Foto: Rodrigo A. Velásquez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 JONATHAN ROSERO saxofón (Colombia) Jueves 9 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: TAG250 Jueves 23 de mayo de 2019 · 7:00 p.m. Popayán, Templo San José de la ciudad de Popayán PULEP: WSO275 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 JONATHAN ROSERO, saxofón Nació en el municipio de Imués (Nariño), donde también inició sus estudios musicales en la escuela de formación musical Semillas de Paz en el 2004. Posteriormente formó parte de la banda sinfónica Semillas de Paz con la que ha participado en diversos certámenes a nivel departamental y nacional. En el 2012 ingresó al programa Licenciatura en Música de la Universidad de Nariño, institución en la cual cursó dos semestres bajo la orientación de Luis Medina y Sandra Quiñones. En el primer semestre del 2013 ingresó al programa Música Instrumental de la Universidad del Cauca, bajo la orientación de la maestra Sandra Paola Jiménez. Rosero también ha hecho parte la Banda Sinfónica de la Universidad de Nariño, la Banda Sinfónica de la Universidad del Cauca y el Quintetazo de la Universidad del Cauca. Fue ganador del concurso Jóvenes Solistas de la Banda Departamental del Valle en el 2017. Ha recibido clases con Herman Carvajal (Colombia), Javier Ocampo (Colombia), Josetxo Silguero Gorriti (España) y Alberto Chávez Zamora (España). El concierto en Popayán cuenta con el apoyo de Foto: Rodrigo A. Velásquez 2 PROGRAMA Lobuk Constrictor (1990) FRANÇOIS ROSSÉ (n. 1945) Ku Ku (1997) BARRY COCKCROFT (1932-2001) Improvisations I, II y III (1972-1974) RYŌ NODA (n. 1948) INTERMEDIO La palabra (1983) La palabra dura La palabra dulce La última palabra JORGE LÓPEZ MARÍN (n. 1949) Maï (1975) RYŌ NODA Suite para saxofón solo (2017) Fandango Cumbia Chandé HERMAN FERNANDO CARVAJAL (n. 1986) CONCIERTO No. 20 3 NOTAS AL PROGRAMA Al tratarse de un instrumento cuya génesis es muy reciente, los intérpretes del saxofón no tienen literatura propia a la cual remitirse antes de la década de los cuarenta del siglo XIX. La mayoría opta por adaptar o interpretar arreglos de piezas escritas para otros instrumentos y, de esa manera, poder acceder a lenguajes que antecedieron la creación del instrumento. No obstante, el repertorio para el saxofón ha crecido de manera llamativa a partir de la segunda mitad del siglo XX y, a pesar de expresarse por medio de un lenguaje un tanto más hermético que el repertorio con el que inició su recorrido, los intérpretes se han volcado hacia estas nuevas posibilidades haciendo que los programas de concierto para saxofón tengan cada vez menos J. S. Bach y F. J. Haydn, y cada vez más repertorio escrito en los últimos sesenta años. El saxofonista Jonathan Rosero presenta hoy un programa cuyas piezas fueron escritas en la segunda mitad del siglo XX. Este es de los pocos instrumentos cuyo origen tiene nombre y apellido; fue fruto de la invención del belga Adolphe Sax –de donde sale el término saxophone– quien, además de tener una educación como músico, se dedicaba a la construcción de instrumentos de viento al igual que su padre. Sax, imbuido del espíritu decimonónico, se adhirió a la búsqueda del perfeccionamiento tímbrico que realizaban tanto compositores como constructores, y alrededor de 1840 empezó a dar a conocer su nueva creación, pensada inicialmente para ser introducida en el mundo orquestal y en el militar (Rauemberger, C. & Ventzke, K., 2001). A pesar de haber nacido al interior del mundo orquestal y académico, el saxofón ha sido principalmente reconocido por el papel que ha desempeñado en escenarios más populares; en la primera mitad del siglo pasado fue protagonista a manos de personajes como Sidney Bechet, Lester Young, Coleman Hawkins, Sonny Rollins y el legendario Charlie Parker, del auge de las big bands; del nacimiento del bebop y, hacia finales de los cincuenta, de la inserción de la cuota de vanguardia que proveería Ornette Coleman con el free jazz. Sin embargo, y pese al afán de muchos por distanciarlas, las esferas de lo académico y de lo popular comparten un vasto bagaje que cada vez es más significativo e innegable y uno de los elementos que las une sirve también como hilo conductor a lo largo del programa que presenta Jonathan Rosero: la improvisación. Ésta, que transita entre lo oral y lo escrito, ha funcionado 4 como pilar en la creación musical y, aunque ha sido opacada en algunos momentos, su papel en la poética sonora ha sido responsable de que figuras como Wolfgang A. Mozart, Ludwig van Beethoven, Fréderic Chopin y Niccolò Pagannini fueran tan reconocidas en sus respectivas épocas como creadores ex tempore; además, fue la pincelada que Louis Armstrong y Jelly Roll Morton introdujeron en la música popular norteamericana de principios del siglo XX para entrar en la era del jazz. La mayoría de las piezas que conforman el programa que se escuchará hoy, aunque no pide que el intérprete improvise, sí nace de sonoridades que evocan un carácter improvisatorio; es Lobuk Constrictor del francés François Rossé (n. 1945) la pieza que mejor demuestra dicho carácter. Además de utilizar técnicas extendidas del instrumento, como los multifónicos, esta corta pieza –que dura alrededor de cuatro minutos según la partitura– da cuenta del oficio de Rossé, quien además de compositor es pianista improvisador. Dedicada a Jean Marie Londeix, una de las figuras más representativas de la pedagogía del instrumento, Lobuk Constrictor está determinada de principio a fin; cada dinámica, cada altura, cada duración, cada tipo de ataque son dados al intérprete enteramente en la partitura, evocando la música académica de los cincuenta del siglo XX, cuando la poética o proceso precompositivo se posicionaba por encima del resultado sonoro y compositores como Pierre Boulez u Olivier Messiaen planteaban una arquitectura ciertamente intelectual de la música. Habiendo sido Rossé alumno de este último, no es de extrañar que la pieza siga este proceso de construcción a pesar de que su resultado sonoro represente la faceta de creación inmediata de su compositor. La segunda pieza, Ku Ku, del saxofonista y compositor australiano Barry Crockcroft (1933-2001), también puede llegar a sentirse como una pieza improvisada en algunos momentos, claro está, con un resultado sonoro contrastante frente a Lobuk Constrictor. Compuesta en 1997, está dividida en dos partes y es el resultado de una anécdota en sus años de estudiante; cuenta Crockcroft que tras encontrarse estudiando e improvisando sobre la Sequenza VIIb de Luciano Berio, un amigo suyo dijo que sonaba como una gallina: «Me gustaba tomar algunos de los multifónicos utilizados por Berio, añadiendo algunos ritmos pintorescos. Cuando un amigo me dijo amablemente que sonaba como una gallina, pensé que podría resultar divertido extender esta idea»1 (Crockcroft, 1997). 