Este concierto no se realizó por cierre de los espacios culturales del Banco de la República con motivo de la expansión del contagio del COVID-19 y atendiendo los lineamientos del gobierno colombiano. En el momento en que se retome la programación, se dará a conocer la información sobre su reprogramación. El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. Han participado en importantes festivales de música andina colombiana del país. En 2017 participó en el Festival de Música Colombiana, Andina y Sacra de la ciudad de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas. En 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana Tradición, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos Ciudad de Cajicá donde también fueron finalistas. En 2019, ganaron este último concurso y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2020. Este concierto también se realizó en Buenaventura en el Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República, el 11 de marzo de 2020 a las 7:00 p.m., y en Quibdó en el Auditorio del Banco de la República, el 13 de marzo de 2020 a las 6:30 p.m.

Foto: Carolina Ramírez Páez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 LIZETH VEGA cantante (Colombia) David Ocampo, guitarra (Colombia) Oliver Corswhaithe, cuatro (Colombia) Cindy Gómez, tiple (Colombia) Diana Paola Castañeda, percusión (Colombia) Jueves 12 de marzo de 2020 · 7:00 p.m. Villavicencio, Teatro La Vorágine PULEP: NTV282 Jueves 26 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 16 PULEP: WPY197 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Carolina Ramírez Páez LIZETH VEGA, cantante Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria vocal y ha sido ganadora de importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es estudiante de Licenciatura en Música con énfasis en canto y dirección coral en la Universidad Pedagógica Nacional, formada con Marissa Pérez, Andrés Pineda y Guillermo Plazas. Es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente se encuentran: Mejor solista vocal de la 45a versión del Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019; Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018; primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018; participación en el festival Colombia al Parque, con las agrupaciones Nuevo Joropo (2018) y Guarura (2017); nominada al Gran Premio Mono Núñez, modalidad vocal, 2018; ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017; participación como concertista y tallerista de música folclórica colombiana en el Festival Internacional Sonamos Latinoamérica en México y Argentina, con la agrupación Guarura, 2017; y mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en la versión número 38 Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. David Ocampo, guitarra (Colombia) Oliver Croswaithe, cuatro (Colombia) Cindy Gómez, tiple (Colombia) Diana Paola Castañeda, percusión (Colombia) El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Azul (s. f.) CLAUDIA GÓMEZ (n. 1962) Texto: Sonia Martínez (n. 1930) Arreglo de David Ocampo Ciro Corral de ordeño (1989) SIMÓN DÍAZ (1928-2014) Arreglo de Julián Croswaithe Ya no le vendo mi fundo (1995) CARLOS CÉSAR ORTEGÓN (n. 1962) Arreglo de Julián Croswaithe Soy (2010) FERNANDO SALAZAR (n. 1959) Texto: Ancízar Castrillón (n. 1953) Arreglo de David Ocampo Ciro y Julián Croswaithe Mi pequeña (2004) AQUILES BÁEZ (n. 1964) Arreglo de David Ocampo Ciro Viajera del río (s. f.) MANUEL YÁNEZ (s. f.) Arreglo de David Ocampo Ciro Sueño de paz (2009) ÉDISON ELÍAS DELGADO (n. 1979) Arreglo de Marla Hernández y Harol Pobre INTERMEDIO Así es mi amor (s. f.) ARMANDO MANZANERO (n. 1935) Arreglo de David Ocampo Ciro El gabán y la gabana (s. f.) JOEL HERNÁNDEZ (n. 1947) Arreglo de David Ocampo Ciro y Julián Croswaithe Cuánto añoro mi tierra (2015) VÍCTOR HUGO REINA (n. 1979) Arreglo de David Ocampo Ciro Camina Pedro (2007) JHON HARBY UBAQUE (n. ca. 1976) Arreglo de David Ocampo Ciro Y vivirás (2013) MARÍA ISABEL SAAVEDRA (n. 1968) Arreglo de David Ocampo Ciro Orgullo de suelo patrio (2015) JAVIER ALDANA (n. 1970) Arreglo de David Ocampo Ciro y Julián Croswaithe 3 NOTAS AL PROGRAMA Pareciera que, para las músicas y los músicos locales que no entran en los parámetros de la denominada NMC (nueva música colombiana) y que no hacen ‘fusión’ con algún género transnacional o son difíciles de encuadrar en la tan cacareada economía naranja, solamente quedara como espacio de circulación el circuito de concursos y festivales que se dan a nivel municipal, departamental y nacional, además de algunos escenarios y eventos locales, así como la producción independiente de discos y videos, ambos no masivos y de circulación restringida a un público especializado. Otra realidad acá es que ese circuito se agota relativamente rápido para sostener una actividad artística de largo aliento, tanto así que hasta hay una broma al respecto de ello: se pasa de joven promesa a vieja gloria en unos pocos años. El panorama es complejo. Se escuchan voces que llaman a la modernidad y a la interacción con el mundo, a dejar la postura estática y museística que impide tomar nuevas rutas, a transformar la mirada nostálgica, a ampliar la singularidad sonora, a romper los paradigmas tradicionales, a dialogar con otros lenguajes mediante formatos experimentales y a tener una relación dinámica con otras vertientes musicales, entre muchas otras invitaciones. Y sí, eso es necesario, y afortunadamente hay mucho de ello en el quehacer sonoro del país. Pero también se escuchan otras voces que, asentadas en la práctica cotidiana, caen en cuenta de que los discursos desde la industria, con criterios y objetivos transnacionales, y las influencias del posmodernismo (estamos en tiempos, por ejemplo, del posgénero musical) tampoco tienen en cuenta las particularidades de una cantidad de consumidores y practicantes de músicas que están por fuera de esa esfera de sentido. La gran tarea para muchos músicos a la luz de esas tensiones entre tradición y modernidad, es definir su estilo en el sentido amplio de la palabra: no se trata solamente de qué suena sino, fundamentalmente, de cómo suena, de cómo se proyecta en escena, de cómo ser creativo sin caer en clichés (‘folclóricos’ o de la industria). Menuda tarea. Es en este panorama, sucintamente descrito, que Lizeth Viviana Vega desarrolla su carrera. Ganadora del último Festival Mono Núñez (2019) y también del Torneo Internacional del Joropo (2018) en la modalidad ‘voz estilizada’, se mueve a cabalidad en ambos escenarios regionales. Nació en la población de Cumaral, Meta y fue criada en los llanos, aunque desarrolló su carrera profesional de licenciatura en música con énfasis en canto y dirección coral en una universidad bogotana. Como gran parte de las últimas 4 generaciones de intérpretes y compositores de músicas locales, su hoja de vida está plagada de participaciones en concursos regionales y nacionales en los que ha tenido una destacada figuración, con primeros y segundos lugares. Tiene una bella voz, capaz de moverse en los estilos de las músicas que trabaja; pone su cuota de modernidad con el tipo de formatos que la acompañan y su cuota de tradición con el repertorio. Son dos las canciones provenientes de compositoras colombianas en el programa de hoy, la primera de ellas, Claudia Gómez (n. 1962) con texto de Sonia Martínez (n. ca. 1930). Sonia comenzó a escribir a los 66 años de edad y, gracias a su actividad en la Corporación Cantoalegre, fue inspiradora de muchos artistas más jóvenes, lo cual ha hecho que su reconocimiento sea tardío y más bien centrado en Antioquia. Sus dos grandes pasiones son la música andina y el bolero, cuyas características musicales se mezclan en Azul, un pasillo teñido de frases y estilo bolerísticos: «Eres el azul / que soñó mi mañana gris [...] arco iris luz / presagio de un amanecer...». La segunda es María Isabel Saavedra Pouchard (n. 1968), compositora de Y vivirás, una danza de evidentes evocaciones al bolero caribeño, que le canta bellamente a alguien que está pronto a morir: Antes de volverte ángel, quiero decirte un secreto: que ahora somos el espejo de tu carne, de tus besos un pedazo de tu ser [...] Cuando ya no esté tu cuerpo permanecerá tu alma, la que siempre voy a amar [...] Y vivirás en cada corazón de cada uno de los que amaste, de quien te amó. Saavedra ha tenido un interesante recorrido por diversas músicas locales, partiendo de lo andino, y goza de amplio reconocimiento en la movilización de las tradiciones musicales de mujeres cantoras. 5 Los compositores de música andina escogidos para este concierto son tres, también reconocidos ampliamente en el circuito de festivales y concursos. Al cantautor quindiano Ancízar Castrillón Santa (n. 1953), organizador de uno de los principales concursos infantiles de música andina, el Cuyabrito de Oro, se le distingue por su activa participación en distintos eventos y festivales: ha escrito unas 650 obras, de las cuales han sido grabadas cerca de 170, y obtenido más de veinte primeros lugares nacionales en obra inédita. Es el autor de la letra de la caña Soy —cuya música es de Fernando Salazar Wagner (n. 1959)—, un género musical oriundo de los departamentos de Tolima y Huila, que se caracteriza por alternar, en amalgama, un compás de 6/8 y uno de 3/4. En su texto, de carácter nacionalista, se enfatiza en la identidad nacional a través de citas a emblemas regionales: soy bambuco, café, sal marina, un pueblo, cumbia, mapalé, paisaje y canto... en fin. Víctor Hugo Reina Rivera (n. 1979) es un músico de tradición familiar y con formación universitaria, dos maneras de aproximación a la música que le han permitido moverse en incontables escenarios de práctica, desde grupos ‘folclóricos’ hasta orquestas del programa estatal Batuta. Por su dedicación al tiple y a los espacios festivaleros se ha hecho merecedor de muchos premios en concursos nacionales y regionales, tanto en formatos instrumentales como vocales, para los que ha compuesto obras en las que se destaca un tratamiento de temas locales, tal cual en Cuánto añoro mi tierra. Édison Elías Delgado Montenegro (n. 1979) es originario del departamento de Nariño, pero desarrolla su vida musical y artística en el Huila, donde dirige agrupaciones y es docente en espacios universitarios. Sueño de paz es un bambuco de temática actual, que le canta a una paz personificada, que estuvo o podría estar, pero se ve truncada por los sucesos y las decisiones políticas: «Añorando tu llegada / está la selva bella / un niño, un abuelo / allá en la cordillera / y yo anhelando tu presencia / en todo mi país». La otra fuente de repertorio para este concierto es la música llanera colombo-venezolana, con géneros como el joropo, el pasaje, el vals y alguno específicamente venezolano: el merengue. Se nos presenta, del cantante y compositor Javier Martínez Aldana (n. 1970), conocido en el medio como Javier Aldana y nacido en la población metense de Arimena, un recio pajarillo titulado Orgullo de suelo patrio. La obra comienza con un texto interpretado libremente a modo de tonada de trabajo, para desembocar en el golpe en sí mismo, cuya temática se enmarca en eso que se describe como nativismo patriótico: la identidad centrada en la tierra local y la nacional, a la que se ama por su hermosura y riquezas naturales. 6 Por su parte, John Harby Ubaque Vásquez (n. ca. 1976) no es de esos llaneros ‘de pata al suelo’, como se dice en la zona, dado que nació en Yopal cuando sus padres, una pareja de artistas oriundos de la cordillera, estaban de gira por Casanare. Alterna su vida musical entre dos géneros: el pasaje y el bolero, que, en sus palabras, «se parecen en lo romántico y en el cortejo a la mujer, y la más grande diferencia está en que el primero es campesino y todavía sabe a tierra, mientras el segundo es música urbana». Ha pasado por agrupaciones como Cimarrón y Los Trío, con una amplia agenda nacional e internacional. Camina Pedro es un pasaje que, como está ocurriendo con el mismo joropo, se acompaña cada vez más con base de onda nueva. Su temática es la del desarraigo de un llanero que ahora camina la sordidez urbana: «Camina Pedro / y entre el asfalto mira y busca el horizonte / y son sus ojos dos caballos al galope / pero su lejos ya no se lo mide el monte». Yo no le vendo mi fundo, ofrezca lo que me ofrezca, porque la pena me mata, yo no le vendo mi fundo […] Cómo le voy a vender el cielo que me cobija o el suelo donde me paro, en cuántos reales se fija gozar esta soledad. Así nos dice Carlos César Ortegón Castro ‘el Cachi’ (n. 1962), quien llegó a ser doctor en leyes y connotado jurista litigante, para poner en el tapete el tema de la presión del gran capital con intenciones de cambiar el uso de la tierra. Gente con mucha disposición de dinero viene a comprar tierra para otros proyectos. Yo manifestaba que eso no lo hago solo yo, sino tomando la vocería de mucha gente que decía que no les vendía el fundo así tuvieran mucho dinero1. Como compositor atento a los hechos de esta región, Ortegón ha encontrado que campesinos y combatientes, por igual, han compuesto cantos 1 Al respecto, vale la pena leer el artículo de Beatriz Valdés Correa La música llanera canta la verdad de la guerra, publicado en El Espectador el 12 de abril del 2019 y que puede consultarse en https:// bit.ly/2VkqiBh 7 que relatan tanto el conflicto armado como la relación con la tierra y con los animales; le cantan a su familia y a sus muertos, a su pueblo y a las noticias fatídicas de lo que ocurría ahí. «En los años más duros del conflicto armado en los llanos orientales, no se podía hablar de lo que pasaba. Pero se podía cantar [...] La música es una forma de apegarse al territorio, una forma de defenderlo y quererlo». Tanto así que lanzó una propuesta para que la Comisión de la Verdad revise la música llanera como documento histórico. ¿La razón?: «La historia del llano no quedó escrita, sino cantada». Lizeth Vega nos presenta también a varios compositores venezolanos. En el año de 1972, Simón Narciso Díaz Márquez (1928-2014), el célebre tío Simón, decidió lanzar un LP titulado sencillamente Tonadas, en el que recogió y llevó a estado de género comercial las principales características de los cantos de arreo, vaquería y ordeño de los llanos colombo-venezolanos, rasgos que son similares y compartidos en muchas otras culturas pastoriles del mundo. De manera general, los cantos de arreo y vaquería son más fuertes, con constantes cambios de registro mediante el uso de lo que se conoce popularmente como falsete, con largos gritos y exclamaciones que se pretende deban ser escuchados por encima del rumor del caminar del ganado. Por su parte, los cantos de ordeño suelen ser más íntimos y por medio de ellos se establece un permanente diálogo con la vaca. En ambos es frecuente la ejecución de glissandos descendentes al final de algunos versos, exclamaciones que buscan imitar un breve mugido. Corral de ordeño no le canta a una vaca, sino que cita muchos nombres de ellas, entreverados y rimando con los versos del texto: Melodía, Barlovento, Nochebuena, Malacrianza, Clavellina, Linda estrella, Buenamoza, Lucero... «ya viene saliendo el sol / y no siento tu presencia / llegas tarde a la querencia, me estoy muriendo de amor». El gran guitarrista y compositor caraqueño Aquiles Báez (n. 1964) compuso para su hija el hermoso merengue Mi pequeña, en donde le dice, nos dice, cosas muy bellas: Esa pequeña que me sube los postigos, que me colma de cariño y se roba mi ilusión, esa pequeña que alegra hasta la tristeza y que llena de colores mi canción [...] Tienes la luz de la mañana, tienes mi luna en tu ventana y la varita que algún mago perdió. 