento, comenta Brown, tiene «un poder e intensidad previamente impensables». En el segundo movimiento, que da nombre al cuarteto porque se basa en la canción –también de Schubert– La muerte y la doncella, «la armonía domina la melodía», subraya Brown. El tercero, scherzo, «parece modelado en los primeros compases de una danza alemana». Y el final, «sombrío e inexorable», es un saltarello y, cierra Brown, «podría haber estado en la mente de Mendelssohn cuando escribió su Sinfonía italiana» (Brown et al., 2001). Bibliografía Adams, J. (2008). Hallelujah Junction: Composing an American Life. Traducido por Guillermo Gaviria. New York: Farrar, Straus and Giroux. Brown, M., Sams, E. & Winter, T. (enero, 2001). Schubert, Franz. Grove 9 Music Online. Oxford University Press. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Petersen, K. (marzo, 2019). Making an Entrance: SC Philharmonic Features Contemporary Composer and Pulitzer Prize Winner Caroline Shaw. Free Times. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://www. postandcourier.com/free-times/ Shaw, C. (2019). Entr’acte. Caroline Shaw Editions. Traducido por Guillermo Gaviria. Recuperado de https://caroline-shaw-editions.myshopify.com Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS, corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar PULEP: VLN663. Z PULEP: RNR558. UVG524. YJT599. ZWU837 NU727. NNV218. ELD368 ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Emabajda de Francia en Colombia, la Alianza Francesa y el Institut Français Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín Foto. Alfonso Venegas

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta (Colombia) Juan Carlos de la Pava piano (Colombia) Jueves 29 de agosto de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: VLN663 Jueves 5 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: DVB444 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Alfonso Venegas Daniel Santiago Guerrero Palacios, flauta Maestro en Música con énfasis en interpretación de flauta, ha participado como solista en varios concursos nacionales. Fue ganador en la categoría instrumental en el IX Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro, realizado en Armenia (Quindío); ganador en la categoría solista instrumental en el XIX Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas); seleccionado como Joven Talento de la Música 2013 por la Alianza Francesa; ganador del XI Concurso de Jóvenes Solistas organizado por la Orquesta Filarmónica de Cali en 2012; ganador del Concurso de Solistas con la Orquesta Sinfónica Javeriana en su versión 2014, y seleccionado para ser parte de la Serie de Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017. Como músico de orquesta, ha formado parte de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y ha participado en sus giras nacionales e internacionales en las temporadas 2015 y 2016. Ha representado a Colombia en concursos internacionales como la 11th Israel International Flute Competition en 2013, en Nazaret (Israel); la 3rd International Flute Competition Maxence Larrieu, en Niza (Francia), en 2015; la 53th Markneukirchen International Instrumental Competition, en 2018 en Markneukirchen (Alemania), y el Concurso de Jóvenes Solistas, en el marco del II Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador), realizado en 2016, donde obtuvo el segundo premio. En 2017 fue seleccionado para actuar junto al reconocido flautista colombiano Gabriel Ahumada y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, así como en calidad de solista, en varios conciertos que incluyeron el estreno en Colombia de repertorio del Barroco alemán. También, en 2018 fue seleccionado como Joven Talento del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Recibió su título de Maestro en Música en la Pontificia Universidad Javeriana. Fue alumno de los maestros Javier Olave y Rafael Rodríguez. Ha recibido clases magistrales con Tadeu Coelho, Alberto Almarza, Leon Berendse, Patrice Bocquillon, Françoise Veilhan, Francesca Canali, Judith 2 Dines, Paco Varoch, Henrik Wiese, Michel Bellavance, Gabriel Ahumada, Gaspar Hoyos, Vincent Lucas, Patrick Gallois, Juliette Hurel y Felix Renggli. Desde 