1 Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo. 5 La primera parte de la pieza consta de escalas y arpegios construidos a partir de sonoridades orientales que recuerdan simultáneamente la música francesa de finales del siglo XIX y principios del XX, y algunos solos de guitarra del rock de la década de los ochenta. La segunda parte es en donde salen a relucir las técnicas extendidas como el slap y, nuevamente, los multifónicos, además se esboza en ella un carácter sutilmente programático en el cual, como menciona el compositor, se extiende la idea de todas las posibilidades que hay de ‘sonar como gallina’ en una especie de poema con tintes surrealistas: Ignorando la ortografía, aparentemente: Kuku en swahili significa gallina [pollo]. Ku-ku es una especie de reloj hecho en la Selva Negra. Ku ku significa loco. Hay gallinas felices, unas que viven en granjas orgánicas, que tienen gusanos para comer y ponen muchos huevos. El aire es fresco y el gallo buenmozo atiende todas sus necesidades… Hay otra clase de gallinas, unas que pueden haber perdido la razón ¡o la cabeza! Cada día hacen lo mismo; viven en pequeñas cajas, cluck, cluck… Cluck, cluck2 (Crockcroft, 1997). Ryō Noda (n. 1948) es un compositor japonés que logra introducir una gran variedad de los matices presentes en la cultura japonesa a sus composiciones, comulgando a su vez con el lenguaje de la música académica del siglo XX. Las Improvisations I, II y III, escritas entre 1972 y 1974, y dedicadas a su maestro Jean-Marie Londeix, son las primeras piezas de Noda, quien también dedicó su tiempo a estudiar terapia musical. En estas (al igual que en Maï, que se mencionará más adelante) desarrolla un ethos casi espiritual por medio de la extrapolación del lenguaje de la flauta de bambú, o shakuhachi, al saxofón. Las tres piezas incorporan ‘comportamientos’ y técnicas del instrumento japonés, y las transmiten por medio de técnicas extendidas en el instrumento moderno, dando como resultado una pieza con sonoridades 2 Ignoring the spelling apparently:/Kuku in Swahili means chicken/Ku-ku is a type of clock made in the Black forest/Ku Ku means crazy/There are happy hens, ones that live on an organic farm, that have worms to eat and lay lots of eggs/The air is fresh and the handsome rooster caters for all their needs…/ There are other kinds of chickens,/ones that may have lost their mind, or their head!/Each day they do the same thing, they live in little boxes,/cluck, cluck… cluck, cluck. (Traducción de Daniela Peña Jaramillo). 6 del lenguaje contemporáneo académico, pero con un carácter contemplativo de base. El cubano Jorge López Marín (n. 1949) estudió sus primeros años de formación musical en su país natal, pero pronto emigró a la antigua Unión Soviética a estudiar composición y dirección con Aram Ilich Khachaturian, famoso por su Danza del sable, del valle Gayanéh y reconocido en el mundo académico como uno de los abanderados de la música nacional rusa que, para ese entonces, no era solo un matiz, sino una necesidad. Como menciona Vladimir Stasov en su ensayo de 1883 sobre la escuela rusa, uno de los pilares sobre los que se cimentó ésta es el carácter nacional de su música: Otro rasgo distintivo importante de nuestra escuela es la constante búsqueda del carácter nacional. Esto se remonta a Glinka, y continuó ininterrumpidamente hasta nuestros días. En ninguna otra escuela europea se puede hallar algo semejante: las condiciones históricas y culturales de los demás pueblos son tales que el canto popular –la expresión simple y espontánea de la musicalidad del pueblo– desde hace ya mucho tiempo prácticamente ha desaparecido en casi todos los países civilizados (…) En nuestro país las cosas pasan de un modo completamente diferente. Se escuchan canciones populares por todas partes, aún hoy. Cada mujik, carpintero, albañil, portero, cochero; cada aldeana, lavandera, cocinera, niñera, nodriza: todos llevan consigo los cantos populares de sus pueblos a San Petersburgo, a Moscú, a cada ciudad, y nosotros los oímos resonar a nuestro alrededor durante todo el año: estamos constantemente rodeados de ellos (Glinka, 1883, citado por Di Benedetto, 1982, p. 222). El caso de Cuba, y en general el de Latinoamérica, no dista mucho de la situación cultural en Rusia –aunque hay grandes diferencias en el aspecto geográfico– y es por esto que compositores de la generación de López Marín, como Leo Brouwer, deciden retratar la cultura cubana con medios de expresión académicos; La palabra, compuesta en 1983, no es la excepción. Al igual que las demás piezas que conforman este programa, ésta pretende una exploración tímbrica a partir de las técnicas extendidas, y el lenguaje melódico, armónico y rítmico de la música académica del siglo XX, pero se logran reconocer en ella algunos atisbos de la música popular cubana; ciertas células melódicas que recuerdan a canciones llevadas a los oídos de los compositores por aquellos personajes populares que cita Stasov. Maï trata, grosso modo, sobre el Heike monogatari (平家物語), en español como Cantar de Heike, una especie de epopeya del siglo XIII que narra el enfrentamiento de dos clanes de samuráis: el Genji y el Heike, o Tayra, 7 que es también el nombre del líder el clan de los Heike y que, como es común en la escritura japonesa, comparte el símbolo de representación gráfica y resulta en una serie de ramificaciones de significados que solo pueden darse en esta lengua: Tayra = 平; Heike = 平家 = Tayra + hogar). En un sentido más concreto, la pieza se comunica mediante un poema que pareciera ser una extracción ampliamente resumida del Heike monogatari, titulado La bataille de la mer (La batalla del océano), en la cual se narra la historia del general Kyotsum, quien dejó a su esposa para salvar a su ejército y se encuentra en un momento contemplativo, tocando su flauta (shakuhachi) antes de encontrarse con ésta (Christiensen, 2015, p. 50). La palabra Maï por sí sola podría significar muchas cosas: número de cosas delgadas; danza; todos los… (días, meses, años, etc.); ropa de lino, en fin; escrita en alfabeto latino, como se encuentra en la partitura, no queda claro si se trata, por ejemplo, de una traducción poética en la que las acciones de la epopeya se representan en una danza o si el compositor se refería a todos los [días], que podría ser la respuesta del general frente a su esposa cuando ésta le pregunta si en algún momento pensó en ella; lo que sí queda claro es que Ryō Noda logra traducir perfectamente la cultura japonesa en música, no solamente por medio de sonoridades y de tratar un instrumento moderno con las técnicas de uso ancestral, sino representando signos y significados de la lengua en clave musical. Para finalizar, la obra más joven del programa fue compuesta por Herman Fernando Carvajal (n. 1986), compositor, docente y saxofonista nariñense cuya obra se centra en utilizar ritmos colombianos de diferentes regiones (porro, bambuco, pasillo, etc.) como materia prima para realizar composiciones que hablen desde el idiomatismo del instrumento y de todas sus posibilidades técnicas. La Suite para saxofón solo consta de tres movimientos que representan el litoral atlántico colombiano: el fandango, la cumbia y el chandé; en los tres, los ritmos característicos y la arquitectura armónica y melódica tradicional son el eje, y se reconocen de manera inmediata. No obstante, no se trata de una narración de principio a fin, sino más bien de pequeñas células en donde se da cuenta de estos elementos, que, de repente se ven interrumpidas o relevadas por momentos en los cuales los recursos como el slap, los multifónicos y el slide buscan protagonizar el discurso. El momento cuando dichos recursos logran comulgar de manera más orgánica con el lenguaje tradicional es en la cumbia, en la que se indica que un ataque (soplo), es una imitación del maracón, que lleva la base rítmica y el gusto de dicho género. 8 Referencias Christiensen, M. (2015). A historical approach to interpreting select saxophone Works by Ryo Noda. (Disertación doctoral, Texas Tech University). Tomado de: https://ttu-ir.tdl.org/handle/2346/66137 Crockcroft. (1997). Ku Ku. Disponible en: https://barrysax.com/ composition/ku-ku/ Di Benedetto, R. (1982). Historia de la música: El siglo XIX - Primera parte. Madrid: Ediciones Turner, S.A. Raumberger, C., & Ventzke, K. (2001). Saxophone. Grove Music Online. Consultado el 22 de marzo de 2019. Disponible en: http://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/ gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-0000024670. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto. Samantha García Próximos conciertos en Popayán MARIO ARÉVALO, guitarra (Colombia) Jueves 7 de noviembre · 7:00 p.m. Templo San José de la ciudad de Popayán Con el apoyo de la Fundación Universitaria de Popayán y el Programa de Iniciación y Formación musical Informus PULEP: MMN255 LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira PULEP: HQF982. OTA770. XYA267. CYV981. IZX751 Foto. Juan Felipe Calderón Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 PULEP: WZY642. ADF704. RXM248. QGI573 Foto. Rafael Piñeros ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m.