8 Con estudios formales en el Conservatorio de Caracas y posteriormente, a los 32 años, en el prestigioso Berklee College of Music y el New England Conservatory, Báez rápidamente se dio cuenta de que estaba ‘aprendiendo lo que ya sabía, pero en inglés’. Afirma que le debe mucho al salón de clases, pero le debe más a la noche, cuando salía a tocar su instrumento en el mundo real, a acompañar bandas de música folclórica, de jazz, de boleros y de música tradicional. La academia en el día y la calle en la noche fueron sus escuelas, donde hizo los aprendizajes más importantes. Manuel Yánez (s. f.) fue un músico y compositor nativo de Ciudad Bolívar (estado Bolívar), que se interesó desde muy joven por géneros musicales populares, como las parrandas navideñas, y formó parte de diversas agrupaciones musicales, entre las que se destaca Juventud Guayanesa. Se afirma que compuso unas 150 obras en poco más de tres años, entre merengues, valses, pasodobles, boleros, salsa, canciones patrióticas, joropos, guarachas y otros géneros latinoamericanos. Tal vez su canción más célebre es el vals Viajera del río, una pieza que devino emblemática de su región, compuesta al observar, desde el malecón de su ciudad natal, los racimos de lirios de agua desplazarse por el río Orinoco. Joel Enrique Hernández Pérez (n. 1947) afirma de su propio trabajo: Como compositor, procuro ir tomando escenas o elementos de la vida llanera. Indago mucho en la memoria colectiva del pueblo llanero. Me gusta conversar, indagar, preguntar, hurgar a los viejos llaneros sobre el conocimiento que tienen de su viejo llano, de costumbres, de faenas. Entonces, después le doy forma poética. Las escribo, les doy métrica, rima y metáfora, les doy música y luego las convierto en canciones. Es este un estilo que en el vecino país designan como nativista, un poco nostálgico del ayer, con descripciones idealizadas de la cotidianidad campesina llanera. El gabán y la gabana es una obra en golpe de gabán (con un ciclo armónico que alterna dos compases de tónica con dos compases de dominante, en tonalidad menor), de corte ecológico, que usa el supuesto amor entre dos aves para unir dos regiones distantes de la geografía venezolana: el llano y la Guayana. Finalmente, se trae a escena un vals del recordado cantante y compositor mexicano Armando Manzanero Canché (n. 1935), Así es mi amor, que describe el sentimiento «como la risa de un pequeño saludable / como el profundo de la mar, casi insondable / como gorrión que disfrutó la primavera / como un lucero que brilló la noche entera». Próximos conciertos en Villavicencio LUIS GUILLERMO CÓRDOBA, piano (Colombia) Jueves 11 de junio de 2020 · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio LA PERCUMOTORA (Colombia) Miércoles 29 de julio de 2020 · 7:00 p.m. Teatro La Vorágine Con el apoyo del Instituto de cultura del Meta JUAN PABLO CEDIEL QUINTETO, jazz (Colombia) Jueves 3 de septiembre de 2020 · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio PULEP: BJT678. SHN430. ZHN659. JXK469 Manuel Bernal Martínez. Candidato a Maestría en Musicología de la Universi-dad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional co-lombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. OLIVIER STANKIEWICZ, oboe (Francia) ALASDAIR BEATSON, piano (Reino Unido) Jueves 28 de mayo de 2020 · 7:00 p.m. Biblioteca Germán Arciniegas Con el apoyo de la Corporación Cultural Municipal de Villavicencio Foto: Kaupo Kikkas Foto: Fotostudio Balsereit Foto: Edgar Fernando Parra Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474 . P PULEP: JNY980. XPD926. MIB570. RIV835. UOI212. FKB414 BX636 . BKR126. WYZ758 MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo 7:30 p.m. OLIVIER STANKIEWICZ* oboe (Francia) Domingo 31 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio NUEVO CONCIERTO KAMIL PACHOLEC piano (Polonia) Domingo 3 de mayo 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Polonia ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja LAURA ESPINAL piano Jueves 14 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA Jueves 28 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar ANDRÉS FELIPE PALACIOS R. guitarra Jueves 11 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales MARÍA CAMILA FLÓREZ violín Jueves 4 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín JULIÁN CAMILO LERMA viola Jueves 21 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué CARLOS MATEO PÁEZ guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 · NUEVO HORARIO, 6:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ * Este concierto cuenta con el apoyo de

Foto: Edward Mesa Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 WUILMER LÓPEZ (Colombia) arpa llanera Jueves 24 de febrero de 2022 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: NCK469 Viernes 25 de febrero de 2022 · 7:30 p.m. Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia PULEP: GZN311 Jueves 30 de junio de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: PAE839 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE Wuilmer López, arpa llanera Wuilmer inició sus estudios con Hildo Ariel Aguirre en la Academia Llano y Joropo de Bogotá y se graduó como Profesional en Música de la Universidad INCCA de Colombia con tesis meritoria. Ha sido seleccionado en cuatro ocasiones para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República; ganó la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música, la convocatoria Suena Chicamocha del Teatro Santander, el Concurso de Interpretación Musical de IDARTES, la Beca de Circulación Internacional de Mincultura, el Programa Distrital de Estímulos Conciertos Temáticos, la serie de conciertos de Biblored, el Festival Folclórico Guayupe de Oro, el Festival Internacional Infantil del Arpa y el premio a la segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el Torneo Internacional del Joropo. Wuilmer también fue merecedor de mención especial en el Festival Hatoviejo Cotrafa y nominado al Gran Premio Mono Núñez. Ha participado en las ocho versiones del Encuentro Internacional Maestros del Arpa, el World Harp Congress, el VillaJazz Festival, el Festival Internacional de Arpas de Ecuador, el Arpa Fest de Cancún, la serie Conciertos del Mediodía de la Universidad de los Andes, la serie de conciertos de Biblored, el Rio Harp Festival Brasil y el Cairde na Cruite International Harp Festival de Irlanda. Wuilmer se ha presentado en importantes escenarios como el Teatro Santander, el Teatro Colón, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República, el Teatro Colsubsidio y el Auditorio León de Greiff. Junto al proyecto Julio Victoria Live Band ha sido participe de importantes festivales en Colombia, Finlandia, Noruega, Francia, Japón, Corea del Sur, Irlanda, Chile y Argentina. Entre estos se destacan el Festival Lollapalooza, Estéreo Picnic, Baum Festival y Sónar Bogotá, entre otros. Foto: Teatro Santander 2 Carlos Andrés Quintero Badillo ‘Carlos ReQuintero’, mandolina y requinto Carlos Andrés nació en Bucaramanga, en 1991. Se graduó como Maestro en Música de la Universidad Autónoma de Bucaramanga con distinción cum laude y es estudiante de la Maestría en Políticas Públicas y Desarrollo de la Universidad Autónoma de Bucaramanga. Se ha encaminado hacia la interpretación de instrumentos tradicionales de la región Andina colombiana (tiple y tiple requinto). Desde hace nueve años se ha enfocado en el estudio de la mandolina clásica y latinoamericana, teniendo como referencia a maestros como Florentino Calvo, Ricardo Sandoval y Hamilton de Holanda. Su trabajo musical lo ha llevado a realizar seis producciones discográficas. Como requintista ha ganado varios festivales a nivel nacional junto a su hermano Manuel Eduardo y al trío instrumental Macaregua, como el Festival de Música Andina Mono Núñez, el Festival Nacional del Pasillo, y el Festival Nacional del Requinto. Carlos Andrés fue invitado a ser parte de la producción discográfica de música andina colombiana grabado por Smithsonian Folkways Recordings de Washington; y por la Alianza Francesa y el Musée Dauphinois para realizar giras por diferentes ciudades de Francia en 2012 y 2014. Ha sido también invitado a diferentes festivales y encuentros, dentro de los cuales se destacan el Festival Internacional de Música de Pulso y Pua en España, Festival Internacional del Folklore en Argentina, Festival Internacional Mandolines de Lunel, Festival Pince-Cordes de Mirecourt y el Encuentro de Mandolinas en Venezuela. En 2017 ganó la beca de creación de la Gobernación de Santander con el proyecto Suite Macaregua para trío típico santandereano (requinto, tiple y guitarra). Fue ganador de la convocatoria Jóvenes Talentos del Cartagena Festival Internacional de Música y de la residencia en investigación de IDARTES. Asimismo, ha sido intérprete y jurado de festivales de música andina colombiana. Entre 2017 y 2019, Carlos Andrés adelantó estudios de mandolina con Florentino Calvo en el Conservatorio de Argenteuil, Francia. Foto: Teatro Santander El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de la Universidad de la Amazonia 3 PROGRAMA Malvaloca (1913) LUIS ANTONIO CALVO (1882-1945) Original para piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López (n. 1996) y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ (n. 1991) Taquito militar (1952) MARIANO ALBERTO MARTÍNEZ ‘MARIANO MORES’ (1918-2016) Original para piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ El cafetal (2016) WUILMER LÓPEZ Despasillo por favor (2010) LUIS CARLOS ‘LUCAS’ SABOYA (n. 1980) Original para violín y guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Contradanza (s. f.) AQUILES BÁEZ (n. 1964) Original para guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Bambuquísimo (1992) LEÓN CARDONA (n. 1927) Original para dos bandolas, tiple y guitarra Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ São Jorge (1979) HERMETO PASCOAL (n. 1936) Original para flauta, guitarra y piano Adaptación y arreglo de Wuilmer López y Carlos Quintero ‘Carlos ReQuintero’ Inquietísimo (2016) WUILMER LÓPEZ Festivaleando (2017) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Para esta ocasión el arpista bogotano Wuilmer Alejandro López Algecira — con tan solo veinticinco años, pero asiduo intérprete de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República desde 2017— nos brinda un programa muy diferente a los que nos tenía acostumbrados. Al respecto, Wuilmer menciona: «Al principio era todo llanero, pero Hildo [Ariel Aguirre Daza, su maestro] también me presentó la música de arpa de otros territorios, luego me enamoré del flamenco con Paco de Lucía, más tarde apareció el arpa celta… ahora tengo referentes como Hamilton de Holanda o Yamandu Costa». Se trata entonces de abrirse al mundo, tanto real como simbólicamente. Y decimos simbólico porque su brillante carrera lo ha llevado a países como Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia. Ha obtenido premios y menciones en muchos concursos y convocatorias nacionales. Esto lo ha puesto en contacto con prácticas similares, pero también radicalmente distintas, de las que ha venido tomando elementos y herramientas que conducen su búsqueda actual. Comenta Wuilmer que su estilo está «[…] como en descubrimiento, encuentro influencias de otras músicas diversas, no exclusivamente del jazz. Estoy en eso: lograr una construcción nueva a partir de muchos elementos». Una muestra de lo real es el repertorio de este concierto, en el que solamente hay una obra ‘francamente llanera’. En ese interés por ampliar sus referentes para la práctica interpretativa y compositiva, lo más cercano es el vecindario nacional —la música andina—, y el latinoamericano. Es por ello que invita en su concierto al requintista y mandolinista santandereano Carlos Andrés Quintero, quien está en búsquedas similares y con quien piensa grabar una producción que incluirá buena parte de lo que escucharemos hoy; en esa medida, estamos en una especie de prelanzamiento. Wuilmer indica: «[el distanciamiento de lo llanero se da] por mi momento actual, por la relación con Carlos y por el interés en incursionar en otros estilos […] lo andino es lo más cercano. Queremos salirnos de la zona de confort explorando lo más fuerte de cada uno». Está entonces en una dinámica nueva para él, partiendo de las partituras que son de manera cuidadosa estudiadas individualmente para «comenzar a crear el arreglo a partir de esto: qué le funciona mejor a cada instrumento, cómo intervenir en ciertos espacios que 5 deja el otro instrumento… se graban secciones, se corrige, se prueba, se llega a un arreglo y este se mantiene con pocas modificaciones, aunque existen secciones en que se improvisa». De la autoría de nuestro intérprete de hoy, Wuilmer Alejandro López Algecira (n. 1996), se nos presentan tres obras. Las dos primeras que mencionaremos aparecieron en la producción discográfica Entre dos arpas, que fue presentado al público en 2016. El cafetal es una obra que se caracteriza por un tratamiento que mezcla elementos del pasaje instrumental llanero, del joropo por corrido, del pasillo y del vals venezolano, con un toque de bambuco en la parte inicial. Es una obra bien lograda que brinda constantes sorpresas al oído, y está «inspirado en los cafetales que se comparten en las regiones de los llanos y de la zona cafetera andina». Inquietísimo es un pasillo que se grabó inicialmente con tiple, cucharas y bajo. Como su nombre lo indica, genera una cierta inquietud general, dada tanto en el tratamiento armónico por las constantes modulaciones que se desarrollan a lo largo de su discurso, como por una alternancia de fraseos que se mueven entre el pasillo y el joropo en sistema acentual por corrido. Por otra parte, Festivaleando es la obra más reciente, en una estructura similar a la del denominado ‘instrumental llanero’ en el contexto de los concursos, consistente en un entreverao de golpes llaneros. Escuchamos acá melotipos y procedimientos discursivos de golpes recios como chipola, quitapesares, San Rafaelito, seis por derecho y pajarillo, entremezclados con conducciones libres entre uno y otro golpe, en un verdadero y emocionante tour de force. Malvaloca es el título de una danza, compuesta alrededor de 1913 y grabada por primera vez en 1921 por el dueto de Joaquín Forero y Arturo Patiño con