2016 es miembro de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente se desempeña como flautista principal de dicha agrupación. Recientemente fue admitido para cursar su maestría en interpretación en la Haute École de Musique de Lausanne (Suiza), en la cátedra de José-Daniel Castellon. Juan Carlos de la Pava, piano Nacido en Bogotá en 1992. Es egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Entre los tutores que han guiado su proceso de formación se encuentran Karol Bermúdez, Guillermo Gaviria, Sergei Sichkov y Carolina Noguera. Ha realizado conciertos en reconocidos escenarios del país como el Auditorio Eduardo Caballero Calderón en Tunja, Auditorio Luis A. Calvo en Bucaramanga, Sala Múltiple del Banco de la República en Cúcuta, Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta, Auditorio Hernando Aristizábal en Manizales, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional, escenarios en los cuales también ha presentado y estrenado obras de su autoría. Actualmente se desempeña como compositor y pianista, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos por su desempeño en estos campos. Entre estos se encuentran ser seleccionado para presentar una obra de su autoría dentro del programa Plataforma 28 de la Orquesta Sinfónica Nacional y el primer puesto en el primer concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Medellín. Fue seleccionado como pianista de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia para participar en la gira que realizó el ensamble por Europa en 2017. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Fantasía en fa sostenido menor No. 10, TWV 40:11 (c. 1733) GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para flauta sola Canciones melancólicas (2018) JUAN CARLOS DE LA PAVA (n. 1992) Para flauta y piano Mei (1962) KAZUO FUKUSHIMA (n. 1930) Para flauta sola Fantasía, Op. 79 (1898) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Para flauta y piano INTERMEDIO Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 (1886) Allegretto ben moderato Allegro Recitativo-Fantasia: Ben moderato Allegretto poco mosso CÉSAR FRANCK (1822-1890) Original para violín y piano Versión para flauta de Peter-Lukas Graf (n. 1929) CONCIERTO No. 39 4 NOTAS AL PROGRAMA La flauta, también llamada a lo largo de la historia traverso, flauta alemana o flauta de concierto, junto a otro tipo de aerófonos, como la flauta dulce, hace parte de las manifestaciones musicales más tempranas. Su fabricación a partir de materiales accesibles, como huesos, piedras y troncos; su evidente búsqueda de la imitación de sonidos de la naturaleza, y la íntima implicación corporal, tan arraigada en la ejecución del instrumento, han hecho de su presencia algo permanente en la historia de diferentes sociedades. Tal vez por esto, algunas culturas antiguas acogieron la figura de la flauta para adornar o construir sus historias fantásticas, religiosas e incluso épicas. No es desconocido el relato en el que Apolo vence con su kithára al sátiro Marsías, quien había recogido el aulós (un instrumento de viento) maldecido por la diosa Atenea. El mito cuenta que Atenea, al tocar el aulós junto a un arroyo y ver su rostro deformado, lo lanzó lejos de allí, maldiciendo a aquel que lo recogiera. Por desgracia, la maldición recayó en Marsias. Tras su derrota, Apolo decidió, sin piedad, acabar con la vida del sátiro. Los compositores que escucharemos hoy rechazaron la idea de la flauta como instrumento vulgar e imperfecto y, en cambio, contribuyeron a la evolución tanto de su posición en la sociedad musical como de su forma física. Aunque no todas las piezas de este programa fueron escritas originalmente para el instrumento, los flautistas las han visitado de manera permanente, continuando la tradición de tomar material escrito para violín u oboe, por ejemplo, ante la escasa cantidad de repertorio solista para este aerófono antes del siglo XVIII. Con una precisión cronológica, ora intencional, ora coincidencial, y como si se tratara de una analogía con el momento en que el instrumento empezó a tener voz propia, Daniel Guerrero ha decidido iniciar el programa con el alemán Georg Philipp Telemann (1681-1767), un multinstrumentista