Fundado por egresados de los conservatorios de París y de Lyon, el Cuarteto Diotima es una de las agrupaciones abanderadas de la música de nuestro tiempo. Con una trayectoria que ha incluido colaboraciones con compositores como Pierre Boulez y Helmut Lachenmann, Diotima cuenta con varias producciones discográficas y participaciones en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, como la Philharmonie y el Konzerthaus de Berlín y el Konzerthaus de Viena, entre muchos otros. En los tres conciertos que el cuarteto ofrecerá en Bogotá, interpretarán los seis cuartetos de Bela Bartók junto con los cuartetos de la compositora colombiana Carolina Noguera, entre ellos el estreno de su Cuarteto No. 3, obra comisionada por el Banco de la República. Este concierto también se presenta en: - Bogotá el miércoles 6 y domingo 10 de marzo en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. - Cali el jueves 7 de marzo en el Auditorio del Centro Cultural Comfandi con el apoyo de la Alianza Francesa, Comfandi y Fundación Hispanoamericana - En Armenia el viernes 8 de marzo en el Salón Colombia del Armenia Hotel con el apoyo de la Alianza Francesa y Pregoneros de la música

Fundado por egresados de los conservatorios de París y de Lyon, el Cuarteto Diotima es una de las agrupaciones abanderadas de la música de nuestro tiempo. Con una trayectoria que ha incluido colaboraciones con compositores como Pierre Boulez y Helmut Lachenmann, Diotima cuenta con varias producciones discográficas y participaciones en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, como la Philharmonie y el Konzerthaus de Berlín y el Konzerthaus de Viena, entre muchos otros. En los tres conciertos que el cuarteto ofrecerá en Bogotá, interpretarán los seis cuartetos de Bela Bartók junto con los cuartetos de la compositora colombiana Carolina Noguera, entre ellos el estreno de su Cuarteto No. 3, obra comisionada por el Banco de la República. Este concierto también se presenta en: - Bogotá el domingo 3 y 10 de marzo en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. - Cali el jueves 7 de marzo en el Auditorio del Centro Cultural Comfandi con el apoyo de la Alianza Francesa, Comfandi y Fundación Hispanoamericana - En Armenia el viernes 8 de marzo en el Salón Colombia del Armenia Hotel con el apoyo de la Alianza Francesa y Pregoneros de la música

Fundado por egresados de los conservatorios de París y de Lyon, el Cuarteto Diotima es una de las agrupaciones abanderadas de la música de nuestro tiempo. Con una trayectoria que ha incluido colaboraciones con compositores como Pierre Boulez y Helmut Lachenmann, Diotima cuenta con varias producciones discográficas y participaciones en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, como la Philharmonie y el Konzerthaus de Berlín y el Konzerthaus de Viena, entre muchos otros. En los tres conciertos que el cuarteto ofrecerá en Bogotá, interpretarán los seis cuartetos de Bela Bartók junto con los cuartetos de la compositora colombiana Carolina Noguera, entre ellos el estreno de su Cuarteto No. 3, obra comisionada por el Banco de la República. Este concierto también se presenta en: - Bogotá el miércoles 6 y domingo 10 de marzo en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango - Cali el jueves 7 de marzo en el Auditorio del Centro Cultural Comfandi con el apoyo de la Alianza Francesa, Comfandi y Fundación Hispanoamericana - En Armenia el viernes 8 de marzo en el Salón Colombia del Armenia Hotel con el apoyo de la Alianza Francesa y Pregoneros de la música

Foto: Florian Wagner HANSJÖRG ALBRECHT órgano (Alemania) Domingo 14 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: VGW197 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Florian Wagner HANSJÖRG ALBRECHT, órgano Hansjörg Albrecht es considerado hoy un osado franqueador de barreras musicales y un pensador no convencional. Como director, se ha forjado un camino propio cuyo trazado va entre el período Barroco y la contemporaneidad, entre los archivos y las nuevas creaciones. Como instrumentalista, su renombre de virtuoso se debe a sus transcripciones para órgano. Director, organista y clavecinista, Hansjörg Albrecht es director artístico del Coro y la Orquesta Bach de Múnich, agrupaciones fundadas por el legendario Karl Richter. También dirige regularmente el Bach Collegium, de Múnich, la orquesta del Teatro di San Carlo, de Nápoles, y el Carl-Philipp-Emanuel Bach Choir, de Hamburgo. Con estas agrupaciones, y en colaboración con orquestas invitadas, le ha aportado al concepto de programa de concierto perfiles muy novedosos y ha sido también invitado frecuente de auditorios y festivales europeos de renombre. Como director se ha desempeñado junto a intérpretes como Dorothee Oberlinger, Arabella Steinbacher, Fazil Say, Vesselina Kasarova, Simone Kermes, Michael Volle y Klaus Florian Vogt. También ha dirigido la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, de Turín; la Orquesta de la Toscana, de Florencia; la Prague Philharmonia; la Orquesta Sinfónica de Praga; la orquesta del Teatro Nacional de Brno; la Orquesta Sinfónica del Estado de Baviera; la Orquesta Sinfónica de la Radio Muniquesa; la Staatskapelle de Weimar; la Konzerthausorchester de Berlín; la Orquesta Sinfónica de Hamburgo; la Orquesta Filarmónica de la Radio Alemana; la Orquesta Filarmónica de Szczecin; la Orquesta de Cámara de Bruselas; la Orquesta de Cámara de Moscú; la orquesta barroca Elbipolis, y las agrupaciones de la Academia Bach, de Stuttgart. Además de sus actividades como director (en Múnich, Hamburgo, Berlín, Salzburgo, Roma, Nápoles, Bruselas, Varsovia, San Petersburgo, Moscú y Tokio, entre otras ciudades), Albrecht es un reconocido solista y músico de 2 cámara, y ha actuado con Abrecht Mayer, Reinhold Friedrich, Yaara Tal & Andreas Groethuysen y Jean Guillou. Ha actuado como organista en varios de los más celebrados auditorios y catedrales de Europa, Rusia, Japón y los Estados Unidos. También ha sido invitado especial de la Orquesta Filarmónica de Israel; de la orquesta de la Ópera de Los Ángeles; la Orquesta de Cámara St. Luke, de Nueva York; la Orquesta de la Suisse Romande; la Orquesta Sinfónica de Santa Cecilia, de Roma; la Camerata de Salzburgo; la Orquesta Filarmónica Checa; la Camerata Báltica, y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Albrecht nació en Freiberg, región alemana de Sajonia, e inició su formación musical cantando con el Kreuzchor de Dresde. Más tarde estudió dirección y órgano en Hamburgo, Lyon y Colonia. Aún durante sus estudios sirvió como organista asistente en la principal iglesia de Hamburgo, St. Michaelis, posición que mantuvo durante siete años. Luego trabajó intensamente durante varios años junto al cantante y director Peter Schreier, en calidad de asistente, organista y clavecinista. Si bien el nombre de Albrecht ha alcanzado reconocimiento mundial, sobre todo gracias a sus interpretaciones de Bach, sus programas de concierto abarcan un repertorio de muy amplio espectro y destacan inusuales conexiones entre obras. Su interés por nuevas composiciones se ha manifestado en el estreno de partituras de Thierry Escaich, Enjott Schneider, Philipp Maintz, Xiaogang Ye y Rodion Schtschedrin, entre otros. Con el sello discográfico Oehms Classics, Albrecht ha grabado más de veinte discos compactos, como director y organista, entre los que se cuenta la serie completa de las canciones orquestales del compositor romántico Walter Braunfels, ampliamente comentada por los medios, y también Der Ring Ohne Worte, de Richard Wagner, en la versión orquestal de Lorin Maazel, nominado para el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. En el 2013, Albrecht recibió una nominación al Premio Grammy en la categoría mejor solista instrumental clásico por su grabación de Los planetas, de Gustav Holst, en la transcripción para órgano de Peter Sykes. Su más reciente grabación de la Sinfonía Fausto de Liszt, transcrita para órgano solo por el mismo Albrecht, tuvo su lanzamiento en el verano de 2018. En el 2017, Albrecht completó una gira más por Japón junto a la Bach Orchestra, de Múnich. Dirigió también Don Giovanni en la Ópera de Dubai, en el marco de la interpretación completa del ciclo Da Ponte, de Mozart, así como una serie de El rapto en el serrallo, también de Mozart, en el Teatro di San Carlo, en Nápoles, con la legendaria producción de Giorgio Strehler, que 3 ese mismo año se presentó en La Scala, de Milán, bajo la batuta de Zubin Mehta. Además, recibió invitación para ofrecer conciertos en Moscú y Zúrich, así como recitales solistas en las salas Leipzig Gewandhaus, Berlin Philharmonie, Müpa Budapest, y en Rotterdam. Se estrenó como director con obras de Dvořák y Mozart en la sala Berlin Philharmonie. En diciembre del 2017 debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo con la interpretación del Oratorio de Navidad de J. S. Bach. Los actuales compromisos de su agenda incluyen conciertos en Berlín, Dortmund y la St. Stephen’s Cathedral, en Viena, y en las óperas de Bolonia, Cagliari y Brno, donde presentará la Sinfonía No. 2 de Mahler; también actuará en el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú, el Bach Fest de Ekaterinburg, el Festival de Zúrich, la Elbphilharmonie de Hamburgo y en la Mozart Week Salzburg 2019. Paralelamente a estas actividades, trabajará con la Orquesta de la Ópera de Bolonia, la Lautten Compagney de Berlín y la Händelfestspielorchester de Halle, por primera vez. 4 PROGRAMA Variaciones Goldberg, BWV 988 (1741) Aria Variación 1 Variación 2 Variación 3 Variación 4 Variación 5 Variación 6 Variación 7 Variación 8 Variación 9 Variación 10 