un texto que, según parece, no es original de su compositor, Luis Antonio Calvo (1882-1945). Lo cierto es que la obra ha sido profusamente grabada e interpretada en su versión instrumental, y es así como nos llega hoy. Para la época de su composición, Calvo ya era un músico conocido en diferentes espacios musicales de la ciudad de Bogotá, a la que había llegado en 1905 y que abandonaría en 1916, cuando fuera recluido en el leprocomio de Agua de Dios. Según relata Sergio Ospina Romero en su libro biográfico sobre Calvo, de obligatoria lectura para situarnos en el entramado cultural bogotano y colombiano del momento, «[…] en el transcurso de poco más de diez años, desde su llegada a Bogotá, Calvo pasó de ser un inmigrante desconocido, con serias carencias económicas y una educación musical incipiente a ser un músico medianamente formado en lo académico y suficientemente reconocido como intérprete y compositor […] se convirtió en un personaje famoso» (Ospina, 6 2017). Y no podía ser para menos: además del innegable talento melódico y los básicos conocimientos de armonía e instrumentación con que dio sus primeros pasos en la banda del Ejército, a la cual seguía vinculado, estudiaba en el Conservatorio y participaba en la orquesta de dicha institución desde 1909, hizo parte como violonchelista de la Lira Colombiana de Pedro Morales Pino hacia 1912, actuaba en el Terceto Sánchez-Calvo con el que incursionó en la grabación discográfica, fue integrante de la estudiantina Arpa Nacional e igualmente de la Orquesta Unión Musical, a más de desempeñarse como pianista solista o acompañante en conciertos y eventos sociales, y cantante de coro y organista en algunos templos católicos de la ciudad. A esta ingente actividad se sumó un hecho no menos importante: la capacidad de expresar en sus obras el gusto predominante de una sociedad que aún no se desprendía del discurso de la música de salón de finales del siglo XIX, y en la que predominaba una postura nacionalista más basada en el desarrollo de la música popular que en un movimiento vinculado a lo académico. Ospina comenta también que Malvaloca es el nombre de una obra española de teatro, escrita y difundida en 1912 por los hermanos dramaturgos españoles Álvarez Quintero. En julio de 2001 el diario argentino Los Andes informó: «En 2000 se realizó una votación popular llevada a cabo por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, donde Mariano Mores fue elegido como el mejor compositor de tango del siglo y Taquito militar como mejor milonga». Independientemente de la realidad que puedan reflejar este tipo de votaciones, a Mariano Alberto Martínez (1918-2016), con 76 años de extensa y exitosa carrera artística, se le vincula principalmente con un movimiento, a mediados de siglo XX, que pretendió establecer unos vínculos directos entre las prácticas sinfónicas y las de la música popular. En el marco de las realizaciones populistas del primer gobierno peronista, su proyecto era formar una gran orquesta de características sinfónicas para hacer música popular, pero ello terminó chocando con visiones elitistas que establecían una separación inflexible entre música popular y música ‘culta’, en un momento histórico en el que el tango empezaba a perder ‘masividad’, afectado por la internacionalización del mercado musical. Aquella política peronista de vincular la música popular y la música culta generó una fuerte oposición de los grupos conservadores: eminentes periódicos hablaban del ‘sarampión populista’, escritores como Julio Cortázar transmiten la sensación de que el Teatro Colón de Buenos Aires bajo el peronismo no es sino la «degradación de algo hermoso». Taquito militar, una milonga instrumental compleja de sonoridad muy moderna para la época fue el tema que simbolizó aquel proyecto de vinculación de lo culto con lo popular cuando fue estrenada 7 en 1952 en el Teatro Colón y dedicada al entonces ministro de guerra. Tal fue la discusión que fue uno de los temas incluidos en el libro Esos malditos tangos: apuntes para la otra historia, dedicado a obras de ‘raigambre peronista’, que por esa causa fueron discriminados, censurados o silenciados. Fue el primer tema de su autoría grabado por la orquesta de Martínez el mismo año de su estreno. São Jorge fue estrenada en 1979 en el álbum Zabumbê-bum-á, en el que el genial Hermeto Pascoal (n. 1936) fungió como compositor, arreglista, editor, productor, vocalista, flautista (soprano y bajo), pianista, guitarrista, tecladista, saxofonista (soprano y tenor) y percusionista. Esta es una de las características que siempre se mencionan de Pascoal: el ser multiinstrumentista, a más de gran improvisador y estar todo el tiempo rompiendo fronteras entre géneros y usando procedimientos de muy diversas fuentes, la mayor de ellas su sinigual imaginación y concepción de lo sonoro. La obra está basada en dos acordes que se alternan y dos secciones melódicas, la primera de notas largas y carácter expresivo, seguida de una más densa, en el estilo del forró, que es acelerada excesivamente en la parte final. Bambuquísimo, de León Cardona García (n. 1927), es una de las obras de una trilogía que incluye también a Bambuquito y a Bambucazo. Cardona ha sido un músico muy estudiado académicamente durante lo transcurrido de este siglo, porque «[su obra] se ha mantenido como parte del repertorio cotidiano, pues su propuesta sonora desde una escritura cuidadosa aporta a los músicos disfrute e interés por los elementos melódicos, armónicos, dinámicos y de contrapunto tonal allí presentes. Igualmente, los procesos de montaje e interpretación de esta música son exigentes y se han constituido en un factor diferenciador» (Borda et al., 2016). A partir de unos estudios musicales básicos en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, pasando por el estudio autodidacta en la práctica como instrumentista, el tomar clases particulares con músicos renombrados, la participación activa en espacios de entretenimiento nocturno en Bogotá y Medellín principalmente y una intensa actividad en la industria discográfica, Cardona fue construyendo un lenguaje musical que, más que renovar, actualizó a tendencias internacionales y transnacionales los elementos denominados tradicionales en la música del interior del país. De él se mencionan hechos como haber sido pionero en la interpretación de la guitarra eléctrica en la década de 1940 y haber participado en lo que se considera el primer disco de jazz grabado en Colombia, con el sexteto de Luis Rovira (1961). Bambuquísimo es una de sus obras más interpretadas, creada en 1992 para cuarteto de dos bandolas, tiple y guitarra, y estrenada en una parranda de cierre del Festival Mono Núñez de ese mismo año. 8 Despasillo por favor es un pasillo con una primera sección lenta y expresiva, y una segunda más movida y contrastante, del conocido tiplista y compositor Luis Carlos ‘Lucas’ Saboya González (n. 1980), sin duda uno de los intérpretes y compositores más activos tanto en la composición de obras para diversos formatos instrumentales, en la interpretación del tiple, en la grabación y producción de grabaciones antológicas, como en la gestión de eventos y productos. Esta obra apareció inicialmente en la producción discográfica Camaleonte (2006) del Trío Palos y Cuerdas, interpretada por su autor en la guitarra y el gran violinista venezolano Alexis Cárdenas. Si bien nuestro arpista de este concierto la grabó interpretada a dos arpas en la producción Concuerda 2, Arpasión, en la que hizo una continuidad de la repetición de la primera sección, acelerándola para desembocar al golpe de joropo denominado Las tres damas, hoy nos la presenta en una nueva versión de mandolina y arpa. Aquiles Báez (n. 1964), quien realizó estudios formales en el Conservatorio de Caracas y, posteriormente, ya con 32 años, en los prestigiosos Berklee College of Music y New England Conservatory, relata de esta experiencia que muy rápidamente se dio cuenta de que estaba «aprendiendo lo que ya sabía, pero en inglés». En diversas entrevistas publicadas en red afirma que le debe mucho al salón de clases, por supuesto, pero que le debe más a la práctica en la noche, cuando salía a tocar su instrumento en el mundo real, a acompañar bandas de música folclórica, de jazz, de boleros y de músicas tradicionales. Es la historia de muchos músicos que se mueven en esa difusa frontera entre prácticas académicas y populares: la academia en el día y la calle en la noche son las «escuelas» en que realizan los aprendizajes más significativos. Su Contradanza apareció en el DVD El samán, para un trío de guitarra, saxofón y contrabajo. Es una obra que pone en evidencia las conexiones entre la música de salón del siglo XIX, con evidentes proyecciones en géneros populares en toda Latinoamérica, y prácticas originales del siglo XVIII: de allí cierto sabor ‘barroco’ de sus diseños melódicos y el uso de variaciones de complejidad creciente. Para esta obra, Carlos Andrés Quintero usará el requinto-tiple, al que ha dedicado muchos años de estudio e interpretación, instrumento tan querido en su departamento natal. Démosle la bienvenida entonces a esta nueva etapa en la vida musical de Wuilmer López, en la que, sin duda, desarrollará el potencial que su formación y amplia experiencia le permiten. 9 Referencias Borda, I. et al. (2016). León Cardona: seis décadas de música sin fin. Trabajo de grado. Bogotá: Universidad Distrital. Recuperado de http://hdl.handle. net/11349/5336 Ospina, S. (2017). Dolor que canta: la vida y la música de Luis A. Calvo en la sociedad colombiana de comienzos del siglo XX. Bogotá: Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veinticinco años de experiencia como docente universitario en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Durante treinta y seis años se ha dedicado a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. Foto: Dan Kullman TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Neiva y Florencia, prográmate en 2022 para el concierto del Cuarteto Spektral (Estados Unidos) cuarteto de cuerdas!

Foto: Daniel Machado Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 DUETO IDILIO (Colombia) música tradicional colombiana Jueves 24 de marzo de 2022 · 6:30 p.m. Quibdó, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: TIF337 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES 2 DUETO IDILIO, música tradicional colombiana Juanita Sossa y Laura Chaparro, voz Jefferson Jerez, tiple Julián Nieves, guitarra El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. La agrupación ha participado en importantes festivales de música andina colombiana del país: en 2017, en el Festival de Música Colombiana Andina y Sacra de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas; en 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana ‘Tradición’, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos ‘Ciudad de Cajicá’ donde también fueron finalistas. En 2019 el Dueto Idilio ganó este último concurso y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Foto: Daniel Machado 3 PROGRAMA Camino real (s. f.) JOSÉ IGNACIO TOVAR (1922-2007) Mis canas (s. f.) CARLOS ALBERTO ROZO MANRIQUE (1928-2007) El regreso (s. f.) EFRAÍN OROZCO (1898-1975) A bordo de tu voz (c. 2006) LUZ MARINA POSADA (n. 1974) Ojos miradme (1938) JOSÉ DE JESÚS MAZO MARTÍNEZ (1912-2003) El torbellino soy (c. 2000) CLARA CALDERÓN (n. 1957) El guaro (s. f.) ANÓNIMO INTERMEDIO Mi huella (s. f.) GRACIELA ARANGO DE TOBÓN (1931-2000) Tiplecito viejo (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES (1913-1978) Caminantes (c. 2001) LUZ MARINA POSADA Sigo pensando en ti (s. f.) ÁLVARO CHAPARRO BERMÚDEZ (1917-1999) Pescador, lucero y río (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES Y deja (c. 1951) GIRALDO PILOTO (1929-1967) ALBERTO VERA (1929-1996) El tambo (c. 1926) EMILIO MURILLO CHAPUL (1880-1942) Idilio (s. f.) ALBERTO AMADEO RIVERA (1903-1968) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Esquiva y polisémica palabra es el adjetivo ‘tradicional’, especialmente cuando se le adjudica a algún tipo de elemento de la música. En sana ley, no habría manifestación musical alguna que no fuera tradicional, en tanto forma parte de una práctica de producción de sentido de un grupo humano mediante los sonidos, unidos al movimiento corporal, al texto, a la imaginación... en fin, a tantos elementos que son denominados, erróneamente, como extramusicales. Incluso la vanguardia, como una actitud creativa, es un tipo de práctica tradicional. Nos acostumbramos desde hace pocas centurias a una amañada división entre música escrita (llamada también clásica, docta, culta, hecha por profesionales) y música oral (tradicional, folclórica, hecha por empíricos), tanto así que todavía mucho músico popular afirma cosas como que no ‘sabe de música’ solamente porque no conoce o no utiliza el código escrito de origen occidental. Esta postura también niega la inmensa carga de oralidad que tiene la música escrita: todo lo que la grafía no puede recoger e indicar. La aparición de la fijación del sonido, y el desarrollo de las industrias culturales y del entretenimiento impusieron y siguen imponiendo enormes cambios en la vida pública y privada, tanto así que emerge el campo de la música popular (también llamada masiva), ya no ligada a la grafía sino a esos procesos industriales de producción, circulación y consumo. Y es en este punto, en eso que se da en llamar música andina colombiana, que se crea una inmensa confusión, tanto por las evidentes intersecciones entre prácticas musicales, como por la asignación de un discurso identitario y de categorías folclóricas a una música hecha fundamentalmente para el entretenimiento. Es claro: músicos de la industria posan de campesinos, y continúan con una narrativa romántica y bucólica de lo rural, mientras simultáneamente músicas populares urbanas (la rumba criolla, por ejemplo) son folclorizadas. En paralelo a las grandes marcas fonográficas, con toda su visibilidad en los medios, se da una muy poco conocida producción de ‘música campesina’ en sellos pequeños de poco tiraje. Es apenas parte del encanto. ¿A qué viene lo anterior? Para los integrantes de la agrupación que hoy nos acompaña, el asunto de la escogencia del repertorio, de la manera de tratarlo y de cómo presentarlo en escena pasa por esta reflexión y por la toma de decisiones a partir de esto. Para la muestra un botón: el conocido bambuco canción El regreso, del músico caucano Efraín Orozco Morales (1898-1975), tiene una introducción y un interludio originales muy bellos, además de un texto ligeramente diferente que, sin embargo, no fueron grabados así por el dueto Garzón y Collazos, cuyos productores tomaron la decisión de usar como introducción una sección de la melodía de la parte en tonalidad menor, como interludio la melodía inicial de la parte mayor y cambiar algo del texto. Se ganó en recordación del público, por supuesto, con un criterio empresarial1. ¿Qué 1 Puede escucharse la versión original del compositor, voz y guitarra, en el sitio https://youtu.be/ aknHopApcTA. 