que trabajó empleado durante gran parte de su vida en la corte de Hamburgo y fue responsable de un gran porcentaje de sus publicaciones. En términos actuales, podría decirse que fue una celebridad o, si se quiere, un rockstar, o, aún más, un gestor cultural de renombre. Enfrentado, anacrónicamente y sin quererlo, al patriarca de la familia Bach, Johann Sebastian, la mítica rivalidad entre estos dos compositores fue impuesta principalmente por autores románticos que prefirieron adoptar 5 como figura de autoridad musical germana a quien encarnó un estilo complejo y extremadamente contrapuntístico y no a quien prefirió crear música según los gustos de la época, sin discriminar región geográfica. Bach no fue profeta en su tiempo; Telemann, definitivamente lo fue. En su autobiografía, este último indica que «aquel que es capaz de componer en beneficio de la mayoría, lo hace mejor que aquel que escribe para pocos» y estas palabras representan completamente su obra, que es tan ecléctica como cuantiosa e inclusiva de los diferentes estilos nacionales (Telemann en Svendsen, 2016, p. 9). Reconocido por componer en un estilo mixto, un goût mêlé o goût réuni, Telemann, quien tuvo la oportunidad de viajar a otras regiones de Europa, quiso incorporar en su obra la elegancia del gusto francés, las estructuras de la música italiana y la escritura contrapuntística de los autores germanos. La colección de fantasías a la cual pertenece la que se escuchará hoy, está aparentemente escrita para violín, sin acompañamiento de bajo; sin embargo, varios especialistas en su obra arguyen que el estilo de composición de las fantasías no corresponde al de sus demás obras para el cordófono frotado y, por el contrario, son bastante similares a otras piezas suyas para traverso. En ellas, el reto de dar la ilusión de polifonía, es decir, de varias voces sonando a la vez, en un solo instrumento, es inmenso y fue logrado por muy pocos en aquella época. Su uso, y el uso en general de las piezas escritas para instrumentos sin acompañamiento de bajo continuo, podría indicar o bien un uso pedagógico para aficionados o avanzados, o bien una colección de preámbulos para piezas que sí tendrían acompañamiento. Sea como fuere, su estructura es generalmente en varias secciones contrastantes, tal y como sucedía con las sonatas o las suites; la No. 10 se asemeja mucho más a este último género, pues podría equipararse con una sucesión de danzas como la corrente, la gavota y el minueto. Damos un gran salto en el tiempo y en la geografía para encontrarnos con el compositor Kazuo Fukushima (n. 1930) y su obra Mei, también para flauta sola, que tiene mucho más de la tradición flautística japonesa del shakuhachi que de la escuela europea de flauta. La pieza contiene bastantes recursos técnicos utilizados en las flautas de bambú como, por ejemplo, los glissandi o deslizamientos continuos de sonidos; y no es en vano, ya que la obra se erige como una especie de momento ritual que evoca la posibilidad que tiene el sonido de la flauta de llegar al mundo de los muertos, pues Mei fue escrita para un amigo del compositor que falleció en un trágico accidente. A pesar de sus inicios autodidactas, Fukushima fue uno de los primeros japoneses que asistió a los reconocidos cursos de verano de música moderna 6 en Darmstadt, donde conoció a uno de sus fundadores, Wolfgang Steinecke (1910-1961), para quien fue escrita la obra. En la dedicatoria de la partitura se lee: Mei, que con el ideograma chino se escribe , significa oscuro, pálido, intangible. Esta música fue compuesta para el difunto doctor Wolfgang Steinecke de Darmstadt, que murió en un trágico accidente. Según la antigua creencia japonesa, se pensaba que el sonido de la flauta podía llegar a los muertos (Fukushima, 1962). La obra más joven del programa es de Juan Carlos de la Pava (n. 1992), músico colombiano formado en la Pontificia Universidad Javeriana. Se trata de una dedicación al flautista que nos presenta el programa de hoy, compañero del compositor, y consta de seis canciones cortas para flauta solista. En sus palabras, Esta obra tiene una dedicatoria a Daniel Guerrero. Él y yo hemos tocado juntos durante toda nuestra carrera en la