Variación 11 Variación 12 Variación 13 Variación 14 Variación 15 Variación 16 Variación 17 Variación 18 Variación 19 Variación 20 Variación 21 Variación 22 Variación 23 Variación 24 Variación 25 Variación 26 Variación 27 Variación 28 Variación 29 Variación 30 Aria da Capo JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para clave con dos teclados Versión para órgano de Hansjörg Albrecht (n. 1972) CONCIERTO No. 16 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, no se permitirá el ingreso a la sala. Para una mejor audición, agradecemos aplaudir únicamente al final de la obra. 5 NOTAS AL PROGRAMA Uno de los procedimientos compositivos más populares y recurrentes en el Renacimiento y el Barroco fueron las ‘variaciones’ o ‘diferencias’ alrededor de una melodía o secuencia armónica. Si bien el término ‘tema y variaciones’ no aparece sino hasta finales del siglo XVIII para designar una forma musical específica, desde el XVI esta técnica alcanzó una gran popularidad entre intérpretes y compositores. Sébastien de Brossard (1655-1730) define así esta práctica en su Dictionnaire de musique que data de 1703: Llamamos ‘variaciones’ a las diferentes formas de tocar o de cantar un aire, bien sea subdividiendo las notas entre varias de menor valor, o bien agregándole elementos, etc., de manera que aun así se pueda siempre reconocer el fondo de esta aria, que llamamos el ‘simple’, a través de estos elementos que lo enriquecen y que algunos llaman ‘adornos’. […] Así mismo, por ejemplo, las diferentes coplas de las folías de España, de las chaconas, de las passacailles y en ocasiones de las gavotas, etc. son variaciones1. Brossard describe aquí las técnicas de la disminución2 y de la ornamentación –fundamentales en la música de esta época– como medios de expresión para el intérprete y como mecanismos eficaces de improvisación. Entre las danzas mencionadas por Brossard en su exposición, la folía, la chacona y la passacaille se destacan por la presencia de un bajo ostinato, es decir, una línea de bajo que se repite constantemente a lo largo de la obra. La improvisación, en ese caso, sucede sobre la progresión armónica que se infiere del bajo. Ambas formas de variación –‘alteración’ de una melodía por disminución u ornamentación, e improvisación sobre una progresión armónica– resultaron muy atractivas porque detrás de su relativa sencillez permitían a compositores e intérpretes lucir su creatividad, virtuosismo e ingenio en la dialéctica musical. Parte de este ingenio estaba en lograr mantener el interés en el discurso musical a pesar del carácter repetitivo de la forma, como lo señala Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) en su Dictionnaire de musique (1768, p. 531), en el que complementa la definición de Brossard diciendo: «[…] es necesario que el carácter de cada variación esté marcado por diferencias que mantengan la atención y eviten el aburrimiento»3. 1 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 2 Consiste en una subdivisión de los valores rítmicos en otros más pequeños, aumentando exponencialmente las posibilidades de una melodía. 3 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 6 Aunque esta forma de composición llamó la atención de músicos de la talla de Marin Marais (1656-1728), Arcangelo Corelli (1653-1713), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Antonio Vivaldi (1678-1741), Dietrich Buxtehude (1637-1707), Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Henry Purcell (1659-1695) o Johann Pachelbel (1653-1706), entre otros, es sorprendente que uno de los más importantes compositores del final del Barroco, Johann Sebastian Bach (1685-1750), apenas mostrara interés en este tipo de composiciones. Este hecho quedó consignado por Johann Nikolaus Forkel (1749-1818), el primer biógrafo de Bach, quien en su libro Über Johann Sebastian Bachs Leben, Kunst und Kunstwerke (Sobre la vida, el arte y las obras de Johann Sebastian Bach), publicado en 1802 (p. 105), afirma: «[…] a causa de la recurrencia de la misma armonía básica en todo momento, era una forma a la que hasta el momento había prestado poca atención»4. Por lo anterior, resulta sorprendente que, al final de su vida, Bach publicara un conjunto de variaciones bajo el título Aria mit verschiedenen Verænderungen vors Clavicimbal mit 2 Manualen (Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados), hoy conocidas como las Variaciones Goldberg, BWV 988 y publicadas en 1741. El resultado fue una obra monumental, única en su género, de la que también dijo Forkel: «Estas variaciones son el modelo sobre el cual tales composiciones deberían ser escritas, aunque nadie ha sido tan osado para intentar seguir los pasos de Bach»5. En efecto, habría que esperar casi un siglo para que un compositor de la talla de Ludwig van Beethoven (1770-1827) se aventurara en tal empresa cuando concibió las Variaciones sobre un vals de Anton Diabelli, terminadas en 1823. Forkel afirma en su biografía que la obra había sido un encargo del conde Hermann Carl Reichsgraf von Keyserlingk (1696-1764), embajador de Rusia en la corte del príncipe elector de Sajonia, quien la solicitó a Bach para que uno de los músicos de su corte, el clavecinista Johann Gottlieb Goldberg (1727- 1756), las tocara durante las largas noches de insomnio del conde, agobiado por su deficiente salud. La historia no convence a los musicólogos por diferentes razones; una de estas es que el joven Goldberg solo contaba catorce años, y otra es que la obra no está dedicada al conde6, sino a los que Bach llamó Denen Liebhabern zur Gemüths-Ergötzung verferdiget (aquellos enamorados 4 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 5 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 6 Si la obra fue un encargo del conde, lo más lógico hubiera sido que Bach lo mencionara en la dedicatoria —además porque el conde había intercedido para que Bach obtuviera el título de músico de la corte de Polonia—. 7 [de la música] para el deleite de sus espíritus), esto es, aficionados hábiles y apasionados por la música. La historia de Forkel alcanzó popularidad en el siglo XIX, momento en que la obra recibió el nombre de Variaciones Goldberg. Independientemente de la veracidad de esta historia, que alcanzó dimensiones de leyenda, lo cierto es que dentro de la producción de Bach esta obra tiene un carácter singular, como lo reconoce el mismo Forkel: «Como todas las composiciones de Bach en este periodo, las Variaciones son una obra de arte, y sin embargo, son el único ejemplar que nos dejó de esta forma»7. En este momento de su vida, Bach se desempeñaba como Kantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo que ocupó desde 1723 hasta el momento de su muerte. Este codiciado puesto y las numerosas funciones que implicaba (componer, enseñar, supervisar) no fueron impedimento para que el Kantor de Leipzig culminara obras tan importantes como el segundo tomo de El clave bien temperado BWV 870-893 (1744), además de uno de sus más importantes compendios para teclado: el Clavier-Übung (ejercicios para teclado), publicado en cuatro tomos. En estos se encuentran obras como el Concierto italiano, BWV 971 o la Misa alemana para órgano, BWV 669-689. A las publicaciones de 1734 (primer tomo), 1735 (segundo tomo) y 1739 (tercer tomo) Bach agregó una cuarta en 1741, en la que figuraban las Variaciones Goldberg. Bach: el arquitecto Las Variaciones Goldberg son, desde varios puntos de vista, un prodigio arquitectónico. Muchas páginas se han dedicado al análisis de esta estructura, y pese a algunas opiniones contradictorias, en lo que respecta a los rasgos generales del edificio, no hay desacuerdos. La obra consta de un aria (tema principal) seguida de treinta variaciones que terminan con la reexposición del aria. El tema principal consta de dos secciones que se repiten (AA-BB), cada una de dieciséis compases (para un total de treinta y dos compases) en sol mayor. Las variaciones también son bipartitas y se repiten (constan de dieciséis u ocho compases), en sol mayor (salvo las variaciones 15, 21 y 25, en sol menor). Acerca del origen del aria no hay consenso: se sabe que se encuentra en el pequeño libro de Ana Magdalena Bach de 1725, sin mención de autor –por lo que cabe la posibilidad de que no pertenezca a Bach–. Al analizar la relación entre el aria y las variaciones, resulta fácil concluir que el material temático de estas no proviene de la melodía del aria (ejemplo de variación melódica 7 Traducción al español realizada por Angélica Daza. 8 por disminución u ornamentación) sino de la línea del bajo, procedimiento similar al de una chacona o passacaille (salvo por la duración del motivo del bajo, ordinariamente de cuatro compases en una chacona). La base fundadora de treinta y dos compases del aria (dos secciones de 16 compases que se repiten) es desarrollada a lo largo de las variaciones que junto con el aria y su reexposición suman un total de treinta y dos (mismo número que los compases del aria inicial). Este tipo de ‘coincidencias’ matemáticas son frecuentes en la obra de Bach, para quien el respeto de la proporción y la armonía constituían la esencia de su pensamiento musical. Existen otras proporciones evidentes en la estructura de este edificio. Por ejemplo, la obra puede dividirse en dos grandes secciones, cada una de quince variaciones (incluyendo el aria). Esta idea se sustenta en el carácter de la variación 16, una obertura francesa, que da inicio a un ‘nuevo’ grupo de variaciones. Pero la estructura más notoria es la subdivisión ternaria según la cual cada tres variaciones hay un canon, en una gradación que va desde el unísono hasta la