5 decisión se toma?, pues interpretar la versión canonizada, la ‘tradicional’, la que está en el recuerdo de cierta parte del público, a cuya ampliación le apuntan. Tiene todo el sentido. En realidad, nos movemos en un tipo de música multitemporal, que es tanto vieja por su composición y textos, como nueva por su re-presentación y re-elaboración por parte de los intérpretes, quienes están convencidos de que todavía tiene mucho qué decir a las nuevas generaciones. A propósito de lo ‘tradicional’, uno de los grandes aciertos del Dueto Idilio es, sin lugar a dudas, el contar con un acompañamiento muy rico (tanto de riqueza como de ricura), en el que tiple y guitarra están en un constante diálogo entre ellos y con las voces, con múltiples posibilidades dentro de una textura general homofónica. Es especialmente destacable la recuperación creativa e implementación de un manejo de la guitarra, característica de las décadas centrales del siglo XX, en el que la conducción melódica de los bajos es un elemento importante, que aporta movimiento e interés, además del que aporta la acórdica y el uso de la armonía. Nos dice Laura, una de sus integrantes: «Hemos trabajado mucho en el ensamble. Todos hemos llegado de maneras muy diferentes a la música andina. Juana aporta la lúdica de su trabajo con niños, Julián trae elementos de la guitarra eléctrica en música popular no tradicional (chucu-chucu, salsa, son), Jefferson trae tanto el tiple como el requinto. Todo el grupo fluye: la comunicación es la base de todo». La puesta en escena es otro elemento destacable, pero no tanto por la vestimenta u otros elementos externos, como por la actitud lúdica, desparpajada y comprometida en escenario, en donde se hace evidente que el goce musical no es una impostura sustentada solamente en sonrisas y movimientos estudiados, y cuidadosamente soltados en el momento oportuno, sino que es el carácter de cada obra y la conciencia que se tiene de ello, lo que conduce el discurso musical y escénico. «Queremos disfrutar la música, para hacer disfrutar al público». Han tenido que trabajar mucho para el ensamble general y de las voces, y, si bien reconocen algunos referentes e influencias, le apuestan a una construcción del dueto desde el grupo, de manera experimental, en cada ensayo y en cada tema. Es así como la mayor parte del repertorio escogido para este concierto es de tradición popular urbana, perteneciente a músicos ya fallecidos y conocidos por su figuración en las décadas centrales del siglo pasado. Según los integrantes del grupo, se busca mostrar «versiones vistas desde nuestros ojos y oídos actuales, trabajadas desde lo que es el grupo: se trata de ofrecer frescura en una música que ha sido presentada desde unos clichés interpretativos que nos interesa renovar». Por este origen, la inmensa mayoría son compositores de género masculino, con canciones que presentan un tipo de amor patriarcal, en cuyos textos la mujer es objeto del amor/deseo/recuerdo masculino y no un sujeto activo de su amor en pareja. Es frecuente tanto el reclamo por el abandono amoroso como la descripción de las características que mueven al amor, tópicos que son compartidos por numerosos géneros latinoamericanos. Es así como Álvaro Chaparro Bermúdez (1917-1999), conocido con el nombre artístico ‘Álvaro Dalmar’, nos dice en el pasillo Sigo pensando en ti: «Dónde estás, cariño mío, dónde estás / presiento que ya nunca volverás / no sé si en otros brazos te 6 hallarás / feliz, mientras te espero yo». Carlos Alberto Rozo Manrique (1928-2007) se lamenta en el bambuco Mis canas, porque identifica la llegada de la vejez y llora «de saber que ya me muero / y no te podré cantar». Por su parte, José Ignacio Tovar Medina (1922-2007), en Camino real, describe todas las labores domésticas de su ‘negrita’, que lo espera en el rancho para quitarle las penas, mientras José de Jesús Mazo Martínez (1912-2003), ‘José Macías’, toma otra temática común, la del amor como sufrimiento que roba la calma, cuando afirma: «Ojos miradme, Dios mío / no importa que sean fatales / y que como dos puñales / desgarren el pecho mío», en Ojos miradme. De José Alejandro Morales López (1913-1978), nos presentan en Pescador, lucero y río una muerte por amor, mediante la metáfora de algún elemento de la naturaleza que obedece a las pasiones humanas «porque de celos / se desbordó aquel río / entró al bohío / y se robó el lucero». Por otra parte, Tiplecito viejo le hace un homenaje a dicho instrumento, al que compara de entrada con Jesús de Nazareth y en el que se supone residen elementos identitarios, paisajísticos y culturales. Las compositoras que nos presenta el Dueto Idilio son tres, con tratamientos distintos de géneros populares o de base campesina. Clara Calderón M. (n. 1957), por su cercanía con los planteamientos del grupo Nueva Cultura, es quien más se acerca a las características del género rural en El torbellino soy, conservando la estructura del texto en coplas agrupadas temáticamente en grupos de dos. De Luz Marina Posada Montoya (n. 1974), nos presentan dos temas: La guabina A bordo de tu voz, un género urbano al que le hacen una introducción de canto guabinero campesino e interludios en torbellino, lo que le da un marco especial a una bella canción contemporánea que le canta al amor a través del conocimiento del otro; y el bambuco Caminantes, que es un doloroso testimonio del desplazamiento: «para no perder la vida / hay que abandonar el campo / pero la vida se queda allá / se quedan los sueños / se queda la libertad». La tercera compositora es Graciela Arango de Tobón (1931-2000) con su vals Mi huella, un canto en otra temática de despecho presente en tantos géneros populares latinoamericanos: «aunque pretendas negarlo, mi amor y mi cuerpo te marcaron». La agrupación nos trae dos canciones festivas y parranderas que son muy poco comunes en el repertorio más usual de los duetos vocales. La primera de ellas es un pasillo anónimo conocido como El guaro, que le canta al popular aguardiente alternando coplas con un estribillo que dice: «Tú eres la que me decía / que nunca me olvidaría / vámonos a emborracharnos ¡qué caramba! / hasta que amanezca el día». La segunda es otro pasillo, conocido como Satanás por su versión cantada, y que tiene diversas atribuciones de autoría. La primera grabación de este tema, exclusivamente instrumental, se hizo en marzo de 1926 bajo el título de El tambo, atribuida a Emilio Murillo Chapul (1880-1942). Bien vale la pena recordar acá que este compositor registró y grabó bajo su nombre unas cuantas piezas musicales de origen popular y compositor desconocido, que circularon a finales del siglo XIX y comienzos del XX, a las que les hacía arreglos de diverso tipo. Sin que esté claro el proceso, la obra comienza a ser llamada y grabada bajo el título más conocido, Satanás, atribuyéndose la autoría al pianista y compositor cienaguero Juan Abarca Rovira (1904-1974). Finalmente, el cantante y compositor de música parrandera Francisco Antonio González Zapata 'el mono' (1908-s. f.), nacido en Titiribí (Antioquia), afirmó haberle colocado letra al pasillo ya en la década de 1940, 7 reconociendo que su autor era Abarca2. Haciendo honor a su carácter, escucharemos una versión muy divertida y llena de sorpresas: «Satanás es un negro / yo lo conozco, yo lo conozco...» Finalmente, hay dos canciones de origen caribeño. El portorriqueño Alberto ‘Tití’ Amadeo Rivera (1903-1968), lutier, guitarrista y director de agrupaciones, es el compositor de Idilio, canción cuya referencia más conocida fue grabada en el álbum Hecho en Puerto Rico, de 1993, en la magistral interpretación de Willie Colón y Ángel ‘Cucco’ Peña, razón por la cual se le atribuye la autoría a Colón. En esta ocasión escucharemos una versión bambuquera, con algún breve llamado al merengue venezolano y un final caribeño con improvisaciones instrumentales sobre el coro vocal. Con la otra canción de este origen, Y deja, sucede algo parecido: en algunas fuentes se le atribuye a Alberto Vera Morúa (1929-1996), compositor cubano de boleros que tuviera un dueto muy exitoso con Giraldo Piloto (1929-1967), y en otras fuentes aparece de autoría de Rubén Blades Bellido de Luna (n. 1948), quien sin duda la hizo famosa al lado de Willie Colón en una versión con toques brasileños. Nos comentaron que en «el grupo hay un gusto especial por la salsa y lo caribeño [...] Igual nos encanta la versión de C4 Trío como danza zuliana [...] se incluyó por eso, porque es interesante y muy bonita». El camino, tal parece, es uno: mostrar que tradición y modernidad no conforman una dicotomía, que no son puntos de vista (y de escucha) antagónicos, sino que hay una especie de continuo entre ellos. Se puede ser profundamente moderno al insertarse en una tradición centenaria y también se puede ‘envejecer’ lo moderno, dependiendo del tratamiento musical por el que se opte. Bien vale la pena apreciar el trabajo del Dueto Idilio, de la agrupación que son cuatro; se trata, en sus palabras, de «un concierto que los va a contagiar de alegría, al que le hemos puesto el corazón completo y las ganas de compartir algo que sentimos nuestro, que puede seguir sonando y puede seguir representándonos». Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veinticinco años de experiencia como docente universitario en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Durante treinta y seis años se ha dedicado a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. 2 Ver BURGOS HERRERA, Alberto. (2000) La música parrandera paisa. Medellín: Editorial Lealon, p. 169. Foto. Nathaniel Huard TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Quibdó, prográmate en agosto para el concierto de Ensamble Amir Amiri (Irán), música tradicional iraní! Este concierto también se presentará en Buenaventura y Bogotá

Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.

Foto: Sebastián Mejía Ocampo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 ANDRÉS FELIPE PALACIOS (Colombia) guitarra Martes 1° febrero de 2022 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón PULEP: CEV811 Jueves 3 de febrero de 2022 · 6:30 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QBW192 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 SOBRE EL INTÉRPRETE ANDRÉS FELIPE PALACIOS, guitarra Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez-Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Foto: Sebastián Mejía Ocampo 2 Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República. Conozca más acerca del artista Andrés Felipe Palacios www.youtube.com/c/AndresFelipePalacios www.facebook.com/AndresFelipeGuitar1 www.facebook.com/AndresFelipePalaciosguitarist/ www.instagram.com/andres.felipe.palacios/ 3 PROGRAMA Fantasía P1a (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Transcripción para guitarra de Andrés Felipe Palacios (n. 1988) Gran obertura, Op. 61 (s. f.) MAURO GIULIANI (1781-1828) Fantasía dramática para guitarra, Op. 31 (c. 1856) NAPOLEÓN COSTE (1805-1833) Elegía (s. f.) JOHANN KASPAR MERTZ (1806-1856) INTERMEDIO Sonata para guitarra (1932) Allegro moderato Minueto Pavana triste Final ANTONIO JOSÉ MARTÍNEZ (1902-1936) Fantasía para guitarra, Op. 107 (1971) Preludio Scherzo Arietta Fugetta Arietta Marcha Postludio MALCOLM ARNOLD (1921-2006) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo La guitarra: un instrumento que ha vivido siempre entre diversos mundos, entre lo popular y lo académico, lo mítico y lo intelectual, lo oral y lo escrito, y la razón y la pasión. Los opuestos se han convertido en la fuente más fértil de creación para la vida de la guitarra en el mundo, y el programa de hoy está basado justamente en dos géneros que se han erigido como el hábitat perfecto para las disputas y las reconciliaciones entre opuestos: la fantasía y la sonata. I – La Fantasía Ha sido interpretada de múltiples maneras y tenido infinitas formas, sujetas siempre a la geografía, el tiempo, el gusto y, claro está, los caprichos del compositor. La fantasía implica libertad, pero no una sola libertad, se trata de una libertad con muchos matices, una libertad que tiene diferentes acentos y que ha sido recibida de múltiples formas a lo largo de la historia. Una libertad que puede que no entendamos ahora, pero que en algún momento le habló directamente a quienes la escuchaban en cortes, en palacios, o en cámaras domésticas. Una libertad que permitía que, para fortuna de todos, las divisiones entre lo vocal y lo instrumental fueran una ilusión y que la propiedad privada de los recursos instrumentales se tornara, por un momento, en un bien común. En palabras de Thomas Morley: El principal y mayor tipo de música que se hace sin un texto es la Fantasía; esto es cuando un músico toma un punto [melodía] y lo utiliza y modifica a su antojo, haciendo mucho o poco con él, de acuerdo con como sea mejor según su concepto. En esta [la fantasía] se muestra más arte que en cualquier otro tipo de música, pues el compositor no está atado a nada, sino que puede añadir, reducir y alterar como le plazca1 (Morley, en Strunk, 1985, pp- 86-87). A Fancy, o Fantasía P1a, según el catálogo de Diana Poulton, es una muestra de la imposibilidad de reducir los géneros musicales a una sola forma. 