Javeriana, y siempre que compongo algo para flauta, él me ayuda con la mejor actitud; entonces, creo que ya le debía una dedicatoria como gesto de agradecimiento. Canciones melancólicas está conformada por seis canciones cortas. La palabra melancolía significa tristeza, una tristeza causada por un suceso del pasado que pudo ser positivo o negativo; así, lo que despierta la melancolía no recae en la cualidad de la remembranza, sino en la actitud ante un recuerdo. La obra se trata de cinco ‘actitudes’ frente a un mismo recuerdo (canciones II, III, IV, V y VI), o, en este caso, frente a un material plasmado con un carácter tenue, calmado y difuso, propio de los recuerdos (canción I), que nunca llega a un clímax, porque el pasado es algo ya muerto, que no se desarrolla sino que decae paulatinamente (De la Pava, 2019). A finales del siglo XIX, cada mes de julio se llevaba a cabo en París el concurso o concours del conservatorio. En este, los estudiantes de las diferentes disciplinas musicales competían ante un jurado por los primeros y segundos lugares, cosa que les permitiría graduarse y tener una carrera de prestigio. Las piezas se escogían previamente y también se incluía una obra desconocida para ejecutar a primera vista, con lo cual se buscaba evaluar la capacidad integral interpretativa que tenía cada participante. Hoy escucharemos una de las piezas compuestas exclusivamente para este concours; se trata de la Fantasía, Op. 79, para flauta y piano de Gabriel Fauré (1845-1924), escrita en 1868 a petición de Paul Taffanel, profesor de flauta en el conservatorio y considerado el fundador de la escuela moderna de flauta. Para ese momento, Fauré solo llevaba dos años como profesor en la institución y, aunque en 1905 sería designado director, su cambio de camino 7 ante el conservadurismo de los demás maestros nunca fue un secreto. Sin embargo, puesto que antes se había ganado la vida como profesor de piano, su entendimiento de las necesidades de los estudiantes para adelantar una carrera exitosa luego de pasar por el conservatorio era muy claro, y así lo refleja en esta pieza. Fauré estructuró la Fantasía, Op. 79 en dos partes, como era lo común en las obras compuestas para el concurso: una lenta y lírica, tipo siciliana, que requiere capacidad de expresión y de fraseo del intérprete, y una veloz y virtuosa, que, aunque desarrolla el material de la primera sección, lo que pide al músico es capacidad técnica para tocar pasajes rápidos (para enaltecer aún más su labor como maestro, no hay que olvidar que entre sus pupilos se encontraban Maurice Ravel, Georges Enescu y Nadia Boulanger). Claro está, la pieza no ha de considerarse exclusivamente como un requisito ‘administrativo’ del conservatorio. Por el contrario, es muestra viva del boom creativo que, tras la guerra franco-prusiana, se venía dando en Francia y cuyo objetivo era, a grosso modo, el de crear una estética francesa libre de las influencias germanas e italianas. No en vano el emblema de la Sociedad Nacional de Música, fundada en 1871 por Camille Saint-Saëns, era el ars gallica, un arte que hablaba sobre y para el pueblo francés, independientemente de la posición social. Dentro de este periodo, que en términos de las artes plásticas se denominó Belle époque y que culminaría alrededor del inicio de la Gran Guerra en 1914, fue también compuesta la Sonata en la mayor para flauta y piano, CFF 123, FWV 8 del belga César Franck (1822-1890), o Père Franck, como lo llamaban sus alumnos. Aunque la fama llegaría muy tarde a su vida –si no luego de su muerte, pues la pieza la compuso a los 64 años–, el prestigio que fue alcanzando el compositor fue tan sólido que hoy en día esta pieza es indispensable para entender la estética francesa decimonónica tardía. Aunque su puesto en el conservatorio era el de profesor de órgano, las clases con sus alumnos muchas veces incluían pequeñas lecciones de composición, situación que no lo hacía muy popular entre sus colegas. No obstante, sus alumnos le tenían gran aprecio, y de ahí el cariñoso apodo de ‘padre Franck’. La Sonata de Franck –o la Frank Sinatra, como es llamada por los intérpretes angloparlantes por su parecido con la pronunciación de Franck’s