novena, así: variación 3 (canon al unísono), variación 6 (canon a la segunda), variación 9 (canon a la tercera), etc., hasta la variación 27, que es un canon a la novena. La variación 30 –a la que correspondería el canon a la décima– rompe este esquema al usar otra forma polifónica, el quodlibet, que es un contrapunto entre dos melodías populares, técnica osada pero que era común en la época y a veces usada entre los músicos como una forma de juego o broma musical8. Las demás variaciones contenidas en los grupos de tres demuestran semejanzas: las primeras variaciones de cada grupo (1, 4, 7, etc.) pueden ser danzas (courante, passepied, giga), pequeñas fugas o, como en la variación 16, una obertura. Las segundas variaciones de cada grupo (variaciones 2, 5, 8, etc.) son diferentes: son obras libres que se asemejan a fantasías o tocatas, en donde Bach despliega todo su ingenio contrapuntístico. El cruce de manos es especialmente notable en este tipo de variaciones, mucho más virtuosas. Después de la última variación se retoma el aria principal, y es frecuente que algunos intérpretes marquen una pequeña diferencia, bien sea omitiendo una repetición, agregando un ornamento o variando el tempo para marcar el carácter conclusivo de esta última aparición del aria. 8 Las melodías, de procedencia sajona, han sido identificadas como Kraut und rüben, haben mich vertrieben. Hatt mein Mutter fleisch gekocht, so war ich länger blieben (Los repollos y los nabos me han hecho huir. Si mi madre hubiera cocinado carne, me habría quedado más tiempo) y Ich bin so lang nicht bei dir gewest; Ruck her, Ruck her, Ruck her (Hace tiempo que no he estado contigo; vuelve, vuelve, vuelve). Aunque en la partitura Bach fue muy explícito en mencionar un clave de dos teclados, la obra se ha hecho famosa por las interpretaciones que se han realizado al piano9, a pesar de las dificultades que implica adaptar las variaciones que exigen el uso de los dos teclados. En el concierto de hoy escucharemos una adaptación al órgano, instrumento que cuenta con varios teclados, y aunque estos no funcionan igual que los del clavecín, aportan otras ventajas a la interpretación de esta obra magistral. Glosario Contrapunto: técnica de composición musical que analiza las relaciones entre varias voces ‘nota contra nota’, buscando un equilibrio armónico. Canon: técnica del contrapunto en la que dos o más voces se imitan entre sí con la distancia de un intervalo preciso. Fuga: técnica del contrapunto en que varias voces entran en forma sucesiva como ‘persiguiéndose’ o ‘imitándose’. Bibliografía Brossard de, S. (1703). Variation. Dictionnaire de musique, contenant une explication des termes grecs, latins, italiens, et françois les plus usitez dans la musique. París: C. Ballard. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ ark:/12148/btv1b8623304q/f70.item.zoom Forkel, J. N. (1802). Johann Sebastian Bach. His Life, Art and Work (traducido del alemán por Charles Sanford). New York: Brace and Howe, 1920. Recuperado de http://www.gutenberg.org/files/35041/35041-pdf.pdf Rousseau, J. J. (1768). Variation. Dictionnaire de musique. París: Chez la veuve Duchesne. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k850406b/f333.image Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora con la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y con la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 9 En especial la del famoso pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982). PULEP: ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. QGI573 PULEP: ZZP911. ZDC824. TAG250. HQF982. OTA770 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Foto. Rodrigo Iván Díaz Foto. Daniel Molano TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000 JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto JUAN MANUEL MOLANO, guitarra Jueves 25 de abril · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ELVIS DÍAZ, arpa llanera Domingo 28 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali

Foto: Fabián Guevara Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 ELVIS DÍAZ arpa llanera (Colombia) Zahira Noguera, cuatro Iván Vacca, bajo Andrés Dueñas, percusión Martes 23 de abril de 2019 · 7:30 p.m. Ipiales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: UCH658 Domingo 28 de abril de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ZDC824 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ELVIS ALEJANDRO DÍAZ PIRABÁN, arpista Hace trece años tuvo el privilegio de escuchar los sonidos emitidos por un instrumento ejecutado por niños de aproximadamente once años, su edad en ese entonces; instrumento que hasta ese día era desconocido para él. Sus angelicales notas envolvieron sus sentidos y lo llevaron a la decisión de aprender a interpretarlo. Comenzó en la Academia Llano y Joropo de Hildo Ariel Aguirre, donde aprendió a interpretar, amar y hacer parte de su vida, sus sentidos, su cuerpo y su diario caminar el arpa, ese gran instrumento que emite hermosas notas musicales y lo ha llevado por un largo trasegar. Desde que empezó su carrera musical, Julia Salvi ha sido uno de sus más grandes apoyos. Ella lo hizo partícipe del Festival Internacional de Música de Cartagena, evento en el que se ha presentado en cuatro ocasiones como joven talento y artista invitado. Actualmente, estudia arpa llanera en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas –ASAB–, lugar a donde llegó con esfuerzo y gracias a María Clara Alarcón, quien le enseñó las bases de la teoría musical y del arpa celta. Su actual maestro, William Castro, le ha dado a conocer el ‘más allá’ del arpa llanera, le ha dado mil y un motivos para tocarla y para hacer del arpa un instrumento con el que se puede interpretar cualquier género musical. Fue elegido por la Fundación Salvi, institución organizadora del Festival Internacional de Música de Cartagena, y por su director artístico, Stephen Foto: Fabián Guevara 2 Prutsman, como Joven Talento del Festival, siendo esta la primera vez que el arpa folclórica se hacía presente en este gran evento. Como artista invitado a la séptima versión del Festival Internacional de Música de Cartagena, realizó tres conciertos junto con el clarinetista italiano Gabriele Mirabassi y con Juan Carlos Contreras, intérprete de cuatro llanero. Asimismo, hizo parte de un ensamble que fusionó la música llanera y colombiana con el jazz en el 2013 en el Claustro La Merced, la Plaza La Trinidad del barrio Getsemaní y en la Sociedad Portuaria en Cartagena. El mismo año, junto con Juan Carlos Contreras, Gabriele Mirabassi y Mario Criales, intérprete de contrabajo, integró el Ensamble AGILE, agrupación con la que se presentó en el lanzamiento del Festival de Cartagena en Europa con presentaciones en France-Amériques en París; en el Auditorio Santa Cecilia de Perugia, Italia; en la Sala del Grillo ‘Giardino di Pinocchio’ en Collodi, Toscana (Italia); y en la Sala Verdi, Fondazione APM en Saluzzo, Italia. En los años 2017 y 2018, Díaz realizó una gira de conciertos como arpista del Ensamble AGILE junto con Mario Criales, Antonio Arnedo (saxofón) y Zahira Noguera (cuatro), participando en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, en Infrasuoni en Vergato (Italia) y en la décimo segunda versión del Festival de Música de Cartagena. Elvis Díaz actuará con el acompañamiento de Zahira Noguera (cuatro), Iván Vacca (bajo) y Andrés Dueñas (percusión). 3 PROGRAMA Cuando la llanura despierta (s. f.) / Morichal sombrío (s. f.) RENÉ DEVIA (n. 1950) Diana Carolina (1994) WILLIAM CASTRO RUEDA (n. 1975) Pétalos de Margarita (2002) HILDO ARIEL AGUIRRE DAZA (n. 1965) Señora Julia (2014) ELVIS DÍAZ (n. 1994) Llano apureño (s. f.) / Romance del Caney (s. f.) JUAN VICENTE TORREALBA (n. 1917) Variaciones sobre chipola (2000) DARÍO ROBAYO SANABRIA (n. 1959) INTERMEDIO Colores (2018) ELVIS DÍAZ Itinerante (2015) Pajarillo pico de oro (s. f.) / Cuando el alcaraván canta (s. f.) MARIO TINEO PEROZA (n. 1957) Entre cuerdas (s. f.) ÉDMAR CASTAÑEDA (n. 1978) Influencias (2014) ELVIS DÍAZ CONCIERTO No. 18 4 NOTAS AL PROGRAMA La historia del arpa en los llanos orientales colombianos es relativamente reciente. Los músicos y conocedores del tema afirman que fue David Parales Bello quien, de niño, en una temporada que pasó en el estado Apure aprendió a tocarla de manera empírica cuando su familia fue desplazada por la violencia partidista de la década de 1950. A la casa paterna en el vecino país llegaban arpistas los fines de semana a hacer parrandas y David se enamoró del sonido del instrumento viendo tocar a los venezolanos. En 1959 la familia volvió a Arauca, donde continuaron las parrandas caseras con arpistas venezolanos invitados. Se dice que el joven construyó su primera arpa y luego empezó a encargar instrumentos, iniciando así la tradición de la lutería del arpa, hasta entonces prácticamente desconocida en el medio popular colombiano. En concordancia con lo anterior, Carlos Rojas afirma que la música llanera se tocaba de maneras diferentes según el lugar, con formatos disímiles en su conformación, pero unificados por la práctica del joropo y el pasaje: en Arauca, se tocaba con bandolín, cuatro y maracas; en la subregión casanareña con un par de tiples modificados en su encordado y afinación (que llaman bandolón y guitarro); hacia el Meta, el asunto era con tiple y bandola. Incluso se escuchaban joropos con violín, sirrampla, furruco y carrasca. En Venezuela misma había grupos de bandola, cuatro y maracas; hacia el centro, había quienes lo interpretaban con arpa, maracas y un cantador; en el estado de Lara había joropo con tamboras o conjuntos