1 “The most principal and chiefest kind of music which is made without a ditty is the Fantasy, that is when a musician taketh a point at his pleasure and wresteth and turneth it as he list, making either much or little of it according as shall seem best in his own conceit. In this may more art be shown than in any other music because the composer is tied to nothing, but that he may add, diminish and alter at his pleasure.” (Morley: A Plain and Easy Introduction to Practical Music (London, 1597). (Traducción al español de Daniela Peña Jaramillo) 5 Hace parte de la obra de uno de los más célebres laudistas de finales del siglo XVI y comienzos del XVII, John Dowland (1563-1626), y tiene, por lo menos, dos versiones, como solía suceder en aquel entonces, cuando pensar en una obra cerrada e inmodificable no cabía en el quehacer musical. Aunque Dowland es ahora una de las figuras ineludibles en el repertorio para guitarra y laúd, siendo este último su instrumento y para el cual fue compuesta esta pieza. La vida de Dowland no fue un triunfo constante, fue rechazado, contratado, solicitado y despedido por cortes de la corona inglesa, e incluso se vio inmerso, sin quererlo, en un complot organizado por un grupo de católicos en contra de la Reina. El júbilo que sentía por componer y tocar siempre estuvo escoltado por un carácter apesadumbrado que parecía disfrutar la compañía del dolor y su música no escapó a esta dualidad. Semper Dowland, semper dolens (‘siempre Dowland, siempre afligido’), además del título de una de sus pavanas, fue un lema que caracterizó su poética pero que algunas veces, como en el caso de la Fantasía que escucharemos hoy, fue ignorado, de alguna manera, por el compositor. Haciendo justicia a las palabras de Morley, su contemporáneo, esta obra nos muestra todo lo que puede llegar a ser una fantasía. Podemos ver la libertad, que no es la misma libertad del siglo XIX, ni del XXI, pero que, a partir de sus múltiples secciones, permite que la polifonía y el contrapunto imitativo convivan con lo que pareciera un aire o una canción popular acompañada por un laúd; que los recursos más propios y sutiles del instrumento convivan con lo que pareciera una fanfarria más propia de un instrumento de viento, en un contexto bélico, al aire libre, que de aquel instrumento de cuerda pulsada que tocaban los ángeles. Estas guerras, sin embargo, a veces las percibimos como un espejismo, como algo remoto que está en los libros de historia, pero que no se siente completamente real; podrá ser la falta de fotografías o de archivos de video lo que nos prive de identificarnos con esos escenarios de violencia; también puede ser que las representaciones gráficas que están a nuestro alcance se nos han mostrado con un romanticismo que ha logrado ocultar la barbarie que las inspiró. Sin embargo, lo bélico siempre ha sido fuente de creación y todas las mentes fértiles siempre han utilizado su poética para contar una historia de guerra, para conmemorar a sus protagonistas o simplemente para expiar los demonios que su huella dejó. El Op. 31 de Napoleón Coste (1805-1883) se titula Fantasía dramática y está divida en dos secciones, Le départ (La partida) y Le retour (el regreso). Aunque podría parecer lógico pensar en la partida y el regreso al interior de 6 una historia de amor, que no era un tema inusual en el siglo XIX, este no fue el caso. El compositor francés quiso realizar un pequeño monumento sonoro al ejército francés, que partió en 1854 hacia Sevastopol buscando la victoria contra su contraparte rusa y comenzando, a su vez, con el Asedio de Sevastopol. Los soldados regresaron triunfantes en septiembre del año siguiente, dando fin a la guerra de Crimea. La fecha, 29 décembre 1855!... que aparece en la partitura, conmemora la procesión de victoria que se llevó a cabo en París, en la Place Vendôme. Elegie (Elegía) del compositor bohemio Johann Kaspar Mertz (1806- 1856) se erige como una de las piezas más exigentes dentro del repertorio guitarrístico gracias a la cantidad de recursos técnicos que se requieren para poder interpretar de manera correcta la retórica decimonónica temprana, tan evidente en toda la obra de Mertz. Y, aunque el título no lo refleja, el espíritu de la fantasía colma la estructura y la poética de esta pieza. Para el momento de su composición, la guitarra gozaba ya de gran popularidad en varias regiones europeas, especialmente en Francia, Italia, Alemania y finalmente Austria, que, como veremos, acogió al virtuoso Mauro Giuliani, justamente en 1806, momento en el que el instrumento pasó de ser un elemento de refinamiento doméstico, a competir con el piano en la escena del virtuosismo musical. Fue precisamente gracias al acercamiento hacia la música para piano de Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn y Franz Schubert, que Mertz ayudó al posicionamiento de la guitarra como un instrumento, que compartía el cariño del aristócrata diletante con el del virtuoso de profesión. Su esposa, Josephin Plantin, pianista, implantó el germen de dichos compositores en Mertz y es así como mucha de la música del compositor va a reflejar ciertos tintes del lenguaje pianístico del siglo XIX, especialmente aquel en donde una melodía lírica es secundada por un acompañamiento virtuoso. Elegía refleja dicho recurso compositivo, claro está, con una dificultad técnica mucho mayor, por ejemplo, a la de las piezas incluidas en la célebre colección titulada Bardenklänge Op. 13, en donde, si bien la retórica de principios del siglo XIX es inminente, la técnica no desempeña un papel protagónico. Esta pieza da cuenta perfectamente de la simbiótica dupla entre una melodía y un virtuosismo eminentemente románticos. II – La Sonata La sonata fue, de alguna manera, hija de la fantasía y de su carácter combativo, pero su madurez y su momento de mayor celebridad llegaron en el siglo XVIII, 7 el de la Ilustración que, así como recogía lo que se había hecho en el pasado más inmediato, buscaba que el orden, la simetría y la sencillez del lenguaje fueran su norte. En la sonata también hay antagonismos, pero estos están perfectamente estructurados: hay conflictos, pero siempre son resueltos; hay múltiples secciones, pero todas tienen una función clara dentro de su estructura narrativa. El siglo XIX empezaba a emanciparse poco a poco de estas formas, pero no las abandonó por completo: muestra de ello es que, por ejemplo, las grandes oberturas con las que se daba inicio a las óperas, estas tenían aún la estructura de una sonata del siglo XVIII; Gioachino Rossini las utilizaba y el guitarrista Mauro Giuliani (1781-1829), incapaz de escapar a su fascinación por el mundo lírico, se ciñó a dicha tradición con su Gran obertura Op. 61. Giuliani nació y murió en Italia, pero gran parte de su vida profesional la llevó como músico de la cámara de la princesa María Luisa, archiduquesa de Austria, y su fama excedió el Imperio Austrohúngaro, llegando hasta Francia. Fue admirado por compositores como Niccolò Paganini, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, e incluso fue violonchelista en el estreno de la Sinfonía No. 7 de este último. Sus obras son ficha segura en el repertorio de los guitarristas actuales, y la Gran obertura es una de sus piezas más interpretadas; la orgánica unión entre un lenguaje, a la vez lírico e instrumental, apto para cualquier público, junto con la complejidad técnica, amparada, eso sí, por un íntimo conocimiento del instrumento, hacen de la obra de este compositor, un ‘microuniverso’ de lo que fuera el Romanticismo temprano, que no soltaba del todo el gusto por el orden y las formas de la Ilustración, pero que miraba hacia un futuro en donde la libertad y la expresión de todas las facetas de las pasiones humanas volviera a regir la creación musical. Mauro Giuliani personifica el espíritu de la época en la que fue celebrado y su música nos narra la historia de aquel periodo lleno de contradicciones. Tal vez por esto, en mayo de 1829, cuando la vida de este virtuoso llegó a su fin, un periódico de Nápoles publicó las siguientes palabras: «En la mañana del octavo día de este mes, Don Mauro Giuliani, el famoso guitarrista, murió en esta ciudad. En sus manos, la guitarra se tranformaba en un arpa que apaciguaba los corazones de la humanidad.»2 (En Tampalini, 2009). Otro compositor que no se caracteriza por la facilidad técnica de sus creaciones fue Antonio José Martínez (1902-1936). En su corta vida 2 On the morning of the 8th day of this month Don Mauro Giuliani, the famous guitarist, died in this city. In his hands, the guitar was transformed into a harp that soothed the hearts of mankind. (Traducción de Daniela Peña Jaramillo) 8 solamente escribió dos obras para guitarra, la Sonata y unos arreglos sobre una canción popular burgalesa; tal vez por esta razón y porque el compositor no era guitarrista, la interpretación de su música para el instrumento no suele ser una tarea fácil. Martínez celebró enfáticamente el triunfo del Frente Popular español en 1936, justo antes de que el país se viera sumido en la tristemente célebre Guerra Civil y afirmaba que «(…) el socialismo bien entendido y bien dirigido es cosa perfecta». Pero el mundo prefranquista no estaba hecho para artistas que quisieran hablar o, mejor, que quisieran hablar ‘al revés’. El compositor fue además fundador de Burgos Gráfico, revista en donde se publicaban artículos que arremetían contra la cultura y la política conservadoras, y se defendían las mezclas culturales que, aquellos afines con el pensamiento del general Francisco Franco buscaban silenciar. Y eso hicieron, no solo con la música, sino con la vida de Antonio José; como sucedió con el poeta Federico García Lorca, amigo del compositor, unos meses antes, la cobardía triunfó y en octubre de 1936, a los 34 años, fue ejecutado por un escuadrón de falangistas que le acusaban de profesar ideales judeo-fascistas. Su voz dejó de sonar y su música también; fue prohibida durante los cuarenta años que duró la dictadura y solo en 1980 se logró publicar un volumen con su obra. En 1981 se tocó por primera vez, después de cuarenta y siete años, la Sonata para guitarra, que había sido estrenada en 1934 por Regino Sainz de la Maza, a quien la obra fue dedicada. La Sonata para guitarra de Martínez no es sencilla de interpretar, pero el resultado sonoro crea una ilusión de sencillez para quien la escucha. Además, está construida a partir de un motivo que va reapareciendo cada tanto en los distintos movimientos; a este recurso le han llamado ‘forma cíclica’ y ya había sido utilizado en varias ocasiones por Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, entre muchos otros; lo que genera es una sensación de regreso a casa que puede llegar a ser reconfortante para el oyente. III – Finale Como si se tratara de una estructura musical, la última pieza del programa, la Fantasía para guitarra, Op. 107 de Malcolm Arnold (1921-2006), contiene elementos del género al que pertenece, pero también del otro género que nos reunió hoy, la sonata. Las secciones dispersas, aleatorias y antagónicas las cambió el compositor por movimientos individuales, y la recurrencia del tema del inicio recuerda a la estructura narrativa y cíclica que ya nos había presentado Martínez. Lo anterior no es de extrañar, pues Arnold fue, además 9 de un sinfonista, una figura muy prolífica en el ámbito de la música para cine, que es narrativa por naturaleza. La pieza, compuesta en 1971, refleja ya una madurez en el lenguaje del instrumento por parte del compositor, adquirida a partir de las otras dos piezas que tuvieron como protagonista a la guitarra: el Concierto, dedicado a Julian Bream, y la Serenata para guitarra y cuerdas de 1967. Reconocido como una mente ecléctica que no se limitó a lo evidente y lo obvio en el siglo XX, Arnold nos deja hoy con una clausura perfecta a la figura itinerante y paradójica que ha sido la guitarra, que tampoco se ha contentado con los límites que se le han impuesto. Referencias Strunk, O. et al (1998). Source readings in music history (Rev. ed. / Leo Treitler, general editor.). Norton. Tampalini, Giulio. (2009). Mauro Giuliani: Rossiniane Op. 119-124; Variazioni Op. 45 e 107; Grande Ouverture Op. 61. Musicmedia Edizioni Musicali [CD]. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Foto: Nicolás Achury Foto: Armin Linke TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡San Andrés, prográmate en septiembre para el concierto de Margret Köll (Alemania), arpa barroca! Este concierto también se presentará en Armenia y Bogotá ¡Tunja, prográmate en julio para que el concierto de Laura Lambuley (Estados Unidos / Colombia), ensamble de jazz! Este concierto también se presentará en Girardot, Villavicencio y Bogotá

TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ- Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas
 El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 45 Estreno: jueves 16 de diciembre · 6:00 p.m. JÓVENES COMPOSITORES 2021 Q-ARTE, cuarteto de cuerdas (Colombia) Foto: Q-Arte: Carlos Lema RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @Banrepcultural Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango JÓVENES COMPOSITORES El sector cultural de un país crece, progresa y se fortalece a partir de los aportes que efectúan diferentes actores y disciplinas. El campo de la composición musical exige creatividad, innovación y constancia, y se espera que de él surjan voces artísticas y apuestas estéticas propias. Sin embargo, en el desarrollo y crecimiento de un compositor es imprescindible la existencia y disponibilidad de espacios en los que la experimentación, el reto y el riesgo sean bienvenidos, fomentados y celebrados. El Banco de la República, en respuesta a esta necesidad, creó Jóvenes Compositores, un programa que, al igual que los encargos de obra, los conciertos retrospectivos que rinden homenaje a compositores colombianos y las producciones discográficas que surgen de estas dos últimas iniciativas, es una apuesta del Banco de la República por reconocer, apoyar y visibilizar el talento de los creadores de nuestro país. El programa Jóvenes Compositores, por medio de una convocatoria anual, busca promover el desarrollo profesional de los jóvenes creadores; los seleccionados pueden contar con la guía y el seguimiento de dos compositores colombianos con trayectoria, y compartir sus composiciones con artistas profesionales que las pongan al servicio del público por medio de un concierto. En este recital virtual que hoy nos convoca se presentan las obras de cuatro jóvenes compositores seleccionados en la primera versión de la convocatoria Jóvenes Compositores. De 54 jóvenes que se presentaron, Tomás Díaz Villegas, Marius Alexander Díaz, Danna Lorena Botero y Óscar Alejandro Parada fueron los seleccionados y, en esta ocasión, es el reconocido cuarteto de cuerdas colombiano Q-Arte quien da vida a sus productos creativos. Conoce más sobre el programa Jóvenes Compositores Síganos en 2 SOBRE LOS JÓVENES COMPOSITORES TOMÁS DÍAZ VILLEGAS Tomás Díaz Villegas realizó su formación profesional en la Universidad EAFIT, en Medellín. Finalizó sus estudios de pregrado en guitarra clásica en 2013 y los de maestría en composición en 2015. Durante su carrera ha obtenido numerosos premios, entre los que se destaca el ocupar los primeros puestos en diversos concursos como VI Concurso Nacional de Guitarra Compensar, Concurso de Pregrado de EAFIT y Jóvenes Talentos de la Orquesta Sinfónica EAFIT; un intercambio académico con la Universidad de Concordia en Montreal, y una beca completa para estudios de posgrado otorgada por la Universidad EAFIT. Fue merecedor de importantes reconocimientos, entre ellos, tres becas de honor durante el pregrado y una mención de honor por su tesis de maestría. A lo anterior se suma la beca que obtuvo en 2016 por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, en el marco del Programa Nacional de Estímulos, para hacer una pasantía en la revista A Contratiempo. Su trayectoria como compositor ha estado enmarcada en la creación continua y en la búsqueda de espacios. En 2014 recibió una comisión por parte de Bonum Presens para escribir una obra en un contexto interdisciplinario que incluía literatura y fotografía. En 2015, Tomás participó en la creación colectiva de Pentasonus, proyecto dirigido por el compositor Víctor Agudelo. Ese mismo año tomó parte en un curso de verano en South Bend, Indiana, en donde recibió clases con P. Q. Phan, Hannah Lash y Zae Munn. Varias de sus obras han sido estrenadas y grabadas, destacándose la grabación de Javier Vinasco de su obra Monólogo capriccioso y la del Grupo de Estudios Musicales de EAFIT de su pieza El festejo. Foto: Lorena Marsiglia 3 MARIUS DÍAZ Marius Díaz nació en Bogotá, en 1985. Residió y se formó en La Habana (Cuba) entre 2002 y 2015. Desde el año 2020 estudia en la cátedra de composición de IF International Foundation de la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Fabián Panisello. Marius ha sido merecedor de dos becas, una de la Fundación Santo Domingo y otra de la Fundación Albéniz. Compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, desde 2009 Marius dirige la Fundación Colarte Café y forma parte del equipo de redacción del boletín digital del Gabinete Musical Esteban Salas, el Sincopado Habanero (Cuba). Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes de Cuba, la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y la Universidad INCCA de Colombia. Adicionalmente, Marius es editor y copista de los compositores cubanos Alfredo Diez Nieto y Leo Brouwer. Recibió el primer premio del Concurso Internacional Musicalia de la Universidad de las Artes ISA (2008, Cuba), el premio especial del concurso Harold Gramatges, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba UNEAC (2012), el premio relevante 160 José Martí ISA (2015, Cuba), el primer premio del primer concurso nacional FestiQ-Artetos (2018, Colombia), el premio especial CUBADISCO (2018, Cuba), el segundo premio del Alfred Schnittke International Composers’ Competition (2018, Ucrania), el primer premio compartido en el Concurso Ensemble ECO (2019, Costa Rica), el tercer premio del 8SW Composer Competition (2020, Estados Unidos), y el primer premio del Hajibeyli International Competition 2021 (Azerbaiyán). Foto: ©escuelareinaofia 4 ÓSCAR ALEJANDRO PARADA Óscar Alejandro Parada es guitarrista, compositor y pedagogo bogotano egresado de la Universidad El Bosque, con conocimientos teoricoprácticos de música popular llevados específicamente a la guitarra solista. Cursó en la Pontificia Universidad Javeriana la Maestría en composición bajo la tutoría de Carolina Noguera Palau, estudio que culminó con un grado académico magna cum laude. Actualmente, Óscar Alejandro se encuentra explorando y desarrollando técnicas interpretativas de la guitarra híbrida (compuesta por la fusión de guitarra y bajo). Sus composiciones no tratan de encajar dentro de un género específico, estas surgen a partir de una conceptualización formal, de la búsqueda y selección de materiales que, en función de una idea, faciliten la transmisión del concepto. Su repertorio se caracteriza por su amplia diversidad musical, composiciones que van desde trío de jazz a gran banda, música ambiental, música para medios audiovisuales, entre otros. Foto: Laura Catalina Serpa Lucio 5 DANNA LORENA BOTERO GALVIS Danna Lorena Botero Galvis nació en Tunja, en 1998. Inició su formación musical en piano y teoría a los catorce años con Ómar Ávila, Ximena Silva y Luisa Rincón. En 2016, Danna Lorena ingresó al énfasis de Ingeniería de Sonido de la Carrera de Estudios Musicales en la Pontificia Universidad Javeriana, y posteriormente al énfasis de Composición en la misma universidad. Ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Juan Carlos Britto, Óscar Murcia, Carolina Noguera Palau y Julián Valdivieso, quien es su actual maestro. La principal preocupación compositiva de Danna Lorena se centra en la interacción entre los formatos instrumentales acústicos y los medios electrónicos, ya sean estos de soporte fijo o de tratamiento de señal en vivo. Esta preocupación se ve reforzada por sus conocimientos técnicos en ingeniería de sonido y en programación, en particular, en la exploración del amplio abanico de posibilidades tímbricas que ofrece un software como Pure Data. Foto: Sandra Marcela Murcia Talero 6 SOBRE LA AGRUPACIÓN Cuarteto Q-Arte, cuarteto de cuerdas Santiago Medina y Liz Ángela García, violines; Sandra Liliana Arango, viola; y Diego García, violonchelo El Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Q-Arte ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con los compositores Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone, entre otros. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Foto: Gabriel Castro 7 Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha hecho colaboraciones con instituciones como la Universidad de Chicago, la Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014 el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT, en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y de su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores, y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales. Conozca más acerca de la agrupación Cuarteto Q-Arte 8 De vuelta al terruño (2020) Inquietud Huida Coraje Añoranza TOMÁS DÍAZ VILLEGAS (n. 1990) Paisaje colombiano con narcos (2021) MARIUS ALEXANDER DÍAZ (n. 1985) (Cero)Tonina (2021) ÓSCAR ALEJANDRO PARADA (n. 1986) Vatnajökull (2021) DANNA LORENA BOTERO (n. 1998) PROGRAMA 9 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria Cualquier sonido puede suceder a cualquier otro sonido, cualquier sonido puede sonar simultáneamente con cualquier otro sonido o sonidos, y cualquier grupo de sonidos puede ser seguido por cualquier otro grupo de sonidos, lo mismo que cualquier grado de tensión o matiz puede ocurrir en cualquier medio bajo cualquier tipo de acento o duración. La proyección exitosa dependerá de las condiciones contextuales y formales que prevalezcan, y de la destreza y el espíritu del compositor (Persichetti, 1961, p. 13). Este concierto, dedicado a la música contemporánea, es un aporte del Banco de la República al desarrollo y crecimiento de jóvenes compositores. Ofrece un espacio para la experimentación, donde el reto y el riesgo son bienvenidos, fomentados y celebrados. El programa incluye la guía y el seguimiento, por parte de compositores de trayectoria y, además, la oportunidad de compartir sus composiciones con artistas profesionales que las presentan al público. Cuando se asiste a un concierto de música contemporánea, más aún, a uno como este en el que las obras presentadas son estrenos, una de las preguntas naturales que aparece es ¿qué tipo o estilo de música escucharemos? Una posible respuesta la ofrecen las ideas, que encabezan estas notas, expresadas por el compositor estadounidense Vincent Persichetti (1915-1987), quien dedicó buena parte de su vida a la enseñanza. Su tratado Twentieth-Century Harmony inicia y termina con las mismas palabras, exactamente igual, con lo que el compositor llamó su ‘párrafo favorito’: una expresión nítida del punto al cual llegó el siglo pasado la música llamada académica. Las ideas de Persichetti siguen hoy vigentes cuando los compositores tienen una muy amplia gama de medios a su disposición y se orientan más hacia las relaciones con el contexto que a los problemas de la identidad personal o la innovación técnica. Las obras presentadas hoy son una muestra sensible de problemas que vivimos a nivel global o local: el cambio climático, la violencia, el desplazamiento y las dificultades de tipo psicológico. Tomás Díaz (n. 1990) nació en Manizales y es compositor, investigador y guitarrista. Actualmente, está llevando a cabo un doctorado en composición instrumental en la Universidad de Montreal. Tomás Díaz es un buen ejemplo de los avances en la educación musical en Colombia, que se transformó 10 sustancialmente en los últimos treinta años y hoy cuenta con un nivel de excelencia comparable con el ámbito internacional. El compositor habla desde su propia experiencia: Para empezar, la formación que recibí en Medellín fue sobresaliente. Los profesores están bien preparados y casi todos translucen una pasión por la enseñanza. Con cierta frecuencia, había invitados en la facultad, lo que ayudaba a formarse poco a poco una idea de cómo eran las cosas afuera. En un viaje a Estados Unidos en el 2015, comprobé que mis conocimientos musicales podían competir en el mismo nivel (Espinosa, 2020). Su obra muestra una preocupación por uno de los problemas de nuestro país: el desplazamiento como consecuencia de la violencia que nos azota desde hace décadas: De vuelta al terruño es una obra inspirada en la nostalgia que los desplazados sienten por su tierra en la distancia. El primer movimiento retrata la inquietud de quienes sufren el hostigamiento que los hace huir finalmente. La música se hila a través de continuas interrupciones e irregularidades rítmicas. El segundo movimiento plasma la huida a partir de un moto perpetuo lleno de gestos melódicos angulares y combinaciones instrumentales volátiles. A continuación, se evoca el coraje de las víctimas y su fortaleza para afrontar las vicisitudes de su periplo. La sonoridad se torna plena y vigorosa. Por último, la obra concluye con una impresión musical de la añoranza que embarga al desterrado cuando ya se ha instalado en territorios extraños. La textura, sutil y expresiva, parece flotar en medio de un mar de imbricaciones rítmicas y dinámicas. En síntesis, la obra pretende ser un recorrido imaginario por algunos de los sentimientos que suscita el desplazamiento forzado (Díaz, 2021). Marius Díaz (n. 1985), compositor, director, pianista, editor, pedagogo y documentalista, nació en Bogotá, y residió y se formó como compositor en La Habana (Cuba), entre 2002 y 2015, como lo expone en entrevista reciente: Yo podría decir que aprendí a hablar primero en cubano que en colombiano […] No quiere decir que antes no hubiera estudiado o tenido vínculos con la música, pero todavía no tenía un perfil profesional de la carrera como compositor. Realmente mi obra nace en Cuba (Yllarramendiz, 2020). Díaz, afirma acerca de su obra: Paisaje colombiano con narcos es una propuesta musical donde coexisten el orden y el equilibrio con el desorden y el caos. Su intención programática es proporcionar una representación del narcotráfico en Colombia. El narco repercute de forma caótica en la actualidad del país. A través de un sistema que involucra diferentes sectores de la sociedad, condiciona nuestro desarrollo social. Este fenómeno sirve de inspiración al autor para proyectar una partitura con diferentes elementos en comunión. 11 Por un lado, la Serie de Fibonacci1 cuya aplicación se observa en diferentes ramas del pensamiento, sirve de patrón modular sobre el cual se desarrollan diferentes relaciones. Las alturas, duraciones y tensiones entre otros elementos, entran en juego con esta sucesión numérica. […] Por otra parte, el aleatorismo controlado2 funciona como elemento de ruptura, discontinuidad, indeterminabilidad y caos, donde evolucionan las dinámicas y los timbres. Se puede destacar como influencia la música del compositor cubano Leo Brouwer, particularmente su serie de paisajes y la obra del artista neerlandés Maurits Cornelius Escher3 (Díaz, 2021). Óscar Parada (n. 1986), músico guitarrista, compositor y pedagogo bogotano, cursó sus estudios de pregrado en la Universidad El Bosque. Recientemente, concluyó la Maestría en Composición en la Pontificia Universidad Javeriana. Previamente, en 2010, se graduó en la misma universidad como arquitecto. Sobre la relación entre la arquitectura y la música, presentes en su formación, el compositor indica: «mi formación como arquitecto me ha permitido nutrir mis procesos compositivos y ha influenciado la visión metódica y estructurada con la que me acerco a la composición. En arquitectura, los elementos de punto, línea, plano y volumen son básicos para crear un objeto formal, y este proceso mental me ha sido útil para conceptualizar y llevarlo a la creación musical». Su proyección como músico encuentra en la educación un rol importante: «en el ejercicio de la pedagogía he encontrado un espacio en el cual puedo nutrir mis conceptos por medio de la retroalimentación y, así mismo, compartir mi conocimiento con otras personas. Pienso que es por medio de la creatividad y la innovación que el músico deja huella. Para mí, la composición humaniza al músico» (Parada, 2021). Sus influencias en la composición tienen diferentes procedencias: «hay varios compositores de banda sonora, como Hans Zimmer, John Williams y Philip Glass. También Michael Torke, por los procesos que sigue y la influencia que tiene de la música popular. En cuanto a esta última, un compositor con el 1 La Serie de Fibonacci, para alguna mejor llamada ‘sucesión’, fue descrita en Europa por Leonardo de Pisa, matemático italiano del siglo XIII también conocido como Fibonacci. Inicia con los números 0 y 1, a partir de estos, cada término es la suma de los dos anteriores. Ej: 0,1,1,2,3,5,8,13, etc. 2 La música aleatoria nace en 1950. Es un método de composición que utiliza el azar como principio constructivo, por tanto, la improvisación tiene un rol principal. El término aleatorio viene del latín alea (dados). En el aleatorismo controlado el compositor establece para sus obras una serie de elementos y deja al intérprete la posibilidad de elegir entre diferentes posibilidades interpretativas. 3 La obra de Escher contiene planteamientos paradójicos como los que se dan en la convivencia simultánea, aparentemente imposible pero real, de conceptos antagónicos como dentro-fuera, cóncavo-convexo y arriba-abajo. 