sonata– fue compuesta para el virtuoso violinista y compositor Eugène Ysaÿe, también belga. Treinta y seis años los separaban, pero el respeto y cariño entre los dos les permitieron hacer caso omiso a la brecha generacional entre ellos. El vínculo se hizo aún más fuerte cuando Franck obsequió esta pieza a Ysaÿe 8 por motivo de su boda. Este, maravillado y honrado por haber recibido tal regalo, no pudo esperar y decidió leerla a primera vista, acompañado por su cuñada en el piano. Luego de tocarla, sus palabras fueron: «Nada en el mundo podría haberme honrado o darme más placer que este regalo. Pero no es solo para mí. Es para todo el mundo» (Ysaÿe en Potter, 2014). Entre lo clásico y lo moderno: este es el lugar donde se inserta la Sonata de Franck, que es constantemente visitada por flautistas. Su búsqueda de estructuras claras da cuenta del pensamiento clásico del Siglo de las Luces, pero las armonías y los colores que aplica su compositor a la pieza hablan de la estética francesa moderna. Su carácter cíclico y la utilización de un material reducido que es desarrollado en los cuatro movimientos acercan la estética decimonónica a los siglos XVII y XVIII y preludian lo que pasará en el siglo XX; además, al recurrir al canon y al concepto de recitativo, la Sonata en la mayor genera un diálogo con el pensamiento renacentista y barroco y equilibra forma y contenido, aspectos igualmente importantes que aún no habían podido tener una conciliación exitosa a gran escala. Bibliografía Fukushima, K. (1962). Mei per flauto solo. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Milano: Edizioni Suvini Zebroni. Svedsen, T. (2016). Notas al programa. Note 1 music. Georg Philipp Telemann: Chamber music with flute. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Potter, T. (2014). Notas al programa. Renaud Capuçon & Khatia Buniatishvili: Franck, Grieg, Dvořák. Traducido por Daniela Peña Jaramillo. Erato/ Warner Classics. Warner Music UK Ltd. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN TUNJA TROMBONE UNIT HANNOVER octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre · 6:30 p.m ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto Foto. Susann Ziegler · PULEP: CSM699 Foto. Cristhian Sastre · PULEP: ZNU727 Serie de los Jóvenes Intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ YINETH URQUINA, cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta PULEP: NNV218. ELD368. IBR818 Teatro Mayor Bicentenario Con el apoyo de Alcaldía Mayor de Tunja Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto. Susanna Drescher PULEP: UVG524. YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofonoes (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m.

Hansjörg Albrecht es considerado hoy un osado franqueador de barreras musicales y un pensador no convencional. Como director, se ha forjado un camino propio cuyo trazado va entre el período Barroco y la contemporaneidad, entre los archivos y las nuevas creaciones. Como instrumentalista, su renombre de virtuoso se debe a sus transcripciones para órgano. Director, organista y clavecinista, Hansjörg Albrecht es director artístico del Coro y la Orquesta Bach de Múnich, agrupaciones fundadas por el legendario Karl Richter. También dirige regularmente el Bach Collegium, de Múnich, la orquesta del Teatro di San Carlo, de Nápoles, y el Carl-Philipp-Emanuel Bach Choir, de Hamburgo. Con estas agrupaciones, y en colaboración con orquestas invitadas, le ha aportado al concepto de programa de concierto perfiles muy novedosos y ha sido también invitado frecuente de auditorios y festivales europeos de renombre. Como director se ha desempeñado junto a intérpretes como Dorothee Oberlinger, Arabella Steinbacher, Fazil Say, Vesselina Kasarova, Simone Kermes, Michael Volle y Klaus Florian Vogt. También ha dirigido la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, de Turín; la Orquesta de la Toscana, de Florencia; la Prague Philharmonia; la Orquesta Sinfónica de Praga; la orquesta del Teatro Nacional de Brno; la Orquesta Sinfónica del Estado de Baviera; la Orquesta Sinfónica de la Radio Muniquesa; la Staatskapelle de Weimar; la Konzerthausorchester de Berlín; la Orquesta Sinfónica de Hamburgo; la