de solo cuatros. [La práctica musical que llega con Parales] no era el joropo que tocaban mi papá y mi tío, con tiples y bandolas, más cercano a la música andina, sino el de arpa. Rojas también comenta que el instrumento era y sigue siendo una importante referencia, en parte por la novedad y por sus posibilidades sonoras, y en parte por su innegable auge en la industria discográfica venezolana. «Cuando tenía 10 o 12 años, yo quería el arpa, no la bandola de mi papá». Así se cuecen las tradiciones locales, no solo a través de prácticas supuestamente centenarias y de origen colonial o en la primera república, sino también mediante la adopción de ‘novedades extranjeras’. Además, es indudable que en esas décadas de 1960 y 1970, cuando estaban conformándose los relatos de las identidades regionales y locales en Colombia, los músicos llaneros vinculados a la industria y al circuito de festivales a ambos lados de la frontera deseaban no parecerse a ‘lo andino’ para, valga la contradicción, 5 terminar adoptando ‘lo venezolano’1. La preponderancia de este instrumento se consolidó en las décadas de 1970 y 1980, y lo hizo con tal fuerza que volvió el joropo impensable sin él. «Es el que más se presta para la música llanera, porque tiene acompañamiento y melodía al mismo tiempo. Solo con un arpa se puede hacer una fiesta», dice Parales. De este modo, el arpa se entronizó como símbolo de la música llanera y de su cultura, dando lugar al surgimiento tanto de academias y centros regionales para su enseñanza, como de una pléyade de instrumentistas de alto nivel, algunos de los cuales escucharemos hoy por medio de sus obras. Entre los arpistas de origen venezolano se nos presentan diferentes estilos y épocas. Juan Vicente Torrealba Pérez (n. 1917) es uno de los creadores y difusores del denominado pasaje estilizado, un estilo mejor recibido por la industria discográfica y del turismo, ya que la forma ‘recia’, con sus voces nasales y melodías en cortos motivos rítmicos, carecía de aceptación. Fue y sigue siendo tal el éxito de esta decisión comercial que entre los músicos se habla del estilo torrealbero. Para ilustrar lo referido inicialmente en estas notas, presentamos a René Devia (n. 1950), quien dice de su proceso musical: «… por los años 64 y 65 ya empezaba a perfilarme como un músico inquieto y con ganas de alcanzar grandes metas, ya que demostraba tener ese interés y amor por la música, con la que me inicié tocando el tiple, la guitarra, y el cuatro venezolano al mismo tiempo que hacía mis propias composiciones musicales». El interés por el arpa llegó después. Fundador del grupo Los Vaqueros, formó parte de la parrilla del programa radial Nocturnal Colombiano, inició una serie de producciones fonográficas, fundó una academia musical, emprendió giras internacionales, retornó y estableció un restaurante-show llanero, para finalmente radicarse en los Estados Unidos, donde divulga la música latinoamericana con el arpa y los instrumentos llaneros. Mario Tineo Peroza (n. 1957) es uno de los más insignes arpistas araucanos; desde los 18 años viene recibiendo reconocimientos y premios por su trabajo con la música llanera y ha participado en la grabación de más de 350 trabajos discográficos. Según Tineo, la música llanera se divide en cuatro modalidades: el pasaje, el vals, la tonada y el joropo, conocido popularmente como la música recia; es esta última la que despierta su interés y pasión. Algo que es evidente en diferentes versiones 1 Recomiendo consultar el libro El arpa llanera y su tradición en el Torneo Internacional del Joropo, de Doris Arbeláez Doncel, quien con esta publicación obtuvo el premio «Reconocimiento en música a productos de investigación finalizada» del Ministerio de Cultura, en el año 2016. 6 de los dos pajarillos que forman parte de este programa, y pareciera que pertenece al estilo de su compositor, es que no presentan los característicos pasos a la tonalidad mayor y solamente en el final usan la cadencia frigia para terminar en la dominante. De la misma década de 1950 es Darío Robayo Sanabria (n. 1959), de Cumaral, Meta. Se le reconoce como gran impulsor de aquello que sucedió en el final de la década de 1970, cuando la música llanera se abría camino en Bogotá y otros centros urbanos colombianos por fuera de su contexto local de desarrollo. Se hizo habitual de restaurantes como Los Centauros y de los espacios radiales que poco a poco empezaron a gestarse en emisoras como Radio Sutatenza, Radio Santafé o la Emisora Mariana. Estando en Bogotá, se preocupó por mejorar sus capacidades con estudios realizados en la Academia Luis A. Calvo y con la asesoría de algunas amistades, entre ellas la de Samuel Bedoya Sánchez, quien se preocupó y realizó notables aportes en la sistematización y pedagogía de músicas tradicionales y populares de Colombia. Hildo Ariel Aguirre Daza (n. 1965) lleva casi tres décadas dedicado a la formación de instrumentistas y cantantes en su academia, y se constituye en un referente tanto en la docencia como en la composición. Su quehacer pedagógico lo ha llevado a desarrollar obras que no están basadas en un género particular, que se asemejan a un estudio o un preludio y que presentan novedades técnicas tomadas de otros instrumentos. William Castro Rueda (n. 1975), bogotano, es el profesor de Elvis Díaz en un conocido programa universitario. Egresado como arpista instrumentista clásico, se especializó en orquestación e instrumentación y luego hizo un posgrado en pedagogía musical al tiempo que desarrollaba su formación en el arpa llanera bajo la tutela de profesores como David Parales Bello, Pedro Simón Romero y Mario Tineo, y en el cuatro llanero con Isaac Tacha Niño, Cecilia Rueda y Carlos Arturo Flores. Esta variopinta y sólida formación le permite cumplir múltiples roles y figurar en diversos espacios: cuenta con más de 60 trabajos discográficos, se destaca en manejar diferentes géneros musicales en su instrumento, y ha acompañado artistas de reconocimiento regional, nacional y mundial. El caso de Édmar Castañeda (n. 1978) es sintomático de una de las tendencias actuales y de las posibilidades para los instrumentistas que buscan desmarcarse del entorno ‘cerrado’ de los instrumentos locales. Bogotano también, residente en Estados Unidos, se dedica a sus propias composiciones y a experimentar con elementos del jazz en músicas locales latinoamericanas. Comenzó a tocar el arpa a los trece años, por influencia paterna, y a mediados de la década de 1990 se trasladó a Nueva York, donde estudió trompeta de 7 jazz, antes de reanudar sus estudios con el arpa, logrando una verdadera fusión de prácticas y lenguajes. Es, sin duda alguna, uno de los principales referentes del arpa en espacios de la llamada world music. Finalmente tenemos, como era de esperarse, a nuestro arpista de este concierto, Elvis Alejandro Díaz Pirabán (n. 1994), quien es reconocido en los diferentes estilos y prácticas ya reseñados. Se mueve a ciencia y sapiencia en los vericuetos técnicos del instrumento y combina acertadamente lo que considera mejor de cada tradición a la que se ha enfrentado. Estudiante destacado del instrumento; sus composiciones continúan esa nueva tradición de ampliar el lenguaje y las posibilidades tanto de la música como del arpa, tomando elementos de diversas fuentes y uniéndose así al desarrollo local. Manuel Bernal. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. 8 PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Miércoles 3 de julio de 2019 · 7:30 p.m. Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: ZDK725 Con el apoyo de Foto. Janosch Hugi TEMPORADA 2019 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN IPIALES JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO jazz (Colombia) Domingo 5 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Cúcuta ANA MARÍA RUGE, soprano (Colombia) Miércoles 15 de mayo · 7:30 p.m. PÁRAMO, quinteto de jazz (Colombia) Domingo 19 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Manizales, Pasto y Villavicencio OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo · 11:00 a.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto PULEP: ZVW301. WZY642. ADF704. RXM248. TSH296 JONATHAN ROSERO, saxofón Jueves 9 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán LOS TAITAS, trío de jazz Jueves 16 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Cartagena y Santa Marta COLORÍN COLORADO música tradicional colombiana Jueves 23 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Armenia y Cali CORRIENTES nueva música colombiana Jueves 30 de mayo · 7:30 p.m. Este concierto tambíén se presentará en Montería y Sincelejo CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. PULEP: TAG250. HQF982. OTA770. XYA267. CYV981. IZX751. Foto. Rodrigo Iván Díaz Foto. Rodrigo A. Velásquez Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en TEMPORADA 2019 - PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES $6.000 SERIE PROFESIONAL $10.000

Concierto monográfico dedicado al compositor Germán Darío Pérez. Este compositor colombiano, recibió formación desde muy temprana edad con profesores como Arturo Puentes y Ruth Marulanda; estudió en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional donde dio sus primeros pasos en composición con la ayuda de maestros como Blas Emilio Atehortúa. Sus experimentos tempranos, realizados sobre la base de un conocimiento solido del folclor colombiano, pasaron a ser un punto de partida y referencia obligada para lo que se denominaría después como una nueva expresión de la música colombiana, y posteriormente se bautizaría con el nombre de “Nueva música colombiana”.