12 que crecí: Gustavo Cerati, quién experimentó en varios campos de la música y también compuso para películas» (Parada, 2021). (Cero)Tonina es una obra que se inspira en el trastorno de ansiedad que se manifiesta por una deficiencia de serotonina. La estilización del título pretende por medio de la homofonía hacer referencia al número cero como símbolo de la disminución de serotonina en el sistema nervioso. En el cuarteto se contraponen dos planos, uno que llamo plano lírico contra otro que llamo plano mecánico. Las características de cada uno de éstos se enfrentan para generar disonancias e inestabilidad, representando el concepto de la ansiedad (Parada, 2021). Damián Ponce de León, uno de los tutores del programa, es enfático al destacar el valor del proyecto: «este nuevo espacio es de una importancia inmensa ya que la labor compositiva se vuelve estéril cuando el creador, especialmente en su etapa de formación, no confronta sus ideas con la realidad del montaje y las observaciones de los intérpretes y el público» (Ponce de León, 2021). Sus apreciaciones sobre los ganadores de la convocatoria, que estrenan hoy sus obras, subrayan la pluralidad del grupo: «me gustó por su diversidad que viene nutrida de formaciones, orígenes e intereses muy diversos. Mientras en Óscar vemos su conexión con músicas como el jazz, en donde el ritmo es protagónico, en Tomás y Danna vemos una formación más académica y por ende una forma muy diferente de indagar en el sonido y las ideas musicales. Todos me parecieron perfiles interesantes y me alegró ver cómo se nutre con más y más personalidades y diferentes perfiles el universo de la composición nacional» (Ponce de León, 2021). El proceso de acompañamiento y guía a los compositores por parte de los tutores fue complementario: «mientras Rodolfo [Acosta] hizo un recuento brillante y minucioso de cada detalle gráfico y técnico de las piezas, yo quise reflexionar e indagar sobre lo estético y la constante necesidad de cuestionar los objetivos puramente técnicos y teóricos de la creación musical con su resultado sonoro y su capacidad de comunicar al oyente, más allá de discursos especializados» (Ponce de León, 2021). Danna Botero (n. 1998) es estudiante de Composición e Ingeniería de Sonido en la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá. En su proceso de formación en esta instituión ha participado en el semillero de investigación en teoría de la música y ha sido monitora de Teoría de la música, Procesamiento de señales y Síntesis por computador. En los últimos años se ha interesado 13 en la música electrónica y su combinación con la música instrumental. La música electrónica le ha permitido desarrollar la relación entre la composición y la ingeniería de sonido. «Desde hace cerca de dos años me ha interesado combinar formatos de cámara con la programación y la síntesis por computador, adicionados al procesamiento de señales», comenta Botero, «a partir de los nuevos timbres generados busco la creación de un discurso musical que sea interesante para el público». Por otro lado, su trabajo de grabación es una fuente de conocimiento de la acústica de los instrumentos. Al respecto observa: «creo que lo que más me interesa de la composición es el timbre, su combinación con la armonía y el proceso de estructurar un espacio de tiempo con sonidos. Por supuesto, siempre teniendo al oyente como referencia, pensando en sus procesos auditivos y perceptivos con el propósito de que asimile mi música, aunque no sea de fácil comprensión» (Botero, 2021). La obra en el programa de hoy es consecuente con los planteamientos anteriores: Vatnajökull, para cuarteto de cuerdas, toma su título del principal glaciar de Islandia. La idea principal de la obra consiste en establecer una dualidad entre los conceptos de armonicidad (representado por el intervalo de quinta justa) e inarmonicidad (generado mediante la utilización del ruido, los trémolos, las técnicas extendidas y los armónicos), creando una unidad hermética que sugiere una analogía con los elementos a la vez dispares y unitarios de un glaciar (volcanes, cristales, nieve, estalactitas, destellos de luz, entre otros). La exploración tímbrica presente en la obra representó en su momento un reto importante, en la medida que la diversidad de sonoridades y técnicas utilizadas permitían posibilidades de desarrollo y de dirección musical muy variadas. La exploración tímbrica se ha convertido en un reto importante y constituye uno de los principales focos de atención dentro de mi catálogo de composición (Botero, 2021). Referencias Botero, D. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Botero, D. (2021). Concierto BLAA: Vatnajökull. [Correo electrónico] Díaz, M. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Díaz, T. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Espinosa, L. (17 de enero de 2020). “Tomás, un embajador de la música”. Entretenimiento, La Patria. Manizales (Caldas). https://www.lapatria. com/entretenimiento 14 Fundación Santo Domingo (FSD). (14/04/21). “Marius Díaz, Compositor”. Becas de la Fundación Santo Domingo. https://www.facebook.com/ FundacionSantoDomingo Parada, O. (2021). Notas concierto Jóvenes Compositores. [Correo electrónico] Parada, O. (2021). Concierto BLAA, (Cero) Tonina. [Correo electrónico] Persichetti, V. (1961). Twentieth century harmony. New York: WW Norton. Yllarramendiz, L. (24 de mayo de 2020). “Colar un café colombo-cubano”. Música de Concierto y Cultura en Cuba. Radio Nacional Musical. Habana (Cuba). https://radiomusicalnacional.wordpress.com/author/ radiomusicalnacional/ Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 15 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Juan Carlos Higuita, violín Juan Carlos Higuita es un destacado violinista colombiano, solista, músico de cámara, pedagogo y gran conocedor del repertorio latinoamericano contemporáneo, lo que le significó una nominación al Grammy Latino. Actualmente es profesor de violín y de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana. Es integrante de la Sociedad de Cámara de Bogotá y del Ensamble CG, especializado en música contemporánea. Durante nueve años fue primer violín del cuarteto Q-Arte, uno de los principales cuartetos de Latinoamérica. Con excelencia académica realizó estudios de pregrado en pedagogía instrumental en la Universidad de Música de Viena, y un pregrado y una maestría en violín concertista en el Conservatorio de la misma ciudad. Durante su permanencia en Viena, fue discípulo de Roswitha Randacher, Jusuf Karajev y Timon Hornig. Recientemente, bajo la tutoría de Richard Young, recibió el título de Magíster en música con énfasis en música de cámara de la Pontificia Universidad Javeriana. Su participación en cursos de violín barroco, violín jazz e improvisación, así como en clases magistrales y de perfeccionamiento con Herman Krebbers, Gidon Kremer, Zakhar Bron, le han permitido interpretar diversos géneros con gran versatilidad. En su trayectoria profesional, Juan Carlos ha sido invitado a actuar como solista con las orquestas más importantes de Colombia, participando como concertino o músico invitado en agrupaciones como Florilegium Musicum Wien, Orpheon Consort Wien, Orpheus Ensemble München, Tonkünstler Ensemble y City of London Sinfonia. Su gran interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con diferentes agrupaciones en distintos festivales: el Festival Internacional para Guitarra en Núrembeg (Alemania), Die Lange Nacht der Musik en Viena (Austria), el Festival de Música Antigua en Gijón (España), el Festival Internacional de Música de Cartagena (Colombia), el Chicago Latino Music Festival (EEUU), el Festival Instrumenta Oaxaca (México), entre otros. Juan Carlos Higuita ha participado como intérprete o profesor invitado en programas de diferentes teatros y universidades de Estados Unidos de América, Italia, Austria, Alemania, Francia, España, Holanda, Turquía, México, Brasil, Perú, Ecuador y Colombia. También ha realizado grabaciones para la televisión francesa, la radio de Austria y la televisión italiana. Entre sus últimas producciones discográficas se encuentra el disco Serenade, compuesto por repertorio nacionalista español; el disco Songs and Sonets, con obras de E. Toldrá junto al pianista Mac Mcclure y el disco Paisajes sonoros, con obras para violín solo. Mac McClure, piano Nació en Florida (Estados Unidos), Mac McClure es licenciado en filología de la Universidad de Carolina del Norte (Estados Unidos). Empezó sus estudios musicales con Consuelo Colomer, y continuó con Michael Zenge y Phyllis Rappeport. En 1984 se trasladó a Barcelona para estudiar con Carlota Garriga en la Academia Marshall, institución fundada en 1901 por Enrique Granados. A partir de 1991 trabajó con Alicia de Larrocha el repertorio español y clásico. Mac ha estrenado obras de Montsalvatge, Mompou, Morera, Arauco y Henze, Garriga, Llorca y Ortega. En adición del repertorio tradicional para piano y orquesta, ha interpretado obras de Del Aguila, Daugherty, Falla, Garriga, Turina y Suriñach. Entre sus más de cuarenta grabaciones en CD (disponibles en plataformas digitales como iTunes, Spotify o Amazon), se destaca la primera grabación mundial de las canciones de Isaac Albéniz y la coordinación de la grabación de la obra completa de la música de Xavier Montsalvatge. También sobresale la primera grabación mundial del Quinteto Op. 49 de Enrique Granados, que recibió excelentes críticas en Gramaphone e International Record Review. Un dato curioso: su primer CD de piano solo fue dedicado a las transcripciones para piano de música de Bach, realizadas por Liszt, Saint-Saëns y Busoni. Todas son producciones de Columna Música. Junto con Albert Moraleda, McClure fundó en 2008 el sello discográfico Klassic Cat, que ya cuenta con dieciséis títulos en el mercado. Con la Editorial Boileau, ha editado y publicado ediciones de música para piano, música vocal, y música de cámara de Joaquim Cassadó, Joan Comellas, Enrique Granados, Manuel Valls, Frederic Mompou, Isaac Albéniz y Robert Gerhard. Mac McClure actúa con frecuencia en España y Europa. Debutó en el Festival Internacional de música de Peralada, en una producción vanguardista del Barbero de Sevilla de Rossini, realizada por Carlos Santos. Ha participado en diversos festivales en España, China, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Serbia, Austria y Estados Unidos. Desde 2010 es profesor asociado en la Universidad Nacional de Colombia. En agosto de 2011 fue nombrado director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, cargo que desempeñó hasta julio de 2015. En enero de 2013 fue nombrado miembro de la junta directiva de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 2016. En 2020 actuó en los Estados Unidos, España, Escocia, Francia, Corea, Austria, Serbia, China e Italia.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 44 Estreno: miércoles 15 de diciembre · 6:00 p.m. JUAN CARLOS HIGUITA violín (Colombia) MAC McCLURE piano (Estados Unidos) Fotos: Nicolás Caballero · Hernando Toro RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalGirardot Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LOS INTÉRPRETES Juan Carlos Higuita, violín Juan Carlos Higuita es un destacado violinista colombiano, solista, músico de cámara, pedagogo y gran conocedor del repertorio latinoamericano contemporáneo, lo que le significó una nominación al Grammy Latino. Actualmente es profesor de violín y de música de cámara de la Universidad Nacional de Colombia y la Pontificia Universidad Javeriana. Es integrante de la Sociedad de Cámara de Bogotá y del Ensamble CG, especializado en música contemporánea. Durante nueve años fue primer violín del cuarteto Q-Arte, uno de los principales cuartetos de Latinoamérica. Con excelencia académica realizó estudios de pregrado en pedagogía instrumental en la Universidad de Música de Viena, y un pregrado y una maestría en violín concertista en el Conservatorio de la misma ciudad. Durante su permanencia en Viena, fue discípulo de Roswitha Randacher, Jusuf Karajev y Timon Hornig. Recientemente, bajo la tutoría de Richard Young, recibió el título de Magíster en música con énfasis en música de cámara de la Pontificia Universidad Javeriana. Su participación en cursos de violín barroco, violín jazz e improvisación, así como en clases magistrales y de perfeccionamiento con Herman Krebbers, Gidon Kremer, Zakhar Bron, le han permitido interpretar diversos géneros con gran versatilidad. En su trayectoria profesional, Juan Carlos ha sido invitado a actuar como solista con las orquestas más importantes de Colombia, participando como concertino o músico invitado en agrupaciones como Florilegium Musicum Wien, Orpheon Consort Wien, Orpheus Ensemble München, Tonkünstler Ensemble y City of London Sinfonia. Su gran interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con diferentes agrupaciones en distintos festivales: el Festival Internacional para Guitarra en Núrembeg (Alemania), Die Lange Nacht der Musik en Viena (Austria), el Festival de Música Antigua en Gijón (España), el Festival Foto: Nicolás Caballero 4 Conozca más acerca del artista Juan Carlos Higuita Internacional de Música de Cartagena (Colombia), el Chicago Latino Music Festival (EEUU), el Festival Instrumenta Oaxaca (México), entre otros. Juan Carlos Higuita ha participado como intérprete o profesor invitado en programas de diferentes teatros y universidades de Estados Unidos de América, Italia, Austria, Alemania, Francia, España, Holanda, Turquía, México, Brasil, Perú, Ecuador y Colombia. También ha realizado grabaciones para la televisión francesa, la radio de Austria y la televisión italiana. Entre sus últimas producciones discográficas se encuentra el disco Serenade, compuesto por repertorio nacionalista español; el disco Songs and Sonets, con obras de E. Toldrá junto al pianista Mac Mcclure y el disco Paisajes sonoros, con obras para violín solo. Su especial sonoridad con demostrada técnica, así como su versatilidad hacen de él un intérprete fuera de serie Blas Emilio Atehortua, compositor colombiano Juan Carlos Higuita es uno de los violinistas más sobresalientes de América Latina en la actualidad. Poseedor de gran destreza técnica, lo que más destaca en él, sin embargo, es su carismática personalidad musical. Saúl Bitrán, primer violín del Cuarteto Latinoamericano Juan Carlos Higuita es un violinista excepcional. Su entrega denota no solo precisión, sino también un apasionado sentido interpretativo y musical Alejandro Escuer, flautista y compositor mexicano 5 Mac McClure, piano Nació en Florida (Estados Unidos), Mac McClure es licenciado en filología de la Universidad de Carolina del Norte (Estados Unidos). Empezó sus estudios musicales con Consuelo Colomer, y continuó con Michael Zenge y Phyllis Rappeport. En 1984 se trasladó a Barcelona para estudiar con Carlota Garriga en la Academia Marshall, institución fundada en 1901 por Enrique Granados. A partir de 1991 trabajó con Alicia de Larrocha el repertorio español y clásico. Mac ha estrenado obras de Montsalvatge, Mompou, Morera, Arauco y Henze, Garriga, Llorca y Ortega. En adición del repertorio tradicional para piano y orquesta, ha interpretado obras de Del Aguila, Daugherty, Falla, Garriga, Turina y Suriñach. Entre sus más de cuarenta grabaciones en CD (disponibles en plataformas digitales como iTunes, Spotify o Amazon), se destaca la primera grabación mundial de las canciones de Isaac Albéniz y la coordinación de la grabación de la obra completa de la música de Xavier Montsalvatge. También sobresale la primera grabación mundial del Quinteto Op. 49 de Enrique Granados, que recibió excelentes críticas en Gramaphone e International Record Review. Un dato curioso: su primer CD de piano solo fue dedicado a las transcripciones para piano de música de Bach, realizadas por Liszt, Saint-Saëns y Busoni. Todas son producciones de Columna Música. Junto con Albert Moraleda, McClure fundó en 2008 el sello discográfico Klassic Cat, que ya cuenta con dieciséis títulos en el mercado. Con la Editorial Boileau, ha editado y publicado ediciones de música para piano, música vocal, y música de cámara de Joaquim Cassadó, Joan Comellas, Enrique Granados, Manuel Valls, Frederic Mompou, Isaac Albéniz y Robert Gerhard. Mac McClure actúa con frecuencia en España y Europa. Debutó en el Festival Internacional de música de Peralada, en una producción vanguardista del Barbero de Sevilla de Rossini, realizada por Carlos Santos. Ha participado en diversos festivales en España, China, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Serbia, Austria y Estados Unidos. Foto: Hernando Toro 6 Conozca más acerca del artista Mac McClure Desde 2010 es profesor asociado en la Universidad Nacional de Colombia. En agosto de 2011 fue nombrado director del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, cargo que desempeñó hasta julio de 2015. En enero de 2013 fue nombrado miembro de la junta directiva de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 2016. En 2020 actuó en los Estados Unidos, España, Escocia, Francia, Corea, Austria, Serbia, China e Italia. 