Orquesta Filarmónica de la Radio Alemana; la Orquesta Filarmónica de Szczecin; la Orquesta de Cámara de Bruselas; la Orquesta de Cámara de Moscú; la orquesta barroca Elbipolis, y las agrupaciones de la Academia Bach, de Stuttgart. Además de sus actividades como director (en Múnich, Hamburgo, Berlín, Salzburgo, Roma, Nápoles, Bruselas, Varsovia, San Petersburgo, Moscú y Tokio, entre otras ciudades), Albrecht es un reconocido solista y músico de cámara, y ha actuado con Abrecht Mayer, Reinhold Friedrich, Yaara Tal & Andreas Groethuysen y Jean Guillou. Ha actuado como organista en varios de los más celebrados auditorios y catedrales de Europa, Rusia, Japón y los Estados Unidos. También ha sido invitado especial de la Orquesta Filarmónica de Israel; de la orquesta de la Ópera de Los Ángeles; la Orquesta de Cámara St. Luke, de Nueva York; la Orquesta de la Suisse Romande; la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia, de Roma; la Camerata de Salzburgo; la Orquesta Filarmónica Checa; la Camerata Báltica, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Albrecht nació en Freiberg, región alemana de Sajonia, e inició su formación musical cantando con el Kreuzchor de Dresde. Más tarde estudió dirección y órgano en Hamburgo, Lyon y Colonia. Aún durante sus estudios sirvió como organista asistente en la principal iglesia de Hamburgo, St. Michaelis, posición que mantuvo durante siete años. Luego trabajó intensamente durante varios años junto al cantante y director Peter Schreier, en calidad de asistente, organista y clavecinista. Si bien el nombre de Albrecht ha alcanzado reconocimiento mundial, sobre todo gracias a sus interpretaciones de Bach, sus programas de concierto abarcan un repertorio de muy amplio espectro y destacan inusuales conexiones entre obras. Su interés por nuevas composiciones se ha manifestado en el estreno de partituras de Thierry Escaich, Enjott Schneider, Philipp Maintz, Xiaogang Ye y Rodion Schtschedrin, entre otros. Con el sello discográfico Oehms Classics, Albrecht ha grabado más de veinte discos compactos, como director y organista, entre los que se cuenta la serie completa de las canciones orquestales del compositor romántico Walter Braunfels, ampliamente comentada por los medios, y también Der Ring Ohne Worte, de Richard Wagner, en la versión orquestal de Lorin Maazel, nominado para el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. En el 2013, Albrecht recibió una nominación al Premio Grammy en la categoría mejor solista instrumental clásico por su grabación de Los planetas, de Gustav Holst, en la transcripción para órgano de Peter Sykes. Su más reciente grabación de la Sinfonía Fausto de Liszt, transcrita para órgano solo por el mismo Albrecht, tuvo su lanzamiento en el verano de 2018. En el 2017, Albrecht completó una gira más por Japón junto a la Bach Orchestra, de Múnich. Dirigió también Don Giovanni en la Ópera de Dubai, en el marco de la interpretación completa del ciclo Da Ponte, de Mozart, así como una serie de El rapto en el serrallo, también de Mozart, en el Teatro di San Carlo, en Nápoles, con la legendaria producción de Giorgio Strehler, que ese mismo año se presentó en La Scala, de Milán, bajo la batuta de Zubin Mehta. Además, recibió invitación para ofrecer conciertos en Moscú y Zúrich, así como recitales solistas en las salas Leipzig Gewandhaus, Berlin Philharmonie, Müpa Budapest, y en Rotterdam. Se estrenó como director con obras de Dvořák y Mozart en la sala Berlin Philharmonie. En diciembre del 2017 debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo con la interpretación del Oratorio de Navidad de J. S. Bach. Los actuales compromisos de su agenda incluyen conciertos en Berlín, Dortmund y la St. Stephen’s Cathedral, en Viena, y en las óperas de Bolonia, Cagliari y Brno, donde presentará la Sinfonía No. 2 de Mahler; también actuará en el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú, el Bach Fest de Ekaterinburg, el Festival de Zúrich, la Elbphilharmonie de Hamburgo y en la Mozart Week Salzburg 2019. Paralelamente a estas actividades, trabajará con la Orquesta de la Ópera de Bolonia, la Lautten Compagney de Berlín y la Händelfestspielorchester de Halle, por primera vez.