Este concierto celebra la música del compositor Marc Mellits. Mellits, nacido durante 1966 en Maryland Estados Unidos. Mellits es uno de los principales compositores de su generación, su estilo musical único es una combinación ecléctica de ritmos enérgicos, lirismo arrollador y orquestaciones llenas de color, que genera una comunicación directa con el escucha. Mellits es cofundador y miembro activo del Common Sense Composer's Collective, grupo que tiene como objetivo la búsqueda de nuevas maneras de colaborar con toda clase de ensambles. Es director y teclista de su propio ensamble, The Mellits Consort, dedicado a la interpretación de su música. Gracias al trabajo de este grupo, Mellits recibió en 2004 el premio de la Foundation for Contemporary Arts.

Foto: Pedro P. Pachón OSCARYVAN GARZON TRÍO jazz (Colombia) Domingo 26 de mayo de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: RXM248 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Pedro P. Pachón OSCARYVAN GARZON TRÍO Oscaryvan Garzón, piano y teclado Diego Pascagaza, contrabajo Juan Camilo Anzola, batería Oscaryvan Garzon Trío es uno de los proyectos musicales más consolidados del jazz colombiano en la actualidad. Liderado por Oscaryvan Garzón en el piano y el teclado, cuenta con la participación de Diego Pascagaza en el contrabajo y Juan Camilo Anzola en la batería. Entre sus actuaciones en diversos escenarios y festivales a nivel nacional e internacional, se destaca su reciente participación en el Festival Sumaq, en Lima (Perú), y en el festival Pastojazz en el 2018, así como sus presentaciones en el VI Festival Internacional de Jazz en Villa de Leyva en el 2016, el XXVII Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre y el XX Festival Jazz al Parque en el 2015. Oscaryvan Garzon Trío ha sido merecedor de importantes reconocimientos, como el del ciclo de conciertos Música con Tempo Colombiano, que le otorgó el Ministerio de Cultura en el 2015. Cumbre y asfalto es su más reciente producción discográfica realizada bajo el sello Masái. 2 PROGRAMA Oscayvan Garzon Trío presentará una selección de las siguientes obras. Las obras interpretadas serán anunciadas al público durante el concierto. Viejo Lechu (2006) JUAN CAMILO ANZOLA CARO (n. 1981) Oí negra (2014) OSCARYVAN GARZÓN (n. 1980) Tender Love (2015) For Denisse (2013) Jazzambuco (2018) Cumbre y asfalto (2014) Sea & Groove (2017) La Séptima (2013) CONCIERTO No. 25 Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado, se dará ingreso de acuerdo con las indicaciones que para ello brinden los artistas. 3 NOTAS AL PROGRAMA El rey de los tríos Dentro del amplio crisol de los tríos en el jazz, los más recordados, icónicos y memorables son quizás aquellos en los que el piano es el gran personaje. Antes de que el trío de piano, bajo y batería se consolidara como el más representativo en el género, existieron otros que de alguna manera abonaron el terreno aunque, sobra decirlo, desde el formato ofrecían dinámicas completamente diferentes a las del trío clásico. Fue así como en 1927, el famoso pianista y trompetista Bix Beiderbecke sorprendió con el trío de piano, guitarra y saxofón, que luego popularizó. En esa misma línea, el controvertido Jelly Roll Morton grabó los primeros tríos de piano, clarinete y batería, que a la postre se hicieron muy famosos en manos de Benny Goodman, Teddy Wilson y Gene Krupa. A partir de la década de 1930, el trío de piano, guitarra y contrabajo hizo su aparición a través de algunas grabaciones de Art Tatum y Nat ‘King’ Cole. Por muchos años reinaría este formato, hasta que el pianista Erroll Garner registró sus primeros discos a mediados de los años cuarenta. Con Garner, el que hoy conocemos como trío clásico se convirtió en un ícono del jazz, que tuvo como protagonistas, entre otros, a Bud Powell, Duke Ellington, Thelonious Monk, Hank Jones, Ahmad Jamal y Oscar Peterson. Hasta aquí, la historia dice –y las grabaciones lo confirman– que en este trío el piano dirigía, proponía e improvisaba, mientras que el contrabajo y la batería acompañaban. Solo hasta la década de los sesenta, con la irrupción del genial Bill Evans, el formato ‘rey’ alcanzó un desarrollo estilístico que aún hasta nuestros días es replicado y recordado con cierta veneración. Basta ir al álbum Everybody Digs Bill Evans (1958) para corroborar que el malogrado pianista, junto al contrabajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian, en plena efervescencia del hard bop ya proponía otras sensibilidades y posibilidades interpretativas, volcadas, en el caso del pianista zurdo, al ímpetu contenido y al impresionismo elegante y cadencioso. En los últimos treinta años, el mundo se ha rendido ante los hegemónicos tríos de Keith Jarrett y Brad Meldhau, que, de alguna manera impuestos por la crítica especializada y reverenciados por el público, no han podido opacar expresiones variopintas que van desde el funk experimental de Medeski, Martin & Wood, y la lectura insólita del pop propuesta por The Bad Plus hasta 4 el clasicismo preciosista de Enrico Pieranunzi, Stefano Bollani y Fred Hersch, que contrasta con el experimentalismo provocador de Misha Mengelberg, Cecil Taylor o Matthew Shipp. Entre estos extremos encontramos la fuerza turbulenta de Marilyn Crispell y Myra Melford, el racionalismo de Vijay Iyer, el posmodernismo de Uri Caine y el repaso comprometido del hip hop que hacen Jason Moran y Robert Glasper. ¿Y en Colombia? En la vaga historia del jazz colombiano, el trío de piano, contrabajo y batería ha brillado por su ausencia. No existen registros de prensa ni fonográficos que adviertan la presencia de este formato antes de la década de los setenta. Solo hasta la publicación en el 2010 del libro Jazz en Bogotá fue posible conocer públicamente el trabajo de Armando Manrique ‘Manricura’, un pianista guajiro que dejó para la posteridad una serie de grabaciones realizadas en el interior del bar Hippocampus, en 1975, junto a Armando Escobar en el bajo y Javier Aguilera en la batería. Jazz vals, la inédita pieza incluida en un disco que acompañó al libro, es quizás el vestigio más antiguo de un trío de esta naturaleza en Colombia. Con el lanzamiento del álbum Portrait in White and Black del pianista Héctor Martignon en 1996, la cuenta pendiente empezó a saldarse. Aparecieron, entonces, las correrías discográficas de Manuel Borda, Darío Torres, Adrián Herrera y Juan Sebastián Monsalve, quien publicó en el 2008 Raga que zumba, junto a la pianista Adriana Vásquez. Cabe resaltar la reciente aparición del bogotano Felipe Rey y dos tríos liderados por bateristas: Los Taitas –que ya estuvo presente este año en la Sala de Conciertos– y la sorprendente propuesta que desde Medellín conduce Santiago Restrepo. Si bien los antecedentes han sembrado semilla en tierra infértil, el protagonismo del mentado formato resulta todavía incipiente en la actualidad de nuestro jazz. Por eso hay que resaltar la presencia del trío de Oscaryvan Garzón en este recinto. Nacido en Bogotá a finales de los años setenta, Oscaryvan Garzón inició muy temprano la práctica del piano. En la adolescencia estuvo expuesto a la salsa y al rock, géneros que no dejó de lado cuando descubrió el arte de la música improvisada. El trío que lidera desde el 2018 conjuga cierta densidad rockera, materiales rítmicos del jazz afrocubano, el lirismo de Bill Evans, guiños al impresionismo francés y la audacia soterrada –a veces tan nostálgica– de Brad Mehldau. 