7 El Jaramillo variado (c. 1831) NICOLÁS QUEVEDO-RACHADELL (1803-1874) Zambra granadina de la Suite española No. 2, Op. 97 (1888) ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909) Torre Bermeja, de Doce piezas características Op. 92 (1888) Granada de la Suite española No. 1 (1882-1889) Pieza para violín solo (2006) JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966) Sonata para violín No. 3 (1887) Allegro molto Allegretto espressivo alla romanza Allegro animato EDVARD GRIEG (1843-1907) PROGRAMA 8 SOBRE EL PROGRAMA Por Jaime Ramírez El violín ha mantenido un papel protagónico en la historia de la música de los últimos trescientos años. A pesar de ser un instrumento extremadamente complejo en su construcción y en su práctica, ha generado una fascinación especial; la popularidad y aceptación de este instrumento le ha permitido ser un elemento fundamental en el desarrollo musical de muchísimas tradiciones. A lo largo de los años, los compositores han encontrado en el violín un canal de comunicación y experimentación estética que paradójicamente parece no tener límites expresivos; bien sea mediante la música para diversos tipos de ensambles, o bien para la música del violín solo, el repertorio del instrumento se ha expandido constantemente. El concierto que hoy nos convoca es una invitación a recorrer algunas de estas exploraciones. El repertorio de este concierto nos conecta con tradiciones que parecerían ser irremediablemente distantes; las obras para violín solo de este programa nos permitirán conocer repertorios, que, si bien mantienen una brecha de aproximadamente doscientos años con sus fechas de composición, evidencian una clara conexión emocional que parece no sucumbir al paso del tiempo. Asimismo, las obras para violín y piano de este programa nos conectarán con exploraciones sonoras por medio de géneros tan tradicionales como la suite y la sonata para establecer un vínculo emocional que recorre extremos opuestos del continente europeo. El violín será nuestro agente para reconectarnos y reconocernos con tradiciones paradójicamente distantes y al tiempo inherentemente cercanas. El Jaramillo variado La obra que abre este programa refleja el resurgimiento de un repertorio que gradualmente ha recuperado su vigencia artística y académica gracias a la investigación de la reconocida musicóloga Ellie Anne Duque. Nicolás Quevedo-Rachadell (1803-1874) fue un militar venezolano que llegó a Bogotá junto con Simón Bolívar en 1827; si bien mantuvo una activa carrera militar, también fue un violinista cuyas prácticas musicales resonaron con particular profundidad en nuestro territorio, donde el desarrollo musical era relativamente moderado en comparación con el de otras ciudades latinoamericanas a inicios del siglo XIX. Nicolás Quevedo-Rachadell fue 9 el padre de Julio Matías Quevedo Arévalo (1829-1897), quien sería uno de los más influyentes compositores colombianos de la segunda mitad del siglo XIX; adicionalmente, uno de los nietos de Quevedo-Rachadell fue Guillermo Quevedo Zornoza (1882-1964), quien también se estableció como reconocido compositor en el Tolima y en su natal Zipaquirá. Desde finales del siglo XIX, la familia Quevedo se estableció en Zipaquirá y, desde 1964, la casa que habitó la familia fue donada al municipio; desde 1984 dicha casa, y sus contenidos, se consolidaron en lo que hoy se conoce como Museo Quevedo Zornoza. El legado de la familia Quevedo se ha constituido como pieza fundamental para la reconstrucción de las memorias artísticas y la preservación del patrimonio cultural del país. Parte considerable de los archivos documentales de la familia Quevedo fue organizada y curada gracias a la investigación de Ellie Anne Duque y Jaime Cortés Polanía. En este proceso se logró conocer diversos elementos de la actividad musical de Colombia durante el siglo XIX. Entre los archivos musicales de Quevedo-Rachadell, se encuentran recopiladas obras para una amplia variedad de instrumentos que incluye obras vocal-instrumentales, obras para diversos tipos de ensambles, obras para piano solo, obras para violín solo y para dos violines, así como copias y transcripciones de otros compositores. Dentro de estos archivos, gran parte de las obras instrumentales corresponden a danzas y piezas de salón. Sobre El Jaramillo variado, Duque señala: Mención muy especial merece la obra para violín solo, El Jaramillo variado, único en el repertorio colombiano del temprano siglo XIX. La pieza sobresale dentro de la colección no solo porque desconocemos los antecedentes de la misma (tanto en Venezuela como en Colombia) y por su carácter idiomático e intenciones academizantes que la separan del repertorio para el baile. El tema de 20 compases es de índole abstracta, así el título sugiera la posible existencia de un aire denominado Jaramillo. Pero el tiempo es de vals en ¾ y cabe la posibilidad de que el título sea un homenaje o dedicatoria a alguien de apellido Jaramillo (Duque, 2011, pp. 73 y 77). Como se indica líneas atrás, El Jaramillo variado es un vals para violín solo organizado como un tema y variaciones. En su obra, Quevedo-Rachadell se acoge al modelo de variaciones virtuosas sobre un tema; a medida que la obra se desenvuelve, el solista explora todos los artilugios técnicos y musicales para despertar sorpresa y fascinación entre las audiencias. En tanto que se cristalizaba el proyecto académico de Duque sobre la obra de Quevedo- 10 Rachadell, se realizaron diversos eventos de socialización académica; entre estos eventos se presentaron algunas conferencias con interpretaciones de varias de sus obras. A lo largo de estos eventos, también de la mano de Juan Carlos Higuita, El Jaramillo variado había retornado a las audiencias después de un eclipse de más de ciento cincuenta años. Con mucha seguridad, un grupo cada vez mayor de obras producto de estos esfuerzos académicos volverá a las salas de conciertos con creciente frecuencia1. Selección de obras de Isaac Albéniz adaptadas para violín y piano Hacia la segunda mitad del siglo XIX e inicios del siglo XX, diversos países entrarían en un estado de emancipación cultural mediante un expansivo nacionalismo; gracias a la labor de privilegiados embajadores musicales, cada cultura encontraría figuras heráldicas que llevarían sus tradiciones musicales para ser compartidas y reconocidas por diversos países alrededor del mundo. En lo referente a la música española, el pianista y compositor Isaac Albéniz (1860-1909) desempeñó esta labor de manera excepcional. Gran parte de su obra está centrada en composiciones para la escena (óperas y zarzuelas) y en obras para piano; especialmente desde sus obras para piano, Albéniz logró proyectar diversos estilos de la música tradicional española por medio de suites o colecciones de obras cortas. En general estas obras de alusiones nacionalistas se caracterizan por un brillo tímbrico particular, en el que elementos de marcado lirismo melódico parecen cobrar vida a través de células rítmicas que podrían transportar al oyente directamente al interior de escenas de danzas tradicionales españolas. Las tres obras de Albéniz recopiladas en la siguiente selección para este programa corresponden a adaptaciones realizadas por Juan Carlos Higuita y Mac McClure a partir de movimientos independientes de suites o colecciones de obras para piano. En estas tres selecciones, Zambra granadina, Torre Bermeja y Granada, el ensamble busca rescatar la brillante sonoridad de las obras para piano de Albéniz, al tiempo que explota la exuberancia melódica de su escritura para encontrar un dinámico diálogo camerístico entre el violín y el piano. En cada una de estas obras hay elementos marcadamente rítmicos que soportan líneas melódicas que permiten tanto al piano como al violín asumir un protagonismo bastante teatral al compás de la música tradicional española. 1 El lector puede acceder al video de una de las conferencias sobre la vida y obra de Quevedo- Rachadell, a cargo de Ellie Anne Duque en: https://youtu.be/3fNRhVqV3cc 11 Pieza para violín solo Juan Antonio Cuéllar (n. 1966) ha sido uno de los músicos más influyentes en la escena artística colombiana de los últimos veinte años; a la par de haber desarrollado una carrera encomiable como compositor, ha logrado balancear su actividad académica con diversas responsabilidades en la dirección y gestión institucional, desempeñándose con igual solidez tanto en el sector público como en el sector privado de las artes en Colombia y a nivel internacional. Su labor institucional le ha permitido conocer estrechamente diversas fibras de la sociedad que se entretejen por medio de las artes. De manera análoga, mediante su quehacer creativo, como académico y compositor, ha logrado desarrollar un auténtico lenguaje musical; acogiendo una variada gama de tendencias estéticas, logra canalizarlas en una propuesta artística que permite reconocer una identidad cultural contemporánea que entra en comunión con las más sofisticadas expresiones de la vanguardia musical internacional2. En marzo de 2006 se realizó en Colombia el Concurso Nacional de Violín ‘Olga Chamorro’ con la intención de honrar la vida y obra de esta maestra, quien fue una de las más destacadas pedagogas del violín, y cuya labor fue determinante en la formación inicial de incontables violinistas colombianos. El reconocido violinista y director Adrián Chamorro organizó un concurso de violín que convocara a los más destacados jóvenes violinistas del país. Para este concurso se comisionó a Juan Antonio Cuéllar una obra para violín solo con el objetivo de ser empleada como obra obligatoria en una de las etapas del concurso. La obra compuesta por Cuéllar para este concurso corresponde a su única obra para violín solo. Años después del concurso, esta obra, dedicada a la memoria de la maestra Olga Chamorro y conocida sencillamente bajo el título Pieza para violín solo, ha mantenido una vigencia constante tanto en las salas de concierto como en los repertorios de diversas grabaciones. Fiel a su propósito inicial como ‘obra de concurso’, la Pieza para violín solo exige al instrumentista desplegar una amplia variedad de destrezas instrumentales y exigencias técnicas; por un lapso no mayor a los cuatro minutos y medio, el violinista debe demostrar toda su ‘pirotecnia’ instrumental al tiempo que busca 2 Para conocer de manera más actualizada la labor del compositor Juan Antonio Cuéllar, el lector puede acceder a su página: https://www.juanantoniocuellar.com. Asimismo, para acceder al concierto realizado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Angel Arango en conmemoración de la vida y obra de Juan Antonio Cuéllar, puede consultar el siguiente enlace: https://babel. banrepcultural.org/digital/api/collection/p17054coll30/id/134/download 12 plasmar una idea musical lo suficientemente expresiva que logre convencer al jurado y fascinar a las audiencias. Sonata para violín No. 3 El programa de este concierto finaliza con una de las más importantes obras de la música de cámara del compositor noruego Edvard Grieg (1843-1907). Si bien el repertorio más conocido de Grieg corresponde a su Concierto para piano (compuesto en 1868) y a las suites orquestales Peer Gynt (dos suites derivadas de la música instrumental para una obra de teatro con el mismo nombre) y Holberg (hecha a partir de una suite originalmente para piano), el catálogo de obras de Grieg es admirablemente amplio y recorre una variada cantidad de géneros tanto instrumentales como vocales. A lo largo de la obra de Grieg se puede apreciar cómo decanta los principios del Romanticismo musical, absorbidos durante sus años de formación en Leipzig; rescata diversas tradiciones nacionalistas, que también encontraron resonancia en la obra de otros compositores europeos y norteamericanos; y también anticipa muchas exploraciones estéticas que serían determinantes para la vanguardia musical de inicios del siglo XX en Europa. Las obras más representativas del repertorio camerístico de Grieg son sus tres sonatas para violín y piano, una sonata para violonchelo y piano, y dos cuartetos para cuerda (uno de ellos incompleto). De estas obras, el Cuarteto para cuerdas en sol menor junto con la Sonata para violín No. 3 corresponden a su lenguaje maduro y reflejan una estética compositiva bastante sofisticada; en particular, la Sonata No. 3 presenta incursiones en un lenguaje cromático y armónico mucho más aventurado, adelantándose de alguna manera a gestos que serán posteriormente característicos del Impresionismo y el Neoclasicismo. La Sonata No. 3 fue compuesta en los últimos meses de 1886, no obstante, después de algunas presentaciones privadas en Bergen (Noruega) en el verano de 1887 y algunas correcciones, el estreno oficial de la obra se realizó en diciembre de 1887 en Leipzig. Para esta ocasión Grieg interpretó las partes al piano y Adolf Brodsky interpretó el violín; la obra gozó de gran aceptación desde su estreno y fue publicada ese mismo año por la editorial Peters. La Sonata No. 3 está construida bajo el modelo tradicional de tres movimientos. Sin embargo, la aproximación al lenguaje musical que se desenvuelve a través de sus movimientos es abiertamente ambiciosa, y busca desde su primer movimiento desarrollar una sonoridad exuberante y llena 13 de contrastes. El primer movimiento se adapta al modelo de la forma sonata; claramente presenta la oposición de entidades temáticas, que, más allá de asociarse con ‘temas’ o ‘melodías’, da pie a pensar en dos estados de ánimo que de manera turbulenta se entrelazan a lo largo de la obra para explorar una paleta expresiva que solo llega a conciliar sus oposiciones en un apasionado final que parece necesitar la llegada del segundo movimiento. El segundo movimiento está notoriamente controlado por elementos de profundo lirismo que contrastan en la sección media del movimiento con una filigrana de motivos rítmicos alternados entre los dos instrumentos; el movimiento cierra de manera cíclica retomando algunos elementos que caracterizaron su inicio, pero con una melancólica memoria del proceso recorrido a lo largo de toda la sonata. El movimiento final inicia con un enérgico contraste entre elementos rudimentariamente breves; de forma progresiva, pequeñas células rítmicas se van encajando de manera paradójicamente sofisticada hasta desembocar en sonoridades de gran majestuosidad instrumental. La obra completa cierra de una forma apoteósicamente agitada, en la que se pueden recordar los diversos elementos que paso a paso fueron haciendo parte de este drama musical. Referencias Duque, E. A. (2011). Nicolás Quevedo Rachadell: Un músico de la Independencia. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, pp. 73 y 77. Jaime Ramírez Inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del programa infantil y juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y producciones discográficas, entre otras funciones. 14 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!