Musgo se conformó en el 2015 y durante su trayectoria ha incursionado en el terreno de la improvisación libre, la composición para improvisadores y la composición determinista-contemporánea. Su sonido está caracterizado por la arritmia, la yuxtaposición a menudo explosiva de texturas y la riqueza tímbrica. Ha participado en el primer festival de La Vendimia Records, en el tercer festival de El marrano no se vende y en el festival Agatón de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Colombia.

Hace trece años tuvo el privilegio de escuchar los sonidos emitidos por un instrumento ejecutado por niños de aproximadamente once años, su edad en ese entonces; instrumento que hasta ese día era desconocido para él. Sus angelicales notas envolvieron sus sentidos y lo llevaron a la decisión de aprender a interpretarlo. Comenzó en la Academia Llano y Joropo de Hildo Ariel Aguirre, donde aprendió a interpretar, amar y hacer parte de su vida, sus sentidos, su cuerpo y su diario caminar el arpa, ese gran instrumento que emite hermosas notas musicales y lo ha llevado por un largo trasegar. Desde que empezó su carrera musical, Julia Salvi ha sido uno de sus más grandes apoyos. Ella lo hizo partícipe del Festival Internacional de Música de Cartagena, evento en el que se ha presentado en cuatro ocasiones como joven talento y artista invitado. Actualmente, estudia arpa llanera en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas –ASAB–, lugar a donde llegó con esfuerzo y gracias a María Clara Alarcón, quien le enseñó las bases de la teoría musical y del arpa celta. Su actual maestro, William Castro, le ha dado a conocer el ‘más allá’ del arpa llanera, le ha dado mil y un motivos para tocarla y para hacer del arpa un instrumento con el que se puede interpretar cualquier género musical. Fue elegido por la Fundación Salvi, institución organizadora del Festival Internacional de Música de Cartagena, y por su director artístico, Stephen Prutsman, como Joven Talento del Festival, siendo esta la primera vez que el arpa folclórica se hacía presente en este gran evento. Como artista invitado a la séptima versión del Festival Internacional de Música de Cartagena, realizó tres conciertos junto con el clarinetista italiano Gabriele Mirabassi y con Juan Carlos Contreras, intérprete de cuatro llanero. Asimismo, hizo parte de un ensamble que fusionó la música llanera y colombiana con el jazz en el 2013 en el Claustro La Merced, la Plaza La Trinidad del barrio Getsemaní y en la Sociedad Portuaria en Cartagena. El mismo año, junto con Juan Carlos Contreras, Gabriele Mirabassi y Mario Criales, intérprete de contrabajo, integró el Ensamble AGILE, agrupación con la que se presentó en el lanzamiento del Festival de Cartagena en Europa con presentaciones en France-Amériques en París; en el Auditorio Santa Cecilia de Perugia, Italia; en la Sala del Grillo ‘Giardino di Pinocchio’ en Collodi, Toscana (Italia); y en la Sala Verdi, Fondazione APM en Saluzzo, Italia. En los años 2017 y 2018, Díaz realizó una gira de conciertos como arpista del Ensamble AGILE junto con Mario Criales, Antonio Arnedo (saxofón) y Zahira Noguera (cuatro), participando en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, en Infrasuoni en Vergato (Italia) y en la décimo segunda versión del Festival de Música de Cartagena.

El quinteto reúne elementos del folclor andino colombiano, aunque es influenciado por diferentes sonoridades jazzísticas y de las músicas del mundo; interpreta bambucos, pasillos, entre otros ritmos tradicionales colombianos y suramericanos. Juan Pablo Cediel (piano), acompañado de cuatro grandes músicos como lo son Jacobo Álvarez (batería), Juan David Mojica (saxofón), César Castro (tiple) y David González (contrabajo), presenta un formato con tímbricas que van desde lo tradicional hasta lo experimental, en el que el juego melódicoarmónico del piano, el saxofón y el tiple se mezcla con la solidez rítmica de la batería y el contrabajo. La interpretación de música propia para este formato es la caracterización del grupo. Con composiciones de Juan Pablo Cediel, el quinteto hace un homenaje a la música colombiana en una travesía musical por el colorido paisaje andino y tropical. Recientemente se presentó, entre otros eventos destacados, en el Festival de Música Andina Colombiana Luis A. Calvo en la Universidad Industrial de Santander (UIS), en el Festival Latinoamericano de Concierto Arte y Conexión, en el Festival de Música Andina Colombiana en San Gil y en el Locus Jazz Festival en Bogotá. Por estos días, grabó el disco Ambivalencia en los estudios de LOCUS_Espacio Creativo con el ingeniero de sonido Kike Martínez.