5 Notas al repertorio Salvo la indicada con un asterisco, las piezas que interpretará el trío de Oscaryvan Garzón esta mañana fueron incluidas originalmente en el disco Cumbre y asfalto (2016). Acerca de ellas, el pianista nos contó lo siguiente: For Denisse: «Se trata de una obra inspirada en mi esposa. Inicia con una introducción para piano solo, con tintes virtuosos y ligeros, seguida de una samba con una armonía dinámica. Quise reflejar dos de las virtudes, creo yo, más importantes de ella: su dulzura y su humor espontáneo». Cumbre y asfalto: «Este es un blues que nació una mañana cualquiera mientras trotaba en un parque de la localidad de Chapinero. Aquí la inspiración se la debo a dos hechos: a la audición atenta del disco Maiden Voyage de Herbie Hancock y a la contemplación del barrio, los Cerros Orientales y, en general, Bogotá, la ciudad en la que vivo». Oí negra: «Este es un homenaje a la cultura de la bella y olvidada región del Pacífico Sur colombiano. Aquí, un currulao se aleja de lo tradicional gracias al aporte rítmico de Juan Camilo Anzola, quien, a pesar de no contar con instrumentos autóctonos del género, logra darle a esta pieza el movimiento y la cadencia binaria características de este ritmo». Tender Love: «¡Es mi preferida! La empecé a componer durante el Festival de Música de Cartagena, donde recibí una bella noticia: ¡iba a ser papá! Recuerdo que ese día, junto a mí se encontraban los maestros Antonio Arnedo y Enrico Pieranunzi, además de algunos estudiantes de piano que, con abrazos y lágrimas en sus ojos, acompañaron mi alegría. Siempre al escuchar o interpretar esta pieza es inevitable que venga a mi mente el recuerdo de esos momentos: el mar, el festival y la música del álbum Racconti Mediterranei de Pieranunzi». La Séptima: «Mi primera composición de jazz fue la que menos tiempo me tomó en culminar. Me inspiré en la carrera Séptima, esa emblemática avenida bogotana que transito todos los días desde hace ya quince años». Sea & Groove: «Fue durante unas vacaciones con mi esposa y mi hija, en una playa de Panamá, que vino a mis oídos una melodía que nunca antes había escuchado. Me sorprendió darme cuenta de que era mi hija de dos años la que cantaba esa música espontánea. Afortunadamente, mi esposa, que casualmente grababa el sonido del mar justo en ese momento, registró la melodía que luego convertí en una pieza con bastante sabor funky». 6 Jazzambuco*: «Esta es la obra más reciente que he compuesto para el trío. Se trata de una composición inspirada en El bambuco Op. 14 del venezolano Manuel María Párraga (1826-1925). Este ensayo sobre los aires populares neogranadinos es, para mí, una de las piezas para piano más exigentes desde el punto de vista técnico. La adaptación que hacemos desde el trío le añade una variante rítmica –el 5/4– a la tradicional métrica binaria del bambuco». Audiciones recomendadas Adrián Herrera Trío. (2012). Ofrenda. Edición del autor. Bill Evans. (1961). Sunday at the Village Vanguard. Riverside. Darío Torres. (2011). Cosmos. Edición del autor. Duke Ellington. (1963). Money Jungle. United Artists Records. Erroll Garner. (1945). Serenade to Laura. Savoy Jazz. Felipe Rey. (2016). Equilátero. Edición del autor. Héctor Martignon. (1998). Portrait in White and Black. Candid Records. Juan Sebastián Monsalve Trío. (2008). Raga que zumba. MTM. Manuel Borda Trío. (2001). Imágenes. Edición del autor. Oscaryvan Garzón Trío. (2016). Cumbre y asfalto. Masái. Santiago Restrepo Trío. (2014). Indefensión. Edición del autor. Thelonious Monk. (1954). Thelonious Monk Trio. Prestige. Luis Daniel Vega. Es periodista y ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Desde el 2012 escribe notas al programa para los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En el 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. PULEP: XYA267. CYV981. IZX751. ZZP911. JFJ761. XCL642. CPF877. LLL233. OAX481. ZNU727. NNV218 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ DAS KOLLEKTIV flauta y acordeón Jueves 18 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés MANUEL ARANGO PÉREZ, piano Jueves 25 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot e Ibagué DANIEL SANTIAGO GUERRERO, flauta Jueves 29 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja ALEXA CAPERA RIVEROS corno francés Jueves 5 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto YINETH URQUINA cantante Jueves 12 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva CORO FILARMÓNICO INFANTIL Sandra Patricia Rodríguez, directora Domingo 9 de junio · 11:00 a.m. DIEGO LARGO, bandola Jueves 13 de junio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira REPROGRAMADO JUAN MANUEL MOLANO, guitarra jueves 20 de junio · 7:30 p.m. REPROGRAMADO PALO E’ROSA cuarteto de percusión jueves 4 de julio · 7:30 p.m. SARA SIERRA, piano Jueves 11 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín CORRIENTES nueva música colombiana (Colombia) Jueves 30 de mayo de 2019 · 7:30 p.m. $6.000 SERIE PROFESIONAL PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ PULEP: QGI573. TSH296. RBP923. BFV997. RVI578. RNR558. UVG524. YJT599. ZWU837 Foto: Terry Vaught ALEXIS DESCHARMES y ALEX GREFFIN KLEIN violonchelo y violín (Francia) Domingo 25 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Honda Con el apoyo de la Embajada de Francia en Colombia, el Institut Français y la Organisation Internationale de la Francophonie DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre · 11:00 a.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín NUEVO CONCIERTO ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y en colaboración con novavetera PFLANZPLÄTZ música tradicional suiza (Suiza) Domingo 7 de julio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ipiales y Villavicencio Con el apoyo de la Embajada de Suiza en Colombia y Pro Helvetia ENSAMBLE SINSONTE música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 14 de julio · 11:00 a.m. NUEVO CONCIERTO CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto · 7:30 p.m. PAUL BROCK BAND música tradicional irlandesa (Irlanda) Domingo 16 de junio · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Cúcuta y Pasto $10.000 CUARTETO ATTACCA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Miércoles 14 de agosto · 7:30 p.m. Foto. Marco B PULEP: RVI578 orggreve · PULEP: TSH296 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en SERIE PROFESIONAL NUEVOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ ALEXANDRE THARAUD piano (Francia) Miércoles 19 de junio · 7:30 p.m. Con el apoyo de Institut Français y en colaboración con novavetera J. P. RAMEAU: Selecciones de la Suite en la menor, RCT 5. C. DEBUSSY: Hommage à Rameau de Images, L. 110 . L. VAN BEETHOVEN: Sonata para piano No. 31 en la bemol mayor, Op. 110. M. RAVEL: Sonatina, M. 40. R. HAHN: Selecciones de Le rossignol éperdu, IRH 84. M. RAVEL (transcr. Tharaud): La valse, M. 72. C. SHAW: Entr’acte; Valencia. J. ADAMS: selecciones de John’s Book of Alleged Dances. F. SCHUBERT: Cuarteto de cuerdas No. 14, D. 810 ‘La muerte y la doncella’. $10.000

Concierto que celebra la música de Juan Antonio Cuellar. Este compositor bogotano, inició sus estudios profesionales en la década de los ochenta con los maestros Karol Bermúdez y Luis Torres Zuleta. En 1985 ingresó a la Universidad Pedagógica nacional y tres años más tarde a la Universidad Javeriana, donde estudió composición con Guillermo Gaviria y piano con Radostina Petkova; en 1996 ingresó al programa de maestría de composición en Indiana University gracias a una beca Fulbright y en 1998 fue merecedor del Indiana University Chancellor’s Fellowship, distinción que le permitió concluir sus estudios de doctorado en composición en la misma universidad. Paralelamente a su labor como compositor, el maestro Cuellar ha sido profesor de área de teoría y composición de la Unviersidad Javeriana y en Indiana University.