Según la emisora Classic FM del Reino Unido, Tabea Debus pone a prueba la percepción que se tiene de la flauta de pico o flauta dulce; y no se equivoca, pues lo cierto es que ella explora continuamente los horizontes del repertorio para este instrumento. Debus se ha presentado en varias ocasiones en Europa, así como en Singapur, Japón, Malasia y los Estados Unidos. Sus presentaciones más destacadas incluyen conciertos en el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus de Viena en el marco de Resonanzen, el festival de música Schleswig-Holstein, el Festival internacional de Edimburgo, el Brecon Baroque, el Antiqua en Bolzano, el Baroque at the Edge, y los festivales de música antigua de Brighton y York. Ha colaborado con reconocidos artistas como Iestyn Davies, Rachel Podger, Richard Egarr, Lawrence Cummings y Dunedin Consort; también con La Serenissima y The English Concert en Rinaldo de Händel. Como solista, Tabea se ha presentado con la English Chamber Orchestra en Cadogan Hall, con Chartwell Sinfonia en St. John’s Smith Square (Londres), con el WDR Rundfunkchor en WDR Funkhaus (Colonia), y con en la sala de conciertos Tonhalle (Zúrich). En el 2012 lanzó su primer álbum titulado Upon a Ground (ClassicClips), seguido del álbum Cantata per flauto en el 2016 (TYXart). En el 2018, lanzó su tercer álbum como solista, el cual contiene doce nuevas obras basadas en XXIV Fantasie per il Flauto de Telemann (TYXart). En el mismo año fue seleccionada como beneficiara del Young Classical Artists Trust (YCAT). Con frecuencia actúa como invitada en los programas In Tune o Early Music de la BBC. Sus compromisos para la temporada 2018-2019 incluyen presentaciones como solista con la Oxford Sinfonia y la Orquesta del Festival Malcolm Arnold, con la cual interpretará conciertos de Bach, Telemann, Arnold, y Timothy Bowers. Adicionalmente, hará una gira por Colombia, y presentará recitales en el Reino Unido y Alemania, en donde participará en el Festival de Mecklenburg-Vorpommern. También ofrecerá conciertos con el Ensamble Voyage de jóvenes artistas de The Orchestra of the Age of Enlightenment. Debus nació en Würzburg (Alemania) en 1991. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (HfMDK) con Michael Schneider y en la Royal Academy of Music de Londres con Pamela Thorby. Se graduó de esta última con distinción de honor y recibió el reconocimiento Principal’s Prize por su desempeño académico. Además, fue beneficiaria de una beca Meeker de investigación para la temporada 2016-2017. Formó parte de los jóvenes artistas de St. John’s Smith Square (2015-2016), y participó como artista en el programa de Talentos de la Casa de Händel (2016-2017) y en la Fundación City Music (2016-2018). En el 2016, obtuvo el segundo puesto en el concurso de música Sir Karl Jenkins de The Arts Club. Durante sus estudios, ganó el primer puesto en el concurso internacional Johann Heinrich Schmelzer en el 2014 y el segundo puesto en el concurso internacional Hülsta Woodwinds en el 2011. Junto con Lea Rahel Bader (viola da gamba) y Johannes Lang (clavecín) fundó el ensamble tr!jo, el cual alcanzó el primer puesto en el XVIII Concurso Biagio-Marini (2017) y en el concurso internacional Bach en Berlín (2015). En el 2017 estuvo a cargo del programa titulado ‘El año de la flauta de pico’ patrocinado por el Fondo Jackdaws para la Educación Musical. Actualmente, imparte clases en Wells Cathedral School y en Millfield School en el Reino Unido. También ofrece talleres y seminarios en la Royal Academy of Music de Londres y en la Facultad de Música de la Universidad de Cambridge.